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Unidad 1 – Introducción al Arte y a la Historia del Arte

6º Arquitectura - Saint Brendan’s School 22 de marzo de 2010 Prof. Adriana Assandri

Temas a trabajar: 1) Qué es el arte?

2) Cómo estudiar historia del arte?
3) Reflexiones sobre “El arte y los artistas”

1 –Qué es el Arte?
 Es uno de los tipos de experiencia estética.  Qué significa “estética”?
 Origen: “aisthesis” (sensación, conocimiento obtenido a través de la experiencia sensible)  La Estética: disciplina filosófica que se ocupa de analizar cosas relativas a la belleza y al arte en general (‘ciencia de lo bello’) Filosofía del arte: ámbito más limitado que la estética, se restringe a las obras de arte y excluyendo a la naturaleza como objeto de estudio.

 Toda experiencia estética puede vivirse desde:
 Recepción - público Creación - artista Crítica – individuo reflexivo

 Definición de experiencia estética: -Es el estado emocional resultante de la contemplación desinteresada de ciertos objetos sensibles por parte de un sujeto. -Si produce placer: “bello” -Si produce desagrado: “feo”  Componentes de la experiencia estética: Contemplación desinteresada : no importa su utilidad Los objetos sensibles: una entidad particular que es percibida sensorialmente  Componente emocional subjetivo: no es objetivable  Pretende objetividad: juicios que pretenden expresar cualidades del objeto. .

• Platón (s. Dónde la busca? – Leer fragmento p. .Problema de la fundamentación del juicio estético: objetividad versus subjetividad. – Belleza produce placer al individuo (subjetivo) quien pretende que esa belleza tenga validez universal. – “eros” = amor/deseo . es un placer interesado) y placer estético (se obtiene de la contemplación de la belleza.): – la belleza tiene una realidad objetiva. – Diferencia entre el placer sensible (producido por un estímulo de nuestros sentidos. Aspira a la belleza. V a. es desinteresado). • Kant (s. no hay razón para que el juicio no sea aceptado por todos los hombres. XVIII): – Superación de lo objetivo y subjetivo en la experiencia estética. 296. – El juicio estético (o del gusto): es un juicio reflexionante (no del conocimiento) acerca de cómo nos sentimos ante un objeto del mundo. nace de una constatación de la armonía de las facultades de conocer (que son las mismas en todos los hombres). – Como el placer estético es desinteresado.C.

estética es más global. en el mundo griego y romano no hay distinción entre los productos artísticos y cualquier otro producto elaborado por el hombre. • Qué es el arte? – Antigüedad: • “ars”(latín) = tékhne (griego) • Por tanto. . • Definición: 1) un tipo de acción orientada a la producción de objetos que puedan suscitar una experiencia estética. – Edad Media: • Distinción entre: 1) artes liberales (papel decisivo en el entendimiento) 2) artes serviles (para su elaboración es fundamental el trabajo manual). 2) los objetos en sí mismo que logren ese efecto. – Época Moderna • Nuevo concepto de arte diferenciado de otros tipos de actividades productivas. la filosofía del arte se limita al último.Problema de la relación de la experiencia estética con el arte • Experiencia estética: incluye la belleza y el arte.

las emociones que suscita. – Problema: se puede comprender el arte?”Cómo? – A través de la forma y/o el contenido. a diferencia de la belleza natural: necesita ser comprendida. tiene los mismos componentes que cualquier experiencia estética. » A) Contenido: la historia que nos cuenta. – Requisito previo para que la obra de arte suscite una experiencia estética. » B) Forma: estilo (el medio que utiliza para narrar la historia o generar emociones) .Cómo se entiende el arte? • Problema de la comprensión de la obra de arte: – Como el arte suscita una experiencia estética.

A) Contenido de la obra 2 aspectos (tipos de análisis): A) La REPRESENTACIÓN . . .El contenido de la obra (las emociones o ideas) son irrelevantes en la valorización artística de la obra.La obra no representa algo distinto de sí misma. B) La forma de la obra .Las teorías formalistas sostienen que lo que le da a la obra su carácter artístico (experiencia estética) es la forma. B) La EXPRESIÓN .la obra de arte es un lenguaje. dicen algo acerca del mundo). el artista debe decir algo con ella.Los símbolos: representan (van en lugar de otra cosa.La obra debe funcionar como un sistema de símbolos . es una manifestación en estado puro de ciertos sentimientos (que se captan a través de una intuición). .

– Técnica: nos permite adecuar los medios para obtener el mejor resultado en la producción. • Condiciones indispensables a ambos: – Material: sobre el que se aplica un trabajo. la idea previa. Debe crear reglas propias al producir la obra. • Imaginación: abre perspectivas nuevas para el arte y para nuestra propia manera de sentirnos en el mundo. guía el trabajo. que debe estar en la mente del artista.Diferencia entre arte y técnica • Objeto artístico: producido por el hombre. . • En la obra artística se suma: – Imaginación y genio: el fin. • Genio: artista excepcionalmente dotado para la creación. – Trabajo: en la base de cualquier producción humana.

entonces lo desprecia. • Heidegger: – Como modelo de desvelar el ser de las cosas. • Schopenhauer: – Como calmante de la voluntad de vivir (como surge de una actitud desinteresada nos escapamos de las garras de la voluntad y nos permite una contemplación desinteresada de la auténtica realidad). consumida.El valor del arte • Platón: – Mímesis: capacidad de imitar los productos de la naturaleza. pero ayuda al conocimiento y a la catarsis y produce placer. • Nietzsche: – Como estimulante de la vida. Es una copia de una copia. sino que a través del arte la realidad se nos muestra en toda su riqueza (verdad como desvelamiento). • Aristóteles: – Tiene su origen en la imitación. es una forma de sabiduría y nos muestra el carácter esencial de la vida. . – La obra de arte no es hecha para ser gastada.

• Entendiendo esto. – Es la teoría pura. Es FUNDAMENTAL tener consciencia metodológica. en respuesta a ciertos eventos.2 – Cómo estudiar Historia del Arte? • Dijimos que para tener una experiencia estética frente a una obra de arte es necesario comprender. es necesario acudir a estudios que se han hecho. Es decir. conscientes de que los escritos de arte no son una descripción. ya que forman parte de un proceso de interpretación a lo largo del tiempo. responden a diferentes teorías. . • Como en el caso de estudiar la historia. • Cómo enfrentarnos a dichos estudios? – Todos estos estudios no son inocentes. • Cada vez que leemos algo que se haya dicho sobre una obra de arte debemos prestar atención a la teoría y a la metodología. educar nuestra sensibilidad artística. nos preparamos para enfrentarnos a lo que los eruditos han dicho sobre obras de arte (la historiografía del arte) de manera crítica. universal e imparcial? • No. Toda teoría emerge en un lugar y tiempo particular.

Por ej. Es el conjunto de procedimientos o formas de trabajo que caracterizan una disciplina. . METODOLOGÍA El proceso de intentar responder esas preguntas de investigación. Lo que nos ayuda a encuadrar nuestras investigaciones y trazar una agenda de trabajo sobre temas. etc. objetos u archivos particulares. investigación de documentos históricos relacionados. entrevistas.: análisis de laboratorio.Cuál es la diferencia entre teoría y metodología? TEORÍA El proceso de formular preguntas de investigación.

• Cualidades formales: – – – – – Composición. . naturaleza o idea. • Debate: Forma vs.Qué se ha dicho sobre arte? Breve mención de la historiografía artística (el estudio de la historia de la historia del arte). Contenido • Teorías del formalismo: – El contexto o significado debe ser dejado de lado para prestar atención pura y directamente a la obra de arte. – La obra de arte debe ser disfrutada por sus cualidades formales más que por su representación de una figura. historia. Material Forma Línea Color • Teorías iconográficas: – Iconografía: el estudio de las imágenes – Se preocupan por el estudio del tema (contenido) de la obra de arte y rechazan las teorías que veían a la forma como criterio básico de la especificidad artística.

novelescos) e incluye algunas disposiciones de alto valor teórico. – Siglo XVII: apogeo del género vasariano (método biográfico) . • Utiliza biografías (elementos anecdóticos. – Obra: Vidas – Metodología: • Idea evolutiva y progresiva del arte.Comienzos de la historiografía artística • GIORGIO VASARI (1511-1574) – Primera sistematización metodológica. Compara el Arte con el cuerpo humano: florecimiento del arte antiguo. Su método es utilizado hasta el siglo XIX. renacimiento. subdesarrollo y caída.

– Su función: catalogar. ojos. • Características: – Metodología: • • • • Estudio directo de las obras Las relaciona unas con otras a través del concepto de ESCUELA Las estudia en relación con su lugar. técnicas). uso de los colores. – Metodología: • Comparación formal de obras seguras de cualquier maestro con las que no lo son (seguidores y discípulos). Clasificación: escuelas regionales. cabellos. . las obras de los grandes maestros y sus discípulos (atribuciones. escuelas individuales. paisajes.Historiografía positivista del siglo XIX • Positivismo: corriente filosófica que sentará las bases de la moderna Historia del Arte. • Aparece el EXPERTO: – Como producto de esta nueva relación que pretende ser objetiva y científica con la obra de arte. Pero el contexto para ellos es material. manos. escuelas de pertenencia). boca. nariz. discernir con la mayor precisión posible. ropajes. su tiempo. cráneo) porque no requieren excesivo esmero de ambos. • Cómo? No a través de las características más típicas (sistema de composición. géneros. – Aparece porque el auge del coleccionismo particular y museos demandan una catalogación científica. sino a través de la confrontación de pequeños detalles (orejas.

clásica y barroca. sociales y económicas eran irrelevantes. . que se basaba en parejas de principios opuestos. Wölfflin arguyó que en el estilo artístico también hay un principio que lo gobierna: la repetición cíclica de las fases temprana. Sus ideas influenciaron fines del siglo XIX y 2/3 del siglo XX. Miguel Ángel.forma abierta • Multiplicidad – unidad • Claridad – oscuridad Las primeras responden a la obra del Renacimiento (Rafael. – Su preocupación no radicaba en lo que el arte dice sino COMO lo dice.Metodologías formalistas • R. Para él la FORMA es aquello que define cualquier momento – 5 parejas de categorías formales: • lineal-pictórico • Plano-profundidad • Forma cerrada. – En su opinión. WÖLFFLIN (1864-1945). – Era de auge de las ciencias que encontraban leyes naturales inmutables de la naturaleza y el comportamiento humano. Velázquez. la manera de explorar esta dinámica era a través de un riguroso análisis formal. Las condiciones políticas. Bernini) • HENRI FOCILLON (1881-1943) – Veía a las formas artísticas como entidades vivas que evolucionan y cambian a lo largo del tiempo (de acuerdo a la naturaleza de sus materiales y su emplazamiento espacial). Durero. Holbein) Las segundas responden a la obra del Barroco (Frans Hal. – Decía que lo importante para determinar una forma artística era la confrontación física del receptor frente a la obra.

una figura sentada de piernas cruzadas con el pelo en un rodete y lóbulos de las orejas largos representan a Buda).Las formas simbólicas y el método iconológico • Estas teorías estudian el significado de las obras de arte: lo que ellas significan y cómo producen esos significados. • Iconología no es lo mismo que iconografía – Iconografía: la identificación de una imagen (ej. • Este proceso de identificación no es simple: requiere un conocimiento extenso de una cultura y sus procesos de producción de imágenes. por qué Santa Catalina fue representada en este particular lugar y espacio y por este artista). . Santa Catalina) – Iconología: intenta explicar por qué y cómo esta imagen fue elegida (ej. • Iconografía: el estudio de imágenes (básicamente identifican motivos e imágenes en la obra de arte: una mujer con una rueda en su mano representa a St. Catherine.

etc. identificar la imagen como una historia o personaje conocido. • Seguidores de Panofsky en el s. Bialostocki. XX: Saxl.• ABY WARBURG (1866-1929) desarrolla el método moderno porque rechaza el acercamiento formal al arte. reconocer visualmente en forma natural sin referencia a fuentes externas. • E. PANOFSKY (1892-1968) – Continúa el desarrollo del método iconológico. el estilo cultural predominante o el estilo del artista.Análisis iconográfico: el contenido temático secundario. 3-Análisis iconológico: el significado artístico. los deseos del que encarga la obra. filosofía. descifrar el significado de la imagen. política y vida social. ciencia. . tomando en cuenta el tiempo y lugar en el que la imagen fue realizada. literatura. Gombrich. Wittkower. 2. – Metodología: Hay tres niveles en el estudio de una obra de arte: 1-Descripción pre-iconográfica: el contenido temático primario. sosteniendo que el arte de un periodo determinado se encuentra conectado de numerosas formas con su religión. entre otros.

• Ligan los fenómenos de la producción artística con los acontecimientos económicos y sociales de su momento. • A. • Estructura – Superestructura (ideología) El arte forma parte de la ideología (visión del mundo que trata de justificar un orden social existente. situando la explicación de las formas artísticas en su contexto material de producción. HAUSER.Influencias del marxismo: la Crítica Social del Arte • Intentan superar las ideas formalistas. No interesa lo formal ni el contenido. pertenece a la clase dominante) y es utilizado para expandir la ideología dominante. . no todo se puede definir socialmente. sino que es otra forma de producción económica. El arte no es algo producido por genios. El arte aparece como corolario inmediato de la realidad social. – HAUSER (déc. VON MARTIN – Explicó la historia del arte desde supuestos estrictamente sociologistas (interés por el estudio de los contenidos económicos y sociales de la historia). 70) evolucionó: sostiene que si bien el arte está condicionado socialmente. ya que unas mismas condiciones sociales pueden producir obras valiosas y otras que no lo sean. La especialización artística es parte de la división capitalista del trabajo.

15 • No hay causas ilícitas para que nos guste una obra de arte. La Historia del Arte. pero sí hay causas equivocadas para para que no nos guste una obra de arte (nos estaríamos privando de un placer). Ed.3) Algunas reflexiones sobre “El arte y los artistas” (Gombrich). Tan sólo hay artistas” P. 1ª edición en 1950) . Gombrich. (Esta sección se encuentra tomada de: E. • “No existe realmente el arte. Madrid. Debate. 1995.

Cuál de estas obras es más bella? .

Cuál de estas obras te gusta más? .

Cuál de estas obras es mejor? .

Retrato de su madre. Pieter Paul Rubens. 1620 Alberto Durero. 1514 La belleza de un cuadro no reside realmente en la belleza e su tema. h. Varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza.• Motivos por los que puede gustar una obra de arte: A) BELLEZA • Inclinación por temas bonitos y atractivos (ver en los cuadros lo que nos gustaría ver en la realidad). . Retrato de su hijo Nicolás. • Problema: esto puede convertirse en nocivo si nos conduce a rechazar obras que representan asuntos menos agradables.

h. . 1639. Maestro toscano. Guido Reni. .Pero para comprender el modo de sentir. Disfrutar lo que queda por descubrir. .B) EXPRESIÓN . lo que expresa el artista. podemos preferir obras de arte cuya expresión es menos notoria.A menudo la expresión de un personaje en el cuadro hace que éste nos guste o nos disguste. debemos conocer primeramente su procedimiento. 11751225.Cuando llegamos a comprender estos diferentes lenguajes. El Cristo coronado de espinas. Cabeza del Cristo.

Liebre. Elefante. Caso de dibujos de Walt Disney. Dos cosas a tener en cuenta antes de juzgar como incorrecto un cuadro: 1) si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de lo que vio.C) DIBUJO . .A menudo se admira la corrección del dibujo. Prejuicios. - Hay muchas quejas sobre las distorsiones de la naturaleza en el arte moderno. Alberto Durero. Rembrandt van Rijn. la destreza del artista al representar los objetos. Importancia a los detalles. 1637. 1502. que el cuadro aparezca “como si fuera de verdad”. 2) nunca debemos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada (a menos que estemos completamente seguros de que es el pintor el que está equivocado).

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1871. 1821. Carreras de caballos en Epsom. Caballo al galope. Eadweard Muybridge.Errores aceptados: “las cosas no se representan así” Théodore Géricault. (Secuencia fotográfica) - - Propendemos a aceptar colores o formas convencionales como si fueran exactos. Viaje de descubrimiento de los artistas (nos enseñan a contemplar nuevos atractivos en la naturaleza). . Mayor obstáculo para gozar de obras de arte: despojarnos de costumbres y prejuicios.

1602. Caravaggio. San Mateo. Caravaggio.• Representar un tema familiar de manera inesperada es condenado a menudo por la razón de no parecer exacto. . 1602. San Mateo.

The Archers. hay leyes. 1770s. Sir Joshua Reynolds.• Los artistas se preocupan de si han acertado. Thomas Gainsborough. . Blue Boy. Cómo? Intuyendo.

36. pero no debe negarse el hecho comprobado de que el gusto puede desarrollarse” p.• “El antiguo refrán ‘Sobre gustos no hay nada escrito’ puede ser verdad. • UNO DE NUESTROS OBJETIVOS MÁS IMPORTANTES EN ESTE AÑO : EDUCAR LA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA . • Los grandes maestros tienen derecho a pedirnos que tratemos de comprender lo que se propusieron realizar. • Lo más importante con respecto al arte: tener una mente limpia y disfrutar ( descartar el esnobismo).