Arquitectura románica

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Basílica de San Isidoro de León.

Iglesia de Sant Climent en Taüll, Lérida Se llama estilo románico en arquitectura al resultado de la combinación razonada y armónica de elementos constructivos y ornamentales de procedencia latina, oriental (bizantinos, sírios, persas y árabes) y septentrional (celtas, germánicos, normandos) que se formó en la Europa cristiana durante los primeros siglos de la baja Edad Media.

Épocas del románico
La época en que se considera que se desarrolla el estilo románico comprende los siglos XI y XII, sin exclusión de otros siglos anteriores y posteriores, pues aunque algunos edificios del siglo X tal vez ya puedan calificarse de románicos, se erigieron otros verdaderamente tales en diversas zonas (especialmente, en Asturias y Galicia) durante la época gótica hasta casi alcanzar el Renacimiento.

Exterior de la Colegiata de Santa Cruz en Castañeda, en Cantabria.

La división más común que puede mantenerse del estilo Románico es entre el Románico sencillo y el Románico de transición dando a este segundo grupo un valor secundario y considerándolo como una variante del primero, con tal de incluir en él los edificios de aspecto románico que ostenten algunos arcos ojivales o apuntados sin cubrirse con bóvedas de crucería. Este segundo grupo empieza en el siglo XI pero no se hace común hasta mediados del mismo siglo e incluso entonces coexiste con el primero. Cabe también distinguir por otro concepto el estilo Románico en dos variantes, con los nombres de sencillo y rebelde, pues se observa que en la primera época del estilo, hasta ya entrado el siglo XII, se presentan los edificios con relativa ayudalidad en los adornos de puertas y ventanas y con cierto aspecto de pesadez y tosquedad, que van perdiendo a medida que avanza dicho siglo; mas no puede establecerse esto como una norma constante, por obedecer a muy diferentes causas: regionales o locales, la perfección y elegancia propia de cada construcción, o por corresponder su filiación a distinta escuela artística. No obstante, la división entre Románico sencillo y Románico florido servirá en multitud de casos para determinar la cronología de los edificios de este tipo en una misma región o localidad que haya de estudiarse; y desde luego se pueden atribuir en España al segundo grupo (correspondiente a mediados del siglo XII hasta bien entrado el siguiente) los edificios románicos que ostenten exuberancia ornamental o gran finura de ejecución de los detalles.
Contrafuertes

Los soportes característicos de un edificio románico son el pilar compuesto y el estribo o contrafuerte adherido exteriormente al muro. Los contrafuertes tienen por objeto reforzar los muros y servir a la vez de estribo o contrarresto a los arcos y bóvedas (servicio que también prestan los pilares compuestos): son visibles al exterior, lisos y de forma prismática. Pero cuando se adhieren a los ábsides aparecen frecuentemente a modo de columnas que sostienen el alero. Los muros están formados de sillarejo o de sillares desiguales con poca regularidad en las hiladas.

Pilares y arcos

Capitel románico.

El referido pilar monta ordinariamente sobre un zócalo cilíndrico o de poca altura y se compone de una pilastra simple o compuesta que lleva adosadas a cada frente o a alguno de ellos una o dos columnas semicilíndricas (o en vez de éstas, otras pilastras más estrechas) con objeto de dar pie a los arcos formeros y a los transversales o fajones. Dichas columnas tienen basa y capitel igualmente adosados al núcleo central prismático. Hay también columnas exentas y pareadas, de dos en dos, o de cuatro en cuatro pero no se hallan de estas formas ordinariamente sino en los claustros, pórticos, galerías y ajimeces.

Arcos en la iglesia de Saint-Saturnin, Francia.

Los arcos de construcción se apoyan inmediatamente sobre el referido ábaco y son de medio punto o peraltados y casi siempre dobles o triples. influidos por la arquitectura arábiga. de arista o de . en algunos edificios románicos. bordeando la esquina del arco. Cubierta interior Cubierta interior con bóveda de crucería. Las bases de las columnas tienen la forma toscana o ática pero con el toro inferior ancho y aplastado y suelen llevar en las enjutas o ángulos del plinto una figurilla caprichosa o bien una garra que aparenta sujetar con el plinto la moldura curva o toro que en él descansa. Propio asimismo de la segunda época (siglo XII) es el arco apuntado. Algunos de ellos conservan reminiscencias clásicas de sabor corintio degenerado pero en su gran mayoría se forman de un grueso prisma o de un tronco piramidal o de cono invertido en cuyos frentes lleva esculpidas labores geométricas entrelazadas o motivos vegetales que en forma de hojas le rodean o asuntos simbólicos e históricos. el cual se halla casi siempre decorado con molduras u otros ornamentos propios del estilo y frecuentemente lleva por su parte inferior una serie de modillones cuadrados que parecen almenas. denominado cimacio. ya ornamentales. arcos lobulados y entrelazados. En el siglo XII se ornamentan frecuentemente las basas con diferentes labores propias del estilo lo cual ya se usó alguna vez en la arquitectura visigoda (y mucho más en la romana) según se observa en la iglesia de San Pedro de la Nave. ya constructivos. es decir. apuntada como los arcos— para la nave central. Se hallan. En las columnas geminadas o yuxtapuestas suele cubrir el ábaco a todo el grupo de ellas uniendo así sus capiteles. se denuncia la segunda época del estilo y se presentan ellas en forma de un baquetón grueso. que cada uno de ellos consta de dos o tres semianillos adheridos uno debajo de otro siendo más ancho el de encima. Pero estos últimos sólo en arcadas de claustros o en obras equivalentes. Cuando se adorna con molduras propiamente dichas. La cubierta interior de las naves y estancias diferentes consiste por lo general en la bóveda de medio cañón —a veces. que a veces se halla en edificios románicos como medio constructivo para disminuir el empuje lateral (sin que por esto sea indicio de estilo gótico si falta la bóveda de crucería) y nunca como ornamento. no obstante.Los capiteles románicos ofrecen especial interés por lo variado de sus formas y por las curiosísimas labores con que suelen decorarse. también llamado ojival. Va coronado el capitel por un ábaco grueso.

con estatuas el ingreso en las iglesias más suntuosas. Cubierta exterior La cubierta exterior o tejado insiste sobre las bóvedas mediante una armadura sencilla de madera que se apoya en ellas. en dar al crucero o al encuentro de las naves un equilibrio muy estable y una cubierta proporcionada: las soluciones varias que se dan a este doble problema constituyen las diferencias principales de la escuelas arquitectónicas del estilo románico. Cantabria. a veces. flanqueándose. Algunas portadas carecen de dintel y de tímpano pero por lo general se hallan provistas de uno y otro y entonces se esculpen sobre el último relieves simbólicos o iconísticos y a los lados de la portada o en las jambas y aun en el mismo arco abocinado se disponen variadas series de labores ornamentales en relieve. Las puertas se hallan formadas por una serie de arcos redondos concéntricos y en degradación apoyados en sendas columnillas de suerte que todo el conjunto forma una especie de arco abocinado y moldurado contribuyendo al mayor efecto visual el mismo grosor del muro que suele formar allí un cuerpo saliente. ejerce también funciones de campanario. según la escuela a que pertenezca el edificio. Sobre la cúpula poligonal del crucero se eleva una linterna prismática ya formando cuerpo con ella. Algunas veces. alzándose sobre el crucero una cúpula poligonal apoyada en trompas (a estilo persa) que se colocan en los ángulos o rincones resultantes del encuentro de los arcos torales. Dicha linterna se termina por una cubierta piramidal. Dichas trompas se constituyen por una bovedilla semicónica o por una serie de arquitos en degradación que hacen el mismo oficio.cuarto de cañón para las laterales y de concha o de cuarto de esfera para los ábsides. pero en el siglo XII se hace independiente esta armadura y es sostenida sólo por los muros para no cargar de peso las bóvedas y cúpulas. ya estando independiente a modo de domo. La dificultad y la diferencia mayor que se hallan en estos edificios estriban en el problema de combinar el abovedamiento de todas las naves con la iluminación suficiente de la central y. a veces. . además. Puertas y ventanas Portada de la Colegiata de Castañeda. la nave central lleva techumbre de madera o carece de cúpula o por el contrario. la tiene verdaderamente esférica y elevada sobre pechinas a estilo bizantino. semejando el conjunto una torre de base ancha y poca altura que.

Escultura de la Antigua Roma Saltar a: navegación. que también son cornisas) están sostenidas por canecillos o por series de arquitos ciegos. lejano recuerdo de los clásicos arquitrabes forman como una imposta corrida sobre pilastras y muros y a continuación de los ábacos de los capiteles y adornan el frontispicio colocadas encima de la portada o debajo de la ventanas. Son bastante más altas que anchas y terminan por arriba en arco doble. óculos y pequeños rosetones.Las ventanas se abren casi siempre en la fachada y en el ábside y algunas veces en los muros laterales. búsqueda . pertenecen a la segunda época del estilo. Se cierran las ventanas con vidrieras incoloras o de color en algunas iglesias suntuosas o con láminas traslúcidas de alabastro o yeso cristalino o con simples celosías de piedra perforada y en las iglesias pobres con simples telas blancas enceradas o impregnada con trementina. generalmente plano o de arista viva apoyado sobre columnitas como las de la portada y cuando estos arcos se rodean de molduras finas o baquetones o bien las ventanas han dejado la primitiva estrechez. Hay también ajimeces. Cornisas Las cornisas. Llevan adornos y molduras y a menudo (al igual que el frontón y el alero o tejaroz. De aquí que hayan de ser poco extensas las ventanas de esta época (lo mismo que en la precedente) hasta que se fue ensayando y generalizando el uso de grandes vidrieras. correspondiendo estos últimos al último periodo.

Este proceso. ahora se reconoce que no sólo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría. hacen que su comprensión sea aún más compleja. aún más pronunciada que la observada durante el helenismo. mantuvo viva una tradición y una iconografía que de otra forma podrían haberse perdido. otras influencias extranjeras. e incluso dentro de una sola clase. la escultura romana —junto con la griega— tuvo una importancia fundamental en la formulación de la estética del Renacimiento y el Neoclasicismo. Una tendencia duradera al historicismo y eclecticismo. se intercaló con varios períodos de recuperación del clasicismo. Museos Vaticanos. cuando la unidad política se rompió definitivamente. determinaron una progresiva separación del canon griego hacia una simplificación formal de tendencia abstracta. el hábito generalizado de copias de obras anteriores griegas y alusiones al clasicismo griego a lo largo de toda su historia. sin embargo. visible especialmente en el retrato. que además de fortalecer el vínculo simbólico con el pasado fueron útiles para el mantenimiento de la cohesión cultural y política del vasto territorio.Augusto de Prima Porta. C. que estableció las bases del arte bizantino. sobre todo orientales. pero. se desarrolló en toda la zona de influencia romana. Ni siquiera la cristianización del imperio pudo determinar la exclusión de referencias a la escultura clásica romana pagana. político y religioso que se había instaurado. y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos.1 Tras la consolidación del imperio romano. principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca. En origen derivó de la escultura griega. y luego directamente. donde se desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano. y hasta el siglo V. con su foco central en la metrópolis. A pesar de algunos desacuerdos entre los especialistas en muchos puntos. y más. pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran sólo meros copistas. junto con la presencia de diferentes estilos. sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición.3 Además del gran mérito intrínseco de la producción escultórica romana. entre los siglos VI a. en esculturas producidas en el mismo momento histórico para distintas clases sociales. por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia. y . los modelos clásicos siguieron siendo imitados. La tradición griega siguió siendo una referencia constante durante todo el curso del arte escultórico en Roma. incluso por los primeros cristianos. atendiendo a las necesidades de cada tema y situación. y V. género que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad. Los intentos de imponer un modelo de desarrollo formal como un sistema orgánico sobre la historia de la escultura romana se muestran inexactos y poco realistas. cómo fue su desarrollo y cómo se transforman de una a otra etapa ha demostrado ser un proceso muy complejo y que aún está lejos de entenderse bien. que confirma su vitalidad y significado incluso en los tiempos modernos.2 El estudio de la escultura romana ha demostrado ser un desafío para los investigadores por su evolución que es cualquier cosa menos lineal y lógica. paleocristiano y medieval. La escultura de Roma. Gran parte del conocimiento de la cultura y el arte de la Grecia antigua. ya se tiene una idea más o menos clara sobre las características generales de cada etapa evolutiva. pero adaptados a los temas del nuevo orden social. durante el periodo helenístico.

las artes visuales funcionaban como una especie de literatura accesible a las grandes masas. Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece a la temática religiosa o está relacionada de alguna manera. cuyo coste estaba al alcance de las clases más bajas.4 Escultura y sociedad romana Reconstrucción de la Via Appia. que estaban presentes desde los grandes templos públicos hasta las viviendas más modestas. y en las monedas. relieves arquitectónicos. Roma no fue diferente en la práctica para producir imágenes de culto. grandes sarcófagos. pero aún más en estatuillas de terracota. que ocupaba todos los espacios públicos y privados y llenaba las ciudades con innumerables ejemplos de diversas técnicas. camafeos grabados en las piedras preciosas—. máscaras mortuorias en cera . Con la mayoría de su población analfabeta e incapaz de hablar el latín erudito que circulaba entre la élite. en la antigua Roma.es considerado hoy como uno de los organismos artísticos más importantes de la cultura occidental. como en todas las culturas. En este contexto. como lo demuestra el gran número de estudios especializados de que es objeto y de la fascinación que todavía tiene en el público en general.5 Jaś Elsner dice: . que pueden ser vistas como una especie de relieve en miniatura y se encontraban entre la masa del pueblo. Incluso los retratos a menudo tenían asociaciones con lo sagrado. lo que confirma las ideologías y la difusión de la imagen de personalidades eminentes. Roma era una sociedad muy visual. placas funerarias sencillas. la escultura disfrutó de una posición privilegiada. No sólo las grandes esculturas en bronce y mármol se convirtieron en algo común —las estatuas.

. en la estructura de una Iglesia jerárquica y centralizada. amplio. la supresión de la memoria que informaba a la población visualmente de los cambios en la autoridad política (. (M. por los sacerdotes hereditarios. pluralista y tolerante. enfocando su sentido de la jerarquía en una persona suprema. económica y religiosa. Este tipo de imágenes.).N. la escultura y su repertorio de representaciones naturalistas convencionales fue adoptada por la iglesia naciente para la composición de alegorías y continuó siendo practicada como decoración en el ámbito público y privado laico. ayudó a construir una unidad simbólica entre los diversos pueblos que componían el mundo romano. gestionados por las comunidades y. Sin embargo. era más bien un conjunto de lugares de culto. de sus profetas y comentaristas. El politeísmo no era una religión de escrituras y doctrinas. El Dios cristiano no era conocido a través de imágenes. Cuando un emperador moría. Cuando un emperador era derrocado.6 Cuando el cristianismo se convirtió en la religión oficial.A. sus herederos podían loar sus esculturas como a un dios —proclamando una continuidad en la sucesión y erigiendo templos en su honor—. sino a través de las escrituras. sus imágenes eran violentamente erradicadas en damnatio memoriae. rituales y mitos. incluso como forma de enfatizar la herencia clásica compartida por todos y con el fin de establecer la unidad cultural en un momento en que las periferias empezaban a desarrollar su propia cultura con un alto grado de independencia y se volvía cada vez más complicada la tarea de mantener el territorio unificado. aunque no había perdido su importancia central... como registro histórico o para el retrato hasta el final del imperio. Madrid).7 . la búsqueda de los súbditos imperiales en todas las formas de la vida social. Era ecléctico y diverso. Las imágenes y los mitos proporcionan las principales formas de «teología» en el mundo antiguo. el papel del arte cambió radicalmente. a menudo.Lar de bronce del siglo I.

Las pinturas. la caricatura. grupos o paneles enteros. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla. búsqueda Fresco hallado en Pompeya. estropeaban o embellecían según el talento de los artistas y las exigencias del cliente. Los romanos tendían más que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales. Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto. el temple y el fresco. Y aunque los descubiertos hasta el presente ofrecen más que todo un carácter decorativo llegan a ser verdaderas composiciones pictóricas y se juzga con fundamento que hubo también otros de pintura independiente a semejanza de los actuales de tabla o de caballete. sobre todo. Sus géneros. se atribuyen hoy a mano griega si bien la escuela llegara por fin a romanizarse. con figuras individuales. se adaptaban. se reproducían. los mejores. las imitaciones arquitectónicas y las combinaciones fantásticas de objetos naturales constituyendo con estas últimas el género que los artistas . y animaban a los artistas que trabajaban para ellos a hacer copias de obras griegas especialmente famosas o populares. Los romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura. los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural. el retrato. los cuadros de costumbres. Los orígenes de la pintura romana se confunden con los de su escultura y de tal modo se hallan en el arte helenista que aun los ejemplares que de ella se conservan. Se cultivaron con dicho carácter decorativo mural el paisaje. y aunque siguen la tradición griega. frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores.Pintura de la Antigua Roma Saltar a: navegación. muestran en sus pinturas un gran colorido y movimiento. el decorativo de vajillas y muros y el histórico y mitológico en los cuadros murales.

Destacó también el arte pictórico de la civilización romana en el procedimiento del mosaico. La miniatura sobre pergamino fue otro género que estuvo muy en boga entre los bibliófilos romanos de la época de Augusto. pero de ella no se han descubierto ni se conservan ejemplares anteriores al siglo III de nuestra era. siendo en época bizantina cuando sustituya a los frescos en los muros. en Egipto. La mayor parte de las pinturas murales conocidas corresponde a casas particulares y edificios públicos de Pompeya y Herculano. Se usaba para decorar interiores. realizados para ser colocados sobre las momias. Los principales monumentos de pintura greco-romana que hoy existen se han extraído de las ruinas de Herculano. Mosaico de la batalla de Isos. aportando como novedad el opus sectile. dos ciudades italianas que estaban de moda y que fueron arrasadas por el volcán Vesubio en el año 79 d. En el Egipto romano se descubrió una excelente colección de retratos sobre tabla.. Entre los más famosos cuadros murales de este arte greco-romano se cuentan     el de las bodas aldobrandinas (Museo Vaticano) el de Paris juzgando a las tres Diosas el de Io libertada por Hermes el de Ceres en su trono (de Pompeya. También en época romana se encuentra el mosaico extendido a cuadros pensiles según lo revelan algunos ejemplares que se guardan en los museos y abrazando en uno y otro caso. No obstante. Stabia. además de los mosaicos descubiertos en numerosas ciudades que fueron romanas. Hay que citar los retratos pintados. aunque también se han encontrado algunas pinturas en Roma y en otros lugares. se descubrieron magníficos retratos como los del Panadero y su esposa. y pintados al fresco. y en general. conserva más de mil fragmentos de pintura al fresco. Pompeya. el Palatino de Roma y de las necrópolis de ElFayun. el mosaico es usado sobre todo para suelos. centro principal de estudio para el arte romano. Siguen utilizando el opus tesselatum de origen griego. hallado en las antiguas Termas de Tito y que sirvió al célebre Rafael como fuente de inspiración para decorar las Logias del Vaticano. ambos en el Museo de Nápoles. El Museo de Nápoles. arrancados de los muros de Herculano y Pompeya. Igualmente en Pompeya. hoy en el Museo de Nápoles) . C. o el de una muchacha. asuntos y composiciones históricas.del Renacimiento llamaron grutesco. Casa del Fauno. Pompeya.

Todo ello. Romanizada la pintura griega. sobre todo. sito en el Museo Provincial de Teruel. la limpieza. El lugar idóneo parece ser que está en los museos donde el cuidado. Mosaico romano Saltar a: navegación. tomó un carácter propio según puede verse en las decoraciones murales de Pompeya que constituyen el llamado estilo pompeyano. C. Los mosaicos romanos son fáciles de descubrir para los arqueólogos y hasta el momento (año 2004) su número es muy elevado.Entre los mosaicos. en vegetales estilizados. el de la Batalla de Isso. Cuando los romanos fueron conquistando a lo largo del siglo II a. pero presentan una gran dificultad de conservación. del que hicieron una verdadera especialidad. elegante. gracia y fantasía del dibujo. El arte del mosaico pasó con facilidad al orbe romano comenzando así un género artísticoindustrial. Se extendió de tal forma que puede decirse que no hubo casa o villa romana donde no hubiera mosaicos. las regiones de Grecia y de Asia Menor. temperatura. las más célebres y de las más antiguas de sabor pagano son   los fragmentos de una Ilíada del siglo III en la Biblioteca Ambrosiana de Milán las cincuenta viñetas de Virgilio de la biblioteca Vaticana que datan del siglo IV al V. en el referido museo napolitano con otros muchos. por la viveza del colorido por el realismo y la voluptuosidad en las figuras y por cierto contraste de colores y luces tal que aproxima el estilo al de la escuela impresionista moderna. la obra de mosaico era ya común en todo el mundo de habla griega. refleja el espíritu de una sociedad bulliciosa. En cuanto a miniaturas. . Se distingue éste por la delicadeza. frívola y voluptuosa. aunque no sale del género decorativo. búsqueda Vista parcial del mosaico romano de la villa del Camino de Albalate (Calanda).

Llegó a ser un arte tan apreciado y difundido que en el siglo III el emperador Diocleciano promulgó un decreto en el que estableció el precio que los artistas podían dar a sus obras. Con ellas el artista podía dibujar con bastante facilidad las curvas. Pero más tarde. cuando el arte del mosaico empezó a desarrollarse en Roma. las siluetas y toda clase de objetos que pudieran requerir más precisión. El artista las disponía sobre la superficie. muy cuidadas y elaboradas y de distintos tamaños. Al principio. Los . se hacía sobre todo para decorar los techos o las paredes y pocas veces los suelos porque se tenía miedo de que no ofreciera suficiente resistencia a las pisadas. de ahí que se refiriesen a ellos también como opus tessellatum. Se colocaban las teselas en una hilera continua que seguía las líneas del contorno y del dintorno (límite de las principales partes internas) de las figuras que se quería dibujar. de animales o humanas. Este término empezó a emplearse a finales del siglo III. gusano). Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas. Dependiendo del tamaño de las teselas. Opus sectile. Pedrosa de la Vega (Palencia. Castilla y León). Era un trabajo muy parecido a la taracea. Las teselas son piezas de forma cúbica. Variantes técnicas Mosaico romano figurativo en la villa romana de La Olmeda. hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica. se hallan a su disposición. descubrieron que se podía pisar sin riesgo y comenzó la moda de hacer pavimentos de lujo. Cuando en el año 330 el emperador Constantino trasladó la capital del Imperio romano de Oriente a Bizancio. que se hacía para los muros. En Bizancio el arte del mosaico se unió con la tradición oriental y dio lugar a una evolución que se distinguió sobre todo por el uso muy generalizado de grandes cantidades de oro. etc. pero el problema está en el espacio que se necesitaría para almacenarlos de manera merecedora. según los grados de calificación previa. Los mosaicos eran para los romanos un elemento decorativo para los espacios arquitectónicos. El nombre viene del diminutivo latino vermiculus (de vermis -is. como un puzzle. de los dibujos y del lugar de destino del mosaico. otorgó bastantes facilidades y favoreció el éxodo a los maestros griegos y romanos fabricantes de mosaicos (llamados mosaistas). cuando este arte llegó a la perfección. Los mosaicos como pavimento eran para los romanos como puede ser una alfombra persa y de alta calidad en los tiempos modernos. cuyos dibujos estaban hechos con piedras más grandes y de diferentes tamaños.. Opus musivum.humedad. los romanos daban un nombre diferente a este trabajo:    Opus vermiculatum era de origen egipcio y se hacía con unas piedras muy pequeñitas. Lo llamaban así porque las líneas del dibujo recordaban las sinuosidades del gusano. La técnica era recortar placas de mármol de diversos colores para componer las figuras geométricas. distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una masa de cemento.

Atenas. La codificación de la edad arcaica en tres órdenes estéticos conforme a los cuales construyeron los antiguos griegos (dórico. Este producto se empleó bastante en toda Italia y en Occidente para crear los suelos y como revestimiento de piscinas (estanques para peces). etc. de una plaza abierta o de un foro. jónico y corintio) se convertiría con el helenismo en un lenguaje compartido por todo el mundo mediterráneo. Los bloques para la construcción eran poligonales. Reviste particular importancia para la historia de toda la arquitectura occidental. cubas de salazón. literalmente "pavimento de piedra" en sentido general. C. para darle más consistencia se añadían a la masa guijarros y piedras machacadas. hasta el siglo II a. de Signia (en la región del Lacio. Distinguían además entre la obra de musivum (mosaico) y la de lithostrotum (λιθoστρωτoν). Opus signinum. en la Italia central junto al mar Tirreno). Se llamaba así al pavimento de una vía o camino. . La arquitectura griega sienta las bases de lo que será la arquitectura del mundo occidental durante siglos. hecho en porfirio). Arquitectura en la Antigua Grecia Saltar a: navegación. aljibes. En este lugar había fábricas de tejas y en ellas se obtenía con los desechos un polvo coloreado que al mezclarlo con la cal daba un cemento rojizo muy duro e impermeable. mejores ejemplos de este trabajo se conservan en el Palatino de Roma y proceden del Palacio Flavio. o al del suelo de algún edificio (como el del Panteón de Agripa de Roma. La Arquitectura en la Antigua Grecia es aquella que se desarrolló en la Grecia de la antigüedad. C. búsqueda La stoa de Átalo restaurada. A veces. Se daba a la obra este nombre de lithostrotum cuando el material consistía en piedras naturales de formación volcánica (sílex) y mármoles de diferentes colores. desde el primer milenio a.

donde las tejas fueron sustituyendo a los techos de paja en los dos templos. reemplazando a las precedentes paredes de barro y madera. ha de recordarse que los restos más antiguos de la Grecia arcaica están documentadas en un área muy limitada en torno a Corinto (Grecia). ya que se pintaban con colores brillantes. muros y porciones elevadas de los templos y edificios públicos. que daba la necesaria protección a los costosos templos. eran suficientemente fuertes para soportar el peso de una techumbre de tejas. domésticos.1 Se expandió rápidamente. por lo que su introducción se explica por la resistencia al fuego. y metales. el oeste de Asia Menor. cívicos.5 Finalmente. de Apolo y de Poseidón entre los años 700 y 650 a. de tal manera que llamaban la atención no sólo por su estructura. y eran bastante abultadas. incluyendo la Grecia continental. C. Los arquitectos de la época arcaica y clásica usaron estos materiales constructivos para edificios: religiosos. no puede olvidarse que el aspecto general de los edificios era distinto al que se ve actualmente. la terracota. .2 Las primeras tejas tuvieron forma de S. usándose en un elevado número de lugares alrededor del Mediterráneo oriental. para detalles decorativos.Materiales Los materiales frecuentemente empleados en la arquitectura griega fueron la madera. de azul.4 La expansión de la cubierta de teja debe verse en relación con el simultáneo auge de la arquitectura monumental en la Grecia Arcaica. Sólo los muros de piedra que estaban apareciendo por entonces. En cuanto a las tejas. la piedra caliza y el mármol. especialmente de casas. de rojo. para columnas. Él se reservaba para las construcciones más pobres y sin importancia.3 Resultaban más caras y costosas de producir que un tejado de paja. con un peso de unos 30 kilos cada una. para ornamentos. en Atenas. sino también por su policromía. funerarios y recreativos. ladrillo sin cocer para las paredes. especialmente el bronce. para soportes y techos. mostrando el frontón con esculturas. Historia Parte superior de la Academia Nacional Griega. durante los cincuenta años siguientes. y el sur y el centro de Italia.

cuando la vida urbana y la prosperidad se recobraron hasta el punto de poder emprenderse la edificación pública. y unos pocos ejemplos afortunados han sobrevivido a lo largo de los siglos. C. contrataba a los obreros y artesanos que lo construían. que se corresponde con los siglos V y IV a. Poco a poco. Período arcaico tardío Es la primera etapa. incluso el jónico.). C. en adelante.).La mayor parte del conocimiento actual de la arquitectura griega proviene del período arcaico tardío (550 . en Paestum. Comienza a principios del primer milenario antes de Cristo y se cierra en el primer tercio del siglo V. Como la pintura y la escultura de la época..VI a. los templos griegos y edificios significativos desde el siglo VI a. C.). C. se hacían de madera o adobe o arcilla. conocida como «petrificación». fueron construido en gran parte con piedra. nada queda de ellos excepto unos pocos planos sobre el terreno. Alrededor del año 600 a. El arquitecto diseñaba el edificio. La introducción de paredes de piedra también permitieron que los tejados con techo de paja fueran reemplazados por tejas que actuaron como medio para mejorar la resistencia ante el fuego.) hasta el siglo VII a.. y el periodo puramente clásico (430 . la época de Pericles (450 . C. la arquitectura griega de la primera mitad de la Antigüedad clásica no era «arte por el arte» en el sentido moderno. los únicos edificios que sobreviven en un número significativo. En esta época se usaba el orden dórico. y era responsable tanto de su presupuesto como de su acabado . definida como edificaciones ejecutadas según un diseño estético consciente. Pero a partir de entonces muchos edificios griegos durante el periodo de las colonizaciones (siglos VIII . Tiene varias fases. y fuentes escritas tardías tales como Vitrubio (siglo I). Con la expansión de este proceso a otros santuarios. El arquitecto era un artesano empleado por el estado o por un rico cliente privado. C. en la que fueron reemplazadas por columnas de piedra. Los ejemplos griegos son considerados junto a los períodos helenístico y romano (puesto que la arquitectura romana es una interpretacion de la griega). y casi ninguna fuente escrita sobre esta arquitectura temprana o descripciones de estos primeros edificios. C. No se distinguía entre el arquitecto y el constructor.). C. C. queda una fuerte tendencia hacia los templos. de planta rectangular.500 a. las columnas de madera del antiguo Hereo de Olimpia sufrieron una transformación material. otras partes del templo fueron petrificadas hasta que todo él estuvo hecho de piedra. períptero y hexástilo.430 a. desapareció de Grecia desde finales del periodo micénico (alrededor de 1200 a. Como resultado. Período clásico Es la segunda etapa. Ejemplo de la etapa de transición entre el período arcaico y el clásico es el templo de Poseidón.400 a. La arquitectura.

tomándose como fecha simbólica de cierre el año 146 a.a tiempo. era tratado en vida tan sólo como un comerciante experto y muy valioso. El peso del desarrollo artístico se trasladó hacia Oriente. que hoy en día sería considerado un genio. Lo más destacado son los proyectos urbanísticos como los de Hipodamo de Mileto. C. Se extiende desde el siglo III a. ejemplo que fue seguido en siglos posteriores. Incluso los nombres de los arquitectos son desconocidos antes del siglo V a. Período helenístico Es la tercera y última etapa del arte griego.. Un arquitecto como Ictino. con organizaciones en cuadrículas. hasta mediados del siglo II a. Supone el apogeo de los órdenes dórico y jónico. En esta época se desarrollaron grandes construcciones en Pérgamo (Altar de Zeus). que diseñó el Partenón. Se abandonó el severo estilo dórico.. Rodas y Alejandría. C. Escultura de la Antigua Grecia Saltar a: navegación. C. C. De esta época es el Mausoleo de Halicarnaso. No disfrutaba del estatus noble que tienen los modernos arquitectos de edificios públicos. búsqueda . cuando la ciudad de Corinto es conquistada por los romanos.

Copia romana de la obra de Fidias. adoptando con predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época el retrato de personajes históricos. la precisión en los contornos y detalles. la armonía y belleza en las formas y la finura en la . C. ninguna le distingue tanto como la escultura.Atenea (siglo VI a. Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos los géneros de escultura. la regular proporción orgánica. el alejamiento de lo vago y monstruoso. La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano. Aunque Grecia floreció en todas las Bellas Artes.). Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión de la realidad idealizada.

descubiertos en Delos (atribuidos al mítico Dédalo) y después de las primeras estatuas de mármol de tosco labrado . El período de perfección o clásico. después de Alejandro Magno hasta la conquista de Grecia por Roma. C. C. El período de difusión. El período arcaico. hasta finales del siglo IV a. aproximadamente) un arte rudimentario pero lleno de vida y movimiento que modeló el barro y trabajó la piedra. grabados. 2. El período de formación. el plomo y el bronce. se desarrolló por espacio de unos veinte siglos (desde el año 3000 al 1100 a. se presentan a veces con admirable corrección en el dibujo que parece recordar el arte de los cazadores del reno los cuales pudieron tener con la civilización egea algún lazo histórico. el hueso e incluso el oro. Los cuatro períodos arqueológicos que tras un prolongado silencio artístico siguieron al micénico se distinguen del siguiente modo: 1. C. C. C. al 460 a. de 323 a. Pan y Eros. Aunque labrados con cierta tosquedad. produciendo relieve. 4. Período de formación En el primer período después de los rudimentarios ídolos de madera llamados xoanon.División de la escultura Afrodita. C. desde aproximadamente el 620 a. al 540 a. 3. a 146 a. C. que algunos llaman de decadencia. el marfil. entalles mitológicos en piedras finas y pequeñas estatuas e idolillos. C. Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos históricos bien delimitados a los cuales precede el protohistórico1 o minoico2 y micénico. desde el 540 a. planos por delante y por detrás y redondeados en los bordes.3 En éste.

va realizando respecto de imitaciones orientales y por el tipo atlético dado a sus estatuas que en su gran parte representan a los vencedores en los juegos olímpicos aunque se llamen Apolos. Las jónicas se distinguen por cierta elegancia y simetría en el plegado de los paños como es de ver en las diferentes Ártemis (o Dianas primitivas) que son obras principales de dichas escuelas. por la robustez y el aspecto varonil de sus figuras y unas y otras por los reflejos de la tradición asiática en que debieron inspirarse. uniformidad y falta de expresión en las figuras con cierta sonrisa amanerada e inexpresiva lo cual es distintivo del periodo arcaico. En la escultura griega arcaica se mantienen aún los rasgos hieráticos y rígidos con composiciones geométricas y cerradas respetando la ley de frontalidad. que labró las estatuas atléticas de bronce. ya formado. en la talla de sus Apolos desnudos y de aspecto varonil. va recorriendo el arte un camino de progreso que empieza en las escuelas jónico-asiáticas de Samos y Quíos (islas de Asia Menor) y sigue en la dórica Sición (Peloponeso) a principios del siglo VI. Periodo arcaico Kurós del Asclepeion de Paros. El segundo período se caracteriza por la independencia que el arte griego. La dórica. en la escuela dórica se hace menos visible el influjo asiático y se revela ya por el espíritu de independencia sobre todo.y a modo de columnas. Esta última y quizás también la de Egina más bien deben llamarse escuelas áticas de influencia dórica pues seguían la tradición jónica en el plegado de los paños con bastante finura y exceso de simetría. No obstante. En los relieves de este periodo se advierte por lo general la misma técnica de los asirios arriba mencionada. Las escuelas propiamente dóricas se reducen a las tres primeras ciudades de la lista como situadas en el Peloponeso. imitando modelos de procedencia oriental. las cuales forman la llamada escuela argivo-sicionia. En Asia Menor y las islas del mar Egeo continúan vivas en este periodo las imitaciones orientales y en todos los centros nombrados aun se observa alguna rigidez. Se creó un convencionalismo formal de la figura tendente a su geometrización con los brazos rectos y . traídos por el comercio.

Su evolución haría que las formas se estilizaran y se pulieran las más toscas y rectas en la época clásica. Museo del Louvre. Véase también: Estilo severo Período clásico Venus de Milo. Otra muestra de este periodo es la conocida como Dama de Auxerre. El tercer período señala el apogeo de la escultura. una koré. h. siendo Fidias el que a mediados del siglo V a. la llevó a su esplendor. C. C. Pero antes forman una especie de transición los escultores .pegados al cuerpo (a excepción de las mujeres con brazos en posición oferente). Ejemplo de este tipo de escultura del período preclásico griego es el kurós. 540 a. la anatomía muscular marcada de forma esquemática y un pelo largo y recto con corte rectangular que enmarca unos ojos almendrados y una orejas en forma de voluta que recordarían al orden jónico arquitectónico.. Las vestimentas de las mujeres eran policromadas y con motivos geométricos. Artículo principal: Escultura griega clásica. con la típica sonrisa arcaica o eginética. mármol pario. procedente del Asclepeion de Paros.

Contemporáneo y condiscípulo de Fidias fue Policleto. en contraposición al tipo sobrehumano de Fidias. que en su tiempo alcanzó tanta fama como él. condiscípulo de Mirón en la escuela de Agéladas (de Argos). . Fidias. se celebra como escultor de los dioses pues nadie como él en el mundo antiguo supo dar a sus creaciones artísticas actitud noble y serena y sello de lo divino sin que le hiciera falta para ello el simbolismo. notable por la corrección en el dibujo. Ambos artistas se consideran como genios superiores de la escultura.    las estatuas crisoelefantinas (de oro y marfil) y la estatua de Zeus (Júpiter) para el templo de Olimpia las estatuas de Atenea o Minerva para el Partenón de Atenas. Obras suyas fueron entre otras: Lucha entre lápitas y centauros. modificado después por Eufránor y Lisipo y representa con Mirón el progreso de la escuela argivo-sicionia o dórica de Canaco y Agéladas. Friso del templo de Zeus en Olimpia. siendo obras suyas varios atletas y la famosa Amazona presente en los Museos Vaticanos.Cálamis y Mirón los cuales vencen la rigidez del anterior periodo dando a las figuras delicadeza y gracia el primero y expresión de movimiento el segundo. finura en los detalles y expresión noble de la fuerza y forma humanas. Esta estatua se dice que medía unos doce metros sobre su pedestal las esculturas que adornaban los tímpanos y frisos de este segundo templo. Policleto fijó el canon escultórico.

sobre todo. Se cuentan entre las mejores obras de la escuela las siguientes:    las cariátides del Erecteión los relieves del templo de la Victoria Áptera las estatuas del frontón del templo de Olimpia. . Afroditas. la Venus de Milo (muy discutida y puede ser una Anfítrite de la escuela de Fidias). Los imitadores de Fidias constituyen la escuela llamada de tradición ática o jónica en la cual brillan Agorácrito. Alcámenes y Peonio. A Escopas se atribuye entre sus mejores obras     el grupo de Níobe con su hija la Afrodita de Cnido la Victoria de Samotracia. la escultura toma un carácter realista que degenera en sensualismo con Escopas y Praxíteles (pertenecientes más bien a la escuela ática) al buscar el sentimiento. de Praxíteles son varios Faunos. también en el Museo del Louvre.. Arístides y Atenodoro. De esta época y. Continuadores de la escuela dórica de Policleto fueron Pericletes. Dionisos y Apolos sin las formas atléticas de tradición dórica. Entrado ya el siglo IV a. C. A la misma tradición se hace corresponder el puteal o brocal de pozo con bajorrelieves que guarda el Museo Arqueológico Nacional de España. la gracia y la delicadeza en vez de la grandiosidad y elevación que distinguía a los anteriores. que fue hallado en Madrid y es conocido como el Puteal de la Moncloa. en el Museo del Louvre incluso.Victoria de Samotracia.

A Lisipo atribuyó Plinio el Viejo. C. probablemente procedente de Asia. o para su reutilización (piedra. La cerámica autóctona aparece a principios del II milenio a. pigmentos de pintura). Nacida en el Oriente Próximo. tejidos. por el tiempo (madera.000 vasos provenientes de Atenas subsisten. Cronología En la Antigua Grecia el torno de alfarero se introdujo. Cerámica griega Saltar a: navegación. búsqueda Firma del famoso pintor Sófilos: Sófilos m' egrafsen (Sófilos me pintó). el arte de la cerámica alcanzó en la Antigua Grecia un alto nivel de calidad artística.500 estatuas. autor de la gigantesca estatua del Sol de 33 metros conocida como el Coloso de Rodas que estuvo en la isla de este nombre. bronce. Aunque sea fácil destruir un vaso. continúan fieles al espíritu clásico sin dejar de ser muy realistas. es muy difícil hacerlo totalmente: los fragmentos pueden aún hablar. Por otra parte. decorada simplemente con una pintura mate. A él o a otro escultor de Quíos se adjudica la cuadriga de bronce dorado que hoy adorna la fachada de San Marcos de Venecia (y que otros suponen romana de la época de Nerón) y de él fueron todas las esculturas que representaron a Alejandro Magno. metales preciosos). Se conservan numerosos ejemplares de vasos y probablemente representa un parte ínfima de la producción: más de 50. los otros objetos han sido destruidos. más de 1. La cerámica griega incluye lo que comúnmente se conoce como vasos griegos o pintura de vasos griegos. Entre los escultores del Peloponeso que siguieron la misma línea realista figura Cares de Lindos. la mayor parte de bronce y se distingue en la expresión del carácter individual que supo imprimir en ellas. . C.En cambio. los escultores de la escuela argivosicionia como Eufranor y Lisipo. Constituye un testimonio fundamental sobre la vida y la cultura de los antiguos griegos. y durante los siglos siguientes se realizaba en general en arcilla refinada. a finales del III milenio a. o por la mano del hombre.

patria tradicional de los minios. decoradas con llamativos motivos florales y marinos.Estilo minoico Poco después del 2000 a. Es un estilo de cerámica sorprendente que se distingue por la superficie barnizada en un gris mate de alta calidad. C. circa 1600 a. C.. esta cerámica micénica fue la predominante. 950-900 a. la cerámica que aparece está animada con nuevos motivos de elementos tomados de la naturaleza. Parece que la introdujeron los indoeuropeos durante su invasión. British Museum . C. se reduce la presencia de cerámica. pues fue el primero en encontrarla. Estilo submicénico Después del 1200 a. en Orcómeno (en Beocia). Lo más destacado son las jarras de estilo palacial. Estaba influida fuertemente por los estilos de la Creta minoica. C. Persistió una cerámica hecha con el torno de alfarero que coexistió con otro tipo de cerámica hecha a mano llamada cerámica bárbara. aparece a lo largo de toda Grecia un estilo de cerámica que Heinrich Schliemann denominó cerámica miniana o minia. pero su presencia no se da en todas las regiones de Grecia.. jarras de almacenamiento muy elegantes. Véase también: Cerámica minoica Estilo micénico Al principio de la época micénica. Estilo protogeométrico Ánfora panzuda con asas. Después del 1400 a. y de la caída de la civilización micénica. C.

. El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a.) constituyen el testimonio artístico esencial del principio de la Edad Oscura. El sitio de Lefkandi es uno de los principales lugares de donde provienen las cerámicas de este periodo. rompiendo con la iconografía minoica y micénica: meandros. trabajo de metales) sufrieron una recesión similar. joyería. C. Su forma es muy estilizada. de una altura de 36 cm. Muchas otras formas artísticas (grabado de marfil.Los vasos del periodo protogeométrico (c. Staatliche Antikensammlungen de Múnich. La escultura de grandes proporciones aún no era conocida. en particular en Atenas. La decoración era simple y se adaptaba a la forma del vaso subrayando las formas con anchos trazos horizontales o con bandas negras. C.-900 a. Se descubrió una figurilla excepcional de un centauro. Los vasos eran decorados con motivos barnizados de color negro brillante. la producción cerámica no se extinguió. triángulos y otras figuras . Se caracteriza por nuevos motivos. A veces retoman motivos micénicos (líneas ondulantes trazadas a mano. En cambio. c. con compás o con peine. y a la pintura mural le faltaba un elemento fundamental para su desarrollo: los soportes murales dignos de este nombre. 1050 a. C. círculos concéntricos) eran diseñados con sumo cuidado. Estilo geométrico Vaso ático. descendiente de la Edad del Bronce. 740 a. C. y su cuerpo está decorado con plumeados y con formas geométricas. pero los nuevos motivos (semicírculos.

Paralelamente. las ruedas de los carros son representadas unos al lado de otros. hace su aparición la decoración figurativa con los primeros frisos de animales idénticos (caballos. etc. Mientras que en el geométrico antiguo (c. llamado a falta de firma «Pintor de Dipilón».) que en adelante alternan con la bandas de motivos geométricos. un escudo en forma de diábolo. C. Al final del periodo aparecieron representaciones mitológicas. bastante protuberantes. ekphorá (transporte del ataúd al cementerio). 750-725 a. C. Los cuerpos son representados de manera geométrica con la excepción de las pantorrillas. ocas. ha podido ser identificada en varias obras. Las patas y los cuellos de los caballos. 850-770 a. Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente desfiles de carros de guerra y de guerreros.) no se encuentran motivos geométricos. que se caracteriza por un amplio uso de barniz negro. en el geométrico medio (c. La mano de un pintor de esta época. la decoración se complica y se vuelve cada vez más abundante: las zonas vacías se rellenan con rosetas o esvásticas decorativas. Este paso es llamado «horror vacui» y no terminará hasta el final del estilo geométrico. ciervos. cubre la parta central del cuerpo. En el caso de los soldados.). Fragmento de una crátera del Pintor de Dipilón. en el que se conoce como estilo de «Dipilón negro». próthesis (exposición del muerto y lamentación) o ἐκυορά. También escenas funerarias como: griego antiguo πρόθεσις. Museo del Louvre. C.geométricas (de ahí proviene el nombre del periodo). 900 a. el equilibrio entre las bandas decoradas y las bandas sombreadas se rompió en favor de la decoración: los meandros y otros motivos terminaron por cubrir todo el vaso. Pasado el tiempo. probablemente coincidente en la época en que Homero dio forma a las tradiciones del Ciclo troyano en la Ilíada y la . C.. apodado «escudo Dipilón» por su diseño característico. C. uno de los cementerios de Atenas. sobre todo en ánforas monumentales. h. A mediados del siglo VIII a. Las representaciones más conocidas con las de los vasos hallados en Dipilón. aparecieron las figuras humanas en la decoración. Están dispuestos en bandas separadas de las zonas negras por líneas triples.-850 a. cabras.

Creta estuvo vinculada a un geometrismo más estricto. C. Corinto se convirtió en un importante productor de cerámica fina y en la primera ciudad exportadora a todo lo largo del mundo griego. etc.. en Argos. La producción de vasos nunca fue exclusiva de Atenas — está bien atestiguado desde el periodo protogeométrico en Corinto. Véase también: Periodo Geométrico Estilo orientalizante Olpe protocorintio con animales y esfinges. su pintura y su escultura mostraban una figuración más fina y más realista. en Creta y en las Cícladas —. C. la interpretación constituye un riesgo para un observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser tanto un duelo homérico como simple combate. C. El estilo orientalizante se despliega principalmente en Corinto desde 725 a alrededor de 625 a.. un barco encallado puede representar el naufragio de Odiseo o de quien sea. crearon su propio estilo: Argos se especializó en las escenas figurativas. A finales del siglo VIII a. En adelante. 640-630 a.. Museo del Louvre. h. se desarrolló un estilo denominado orientalizante. Sin embargo. Se caracterizó por una fuerte influencia del arte oriental: Aunque el Oriente era mucho menos aficionado a la cerámica que Grecia. grifos. leones. Finalmente. las escuelas locales aparecieron en Grecia.Odisea. resultado de la renovación de los contactos con Oriente y de la influencia de su arte. los pintores y alfareros se contentaron durante mucho tiempo con seguir el estilo ático. Esta influencia se tradujo en una nueva gama de motivos: esfinges. representados de manera más realista que en el . en Beocia.

acompañado de policromía para el color de los carros o de las vestiduras. que desarrolló sin embargo un estilo propio. Las representaciones humanas eran relativamente raras: consistían en escenas de batallas. Las pinturas se mostraban vinculadas con escenas típicas del periodo geométrico. o también en escenas de caza. aunque el trazo era relativamente poco realista. casi metálico. En este periodo calificado de protoático. con la influencia oriental menos marcada. C. apareció el estilo blanco y negro: trazo negro sobre fondo blanco. A mediados del siglo VII a.pasado. alabastrones). como los desfiles de carros. Los trazos geométricos subsistieron en el estilo llamado protocorintio: había motivos geométricos y el «relleno» del segundo plano se hacía con rosetas y nuevos motivos decorativos. Los corintios también inventaron la técnica de incisión en hueco que permitía hacer resaltar la arcilla pálida. aparecieron motivos orientalizantes. Ulises y Polifemo. Esta técnica permaneció mucho tiempo misteriosa. el pintor recurrió a lotos o palmetas. Museo de Eleusis. a pesar de los esfuerzos hechos por los ceramistas ingleses del siglo XIX. circa 650 a. En los frisos. tomaba un color negro brillante. detalle de una ánfora protoática. adoptaron el principio del dibujo lineal en sustitución de la silueta. C. y su técnica llegó a Atenas. para descubrir el secreto. Ese estilo se expresó sobre todo en vasos pequeños (aríbalos. mucho más anaranjada que la de Corinto. La arcilla utilizada en Atenas. se presta menos fácilmente para la representación de los carros. Las cerámicas de Corinto fueron exportadas a toda Grecia. principalmente sobre fondo rojo: utilizaron una suspensión coloidal de color castaño que. con la cocción. cuyas formas aparecieron entonces. Los pintores corintios recurrieron a las figuras negras.. No obstante. . de vez en cuando hoplíticas.

Presentaban. Museo Británico. esvásticas.Combate de Menelao y de Héctor sobre el cuerpo de Euforbo. se distinguieron por su atracción por los vasos llamados «plásticos». Por su parte. 600 a. Predominaron dos formas: los enócoes. como los vasos con relieves. sobre todo las cabras salvajes (que han dado nombre al estilo) que aparecían en frisos. rosetas. aquellos cuya panza o cuello eran moldeados con forma de cabeza de animal o humana. se puede identificar un último estilo. fabricadas en Paros. Las ánforas melias. C. En Egina. motivos florales) llenaban los espacios vacíos. con o sin pies. es decir. con motivo de importantes descubrimientos realizados en la necrópolis de Cámiros. con centros de producción en Mileto y Quíos. se extendió por toda Asia Menor. De hecho. debían muy poco a Corinto o a Oriente. Creta y sobre todo las islas Cícladas. y los platos. h. Véase también: Período orientalizante Véase también: Estilo protocorintio . Finalmente. el de la «cabra salvaje». un marcado gusto por las composiciones épicas y un horror vacui que se caracterizaba por el empleo de rosetas y de esvásticas. que copiaban modelos de bronce. el vaso plástico más popular tenía una cabeza de grifo. plato del estilo del periodo medio de las cabras salvajes. La decoración estaba organizada en registros superpuestos en los que los animales estilizados. Los numerosos motivos decorativos (triángulos.. atribuido tradicionalmente a Rodas.

C. Museo del Louvre. Artículo principal: Cerámica de figuras negras. C. Los vasos áticos de figuras negras se fabricaron primero bajo la influencia corintia desde circa 620 a. h. C. y fue llevado a su apogeo por los atenienses entre el 570 y el 525 a. sino también por el uso de incisiones. hidrias.Estilo de figuras negras Tondo de la Copa del pajarero. hoy expuesta en Roma en los Museos Vaticanos. El gran vaso funerario deja sitio a los vasos de la vida cotidiana. Tal es el caso de Clitias. C. el pintor del Vaso François. Paralelamente. narrativos. Existía así una serie de pseudo-figuras negras. cabras. 550 a. jugando. esfinges. Se reconocen varios estilos de pintores atenienses.. son la muestra de que se creó un estilo propio en la capital ática. que muestra a Áyax y a Aquiles en Troya. La influencia corintia sobre la primera cerámica de figuras negras ateniense. El gusto por los motivos mitológicos y la composición en único gran registro que prevalecieron entre 550 y 530 a. .. los vasos decorados evolucionaron. Se caracterizaba no solo por el dibujo de figuras en negro sobre el fondo de arcilla (más bien roja en el caso de Atenas). La Copa del pajarero del Louvre es un ejemplo de ello. se nota en su decoración. descubierta en una tumba etrusca. del que una de las obras más célebres es un ánfora. etc.. y lleva la firma del ceramista. alcanzando su mayor grado de perfección. C. en las que las bandas claras eran reservadas y no se hacían incisiones en estas. la cerámica ateniense se separó gradualmente de dicha influencia. en consecuencia.) estaban dispuestas en registros superpuestos y ponían de relieve la escena principal. No obstante. a los que en ocasiones puede atribuírseles un nombre gracias a una obra firmada. principalmente las ánforas. C. El estilo de figuras negras fue inventado en Corinto en el siglo VII a. Lo mismo que Exequias. cerámica jónica. copas y cráteras. data de aproximadamente el año 570 a. carente de motivos de relleno. Consta de seis frisos figurativos. en el Museo Arqueológico Nacional de Florencia: esta crátera. Las figuras (principalmente animales: leones. Ergótimos.

el Pintor de la Gorgona tiene el sobrenombre de Dino. historiador del arte. a menudo debidos a John Beazley (1885-1970).Otros pintores son designados por apelativos convencionales. sobre el que aparece Medusa . pionero en el estudio de la cerámica griega. Por ejemplo.

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