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Tema 10

Impresionismo y Posimpresionismo

Impresionismo y Postimpresionismo

Impresionismo y Postimpresionismo

Introducción

Impresionismo

Definición y características

El Impresionismo en España

Principales creadores

Posimpresionismo

Definición y características

Principales creadores

Impresionismo y Postimpresionismo

Contexto histórico

Impresionismo y Postimpresionismo

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Chevreul propuso el concepto de «contraste simultáneo" de colores, y la ley que lleva su nombre, que afirma que «dos colores adyacentes, cuando son vistos por el ojo, aparecerán tan diferentes como sea posible». En su trabajo, Chevreul mostraba que un color dará a su color adyacente un matiz de color complementario. Como consecuencia, la yuxtaposición de colores complementarios dará un aspecto más brillante al conjunto; por ejemplo, yuxtaponiendo verde y rojo. Mientras que al poner colores no complementarios juntos dará como resultado un conjunto «contaminado», como sucede, por ejemplo, al poner juntos amarillo y verde, el amarillo recibe un matiz violeta (su complementario).

colores primarios: son los
que no resultan de la mezcla de otros colores, y los que, mezclados pueden dar como resultado cualquier otro color.

colores secundarios: son
aquellos que se consiguen mezclando los colores primarios.

Dos colores son complementarios cuando están en lados opuestos de la rueda de color. Si se ponen juntos dos colores complementarios, ambos parecen más brillantes.

Impresionismo y Postimpresionismo La fotografía permitía captar con total fidelidad las luces efímeras de los paisajes y el quehacer cotidiano de la gente. Pero la pintura de los impresionistas explotaba las cualidades del medio, como el color, que la fotografía de la época no podía igualar. Al ofrecer diversas versiones de un mismo estímulo con apariencias distintas, la fotografía animó a los impresionistas a investigar sobre fenómenos perceptivos relacionados con el color, antes que a hacer estudios descriptivos de la realidad. Para los impresionistas la experiencia personal, y cómo se sentían sobre ella, era más importante que la propia realidad. La fotografía estimuló a los impresionistas para elaborar audaces composiciones, como figuras en contrapicado, o escenas incompletas que ayudaban a crear el efecto de inmersión del espectador en la escena, dando la sensación de que el cuadro se extendía más allá de los límites del marco, dentro de la vida misma del espectador. Este recorte del encuadre dejando abierto e incompleto el primer plano se denomina «desbordamiento del primer plano». Otro recurso compositivo de inspiración fotográfica era el desplazamiento del punto de interés del cuadro a alguno de los lados, en composiciones asimétricas que en ocasiones dejaban el centro de la obra vacío. A esto se le denomina «encuadre selectivo», y lo utilizaron en alguna ocasión todos los impresionistas.

Impresionismo y Postimpresionismo

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Dibujo satírico de un periódico parisino de 1863 en el que se lee, "Los encargados de transportar las pinturas de Manet, habiendo cometido la imprudencia de olvidar cubrirlas con un velo"

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El Impresionismo

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El 1673 la Real Academia de Pintura y Escultura Francesa celebró su primera exposición de arte semipública en el célebre Salon Carré del Louvre. Esta exposición tuvo mucha influencia entre los artistas y comerciantes de arte, tanto que comenzó a repetirse cada ciertos años, utilizando diferentes edificios oficiales. Durante al menos 200 años, la exposición en el Salón era esencial para cualquier artista que pretendiera triunfar, no solo por la escasez de sitios donde exponer, sino porque conseguir incluir alguna obra en el catálogo era símbolo del favor real. A partir de 1725 el Salón se celebró siempre en el Palacio del Louvre, y fue a partir de entonces cuando comenzó a llamarse el ³Salón de París´. El 1737, las exposiciones se hicieron públicas y en 1748, se introdujo un jurado cuyos miembros eran artistas reconocidos. Desde ese momento el Salón obtuvo una influencia sin discusión y la afluencia de artistas fue tan enorme que pronto no había sitio para que pudieran exponer todos

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Los jurados, cada vez más conservadores y academicistas, no se mostraban receptivos a los pintores impresionistas. Las obras eran normalmente rechazadas, o si las aceptaban, las situaban en lugares desfavorables. Cada año se rechazaban más obras, a veces por el conservadurismo del jurado, otras por los escándalos que provocaban los cuadros en la pacata moral de la sociedad de entonces. En 1863, el jurado del Salón rechazó un número muy alto de obras. Como resultado hubo protestas, en particular de los expositores individuales que habían sido rechazados.

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Para probar que los Salones eran democráticos, Napoleón III instituyó el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados), donde expondrían todos aquellos que el Salón había rechazado ese año. Se inauguró el 17 de mayo de 1863, marcando el nacimiento de la vanguardia. Los impresionistas celebraron sus propias exposiciones el 1874 , 1.876 , 1.877 , 1.879 , 1880 , 1881 , 1882 y 1.886.

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"Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil artesanía ! El empapelado en su estado mas ambrionario tiene mas terminación que este paisaje marino.´
Louis Leroy (crítico periodístico)

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La pintura impresionista propone nuevos cauces de expresión artística que exigían la ampliación de los temas representados en las obras. Para los impresionistas el motivo era secundario en relación con el protagonismo fundamental que cobraba la plasmación de la luz sobre el lienzo. Por esta razón, ya no se habla tanto de tema como de motivo. Recogiendo el legado de Corot, con los impresionistas el paisaje deja de ser un género menor. En el paisaje es donde los pintores impresionistas tienen más posibilidad de investigar nuevos efectos ópticos para captar sobre el lienzo la luz que impregna y dota de carácter a la atmósfera de cada momento. Dentro de un paisaje había multitud de elementos que observar cuya variación en función del momento del día se prestaba a su plasmación en una pintura. Los impresionistas investigaron las variaciones en la luminosidad del cielo, de las nubes, en condiciones de sol radiante, de lluvia, de viento, de niebla... Plasmaron en sus obras el agua (que, según Rewald, jugó un papel esencial en la formación del estilo de Monet y sus amigos), en marinas, ríos, inundaciones, estanques repletos de nenúfares... Analizaron, tratando de reproducirlo, el reflejo de la luz sobre el agua. Pintaron jardines, árboles, flores, praderas, campos de amapolas, almiares... Estudiaron el efecto de la luz sobre distintas superficies, como la nieve, o el suelo mojado en un día de lluvia.

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Como observadores atentos de su época, los impresionistas retrataban escenas cotidianas propias de la vida moderna: Paseantes ociosos y despreocupados, paseando o merendando en el campo en un día de descanso. El desarrollo económico posibilitó la existencia de la burguesía y de una creciente clase media que podía permitirse semejantes lujos que no estaban al alcance de la gran mayoría de la población. Estaciones de ferrocarril repletas de humo y vapor de las locomotoras. Bulevares, calles con el bullicio y la animación propios de la gran ciudad que era París. Escenas de interior de cafés y locales de variedades, en el circo, bailarinas de ballet, con gente descansando, aburriéndose o divirtiéndose. Hay que observar que los impresionistas plasmaban la realidad que observaban con una intención muy distinta a la que movía a los pintores realistas con una preocupación social. Los impresionistas no tenían ánimo de denunciar situaciones de injusticia social ni buscaban cambiar la sociedad con sus obras.

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Técnica de ejecución rápida y pincelada suelta. Interesaba la impresión del momento, y no el detalle realista. Esta técnica viene marcada por la necesidad de pintar muy rápidamente para captar los efectos de luz del momento, antes de que cambien.

Composiciones audaces, como figuras en contrapicado, o escenas incompletas que ayudaban a crear el efecto de inmersión del espectador en la escena, dando la sensación de que el cuadro se extendía más allá de los límites del marco, dentro de la vida misma del espectador. Este recorte del encuadre dejando abierto e incompleto el primer plano se denomina «desbordamiento del primer plano». Otro recurso compositivo de inspiración fotográfica era el desplazamiento del punto de interés del cuadro a alguno de los lados, en composiciones asimétricas que en ocasiones dejaban el centro de la obra vacío. A esto se le denomina «encuadre selectivo», y lo utilizaron en alguna ocasión todos los impresionistas.

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Antecedentes

Vermeer

Velázquez

Goya

Constable

Turner

Corot

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ESCUELA DE BARBIZON A finales de 1840, un grupo de pintores residentes en Barbizon, pueblo cercano a Fontainebleau (Francia), ejecutan una pintura basada en la captación de la naturaleza que les rodeaba. Entre las características podemos citar: Captan la naturaleza de forma realista. Muestran gran cantidad de matices lumínicos. Practican una pintura al aire libre, copiando del natural. Una caracterÍstica común es el claroscuro atmosférico, la cual cosa se convierte en la firma de la escuela. Suelen ensalzar a la naturaleza y sencillez de la vidad rural. Este movimiento se encuadra como uno de los últimos movimientos del Realismo francés y precursor del Impresionismo.

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La influencia del grabado japonés:
Una de las consecuencias que tuvo la apertura comercial de Japón sobre el mundo del arte fue la llegada y popularización de las estampas japonesas. Muchos artistas coleccionaban apasionadamente estas estampas del ukiyo-e. La palabra ukiyo significaba «mundo flotante» en japonés, y el sufijo «e» equivale a «pintura». Estos grabados comenzaron a popularizarse en Japón durante el s.XIX y representaban escenas cotidianas tratadas informalmente. Desde el punto de vista plástico, en estas estampas se utilizaban principalmente grandes masas planas de color, con una casi completa ausencia de sombras, una despreocupación por la perspectiva, encuadres asimétricos de las escenas y una gran capacidad de síntesis por parte de los artistas para plasmar los temas. Por tanto, este arte japonés ahondaba en algunos de los elementos que sugería la influencia de la fotografía, ya que los maestros del ukiyo-e se deleitaban plasmando en sus trabajos los sutiles cambio atmosféricos y luminosos que detectaban por efecto del viento o de la lluvia, o los fugaces momentos de cambios de postura o gestos en los personajes.

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Edouard Manet
Aunque él nunca se consideró ³impresionista´ y se formó en la pintura tradicional, fue admirado por los impresionistas y puede ser considerado como el inspirador del grupo. Mostró cómo se podían obtener sutiles representaciones de luz por yuxtaposición de colores fuertes y contrastados. Su cuadro La merienda campestre (1863) señaló el comienzo de una nueva era en el arte. Su tratamiento del color, plano y a base de manchas, la renuncia al claroscuro, el gusto por la pintura al aire libre y el interés por la luz pueden ser consideradas características del estilo.

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Monet
Es el máximo exponente del impresionismo. En sus cuadros se descubre a un pintor sincero, cuyo trabajo se caracteriza por la exaltación de la artesanía y la paciencia. Cautivado por el espectáculo que le ofrece la naturaleza, intenta plasmar en el lienzo los efectos de los rayos del sol sobre todos los elementos del paisaje. El tema central de su obra es la luz, fundamentalmente a través de los reflejos en el agua. Sin embargo, comprende pronto la imposibilidad de captar en toda su plenitud el instante, pues al cambiar los efectos atmosféricos sin cesar, no puede conseguir que la tela los detenga. Para solucionar el problema emprende su trabajo a través de series, un número indeterminado de lienzos que reflejan el mismo motivo a diferentes horas del día, como las series sobre la estación de Saint- Lazare, la Catedral de Rouen, los Nenúfares, vistas del Támesis, de Venecia...

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Impresión, amanecer presenta el puerto de Le Havre (Francia) al amanecer. Monet tomó la escena directamente del natural. Los efectos de luz protagonizan el cuadro, como es propio de los impresionistas. El Sol, la mancha roja que se destaca al fondo, sale entre la neblina y tiñe de efectos anaranjados el mar y el cielo. La atmósfera vaporosa difumina las formas, y las grúas del puerto y las barcas casi desaparecen. Los colores se aplican con pinceladas gruesas y rápidas, que se aprecian a simple vista.

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Edgar Degas
Se le suele asociar con los impresionistas, sin embargo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo por la pintura directa al aire libre dio lugar a un estilo que representó una alternativa relacionada con el impresionismo. La mayor parte de su obra representa teatros, cafés, variedades o gabinetes y carreras de caballos. En sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentado atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos. Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitado y composiciones asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores de absenta o Ensayo de ballet. En la década de 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían una gran agudeza visual: la escultura y el pastel.

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Auguste Renoir
A diferencia de otros impresionistas, le interesó más la representación de la figura humana individual o en retratos de grupo que los paisajes. Además, tampoco subordinó la composición y la plasticidad de las formas a los efectos lumínicos. Disfrutaba con el arte barroco y rococó. Y esa obsesión por estos estilos le hace en algunas obras volver la espalda a la nueva técnica, usando dibujo previo, perfiles escultóricos y nítidos. Sus desnudos, sensuales, de inconfundibles tonos rosados, están llenos de vida. Entre 1884 y 1887 realizó una serie de estudios de grupos de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas. Otras destacadas obras de Renoir son El palco y El columpio.

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Joaquín Sorolla es el principal
representante español del Impresionismo. Durante algún tiempo cultivó los temas de historia, pero un viaje a París le inclinó hacia una mayor sensibilidad social hacia los temas del presente. La luz de Valencia termina de incorporarle a los módulos impresionistas; no obstante su parentesco con la escuela francesa es discutible. Sorolla mantiene en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y afronta problemas de composición y movimiento de los que poco se cuidaron los maestros galos. El estudio de Velázquez y Goya influye sin duda en su diseño de los temas. De su obra destacan sus escenas valencianas de playa y pesca, en las que con una técnica suelta de mancha gruesa capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo y sus brillos en las velas desplegadas, en las arenas y sobre todo en los cuerpos mojados de los niños que juegan en la orilla.

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Rodin

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El Postimpresionismo

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En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa: - Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas. - Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne). - Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)). - Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas. - Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas. - Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)). - Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh). - Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec). - Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

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Influencias

De los impresionistas el gusto por los contrastes de colores (en Cézanne)

De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas (en V. Gogh) De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo (en Gauguin)

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En la década de los ochenta del siglo XIX surge la tendencia del Puntillismo (o Divisionismo), representada por Seurat y Signac, que se caracteriza por una elaboración más racional de la pintura, frente al carácter instintivo y sensorial del impresionismo.

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Paul Gauguin
Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Tahitianas, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos?...

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Van Gogh.
Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentesamarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra, Los girasoles«

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Van Gogh pintó Noche estrellada durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint Remy. No obstante, el paisaje no es el pueblo real, sino una recreación del propio artista. El cielo es el auténtico protagonista y ocupa casi todo el lienzo. El tema enlazaba con sus creencias sobre la muerte y la eternidad: la muerte no era más que un viaje a las estrellas, y el cielo estrellado, una especie de mapa de ese viaje. La presencia del ciprés, árbol relacionado con los cementerios y lo eterno, intensifica el mensaje. La obra destaca por su horizontalidad. Solo las verticales de los cipreses de la izquierda y la torre de la iglesia llevan nuestra vista hacia arriba. Van Gogh no pinta un cielo negro, sino que lo embellece y dota de color. En el cielo azul destacan las estrellas blancas y sobre todo un enorme sol amarillo. El amarillo y el azul serán, junto con el verde, los colores favoritos de Van Gogh. El celaje está pintado con pinceladas gruesas y agitadas, que contrastan con la quietud y linealidad del pueblo en la parte inferior.

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Paul Cézanne
En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria

 

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Jugadores de cartas Esta serie de cinco lienzos fue pintada entre 1890 y 1895. Se retrata un tema real, cotidiano, pues los jugadores de cartas son personas reales, campesinos observados por el pintor en Aix-enProvence. Al mirar el cuadro somos espectadores de la partida. En el cuadro más destacado de la serie, el centro de la composición es la botella que divide el cuadro en dos mitades, cada una ocupada por un personaje. En esa zona central confluyen las manos de los protagonistas, que sostienen las cartas, y que, por tanto, centran nuestra atención. La presencia incontestable de los jugadores, su posición uno frente a otro y sus manos, todo intensifica la sensación de enfrentamiento. Los gestos son mínimos, contenidos, pero expresivos del enfrentamiento: los jugadores están concentrados en sus cartas, que sostienen cuidadosamente con sus manos.

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Toulouse-Lautrec.
Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. La Goulue, Moulin Rouge«

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