EDITORIAL

El futuro se hace presente
Carlos F. Heredero
Un nuevo horizonte se abre para el cine desde el comienzo mismo del siglo XXI. El despegue definitivo de esta nueva época (la era digital), y de las vertiginosas transformaciones implícitas en ella, coincide así con la encrucijada simbólica que ofrece el ocaso del siglo analógico y el amanecer de su relevo histórico. Pocas veces como ahora los saltos cualitativos más relevantes de un proceso de profundas mutaciones se han correspondido de forma tan clara con la inflexión del calendario. La velocidad del proceso apenas deja tiempo para contemplarlo en perspectiva y para aventurar hipótesis reflexivas sobre su propia naturaleza y sobre sus repercusiones en el conjunto del universo audiovisual. La realidad poliédrica y mestiza, cambiante y acelerada de 2007 ha dejado ya obsoletos algunos de los debates más apasionados entre los que se dirimían a finales del siglo XX y durante los primeros años del actual: la vieja dicotomía entre la imagen-cine y la imagen-televisión, las polémicas entre cineastas y videocreadores, la distancia entre la imagen fotoquímica y el vídeo analógico... Incluso la disyuntiva entre el vídeo digital (DV) y la alta definición (HD) está en trance de perder todo significado. Quedan todavía por negociarse, es verdad, numerosas cuestiones que afectan a la estética y al lenguaje tanto como a la producción y a la difusión, pero los cambios que se están produciendo ya delante de nuestros ojos todos los meses nos arrastran y nos sitúan, una vez tras otra, frente a los hechos consumados. Lo que está en juego, sin embargo, no es baladí. La democratización del acceso a las herrramientas convive con las impositivas tendencias uniformízadoras propias de la globalización; el estallido de una pluralidad de voces y de canales, de formatos y de pantallas, va de la mano con las amenazas casi constantes que sufre la diversidad cultural en medio del asedio al que la somete la voracidad del mercado; el potencial liberador de los nuevos instrumentos (las cámaras digitales, Internet, etc.) genera tensiones con la protección de los derechos de autor, que son imprescindibles, a su vez, para garantizar esa misma libertad creativa que impulsan aquéllos; la libre circulación de las obras (ahora que la tecnología y la programación parecen estar en condiciones de abolir todas las barreras) genera la imperiosa necesidad de encontrar y definir nuevas instancias de discriminación y de valoración crítica. Se hace ahora más necesaria que nunca, en consecuencia, la tarea de repensar la nueva frontera digital sobre la que nos movemos. Se hace más urgente el empeño de resistir a la fábrica de eslóganes, a la tentación perezosa de dejarse llevar por los espejismos de la tecnología y a la banalidad retórica de los nuevos academicismos. Se hace más perentorio encender luces para alumbrar el camino y para no perdernos en medio del bosque. Con esta determinación, nuestra revista se adentra en 2008 proponiendo algunas reflexiones iniciales sobre el palimpsesto digital al que nos enfrentamos. Una propuesta que surge en paralelo con el referente de las dos películas elegidas por nuestros críticos como las mejores de 2007 (Inland Empire y Naturaleza muerta), grabadas y concebidas ambas, a mayor abundamiento, en vídeo digital. •

GRAN ANGULAR

Inland Empire y Promesas del Este. Dos extraordinarias propuestas encabezan las listas que, según críticos y lectores de Cahiers-España, representan el mejor cine del año. Una hornada en la que ha resurgido con fuerza el cine estadounidense y en la que la tecnología digital ha superado limitaciones y prejuicios, si bien varias películas esenciales han quedado pendientes de estreno. Estos y otros temas dan forma al recorrido y balance general del año que aquí se ofrece.

2007. El año (digital) americano
LA SELECCIÓN DE LOS CRÍTICOS
ASIER ARANZUBIA COB 1. Death Proof (Quentin Tarantino) 2. La hamaca paraguaya (Paz Encina) 3. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 4. María Antonieta (Sofía Coppola) 5. El libro negro (Paul Verhoeven) 6. El romance de Astrea y Celadon (Eric Rohmer) 7. Last Days (Gus Van Sant) 8. Die Stille vor Bach (Pere Portabella) 9. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 10. Los testigos (André Techiné) FRAN BENAVENTE 1. Inland Empire (David Lynch) 2. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 3. Banderas de nuestros padres (Clint Eastwood) 4. Zodiac (David Fincher) 5. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 6. Promesas del Este (David Cronenberg) 7. Death Proof (Quentin Tarantino) 8. El asesinato de Jesse James... (Andrew Dominik) 9. "A través del espejo" Cap. 23 Temp. 3 "Perdidos" 10. Election 2 (Johnnie To) ROBERTO CUETO 1. Death Proof (Quentin Tarantino) 2. Zodiac (David Fincher) 3. Election 2 (Johnnie To) 4. El bosque del luto (Naomi Kawase) 5. María Antonieta (Sofia Coppola) 6. The Host (Bong Joon-ho) 7. Inland Empire (David Lynch) 8. Takeshi's (Takeshi Kitano) 9. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 10. Promesas del Este (David Cronenberg) CARLOS F. HEREDERO 1. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 2. El romance de Astrea y Céladon (Eric Rohmer) 3. El bosque del luto (Naomi Kawase) 4. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 5. Maria Antonieta (Sofia Coppola) 6. La soledad (Jaime Rosales) 7. Luces del atardecer (Aki Kaurismäki) 8. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 9. Inland Empire (David Lynch) 10. Promesas del Este (David Cronenberg) JOSÉ ANTONIO HURTADO 1. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 2. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 3. Luces del atardecer (Aki Kaurismäki) 4. Inland Empire (David Lynch) 5. Banderas de nuestros padres (Clint Eastwood) 6. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 7. Redacted (Brian de Palma) 8. Los climas (Nuri Bilge Ceylan) 9. Las alas de la vida (Antoni P. Canet) 10. Ratatouille (Brad Bird y Jan Pinkava) EULALIA IGLESIAS 1. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 2. Last Days (Gus Van Sant) 3. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 4. Belle Toujours (Manoel de Oliveira) 5. Maria Antonieta (Sofia Coppola) 6. Promesas del Este (David Cronenberg) 7. Death Proof (Quentin Tarantino) 8. El sueño de Casandra (Woody Allen) 9. Inland Empire (David Lynch) 10. The Host (Bong Joon-ho) JOSÉ MANUEL LÓPEZ FERNÁNDEZ 1. 1 Naturaleza muerta (Jia Zhang-Ke) 2. 2 El bosque del luto (Naomi Kawase) 3. 3 El romance de Astrea y Céladon (Eric Rohmer) 4. 4 Death Proof (Quentin Tarantino) 5. 5 Election 2 (Johnnie To) 6. 6 Last Days (Gus Van Sant) 7. 7 Belle Toujours (Manoel de Oliveira) 8. Takeshis' (Takeshi Kitano) 9. La hamaca paraguaya (Paz Encina) 10. The Host (Bong Joon-ho) CARLOS LOSILLA 1. Inland Empire (David Lynch) 2. Zodiac (David Fincher) 3. El asesinato de Jesse James... (Andrew Dominik) 4. Promesas del Este (David Cronenberg) 5. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 6. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 7. Banderas de nuestros padres (Clint Eastwood) 8. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 9. Last Days (Gus Van Sant) 10. Keane (Lodge Kerrigan)

EN LA CIUDAD DE SYLVIA 9. El romance de Astrea y Céladon (Eric Rohmer) 3. 13. 17. 5. Lío embarazoso (Judd Apatow) l0. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 9. LADY CHATTERLEY 18. El bosque del luto (Naomi Kawase) 9.. LA SOLEDAD . LADY C H A T T E R L E Y EN LA CIUDAD DE SYLVIA PROMESAS D E L E S T E 11. 4. Die Stille vor Bach (Pere Portabella) S. Promesas del Este (David Cronenberg) 10. MARÍA ANTONIETA 15. EL LIBRO NEGRO 17. Borrachera de poder (Claude Chabrol) 8. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 8. El romance de Astrea y Céladon (Eric Rohmer) 5. María Antonieta (Sofia Coppola) LOS VOTOS DE LOS CRÍTICOS PELÍCULA 1. LA VIDA DE LOS OTROS 3. Banderas de nuestros padres (Clint Eastwood) 6. 6. Promesas del Este (David Cronenberg) 10. INLAND EMPIRE 5. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 8. 19. THE HOST 19. 14. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 5. Redacted (Brian de Palma) 5... Zodiac (David Fincher) 2. BANDERAS DE NUESTROS PADRES EL ASESINATO DE JESSE JAMES. RATATOUILLE 13. Réquiem por Billy el Niño (Anne Feinsilber) 10. LAST DAYS 1098 1092 873 740 709 559 531 521 509 456 11. Last Days (Gus Van Sant) 3 Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 4. ZODIAC 4. La línea recta (José María de Orbe) 9. PERSÉPOLIS 16. Death Proof (Quentin Tarantino) 7. Last Days (Gus Van Sant) 2. 15. MARÍA A N T O N I E T A 12. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 6. La hamaca paraguaya (Paz Encina) 5. Ratatouille (Brad Bird y Jan Pinkava) ANTONIO SANTAMARINA 1. 3. Promesas del Este (David Cronenberg) 4. Last Days (Gus Van Sant) 4. El asesinato de Jesse James. 9. 16. Inland Empire (David Lynch) 4. INLAND EMPIRE NATURALEZA M U E R T A LAST DAYS D E A T H PROOF CARTAS DESDE I W O J I M A ZODIAC CÉLADON PUNTOS VOTOS 78 77 53 49 47 47 47 38 32 31 26 24 22 21 19 18 18 17 16 14 11 11 8 8 8 6 6 7 7 8 5 4 4 4 3 4 3 4 3 2 7. El libro negro (Paul Verhoeven) 7. REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza) JAIME PENA 1. EL ROMANCE DE ASTREA Y CÉLADON 202 GONZALO DE LUCAS 1. REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza) 9. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 5. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 9.. Belle toujours (Manoel de Oliveira) 7. PROMESAS DEL ESTE 2. 2. El libro negro (Paul Verhoeven) 4. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 6. El bosque del luto (Naomi Kawase) 9. Inland Empire (David Lynch) 7. Zodiac (David Fincher) 2. 12. EL ASESINATO DE JESSE JAMES. EL BOSQUE DEL LUTO EL LIBRO NEGRO REDACTED LA HAMACA PARAGUAYA ELECTION 2 BELLE T O U J O U R S 20. Death Proof (Quentin Tarantino) CARLOS REVIRIEGO 1. LA SOLEDAD 10. El romance de Astrea y Céladon (Eric Rohmer) 3. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) 5. 18. EL SUEÑO DE CASANDRA 320 261 257 244 238 208 207 207 203 20. Zodiac (David Fincher) 10. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 8. Last Days (Gus Van Sant) 6. Inland Empire (David Lynch) 2. LA CIENCIA DEL SUEÑO 14. DEATH PROOF 8.. NATURALEZA MUERTA 6. Naturaleza muerta (Jia Zhang-ke) 3. Lady Chatterley (Pascale Ferran) 6. Election 2 (Johnnie To) ÁNGEL QUINTANA L Inland Empire (David Lynch) 2. El sueño de Casandra (Woody Allen) 7. Death Proof (Quentin Tarantino) 4.. Redacted (Brian de Palma) 6. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 10.. La soledad (Jaime Rosales) 3.LOS VOTOS DE LOS LECTORES PUNTOS PUNTOS 1. En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín) 8. CARTAS DESDE IWO JIMA 7. Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood) JOSÉ ENRIQUE MONTERDE 1. 10. Inland Empire (David Lynch) 2. (Andrew Dominik) 7.. (Andrew Dominik) 3. El asesinato de Jesse James. EL R O M A N C E DE ASTREA Y 8.

La elección de Inland Empire como mejor película de 2007. David Lynch no suelta prenda sobre la película. nos permite recuperar una entrevista con el cineasta en la que éste comenta la génesis del film y sus métodos de trabajo. nos despide con un lynchiano: "Intentad permanecer secos " Queda todo dicho acerca de su economía de palabras. ENTREVISTA DAVID LYNCH Una esfinge sonriente HERVÉ AUBRON / STEPHANE DELORME / JEAN-PHILLiPE TESSÉ Tres cuartos de hora con una esfinge sonriente en un gran hotel de París. aunque diserta largo y tendido sobre las las virtudes de su método empírico de rodaje. según los críticos de Cahiers-España. . Al marchar. éstas son singularmente precisas y ponderadas. bajo la lluvia. Su cigarrillo dibuja volutas sabias y cuando calcula sus palabras con malicia. La libertad creativa y la versatilidad en los rodajes que facilita el vídeo digital ocupan el centro de sus consideraciones y nos devuelven al enigma de sus imágenes. de su gusto por las sonoridades y la simplicidad cristalina que mantiene hasta el enigma.

Yo filmaba con mi cámara. ¿Por dónde empezó? ¿Cuáles fueron las primeras escenas? No quiero decirlo. Cuando terminé Mulholland Drive. Además. ¿Pasó por el estadio de la escritura? Si la idea es buena. Las dos tratan de la industria del cine pero bajo un ángulo distinto. yo filmaba sólo con Laura Dern. funciona. te das cuenta de todo lo que ha llegado con ella. con película. Por aquel entonces. Cuando se saben demasiadas cosas de una película. se estropea la experiencia. Es una manera de trabajar que solemos adoptar para escribir el guión: al principio. no escribía las escenas. La intuición es el mejor instrumento de un cineasta. Luego. luego nada. Había una escena. Pero. puesto que trabajo sobre cada uno de los elementos hasta que siento que ha quedado correcto. Pero. llega algo. cuando todo se dibujaba. Inland Empire no estaba en Mulholland Drive. La escritura sirve para traducir una idea. sin tener una visión general. Me permitía estar cerca de Laura Dern. y Cabeza borradora. Pero no veía relación entre ellas. si empiezas a escribirla. ¿Era como una perfomance. ¿Cómo logra discernir entre las buenas y las malas? Basta con enamorarse de una idea y de lo que el cine puede hacer con ella. otras llegan. Cada escena indica un per- . Quise continuar con la misma cámara. Al cabo de un momento. Estuvimos filmando durante tres años. si uno no se ha enamorado. ¿Le parece que Inland Empire está extraída de Mulholland Drive? No. lo que cuenta es el todo. ¿Cuál era su deseo original? No había deseo. cuyos temas recupera. Y no sabía de qué se trataba. pero no siempre sabes qué va a pasar. Vas rumiando esas cosas en la cabeza y. Durante mucho tiempo no supe si este ensamblaje de escenas desembocaría en alguna otra cosa. ¿Qué le aporta el vídeo? Para mí. pero eso carece de importancia. aunque lo demás se desprenda de esa primera escena. se ve la totalidad. la anoto para no olvidarla. La conozco desde que tenía diecisiete años y ahora forma parte de mi familia. rodábamos con tres cámaras. Se intuye que está terminado. Empecé a trabajar escena por escena. Y tener cuarenta minutos por delante para filmar. para tener un mayor control. Antes de transferir las imágenes. Entonces. intervino un equipo más grande. una sola idea puede ser indicativa del todo. como un flash. y luego hasta que todo el conjunto lo está. y ningún proyecto de largometraje. Cuando me planteé hacer una película con ella. y luego empezaba de nuevo. Entonces. con un rodaje clásico en continuidad. había uno desde el principio. al principio. nada más que una escena. Me sigue gustando la palabra "celuloide". No tiene nada que ver con el modo en que trabajaba antes. de la que conserva su modo de producción económico. por otra parte.Inland Empire parece estar en una encrucijada entre Mulholland Drive. En un momento dado. Pero. no vemos la relación pero. no tenía ideas para una nueva película. pero ya no rodaré más con película. Normalmente no estaba solo. Comencé a filmar escenas con esa cámara y me gustó el resultado. de cualquiera. La idea llega rápido. y ya no puedes parar. ¿Por qué trabajar en vídeo con una imagen tan tosca y no en Alta Definición? Empecé a trabajar con una Sony PD 150. Pero. que parecía un juguete. Tal como lo digo. mejor descartarla. de pronto. ¿Cómo trabajó con Laura Dern? Estuvo en el proyecto desde el principio. se me ocurrió una idea para otra escena. Es una película diferente. hice pruebas de transferencia a celuloide y quedé maravillado con el resultado. en la que había un personaje para ella? Sí. poco a poco. lo más importante de esta película es el hecho de que la he filmado con esta cámara. el conjunto empieza a emerger: algunas cosas desaparecen. en esta ocasión. Inland Empire es una película-compañera de Mulholland Drive. No tiene miedo de nada. No pensé en Cabeza borradora. se puede también trabajar encima de ellas. no sabía adónde iba pero me enamoré de esa cámara experimentando con cosas para mi página web. Es el pensamiento y la sensación combinados. las filmaba. No había firmado para hacer un largometraje. ¡bingo!. pero ella comenzó a trabajar conmigo. apareció la tercera escena. Siempre hay una primera escena. por más que la manera de trabajar y la abstracción puedan recordárnosla. lo que no daba una impresión muy seria. Habla siempre de las ideas. ¿Cómo se guiaba en esas condiciones? Intento permanecer fiel a las ideas. Es un momento excitante. no nueve.

¿Por qué Polonia? La primera vez que estuve allí fue con motivo del festival Camerimage de Lodz. señales. de por qué lo dice. De todas formas. tinto para hacerlo diferente.avanzar: hay que entrar profundamente en la historia. Me invitaron junto a Freddie Elmes. por lo que estaba al completo. No es que quisiera hacerlo deliberadamente disSi es el espectador. siempre hay un personaje. unos personajes y unas situaciones. La intuición es el está más desorientado que en mientras que los actores suelen emitir Mulholland Drive. Responderé con una pregunta: ¿quién reacciona ante esa imagen? Es distinto. Hoy era lo bonito. gran intensidad emocional. presentaron las ideas. ¿Quién sabe? Tal vez tenemos ningún indicio. una manera de contarla. en el año 2000. de entrada. Y. Pero. no cía más simple. ya es un personaje. escena por escena. el pensamiento y la estaba desorientado! Y me plantearon honestamente. de lo que dice. Es Mulholland Drive. Normalmente las emociones las producen una historia. independientemente de por dónde Tal vez. sólo es la manera en que se me cuanto más abstracto sea.. Un personaje en una continuación.) y solamente después las historias que se desprenden de ellas.sonaje. El espectador reacciona. naje. Como Laura Dern no sabía adonde iba. a se empiece. Si es así como lo ve. El montaje entre Hollywood y Polonia es misterioso. el Miedo. cuando se estrenó anuncian lo que va a ocurrir.. que había fotografiado Terciopelo azul y . Es como en la vida. ¿qué está ocurriendo? oscura que en Mulholland Drive o Carretera Perdida. Yo diría que hay una historia y. se trata de una manera de narrar más vuelve hacia la cámara y grita. dentro de unos años digan que Inland Inland Empire muestra una serie de escenas de una Empire era una historia simple. el que reacciona ante esa imagen es usted. se No obstante. en el camino de tierra. en Inland Empire la sensación es que. ¿qué ocurre en esas escenas? Cuando Laura Dern. más reacciones distintas habrá. Y una sola manera de escena. no sensación combinados dicen que Mulholland Drive paresabemos qué seremos mañana. Eso exactamente la misma cuestión. Laura no de un cineasta. Se puede hablar de ese perso. están las emociones (el Amor. en medio de una escena. ¡todo el mundo lo sabía. pero podía ser totalmente fiel a la escena. penetrar en la abstracción. etc. que mejor instrumento Recuerde que.

con esa mujer que va a llamar a la puerta de Laura Dern. Ben Harper. Entrevista realizada el 26 de noviembre del 2006 en París © Cahiers du cinéma. de Inland Empire? Las historias no son planas. Es posible. ¡es una locura! Si quiere calmar el estrés y la tensión. Fue único. Es Los Angeles hoy en día. Ahora el espacio es interior y circular. n° 620. salimos del espacio exterior para encontrarnos rodeados por la muchedumbre. Hay diferentes mundos en un mismo lugar. Llevo treinta y tres años practicando la meditación. Sí. y la presión. mi energía. El narrador no tiene porqué sufrir para mostrar el sufrimiento. Les pedí a los responsables del festival que me indicaran fábricas que pudiera filmar. Y hay que saber que Inland Empire es un barrio del este de Los Angeles. 2007 Traducción: Nuria Pujol . hasta lo que ustedes dan a llamar. Es una muy buena manera de ver las cosas. con los ruidos de la calle. Cuanto más sufra. que se refería a una avenida de Los Angeles. era de Inland Empire. y que busca la beatitud. El día en que Laura Dern me contó que su marido. Pero también el inicio. las cosas no han parado de mejorar para mí. Todo el mundo fue adorable y diligente: a la mañana siguiente ya estábamos filmando. mi hermano estaba limpiando la cabaña de mis padres en Montana. en cuanto a sus personajes. y los sin-techo. Me dijeron: "ningún problema". volví a ir y tuve una idea para una escena. Es más grande que eso. ¿Por qué enfrenta esos dos mundos. Pero Inland Empire no es un círculo. La escena de la agonía en Hollywood Boulevard es muy impresionante. Me di cuenta de que aumentaba mi creatividad. Hay que poder encontrar en ellas todas las experiencias posibles que una persona puede vivir. Se pierde uno en la confusión y en la oscuridad. El mundo es lo que nosotros somos. es Los Angeles de hoy en día. Cerré el álbum y me dije que algo estaba ocurriendo. ¿Y qué relación establece entre la meditación trascendental. Así es como ocurre siempre todo. atormentado. El mundo es lo que vemos de él. Necesitan contraste y conflicto. las cosas cambian. la "beatitud". y la primera foto es una vista aérea de Spokane y. se diría que les va cada vez peor. Eso es lo que me maravilla. • Corazón salvaje. Hollywood y Polonia? Debe de haber una razón. Me enamoré de la ciudad de Lodz. debajo. Al cabo de un tiempo. Veo que la gente sufre tanto por hacer lo que hace. Una vez más. ¿Es la señal de que se ha terminado el viaje? Sí. más incapaz será de hacer su trabajo y de contar su historia. Basta con montarse en un autobús y pasamos de un mundo a otro. eso nos remite al espectador. Me gustan esas palabras. a la que se dedica por otra parte. El título Inland Empire parece el inverso de Mulholland Drive.Al final aparece un muchacho y la familia se reconstruye. lo abrí. y el mundo oscuro. Febrero. supe que ese era el título de lo que estaba filmando. También les pedí chicas desnudas. La primera vez que medité creí que mi espíritu iba a estallar. sumérjase en sí mismo. y después salimos de ellas. en francés. adivine lo que había escrito: "Inland Empire". Es la historia y. Más bien una espiral. Y encontró un viejo álbum en el sótano. Las cosas no han parado de mejorar para usted pero. Me dije que no tenía sino ventajas en acelerar las cosas buenas y hacerlas crecer. Le quitó el polvo y vio que era el bloc de notas de cuando yo tenía cinco años y vivíamos en Spokane. Me lo mandó. y hacer de su vida un juego. no te remiten a ningún lugar específico. al final de la historia. Washington. A partir de entonces. Algunas semanas después.

es el que ilustra algunas de las mejores películas norteamericanas estrenadas entre nosotros el último año. al momento en que aquellos bárbaros llamados Francis Ford Coppola y Martin Scorsese. mientras que los europeos se dedican a fabricar películas en forma de conmemoraciones. en cambio. A partir de ese momento. independientemente de la calidad de los resultados -véase Lady Chatterley.En las fronteras de cierto cine americano CARLOS LOSILLA Mientras los defensores de las excepciones culturales y las cuotas de pantalla siguen tronando contra el cine norteamericano. así como de las calles de Estrasburgo recreadas por el José Luis Guerín de En la ciudad de Sylvia o del Auschwitz fantasmal de La Question humaine. se resquebraja una cierta imagen de América. y no sólo como un acontecimiento político-militar. Ese movimiento incierto. vista en el festival de Gijón. en cambio. pues. Zodiac. según las imágenes vistas por televisión: un hundimiento y a la vez un repliegue. como si hacer cine ahora mismo fuera un acto de rememoración creativa. muestran la duda . de Eric Rohmer. Los asiáticos continúan el gran relato baziniano de la puesta en escena. En aquel momento se trataba de el último Stendhal del nuevo mundo. y también de la lucha de clases de Lady Chatterley. presenta un paso firme y seguro. vocación arquitectónica tanto en la concepción de las imágenes como en la intención del discurso: procedemos de esa Arcadia feliz. propone un movimiento análogo al de las Torres Gemelas en el momento del ataque. cuando el cine asiático se postula como el heredero de la gran modernidad europea de los sesenta -véase Naturaleza muerta. un buen punto de partida. Desde ese momento. de David Fincher El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford. el cine americano se convierte en un espejo que no se pasea. de Jia Zhang-ke. el capitalismo puritano pierde su pátina reluciente y el gran espectáculo del mercado queda al descubierto. de Pascale Ferran-. como si en la zona cero hubieran quedado enterrados los últimos vestigios de esa escenografía. sino que deambula a lo largo del camino. pese a su aparente humildad. Y más aún en el momento actual. Los americanos. lo que convertiría a Clint Eastwood en He ahí. tomaron Hollywood al asalto. planos escritos con gesto decidido. de importar modas procedentes de París y Roma. las carteleras y las listas de mejores películas del año atestiguan que éste no podría estar atravesando un momento más brillante. entre otros muchos. El romance de Astrea y Céladon. El 11-S.y en Europa aún se vive un proceso de calcificación de ese mismo periodo. Para justificar la situación se ha hablado de un retorno a los años sesenta y setenta. Pero ni la situación es la misma ni el contexto parecido. de mezclar tradiciones. hasta el punto de que hay que pensar en Vietnam como un revulsivo iconográfico. de Andrew Dominik liberalizar mercados y costumbres. de no saber a dónde ir. de Nicolas Klotz.

del rostro estupefacto de quien inició el apocalipsis sin saberlo. hay un cine americano que atestigua la ausencia de los grandes modelos. para certificar la paranoia del Last Days. de David Fincher. para dibu- espectáculo multiplicado por las diversas formas de pantallas. El sentimiento de vacío que ha dejado la ausencia de aquella edad de oro sólo les permite merodear alrededor de esa zona cero metafórica. es del cine como sustituto de la vida y. sino que siempre se han limitado a vagabundear. Zodiac culmina en las catacumbas del celuloide. toma como fuente de inspiración los años setenta. su última aparición en escena. una voluntad de desaparición. de Gus van Sant Fast Food Nation. como angustia permanente. Quentin Tarantino y Robert Rodríguez legitiman en Grindhouse la improductividad del trampantojo como mera forma masturbatoria. convocando múltiples fantasmas. de lo clásico a lo iconoclasta. Por un lado. Y el hecho de que parte del relato transcurra en Polonia. Y el cine político de inspiración demócrata-liberal. Para Gus Van Sant se trata de conjurar la contracultura y. Para Richard Linklater. nos acerca a una bonita idea: la locura no es más que la búsqueda de una historia propia con la que poder traficar. confirma la existencia de otro pasadizo secreto: la mundialización del post-espectáculo hollywoodense es el preámbulo del horror global que se avecina. con producción europea. Pakula. aunque no la recreación de simulacros dinámicos e inquietantes. El cine negro se agarra a los arquetipos y se vuelve consciente de sí. De Jesse James al psicópata de Zodiac media un desenfoque. como demuestra Fast Food Nation. sino únicamente un terror perpetuo a perder pie. fraudulenta.como generadora de belleza. donde los medios de comunicación crean otra figura misteriosa. como siempre en Hollywood y alrededores. a caerse de la ficción y. de Brian de Palma. de David Cronenberg. ambas bajo la advocación de Judd Apatow. Y no hace falta recurrir a Redacted. en el caso de la comedia. Ahí ya no hay espejos. donde la reflexión es a la vez mimética y analítica. Igualmente. capitaneado ahora por la figura totémica de George Clooney. En el ojo del huracán Porque de lo que se trata. • . El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford. por tanto. del mismo modo en que un cierto cine europeo emborrona los límites del encuadre y de la historia. en consecuencia. un sótano oscuro de donde el protagonista huye precipitadamente. con el gran díptico de Clint Eastwood Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima. a desorientarse para siempre. una tendencia que culmina en Last Days. es la vacilación en lo que se refiere al tono lo que hace emerger una cierta complejidad: Supersalidos y Lío embarazoso. de Richard Linklater problema de la inmigración y medita ausente desde el interior de una hamburguesa. Por otra. de Lodge Kerrigan. El cine bélico. de Sidney Lumet a Alan J. pues ahora comprenden que nunca caminaron en línea recta. David Lynch recrea el Gran Deambular de la vida a la película. ambos construyen su imagen a través de la red social que los ha creado. En ese punto los géneros pierden su condición pétrea y ni siquiera recurren a esa celebración de las propias ruinas que se produce en territorio europeo. que se sitúa un poco más allá en el tiempo de esplendor objeto de duelo. de la realidad a la ficción. por lo tanto. sin poder acercarse siquiera al borde del abismo. navegan de la perplejidad a la melancolía. en ese punto ciego donde desaparece todo marco de referencia. O bien. la películafetiche del año. la tradición del western. cuyo destino es la propia película. Keane. en Inland Empire. A diferencia de lo que hace Fincher en Zodiac. recurre otra vez a la figura retórica del espejo para dividir en dos partes lo que siempre fue sólo una: aquí el contraplano ocupa una película entera. el desafío consiste en hacer cine de denuncia cuando el poder se ha vuelto tan difuso que a la vez planea omnipresente sobre el jar su fotocopia. Y es curiosa la especularidad que propone esta película respecto a Zodiac. gira alrededor del presente. como ocurre en Promesas del Este. películas como Michael Clayton muestran un respeto hacia el referente que les impide cualquier tipo de postura crítica. del gran tema de la traición al icono. en lugar de representar los orígenes. pues los motivos del desvío social son mucho más oscuros: sea como fuere.

tal como ha propuesto Paul Greengrass en las dos últimas entregas de la "saga Bourne" o Fernando Meirelles en El jardinero fiel. obra que ha supuesto el retorno al virtuosismo en el seno de la imagen hollywodiana. abriendo una vía hacia el neovirtuosismo. avalados por Sundance. p.10.El año en que la HD conquistó Hollywood ÁNGEL QUINTANA El 2007 ha sido el año en que cierto cine americano asimiló la utilización de la imagen digital en HD (alta definición). La fuerza de la puesta en escena ya no radica en el uso de la cámara con veleidades documentales. Sin embargo. Reinventar el espacio fílmico La idea de que la imagen digital puede generar nuevas texturas en la filmación de la oscuridad también rige el trabajo de iluminación del asesinato nocturno situado al inicio de Zodiac. mientras que los modelos de cine independiente. En una entrevista publicada por la revista londinense Sight and Sound afirmaba que del mismo modo que la llegada del acero revolucionó la arquitectura. sino sus construcciones informativas. las mejores películas han sido producciones de cineastas consagrados (Lynch. El virtuosismo digital hollywodiano pasa por privilegiar el valor del encuadre. 16. de Lasse Hallström. . el factor más novedoso de Zodiac radica en el modo en que el film se convierte en una recreación sobre el paso del tiempo a partir del rechazo de toda posible mirada retro hacia el pasado. sino la voluntad de reinventar su propio espacio fílmico. sino que se han concentrado en el acto de rodaje. para recrear una estética de la imagen descuidada como simulacro del cine pobre. "Michael Mann. Ante esta situación. la belleza plástica de la iluminación en condiciones límites y el juego entre la figura y su entorno. la fuerza de la composición. han llegado a un auténtico callejón sin salida. n°. Para comprender el camino que ha llevado a los autores de Hollywood hacia el rodaje digital es preciso partir de Michael Mann. Eastwood) que han reinventado su propio sistema mediante el uso del digital. El trabajo de Michael Mann con la HD tuvo su prolongación en Corrupción en Miami. con Collateral. La alta sensibilidad permite poner de relieve la luz de las ventanas interiores y genera una especie de tapiz luminoso de gran fuerza plástica. Los niveles de experimentación no se han limitado al uso de la tecnología como posproducción (tal como la ha hecho Eastwood en Cartas desde Iwo Jima). Fincher. Las cámaras HD han sido muy útiles para reinventar la noción de puesta en escena de los grandes directores. Síght and Sound. ni como espacio de suplantación de la imagen analógica por submundos virtuales (como lo explora hasta el paroxismo Robert Zemeckis en Beowulf). Vol 14. rueda la primera película mainstream con una cámara de HD. de Palma. suponía un cambio radical en el proceso de construcción de una película!. Los motivos que llevaron a Michael Mann hacia la HD no fueron económicos. Octubre 2004. en Zodiac no existe el deseo de imitar las texturas del cine de los setenta. Esto ha ocurrido en un momento en que el modelo de cine de atracciones generado por los grandes blockbusters ha experimentado una curiosa deriva hacia lo narrativo. el uso de la cámara HD en sustitución de la clásica de 35 mm. En 2005. Zodiac documenta como si fuera un complejo jeroglífico los cambios en el paisaje americano durante un período de casi veinte años. veremos que mientras en la segunda el diseño de producción pretende ser la base de la rememoración de los años setenta. Collateral. Paint it black". Si la comparamos con La gran estafa. Coppola. y para hacerlo no mira el cine de la época. de Michael Mann (1) Mar Olsen. Entre los grandes momentos de Collateral existe la escena en la que el policía observa los movimientos del asesino en el interior de un bloque de pisos. Toda la película transcurría de noche y la tecnología digital le permitía otorgar más cromatismo a la oscuridad.

Inland Empire propone un desplazamiento hacia los submundos de lo siniestro. el trabajo llevado a cabo por David Lynch en Inland Empire es un auténtico punto y aparte. Coppola cuando en su última película (estrenada el pasado mes de noviembre en Francia). en la que el cine contemporáneo se cruza puede proponer un nuevo modo de construcción del relato. expuestad de movimiento. cos. ¿Debe ser la ficción contemporánea subsidiaria de las viejas formas sin preguntarse qué papel juegan las múltiples máquinas de la visión que rodean al cinematógrafo? La pregunta aparece abierta al futuro. La lección de Lynch constituye un auténcómo se puede construir una nueva ficción a partir del diálogo tico desafío que marca todo el futuro del cine digital. Una vez finalizada la primera fase. Lynch creó un rodaje tradicional. de David Fincher novedad reside en el transfer desde la baja acto de toma de condefinición) en un elemento nodal de la propuesta e instaura ciencia de que la tecnología HD no sólo puede alterar algunas nociones básicas de la puesta en escena. tas en nuestro número convierte la materiade noviembre. Coppola. El tiempo es el motor de una película fantástica en la que el tema no es el tiempo histórico. el rodaje en timiento de extrañaHD haya sido el punto miento del que acaba de partida de Redacted. quide la vanguardia desde zás el más importante el interior de los tejidos que se ha perpetrado propios de la ficción. Lo importante era el rostro de Laura Dern y la idea de privilegiar la intimidad. De Palma nos demuestra contemporáneo. utiliza la HD para dar forma a un relato del filósofo Mircea Eliade que arranca en los años treinta. de actuar y de lazos con los modelos ficcionales. es quizás también el gran reto de Francis F. que encierra las claves de todo el cine de Coppola.Neovirtuosismo lynchiano Dentro del neovirtuosismo hollywodense. Lo tabiliza la noción del cine como espectáculo y reclama una realmente fascinante reside en el modo en que cada formato urgente revisión de las vanguardias para poder diseñar nuevos de imagen lleva implícita una forma de filmar. sino una cierta idea del eterno retorno. • La forma con que la tecnología digital puede llegar a recrear otras épocas. Los múltiples sistemas de creación de imágenes amateurs acaban creando un nuevo modelo de ficción profesional. de Francis F. película-jeroglífico como Zodiac. confiriendo a la imagen otras texturas posibles. temporalidad cinemaDel mismo modo que tográfica. Mientras De Collateral marca un Palma nos propone la antes y un después revisión del cine desde dentro del cine amerilos materiales periféricano contemporáneo. en 2007. Lynch nos incita a Redacted supone otro realizar una relectura paso gigantesco. Más allá de La tecnología digital le las cuestiones sobre la otorga una gran liberguerra de Irak. El cineasta dividió el rodaje con una cámara DV de baja definición en dos etapas. observar el mundo. sino que también una nueva belleza. Coppola proclama su propia independencia en una obra de tonos oscuros. con algunos territorios que hasta ahora eran privilegio del arte Como gran cineasta del palimpsesto. surgiendo una nueva de Brian de Palma. Parece como si sus investigaciones en torno a lo que se llamó cine electrónico de la época de Corazonada (One from the Heart. conlidad fílmica (con el viene precisar que su grano generado por el Arriba: Youth Without Youth. 1 5 . en la que lo real y lo mental no cesan de entrelazarse. sobredimensionando la No es n i n g u n a presencia lynchiana casualidad que en esta de mundos paralelos búsqueda del neoviry generando un sentuosismo. atraviesa la segunda guerra mundial y acaba instalándose en la posguerra. La primera se centró en un rodaje con dispositivo reducido. desescon las múltiples imágenes que rodean el cinematógrafo. 1981) encontraran su plenitud en el rodaje en HD de Youth Without Youth. Abajo: Zodiac. Youth Without Youth.

y el contraplano de un mismo relato en dos filmes distintos: es Habría que observar esos ensayos en su aspecto material. Al mismo tiempo. y el espectador En los reajustes narradebe recomponerla -y tivos y las reverberadesbloquearla. La proliferación de filmes segmenta. Tarantino no sólo divide en tes. El cine Otros cineastas han doblado sus películas al filmar el plano tenía ya su historia a mano y debía empezar a renombrarla. surge este deseo de reade David Lynch. De de las ficciones. estos perdidas del montaje. según estructuras virtuosas y espejadas. emprendido la creación paralela de dos películas que suponen muestra la tentativa de abrir el campo imaginativo de los una variación sobre un mismo espacio o motivo (Jia Zhangrelatos o de "deshacerlos" como si se aplicasen trazos impre. En Inland Empire. sino que la proyecta en un programa se han doblado en dos.Ver dos veces GONZALO DE LUCAS para Mónica L. la película cine tenía que reescrisobreimpresiona los birse sobre sus relatos restos. llegó gen al lado de otra. De un momento en que el esta forma. vestigios o huey su historia. conel caso de Eastwood en Banderas de nuestros padres y Cartas templando cómo los filmes se piensan según los nuevos sopordesde Iwo Yima. o José Luis Guerín. era electrónica. Ahora que se auguraba el agotamiento del cine. ¿De dónde pos. El prollas que deja el propio ceso culminó en las relato y aun el cine. filmes manifiestan una Desde ahí. el cine algún modo. Y en una filigrana. o lizar filmes para ensaen gran p a r t e de la yar o ver en ellos otras obra de Apichatpong películas (del pasado o Weerasethakul. que con una película y su doble.a parciones que comportan tir de sus resonanlas estructuras duales cias en la segunda. varios cineastas han dos en dos partes. en el como un poema fúnecuento de Balzac.doble junto a otro film. podríamos ceñirnos a considerar los trabajos en . con sionistas para emboEn la ciudad de Sylvia y rronar los contornos Unas fotos en la ciudad figurativos de los cuerde Sylvia).ke. con Naturaleza muerta y Dong. Como el rostro femeque algunos vieron nino ideal que. la privenideras)? mera p a r t e del film queda interrumpida y Reescrituras abierta. la escritextura que revela la tura en palimpsesto se tensión con lo que yace Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood ha convertido en un oculto e invisible y rasgo prioritario de la arrastra el pasado. matices y excavado y renacido tonos que Frenhofer ha de las posibilidades pintado en la tela. las películas dos partes Death Proof. es un proha retomado el testigo ceso que tiene que ver que Bergman cedió más con el deseo de c u a n d o en Persona pintar una nueva capa ensayó cómo filmar sobre una tela. Histoire(s) du cinéma. se bre y que en realidad esconde bajo el caos era un bloque natural de colores. Para ello. el de colocar una imaDe alguna forma.

y hay que recurrir sin entusiasmo a términos musicales. Ninguno de ellos da cuenta de la singularidad de tales obras. o en pintura entre un retrato. Si en literatura era posible distinguir entre una tragedia. esbozos). y cada plano dialoga con su doble. Los rollos se cargaban. tan poco útil para un cineasta como conveniente para las administraciones públicas. Después de inmediatez con que se puede ver en el reproductor de vídeo. ¿Cómo describir estos filmes que no cesan de rimar unas imágenes con otras. Es la historia que empieza. ver en el cine es ver el tiempo dos veces. después de la obra de Godard. en Fake. los géneros se han entremezclado). la necesidad de que recobre su peso pasa por hacer que cada plano arrastre otro.rioro del tiempo. dialogan con el proceso creativo de una película ya filmada o que se desea filmar. justo. El cine traía consigo las huellas del desgaste del tiempo y la caducidad. • . Destruir una imagen comporta dejar una huella o un resto. lo visible con lo invisible. En la edición en vídeo la imagen se graba en el ordenador y deja de sonar en su Los planos en el cine deslizamiento. una novela. Cuando se graba una imagen. manchas y demás erosiones. realizada con cintas VHS y montaje analógico. no existen palabras específicas para estos "otros" filmes paralelos. rebobinar hacia atrás. Si una imagen no se puede romper. Tanto arrastraron sus fantasJean-Luc Godard como Naturaleza muerta y Dong. la propia historia. las imágenes en vídeo hay que borrarlas. por otra parte. Orson Welles. Marie). la historia del cine se reencuadra. Mientras tanto. Con el vídeo. el vídeo es una forma de reproducción y multiplicación de la vida. el cine y su doble fantasmal? Puesto que el cine cuenta con un vocabulario muy viejo. en el cine apenas se ha distinguido más que entre ficción y documental (una dualidad. Passion o Je vous salue. Son los grandes monumen. si algo enseña el cine es que para ser cineasta no hay que contar historias. y los dos juntos sus historias (las de los planos y las del cine). u los restos del tiempo. en sobre los Straub. Para eliminar un plano rodado en cine hay que destruirlo. Un almacén renovable de la memoria. etéreo y se desplaza invisible. borrar una imagen es restarla o hacer una resta. cambian sus cualidades. cadenas de televisión e incluso festivales).LO MEJOR DEL AÑO vídeo que. mostraron la musicalidad abrupta. a la manera de los precursores ensayos de Pasolini o de Godard (sus "scénarios" y "notas" para Sauve qui peut (la vie). los archivos de películas se descargan en la red. implica ya un primer apunte de montaje. en su film gaste de la película. un poema o un ensayo (ahora. desde luego. cartas) o pictóricos (bocetos. el gesto de ver la película en el soporte desapareció: la imagen electrónica no se puede ver en una cinta y las nuevas formas de comunicación digital desplazan las películas de manera invisible y las vuelven más etéreas. un bodegón o un paisaje. sino tener historia. Cuando los soportes digitales conservan o atenúan el detefrágil y desgarrada del montaje. los cineastas podían tocar y ver la imagen fotoquímica. ambas de Jia Zhang-ke mas en la erosión y desPedro Costa. el cine se multiplicó gracias al vídeo. el cine libera y proyecta los fantasmas de su tos consagrados al montaje. Si el cine se hace liviano. En la película emulsionada. cargarlo o hacerlo visible: a viajar con él. La gravedad del cine contenía todos los signos de caducidad inscritos en el celuloide: ralladuras. Al cabo del tiempo. Las imágenes en vídeo lo conservan y ceden inquebrantable a los cambios de soporte. A cambio de perder parte de su eso y gravedad. Estaba destinado a sufrir el tiempo. literarios (ensayos. todo. pausar o borrar. la película se ha dejado de escuchar en el montaje. Historia reencuadrada Ahora que en el vídeo desaparece o se desvirtúa el trabajo sobre el encuadre. que permite copiar y reproducir las películas.

¡nueve o diez meses más tarde! ¿No es país para viejos es una película de 2007 o 2008? Depende del espectador del que hablemos: para el norteamericano. apenas representan entre el 10 y el 15% de la producción anual mundial y excluyen sistemáticamente ese cine -apasionante. y su película hermana. Miramax presentó No es país para viejos en Cannes con la mirada puesta en la campaña de los Oscar 2008. aunque t a m p o c o lo hayan hecho en otros países. en especial el último Rivette. ambas de Wayne Wang) y las que aún están pendientes de Berlín. otros más inesperados. Naomi Kawase o Carlos Reygadas. como Abdel Kechiche). Repasando las películas de la sección oficial de su última edición nos encontramos con que la mayoría están compradas para España y. de nuestra m e m o r i a del cine de 2007? Cualquier balance anual que pretendamos debe buscar un marco referencial común que vaya más allá de la mera experiencia personal y este marco suelen La duquesa de Langeais perfilarlo los estrenos oficiales que. sino más bien medir las posibilidades de éxito en su difusión comercial. Ken Loach o Claude Chabrol. A partir de estos condicionantes se podría trazar otro panorama de lo que dio de sí 2007 rescatando una serie de películas que. incluida Francia. Casi podría decirse que el pistoletazo de salida lo da este mismo mes la gran triunfadora del año (Palma de Oro de (Ne t o u c h e z pas la h a c h e ) . Béla Tarr. conformarán el cine que se ha de estrenar en España en 2008. Emir Kusturica. Y quienes la vimos en Cannes. también estas películas acabarán encontrando. d o n d e sólo en los dos últimos meses de 2007 llegaron a distribuirse las nuevas películas de Gus Van Sant. Mil años de oraciones. sin embargo. James Gray. al menos. en algunos casos. Con la película de los Coen sucede algo que se repite con demasiada frecuencia: el principal objetivo de la estrategia de las grandes productoras de Hollywood no es obtener un premio en el festival. lo anómalo fue su anticipada presentación en Cannes. Además de los anteriores. sí llega con algo de retraso con respecto a los demás países europeos. Ne touchez pas la hache. The Princess of Nebraska. de Jacques Rivette Cannes. San Sebastián (la vencedora. Kim Ki-duk. El ejemplo de No es país para viejos pone de manifiesto que los festivales. la rumana 4 meses. De lo que ya no cabe ninguna duda es de que.para el circuito de festivales con nulas posibilidades de difusión en las salas comerciales. hasta el momento muy pocas han llegado a estrenarse. en plena campaña para los Oscar. que. 2 días. 3 semanas. apoyada por una campaña de publicidad que anunciaba su estreno en Europa para febrero o marzo de 2008. que aquí se titulará La duquesa de Langeais (!). incluso los más importantes. otros autores que estrenaron sus films en Cannes nos llegarán a lo largo de 2008: Ulrich Seidl. en otros. . El otro 2007 JAIME PENA ¿De qué hablamos cuando hablamos del cine de 2007? En una fecha que parece ya tan lejana como el mes de mayo de este mismo año sobre el que ahora hacemos balance se presentaba en el Festival de Cannes la nueva película de los hermanos Coen. Fatih Akin. Hou Hsiao-hsien. con todo. puede que sea de 2007. No es país para viejos (No Country for Old Men). se unirán a esa inabarcable lista de películas que nunca llegarán a nuestras carteleras. como Todd Haynes. aunque su estreno limitado en noviembre apenas haya llegado a un porcentaje relativamente pequeño de sus espectadores potenciales y la mayoría de éstos quizá no la vean hasta entrado el nuevo año. nombres que se unirán a otros procedentes del festival de Venecia (algunos ya habituales. ¿cómo nos vamos a enfrentar en el momento de su estreno en España (el mes próximo) ante una película que casi tiene un año de antigüedad y que ya formaba parte de nuestro pasado.'Décalages'. a una parte de sus espectadores: quienes las busquen las encontrarán. de una forma u otra. Los lanzamientos están concebidos a largo plazo y la proyección en un festival no deja de ser un simple test con el que planificar la distribución futura. Premios de la Fipresci y la Academia Europea). La anomalía no es el retraso con el que llega a nuestros cines. aún así. pueden funcionar como meras previews. Wong Karwai. de Cristian Mungiu.

los museos y. en realidad. Es cierto que estamos mal acostumbrados y reclamamos que las mercancías circulen con la misma velocidad que la información. Heinz Emigholz. de cuyo Sicko no sabemos nada. Desplechin). Este listado quizás acaben engrosándolo Takeshi Kitano o un Manoel de Oliveira que parece que ya no goza del favor de los distribuidores españoles. Michael Moore. Tan Chui Mui. no tiene fecha de caducidad. claro. Sin fecha de caducidad El cine. y eso a pesar de que su Cristovao Colombo-0 enigma tendría garantizadas como mínimo unas buenas dosis de polémica. John Gianvito. pasando por las influyentes votaciones de las distintas asociaciones de críticos? Los últimos días de diciembre vieron el estreno en Estados Unidos de las nuevas películas de Francis Ford Coppola (Youth Without Youth). hay un cine que sólo podrá traspasar las fronteras del circuito de festivales o del mercado interno de su propio país con muchas dificultades y en casos excepcionales. por citar las más convencionales. razonable y sigue una lógica de mercado. títulos que a buen seguro están llamados a acaparar el protagonismo de estos primeros meses de 2008. Olivier Assayas. gran sorpresa. El 2007 lo definen también muchas películas que lo más probable es que no lleguen a estrenarse ni en 2008 ni nunca.. Jean-Claude Rousseau. Cleopatra (Júlio Bressane). Lee Chang-dong. por el momento. cine del 2008? ¿Cómo calificar esos estrenos norteamericanos de finales de año calculados para estar en todas las quinielas de los premios anuales. James Benning. el DVD y otros medios de difusión que garantizarán la pervivencia de un cine que se encuentra entre lo más arriesgado y. de Paul Thomas Anderson ¿Cine del 2007 para el 2008 o. con los estrenos de las dos últimas en España anunciados para las próximas semanas. Hablo de nombres tan poco sospechosos como los de Alexandre Sokurov. aunque quizá sí intempestivas y dejadas a una intemperie de la que sólo las podrán rescatar los festivales.There Will Be Blood. Benedek Fliegauf. Useless (Jia Zhang-ke) o L'Aímée (A. Con todo. y ésta sí es de esas películas muy coyunturales que envejecen a pasos agigantados según pasan los meses. y eso no las convierte en películas fantasma ni intemporales. Tim Burton (Sweeney Todd: The Demon Barbet of Fleet Street) y Paul Thomas Anderson (There Will Be Blood). Nombres todos ellos lo suficientemente conocidos por parte de un sector del público como para que su ausencia pase desapercibida. Wang Bing. pero más grave es el caso de esas películas que ni siquiera tienen garantizada la distribución en España. al menos el que importa. entre lo mejor de este 2007. Ai No Yokan (M. las filmotecas. • . desde La Question humaine (Nicolas Klotz). desde los Globos de Oro a los Oscar. Ciertos desfases pueden ser muy llamativos.. quizá también. Kobayashi). De la de Coppola no hay noticias. Abel Ferrara (Go Go Tales no parece haberse estrenado en ningún país de nuestro entorno) o. Qué más da el retraso cuando éste es mínimo. hasta propuestas más radicales como las de Raya Martin.

en The Company (2003) de Robert Altman [en la foto]. Pero. "mostrando sus tripas" o revelando lo más íntimo de sus almas. 2005) es el gurú de este movimiento. monólogo. se traduce en cámaras al hombro. con la realidad emocional más que con el artificio o con el "guión bien construido". ¡sólo frases masculladas de forma mundana y realista! Mumblecore también es conocido con la nomenclatura alternativa de "slackavetes cinema".. hasta predicar un nuevo Humanismo Cinemático: el cine es sobre la gente. de David Fincher. las herramientas digitales sirven para otros fines estéticos. De cualquier modo. pueden editarse y posproducirse con máquinas digitales o se pueden distribuir y exhibir en un "soporte" digital. en 2007. Desde los talleres de creación para proselitistas del Instituto Sundance de Robert Redford. que es el resultado de mezclar el estilo de vida "slacker" (jóvenes aburridos buscando un sentido a sus vidas. de Ana Poliak. En los recientes trabajos. conocido como mumblecore.. una perturbación: encontrar nuevas y radicales formas de borrar la línea entre ficción y documental. principalmente. encuadre.. ¿Es que el mundo del cine se ha vuelto completamente loco? ¿Existe gente que realmente crea.) con la influencia del gran maestro e inspirador. el término se aplica a tres procesos distintos y separados: las películas pueden rodarse con cámaras digitales. En todo caso. color. de Pedro Costa o Jean-Luc Godard.no tiene ni idea de que películas como Zodiac (2007). improvisación general entre actores. consiste en "hablar". o en La fe del volcán (2002). una vez más. se rodaron con cámaras digitales de alta definición. meditan. o establecen libres asociaciones de entrevistadores o psicoterapeutas fuera de plano. en el foco internacional del cine de arte y ensayo y en su circuito de festivales tenemos ahora un nuevo movimiento que ha surgido en América.. y que generalmente se desnudan a sí mismas. pero con palabras.. sobre la verdad y sobre las historias cotidianas.. Traducción: Carlos Reviriego Adrian Martin es co-editor de Rouge (www. no con actos. El "efecto digital" que se registra es un desplazamiento. rodados digitalmente. Se ha llegado al punto en el que gran parte de los espectadores -e incluso algunos críticos de cine. Esta es la razón por la que la mayor parte de las películas digitales tienden hacia el "psicodrama" (el tipo de historia en que las personas se desenmascaran entre ellas) y por la que emplean formas de exposición sin ingenio.piensan que el cine digital es más un "estilo" que un proceso tecnológico. Un estilo que. Austalia) . o Corrupción en Miami (2006). que las películas de Cassavetes eran simplemente sobre actores improvisando y farfullando (o mascullando) en lugar de "hablando desde el corazón"? ¿Que su trabajo infinitamente rico en ritmo. narración en off. ¿qué sería del cine independiente contemporáneo sin todo ello? El estilo dominante asociado al cine digital trata de personas sentadas o de pie. este tipo de cine digital. sonido y en interpretaciones físicas se reduce simplemente a emplear la cámara en mano y cortar aisladamente a lo largo de muchas horas de metraje perezoso con el fin de capturar algún momento de "pura realidad" sobre la experiencia humana de la conversación? Es hora. montaje. iluminación natural y una estética cruda y sucia.rouge.Adrian Martin Farfullar y mascullar ¿Qué es el cine digital? Técnicamente. reflexionan. John Cassavetes. como personajes hablando de cosas privadas a una cámara de vídeo. acusan. o en aquello que Samuel Fuller una vez llamó peyorativamente "farfullar". La mayor parte de los filmes que se hacen hoy en día son una combinación de tecnología digital y pre. otras se ruedan en digital y se "hinchan" a película de 35 milímetros. Andrew Bujalski (Mutual Appreciation. com) y Profesor del Departamento de Estudios de Cine y Televisión en la Monash University (Melbourne. desde las primeras producciones "Dogma" de Lars von Trier. Pero no son "viejas películas de celuloide" simplemente hechas con menos dinero.. se confiesan. el DVD. viajando por todas las escuelas de cine del mundo. en todas sus formas. Diálogo. ¿Es inevitable que el cine digital sea así? Por supuesto que no. y su estética es clara como el agua: nada de diálogos teatrales.digital: algunas se ruedan en celuloide y se editan digitalmente. desbarran. los espectadores -y la mayor parte de la crítica. que merodean o se derrumban. un compromiso con la espontaneidad. mientras discuten.. de clavar una estaca en el corazón de semejante humanismo cinemático sin forma. de Michael Mann.

o quizás por todo ello junto. Lo hace justo en la tesitura de empezar a prepa- La estabilidad del encuadre y el tempo interior del plano esculpen la imagen de la abyección . Sin necesidad de esquematizar las situaciones para que éstas se hagan resonantes. Esa apuesta es la búsqueda de un realismo tout court. de ese "tiempo de infortunio en el que la gente vivía como si los tiempos fueran normales". por el firme partí pris de un punto de vista narrativo que se despliega -en constante focalización interna. en el transfer. Aunque más bien parece que sucede lo contrario. un tronche de vie cualquiera en un momento impremeditado de su itinerario juvenil. al final. desgarradora y particularísima peripecia de dos jóvenes mujeres de la Rumania de 1987 emerge. dada su condición de explícito tour de force formalista. como devastadora metáfora de la dictadura comunista. cuyo resultado final estilizado y formalizado con inapelable rigor. por la depuración extrema que implica la renuncia a la música no diegética. pero intensa y sabiamente elaborado. por su ascético despojamiento de todo trazo ornamental o perezosamente referencial. ni un ápice de carne ni de espesor. Precisamente por su exigente renuncia a todo costumbrismo pintoresquista. por la exploración al límite del "tiempo real" en el interior de cada toma y de cada escena. HEREDERO Realismo y metáfora 4 meses. La película entra en la existencia de Otilia y de Gabita como si la cámara atrapara. toda la razón estilística de una película como 4 meses. es por lo que la singular. por la intensa concentración temporal de la acción (unas pocas horas de una única jornada).estrechamente pegado al itinerario de la protagonista. 3 semanas. Sin tener que vaciar ni estereotipar a los personajes para que estos acaben erigiéndose como figuras representativas al tiempo que mantienen intacta su individualidad y su personalidad intransferible. 2 días.coloca a las imágenes del film en la frontera misma de la metáfora abstracta sin haber perdido. de improviso. por la estilización rigurosa -incluso irreal. 2 días.que imponen los largos planos-secuencia dedicados a registrar de forma unitaria cada situación. 3 semanas. de Cristian Mungiu H ay una opción nítida y bien definida que organiza todo el sentido. en palabras de Cristian Mungiu.CARLOS F.

El último plano del film se cierra. capaz de formular un modelo realista analítico y estilizado al mismo tiempo. concite tantas adhesiones como debates. Pero hay. Una opción que implica acompañar a Otilia cuando descubre la imagen que ya nunca la abandonará. cuando Otilia se vuelve hacia la cámara y su mirada parece interpelarnos a nosotros. Hay una importante diferencia. la cámara abandona a Otilia para quedarse. Imagen Otilia (Anamaria Marinca) conduce en todo momento el relato de un universo que parece detenido en el tiempo. entre una y otra imagen. que coagula materialmente en el tiempo y en el espacio la bajada a los infiernos implícita en todo intento de desafiar al sistema. Impecablemente física y conductista. En una Rumania en la que el aborto es clandestino. sin embargo. tras haberse visto forzadas a vivir la más negra y desoladora de todas las experiencias. cuando recibe el impacto más difícil de integrar en su particular cosmovisión emocional. cuya generosidad no proclamada ni reivindicada conduce en todo momento el discurrir de la narración. Permanece siempre a su lado y comparte con ella su actitud y sus movimientos.. en un significativo paréntesis. aislado de la Historia. por contraste. únicamente. Sólo en el momento más traumático de su periplo (cuando se sacrifica para ayudar a su amiga). consecuencia de una formalización y de una puesta en escena que se hacen expresivas sin necesidad de explicitar el discurso y sin someter la dramaturgia a servidumbres demostrativas.rar la cita que las convoca a un encuentro con lo que todavía ellas ni siquiera pueden llegar a imaginar. sumido en la oscuridad de un túnel monstruoso. En sus entrañas anida la memoria de un tiempo oscuro. como si hubieran sido sorprendidas en sus quehaceres por un encuadre que retrocede poco a poco hasta dejar ver lo angosto de la habitación que comparten. la narración orquestada por Cristian Mungiu carece de toda muleta psicologista.. Al principio. en el universo diegético definido por su presencia y por los encuadres de cada plano. Comprendemos entonces que se nos ha expulsado de la representación para no hundir el bisturí en lo más doloroso de un trance cuya intimidad sólo le pertenece a ella. las dos jóvenes hablan y se comportan como si la cámara no estuviera allí. • . De ahí que la decisión más polémica de todo el film (el plano que muestra en el suelo aquello de lo que Otilia después deberá deshacerse) aparezca entonces como una opción profundamete moral y no como una concesión al tremendismo. la imagen corta súbitamente a negro cuando se encuentran de nuevo frente a frente. se nos interroga en tanto que testigos. en ese país (espacio físico. de erigir una imagen testimonial y metafórica simultáneamente. El cineasta acompaña a su criatura (Otilia/ Anamaria Marinca) en todo momento. en la que las calles nocturnas.. a esta criatura frágil pero de poderosa fortaleza interna. los sorprendidos espectadores que quedamos así delatados como auténticos voyeurs de una función desde la que. sin embargo. en la que la mirada de los conserjes de un hotel puede hacer sospechar la vigilancia de la seguridad estatal. de pronto. matriz del horror y de la depravación más abyecta. solitarias y amenazantes dibujan una geografía social sumergida en el miedo y en la oscuridad. pero consiguen conferir densidad y espesor a una representación capaz de esculpir una imagen resonante de Rumania entera: la imagen de un mundo en descomposición. El tempo y el latir de un film que parece observarlas desde fuera. La seguimos sin descanso en su itinerario y entramos. Esos planos respetan escrupulosamente el tiempo real que atrapan en su discurrir. No es extraño que esta obra áspera y poco complaciente. a punto de empezar a cenar y sumidas en un doliente silencio. Ciento cinco minutos más tarde. Es una imagen metafórica. Tiempo real y tiempo esculpido Los encuadres amplios y la temporalidad interna de cada plano-secuencia materializan el discurso del film. según la errónea lectura que a veces se ha hecho de dicho plano. la vivencia traumática de dos jóvenes atrapadas en una circunstancia que las sobrepasa y que las convierte inevitablemente en víctimas se queda congelada y atrapada en el tempo interior de las imágenes que lo retratan. social y moral a la vez). la huella de una herida que sangra todavía en la buena conciencia de la Europa progresista que en su día contemporizaba con Ceaucescu o que optaba por ignorar la dolorosa realidad de aquella sociedad. al lado de Gabita. una única y en verdad reveladora excepción.

Por ejemplo. pero éso no impidió que en el rodaje nos asaltaran todo tipo de dudas. no la per. en cierto sentido 'recuperada'. PARTES DE UN TODO 4 meses. Todo empezó: trasladó a Cahiers-España en torno a su a encajar a partir de la decisión de rodar tomas largas y. 3. Tratamos de recrear la decoración del hotel en los últimos años del comunismo. EL SONIDO Y EL ESPACIO Desde un principio tenía claro que no íbamos a emplear música. Emplea expresiones como dado. Queríamos obtener la máxima naturalidad posible y respetar el tiempo real de las escenas. pero ahora es muy distinto.. pero sí mucho montaje de sonido. Lo mismo hicimos con la residencia de estudiantes. en el desarrollo de 4 meses. vamos a evitar las referencias directas al comunismo. La idea original era no moralizar con la historia. Yo produciré y escri. delataran como cineastas de una forma No habrá continuidad entre los relatos.trar el centro de la escena. Una vez en rodaje. 4. El ritmo de la película debía ser de vida extraídos de aquélla época. el sonido directo. casi testiMihaela Poenaru.vida de estas dos chicas en un momento sonaliza. por lo tanto es una localización natural pero transformada. Entramos en mitad de una conversación y salimos en el desarrollo de una acción. quienes lian acompañado a Mungiutratamiento formal de la película. Se acción posible.. trazos de cine CARLOS REVIRIEGO 4 meses. Son relatos personales en el marco de un tiempo de infortunio en el que la gente vivía como si los tiempos fueran normales. Tal y como hemos hecho en iba a tener problemas en el montaje.a hacer desplazamientos de cámara a no nismo. correrá a cargo de jóvenes directores Optamos por no hacernos presentes. Dado que hacíamos una toma por escena. Esta primera persona del lo que contamos. rumanos a los que creo que merece la no utilizar elementos formales que nos pena prestar atención. En sus vidas. movíamos la trata de seis cortos que probablemente cámara tratando de seguir al personaje. EL CENTRO DE LA ESCENA yecto. 2 días es la pri. No habrá personajes en común ni ser que el movimiento de algún personaje tampoco compartirán un tono. 3 semanas. han llegado hasta nosotros por la vía de En el rodaje no me cubrí con planos la transmisión oral y en diferentes ver..nas cosas simplemente no tendrían que yecto ha ido variando según el tiempo y verse. Hemos rodado en escenarios naturales. diseñadora de produc-monial del film.pero era estúpido. "quisimos. hasta que entraba en una casa. Sabía desde el principio que no iba urbanas de los últimos años del comu. y demodo el carácter documental. grande ocurriendo. es que nuestra idea del cine no era válida. planos fijos. sobre todo. "se hecho en otro. El reto consistía) desde el guión. a pesar de: nos ocurrió. porque inevitalemente subraya. Decidimos que algucial era que los dirigiera yo. expresa una emoción. hasta cierto punto. 3 semanas.master. en algunos casos teníamos que seguir a un personaje durante cien metros. en las circunstacias. al especque estarán todos basados en leyendas tador. pero todos ellos tienen un fondo de planificación que me asegurara que no de verdad. No me concibo como un cineasta que no se propone desafíos en cada película que hace. Tratábamos de Siempre en plural. Declaraciones recogidas por telefonóel 11 de de diciembre de 2007 .. Él reto de esta película era muy claro. y esta idea suscita todo el ción.. Otilia. en que la película debía realizarse en tomas únicas. POR UN CIERTO CINE No concibo un cine sin riesgos.". Por lo tanto. de forma directa. película.ENTREVISTA CRISTIAN MUNGIU Trozos de vida. con contraplanos o con otro tipo siones.". A continuación. 2 días desde el mismo origen del pro. El sonido ha exigido mucha precisión en el rodaje y mucho trabajo de edición. Si luego veíamos que la película no funcionaba. pero. exponemos algu. Queríamos ser lo más neutrales posibles con el relato. acaben formando dos largos. Lo que ocurre fuera de plano es.2. Son trozos lo exigiera. el hotel es uno viejo que existía en aquél entonces. pero el pro. Se entra y se. fue un rodaje planificado meticulosamente y con una gran coreografía detrás de la cámara.. hay algo mucho másplural da cuenta también de Oleg Mutu. Esta película prácticamente no ha exigido montaje de imagen (rodar fue como montar la película).Quería tener un estilo muy preciso y. sé trataba de encon1. tal y como podríamos haberlo "nos planteamos. aquel punto mera parte dé un proyecto más amplio en el que pudiéramos capturar la mayor titulado Relatos de la edad de oro.. Se acentúa de este director de fotografía y co-productor. sale de la película con cierta brusquedad. Cuando Cristian dar la impresión de que entramos en la Mungiu habla de su película.muchas ocasiones.". muy obvia El objetivo era que el relato lleni muchos puntos en común más allá de gara sin filtros. que el ritmo del personaje principal. Al principio. . La única opción era.. nas reflexiones que el director rumano coherente para la película. pero la dirección. por tanto. más importante que lo biré algunos relatos. comenta una escena. Es una decisión que procede del guión. q u e o c u r r e dentro.. La idea ini.

Al este de Bucarest (véase crítica en CdCE n°l) subraya algunas de las constantes de este nuevo cine rumano: un interés por revisar la historia más reciente a través de una mirada realista que. obtuvo la Palma de Oro en esta categoría. aficionados a encumbrar periódicamente alguna cinematografía hasta entonces ignota? Lo cierto es que desde hace tres o cuatro años. 2006) California Dreamin' (Cristian Nemescu. a veces. que le han negado las subvenciones para sus nuevos proyectos. Corneliu Porumboiu (1975) ha sido el primer director de la nueva ola que ha estrenado en España. una Cámara de Oro y dos Premios de "Una Cierta Mirada". Suyas son Dupaamiaza unui tortionar (2001) y Niki y Flo (2003). presentando en "Una Cierta Mirada". que sin embargo consigue póstumamente el Premio "Una Cierta Mirada" en Cannes. y el tercero. Cristian Nemescu (1979-2006) se dejó llevar en sus cortos por una vocación fantasiosa aplicada a una puesta en escena más cercana al videoclip que al documental realista. Niki y Flo cuenta además con guión del también director Cristi Puiu (1967). Su La muerte del señor Lazarescu (Moartea domnului Lazarescu. 2007) mucho más abultada para llegar a la conclusión de que. Al este de Bucarest (C. empiezan a llamar la atención sobre el nuevo cine rumano. sólo se contabilizan diez títulos producidos en Rumania en 2006 con una cuota de pantalla que no alcanza el 5%. las películas que. Trafic (2004). De Pintilie a Nemescu Tras la ejecución de Nicolae Ceausescu en 1989. 2006).¿UN NUEVO CINE RUMANO? Muchos premios. Lucian Pintilie (1933). También cinematográficamente hablando. En cambio. Rumania se ha hecho un hueco tanto en los certámenes como en la prensa fílmica gracias a pocos pero destacados títulos que han llamado la atención y han acaparado premios. Si nos atenemos a la realidad de los números comprobamos que. Wim Wenders y Martin Scorsese se fijan en él y apadrinan su primer largo como productores asociados: Cum mi-am petrecut sfarsitul lumii (Cómo celebré el fin del mundo. no más. No hace falta comparar los galardones obtenidos por los rumanos con los captados por otras cinematografías de producción 12:08. 2005. Pintilie sólo había conseguido firmar hasta entonces tres películas bajo pabellón nacional.) California Dreamin' nos podía deparar nuevas y gratas sorpresas. de tics kusturicianos. 2007). No constan datos de los años anteriores. Premio "Una Cierta Mirada") sigue manteniéndose como el film más interesante surgido de aquel país en los últimos años. moda o no. ya había quien cuestionaba el film y su Palma de Oro por una supuesta acomodación a cierta fórmula de "cine rumano para festivales". Rumania lucha por convertirse en un país democrático a semejanza de sus vecinos europeos. Abalada también en Cannes con la Cámara de Oro a la mejor primera película 12:08. Hasta el punto de que. A partir de los noventa recupera la regularidad de trabajo y vuelve a situar a Rumania en el mapa. 2 días en Cannes. según el último "Atlas" de Cahiers-Francia (Mayo.. Sus dos primeros cortos. nombre de referencia del cine rumano de los años sesenta. A pesar del aplauso crítico. Bucuresti-Wien 8:15 (2001) y 17 minute intarziere (2001). 2007). 3 semanas. La prematura muerte de Nemescu nos impide saber si el talento demostrado en la ambiciosa aunque a veces también desbordada (de metraje. adopta ropajes del documental y un tono oscuro ribeteado de humor negro que por momentos puede desviar hacia la farsa. quien también despegó internacionalmente en Cannes. No creo que vaya a darlas Catalin Mitulescu (1972).. escasos estrenos EULÀLIA IGLESIAS ¿Existe una explosión del cine rumano? ¿O se trata de una de estas modas que se dan en los festivales. • . pocos directores. vuelve a su país tras décadas en el exilio. es la más convencional de las películas rumanas vistas en festivales. Puiu es ninguneado por las autoridades culturales de su país. quien forja así el eslabón entre los pasados nuevos cines que representa Pintilie y la nueva generación de cineastas. Porumboiu. tras el triunfo de 4 meses. esta cinematografía ha conseguido en los últimos cuatro años dos Palmas de Oro (una al mejor corto). entrados ya en el siglo XXI. Un accidente de coche le impidió terminar el montaje de su primer largometraje California Dreamin' (Nesfarsit. Moviéndose en contextos igualmente realistas. sólo en Cannes. se presentaron bajo el amparo de la Cinéfondation. el cine rumano está rentabilizando el reconocimiento de su escasa producción.

En medio de las playas de Normandía una noria gigantesca no cesa de girar.. transformada en una escritora madura. mientras los soldados viven un infierno dantesco marcado por las explosiones y bombardeos. Más allá de la pasión. más allá de la confesión. Toda la primera parte pivota en torno a la cuestión del punto de vista. añade un plus de prestigio mientras el relato recupera la emoción mediante el golpe de efecto. intentan remediar los desajustes acoplando el discurso a la reflexión sobre el peso de la educación artística y el deseo de purificación mediante la escritura.. se dedica a expiar los amores de su hermana mayor con un joven. La presencia de Los lastres del diseño de producción Vanessa Redgrave como Briony Tallis. Wright juega con sobriedad a los postulados de una puesta en escena de herencia neoclásica. tanto en su punto de vista histórico como estilístico. cuando las tropas alemanas han invadido Francia y trescientos mil solados ingleses están arrinconados en las playas de Normandía. La película se divide en tres partes que se encuentran diferenciadas.ÀNGEL QUINTANA Decoro y prestigio Expiación. adaptación de un best-seller de Ian McEwan publicado en 2002.. un ejemplo clarividente de cómo el diseño de producción puede poner a la deriva los elementos más sugerentes de una obra fílmica.. de Joe Wright E n un bello ensayo sobre el valor de la confesión. La acción nos sitúa entonces en 1940.. es. pero es incapaz de trasladar la reflexión sobre la ficción literaria al ámbito de lo fílmico. La sobriedad escénica de la primera parte da paso a un frustrado ejercicio de grandilocuencia encaminado a justificar los costes de la producción. puede considerarse como un cuento moral sobre las diáfanas barreras que separan la verdad de la falsedad en el acto de escritura y sobre el modo en que el pasado se transforma en relato para ajustarse a las reglas de la ficción. Expiación es lo que promete: una obra diseñada milimétricamente para conseguir alguna nominación a los Oscar. Los celos y la crueldad provocan que la adolescente acuse al amante de haber violado y asesinado a una jovencita. El relato vaga a la deriva y lo espectacular pone en crisis lo dramático. En los momentos finales. La primera es la más sobria y brillante en su puesta en escena. Al final. La acción transcurre en el interior de la decadente y aburrida mansión inglesa de la familia Tallis. Expiación. La segunda parte tiene como principal protagonista la guerra. La joven Briony Tallis trabaja de enfermera y entre los heridos está el hombre que denunció. Una joven adolescente con aspiraciones de escritora. Briony Tallis. el sospechoso Christopher Hampton. María Zambrano recordaba que los escritores "no escriben ciertamente por necesidades literarías. El decoro con que los materiales literarios son puestos en escena y el deseo de convertir la obra cinematográfica en un producto de prestigio cultural frenan todo intento de ir más allá de los límites impuestos. El trabajo de adaptación funciona como ilustración pulcra del texto. Tres partes diferenciadas Expiación. Joe Wright y su guionista. toma como materia prima el valor terapéutico que entraña un acto de confesión literaria (tema que Gus Van Sant también aborda en Paranoid Park) para mostrar cómo la escritura puede llegar a transformarse en un acto de construcción del yo. también. hasta el punto de servir.Más allá de la pasión. Joe Wright contrasta la objetividad de los hechos y la subjetividad de la mirada de la adolescente para certificar cómo las ambigüedades de la visión alimentan oscuros relatos. Wright elimina las tensiones del punto de vista para construir un melodrama bélico basado en el cruce entre los destinos de los personajes. sino por la necesidad que tiene la vida de expresarse". En las imágenes de Joe Wright todos estos temas se encuentran latentes como herencia de la novela de Ian McEwan. Expiación. • . para mistificar o sublimar los errores del pasado. La mentira marca el destino de toda la familia. de Joe Wright.

GONZALO DE LUCAS

Todas las edades de la juventud
Hacia rutas salvajes, de Sean Penn

O

tro amigo americano. ¿Cuántos quedan? Robert Kramer murió, Paul Newman dejó de dirigir películas y hace tiempo que nos llegan pocas noticias de Monte Hellman. Tampoco sabemos nada de Shirley Clarke, retirada del cine desde hace años. Todavía en activo, Frederick Wiseman sigue pescando su comedia humana en la bahía de Boston, y Clint Eastwood protege desde una penumbra lacrimal y orgullosa la posibilidad de mirar a los hombres de frente. Todos ellos fueron los últimos topógrafos que reconocieron y excavaron por nosotros el territorio de América: sus hendidu-

ras, diques, bloques y extensiones. Una crónica sentimental. Cineasta de obra escasa (ha dirigido cuatro largos y un cortometraje en dieciséis años), Sean Penn nos envía también sus reconocimientos del terreno. Se convirtió enseguida en un cineasta estimable y prestigioso que se ha caracterizado por abordar en sus filmes el desgaste de los mitos y la historia americana. Penn carece de las emociones sobreexpuestas y la concentración de tiempo abrasivo de su maestro, John Cassavetes, pero tiende la mano a sus personajes e historias con franqueza recia y admiración. No es un gran cineasta, pero sus

filmes muestran preocupaciones tangibles y abarcan conflictos densos y comunes, si bien son más interesantes si los pensamos como relatos que en relación a la forma en que están filmados. En Hacia rutas salvajes, por ejemplo, Norteamérica todavía aparece como un territorio real, es decir, un espacio que hay que recorrer, atravesar y reconocer, y no como un lugar virtual y pixelado. Viaje a la soledad La película es una adaptación de la novela de Jon Krakauer sobre la historia real de Chris McCandless, un joven de familia adinerada que tras acabar

El joven, lector de Thoreau, se somete a los efectos del espacio y el tiempo salvaje

sus estudios emprendió un viaje hacia la soledad en Alaska. El joven, lector de Thoreau, Tolstoi y Jack London, se desprende de sus bienes materiales, regala su dinero, adopta el nombre de "Alexander Supertramp", y se somete a los efectos del espacio y el tiempo salvaje para "encontrar su verdadera existencia". ¿Qué dejan atrás personaje y cineasta en su viaje? Los restos, a ratos sobrecargados, de una emoción líquida y exigua, de la búsqueda de libertad que

afloró en América, y que hoy subsiste sitiada, paródica y expuesta como las reservas indias. La voz en off de la hermana de Chris, cercana en cadencia y tono a las de las muchachas de Terrence Malick, es el tamiz que embarga de fragilidad oral y retrospectiva algunos de los instantes álgidos del eclipse de ese mundo. Mientras Penn flexiona su estilo nervioso e intermitente, sin conseguir tensarlo, y sobreestima los planos que

multiplican el espacio mediante estímulos formales (vertiginosos cenitales en helicóptero entrecruzados con ráfagas de planos puntuados por las canciones de Eddie Vedder), de repente aparece una belleza sedimentada en los ojos de un actor que proyecta hacia dentro una emoción vulnerable, y la prolonga algunas fracciones de plano. Ante todo, Sean Penn es un muy buen intérprete de actores, y por eso deploramos que adorne el relato con tal riqueza de efectos retó-

ENTREVISTA ERIC GAUTIER

"El segundo equipo somos nosotros"
JEAN-MICHEL FRODON En principio identificado como operador jefe de una generación exactos, las localizaciones corresde cineastas franceses (Arnaud Desplechin, Olivier Assayas, ponden a los lugares en que vivió Patrice Chéreau...), Eric Gautier es ahora reconocido como uno murió Chris McCandless, pero y de los mejores directores de fotografía en activo del mundo y, la puesta en escena es la de un más allá de eso, como un compañero de creación por cineas- film de ficción. Krakauer, que no tas muy diferentes,'en Francia y el extranjero. Es uno de los que participado en la escritura, ha ayudado mucho, ha aportado ha ha logrado transgredir una separación que, escuchándolo, no elementos nuevos que descubrió después dé publicar su libro, se establece entre técnica y arte, Sino entre concentración en informaciones, direcciones, y sobre todo es él quien después de un ámbito preciso, en este caso la imagen (la luz y el encua- diez años ha logrado la autorización de los.padres y hermana dre) y la atención al conjunto del film. Es la razón por la que un de McCandless para rodar esta película que Sean quiso filmar día de febrero de 2006, Sean Penn telefoneó a Eric Gautier. desde la publicación del libro, pero qué ellos bloquearon durante mucho tiempo. El proyecto es a la vez muy amplio, con un gran espacio concedido a los paisajes, y muy íntimo, muy apegado al Estaba rodando Coeurs (2006), de Alain Resnais, cuando cuerpo, los rostros, las ínfimas variaciones del personaje. De ahí me llama Sean Penn. Quiere hablar conmigo incluso antes-de la convergencia entre los filmes de Salles y Chéreau. hacerme llegar el guión de su próximo film. Me dice que ha tenido la idea de trabajar conmigo después de ver Diarios de motocicletaSean Penn y yo también coincidimos en las referencias cinéma(2004), de Walter Salles, y que éste le ha confirmado que yo tográficas, llevé conmigo el DVD de Gerry (2002), lo volvimos a podría responder a lo que busca. También ha visto muchas de las ver juntos, como El cazador (1978) o Apocalypse Now{1979); películas en que he trabajado, especialmente Intimidad'(2001), de evidentemente, no se trata de imitar esos filmes sino de forjarnos P. Chéreau. Me explica que no quiere trabajar con un director de un vocabulario común hablando juntos. También volvimos a ver fotografía americano, que no desea a "un profesional de la profe- los filmes de Malick, en especial Malas tierras (1973), pero más sión" que se limitaría a hacer bien su trabajo, sino a alguien que bien para seguir un camino diferente, muy prosaico, con una gran forme parte activa del proyecto en su conjunto. Completamente desconfianza hacia las imágenes místicas. seducido (me han gustado mucho sus tres primeros filmes como director), vuelo a San Francisco nada más acabar el rodaje con El plan de trabajo es una labor inmensa y apasionante. Rodaremos Resnais. Sean Penn, que también es el productor del film, ya me en cuarenta localizaciones diferentes, ubicadas en ocho estadosde EE.UU. además de México, en condiciones climáticas extreha comprometido, a pesar de no habernos visto en persona. mas. Enseguida partimos para hacer localizaciones en Alaska, en Entonces leo el guión y también el libro de don Krakauér, y com- una zona donde en abril todavía es invierno, y ahí comprendo que prendo mejor lo que espera de mí; Sean, que ha escrito solo el tendremos que hacer cosas realmente poco habituales. Desde guión, ha elaborado un relato a un tiempo muy fiel al libro-inves- los primeros días, convenzo a Sean de que no hace falta un tigación de Krakauér y una obra que se reivindica como ficción; segundo equipo, aquel que normalmente rueda las imágenes en insistirá mucho en ello en el transcurso del rodaje. Los hechos son las que no aparecen los actores:él film en su conjunto pertenece

ricos, inapropiados para esta historia sobre las renuncias materiales. En Walden, Thoreau escribió: "Sólo necesitas sentarte callado el suficiente tiempo en algún atractivo lugar de los bosques para que todos sus habitantes se te exhiban por turnos" (12.11). La naturaleza se puede leer o interpretar cuando uno regala su tiempo y lo reinventa. La narrativa fragmentada de Hacia rutas salvajes esquiva el tiempo contemplativo, y nos obliga a un circuito de

idas y venidas que van modificando, a veces de manera brusca, nuestra sensibilidad respecto al filme. Con todo, la idea que la película estructura en una lectura horizontal acaba por sobrecoger: que cada edad contiene a su vez un ciclo entero de vida. La juventud del personaje, de este modo, abarca todas las edades: nacimiento, adolescencia, madurez, familia. Un ciclo de soledad extenuada que culmina en la vejez de la juventud. •

Así, he podido explorar muchas hipótesis de realización, con el acuerdo de Sean, evidentemente, pues creo que me llamó exac-, Además de las condiciones físicas, que implican las elevadas tem- . tamente para eso. De todos modos, él sabía muy bien dónde iba, peraturas del desierto de Arízona, una de las dificultades del film ha pensado diez años en el film, lo ha escrito y reescrito, permite consiste en que se trata de una reconstrucción de época, pero una gran libertad a todos. Tiene un instinto muy seguro, no teoriza muy cercana en el tiempo: quince años. Hemos de sentir que jamás, nunca generaliza, pero sabe lo que hay que hacer en cada nos encontramos en otro ambiente, sin disponer señales muy evi- plano, en cada escena. Trabaja con un reducido grupo de persodentes. El trabajo con el decorador Derek Hill es muy preciso en nas a las que llama "la banda", éramos cinco quienes lo acomestos aspectos, pero el trabajo de Sean Penn se revela esencial pañábamos permanentemente: Emite Hirsch, el actor principal; en los planos aéreos urbanos en el downtown de Los Angeles, David Webb, su ayudante; Derek Hill, el decorador; Jay Cassidy, fundaméntales para inscribir esta historia de soledad marginal en él montador (siempre presente, realizaba esbozos de montaje en relación con la sociedad. su ordenador) y yo mismo. Yo me adapto; esa era la línea de conducta para este film. Tras los principios estéticos tan sistemáticos de Coeurs, con un rodaje enteramente en estudio, etc., me encantó hacer exactamente lo contrario: partir del plano, de lo que exige cada plano, cambiar de técnica de rodaje tan a menudo Como la situación lo requiriera, tratando de compartir, sobre todo, las sensaciones físicas, el calor, el frío, la impresión de aislamiento, la relación con lo muy fugaz o, por el contrario, lo que está presente para la eternidad; pero sin ningún misticismo, de manera muy concreta. Este enfoque "material" no tiene nada de: naturalista, no rodamos un documental. Por ejemplo, Sean quería que la secuencia en la que McCandless se envenena y languidece en su autobús estuviera bañada por la cruda luz del sol en el Gran Norte, pero Hace poco, en un rodaje alguien me confundió con el ayudante de dirección. Es el mejor cumplido que pueden hacerme. Después de Hacia rutas salvajes, Eric Gautier ha sido por quinta vez director de fotografía de un film de Olivier Assayas, L'Heure d'été, y por quinta vez director de fotografía de un film de Arnaud Desplechin, Un Conte de Noël. Además, ha empezado a trabajar, por segunda vez, con Alain Resnais.

al segundo equipo. El segundo equipo somos nosotros. Del mismo modo, cuando me proponen trucar él autobús inmovilizado en el que MeCandless pasó los últimos meses de su existencia, un espacio muy exiguo, para reconstruir ciertas partes y así rodar con más holgura, pido que dejen todo Como está Según el momento, seremos un equipo de ciento cuarenta personas o sólo seis, incluidos los actores, transportando el material en sacos a la espalada, escalando montañas, dejándonos sorprender por las inundaciones repentinas que fueron fatales para McCandless,

el día del rodaje llovía a cántaros: Iluminé a fondo, fabriqué el sol. Asimismo, el plano final, con él gran movimiento ascendente de la cámara, que parte del rostro para acabar en un plano panorámico requiere, evidentemente, trucos ópticos y digitales, una grúa inmensa y un helicóptero, todo un trabajo de localizaciones muy precisas, para lograr exactamente lo que Sean Penn tenía en mente. Hacia rutas salvajes es un film independiente, pero bastante caro, incluso según los criterios americanos: 32 millones de dólares de presupuesto. Su coste se debe a esta hibridación de realismo y exigencia en la concepción. Está rodado en 35 mm. Utilizar el digital HD habría Sido imposible, mucho más pesado y no lo suficientemente seguro. Para un proyecto como éste, la cámara de 35 mm y la película analógica no tienen rival.

Declaraciones recogidas el 6 de diciembre de 2007 © Cahiers du cinéma, nº 639. Enero, 2 0 0 8 Traducción: Antonio Francisco Rodríguez Esteban

CARLOS LOSILLA

Una comedia triste
Viaje a Darjeeling, de Wes Anderson

U

NO. El desplazamiento es la razón de ser de Viaje a Darjeeling, la emotiva culminación de un cierto estado de ánimo de la contemporaneidad del que forma parte el cine de Wes Anderson. Desplazamiento de un tren en marcha a través de la India y poblado, entre otros personajes extremos, por tres hermanos en busca de su madre. Desplazamiento de la cámara, que sustituye el contraplano por el efecto diorama, es decir, que amplía el encuadre a un lado y a otro en lugar de trocearlo. Desplazamiento de una facción del argumento, que emigra hacia un cortometraje titulado Hotel Chevalier, que a su vez se presenta como la primera parte de la película. Desplazamiento de lo que significa hoy en día la comedia, que pasa de provocar la hilaridad frente al mundo a reflejar su extrañeza. Desplazamiento desde los microcosmos autistas de Los Tenenbaums o Life Aquatic, sus dos películas anteriores, a una epopeya absurda capaz de articular una poética de extraña densidad. Y, en fin, desplazamiento de la labor del crítico, que se ve obligado a hacer una constatación: la dificultad que le supone hablar con humor de una película en apariencia humorística, en el fondo dotada de una severa melancolía. DOS. Sea como fuere, para Anderson se trata de vivir estéticamente, aquella vieja aspiración de Kierkegaard. En Hotel Chevalier, una canción, una habitación de hotel y una panorámica que describe las buhardillas de París podrían ser los emblemas de ese universo inalcanzable por inexistente, dada su condición de paraíso mental. En Viaje a Darjeeling, la India representa de nuevo el viejo mito de la espiritualidad, pero reconvertida en mercancía de gran superficie. En ese contexto, Anderson se mueve con la soltura del dandy posmoderno que ni siquiera se lamenta por la pérdida del sen-

El problema de los tres hermanos es que no han sabido construir sus vidas

tido, sino que prefiere explorar las ruinas. Y éstas no pueden ser otras que las del pensamiento, pues si hay algo que no dejan de hacer sus personajes es pensar, por mucho que se trate de una reflexión improductiva, cómicamente solipsista. Se trata, como decía, de tres hermanos. Francis (Owen Wilson) está obsesionado por la organización y el control, por un mundo en orden del que pueda convertirse en demiurgo. Jack (Jason Schwartzman) racionaliza hasta tal punto su desconcierto sentimental que acaba convirtiéndolo en un estrafalario donjuanismo. Y Peter (Adrien Brody) intenta imaginarse el futuro, labor infructuosa, a partir de su próxima paternidad. En esta película se piensa en los otros no en términos complementarios, como nuestros semejantes, sino instrumentales, como aquellos que utilizamos para construirnos. Pero precisamente el problema de estos tres hermanos es que no han sabido construir sus propias vidas, de la misma manera en que su madre (Anjelica Huston), que los abandonó para encontrarse a sí misma en la India,

tampoco supo hacerlo en su momento. Y si Wes Anderson pertenece a esa generación que contempla la construcción de las identidades como una gesta inalcanzable, entonces ¿cómo construir un relato, cómo hacer hoy día una comedia? TRES. Hacia el final de Viaje a Darjeeling, un travelling describe diversos cuerpos en movimiento, arrastrados por el impulso nocturno del tren. Algunos de ellos pertenecen a la película. Otros, a un universo externo que también podría ser interno, ya se trate de Hotel Chevalier o de ciertos momentos del largometraje que pasarían desapercibidos si no fuera por las pistas que proporciona Anderson: Natalie Portman, la pareja de Jason Schwartzman en el cortometraje, o Bill Murray, el tipo que pierde el tren al principio. Todos ellos aparecen en sus compartimientos, en la soledad de la noche, aislados de un mundo con el que el espectador mantiene relaciones equívocas e intermitentes. Cualquiera de ellos podría haber sido protagonista de Viaje a Darjeeling, cualquiera tiene motivos suficientes como pa-

Pero entonces. Si En el valle de Elah fuese una película sobre la guerra de Irak. E igualmente para bien o para mal.ra intervenir en ese relato. Jia Zhang-ke con una parte de Naturaleza muerta o José Luis Guerín con En la ciudad de Sylvia. sujetos a las tremendas consecuencias psicológicas de sus reprobables acciones. también. Para bien o para mal. victorioso debutante con Crash (2004). como han demostrado David Lynch con Inland Empire. La historia de los tres hermanos. el de la muchacha embarazada. de Paul Haggis La indagación de unos padres en pos de su hijo desaparecido S i En el valle de Elah fuese una película sobre la guerra de Irak le reprocharíamos. De hecho. 1979) y Desaparecido . Si En el valle de Elah fuese una película sobre la guerra de Irak. las mujeres siempre se muestran ausentes e inalcanzables. guionista de Eastwood desde Million Dollar Baby (2004) y escritor para series de televisión de larga trayectoria (sus primeros trabajos se fechan en 1975). el de Huston. en ese ínterin. una reconversión del western en desolados itinerarios urbanos. la imagen de la feminidad como búsqueda de reflejos espectrales. aunque cuente con el apoyo de una mujer policía (Charlize Theron) ninguneada por sus compañeros. acabaríamos deduciendo que las mayores víctimas de ese conflicto no son los iraquíes masacrados. el hecho de hurtar cualquier análisis político. Ellas aparecen de vez en cuando. Quizá porque han perdido todo lo demás. Schrader. Evidentemente. pero una fuga muy significativa. David Fincher con Zodiac.UU. como representaciones del desplazamiento y negación de la inmovilidad. En Viaje a Darjeeling. que hablahan de la India como contracampo de la decadencia de Occidente. morales y religiosos. ¿qué es En el valle de Elah? Género policial Digamos que la segunda película de Haggis. En el valle de Elah no es un film estrictamente sobre la guerra de Irak. perplejos. porque están buscando una manera de acechar desde el género de la comedia que no pase por el saqueo de la tradición. el pasmo y. la película surge del cruce de dos motivos bien definidos en el cine de Hollywood de los últimos treinta años: la indagación de un padre en pos de un hijo/a desaparecido/a y el desigual enfrentamiento de un individuo contra una institución omnipotente como el ejército de los EE. es sólo una fuga a partir de un casting previo. Desde Hardcore (P. sino en el policial. a Anderson le interesa el desplazamiento como espacio entre dos pausas: la espera. Viaje a Darjeeling forma parte de esa panoplia de emociones reprimidas que estallan en el plano de tres hombres que miran. Lejos de Renoir y Antonioni. aunque ésta sea el motivo pretextual que desencadena el desarrollo argumental. portadoras de un secreto que los hombres nunca llegan a descubrir: el de Portman. pero quizá. pero no pretende hablar de eso sino de la evolución/transformación de un personaje. como a tantas otras. interpretado con eficacia por un Tommy Lee Jones en la senda de los personajes encarnados por Clint Eastwood. tomaría partido por alguna de las actitudes que ha generado en la sociedad norteamericana. hacia sí mismos. sino que busque su sabia complicidad: ése es el último desplazamiento que propone Wes Anderson en esta película hermosa y significativamente partida en dos. no se inscribe en el cine bélico. pues. en su rama de indagación sobre un crimen por un no-profesional. sino los pobres y jóvenes soldaditos profesionales americanos que los masacran. pues. de Rossellini y Malle. a favor de planteamientos psicológicos. mentor de Paul Haggis. buena parte del cine contemporáneo es un relato masculino en perpetuo estado de onanismo petrificado. • JOSÉ ENRIQUE MONTERDE Elegía patriótica En el valle de Elah. Hank Deerfield.

algunos interpretan la desigual confrontación con el poder militar como una crítica política. La comparación Vietnam-Irak nos permite sugerir. Nos permite seguir teniendo confianza en la limpieza moral de los héroes. De ahí que su incursión por el bíblico "valle de Elah" (allí donde David venció a Goliat) no ponga en cuestión la razón profunda del patriotismo. escandalizarse después y rebelarse finalmente al descubrir ciertos "desastres" de la guerra? Cuando. Paul Haggis. veterano del Vietnam. puede sorprenderse primero. Scorsese. El tránsito de una actitud a otra simboliza la transformación autocrítica de un ex-soldado. Donaldson.. La mayor diferencia radica en que un film como En el valle de Elah se realiza durante las inacabables postrimerías del conflicto bélico. que ya le llevó a aceptar sin más la muerte en la batalla del primero de sus hijos y a aceptar la marcha al frente del segundo. tan impuesta desde fuera como tramposa. como sugieren Jim McBride y Michael Wilmington. pese al desgarro de su madre. Hank comprueba las criminales "hazañas" de su retoño y compañeros en tierras iraquíes. lejana en el espacio pero determinante sobre la peripecia de los personajes. 1992). Recordemos a John Ford y el desenlace de Fort Apache. sino que obliga al espectador a identificarse con un discurso que el propio relato ha desvelado antes como falsificador y mentiroso. La trayectoria del personaje deja a salvo la buena conciencia crítica del liberal Haggis y alimenta la del espectador que coincida con su punto de vista. efectivamente. Bajo esta perspectiva. 1978) y El cazador (M. La película de Ford nos obligaba a preguntarnos por la naturaleza humana y por el funcionamiento del sistema. uno de los puntos débiles de En el valle de Elah: ¿cómo un veterano militar. Ashby. es perfectamente intercambiable con cualquier otra guerra. nos dice que las instituciones americanas estarán a salvo mientras los hombres nobles digan la verdad. teléfono móvil mediante. el personaje viene a reconocer que la nación está enferma y tiene problemas. Es la diferencia entre la obra de un artista que se plantea interrogantes y el sermón de un predicador que está encantado de haberse conocido. en cambio. Nieve que quema (K. pero tampoco más simple. cruzadas por un Haggis siempre más guionista que director. Allí la exaltación patriótica y militar del Séptimo de Caballería (la arenga de John Wayne a los periodistas) no sólo anticipa el "print the legend" de El hombre que mató a Liberty Valance. Su primera aparición sirve para sentar la premisa: cuando está invertida en el mástil es para pedir ayuda porque se tienen problemas. mien- Certezas frente a interrogantes La bandera. debe prevalecer sobre los fallos de las instituciones. Ahora bien. 1982) hasta No hay salida (R. 1976). pero también. La segunda transmite el mensaje: al invertirla de nuevo. 1987) y Algunos hombres buenos (R. eso sí. 1978). Reisz.(Costa-Gavras.? El itinerario exclusivamente moral de Hank Deerfield centra el interés de Haggis antes que cualquier reflexión política. De otra. para hacer creíble el mito. El regreso (H. que por su edad comenzó su carrera en tiempos del Vietnam. localizamos diversos antecedentes de ambas líneas argumentales. tal como ocurriera en los años setenta a partir de títulos como Taxi Driver (M. • . sea por ejemplo la del Vietnam. pues la bandera. aunque quede invertida. además. ¿no es capaz de evocar las atrocidades necesariamente conocidas a lo largo de sus (supuestas) experiencias bélicas? ¿En qué ejército militó. nos dice el protagonista al tiempo que procede a reponerla en su verticalidad orgullosa y patriótica. La tesis no puede ser más explícita. pero ésta no pasa de la denuncia de un espíritu "de cuerpo" autoprotector capaz de tapar el estúpido y cruel crimen oculto bajo la falacia de una falsa deserción. En el valle de Elah no ofrece grandes novedades: de una parte. La de Haggis ofrece una certeza tan reconfortante como mentirosa. que ahora reconoce la herida de la patria y hace pública confesión de esa derrota moral. 1978). CARLOS F. En el fondo. Ahí está la cuestión. que "necesita hombres nobles para perpetuarse". el desplazamiento de la atención hacia las traumatizantes consecuencias psicológicas de la experiencia bélica sobre sus protagonistas. no es inocua. la indagación paterna (apoyada. en la condición de ex-suboficial de la policía militar del protagonista) compatibiliza la mecánica policíaca con el redescubrimiento de la real naturaleza del hijo tras las transformaciones experimentadas a causa del episodio bélico. Reiner. incluso la (indudable) presencia de la guerra de Irak como trasfondo. pero la ecuación resulta tan lineal como premeditada. HEREDERO tras que el grueso de producciones hollywoodenses más o menos críticas sobre la intervención en Indochina llegó una vez clausurada la contienda. Ford nos dice que "un sistema insano puede ser perpetuado por hombres nobles" capaces de difundir la leyenda. Cimino.. al desviar la identidad de las víctimas. En la contienda De la misma forma. para mayor inquietud. En el valle de Elah se convierte en una elegía patriótica.

podría firmar su último film y pocos se apercibirían de la simulación (¿estamos frente a una película "lumetiana"?). más allá del interés que aún despierte aquella experiencia californiana. la oscuridad malsana. Pero si. el cambio de aires se antojaba. Si de algún modo queremos celebrar este film. necesario. Frente a una propuesta aséptica. Es cierto que en un arranque de humildad. a ser posible. cuyo motor de estilo se reduce a un planosecuencia nodal. de su co-guionista Jorge Guerricaechevarría. el cerebro anula la sangre. no quedara ni rastro de su presencia tras la cámara. frío y sin perso- . Wood y L. por sus fiascos que por sus conquistas. y que en ella forjó con sudor y sangre sus altas ambiciones. acaso un heterónimo. Es condición del verdadero artista combatir sus limitaciones y expandir su creatividad. ¿Cogerán el tren de las nuevas imágenes? • La potencia visual da paso a la dialéctica charlatana a fuga británica de Alex de la Iglesia suscita más reflexiones por sus ausencias que por sus presencias. ¿Hay que encontrar en ambos filmes la equivalencia formal de una Norteamérica hiperbólica y desquicida y de un Oxford hipócrita y académico? El intelecto reemplaza a las visceras. es posible que al finalizar Crimen ferpecto (2004). más que aconsejable. una vez más. hay que concederle al cineasta el éxito en su L afán. Alex de la Iglesia necesitaba hacer una película en la que. traspasar los confines de su contexto y ponerse a prueba. Es sintomático. su extraño talento para otorgar densidad a un fetichismo decadente y entrañable. y sobrepasada la década desde su rompedor debut con El día de ¡a bestia (1995). habrá que esperar a que se posicione como auténtico punto de inflexión de una obra que empezaba a ofrecer signos de cansancio. Si Los crímenes de Oxford apuntaba efectivamente hacia esas conquistas. en este sentido. de Alex de la Iglesia nalidad. otro nombre. pétrea y perezosa como Los crímenes de Oxford. Tratándose de un cine altamente referencial como el del autor de Muertos de risa (1999). Watling). el autor de La comunidad (2000) se sorprendiera a sí mismo con un discurso prácticamente agotado y con unas constantes formales y temáticas abocadas a la eterna repetición. los personajes intensos. Demasiado atrabiliario para creerlo. no en vano la última que se formó en el proceso fotoquímico del cine.CARLOS REVIRIEGO Una personalidad en fuga Los crímenes de Oxford. el espectador pronto se sorprende echando de menos algunas de las características que emergen con naturalidad de las mejores películas del autor vasco: el humor macabro. ahora lo hace por defecto. por sus búsquedas que por sus encuentros. entonces pecó por exceso. y que se resiente de una pareja actoral sin un ápice de compenetración (E. adaptando la novela homónima de Guillermo Martínez en que se basa el 'whodunit' puesto en escena: la investigación que emprenden un profesor y su alumno del asesinato de la casera de este último. El resultado. comprobar cómo se ha ido desinflando la generación de cineastas españoles de los noventa. se traduce en un juego de cluedo con sorpresa climática en el que la potencia visual desaparece para dar paso a una dialéctica algo charlatana entre la conveniencia de la filosofía o de las matemáticas para resolver el caso. No se nos escapa que Perdita Durango (1997) ya significó la primera experiencia transnacional de De la Iglesia. pero también es cierto que de esa conquista se desprenden los grandes déficits del film. Preso de una fuerte personalidad y de una creatividad monotemática. Fría investigación Tampoco rastreamos la presencia.

Confundida a veces con el simplismo y entendida otras como una carencia de ambición reprobable en alguien que pretenda hacerse notar. ni siquiera un film perfecto.de ser entendidos como la planitud rutinaria de la tv-movie. como muy bien señalaba Jaime Pena en una crónica de urgencia desde Locarno. Desde luego no son estas últimas las opciones tomadas por Roser Aguilar en su debut en el largometraje.JOSÉ ENRIQUE MONTERDE Elogio de la sencillez Lo mejor de mí. Cortés. Lo mejor de mi no se inscribe en la radicalidad de algunos trabajos apoyados desde estas páginas (pienso en Rosales. la historia nos lleva a asumir el dilema ético-sentimental de la protagonista (una incipiente locutora radiofónica. dilema que corre parejo a la propia evolución de su relación de pareja hasta llegar a una solución no por previsible menos coherente. donde Marian Álvarez ganó el premio de interpretación femenina). También es necesario encuadrar esta opera prima en distanciado paralelo con otra reciente dirigida por otro graduado (como ella) en la primera promoción de la ESCAC (Escola de Cinema i Audiovisual de Catalunya). • . es cierto que ofrece una meritoria alternativa tanto a esa radicalidad como a las opciones de la tradicional profesionalización adoptadas por otros muchos debutantes. y no desde el virtuosismo exhibicionista (cuando no narcisista) o desde el tremendismo rompedor. de José Antonio Bayona. productora impulsada por la propia ESCAC. que supongo nos habla bien de los Personajes que crecen a lo largo del metraje L resultados que comienzan a cosecharse por la escuela en el campo definitivamente profesional. En la contienda No estamos diciendo que Lo mejor de mí sea una obra maestra. un guión sin apenas digresiones (en el que también ha intervenido otro graduado.). y desde esa prudencia y sencillez es como ha conseguido que Lo mejor de mí se haya hecho un prestigio considerable antes de su estreno. Gijón y Locarno. No es fácil pasar de lo trivial a lo sustantivo. pero. entre otras cosas porque la producción de Lo mejor de mí corresponde a Escándalo Films. de Roser Aguilar a sencillez no es en sí misma una virtud (cinematográfica). algo que Lo mejor de mí logra en sus mejores momentos. sea por la vía de la comedieta juvenil o del más o menos rutinario cine de género. Rebollo. la sencillez es sin embargo un valor añadido para quien prefiere trabajar desde la sensibilidad y la modestia. gracias a su buena acogida en diversos festivales (Valladolid. Dos opciones tan radicalmente distintas como coherentes en la relación entre objetivos y logros. como tampoco lo es encontrar un relato en nuestro cine donde los personajes crezcan a lo largo de su metraje. Oriol Capel) y una puesta en escena nada efectista. como es El orfanato. donde la presencia de algún secundario ilumine alguna escena aislada (pienso en la de un contenido Lluís Homar en su papel de padre. Orbe. donde la construcción visual siempre se subordina al devenir del proceso sentimental de la protagonista. donde ella es capaz de superar todo chantaje sentimental. Por todo ello. pero muchas veces es extraña en un trabajo primerizo. La mentada sencillez no deja de tener sus riesgos: un sencillo desarrollo argumental. corren el peligro -y tal vez caen en él en algunos momentos. ligada a un deportista de élite que contrae una grave enfermedad de hígado y que dona una parte del suyo para el ineludible trasplante). Pero si asimilamos el arranque banal del relato (y lo significativo es partir de una banal relación sentimental). etc. donde la plasmación fílmica vaya más allá del núcleo argumental y donde las razones del corazón se enfrenten convincentemente a los sentimientos impulsivos de los personajes. Aguilera. o en la tardía aparición de los padres de ella).

que sobrevive a toda una vida sin perder intensidad. pese a algunos intentos de recuperación esporádicos más o menos nostálgicos o innovadores (de Chicago o Hairspray a On connait la chanson o Bailar en la oscuridad). la adaptación de del clima político y social de la América una novela al cine. referente-insigPodría pensarse que el principal pronia de esa generación rock/pop represenblema de la adaptación de una novela al tada. nos plantea un híbrido y ambicioso idealización romántica de dicha época. etc. dolores. mediante las vivencias comunes de un grupo de jóvenes en el Nueva York de finales de los sesenta. de hacer creíble el peso en la espalda de una vida que no ha vivido. por encima de todo. torpe y más limitada de lo que muchos soñaron.psicodélicas del Fab Four). un retrato del tiempo. Across the Universe (Julie Taymor. GONZALO DE PEDRO . torpes e infructuosas. en este caso concreto. política y social mucho tiente romántica. Y es ahí donde el artificio de la ficción revela su lado más débil. el acercamiento a la comedia. SANTIAGO RUBÍN DE CELIS tagonismo coral. precisamente. La cámara. el pro. la pelí. su ver. es un juez infalible ante un paso del tiempo que no ha tenido lugar. un género fundamental en la producción norteamericana de los años cuarenta y cincuenta. una de las cimas Across the Universe (2007). convierte la película en un río que retrata dos vidas casi en su totalidad.. está definitivamente lastrada por una Frida). años de espera. brillos de la mirada. Podría pensarse que inmediatamente posterior al "verano del es el proceso de traducción/conversión/ amor": la desconfianza en el sistema polítraslación de la magia de las palabras a lo tico y el rechazo a la guerra de Vietnam. la mística de la droga. planteado como una enfermedad incurable. y por aquello que permanece inmutable bajo el vendaval de los relojes. Taymor trata de realizar un retrato cine es. la estructura episódica. a lo largo de las últimas tres décadas. materia esencial del cine. y a través de algunas de las canciones más populares de los Beatles.por una representación estereotipada cula se alimenta indudablemente de varios de situaciones y personajes y por una dispositivos clásicos del género:su optimis. 2007) tiempo. la película tura del rock. el auge de la culfidelidad/infidelidad al texto.. desde la adolescencia hasta la vejez. Más allá del eterno debate de la revolución sexual.musicales brillantes (el I Want You en la oficina de reclutamiento o la presencia sorprendente de Tim Curry en Being For the Benefit of Mr. experimento musical. un tanto fácil y oportunista. Y sin el surgimiento de los movimientos culembargo. es otro. Por un lado. tercera pelí. o "Hollywood escrito con mayúsculas". Una situación extraña si tenemos en cuenta el extraordinario auge actual del musical escénico. Podría. ha ido languideciendo poco a poco. Kite!. de Gabriel García Márquez. lejos de desaparecer repentinamente como algunos otros géneros clásicos. y ni tan siquiera Javier Bardem.más compleja. su artificialidad. Todo el arte que despliegan los protagonistas y su equipo de maquillaje para inventar las huellas de un tiempo que no ha pasado. Así. concreto de las imágenes. actor de altura. el uso del videoclip como estética musical apropiada) raras veces relacionados con el género. a la misma vez que. por el otro. de Mike Newell abre las puertas a un Sin embargo. utiliza algunos elementos (el comentario socio-político.recreación esteticista y simplista de una mo (con happy-end incluido). queda claro la ruptura ideológica de la generación que. el problema más joven respecto a la de sus mayores. se revelan inútiles.realidad cultural. la película cula de la realizadora Julie Taymor (Titus. no sólo frente a la novela. un viaje por las horas y los días y los años. La historia de un amor. de unas vidas que no han tenido lugar. historias que ningún artista de las cremas y la caracterización puede simular. amores. ante la adaptación de la novela turales contestatarios y el pacifismo. es capaz de despojarse de ese detalle misterioso y secreto que separa un joven de un anciano. tal y como lo definió Jane Feuer. Porque hay heridas que la cámara no puede inventar. El amor en los tiempos del cólera (la novela y la posterior película) es. el juego casi constante de referencias culturales. sino frente al cine de lo real: la imposibilidad de recrear el verdadero paso del tiempo en el rostro de los actores. y pese a ciertos números asunto mucho más cinematográfico: el El cine musical. sustancia básica de cualquier imagen.

Y para ello. Skizo) demuestra en este film que tiene un oído fino para captar la esencia de esta empecinada realidad. El rito de la evolución hacia una madurez amarga y tardía se contrapone al empuje de la nueva generación. 2007) Déjate caer Jesús Ponce España. porque las conversaciones en los bares siguen siendo un intercambio interminable de frases hechas y lugares comunes. asumiremos que el imaginario hispánico está determinado por una actitud entre terca. cinco amigas de distintas edades que. Sobre el complejo tema amoroso. Liberada de todo artificio. si te gusta mucho. Pilar Crespo. el hecho de que sea la propia directora quien encarne a una de las protagonistas. parece como si tuviese por efecto reforzar esa intimidad. Yasmine Al Masri. Hay costumbrismo. Líbano. que domina por completo el relato. agresiva y defensiva que tiene en el "porque sí" su particular santo y seña. pero el resultado es creíble. Además. si el cine español fuera uno de los extraños pacientes del Dr. SANTIAGO RUBÍN DE CELIS Déjate caer (Jesús Ponce. enormemente desdramatizada. House y éste tuviera que decidir después del visionado de Déjate caer. rollo duro. lo hace más bien en una serie de búsquedas: desde la de su identidad a través de una imagen a medio camino entre Oriente y Occidente. o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él. co-guionista y realizadora de la película. Joanna Moukarzel. la película pretende ser una mirada nueva no sólo dentro del cine libanés actual. Labaki nos propone un acercamiento a la situación de la(s) mujer(es) dentro de la sociedad libanesa contemporánea. ese es sin duda el de Nadine Labaki (Beirut. 2007. lejos de apoyarse en certezas. una opera prima notable por su madurez. Ponce abusa de lo carpetovetónico. es representativo de lo que sucede en nuestras calles y parques. cuyos síntomas comunes son abusar de lo pintoresco y hacerlo pasar por representativo. Jesús Ponce (15 días contigo. 95 min. Pero elegir no hacer nada es siempre la opción más difícil. Sin trabajo ni estudios. insolente. Chicos y chicas nacidos en los noventa que parecen no haber heredado las taras emocionales de sus predecesores y que. sino que acompaña suavemente la historia de tres amigos treintañeros que han decidido ver pasar la vida desde un banco en el parque a base de canutos. cotidiana en el mejor sentido del término.Caramel Nadine Labaki Francia. que nos permite confiar en próximos logros aún mayores de su directora. en su versión saínete melancólico. Por ese motivo. esa complicidad establecida entre ella y sus heroínas con el espectador. a la de su rol y tendencias sexuales o la de su autonomía respecto a las tradiciones. se alertaba en estas páginas del peligro que corre el cine español de caer víctima de un virus llamado "costumbrismo televisivo". co-protagonista. se reúnen en un salón de belleza de Beirut". Intérpretes: Nadine Labaki. presente en las últimas ediciones de los festivales de Cannes y San Sebastián. 106 min. 1974). la propietaria del salón de belleza. Estreno: 18 de enero Si algún nombre propio destaca dentro de Caramel (2007). inamovible e irreflexivo. A través de un fragmento de sus vidas. Darío Paso. litronas y palmeras de chocolate. a través de sus miedos. JAVIER MENDOZA . Ayala como la "búsqueda de una propia identidad mediante un nacionalismo desprovisto de meta". y si le gasta a tu amiga. En resumen. el personaje de la hermana adolescente sentencia: "La cosa está clara: si te gusta. tercer largo de Jesús Ponce. 2007.. Y pensar que la gente lleva siglos dándole vueltas. viven sisando de sus padres y han hecho del cotilleo soez sobre sus vecinos una rutina profesional. a veces. Sin embargo. besitos. sino de la propia sociedad del Líbano. esa que los sociólogos de guardia de los suplementos de tendencias se han apresurado en bautizar "generación del yo". sus esperanzas y sus sueños. según sus propias palabras. embarcada en un proceso creciente de transformación y modernización. Intérpretes: Iván Massagué. Si aceptamos que el macarreo es el heredero natural del casticismo. dan miedo de lo claro que lo tienen. su debut en el largometraje. sincera y cálida hasta el punto de que el enfoque de Labaki está evidentemente lleno de estima hacia unos personajes por los que se siente cautivada. la educación y la religión.. término definido por F. Juanfra Juárez. pero no es televisivo. te lo tiras". Los diálogos fluyen y el acento andaluz no cae en la autoparodia. lo pintoresco. en concreto a Layal. es "la historia de cinco mujeres libanesas. un personaje que ejerce el papel de núcleo dentro de la historia. tal vez detectaría algunos de los síntomas pero no coincidiría en el diagnóstico. Caramel. Estreno: 1 de febrero Con motivo del estreno de Mataharis y de Siete mesas de billar francés.

Hay películas que se dedican a mirarnos y otras que nos amedrentan. entonces. en el caso de La escafandra. Por desgracia. pero no la de refrescarlos. A veces el juego acaba en fracaso (el caso más reciente es la muy lamentable Slipstream. Y de él nace la gran impostura de nuestro tiempo: el traslado de la fe desde la religión a la autoayuda. sin pensar que incluso para el público joven estos elementos han perdido capacidad de sorpresa. las que no conciben otro relato que el suyo. Pero eso ya lo hacen los psicólogos: ¿qué pasa. Buscemi ha decido construir un vehículo de factura teatral.. sino en la perversión de los grandes ideales humanistas: el arte y la civilización como cuidado de sí y del entorno.. la filial de Miramax dedicada al género. ni su estructura caleidoscópica y desbordante. . sino a una especie de cine transfronterizo cuyo único deseo consiste en imponer su visión del mundo. en los que revisitaba personajes y paisajes de ese cine de los setenta sin encararse directamente a ningún título. de John Carpenter. el cine de terror norteamericano se impregnó de una brutalidad explícita y desasosegante. por lo que prefiere soñar con imágenes de una muerte dulce. Entre los pergeñadores de esta corriente tenemos a Rob Zombie. Después de haber dirigido hace diez años una película interesante. con las imágenes en movimiento? CARLOS LOSILLA los multicines. sino que es debido al modo en que determinados actores con ínfulas de autor desean mostrar sus habilidades en el terreno de la dirección. sería referirse a Mar adentro. y haber demostrado sus habilidades en algún capítulo de la serie Los Soprano. la mitificación de las personas y las cosas según las cuenta el modelo narrativo dominante. No debe verse el párrafo anterior como una mera introducción. 1968). que suele coincidir con una determinada estética de los nuevos poderes: la promoción de la obviedad como descubrimiento. la nueva Halloween es un producto pulido para su fácil encaje en las pantallas de De vez en cuando. otra gran representante de esta tendencia con una trama parecida: un impedido que no tiene ganas de vivir. y no me refiero a las grandes superproducciones norteamericanas. enésimo capítulo de una serie que empezó hace mucho tiempo y que últimamente se ha reforzado con títulos como La vida de los otros o La vie en rose. El cruce no se produce como resultado de una redefinición de los valores del star system. Lo más fácil. líder de la banda metalera White Zombie. sin embargo. ni los juegos con el punto de vista y la voz over. Distorsión de la idea del cine: se acude a las salas para aprender cosas acerca del ser humano. bautizada así en homenaje al título original del clásico del terror La legión de los hombres sin alma (Victor Halperin. opta por un doble engaño: bajo esta visión convencional y reaccionaria de la fragilidad de la vida se oculta una reivindicación de la banalidad estética que conlleva. No importa que esté basada en hechos reales. ya sea en forma de remake. La película de Julian Schnabel. cuando. Distorsión de su dimensión política: la contemplación de las imágenes es un acto de obediencia. Porque La escafandra y la mariposa no es una película. La casa de los mil cadáveres (2003) y su secuela Los renegados del diablo (2005). estas últimas abundan en el cine reciente. Entre los actores que se consolidaron en las filas de cierto cine independiente de los años noventa. de Anthony Hopkins) y demuestra cómo entre los actores y los autores no siempre existen puntos de creatividad colindantes.. es decir.. siguiendo la estela de la seminal La noche de los muertos vivientes (George A. Trees Lounge (1996). ni la interpretación de Mathieu Amalric. repasa desde el asalto a la pareja de adolescentes que practica sexo hasta el pseudofinal con asesino al que se da por muerto cuando todavía está muy vivo. El Hollywood actual ha encontrado una nueva veta a explotar en la revisión de este cine de los setenta. ahora Zombie se atreve con la revisión de la fundacional Halloween (1978). 1932). por mencionar sólo dos. Éste ya no se refugia en el cine ni en la televisión. sino como parte integrante del discurso que despliega La escafandra y la mariposa. Producida por Dimension Films. Romero. ya sea a través de la apropiación de sus códigos estéticos y temáticos aplicados a nuevos argumentos. sino un producto multimedia que pone en escena el gran mercado del arte contemporáneo y la condición subsidiaria del cine. A Zombie también le pierde su filiación a los férreos mecanismos de funcionamiento del slasher. Pero las peores son aquellas que están convencidas de lo que cuentan. poniéndose a sí mismos en escena y creando auténticos tour de force para probar su virtuosismo. Hablar de las cosas para mitigar el dolor y el miedo a la muerte. en el mundo del cine se produce un curioso cruce entre la política de los actores y la política de los autores.. Aún más si sólo demuestra la capacidad de reproducirlos. Zombie rellena los huecos argumentales que el realizador de La niebla quiso dejar deliberadamente vacíos y dedica parte del metraje a encontrar explicaciones psicológicas al desequilibrio de Michael Myers para facilitar la digestión de un film que presenta también un feísmo estético paradójicamente facturado a partir de un sofisticado trabajo de producción visual. EULÀLIA IGLESIAS La mayor parte del público que llena las salas de los multiplex los fines de semana no había nacido todavía en la década de los años setenta. Steve Buscemi es un caso respetable. Tras dos primeros trabajos como director.

ÀNGEL QUINTANA deseado. La relación profesional que establecen en un primer encuentro. convencional muestra de un entorno familiar burgués Detrás de Diablo Cody.Interview puede ser vista como la clásica pieza en interiores. a Juno se le puede imputar. La premisa no resulta excesivamente original. se agradece un film que. que parece confeccionada a medida de los habituales del festival de Benicàssim. ¿qué hace un actor/autor como Steve Buscemi delante y detrás de la cámara? Muy poca cosa. Lejos quedan los tiempos nunca igualados de Mater amatísima (1980). las adopciones concertadas o la marginación adolescente driblando cualquier tentación de dramatismo o sermoneo social. hasta unos diálogos demasiado repletos de réplicas ingeniosas (Juno no suelta ni una sola frase convencional). rodado en inglés para el público americano. luego. ni siquiera compensados por el tour de force tecnológico que representó el rodaje y la posproducción digitalizados del film. el embarazo no . Buscando una explicación a los limitados resultados obtenidos. de la clásica película europea de cierto escándalo que en su momento fue rodada en una lengua vernácula. Pero tal y como está el panorama de ese llamado cine independiente norteamericano que debería representar una tercera vía entre el blockbuster de gran estudio y las propuestas más radicales. Ahora. EULALIA IGLESIAS Juno (Jason Reitman. El problema de Interview es que la supuesta pieza que interpreta la pareja de actores no es una obra teatral. asesinado en el 2004 por un islamista. la esposa perfecta obsesionada con ser madre. sin renunciar a la vocación de llegar a un público amplio. pasando por el joven y sensible atleta que ha dejado embarazada a Juno (interpretado por el Michael Cera de Supersalidos) o el apuesto músico que ha aparcado sus sueños de juventud a cambio de una aparente vida perfecta. podríamos aducir de entrada la dificultad de aunar las tres tramas principales que la película propone: una vulgar historia de narcotraficante de nivel medio en vías de abandono del negocio. desde una banda sonora plagada de hits de la música indie. se convierte en una relación bastante mas compleja a partir del momento en que el periodista se instala en el piso de la estrella y ésta intenta tentarle. Juno se presenta como una comedia ágil y vitalista. el sonoro nombre que se acredita como guionista de Juno. desde luego no parece Myway vaya a remontar esa trayectoria. pero lo cierto es que el resultado final de Myway está más cerca del fracaso que del éxito. en una temeraria inconsciencia o en una incapacidad autocrítica. al menos evita los caminos más trillados y trata al espectador como a un ser inteligente. cuando Salgot se configuraba como una de las promesas del cine español del momento. el aborto. no se esconde un personaje de un film de Quentin Tarantino sino una pizpireta exstripper que debuta en el cine firmando el libreto del segundo largometraje que dirige Jason Reitman tras Gracias por fumar. 2007) No se sabe muy bien si la causa radica en un exceso de ambición. Frente a esta absurda política del remake lingüístico. Al contrario. un retrato de su familia. en un restaurante. Lo que acaba filmando e interpretando Steve Buscemi no es más que un remake. Como película que apuesta por defender una personalidad a contracorriente. una atractiva estrella protagonista de algunas destacadas soap operas televisivas. los sucesivos y muy espaciados jalones de su filmografía no han confirmado las esperanzas iniciales. precisamente. pero permite a los dos actores lucir sus talentos y demostrar su versatilidad para hacer creíbles los golpes de efecto. la coqueta del instituto. centrada en las tensiones entre dos personajes y en los diferentes golpes de efecto que alteran la relación de fuerzas que establecen entre ellos. un periodista "serio" en crisis al que le encargan entrevistar a Katie (Sienna Miller). Todo está perfectamente encarrilado en el film. A ella se debe uno de los principales méritos de esta película: armar una historia que trata temas tan espinosos como la primera vez. sino el sustrato de una película del cineasta holandés Theo Van Gogh. Steve Buscemi interpreta el personaje de Pierre Peders. una reivindicación del "sé tú misma" que se sitúa en una madura posición equidistante frente a las variadas actitudes que encarnan los protagonistas del film: la descarada protagonista y su inesperada mejor amiga. pues tanto Estación Central (1989) como Dama de Porto Pim (2001) pasaron brevemente y sin pena ni gloria por las carteleras española. cierta falta de atrevimiento.

por lo demás. Pero es que. Y lo alarmante no es tanto que se desconfíe de la inteligencia del espectador como los gravísimos problemas de ritmo que secuencias como ésta confieren a un film que. dentro de un guión coherente hace naufragar al conjunto. o mejor. mujer sumisa e inocente. se adereza y decora posteriormente con plug-ins como "personajes de una pieza" (hombre dominante. con esa alarmante falta de sutileza que caracteriza a un cierto cine español contemporáneo. por un lado. Sin embargo. y la revisión de las relaciones paterno-filiales que significa la nueva situación. bien enfática y libre de derechos. tal desajuste tiene que ver. la dificultad de interrelacionar esas tres subtramas.. alabanza de aldea" y la amable reivindicación de una supuesta (nunca demostrada por imágenes y sonidos) sabiduría de nuestros mayores. su destino se hace especialmente dudoso. decidió prenderle fuego para acortarle el camino al infierno. en la habitación del joven ciclista hay también un maillot arcoiris y un salvapantallas con la efigie del ídolo del pedal. conexas con otros tantos modelos genéricos (el thriller. a la manera en que los guionistas pueden servirse de los objetos para facilitar información al espectador sobre sus personajes. el drama familiar y la introspección psicológica). así. se comprendía la necesidad de productos dispuestos a cumplir la función de complemento. un epígrafe al asunto de los objetos. al menos. Objetos ambos que comparecen en la última película de Mario Camus con el único y poco disimulado propósito de llamar la atención sobre. afectado de alzheimer. la de una mujer hindú emigrante en Inglaterra que. bascula entre el consabido "menosprecio de corte. creo yo. 2006) Casi todos los manuales de guionista dedican. ¿acertar en el foco de atención dignifica el resultado? Bien es sabido que no. suegra malvada). además del póster. la condición de modelo a imitar que para el joven protagonista ostenta el triple campeón del mundo. Viene esto a cuento de un libro de Patrick O'Brian y de un póster de Oscar Freire. en muchas películas españolas) en aparatosas prótesis que lejos de integrarse de manera plácida en la corriente diegética trasladan al espectador la inoportuna impresión de que el objeto de marras fue colocado allí por un obediente atrezzista.? JOSÉ ENRIQUE MONTERDE Provoked. ni creemos pueda ocupar el menor lugar en una filmo/videoteca selecta. Pero en la actualidad. a los que más adelante se sumará (por si todavía no nos había quedado suficientemente claro) una redundante secuencia con las grabaciones televisivas de las victorias de Freire. la pasión aventurera del personaje que interpreta Alvaro de Luna y. Pero claro. Ni nos imaginamos a nadie dispuesto a bajárselo de Internet o a comprarlo en el top manta. algunos argumentos retorcidos y derivados de materiales diversos podían satisfacer producciones de tipo medio-bajo capaces de cumplir esas funciones. Lo que nadie explica es cómo puede evitarse que dichos objetos se conviertan (como sucede. ¿qué lugar puede ocupar un film como Myway? Lejos de cualquier profundidad autoral y carente del menor gancho comercial. El resultado de ese programa.convulsionado por la llegada del recién enviudado padre del protagonista. sin ir más lejos.. Todo ello nos conduce a una reflexión más amplia y habitual en el entorno de nuestro cine: ¿para qué hacer una película como ésta? Cuando hace treinta años todavía se recurría en muchos cines a los programas dobles. Provoked podría ser el resultado risible de un programa informático de escritura de guiones al que se le hubieran introducido los comandos: drama carcelario + maltrato femenino + historia de superación. ¿para qué. hay que saber elegir . No basta con elegir bien el enemigo.Provoked está basada en una historia real. ASIER ARANZUBIA COB Si no estuviese basada en dramáticos hechos reales. harta de soportar la violencia y los malos tratos de su marido. Entonces. filtros de montaje paralelo y una adecuada banda sonora. Una histoira real (Jag Mundhra. sin olvidar la contribución de unas interpretaciones y una puesta en escena manifiestamente mejorables. En el fondo. por otro. primer borrador de guión. para lograr un resultado ¿perfecto? Lamentablemente.

Quien lo desee podrá ver la película como una variación Bond en la que los protagonistas no disparan con bala. al menos. incapaz de salir de su cáscara de tradiciones y salmos (el tío y el abuelo). la familia Frankel (dos hermanos y su madre). El flashback final. Tehilim (en hebreo. La que retrate. cinematográficamente. del mismo modo que ahora saludablemente nos sumergimos en la oleada de aproximaciones cinematográficas a la Guerra de Irak. tras realizar Avanim en Tel-Aviv. Pasando por alto la verosimilitud y adaptabilidad cinematográfica del propio artículo (tras los créditos. el relato se adentre con naturalidad en el aliento cotidiano de una familia de clase media. la pérdida del ser querido? Más aún. y un judaismo agresivo. Y en ese exceso de ambiciones radica uno de sus problemas: mezclar la historia de una asistente social que lucha por la justicia con las bandas carcelarias. En tierra de nadie (Danis Tanovic). uno de los cineastas franceses más atípicos. o como aquella en la que Richard Gere muestra los efectos que sobre su cabellera tiene el aplique -o n o . humor negro y temática de redención personal. rueda en Israel. Jarhead (Sam Mendes) o de El señor de la guerra (Andrew Nicol). Sin embargo. machismo. desde el voice over inicial ("Este pasaje trata de un hombre que no puede ver hacia qué dirección rezar"). ignora que determinadas violencias no admiten determinadas formas cinematográfcs G N A O D PEDRO ia. La sombra del cazador se mira en el espejo mordaz de Tres reyes (David O. Provoked no lo será en ningún caso. de películas como Las flores de Harrison (Elie Chouraqui). aunque en este caso sea la de un "carnicero". por más que se esfuerce y pretenda abarcar no sólo la historia de una mujer maltratada. ilustrativas del conflicto serbio bosnio y de sus consecuencias. sino también la difícil convivencia con un fuerte sentimiento de culpa. Dos caminos se le ofrecen al joven Menachim tras la "evaporación" del padre: un judaismo tolerante. Habitamos junto a él las calles de un Jerusalén melancólico para que. el río subterráneo de violencia. ahora sitúe la acción en el centro histórico y religioso del país para (tratar de) descifrar sus creencias. mientras que la versión yanqui de la telenovela colombiana luce estatuillas y tipitos en su segundo año de emisión). ¿por qué nos Después de dirigir sendos episodios pilotos para las teleseries Mentes Criminales y Ugly Betty (los analistas de conductas del FBI transitan su tercera temporada. el relato accede progresivamente a los movimientos sísmicos de la sociedad. interrogando. coloca a sus criaturas. como la Guerra Civil: todavía espera su gran y definitiva película. o Welcome to Sarajevo (M. sólo admite la anticipación y en lo traumático aún necesita del paso del tiempo para cicatrizar sus heridas. Nadie dudaba. O Z L E de Anderson y otros cuatro periodistas a la caza del genocida serbio Radovan Karadzic. emerge como una sólida reflexión sobre la identidad de una sociedad dividida entre laicidad y religión.también las armas para combatirlo. los problemas de adaptación de los inmigrantes en una Europa envejecida y la dureza de la vida en las cárceles. la confusión. en su reflejo sólo higieniza las aventuras de John Rambo. Porque Tehilim. que resume en formato videoclip los años de violaciones y abusos a los que vivió sometida la protagonista. muy cerca.de "Use For Men". Es la segunda vez que Nadjari.del conflicto en cuestión. en un mundo que les ha sido arrebatado. su quinto largometraje. fue la espoleta que impulsó al productor Mark Johnson a buscar financiación para producir esta película. PINILLA ¿Cómo filmar el duelo de una desaparición? ¿La espera sin esperanza. el guionista y realizador Richard Shepard optó por embarcarse en un largometraje que otorgara continuidad tonal a su pretérita Matador en cuanto a la combinatoria de thriller. No es casual que. y pese al recalentamiento de la zona por la aspiración kosovar a independizarse. aquellos hechos (y en especial todo lo relativo al genocidio del pueblo musulmán en Bosnia/Herzegovina) pertenecen a un pasado reciente que. el aturdimiento emocional que gravita. encuentra un simbolismo religioso ("Padre. En contacto con los cuerpos y los rostros. la intimidad de los personajes. como hiciera Cassavettes. de la urgencia. en lo político. Lo que esa intimidad revela es el estallido de la incomunicación y la soledad. Winterbottom). Así hubiera eludido trivializar tamaña tragedia humana en un vago y maniqueo entertainment que legitima una vez más la venganza personal. SERGIO F. Russell). Decía Woody Allen que la comedia es la suma del drama con el tiempo: el "eficaz" Richard Shepard debería haberse aplicado el cuento a la hora de aceptar este encargo y desarrollar la película. La gravedad que pesa sobre el film. Steven Seagal o del sonrojante y homenajeado Chuck Norris. la primera duda surge al plantearse la actualidad -tanto en términos de ética como de capacidad comercial. capaz de cuestionar su papel en la realidad contemporánea (representado por la madre). Prestando atención a las rutinas diarias de sus miembros. previo a la resolución. ¿cómo lograr que el duelo familiar escale a radiografía espiritual de una nación? Raphaël Nadjari lo hace desde cerca. Sin embargo. "Libro de los Salmos") es una película que. Un artículo del corresponsal de guerra Scott Anderson publicado en Esquire. los malos tratos y una truncada historia de amor es el camino más directo a la nada por acumulación. la leyenda "sólo las partes más ridiculas de esta historia son verdad" desvela el componente anecdótico y caprichoso del film). sin maniqueísmos ni recursos de lágrima fácil. en el corazón de un misterio paralizante. y fundamentado en la experiencia autobiográfica . que finalmente dirigiría Shepard. Espantosa comparación: la violencia de género es. en clara oposición al melodrama sentimental al que hubiera dado pie el argumento. silencios y secretos apoyos sociales que subyace bajo las historias de malos tratos.

dónde se emplaza la cámara? El protagonista ingresa en un grupo skin del sector bondadoso. en la nuca de un niño de doce años (actor prodigioso) con problemas de adaptación y un trauma doloroso: la muerte del padre en la Guerra de las Malvinas (Falklands). rueda en el terreno pantanoso de los años ochenta en los barrios obreros ingleses.del padre. 2006) abandonas?"). Algo que demuestra una vez más que las buenas intenciones jamás son suficientes por sí solas. lanzada entre otros por nuestro colega Antoine De Baecque. inmigración y terrorismo (las imágenes documentales con las que arranca la película abren una línea de interés que el propio film termina por abortar). El enigma es sobre todo el camino que debe seguir la familia -esa comunidad. Cuando rueda cerca de esa barrera. Así. escribió Charlotte Garson. incluso una iconografía. que trata de no privarnos de detalle incómodo o truculento alguno. racistas. y a la espera del momento. esa sociedad. en lo que respecta a su punto de vista. Estando ahí. de izquierdas. en que el protagonista se decida a cruzar la raya. pronto se cae en el sensacionalismo tranquilizador de recurrir a un fanatismo reduccionista y caricaturizado (arbitrario e irracional) para explicar algo tan decididamente sólido y racional como la "Solución Final". El bando de los buenos es evidente: el de los skins originales. hemos de proponer ante Último tren a Auschwitz (2006) dos cuestiones previas de muy distinta índole: una moral y otra cinematográfica. Tampoco hay dudas en cuanto al de los malos: los skins de derechas. Terreno abonado. que le sirve de piel y sustancia. traduce de manera significativa la mirada del director. como consecuencia lógica de esta contradicción.que ha perdido la unidad y el sentido de la orientación. El enigma no es sólo la desaparición -"casi mágica". pues. reconvertido en un manipulador de masas con sed de sangre extranjera. CARLOS REVIRIEGO Una barrera invisible divide lo políticamente correcto de lo incorrecto. De esta forma. Las posiciones aceptables de las inaceptables.THIS Is England (Shane Meadows. y una serie de "licencias poéticas" que abundan en el lugar común. elegir un bando o rodar en precario equilibrio por la sugerente tierra de nadie que hay entre los bandos opuestos. Por una parte. un hecho tan significativo de nuestra Historia reciente acaba por aparecer ante nuestros ojos como una falsificaciónsemi-documental. que suelen desembocar en la simplista banalización de una realidad traicionada. inevitable. continúa siendo: ¿qué se puede filmar sobre el tema después de Auschwitz? ¿Cómo afrontar la representación del Holocausto vistas todas las imágenes relativas a él? Esta doble interrogación retórica nos lleva a la consideración cinematográfica de la película de Joseph Vilsmaier y Dana Vávrová: un film que oscila entre la intención hiperrealista. filmando al protagonista desde el lado de los buenos. empezaron a crecer los primeros movimientos skinhead. bajo el reinado de Margaret Thatcher. ¿Dónde se coloca la película? Físicamente. y que desbaratan cualquier alcance. una película puede ignorarla y darle la espalda. donde. lo anecdótico y lo afectado. Lo bien visto de lo mal visto. Hasta que la salida de la cárcel de un antiguo miembro del grupo. previsiblemente una de las películas del año. amantes de los problemas y la bronca. amantes de los porros y el ska. para los mensajes simplistas y para echar las culpas a los de fuera. que la película pudiera llegar a conseguir. pero sorprendentemente la cámara sí. y sin ponernos definitivamente del (controvertido) lado de Claude Lanzmann. que crucen esta línea". y dibuja una raya invisible en el suelo. This is England. testimonial (en el sentido de veracidad que posee el término). SANTIAGO RUBÍN DE CELIS . Ese movimiento. sin importarnos que el relato a veces se escurra en didactismo propio de un curso de iniciación al Talmud. le invita a viajar al lado oscuro de la fuerza. El protagonista no la cruza. la gran pregunta. "Los que no me acompañen. desde la tranquilidad de conciencia de quien ha hecho lo correcto (y previsible). GONZALO DE PEDRO Como ante todas y cada una de las películas que tratan de representar el Holocausto. a nuestro alcance. casi imperceptible. aprende a ligar y beber cerveza mientras los problemas crecen en forma de desempleo. ¿Y moralmente. a juzgar por su éxito EN Inglaterra. sentimos una profunda desconfianza ante aquellos acercamientos a la shoah desde lo emotivo/sentimental. que de ahí en adelante filmará las evoluciones del joven skin sin tan siquiera pisar las arenas movedizas de la ambigüedad. un simple espectáculo. las imágenes de los campos.

una continuidad: la que vincula la La mirada convulsionada y fisicidad vitalista de las esculturas sorprendida de Ingrid Bergman El celuloide inscribe la frente al poder sensorial de la con el desgarro interior de Marie. que bucea en los misterios del arte para dar por la que el cine entero debe pasar bajo pena de muerte") sentido a su existencia. el vértigo sensorial que provoca la dan cuerpo a la angustia de una carencia. una pieza esencial del cine contemporáneo que indaga en las posibilidades expresivas del soporte digital y que. la vibración carnal del mármol con huella de una ausencia. CARLOS F. 1954). HEREDERO Huellas y texturas La imagen fotoquímica y analógica con la que Rossellini encuentro con la piedra convulsiona los cuerpos. la expresión más certera de un legado que para invocar la vida. los números cifrados del código digital las que Nabuhiro Suwa graba a Valeria Bruni-Tedeschi transmiten con implacable exactitud la frialdad con la frente a las estatuas (Un couple parfait) da cuenta de que asistimos a una catarsis interior.Las imágenes de Te querré siempre (Viaggio in Italia. en un film-vanguardia de la era digital. Una de Rossellini resuenan bajo las obra-faro (un film. piedra resucita así. vienen a la memoria frente a las imágenes de Un couple parfait (Nabuhiro Suwa. que contempla la representación encuentra de esta forma. agita filma a Ingrid Bergman frente a las estatuas (Te querré su presencia carnal y sacude su materialidad sensorial. a pesar de todo. bajo el digital da cuerpo la mirada temblorosa y convulsa Inevitablemente. los fotogramas a una carencia de Valéria Bruni-Tedeschi. pues "abre una brecha abismos. decía Jacques imágenes de Suwa. . En uno y en otro film. Allí donde el representación pétrea y la parálisis emocional de la que soporte de una película consigue capturar el calor de la antigua Pompeya y el sofoco provocado por las altas es prisionera la protagonista. El avanzadas y visionarias del presente. 2005). Cincuenta años después. continúa sin estrenarse en España. los píxeles del digital de Katherine. obra fundamental en el camino hacia la modernidad. tras cuya aparición "todas ¡as películas han una mujer que se busca a sí misma en sus vacíos y en sus envejecido súbitamente diez años". Sin embargo. las esculturas suscitan la estamos obligados a rastrear y a repensar: el que las conciencia de una pérdida y la angustia de un vacío. como en una el vacío sensual de la mujer. La imagen digital (DV) y la alta definición (HD) con temperaturas. la escultura vuelve a remover los cimientos de Rivette. Roberto Rossellini. imprevista fantasmagoría. las estatuas remiten a un pretérito desvanecido modernidad transmiten hoy en día a las creaciones más a la vez que suscitan las emociones del presente. allí donde la fotoquímica del celuloide siempre) da cuenta de una escisión: la que separa el mundo físico de las esculturas y el universo interior inscribe la huella de una ausencia. En obras más perdurables y los autores más lúcidos de la ambos.

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y una princesa clavadita a su madre muerta que él observa desde un torreón. Shane Meadows. calzonazos. 41) se deja abducir por la alterada percepción de la realidad de un skin-head del Frente Nacional.. n° 7. de Raya Martin Import/Export. pero la película no le acaba de cuajar. UN CIERTO NUEVO CINE FRANCÉS Tres películas. una historia de amistad más allá de la muerte rodada con un talento visual poco común por nuestros pagos. historia de amor y reconciliación en tres actos. El joven protagonista de This is England (véase crítica en pág. aprovecha un viaje lejos de su rutina habitual para abandonarse a las posibilidades de jugar a ser otra(s) persona(s). Su director. el padre ausente y ciertas dosis de sexo en bruto. sino el arte y la cultura. Mía Hansen-Love. diciembre. También el protagonista de El Otro. sensible a la realidad étnica y diglósica de las personas que está filmando. La belga Ben X. Margal Forés llega más lejos y con mucho menos metraje en su segundo corto. de Ulrich Seidl Pere Portabella. en Die Stille vor Bach (véase crítica en CahiersEspaña. lo único interesante que tenía para ofrecer: la presentación del mundo de Ben como algo real a nivel de percepción más allá del mundo tangible. En el otro lado del mundo. en una película sobre el tedio existencial. además. quien le suelta un discurso que parece otorgar sentido a la muerte de su padre en las Malvinas. Su vida se asemeja a un oscuro cuento de hadas que incluye la malvada pero hermosa madrastra. está centrada en un adolescente con el síndrome de Asperge que se refugia en un universo propio de videojuego para huir de la hostilidad de su entorno. se filmaba mejor. tres. y a la vez capaz de trascender la mirada de vocación documental para construir una fábula de épica cotidiana que recuerda al mejor Kiarostami.. historia de una "abuela coraje" con doble vida. actriz y compañera sentimental de Olivier Assayas.REALIDADES PARALELAS También deambularon por las pantallas de Gijón diversos personajes que construyen sus propias realidades. en sección oficial. asume la herencia de Ken Loach al tiempo que reproduce sus peores defectos. contra Thatcher. nos presentaban un nuevo cine francés alejado de los referentes habituales y desconocido en nuestras pantallas. debuta como directora con Tout est pardonné. donde lo de tedio pesa más que lo de existencial. uno de los mejores filmes vistos en el festival.grotesca y escalofriante que emerge de una Rusia profunda.. n° 7. el director de Irma Palm (véase crítica en Cahiers-España.. 2007) que alcanza sus mejores momentos cuando explota. Tramposa en grado sumo. donde propone una interesante experimentación formal a través de la construcción de una narrativa audiovisual a partir de capturas de vídeo para reincidir en la cansina búsqueda de un supuesto eterno femenino que quiere destilar por acumulación y justificar con recurrentes referentes literarios."the next big thing"de los mentideros más cinefilos. sin intentar emularlo. un mockumentary sobre los efectos colaterales de una dictadura obsesionada por la imagen. El protagonista de Hallam Foe también tiene serios problemas para discernir realidad de ficción. Ben Xecha a perder. Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas se meten de lleno en las entrañas de la comunidad raramuri en Cochochi (premio FIPRESCI). que se mete a pajillera para salvar a su nieto. 2007). Como ya hizo en Young Adam. de producción británica (Friends Forever). de una forma tan bressoniana como brossaniana. el de ¿Dónde está la casa de mi amigo?. de Nic Baltasar. por su lado. A Short Film About the Indio Nacional. quiere construir una realidad cuyas coordenadas no son el tiempo o el espacio. . El joven filipino Raya Martin. Leonid Rybakov prefiere tirar del humor en el corto ganador (Stone People). Aunque Meadows no es tan engatusador como Sam Garbaski. en México. la poética de los objetos. reconstruye la historia de su país reescribiendo parte de la historia del lenguaje cinematográfico en la estimulante A Short Film About the Indio Nacional. Las últimas obras representantes del cine británico contemporáneo nos recuerdan que. entre ellos el tono sermoneador. David Mackenzie apuesta por una historia con un punto desasosegante y . También j u e g a a construir su propio Imaginario José Luis Guerín en Unas fotos en la ciudad de Sylvia. por su parte. diciembre. del argentino Ariel Rotter.

ROBERTO CUETO . Por otro. en la que Donald Maclntyre otorga el protagonismo al jefe local de la mafia de Manchester. apologías de un metal que no es factor de deshumanización. junio. es uno de esos tipos humanos a punto de desaparecer que bien se merecen ser inmortalizados en celuloide. el argentino Nicolás Prividera también demuestra en M cómo la estela de la dictadura argentina se alarga hasta la actualidad a través de un aparato burocrático que impide cualquier prospección para seguir el rastro de los desaparecidos. Shinya Tsukamoto. A primera vista también podría parecer un documental de personaje el film Santiago. más bien sigue los caminos de Philippe Garrel en una película de amor y droga que se despliega con libertad y frescura. la segunda gracias a una delicada fantasía erótica que subvierta el solipsismo masculino. director homenajeado en esta última edición con libro y retrospectiva. Joao Moreira Salles. narrativa y ambientalde la música es inmejorable. número 2.. funciona como una de las propuestas audiovisuales más hipnóticas del año. M consiguió una mención especial de un premio de nuevo cuño. vocación de reportero de los de antes: se mete donde nadie quiere entrar. con míniNightmare Detective. Prividera busca datos de su madre arrebatada cuando él era pequeño. explicó que su carrera podía entenderse desde una concepción muy "oriental": trabajar siempre con los mismos elementos. La France también significa el debut en el largometraje de Serge Bozon con un Insólito film de guerra donde faltan las batallas pero existen encantadores interludios cantados. 2007). Y lo mismo pasará con La Question humaine si nadie lo remedia.. por un lado. de Shinya Tsukamoto se descubre más interesante que su hermano Walter por su capacidad de darle una vuelta a su propia película y acabar construyendo una reflexión precisamente sobre la dificultad de realizar un documental de personaje. Como sucede con Kim Ki-duk. donde parece haber adaptado la ¡dea que lleva a cabo Marjane Satrapi en su cómic Bordados: seguir las charlas en el ámbito doméstico de un grupo de mujeres sobre temas como la guerra o la familia. hoy por hoy. su cine es también una redención autobiográfica: la furia ciega que encuentra la luz en lo femenino. El director de Ghosts of Cité Soleil (Asger Leth) tiene. La ganadora fue A Very British Gangster. consiguieron arrastrar a Tsukamoto al redil. pero terca como ella sola. reflexiona sobre la historia pública de su país en títulos como Seule avec la guerre. Su protagonista. mas variaciones. de Mía Hansen-Leve Camino de perfección En la rueda de prensa que concedió durante su visita al Festival de Gijón. Era una obra rabiosa. Bullet Ballet (1998) y Snake of June (2002) siguen siendo sus más hermosas películas. Una de las revelaciones del Festival de Cannes de este año (véase Cahiers-España. Pero su director. Danielle Arbid. en la que la utilización -dramática. aunque al final se quiera redondear demasiado. Pero no todo está perdido: entre sus convenciones aún palpita la Ironía y la mirada alucinada de uno de los fenómenos más insólitos del moderno cine nipón. Ni una película de encargo más disciplinada como el feliz divertimento Hiruko the Goblin (1991).La joven cineasta no pretende parecerse a Assayas. Tetsuo II: Body Hammer(1992). Es cierto que. que en sí mismo suma y supera los aspectos más carismáticos. cineasta libanesa a quien se le dedicaba una retrospectiva. documental que se construye sobre la marcha con las ventajas e Inconvenientes que ello conlleva. Tsukamoto parece haber sucumbido a las redes del sistema: Nightmare Detective (2006) y la secuela que ya está preparando son descaradas aportaciones a la moda del J-Horror. Tout est pardonné. pero se pierde en el dedálico entramado institucional que fomenta el olvido. porque materializan ese objetivo de perfección: la primera a través del enfrentamiento responsable al dolor. Sus personajes hablan por ellos mismos. La pareja Nicolas Klotz (director) y Elisabeth Perceval (guionista) no son ni mucho menos unos recién llegados a esta profesión. buscando un ideal de perfección que sólo se logra con la tenaz perseverancia del artesano. el que reconoce la mejor película de "No ficción/documental" de todo el festival. que ya demostraba su reticencia a cualquier docilidad ante el sistema. más allá del calado de su reflexión se fondo. de Los Soprano a las películas de Guy Rltchie. reivindicación del sexo como vulneración de anquilosados códigos sociales. un mayordomo con clase que ha dedicado parte de su vida a escribir una historia mundial de la aristocracia. ni una secuela de Tetsuo ya en color. en el barrio más bestia de Port-au-Prince y filma a destajo sin cuestionarse la ética de su encuadre. la película plantea el enlace entre el nazismo y as prácticas del neoliberalismo económico a partir del uso de un mismo lenguaje en una película que. solitaria. le gustan los esquemas clásicos de la narrativa y encuentra un par de hermanos enfrentados políticamente que le sirven de hilo conductor dramático de su documental sobre el lado más salvaje de Haití Vocación parecida es la de Jerome Laperrousaz cuando se mete en los suburbios de Kingston (Made in Jamaica) para filmar protagonistas y alrededores del movimiento reggae y del dancehall. sino propulsor vital. pero en un formato totalmente diferente. Han pasado casi veinte años desde que aquel poema cyber-punk titulado Tetsuo (1989) provocara un movimiento sísmico en la plácida existencia de los asiduos a festivales de cine fantástico. humanos y villanos de los últimos personajes de ficción mafiosa. Es posible que Tsukamoto solo pueda expresarse con auténtica libertad en un cine que roza la práctica y la estética underground: cantos a la belleza del hombre mutante. Su posterior filmografía ha sido subterránea. juvenil e irreflexiva. Y también practica una mirada a la historia privada en Conversation de salon. NO FICCIÓN O DOCUMENTAL Con un discurso parecido al de La Question humaine. pero su cine permanece casi invisible entre nosotros.

Laperrousaz lo muestra pero sin molestarse en rascar más adentro. slackers.) y se salda con menos gracia de la esperada. geeks. por ejemplo. O aunque sea en una chatarrería. Vida y muerte. Afortunadamente. Rodados entre 1991 y 1995 para la BBC. Steve Buscemi también pincha con su tercer largometraje como director. y ni él mismo consigue recuperarse con esta repesca de los personajes de Henry Fool liados en una trama de espionaje internacional en la que Incluso aparece.. que cubría la cuota de película-shock del festival al seguir las tropelías de una pandilla basura de cabezas huecas que monta un grupo de punk-rock. asentado finalmente en Londres. siempre nos quedará el inagotable talento visual de Wes Anderson. de la serie de ciclos en torno a los "nuevos cines" de los años sesenta. en conversación con su madre o debatiendo el asedio de Sarajevo.. Interview (véase crítica en pág. del belga Koen Portier. el Cinema Nuovo brasileño.. uno de los que nos hemos quedado sin ver en Gijón. la mala noticia ha sido la clausura. Querer recuperar a estas alturas a Hartley para el cine es como intentar resucitar a un muerto: sus películas hace demasiado tiempo que perdieron su brío y frescura. Eagle vs. 30) UNA MALA NOTICIA En una edición donde se han multiplicado las pequeñas retrospectivas (a falta de un gran nombre a homenajear). con el repaso al nuevo cine alemán. fórmula que trasciende el recurrente cicloretrospectiva del que parece que no pueden escapar los festivales. nacido en Polonia. criado entre Inglaterra. miseria y genio musical. Quizá en esta ausencia de identidad nacional radique la confianza que uno y otro concedieron al realizador. uno enfrascado en una guerra con la que imponer sus ideales y borrar del mapa al enemigo. Vida y muerte de un cantante. violencia y espiritualidad. Dostoevsky's Travels From Moscow to Pietushkí. surcando el Volga o en el hotel de lujo en el que se instala en su viaje a Estados Unidos. El nacionalismo de ambos choca con un Pawlikovsky apátrida.. y confiesan con total crudeza y sin ningún atisbo de rubor su peligrosa ideología. pero no es ésta una característica que se le pueda reprochar a. pero sin llegar a la altura. resulta pertinente el calificativo de "tragicómicos" que el propio Pawlikovsky le asigna a este grupo de documentales: una tragicomedia protagonizada por un escritor de culto sumido en el alcoholismo y asediado por el cáncer.. Nosotros preferimos la compañía del escritor Yerofeyez en los días que preceden a su muerte. se desnudan ante Pawlikovsky. como Zhirinovsky. Italia y Alemania. Los organizadores aducían el agotamiento de cinematografías con el suficiente empaque para justificar una retrospectiva. ni tan siquiera de la nueva versión firmada por Kenneth Branagh. EL CADÁVER DEL CINE INDEPENDIENTE NORTEAMERICANO El retorno de Hal Hartley a las pantallas comerciales con Fay Grim ya no es una noticia a destacar. Por su parte. From Moscow to Pietushkí.. un conductor de tranvías que resulta ser el último descendiente conocido de Dostoíevsky y dos líderes nacionalistas que parecen cortados por el mismo patrón. Siguiendo con el documental con argumento musical. en particular sus retratos de dos personajes tan siniestros como Radovan Karadjic y Vladimir Zhirinovsky. conciertos cumbre.. Shark. Pese a la gravedad de alguno de ellos. podría pasar por norteamericana..Joe Strummer. una aproximación a la celebración de la fiesta patronal de los emigrantes bolivianos en Argentina que mira desde el umbral todos los preparativos para la gran celebración. pero viene de Nueva Zelanda: se inscribe en la corriente de películas centradas en cualquiera de las diferentes variantes del freak (nerds. o viajar y flipar con Dimitri Dostoievsky en su tournée por Europa Occidental a costa de su tatarabuelo. de Taika Cohen. Tanto Karadjic.. La película es tan mala que no consiguió remover ni la Indignación. Esperemos que el festival retome este formato de ciclos de largo recorrido acompañados de libros de consulta obligatoria. de Julien Temple mezclando misticismo y machismo. de Jason Reiman (véase crítica en pág. Bono o Martin Scorsese). Serbian Epics. También con excusa musical se presentaba la ficción Ex Drummer. También podemos deducir un cierto miedo a acercarse en la mirada observacional que aplica Martin Rejtman en su Copacabana. la gran singularidad de la obra de Pawel Pawlikowsky presentada en Gijón radica en sus mediometrajes documentales. entrevistas a familiares y conocidos (que valientemente Strummer no acredita. En cambio explota mucho menos aquello que convirtió The Filth and the Fury en uno de los hitos del género: la utilización de metraje totalmente ajeno a la historia para enriquecer sus lecturas metafóricas. un film demasiado sumiso a la típica estructura de estas películas: evolución del personaje. intentando reunir el suficiente dinero para comprarse un Mercedes. JAIME PENA . a quien incluso se le perdona que no consiga calado dramático en Viaje a Darjeeling (véase crítica en pág.. de Pawel Pawlikowsky y Tripping with Zhirinovsky constituyen auténticos frescos del estado de confusión en el que se sumió la Europa del Este tras la caída del Muro de Berlín. Julien Temple rinde tributo al líder de The Clash en Joe Strummer. y el otro (la diferencia no es baladí) en plena y disparatada campaña electoral. aunque no resulta difícil reconocer a Jim Jarmusch. remake del film homónimo de Theo van Gogh que plantea un duelo de representaciones al estilo de La huella (Mankiewicz). 37).. ¡un trasunto de Bin Laden! Lo que se sigue llamando cine independiente norteamericano encuentra su peor expresión en películas como la sensiblera La vida sin Grace y su mejor en Juno. Aunque sea de segunda mano. EULÀLIA IGLESIAS Tragicomedias Sin menospreciar sus tres trabajos en el campo de la ficción. si bien. 38).

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en definitiva. en aquellas que figuran como tales en el registro anual de producciones que ofrece el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA). con ello. los sistemas de subvenciones ministeriales y de financiación por parte de las televisiones. en primer lugar. d i s t r i b u c i ó n . pero también. aquellos que no llegan nunca a las salas comerciales. y sobre los que estas líneas pretenden trazar un mapa general.299 registradas en 2006. Son los espacios donde residen las cintas aisladas del público. Esta tendencia al alza se revela paralela también al paulatino aumento del número de pantallas (con la invasión del mercado por parte de P r o d u c c i ó n vs. la segunda encuentra dificultades significativas para asegurar una rentabilidad considerable. que de un modo general responde a criterios comerciales herméticos.500 en activo en 2000 a las 4. cómo el número de filmes no estrenados en España crece de año en año desde 2000. El alejamiento. que establece las coordenadas de un panorama cinematográfico y de exhibición en pleno cambio y movimiento constante. Como señala el boletín Mundo fantástico. de un film se encuentran en la base explicativa de buena parte de los procesos que influyen en esta evolución actual del sector audiovisual español. el acceso a una realización de presupuestos ajustables. donde aproximadamente un 7% de la producción anual (porcentaje obtenido con los datos de los años que van de 2000 a 2006) se mantiene al margen del sistema. Empezando por el binomio producción-distribución. que han pasado de un total de 107 largos registrados por el Ministerio de Cultura en 2000 a los 150 de 2006 (la cifra más elevada de los últimos veinticinco años). progresiva y en paralelo al aumento de las cintas que se producen. los filmes inaccesibles e invisibles. La labor de organizar y compartimentar este enmarañado. pasando de las 3. y esencialmente. de escaso riesgo y alta predecibilidad. quedan obviamente grandes vacíos. Son las únicas sobre las que existen datos estadísticos. Lo hace además de forma mantenida.El cine español que no se estrena Películas invisibles y subterráneas E ntre los resquicios de un sistema de distribución y exhibición irregular y complejo. en el que. Influye en esto el empleo generalizado de la tecnología digital y. los conflictos de intereses y desfases que protagonizan las relaciones entre los diferentes sectores que intervienen en la carrera comercial los multicines). al menos en un primer momento. SIN DISTRIBUCIÓN COMERCIAL . de Max Lemcke (2004) PELÍCULAS PRODUCIDAS DE 2000 A 2006. Un repaso numérico. mientras la primera resulta cada vez más sencilla y asequible. sirven de termómetro general y ponen de manifiesto. amplio y heterogéneo elenco de películas obliga a centrarnos.

afectando de forma definitiva a sus posibilidades de estreno. antes o después. afirma Adolfo Blanco. Lanzar una película española cuesta de media entre 600. en opinión de muchos. Lo vivió en propia piel con su film Mundo fantástico (2004). lo han hecho este año sólo por una película. Después . Zero/lnfinito (2002). las localizaciones encontradas o accesibles. inusual y prácticamente inexistente. la película resulta rentable por el simple hecho de realizarse". la pérdida de beneficios es tal que no merece la pena asumir el riesgo". presidente de Notro Films. por sus valores estéticos más allá de su repercusión comercial inmediata. Reside aquí. un Importantísimo porcentaje de las películas no estrenadas en nuestro país corresponde a todas aquellas autoproducciones que. "La colaboración de compañeros y amigos es igualmente esencial en este tipo de producciones".del ICAA para el año 2006: "El aumento de la producción de los últimos años se debe al incremento de la dotación del Fondo de Protección para la concesión de ayudas y a la participación de las televisiones en la financiación de las películs". afirma. Tanto que. La enorme proliferación anual de pequeñas productoras. Mientras. no sólo su estreno en salas. director de fotografía y productor. más cerca de una idea del audiovisual como arte o como poesía que como entretenimiento masivo: "Hace años que me refiero a mi trabajo como Anticine". En cuanto a la financiación. ni el éxito en Javier Aguirre. Más allá de la industria Realizador. y como reflejo Inverso de esta situación. y su desaparición casi inmediata. "En un circuito de exhibición reducido y conservador como el nuestro. es al distri- buidor al que corresponde arriesgar (si decide hacerlo) esa inversión: "Jugándoselo todo en la taquilla". su aportación al interés cultural". cosa que ocurre en muy contadas ocasiones". Y añade: "En caso de llegar a estrenarse y si el film no funciona bien. Variaciones 1/113 (2003). sostiene. explica Adolfo. concluye. inminente ni casi siquiera imprescindible. guionista. Entiende que no encuentren un espacio y llega incluso a reivindicarlo: "Como dijo Octavio Paz en una ocasión. uno de los conflictos esenciales de esta industria: "Cuando la financiación se destina en exclusiva al proceso de producción. salas alternativas y hasta en museos. las películas han podido hacerse (mínimamente) visibles en festivales internacionales. pocos son los espacios donde películas que siguen este esquema de producción encuentran una salida". desde Notro.).. son las subvenciones anuales del Ministerio de Cultura. los actores desconocidos.000 euros: "Cantidad tal que pone muy difícil las cosas al distribuidor para estrenar cualquier cinta que no sea una grandísima película. sobre el que abandonó hace tiempo toda Intención de buscar un estreno. concluye Adolfo Blanco. explica. ni el respaldo de producciones anteriores (esencialmente cortos). Se declara un rara avis del panorama cinematográfico nacional y todas sus últimas películas figuran. "quejando en un segundo plano. Javier Aguirre hace tiempo que abandonó el cine más comercial para dedicarse en exclusiva a sus experimentos fílmicos. optando por la Inversión en guiones y el seguimiento completo del film como posibilidad única para asegurar el rendimiento. No por casualidad. En estos casos. La dispersión de la luz (2005) y Medea 2 (2006) no han pasado por sala comercial alguna: "Mis películas no encajan en el modelo de cine industrial". afirma Max. en su sección de cine experimental (a fondo perdido). prefiero dos lectores que se identifiquen totalmente con lo que hago que dos mil gritando gol". Defiende un cine sin fecha de caducidad y confía en ser reconocido. Bajo las estrellas (Félix Viscarret). sino también su visibilidad y. declara Adolfo Blanco. Son los espacios donde Javier Aguirre prefiere exponer su trabajo. "Lo más preocupante de esta situación es que la nueva Ley de Cine no aporta ningún cambio en este sentido y sigue dejando desamparado al sector de la distribución". las que le permiten mantener una continuidad. añade. La situación ha generalizado así una proliferación y abundancia de distribuidoras que ejercen también de productoras (y viceversa).000 y 700. Autoproducción. no consiguieron cerrar un buen contrato con ninguna distribuidora. En opinión del realizador y productor Max Lemcke. Si la productora no dispone de medios suficientes para hacerse cargo de los gastos de lanzamiento y promoción del film. aunque resulta cada vez más fácil organizar un programa de producción adaptado a los medios (jugando con las posibilidades de los equipos digitales y reducidos. Voz (2000). El estreno de sus cintas no constituye para él un objetivo urgente.. festivales. Apostar como distribuidor por una película ya producida resulta enormemente incierto. con el film terminado. ni tan siquiera una gran repercusión Internauta pueden asegurar el estreno de un largo autoproducido. la fórmula off industria acaba por determinar el estilo del producto final y el recorrido comercial de la película. en definitiva. casi cada año. es un síntoma más de la misma situación. entre los títulos no estrenados de los que registra el Ministerio de Cultura.

Mientras. el realizador Carlos Atañes ha encontrado una salida para su film nunca estrenado FAQ: Frequently Asked Questions. Y a éste le da igual que la cinta sea española o no: si da dinero continuará en cartel.L).. afirma. independencia y profusión. concluye Eugeni. También se incluyen en este grupo alternativo de filmes inaccesibles todos los que. consecuencia ulterior del sistema de Metropolitan (Salomón Shang. apostando por la diversidad creativa y la apertura de miras que suplan las faltas de un sistema de exhibición comercial reducido. se topará con el exhibidor. Barcelona). la distribución (Indisa) y hasta la exhibición (cines Casablanca-Kaplan. "La exhibición. un interesante homenaje al realizador José Val del Ornar. majors al margen". la producción (Kaplan S. Sin embargo. focalizando en torno a sí la realización.com. concluye. salvo excepciones. ese reducido sector de filmes catalogados como "experimentales". Un conjunto de realizaciones inaprensible (contando siempre sólo aquellas cintas que figuran en la base de películas del Ministerio de Cultura) entre las que. Álvaro Zapata. de Eugeni Bonet. más escurridizo que ningún otro. Román y P. Una situación que explicaría la imposibilidad de un lanzamiento comercial para sus largos Metropolitan (2001) y Después de la luz (2002). Una propuesta adolescente que promueven a la caza y captura de la soñada distribuidora a través de la web: www. Responden a lo que se denomina "estreno técnico". Puede denominarse así un último conjunto de cintas. si no. Películas subterráneas. concluye. se estrenan muchas películas de las que se podría prescindir". se la quitará de en medio". Internet destaca como portal para la promoción gracias a sus particularidades en economía de acceso. un presupuesto medio que entra en los límites asumidos por la industria y el soporte de actores famosos.com la película se ha puesto ya a la venta en formato DVD. Desde su visión privilegiada y de conjunto ofrece un análisis más optimista de la situación: "Hace ya tres años que se empieza a sentir una apertura en el tradicioOtras cintas invisibles. a los que corresponde la tarea de llevar el cine más allá de cualquier límite. subvenciones. Gracias al impulso de la visibilidad en la red. No son los únicos. nacionalidades. En www. Salomón Shang ofrece un punto de vista particular a este respecto. como última cuestión esencial a tener en cuenta. De todos ellos. consejero delegado de la productora y distribuidora A. el film figurará en poco tiempo entre los títulos del portal digital en Internet Filmotech. como el cine de Val del Ornar. explica. que funciona como trámite dinamizador de los mecanismos que permiten concluir el proceso de financiación externa. todo ha sido más fácil". Y justifica así la aparición de nuevas distribuidoras interesadas en producciones más pequeñas o independientes: "Cierto cine alternativo que antes no podía ni respirar y que encuentra ahora pequeños oasis: ciertas salas que son capaces de cuidar este tipo particular de productos". la experiencia sirvió y Max estrena ahora. lo que conlleva una actual pérdida del control del mercado: "Se estrenan demasiadas películas y. El film. pero es una pena que no exista en España una mayor demanda ni una distribución alternativa que se interese de verdad por este cine". Maqueda. desde su punto de vista hay muchas más pantallas de las que se necesitan. Aparecen aquí. 2001) Tira tu reloj al agua (Eugeni Bonet 2005) nal monopolio de las distribuidoras. que sin figurar en la lista oficial de filmes del Ministerio de Cultura. actores o directores. no entiende de calidades. tras su paso por el Festival de San Sebastián. los programas de intercambio de archivos o ciertas ediciones en DVD. limitado y poco representativo. afirma el propio Eugeni. coquetean con el videoarte o se encuentran en el cada vez más tenue terreno fronterizo que separa la sala de cine de la del museo. que una muy buena parte de las películas españolas no estrenadas corresponden a Intentos fallidos. son rescatadas. la red internauta. divulgadas o puestas en valor por determinados festivales. una producción de 2004. sobre todo.sebuscadistribuidora. afirma. y la mejor suerte de su producción posterior (muy numerosa). Apreciaciones de calidad aparte. no ha sido nunca estrenado: "Se aparta de lo comercial. pruebas frustradas o simples insolvencias. contando con la financiación de una televisión. comenta a propósito del último eslabón en la carrera industrial de un film: "Suponiendo que la película llegue a estrenarse. es posible encontrar así curiosas propuestas como la de P. salas alternativas. Zeta Cinema. Un film que parte de otras premisas: "Confiando la producción a otra empresa. estudiantes de Comunicación Audiovisual que se lanzan a la realización en formato digital con Billy Freud's Last Night (presentada en el XII Festival de Cine Experimental de Madrid). La única salida plausible hoy es su edición en DVD: "Pero es una pena que no pueda verse en su formato original y en pantalla grande".. financiado con ayuda del Ministerio de Cultura y la colaboración de la Diputación de Granada. el largo Casual Day con más de 100 copias.faqthemovie. Sólo responde a la recaudación". Conviene recordar también y ya para terminar. JARA YÁÑEZ . además de las del cineasta Javier Aguirre. Exhibición. cuentan con un global de espectadores irrisorio (de 15 a 30 personas). que se acercan a la vanguardia en un sentido artístico. entre otros. que ha pasado al completo por los cines en los últimos años. destaca Tira tu reloj al agua (2005).de llevar la cinta a diferentes festivales internacionales y sin posibilidad de conseguir un pase televisivo o una edición en DVD. a pesar de figurar como estrenados. Son canales alternativos e ineludibles para el conocimiento y el suministro de estos materiales ocultos.

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definida por lo digital y las nuevas tecnologías. igual en la economía del gran espectáculo (con sus enormes lienzos para consumo masivo) que en la lógica del cine de autor. Con la moderación de Pedro Medina (en el centro) y la participación de Isaki Lacuesta. tanto en las prácticas de resistencia que prescinden del circuito comercial clásico para encontrar acomodo en la red o en el museo. se encuentran en todas partes. en la que el cine y sus imágenes pierden progresivamente el centro. insistía en que la pregunta decisiva. El encuentro tuvo como complemento adicional la celebración de una Muestra de Cine y Audiovisual Contemporáneo ("Imágenes mutantes"). afecta a la relación con lo filmado tanto como a los dispositivos de proyección. las prácticas espectatoriales y los hábitos de acceso a las imágenes. Se diría que todo nace de un impulso y una constatación. etc.SIMPOSIUM JOINAC 07: El futuro del audiovisual a debate en Valencia Cine ¿arte del presente? E n estas mismas páginas. un evento acogedor y excelentemente organizado. Por otra parte. Las nuevas imágenes. Javier Rebollo y Eduardo Guillot . Se trata de un escenario complejo que. sobre la necesidad de ceñir el debate cinematográfico a reflexiones concretas en torno a aspectos relacionados. como se ve. de una nueva época. Estructuras. entre otros. tantos años después. cerrada con la presencia de Bigas Luna. la carta o el ensayo cinematográficos. La abundancia de éstas obliga a plantearse la formación de los espectadores e incluso el papel de la crítica y las publicaciones sobre cine. con la difusión. fruto de la iniciativa de José Antonio Hurtado y Carlos Losilla (véase artículo suyo en pág. nos dijo. Materia sustancial y tangible. la crítica. Julio-agosto. 93). creación y crítica) y en un mapa de interrogantes bien esbozado en la conferencia inaugural por Carlos Losilla. dispositivos electrónicos. Domènec Font. pareja de baile que bajo el paraguas valenciano del IVAC-La Filmoteca (del que es programador el primero) se resiste a abandonar a su suerte Mesa redonda sobre el corto. En el seno de la industria los discursos se transforman bastante menos que los parámetros que la definen. tal como nos mostró el pertinente ciclo paralelo de proyecciones. n° 3. la enseñanza. al hilo de su crónica del MICEC de Barcelona (Cahiers. José lo que queda del cine. como en el trabajo íntimo del diario. La constatación cuenta el advenimiento definitivo. La cuestión se declinó juiciosamente en una serie de ámbitos específicos (industria. videojuegos. Ha sido un primer paso provechoso. Internet. que quiere entender por qué el público no responde ahora en la Filmoteca Valenciana. seguía siendo la eterna baziniana: ¿Qué es el cine? En las JOINAC 07 ha habido indicios de que quizás lo pertinente se encuentre en una especie de tensión dialéctica entre ambos puntos. y al parecer durable. Se oyeron Enrique Monterde escribía. sobre todo los más jóvenes e incluso los presuntos "nuevos cinéfilos". etc. el director de aquel certamen (híbrido y reflexivo como éste). El impulso proviene de Piti Hurtado. confundidas entre tantas otras accesibles a través del DVD. 2007). Koldo Almandoz. difusión cultural. Las imágenes mutan. los mecanismos de exhibición. en suma. pedagogía.

Domènec Font.. relativizar la primacía de los estrenos y acentuar la perspectiva crítica y formativa. como el de Xcéntric. sobre todo. el creciente desinterés del espectador por el cine en televisión y su sustitución en las cadenas por las. La escuela como el buen lugar en el que se hacen progresos y del que se sale. Como contrapunto se habló de modelos alternativos de programación. el cine como el mal lugar al que se regresa y del que no se sale. Por este flanco se coló otro tema Interesante. Coincidieron en lo esencial sus colegas representantes de instituciones universitarias. imprecaciones contra el enemigo americano. que nos mostró cómo profesores y personas vinculadas al cine lo acercan a niños y jóvenes desde el visionado de fragmentos y. FRAN BENAVENTE lamentos conocidos. El valor del gesto. como constató un exhibidor independiente. De los debates cruzados se dedujo la necesidad de redefinir el concepto de actualidad. que considera al alumno en tanto que cliente y potencial consumidor. llegó la crítica. El saldo total arrojó nuevos interrogantes. se impondrá el modelo más rentable. Sin embargo. como tantas otras veces. y de las filmotecas. en la diversidad y. invita a la deserción del respetable hacia plataformas menos enojosas. introdujo temas de interés como el retraso español en materia de tecnología digital (notablemente en el equipamiento de las salas de proyección) y constató la ausencia de una legislación adaptada a la situación actual.. Aprender. más propia de la . En este sentido. la práctica creativa. Salvador Augustín. Los cineastas que trabajan en formato corto (Isaki Lacuesta. como el DVD.) vinieron en su apoyo. un campo de posibilidades todavía por explorar. Núria Aidelman. Perplejidad y desconcierto que Iluminan líneas de reflexión. dijeron. ex-responsable de contenidos de TVE. la transformación se aplaza y los espectadores. sobre todo. el concepto mercantil de la enseñanza superior. que denunciaron la falta de modelos educativos claros y. Abrió. en el movimiento y la elección. Ríos. Gonzalo de Lucas.. especialmente cuando es el cineasta el que participa directa y específicamente en el concepto expositivo. La mostró como un ligero retoque de la previamente existente e ilustró sobre el combate de las televisiones privadas para librarse del lastre de las cuotas de inversión en producto nacional. Oímos sobre transmitir el deseo del cine o considerar la programación como montaje en el que una película puede iluminar a otra. proliferan multitud de festivales de cine con notable éxito. series de ficción. Otro "canal" nuevo es el del cine en el museo. Lo que se plantea ahora es la conveniencia de la escuela para regresar al cine. Fue Serge Daney el que nos habló de la pedagogía godardiana. Hubo diversas propuestas: desde la necesidad de recuperar la perspectiva ontológica y centrarla en el dispositivo de proyección y la experiencia colectiva para definir el cine (Vicente Domínguez) a la reivindicación de la herencia Daney y la voluntad de pensar las Imágenes del cine contemporáneo en el marco de una imagen totalizadora que nos ofrezca un mapa fidedigno de nuestro mundo (Eugenio Renzi. la necesidad de introducir el cine en la escuela para educar en el deseo. sobre todo. los representantes de las empresas tecnológicas vinieron a iluminar sus palabras con sencillo lenguaje de power point. el mejor negocio. Carlos R. el trabajo de equipo. Este dispositivo ofrece problemas pero. que a duras penas sobreviven. Acusó a las instituciones de dejar la revolución digital en manos de las majors americanas y de carecer de interés por el cine. En este proceso. En todo caso. Los directores de los festivales (José Luis Cienfuegos. Al tiempo que los espectadores desisten de las salas en versión original. defendió la artesanía íntima de los nuevos Instrumentos digitales cuando habló como creador. Lo presentó su codirectora. no encontraría lugar en las pantallas. la atención por las cosas son algunas de las cuestiones que aprenden niños y adolescentes en el precioso proyecto "Cinema en curs". con estimulador optimismo. también. y desempolvó a Langlois al departir como programador. no el más adecuado ni racional. al parecer más rentables. Javier Rebollo. Eduardo Guillot. Incitó a un replanteamiento de la correlación de fuerzas y a un pensamiento sobre y desde las imágenes que tome en cuenta la situación y nos sirva de brújula crítica en esta galaxia tumultuosa. anatemas contra la piratería y ruegos a la administración. Modos de ver. como el proyecto "Detrás de la cámara" o las Iniciativas de Drac Màgic Santos Zunzunegui constató la pérdida de centralidad del cine en el universo múltiple de la Imagen compleja. sobre todo.) defendieron su función: atraer público aunque sea a cambio de vestir su actividad con oropeles Los debates de las JOINAC contaron con la intervención de los asistentes lúdicos y servir de plataforma a un cine que. Preguntas que reverberarán en futuras ediciones.. donde sí crecen las pantallas y florece la tecnología. el melón de la enseñanza superior para tomar partido por una distinción clara entre el ámbito del aprendizaje de las prácticas profesionales y el de la reflexión teórica de hondo calado. Es un hecho que muchos atribuyen a la lógica de espectacularización y a la política del acontecimiento. molidas a golpe de publicidad y programación disparatada. Entre tanto. abandonan la sala camino del salón. Días más tarde se aventuró que el maltrato de las películas en la pequeña pantalla. productora y distribuidora. de Cahiers du cinéma). También se presentaron otros modelos.universidad. recordó que la televisión es la principal fuente de financiación del cine y abordó la espinosa cuestión de la Ley de Cine. de otro modo. Al final. Mariel Guiot.

la decisión vital de cualquier cineasta: ¿qué incluyo en cuadro. concretamente del Hitchcock de los años cincuenta Tras unos títulos de crédito que imitan a Saul Bass. se aplica sólo al contraplano. Un contraplano que (casi) no existe. escudados en el desconocimiento del idioma. de M. es el taller quien se expande. cuando la publicidad tradicional basada en el spot parece inocua. a causa de unas lluvias nocturnas. Aquí los subtítulos aparecen como una herramienta de poder en manos del director. Un contraplano que ofrecería. Eve MarieSaint e incluso Leo G. de Oscar Pérez Cine-ojo contemporáneo P ocas veces ocurre. la Imagen del director. los publicitarios de la empresa han optado por una nueva vía: la producción de un cortometraje anual a cargo de un cineasta de primera línea. Scorsese protagonista: Freixenet le produce un corto de unos ocho minutos. un contraplano. pero siones de un plano coin- mostrador.pero que ofrecería la imagen de los clientes con los que discute el sastre Mohammed. Mero divertimiento. casi fantasmal. La segunda. omnipresente en la película desde el momento en que usurpa el minúsculo espacio destinado a los clientes que dejan y recogen sus ropas. lo relevante de La clave Reserva es su carácter innovador en las insuficientemente estudiadas relaciones entre Cine (con mayúsculas) y publicidad. Sólo en dos momentos la cámara abandona las estrecheces del taller para girarse sobre sí misma y desvelarnos ese contraplano ausente. Contraplano ausente. a dónde van. Carroll. sino el mismo plano en una apertura mayor. una compañía productora de cava de ámbito mundial. mediante el rodaje de unas páginas perdidas del mismo. cuando el taller. desde el innovador lanzamiento de la "chica CORTOMETRAJE El sastre. introduciendo a famosas estrellas hollywoodenses en sus anuncios navideños. El arranque de esta operación tiene a Martin Scorsese como --ción de nuevas tecnologías o del mestizaje entre formas narrativas. o cuando los protagonistas. para retratarnos la calle en silencio y el sastre que llega a su taller. se construye una leve escena de suspense que culmina. cómo no. sobre cuya ausencia está construida toda la película. El autor de Taxi Driver ha construido una pequeña historia: se presenta a sí mismo como el cineasta dispuesto a completar un supuesto guión inédito de Alfred Hitchcock. mostrar una determinada botella de cava de la marca e introducir un brindis en la historia propuesta. Una licencia que no desvela sino que multiplica el misterio del inmenso fuera de campo de la película: de dónde vienen. Este sencillo leit-motiv le permite poner en escena un hábil y divertido pastiche hitchcockiano. sectores ya veteranos como la publicidad también se renuevan. Ahora. pues. y que pasa a formar parte de la trama interactuando (en sugerentes elipsis fuera de campo) con los personajes. y la cámara obedece a la mutación del espacio para abarcarlo en su totalidad. El plano casi único con el que Oscar Pérez construye El sastre se ajusta a la perfección a la anchura de la realidad que presenta: el angosto taller de un sastre paquistaní en el Raval barcelonés. rodado en Nueva York con el equipo por él escogido y con absoluta libertad argumental salvo tres pies forzados: incluir el término "reserva" en el título. comentan la posibilidad de que "el de la cámara" sea en realidad un policía secreta. puesto que ya en 1986 había realizado un spot de treinta segundos para Armani. omnipresente y también todopo- deroso. que traduce aquello que los protagonistas querían mantener en secreto. abandonan su estado gaseoso y sonoro. La primera. JOSÉ ENRIQUE MONTERDE Coartada publicitaria L a renovación en el marco del audiovisual no deriva exclusivamente de la apli- burbuja" en los años sesenta. para tomar forma corpórea. en el escenario del Carnegie Hall (reminiscencia del final de El hombre que sabía demasiado) y con sendos sosias (aproximados) de Cary Grant (el actor porta el mismo traje que aquél en Con la muerte en los talones). indignadas. pero ahora es otro asunto. Así. Ese giro no es. con el brindis con el cava procedente de la botella en cuyo corcho (recordemos Encadenados) está la clave del enigma y se cierra con obvias referencias a La ventana indiscreta y a Los pájaros. Freixenet. ha diseñado una nueva estrategia de promoción que se sitúa entre la tra- dición del spot publicitario y el mecenazgo cinematográfico.CORTOMETRAJE La clave Reserva. qué dejo fuera?. también. las campañas desarrolladas durante años bajo dirección del fotógrafo y cineasta Leopoldo Pomés sin duda se han alimentado básicamente del universo cinematográfico. una noche. queda completamente anegado y las ropas se secan al sol en una valla exterior. Siendo pioneros (al menos en España) en el desarrollo de la promoción navideña de su producto. quiénes son los personajes que desfilan delante de la cámara-ojo con la que Óscar Pérez filma la construcción y destrucción del documental contemporáneo a través del retrato de un simple sastre Conflictivo. GONZALO DE PEDRO en ocasiones las dimen- ciden exactamente con las di- mensiones de lo filmado. En este caso. misteriosas voces que sólo cuando saltan el . En casos así. Scorsese no es un neófito en el campo publicitario.

de E. emulando al mejor Jacques Tati. del que se proyectó en sesión especial La influencia) frente a un dogmático Juan Rivas (Multiplatform Content). House of Love. GERMÁN RODRÍGUEZ . Mumenthaler y D. Obviando las propuestas de siempre (que a modo de calco se repiten año tras año a la estela funeraria de los éxitos pasados). El fátum simplificado en olas que arrasan un castillo de arena. una poesía escrita con Imágenes. Mumenthaler y D. El gran premio del cine vasco (por un lado) y del español (por el otro) fueron a parar a las piezas más controvertidas del festival: Footnotes To A El segundo. Los entresijos de producción y el fracaso encarnado por una joven aspirante a actriz constatan la deconstrucción del cine como operador mítico. con ocasión del 25 cumpleaños de una emisora pública en euskera. se pusiera de largo sin apenas tiempo para que los ecos de la apocalíp- tica soflama "el cine ha muerto" de un estridente Peter Greenaway. Bien por el jurado. respectivamente. Epiney) se llevó el gran premio del festival de Bilbao y el premio Mlkeldi de Oro a dicha especialidad. Cine enarbolado. Lertxundi. del director marroquí Faouzi Bensaidi. por el tándem que formaban Carlos Reygadas y Pedro Aguilera (miem- Le Printemps de Sant Pone. y El niño y el mar. Más allá de la mirada uniforme Testigos de la resurrección A zares del destino han bro del jurado. Ruptura de las fronteras cinematográficas para invadir el terreno del videoarte. se disiparan del todo. un plano fijo. Futuro desolador si todos pensáramos como él. de L. Le Printemps de Sant Ponç (E. Película que se aleja del victimismo de corte sociológico definido por las expectativas de Occidente. El primero hilvana una serie de pinceladas a pie de página mediante la fragmentación (uso parcial del fuera de campo) y el plano general para convertir al noactor en no-personaje. En el campo de la animación.Zínebi 2007. el Sus film recorre e indistintamente paralelas. jurado incluido. verdaderamente interesantes. Piezas controvertidas. de paso por la ciudad del hierro/titanio. Hemingway de fondo con una clara alusión en el título. de T. El director vizcaíno ofrece todo un ejercicio metacinematográfico sobre lo que ocurre después de una película (representada de forma metonímica por el rodaje). Respuestas al academicismo imperante del cine formado parte del ciclo El baile de las musas. organizado por Santos Zunzunegui fuera de concurso. y que utiliza como materia prima sus voces y dibujos. Reposiciones como Le mystère Picasso o el bloque Miró-Portabella fueron citas ineludibles. en torno a los vínculos entre el cine y las demás artes. Epiney español. paciente. y en ese hueco emerge una reflexión: la necesidad de explorar nuevos horizontes. el valor de Zinebi reside en su apuesta por ese otro cine mas allá de la uniforme mirada comercial. Minucias aparte. Un claro exponente de las nuevas cinematografías de África y una propuesta a tener en cuenta. nadie sabe a razón de qué. De una pretendida realidad (estereotipada) a lo imaginario que tiene como base el individuo para finalizar con los grandes temas universales. Una propuesta que podría haber referencias ficas son constantes: desde el personaje casi mudo. a la invertida secuencia del transatlántico de Amarcord. cinematográgéneros historias El niño y el mar. Molina querido que la edición de Zinebi de 2007. de T. excesiva hasta para el más dispuesto a verlo todo. Molina. Se trata de un cortometraje suizo que versa sobre las Inquietudes de un grupo de personas con discapacidad intelectual. Tres días después de que el multidisciplinar galés exhibiera su espectáculo. hubo películas como Decir adiós. que sostiene como Indicador de calidad de una película su abultado número de espectadores. que ante- cede a la de su cincuentenario. Maniobra de la que sólo queda el referente del desierto californiano. Como si de una interfaz web se tratara. El ciclo paralelo "Seis miradas africanas" acogió el largometraje WWW (What a Wonderful World). de Víctor Iriarte (premio FIPCA / EGEDA). el festival contradijo su aserto a golpe de celuloide para deleite de aquellos que aún creemos que al cine le quedan muchos años de vida El encuentro no comenzó bien al proponer como virtud la plétora de cortometrajes. en las sesiones de Zinebilab. El palmarés da cuenta de ello a pesar del Intento de algunos por "patear" el festival.

y Automotive Action Painting. Resultó más interesante. la revisión nostálgica de la utopía comunista que el mismo autor propone en Once in the XX Century. Escamoteando también la dispersión espacial. y también de reposados travellings alrededor de los conductores. bien a través del reciclaje de sus archivos. en este caso para potenciar la asechanza ideológica del burócrata sobre el ciudadano.UU. en los antiguos países del Eje Soviético y en encla- ves abrasantes como Tel Aviv o la frontera entre México y EE. La progresión de los planos hasta que se llega al de conjunto. en la que George Barber disuelve la perspectiva. se proyectaron The Milkmaid. hilvanado mediante tres voces narrativas complementarias: las soflamas del Gobierno Continental.. y su mirada externa complementa y. La abstracción del dispositivo no logra en este caso convocar a los mismos fantasmas que emergían de La descomposición del alma (Toussaint y lanetta. Enclaustrada dentro de una "casa" el encuentro en un apartamento de Leipzig entre un funcionario de la Stasi y un informante civil. en algunos casos. 2006) sonoras de la naturaleza. de Antoine Boutet. que sirve como metáfora del clima de miedo y angustia que se vive en el mundo. que además conjuga perfectamente la quietud motriz del hombre y de su artilugio mecánico con las palpitaciones que ya no es la suya. puede leerse como epítome o prólogo a la porosa Naturaleza Muerta. por medio de sucesivos detalles. Y es que. Antoni Muntadas sí que termina por coger el pulso a las tensiones fronterizas entre México y EE.Séptima edición de "Cine y Casi Cine". y se encierra en ella. Se trata de un retrato de grupo de conductores de ríckshaw. para ofrecernos desde allí una visión general de la diáspora judía y de la historia de su familia en particular. un sutil cambio de sentido en torno al eje de la cámara puede proporcionar variedad y significado a una sucesión de entrevistas. sin embargo. como en aquélla. demostró un mayor realismo en cuanto a los derroteros de las grandes ideologías: una misión de colonización interplanetaria patrocinada por Alemania Oriental es interrumpida por un cambio de política. como las que propone el rastreador catalán. Transgrediendo artes plásticas. la incorporación del found footage fílmico y fotográfico al discurso subjetivo de los cineastas. Interkosmos. Se trata de otra obra mayúscula de la viajera y documentalista francesa. de Jia Zhang-ke. Vassileva Inspirado en el lienzo de Vermeer.UU. First Day of Spring es una Là-Bas (Chantal Akerman. 2002). al editar las imágenes sobre la retirada de la estatua de Lenin en Vilnius. y la fe suicida en la cinefilia. demuestra la sabiduría en la puesta en escena de este joven cineasta. Boutet profundiza en el análisis descriptivo de estos paisajes tóxicos y devastados. en el caso de no ser un mago de la transmisión oral como Chris Marker. la artista vallisoletana Dora García recrea en Zimmer. enriquece las excepcionales películas filmadas por Jia Zhang-ke sobre el terreno mismo. del rescate pionero de sus procedimientos de registro. otro fake de la muestra dirigido por Jim Finn. o bien a través del simple homenaje. han sido los vectores por los que discurrieron las más de cuarenta propuestas cinematográficas de "Cine y casi cine" en el Centro de Arte Reina Sofía. Gespräche (2006) Akerman o Wang Bing. las como frontepretende China Continental. Akerman sólo observa a sus vecinos a través de las rejillas de una persiana echada: es su película más personal y arriesgada. en el epígrafe Fear/ Miedo de su obra On Translation. SERGIO F. por el actor Donatas Banionis. Se trata de un Informe sobre el derribo de la civilización del territorio chino de las Tres Gargantas. Zone of Initial Dilution. un loop de la búlgara M. provocando una sintomática Identificación entre la angulación cenital y algunas de las expresiones no figurativas de la pintura. y la que se desprende de la opción del cineasta francés en cuanto a edición y puesta en escena. la lectura en voz autóctona del listado de aldeas y ciudades que resultarán anegadas tras la construcción de la presa. Chantal ras entre el cinematógrafo y las el MNCARS. quien en esta ocasión alquila una pensión del centro de Telaviv. Deimantas Narkevicius contribuyó a la muestra con una reflexión sobre el último capítulo de la novela de Stanislaw Lem Solaris. PINILLA pieza maestra filmada en Dhaka . quedando la expedición abandonada en el espacio. Chantal Akerman encabezó el cartel del Festival con el estreno en España del Betacam Là-Bas (2006). omitido en la película de Tarkovski y protagonizado. que en síntesis buscó respuestas a la cuestión capital de cómo desplazar la cámara para descubrir el espacio que la circunda. y acreedor de un sentido de la Ironía análogo al de Wes Anderson y al de las fantasías políticas que William Klein rodó a finales de los sesenta. en el MNCARS Vectores videográf icos L a disposición del termómetro geopolítico en las nuevas y vastas regiones de la por el cineasta hindú afincado en Londres Runa Islam. de manera que parece que la multitud en realidad celebra la colocación de la escultura. Dispersión espacial. ambientado en un parque de la ciudad natal del director y durante uno de los momentos de descanso de estos "taxistas". la que muestra más partiendo de un asumido entorpecimiento de la mirada La película de la cineasta belga demanda sin lugar a dudas un análisis pormenorizado.

el enorme avance que se ha producido en el ámbito del ocio digital ha venido acompañado. 2007). Full HD. adquirir un televisor Full HD es un desembolso caro e innecesario salvo que uno esté dispuesto a comprar también un Blue-ray o un HD DVD. de una guerra de formatos entre Blue-ray y HD DVD. Los expertos advierten. con una calidad excelente. No es necesario gastar mucho dinero: hoy día existen ya modelos básicos que disponen de ambos elementos. y que reproduzcan en una resolución de 1080p. por desgracia para el consumidor. innecesario. No obstante. ya que toda información transmitida entre dos medios digitales debe hacerse mediante cableado digital. diciembre. para quienes disfruten de un presupuesto más holgado y/o quieran estar preparados para el futuro. La toma HDMI es fundamental porque permite la transmisión entre equipos de datos digitales sin comprimir. de lo contrario. En próximos números abordaremos algunos otros temas importantes para poder manejarnos con un mínimo de sensatez en el ámbito del ocio digital. pues el único resultado será una merma en la calidad de reproducción. Y resulta aún más frecuente. mediante un único cable. que permita transformar las 576 del PAL hasta las 720p o 1080Í mediante un proceso de "llenado de imagen" por líneas ficticias. HDMI y escalador. CÉSAR IBÁÑEZ CHIARCOS . Lo cierto es que. la pérdida de datos que se produce refiere a calidad de imagen. de que la verdadera imagen en 1080p es enteramente apreciable en formatos de pantalla a partir de las 50 pulgadas. bien Blue-ray o HD DVD.CUADERNO DE ACTUALIDAD TECNOLOGÍA Consejos para la compra de un televisor El marasmo digital (2) C omo ya comentamos en nuestro número anterior (Cahiers. Como elección de pantalla plana. Por nuestra parte. Por otro lado. al comprimir y convertir la señal en analógica se traduce en un notable empobrecimiento de la calidad de imagen. un Full HD de resolución 1920x1080 equipado con escalador interno hasta 1080p es un magnífico candidato. y de ahí que prolonguemos ahora. optaría por un modelo de 37 o 42 pulgadas HD Ready con capacidad hasta 1080Í. en lo que se El trance es diferente si hemos acoplado el reproductor de DVD a la pantalla plana mediante cualquiera de los varios tipos de cable analógico del mercado (SCART o euroconector. lo que significaría descartar los formatos inferiores y. ahora mismo. para ver las actuales emisiones analógicas nos basta con un panel HD Ready. la mejor calidad posible hoy en día. además. El error más común entre los consumidores es basar la decisión de compra de una pantalla plana por cómo su imagen se ve en los comercios. etc. n° 7. el camino emprendido con el anterior.). por componentes. así como por una avalancha de innovaciones tecnológicas incomprensibles para los no expertos. tras haber conectado la pantalla en casa. adquiriendo uno con salida de toma digital HDMI y con escalador interno de imágenes. ya que a nivel de percepción del ojo humano. por tanto. Esto se debe a que un televisor digital que reproduce imágenes de una fuente analógica tan sólo acentúa los defectos de la señal original. Empezaría por cambiar de reproductor de DVD. más económicos. Aquí va mi recomendación para quien esté pensando en dar el salto a un televisor de pantalla plana sin propósito de involucrarse en la guerra de formatos. garantizándonos no haber tirado el dinero al menos en unos cuantos años. hasta que la guerra de formatos se haya resuelto y las emisiones televisivas en HDTV sean una realidad. con este artículo. bien transmisiones en HDTV del satélite Astra. comprobar cómo las imágenes de la señal de televisión o del reproductor de DVD se muestran pobres y llenas de imperfecciones. creemos fundamental dar las mismas oportunidades a quienes se acerquen a las nuevas tecnologías. Lo habitual en las exposiciones es que los televisores estén conectados a fuentes de alta definición digital. tanto de imagen como de sonido. ¿Recuerdan lo ya comentado sobre las 576 y las 720/1080 líneas? Más grave aún resulta el problema si la instalación de antena de la comunidad es de baja calidad o no está adaptada a las nuevas emisiones de TDT. se percibe igual un escalado de 576 líneas a 720p que a 1080p.

Puede salir mal evidentemente. aunque con distintos nombres. sin dignidad y sin belleza. "Cada una de sus obras extraordinarias vibra con espíritu de desafío y de rebeldía contra las condiciones generales de la sociedad alemana". con entrega de los premios y pro- frecuencia su trabajo dentro de una obra precedente: Walter Benjamín. la duración y los soportes admitidos en la selección son discutibles y mejorables. triunfaron las mismas ideas de extrema derecha racistas. A. Schiller. Schneemann). Hegel. una época social que calificaba de infame. por otro. ya que de paso se reducía el número de premios a entregar durante la ceremonia de entrega de los Premios Anuales de la Academia. Pero de to- das las crisis se obtienen beneficios. siempre muy cargada y sometida a las necesidades propias de toda emisión televisiva. muy discutible. Una jugada a dos bandas. En 2007. Quien cambia. llevada por el entusiasmo y el espíritu combativo colectivos. titulada Performing SCUM(2005). ya no familiar y doméstico como en el salón de 1976. Cabe felicitarse por todo ello. de reflujo. una época de "mentalidad mezquina. reacción de los autores de cortometrajes. Han salido a flote los problemas reales del sector: los autores de cortos no tienen una voz propia única. de una vulgaridad y de un egoísmo general". . Como dijo un miembro de antigüedad en la pasada asamblea general de la Academia. mucho más importante. A raíz de todo esto. como siempre. La reutilización de aquella. y también de pedestal para un triunfo. no se encuentran organizados para defender sus intereses. Diógenes ha encontrado una heredera. Martha Rossler. esta ha sido la primera vez que se ha hablado de los cortometrajes en 21 años. La idea consistía en que la conocida. por un lado. para levantar acta de algunos fiascos de la democracia enferma del capitalismo (Mi scappa la pipi. consiste en volver a bruñir el arma. como Gala de los Nominados se convirtiera en la Noche del Cortometraje. vio nacer todo lo que ha habido de más grande en la literatura alemana. en el intervalo. 2006). Nada es tan indispensable como diseminar por la ciudad los libros que fueron escritos para propagar los ideales de la justicia (Stella. de reavivar esta obra de arte del panfleto visual y. Seyrig. La obra original se convierte así en Égida. Más bien al contrario: medios que el año pasado ni tan siquiera incluyeron a los cortometrajes ganadores ni el nombre de sus autores en su Información sobre los Premios Anuales de la Academia ahora le dedican páginas enteras al tema. Vito Acconci. la Academia convocó reuniones. Davis o C. tanto en Suiza como en Francia o en Dinamarca. sino íntimo y estructurante. la generación de Angela Marzullo. de volver a poner en circulación el texto de Valerie Solanas. Nada resulta hoy más optimista que escuchar el SCUM Manifesto en las voces juveniles de dos niñas pequeñas cuyos ecos resonarán y transmitirán más allá el espíritu de provocación. Goethe.. poner en el punto de mira los mismos objetivos que el arquero anterior y constatar que. D. siendo ella ese Escudo de Atenea que puede servir tanto de arma defensiva como ofensiva. Visto el error y la. la forma de selección de los nominados así como la composición del jurado. Ha rectificado y la entrega a los mejores cortometrajes se hará. la artista plástica y videasta suiza Angela Marzullo enmarca con Q Mi scappa la pipi (Angela Marzullo. ha decidido formar una comisión para tratar de todos los problemas estructurales del sector. Dan Graham. Para Marzullo se trata. Pero la Academia comunicó mal la idea y no la comunicó en primer lugar a los Interesados. Friedrich Engels señalaba que el año 750. tión sobre la eficacia polémica del arte crítico. Para Roussopoulos y Seyrig se trataba. Además. imposible de encontrar entonces en francés. en una época sin ideales. Nunca será demasiado pronto para aprender la violencia. Nada es mas saludable que ir a mear alrededor de la ONU. 2004) uien no propone cambios no se equivoca.Imágenes activistas La noche de los cortos ENRIQUE URBIZU Vicepresidente primero de la Academia de Cine Mear por doquier T anto en sus cintas como en sus instalaciones. A la Academia se la ha Insultado públicamente y han sido precisamente voces y medios que jamás se han distinguido por su apoyo a los cortometrajes. La Academia ha concluido que no se puede actuar en contra del sector al que se pretende apoyar. 2004). El trabajo de Angela Marzullo plantea de manera punzante la cuesContrariamente a la generación precedente (la de C. En ellas los autores dedicados al cortometraje nos comunicaron sus dudas y su malestar. hasta ahora. En una carta enviada en 1845. las dos hijas pequeñas de la artista sustituyen a las dos grandes figuras feministas. en Ginebra. según Marzullo. NICOLE BRÉNEZ yección de los cortos ganadores. la nuestra. nos viene a decir. nunca antes el sector del cortometraje obtuvo tanta atención por parte de los medios. de convertirlo en un manifiesto ultra agresivo. Sólo por esto ha merecido la pena. arriesga. Roussopoulos. Kant y Fichte. En su nueva puesta en escena de la obra maestra de Carole Roussopoulos y Delphine Syrig. crea en tiempos de repliegue. el enemigo se ha vuelto aún más poderoso. gracias a las Imágenes.. hipócrita y miserable de pequeño burgués. y a juicio de quién esto escribe. theâtre prolétarien pour enfants. durante la Gala de los Premios Anuales. SCUM Manifesto (1976). reaccionarias y cínicas.

y con un reparto formado por Irene Jacob.CUADERNO DE ACTUALIDAD RODAJES THEO ANGELOPOULOS The Dust of Time es el título de la película que el realizador griego rueda ya. COSTA GAVRAS Después de cuarenta años. la historia retomará el argumento de Topkapi (Jules Dassin. Lluís El Festival Internacional de Cine Escartín y Víctor Iriarte aceptaron de Documental de Navarra. y según los cuales un millón de dis• El Festival de Cortometrajes de cos de este tipo fueron vendidos Aguilar de Campoo revoluciona en Europa antes de las Navidades. remake a su vez del film que Norman Jewison realizara en 1968).sean seleccionados. la tendencia ya observada en Estados Unidos.4 millones de su que mira" que. Siete y a la espera. Punto el reto y ahora observan la realide Vista (Pamplona). Johnny Depp pondrá rostro al mafioso John Dillinger. una cantidad de 1. directores. Jean-Claude Grunberg. Willem Dafoe y Bruno Ganz. en lucha por sustituir al ya veterano DVD. Jesús Caldera. mienles como los propuestos por el tras el DVD sigue dominando en Festival Pocket Film {www.Control GFK International. Gael manente de divulgación e invesy leerse en el blog específico tigación". ofrece nuevos datos. un thriller basado en la novela homónima de Robert Harris donde se narra la historia de un escritor fantasma. las ventas de lectores de un muchos denominan ya cuarta sistema u otro se mantiene frenada pantalla: el teléfono móvil. Porcentajes que confirman. Nokia N95 que el festival pone a inglés del realizador de Fuckiing Ämal.festivalpocketfilms. PAUL VERHOEVEN Desde este mes. ofrece ahora absoluto sobre el resto de formatos. El grueso de tal celebración requiere aún de la confirmación final. el ministro de Cultura. el más famoso entre los que se enfrentaron a Hoover. ésta será la segunda parte de la trilogía que inició hace tres años con The Weeping Meadow y con la que pretende narrar medio siglo de la historia del mundo. En paisajes del norte de Rusia. Otras 33 medallas. ha iniciado ya su actividad a su disposición. Gonzalo de Lucas. ROMAN POLANSKI Después de abandonar definitivamente el proyecto de Pompeya. Alemania e Italia. pero se sabe ya que se apoyará con la proyección de todas las películas en las que participó y la organización de seminarios y conferencias sobre su obra. el bajo de ciertos realizadores. y mientras esta competencia siga aquí el reto de rodar con la que activa. Cifras que deben ser tomadas de experimentos internacionacon cierta precaución ya que. haciéndose eco rival. por otra parte. el realiza. que tendrá dad desde la pequeña lente del • Mammoth es la primera película en lugar del 15 al 23 de febrero. Andrés Duque. han sido acordadas al mismo tiempo. 1933-34. pueden verse Filipinas. frente al escaso 27% de HD-DVD.com). por otra das cifras para cada uno de ellos) parte. su mujer y su hija Michelle Williams es la protagonista femenina Nuevos premios para los cortos Heterodocsias Lukas Moodysson . César Antonio Molina. se concederá la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo para Rafael Azcona. según la cual otorgará. Por su parte. su sistema tradicional de premios Según las estimaciones de Media (con pocos galardonados y eleva. prepara un homenaje gubernamental. auge del crimen organizado. 1999. Algunas de las priEmpezó a rodarse en noviembre través de la particular sección meras impresiones. y con Pierce Brosnan como protagonista. Rafael Tranche. el realizador holandés se encuentra trabajando en la segunda parte de El caso Thomas Crown (John McTiernan. de forma personal y directa. el realizador griego vuelve a su país el próximo marzo para rodar Eden is West. esta iniciativa America's Greatest Críme Wave and pretende fomentar la creación de the Birth of the FBI. a partir de ahora. a propuesta del ministro de Trabajo y Asuntos Sociales. donde los 2. Edgar Hoover y las bandas criminales. Para el primero. el realizador francés ha anunciado ya uno nuevo: The Ghost. el nacimiento del FBI y la lucha entre su director J. Canadá. sobre calidad y la continuidad en el trael período de la Gran Depresión. Suecia y Nueva York. que pone su vida en peligro tras desvelar algunas informaciones secretas. y aprobado por el Consejo de Ministros. Rodada entre Europa y Oriente Medio. 1964). María Cañas. a los nuevos formatos y a los vida después de un viaje a Tailandia con blogspot.000 euros para todos los participantes que • A partir de marzo. Sólo se sabe que tratará el tema de la inmigración ilegal europea en formato road-movie y que detrás del guión se encuentra su colaborador habitual. que pretende promover García Bernal es el encargado de dar creado para la ocasión: "La mano la reflexión y el debate en tomo vida a un joven que decide cambiar su que mira" (lamanoquemiralamano. Reconocimiento Michael Mann para Semprún y Azcona • Los guionistas Jorge Semprún y Rafael Azcona están de celebración. encargado de desarrollar las memorias de un ex primer ministro británico. convirtiéndose así en secuela y remake al mismo tiempo.fr). coproducción francesa de la que no ha facilitado apenas datos. Estados Unidos. Son los que ha hecho público el Comité Europeo de Promoción de Blu-ray. un 73% de las ventas de pelípara instaurar una nueva fórmula culas en Alta Definición en el viejo continente fueron para Blu-ray. JARA YÁÑEZ cambios que de ellos se derivan. Kazajstán. incluso tamen Tailandia y continúa ahora entre Heterodocsias: "programa perbién algún vídeo.6 millones de ventas en Blu-ray se confirArranca así el proyecto "La mano man frente al 1. • La viva polémica servida entre Blu-ray adelanta al HD-DVD los dos formatos de Alta Definición. Teniendo en dor estadounidense rodará en cuenta que los festivales son una Chicago la adaptación del libro de importante fuente de financiación Bryan Burrough: Public Enemies: para el cortometraje. entre las que destacan las que recibirán los actores Amparo Baró y Fernando Guillén. y esta vez lejos de su tierra. Albert Alcoz.

este mes y contará con la partici- DESAPARICIONES Anthony Hopkins Gus Van Sant • Con la camaleónica capacidad interpretativa que ya ha demostrado. el actor estadounidense anuncia ahora. ION FISCUTEANU El actor rumano. Entre la comedia y el drama bélico realizaría después films como Pijama para dos (1961). Se inspira en la historia de la poetisa flamenca del mismo nombre para narrar la vida de una joven obligada a abandonar el convento donde reside y la transformación que sufre su vida de regreso a París tras conocer al joven Khaled. a sus setenta años. no haya recibido la consideración de los académicos. estrenando tan sólo tres filmes. recupera imágenes de tres de sus películas: Caudillo ( 1 9 7 4 ) . pación de las actrices Penélope Cruz y Blanca Portillo. Nueve Cartas a Berta ( 1 9 6 6 ) y Octavia ( 2 0 0 2 ) . lo señalan no sólo los números de la taquilla. Emile Hirsch y James Franco. JARA YÁÑEZ Las apuestas de los Goya El éxito comercial que parecen cortejar los premios Goya de la Academia Española ha encontrado este año un fiel reflejo en dos producciones de diseño (El orfanato y Las trece rosas) que no ocultan su carácter industrial y que han acaparado catorce candidaturas cada una. de Serban Marinescu (1993). Josh Brolin. apegadas a un modelo muy alejado del cine que. entre ellos el de Mejor Director. y se le valió varios Oscar. La cinta se titula Hadewijch. el hombre lobo. por ahora. Las apenas cuatro candidaturas de La soledad frente a las veintiocho ya citadas. film que representa justo lo opuesto de El orfanato (búsqueda narrativa y visual frente a academicismo aplicado a cine de género). padre de Lawrence Talbot. Le Chêne (1992) y Trop tard (1996). el primer político americano en reconocer su homosexualidad. y por primera vez en la historia. "reflexiones metafóricas" de su discurrir vital. Trabajó siempre en estrecha colaboración con el guionista Paddy Chayefsky. del que se encarga ya el realizador británico Ryan Murphy. Sería precisamente una de sus más aclamadas realizaciones para ese medio (Marty. Bayona. el 8 de diciembre. la presencia de Lluís Homar. al que dará cuerpo Benicio del Toro. DELBERT M A N N El director e s t a d o u n i d e n s e empezó y finalizó su carrera en y para la televisión. protagonizada por Ernest Borgnine. Y en éstas estamos. conocido y reconocido sobre todo por su papel de hombre solitario en La muerte del señor Lazarescu (Cristi Puiu. la posguerra y la actualidad. Que todas las apuestas soplan en favor del film del debutante J. a quien pondrá rostro en un biopic centrado en los conflictos del director para terminar el rodaje de su película Psicosis. en 1978. no hacen sino volver a poner de relieve las preferencias de los profesionales inscritos en la Academia. Además. Falleció en Bucarest. ha interesado y atraído más a los grandes festivales. 1953) la que lo lanzara en su carrera fílmica. Interpretará allí a Sir John Talbot. por el que recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Copenhague. El sexto héroe (1961). 2005). El film se inspira en la vida de Harvey Milk. dos nuevas transformaciones. declaraba el director. para narrar de forma personal tres épocas de la historia de España y de la vida del propio director: la Guerra Civil. Falleció el 1 1 de Lo nuevo de Almodóvar • El director manchego hizo públicos los primeros detalles de Los abrazos rotos. CARLOS REVIRIEGO noviembre a los 87 años. Entre los títulos en los que participó destacan dos títulos de Lucian Pintilie. el realizador estadounidense prepara ya nuevo proyecto. Entre el reparto figuran Sean Penn. . sin embargo. Como novedad f u e r a de protocolo. a la crítica y a. La primera se refiere al mismísimo Alfred Hitchcock. y Cel mal iubit dintre pamîtnteni. que dedicó su actividad pública a la reivindicación y la lucha en pro de los derechos de su colectivo y murió asesinado en San Francisco. Empezará a rodarse a lo largo de empezará a rodar en febrero. a la edad de 70 años. como una de las figuras más importantes del cine rumano contemporáneo. su próxima película. a cargo del papel protagonista. Como representante masculino se ha confirmado sólo. • Con su última película pendiente todavía de estreno en nuestro país (Paranoid Park). su último trabajo para el cine. nuevas voces. Marty (1955). como ha querido referirlo Patino. Bruno Dumont • El nuevo proyecto del realizador belga Bruno Dumont figura incluido en el Fondo de Apoyo a las Industrias Técnicas Cinematográficas y Audiovisuales de la región de lle-de-France. su debut en la gran pantalla. como tampoco los autores noveles Pedro Aguilera. con quien escribió películas como La noche de los maridos (1957) y En mitad de la noche (1959). además de la laudatio en el acto se proyectó un documental inédito del director sobre su ciudad natal. Suave como el visón (1962) o Nido de águilas (1963). A partir de los años setenta se centró en su trabajo para la televisión. No sería sin embargo hasta la década de los ochenta cuando Fiscuteanu desarrollase su carrera y le diese continuidad. Almodóvar ha diseñado para ambas dos papeles en los que tendrán que jugar en registros interpretativos nada habituales en sus trayectorias. y en los ochenta realizó Fuga de noche (1981) y Brönte (1983). Rafa Cortés o José María de Orbe. LLama la atención.los museos más prestigiosos: desde En la ciudad de Sylvia a Die Stille vor Bach pasando por La influencia. El hombre lobo (con guión de Andrew Kevin Walker). Hopkins ha confirmado ya su participación en la películaremate del director de videoclips Mark Romanek. A. más las quince que acumulan Mataharis y Siete mesas de billar francés. junto al alcalde de la ciudad George Moscone. o "palimpsesto salmantino". Martín Patino Honoris Causa • El cineasta salmantino Basilio Martín Patino fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca el pasado noviembre. Imágenes reutilizadas sobre las que ofrece nuevos montajes. sino también el apoyo de una Academia que ya seleccionó antes el film como opción a competir en los Oscar. debutó en el cine en 1968 con el film Bolondos vakáció (Károly Makk). nueva música y hasta color en algunas de las imágenes originalmente registradas en blanco y negro. y una Palma de Oro en Cannes. la propuesta de REC. "Son la huella de mi existencia". particularmente este año. La cinta. que en este año verdaderamente estimulante para un cierto cine español.

Ese nuevo cinéfilo se caracteriza por puentear los cauces habituales de distribución y exhibición (y de la crítica). de la degradación o las sucesivas generaciones de la imagen). el cine (en cuanto modo narrativo e industrial). rindiendo obsoletas. O iniciativas como el Jeonju Digital Project. formada por un impresionante ensayo de Harun Farocki sobre material de archivo. Mystére Marker. del revelado (John Price) o de la positivadora óptica (Martin Arnold y docenas de practicantes del found footage. o quienes mantienen aún la supremacía estética del celuloide. el soporte mismo ha reaparecido como vehículo de lujo para consumir la música. viene ofreciendo un presupuesto de 50. de Ken Jacobs). desde luego. No es el caso. aunque a veces sean los mismos que proyectan en DVD títulos de alguna retrospectiva.000 euros a tres cineastas para que hagan mediometrajes que luego se exhiben conjuntamente. una fábula epistolar de suntuoso aspecto visual de Eugéne Green. que discutían como algo esencial la diferencia de soporte. Pero el salto de lo analógico a lo digital ha producido una convergencia entre las tecnologías de la imagen cine y la imagen vídeo. la cinta de VHS. Otra cosa son los cineastas que trabajan específicamente con las propiedades del celuloide (Peter Tscherkassky). Hay un factor de fondo. el cinéfilo como coleccionista. que trabajan precisamente con la idea. Pasajes en la obra de Chris Marker (2006) o Caminar sobre hielo y fuego. como el cineasta estructural Peter Gidal. pues muchas veces no se tiene tiempo de verlas. Entre sus publicaciones destacan los libros Desvíos de lo real. 1955) es profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid. y no sólo porque el proceso de digitalización esté mucho menos implantado que en el terreno musical. iniciativa del festival coreano homónimo que cada año. por ejemplo. que se hace realidad día a día. El cine de no ficción (2004). las escaramuzas iniciales entre videoartistas y cineastas experimentales sobre la especifidad del medio. videoarte y el ámbito cuasi amateur (con su énfasis en lo privado). quizá heredado de la vieja repulsión hacia las limitaciones del vídeo pre-digital y su pobre versión doméstica. con sus consecuencias tanto técnicas como estéticas. sufrido productor de Peter Greenaway. Pero hoy se produce una nueva y definitiva convergencia entre cine. sino "ya la tengo". Pero es sólo un botón de muestra entre mil. así como la considerable diferencia institucional entre ambos medios. podría servir para despejar las dudas sobre la viabilidad artística del cine digital. en todos los sentidos. de la proyección (las Nervous System Performances. cuya ansiosa frase fetiche ya no es "la he visto". El vídeo se desarrolló como una forma artística en relación a la televisión (en cuanto medio de masas) y no tanto en relación a la existencia previa de su presunto hermano mayor. Memories (2007). desde 2000. en los que conviven en alegre mestizaje vídeo y celuloide. abolida por la copia digital. Antonio Weinrichter (Madrid. y un digest de Pedro Costa de su propia obra. En el nuevo paradigma digital no se sostiene la distinción de Serge Daney entre la "imagen de cine" y lo "visual de la televisión". Es una frase irrebatible. pero que encuentra mayor resistencia entre el cinéfilo que halló su equivalente en el melómano: hay nostálgicos del vinilo. Pero la industria cinematográfica va muy por detrás. pero hay muchos más fundamentalistas del celuloide. Los documentales de Werner Herzog (2007). Muchos festivales se han negado hasta hace poco a programar cine digital. Pero cada vez será más habitual el camino abierto por certámenes europeos como Locarno o Rotterdam.Digitalismos ANTONIO WEINRICHTER "El futuro de la imagen es digital". . como propugnan con entusiasmo conversos digitales como Kees Kasander. según demuestran ciclos como "D-generaciones" (festival de Las Palmas) o "Cine y casi cine" (Museo Reina Sofía). La última entrega. cuando afirma que se ha acabado la era en la que el cine comercial expulsaba de las salas a otras especies de películas. del consumo casero del cine: la cultura del DVD y las descargas de la red han creado una especie nueva.

¿Por qué se habla así de Internet? ¿Por qué de repente se habla tanto? Nos han forzado a pensar que "numérique" 1 va con numerario. nadie quiere ir comprimido. numeración. su corporativismo. En el metro. Queda por saber de qué calidad se trata. Si en la época de la Nouvelle Vague hubiera existido el vídeo digital seguramente lo habríamos utilizado. de T. A mí me gusta ver el trabajo de la gente. son producidos. También había reglas estéticas. etc. Por ejemplo. con lo que antes se llamaba Showscan. Todos esos discursos sobre el digital. no tienen sentido. ¿Cómo ha rodado Elogio del amor? Una parte en blanco y negro y otra en color. Se ha olvidado hasta qué punto el antiguo cine francés era un círculo cerrado. El Nagra fue una gran liberación. se necesitaba un camión entero para el sonido. Se produce para distribuir. En francés se utiliza el término "numérique" para referirse al vídeo y a la imagen digital. Habría que retomarlos punto por punto. FRAGMENTOS DE UNA ENTREVISTA / JEAN-LUC GODARD Futuro(s) del cine EMMANUEL BURDEAU / CHARLES TESSON ¿Le interesa el vídeo digital? Claro. es preciso decir que las tres cuartas partes de la gente no desean ver una película que les cuente su historia. a todos les gusta. se muestra consciente de que el cine es un arte mutante y llama a seguir mirando el mundo con ojos capaces de ver. Es entonces cuando se detiene a reflexionar sobre el presente del cine. pero no veo ninguna razón para hablar de ello. Entonces se dio la bienvenida al 16 mm y al sonido directo. A partir de un momento dado. Dicen que la imagen tiene "calidad de cine". Pero nosotros no hacíamos diferencias: una película debe ser proyectada y difundida según sus medios. En vídeo no hay proyección. Hay algo de táctil en la imagen fotográfica que no existe en el vídeo. atrapado en una apasionante encrucijada de transformaciones. la calidad y la precisión son menores. y también sobre el futuro que se dibuja en el horizonte. Lo importante es qué se hace y por qué se hace. El digital no se ha inventado para la producción. actualmente. que es muy malo. en el que utiliza el vídeo digital a la manera de un pintor expresionista. Rescatamos aquí algunos fragmentos de aquella reveladora entrevista. Por otra parte. como si un futuro escritor tuviera que afiliarse al sindicato del libro y aprender a escribir. Yo puedo mirar a un obrero que (1) N. En el digital. a excepción de la fabricación masiva de cadáveres. A pesar de todo. incluso el vídeo profesional es menos sensible que el 35 mm. . que da una impresión de gran nitidez. con sus reglas. pero una locutora nunca se estaría mirando una hora mientras trabaja si no es por egoísmo o por narcisismo. que la Nouvelle Vague consideró malvadas. Jean-Luc Godard acaba de terminar el rodaje de Elogio del amor. Como no había dinero. simplemente porque no había reglas. La verdadera imagen. Incluso la reproducción de los seres humanos se hace para distribuir a la humanidad de otra manera. nadie habla del sonido. Se pueden meter muchas más cosas en un espacio mucho más reducido. No veo grandes diferencias. el DV.A finales de enero del año 2000. Dado el juego de palabras que Godard hace aquí era necesario conservar la palabra en su idioma original. el verdadero texto. Pero una parte de la imagen se pierde. esto se lo llevó la distribución. El siglo XX ha aplicado muchas cosas pero inventado pocas. puesto que son cifras y pueden comprimirse. experimentando y sacando partido a una paleta cromática que emerge gracias a las pequeñas cámaras DV. Siempre me han interesado los nuevos medios. En nombre de la difusión. Si hubiera tenido dinero me habría gustado rodar el color en 70 mm. no se puede rodar sin iluminación. sino para la difusión. No se da el fenómeno de la caverna. El mismo cineasta que confiesa no saber utilizar un reproductor de DVD y que desconfía de la retórica periodística sobre la nueva naturaleza de las imágenes. En aquella época. elegí la opción inversa: rodar en DV.

Al menos hablábamos de lo mismo: esa foto. Para Histoire(s) du cinéma. Habría que hacer como Truffaut: coger una o dos secuencias. También puede decirse que ¿os idiotas no sigue del todo la línea de la idiotez. Eso gusta mucho. un recuerdo. Celebración es muy banal en su aproximación a una historia de familia. así como el plano filmado por la pequeña cámara. La gente no quiere ver su vida. porque a la gente le da tiempo de identificarse. Un joven filma a su novia. puesto que mantiene la idea de una mezcla entre verdaderos y falsos idiotas.. hicimos juntos la lista de obras. Nadie se ha esforzado tanto como yo para acercar la imagen-vídeo a la tradición pictórica. Sólo son pequeñas muestras. precisamente. Algunas películas danesas han tenido éxito. Habría que hacer como un entrenador que comenta y retoma ciertos gestos.. ¿Qué quiere decir un equipo ligero? Para los americanos eso es ciento cincuenta personas. la razón por la que no ha gustado. ¿de dónde sale? Entonces cada uno expresaba una opinión. Algunos films de Bergman. Si fuera crítico de cine diría que hay un momento interesante en la película. Se ve la escena en 35 m m . pero la imagen habría sido menos bella. Pero esto es. que ha tenido mucho éxito. ¿Qué le gusta de Los idiotas? Que lleva el tema hasta sus últimas consecuencias.hace constantemente el mismo gesto.. son mucho más fuertes. Me gusta mucho Los idiotas (Von Trier). como El silencio. Por desgracia. la crítica no utiliza realmente el vídeo. [. El obrero se aburriría si tuviera que mirarse. no es mala en ciertos aspectos. dieciocho. Sólo después puede desarrollarse un texto filosófico. pero Celebración (Thomas Vinterberg) sólo es correcta. lo que hacían Kazan o Nicholas Ray. Para Claude Miller. Pero si no se muestra ese plano hay que hacer otra cosa. después se pasa a otra cosa.. De repente vemos cuatro segundos de Faces. de Cassavetes. bajo distintos ángulos. y así una y otra vez. o sólo un poco de su vida. Los idiotas es una película valiente. Desde ese punto de vista. Todo lo fabrica el espectador. Cassavetes podría haber rodado Faces en digital. American Beauty. y no lo he llegado a conseguir del todo. los americanos son muy buenos. Habría que aportar pruebas. que dispone justo del trampolín necesario. el único con el que podía hablar era con Bernard Eisenschitz. se vuelve.] Elogio del amor (Jean-Luc G o d a r d . 2 0 0 1 ) . subjetivo o de opinión. El digital también permite rodar con un equipo ligero.

Ahora. Michael Snow. GTC tenía entonces un departamento especial. Que la cámara esté apoyada o no. esas treinta personas que se encuentran y se separan. ¿diríais algo?" Este tipo de discusión se echa en falta y esta carencia conlleva extrañas relaciones entre las personas. pero libre. En vídeo es elemental: las dos imágenes se mezclan como dos sonidos. Cuando empecé a trabajar en vídeo había una gran cantidad de pequeños estudios de vídeo. es decir. otra de la administración. Todo el mundo dice que el digital permite hacer esto o aquello. Sólo importa el resultado en la pantalla. ¿para hacer qué?. Quizá un día las películas se hagan sin equipo. Como ya no hay reglas. Siempre he tenido un cierto sentimiento de deuda. que la imagen es de buena calidad. de tal manera que yo no he necesitado firmar las tres cuartas partes de mis películas. cuando se reparte el guión. ya aprenderé. no tiene ninguna importancia. La fotografía de la Warner no era la de la Paramount. se les consideraba autores. pero nunca se menciona lo que de manera efectiva se haya hecho. académica. nadie dice nada. se aceptaban ciertas reglas. Lévi-Strauss podría muy bien haber analizado las estructuras elementales del parentesco en Joinville o en Billancourt. Eso puede entenderse en una compañía de seguros. 1946). Progresivamente se hizo evidente. hay largas sobreimpresiones. como Cukor. Cassavetes rodaba en familia. ¿tiene usted un lector de DVD? Sí.. pero en el marco de una película. Ya se habría hecho. Las mercancías no se hacen para que duren. El digital permite ser libre.. pero era en tanto que productores o coproductores. Pasada cierta edad. como si fuera música.] Volvamos al digital y a su "ligereza". Era un trabajo muy agradable de hacer. Se ha pervertido completamente la noción de autor tal y como la impulsó la Nouvelle Vague. el dominio del realizador. se pertenece definitivamente a una época y no a otra. Algunos documentalistas pasaban una hora para filmar a una libélula que se estaba posando. Se considera que el guión es la Biblia. cada uno con su estilo propio. Todo el discurso en torno al DVD me pone un poco nervioso. A veces respondo: "Si por azar este guión describiera vuestra vida. Un hombre solo con su cámara y personas que filmar es Farrebique (G. incluso si en la época de la Nouvelle Vague nos parecían malas. se consideraba que el guionista era el autor y el director un realizador. otra del sonido. Hay que usar un mando a distancia demasiado complicado. Nos gusta estar juntos. Con el tiempo.. sexuales. Antes había grandes directores de fotografía. que se hace entre varios. Nadie ha hecho películas solo: quizá Warhol. ¿en qué momento? En realidad. [. más miedo y menos responsabilidades. Creo que el cine es una imagen del mundo. cada uno se queda en su rincón. etc. No se puede estar más solo que Straub y Huillet. Veinte años después alguien me paró por la calle y me dijo: "Usted hizo que yo perdiera mí trabajo". se considera que el director de fotografía es el autor de la fotografía. El cine está más cerca del fútbol que del esquí. En cambio. al que contrataban sobre todo por su talento para dirigir actrices. Es su originalidad. la calidad no es perfecta porque hay que fabricar un contratipo y se nota un pequeño salto cuando la sobreimpresión se termina. incluso si son inconscientes. Nos interesamos más o menos por la historia. sino para ser reemplazadas. que es maravilloso. además la sobreimpresión corresponde a la metáfora de una idea que desplaza a otra. Cada uno se queda en su compartimento. tenía un equipo de tres o cuatro personas. de George Stevens. Internet y toda la informática. Es tan académica como las películas de Jane Campion después de que llegara a Hollywood. En cuanto filmas a cuatro personas en una habitación durante tres meses. Actualmente. Es lo interesante del cine.¿Cómo se han hecho las sobreimpresiones de Histoire(s) du cinéma? Es ultrasencillo. pero todavía no he conseguido pasar del menú. En la época de Al final de la escapada. no va a mejorar gracias al DVD. Si la imagen de partida es de mala calidad. semejante compartimentación me parece algo raro. incluso aquellos con los que uno puede entenderse muy bien. Esta situación se ha agravado con el paso del tiempo. incluso si el equipo se reduce a tres personas. En esa época. me gusta menos sentirme solo cuando somos muchos. 1954) se toca. el coste no es inferior a dos o cuatro millones de francos. Es una proyección del mundo en un momento dado. A Capra o a Stevens. ahora son muchos menos. por no hablar de Chaplin. cambian pocas cosas.. se aprenden muchas cosas. Se burlaron mucho del comunismo. en la que parece que no cree mucho. otra de los ayudantes. cosa que eran muchos de los grandes cineastas americanos. En Un lugar en el sol. O pagaré a una ayudante que sea capaz de manejar los DVD. Rouch. No creo. En Italia y también en Francia hubo grandes operadores. Por el contrario.. se decía que Estados Unidos era . Un ángel en mi mesa no es en absoluto académica. para Moi. Desde que una persona se encarga de la foto. Rouquier. un noir. En cine. los cineastas experimentales. Creo que yo soy el único que piensa así y que tiene ganas de hacer este tipo de trabajo. Si se sabe mirar. Antes. no Te querré siempre (Roberto Rossellini. sociales. a mí también. porque hay menos reglas. McLaren. Pero eso no le interesa a nadie: prefieren estudiar la vida de los indios. No consigo ver la película. se verían muchas cosas. No tengo prisa.] Por seguir revisando las novedades técnicas. la posición de la cámara se determina entre un número de variantes fijo. un funcionario. yo contribuí a suprimir sobreimpresiones del relato cinematográfico. Dicen que se puede hacer todo. Es muy banal. Celebración es una película ultraclásica. [. Si se estudiara la manera en que se hace una película. Hitchcock fue considerado en el cine como Chateaubriand en la literatura. En el cine se parte de muchos para que acabe siendo uno solo. las relaciones económicas.

Se pueden cambiar cosas sin perjudicar a nadie. si el cine no mejora. o si por ejemplo se reemplazan por tarjetas. extraordinaria en qué. todo el mundo puede llegar a ser cineasta". Abril. ¿Prefiere la manera en que Hawks y Ford hablaban de sus películas. porque en realidad no hay imagen digital: una imagen es una imagen. Después puedo explicar por qué digo una cosa y hago otra.. Eso son frases. Como los videojuegos representan una enorme cantidad de dinero para Sony. la rana permanece". con una vieja cámara. ni está cerca de tenerlo. Yo diría más bien lo contrario: Bazin estaba muy ligado a la imagen fotográfica. por contra. Mientras tengamos ojos. Tiene algo de ingenuo. de Internet. Hay que encontrar otra palabra que no sea "nuevas técnicas". todo es fluido y todo es nítido. que a su vez es una ilustración de otra cosa. Sigo manteniendo la idea de que el mundo verdaderamente no puede cambiar. Habría que decir por qué gusta o por qué no gusta. El cine es como el fútbol: nadie duda en dar su opinión. pero está bien para sentarse. Algo permanece. al que no conozco muy bien. Declaraciones recogidas el 22 de marzo de 2 0 0 0 © Cahiers du cinéma. En este afán de animación cultural. Los críticos hablan muy poco del sonido. No hay impresión de luz. que permite dar conversación. Los objetivos actuales no son muy diferentes de los de los Lumière. Por esta razón el último capítulo de Histoire(s) du cinéma se titula "Los signos entre nosotros". en todas partes. tengo la impresión de que el cine será. como Desplechin? Me da la sensación de que estos cineastas no conocen bien su inconsciente cinematográfico. Ahora todo el mundo lleva vaqueros y zapatillas de deporte. tal otro al revés. ni perspectiva. pero siempre he conservado esta idea a modo de seguro. Las películas son lo único de lo que puede hablar todo el mundo sin molestar. hay avances. que es un signo de algo. pero en el cine no hay ni catástrofes ni superprogreso. sea pictórica o no. sin asesinar o violar. más intelectual que otra cosa. también es porque. Las palabras. cambios. etc. las películas tienen poca importancia. El cine es un arte mutante. una especie de retorno a Bazin. Es una falsa facilidad. ¿Será necesariamente mejor cuando lo tenga? [. Como se dice en la Suiza de habla francesa. Es necesario tener talento y soltura para usarlas bien.] ¿Le gustaría tener una conversación con cineastas jóvenes. llegad a serlo. Prefiero leer ciertas novelas de ciencia-ficción que suceden en el año 3000. el primer guión decía que Eddie Constantine era un operador de noticiarios como los de antes. en cualquier caso. Rohmer se prepara para rodar una película de 60 millones. de los que detesto tanto la intención como las películas. como hacen con los actores: "Sophie Marcean. Incluso la peor de las justicias al menos obliga a reunir pruebas. La óptica no cambia. Usted no comparte el punto de vista de que el digital sería la realización del cine según Bazin en razón de su ligereza. Efectivamente. Y la prensa añade por escrito: "Con las pequeñas cámaras digitales. Hay algo de arrogancia y de exageración en sus propuestas. Tal sillón no es bonito. El ambiente es completamente diferente del que yo conocí. Es una cualidad.. El sonido no es más que la ilustración de la imagen. pero no habría hablado de ontología. igual que se habla del mundial de fútbol para no hablar del paro. en el sentido de que me cojan in fraganti. En todo caso. Por ahora. Ahora todo el mundo puede decir: "Yo hago cine". Pues bien. incluso si no la ve nadie. amigos. no tanto de las palabras como de lo que se dice? Todo depende aún de la nobleza que atribuyamos a la palabra 'decir'. etc. la moda del digital debe mucho a esta visión del asunto. Siempre podremos hacer películas. Jean Rostand decía: "Las teorías pasan. El cine es una toma de vistas. eso si no es entre paréntesis. Por ejemplo. Nunca la he hecho. Habría escrito sobre el digital. incluso si no hay bandas. No se cuentan bien las cosas. Siempre habrá un soporte.. o en los hermanos Coen. podría darse un retomo al cine primitivo. extraordinaria". Lo que me gusta de estas cámaras es la pequeña pantalla que tienen a un lado. pero el laboratorio ale- mán nos la devolvió en blanco y negro. Hicimos pruebas con una cámara de 1900 que nos prestó la Filmoteca alemana. Tenemos la impresión de que en el digital ya no hay profundidad de campo. no lo dicen. que viene al final de algo... la etimología son importantes. La mitad de la población mundial no tiene teléfono. negándose a comentarlas bajo ningún concepto? No. A mí más bien me entran ganas de comprarme unos zapatos de charol y un traje bien cortado para no ir como el resto. Es el lugar del mundo en el que eso puede cambiar.] Si se habla tanto del digital. Para Allemagne Neuf Zéro. etc. Hoy la animación cultural se compone de palabras.menos uniforme. en decir que es formidable o asqueroso. Me hacen pensar en Anelka. no cambiará. digo que nunca utilizaré un mechero y vosotros veis que lo hago a escondidas. en digital y de época (La inglesa y el duque). como Fuller cuando vino a Europa. Una película es como la vida de una célula. Pienso también en Abel Ferrara. no hay una pintura de sábado tarde.. o mejorar. 2 0 0 0 Traducción: Natalia Ruiz . ¿No viene todo eso de un exceso. Es el estilo de los videojuegos. [. Por otra parte. y durante todo el tiempo. dramas. Metimos una película en colores. el lugar donde los cambios serán menores. Desgraciadamente. Cuando vi Te querré siempre supe que se podía hacer una película de dos horas con una pareja en un coche. llegar a ponerse de acuerdo. Las cámaras de vídeo no son tan diferentes de las de antes. de la PlayStation. eso era detestable. Por ejemplo ya no hay puesta en situación. siempre es el pariente pobre de la técnica y de la teoría. es encantador. Empezaron a hablar ya al final. En cuanto al sonido. En efecto. es evidente que la producción cinematográfica será cada vez más débil y progresivamente peor. debido al progreso técnico. Hay un cine de sábado tarde.. n° Hors Série. No se puede tener todo. Todavía me gusta que me cojan en falta. Me gusta decirle a Anne-Marie (Miéville) que siempre conseguiremos hacer una pequeña película.

varios de los cuales continúan en activo y en buen estado de forma. Varda). aunque con varias erratas (¿grados?) de más. Kluge. y también a un brillante cierre de la serie. Raben). sino que fundamenta la sintaxis de la película. mientras otros autores trazan la cronología del movimiento. Lilienthal. Petersen. Winkler) y técnicos (Müller. cuando el film colectivo Alemania en otoño firma su acta de defunción. Barón). Marta Muñoz (firmante también del diccionario biográfico). mezclado con los juegos de palabras y las catas filológicas. Al igual que sucedía con los seis libros anteriores de la serie (concebida como apoyo a los ciclos con los que. además de examinar con detalle las películas que guardan mayor relación con él. Entre medias queda un rosario de películas importantes y una nómina de grandes cineastas de distintas generaciones.Historiador. acaso por ello. los editores de la presente publicación han tratado de rodearse de los colaboradores más apropiados para dar cuenta de las entretelas del movimiento.las fértiles y fructíferas relaciones que. A continuación se analizan las trayectorias de varias de las figuras destacadas del mismo. La homonimia de términos como vintage (palabra inglesa referida tanto a la excelencia de una cosecha como a la copia primera de un negativo fotográfico). Herzog. Font (Fassbinder). por ejemplo. con la firma del Manifiesto de Oberhausen (rematado por la célebre proclama: "El viejo cine ha muerto. pero que resulta algo prolijo cuando se centra en relatar los argumentos de las películas. adaptar textos teatrales -El precio (A. filólogo. Análisis que cosecha idénticos frutos en la revisión de títulos como Padre nuestro (F. a una larga exposición (salpicada de datos científicos) acerca de los métodos de conservación del vino y del celuloide. ANTONIO SANTAMARINA De los Nuevos Cines europeos. establece las rimas. Schroeter. dedicada a cartografiar los principales rasgos del NCA. por ejemplo. también en desaparecer. en la que el componente biográfico juega un papel esencial (sobre todo al comienzo del volumen) y donde el tono literario. ANTONIO SANTAMARINA . fue uno de los últimos en llegar y. lo que da lugar a clarificadores artículos de Santos Zunzunegui (Straub y Huillet). Bernardo Sánchez Salas no es un investigador al uso. Se trata. Straub y Huillet y un amplio elenco de actores (Ganz. que una conocida película de Resnais se analice en sus páginas en los siguientes términos: "El vino no funciona en Providence como un mero motivo temático. Regueiro) o Sin techo ni ley (A. en un tono muy parecido al de su compañera. profesor. de una obra eminentemente descriptiva. Schlondorff. Syberberg. découpage (desglose de secuencias y operación inversa al coupage o mezcla de vinos distintos) y vinagre (aderezo de las películas afectadas por este "síndrome") da lugar. Visitando al señor Green (J. de Molina). Es precisamente una de las seis colaboradoras del libro. Es el verdadero raccord de la representación" (p. marca los nudos entre personajes y estancias. que abandona el mero entretenimiento para bucear en las raíces comunes de ambos cultivos (enológico y cultural) e informar de los cerca de 90. 218). a lo largo de la historia. en la crítica de las obras colectivas).la primera parte del mismo. Kinski. contribuye a hacer más amena su lectura. Ángel Quintana lo hace con el teatro en un brillante ensayo y Benavente y Fillol con la política. el Festival de Gijón. quien abre -con rigor. Esta misma preocupación erudita se advierte en multitud de pasajes a lo largo del libro. han establecido el cine (y la televisión: recordemos Falcort Crest) y el vino. Vilches quien. sienta en el banquillo a otros habituales y otorga mayor protagonismo a la presencia femenina. José E. Recordemos entre sus miembros nombres tan conocidos como los de Fassbinder. Schygulla. que examina -por encargo de la Fundación Dinastía Vivanco. Es más bien una suerte de humanista capaz de dirigir programas televisivos. Gonzalo de Lucas (Schroeter). Todas esas cualidades se dan cita en este libro. periodista y escritor. Creemos en el nuevo"). Y Gloria F. sino también porque da entrada a nuevos colaboradores (visualizando la llegada de una joven hornada de historiadores). cuya contribución es más cualitativa que cuantitativa. como es fácil imaginar. La celosa de sí misma (T. Reitz. además de los imprescindibles Farocki. La lujosa edición es comparable a la de un gran reserva. el presente volumen sorprende gratamente no sólo porque resulta más estructurado y compacto que varios de sus hermanos mayores.000 documentales sobre el vino que produjo la marca British Pathe o de sus homónimos sobre el néctar de Jerez. además de participar en obras de referencia como la Antología Crítica del Cine Español o el Diccionario de la Academia. por otra parte. desde 2001. analiza el Manifiesto de Oberhausen y la política de subvenciones del gobierno alemán durante esos años. La asunción de este punto de vista propicia. Por encima de la desigualdad inherente a este tipo de trabajos (un lugar común. von Trotta y Wenders.y cinematográficos (El verdugo). sumergirse en investigaciones de gran calado y colaborar en revistas de cine y de teatro. Ibáñez Fanés (Syberberg). hasta 1982. Handke. Su arco temporal abarca desde 1962. Monterde examina con meticulosidad las relaciones del NCA con la historia. Sobre estas bases. Przygodda. Miller). escribir sus propias obras narrativas y dramáticas. el CGAI y las Filmotecas valenciana y española vienen revisando el significado de los llamados Nuevos Cines). Vogler.

posteriormente. de un cine que no sólo filma el presente sino que filma en presente. Si hay una obra cinematográfica actual que encaje como un guante en la última categoría godardiana. la de estar compuesto por películas que afirman sus imágenes como vehículos de ideas sin perder nunca por ello su dimensión fundamental de imágenes. siempre según Godard. ésta no es otra que la formada por los trabajos más recientes de James Benning. abriendo nuevos espacios de observación. De esta manera la obra de Benning (nunca se insistirá lo suficiente en la dimensión sensual de estos filmes) se coloca en el panorama cinematográfico actual del lado de un cine que tiene como finalidad "hacer ver". De ahí la cuidadosa gestión del encuadre. ni más ni menos. de ideas y de imágenes e ideas. que equilibra de manera exacta el peso del cielo y el agua en 13 Lakes. Pero subrayar esta dimensión resultaría extraordinariamente reductor si. La obra de Benning trabaja con plena conciencia el modesto territorio que Jean-Marie Straub acotó para un cine consciente de sus deberes hacia un público que aún no haya sido reducido a la mera dimensión de audiencia estadística: "el cine no puede hacer otra cosa que dar a ver y oír. si atendemos al hecho de que sus obras adoptan de manera cada vez más rotunda la forma de una mera disposición de bloques audiovisuales de espacio-tiempo yuxtapuestos. Pero si las gentes son sordas y ciegas. mirada cegada por la cancerígena proliferación de imágenes indiferentes. Si algo muestran con absoluta claridad obras como 13 Lakes (2003) [foto 1] o Ten Skies (2004) [foto 2] es que la "revelación" (y doy a esta expresión un carácter estrictamente material) sólo puede surgir como fruto de la construcción de un paciente dispositivo que nos permita hacer la "experiencia de los lugares". "el arte no reproduce lo visible. no pusiéramos el acento en lo que estas películas tienen de paciente construcción de un "dispositivo de captura" destinado a atrapar entre sus redes esa "piel de las cosas" cuya captación ha constituido. Se trata. no hay conciencia posible". durante siglos. Estas películas funcionan a modo de un colirio visual que busca restaurar la mirada del espectador de nuestros días.Santos Zunzunegui El revelador Jean-Luc Godard suele reclamar la necesidad de distinguir entre tres clases de películas: de imágenes. de un cine capaz de explorar el espacio que Paul Klee acotó con su famoso. o la voluntad expresa de que lo diferente sea filmado a partir de unas pocas y siempre recurrentes opciones formales. La característica peculiar del último grupo sería. el objetivo de la pintura de paisaje. desgarrando el muro de las imágenes repetitivas e insolidarias. más bien lo hace visible". . sino que hace posible la visión. de oír). realizar su "retrato". al mismo tiempo. construyendo el oxímoron de "inmovilizar el movimiento". De un cine que no impide el acceso de nuestra mirada a la realidad haciendo de pantalla ante ella. Sin duda pueden aplicarse a los mismos las caracterizaciones de filmes "minimalistas" o "estructurales". convirtiéndose en un verdadero acto de resistencia contra el reinado de la banalidad. Pero nos engañaríamos (y no pocos cineastas han sido víctimas de esta ilusión) si pensáramos que basta colocar una cámara (y una grabadora) en un lugar determinado para que el mundo se revele ante nuestros ojos. acercándose de manera progresiva (o retornando) al territorio de aquellas primigenias experiencias fílmicas que otorgaban a la cámara la pura capacidad de mirar (y.

Ese recorrido y esas potencialidades son las que exploran. Apasionante encrucijada en la que convergen los intereses económicos propios del desarrollo tecnológico y las tensiones creativas que pugnan por convertir las nuevas imágenes en un vehículo para "hacer visible un nuevo mundo: el nuestro. a continuación. la cronología establecida por Cyril Neyrat y los artículos reflexivos de Ángel Quintana y Jaime Pena que completan nuestra radiografía. la evolución que dibujan los avances y las conquistas del digital aparece marcada por un conjunto de obras que alumbran el camino. sus peligros y sus contradicciones". La ocasión es propicia para hacer recuento y para seguir reflexionando sobre el universo del cine digital.ITINERARIOS Una obra radical y personalísima de David Lynch (Inland Empire) emerge como la mejor película estrenada en 2007 para Cahiers-España. . con su belleza.

si consideramos la historia del cine digital desde el punto de vista de la recepción estética por un espectador europeo. La historia del cine digital presenta una trayectoria doble: los formatos DV y HD no sólo se distinguen por la calidad de imagen. comprender la integración de aquella en ésta.CINE DIGITAL Historia portátil del cine digital CYRIL NEYRAT Mes tras mes. . la elección de Inland Empire como mejor película del 2007. la posproducción: desarrollo de sistemas de montaje y de producción de efectos especiales en el ordenador. esbozar una historia del digital implica entrelazar muchos hilos: • La historia tecnológica del vídeo y el DV. sino por su inscripción en la historia tecnológica y económica de la imagen animada. en primer lugar. del cine digital. tanto económico como estético. consiste en pensar la historia del cine digital en relación con la historia general del cine y de las imágenes animadas. como mejora de la imagen digital de "baja definición". en la historia del vídeo como medio específico y práctica artística: sólo ingresa en la historia del cine. Introducción. El rodaje: desarrollo de cámaras digitales y de sistemas de almacenamiento. 1968. vistas desde Europa.000 dólares. Si. más fecundo. La cámara pesa treinta kilos y el sistema cámara-monitor cuesta 30. sino como el paso siguiente a los 35 mm. de Daniel Myricky Eduardo Sánchez El desarrollo del DV se inscribe. con el correr de los últimos años. según el Consejo de Redacción de Cahiers-España. Norelco y Sony lanzan las primeras cámaras de vídeo portátiles. nos ofrece una buena ocasión para evaluar esta historia todavía joven y reconstruir sus cimientos y sus principales etapas: innovaciones técnicas. entre "digital video" (DV) y "digital cinema" (HD) explícita esta diferencia de naturaleza y de estatus. Así que existen dos caminos posibles. por un lector de Cahiers. los Cahiers franceses han dedicado su atención y su análisis al rápido desarrollo. 1965. una odisea en el espacio. Hollywood no concibió el HD como una continuación del DV. en realidad son autónomas y casi no tienen relación desde un punto de vista hollywoodense: la distinción. Prehistoria en dos movimientos paralelos Desarrollo del vídeo. Esta historia no es un proceso único y lineal. El cineasta experimental John Whitney pone a punto un ordenador capaz de generar animaciones gráficas. La experimentación que con ellas realizan Nam June Paik. Sin embargo. pues entrelaza muchos desarrollos sucesivos y paralelos. la difusión: desarrollo de sistemas de proyección digital. Por último. Stanley Kubrick es el primero en usarlo consecuentemente para 2001. y sólo parcialmente. en el inglés norteamericano. películas-clave. Ahora. El DVy el HD no plantean los mismos retos estéticos. cuando la producción europea y la independiente americana se apropian del DV después del éxito del Dogma danés y de un film como El proyecto de la bruja de Blair. Las historias respectivas de las películas rodadas en DV y en HD se inscriben de manera diferente en la historia del cine. Wolf Vostell y Andy Warhol marca el nacimiento del videoarte. de tecnologías digitales en la producción fílmica. ambas historias se confunden y prolongan. actores decisivos. sólo el desarrollo del HD concierne a la historia del cine. Así pues. • La historia estética de los filmes rodados en digital DV y HD. El primero consiste en distinguir las tres etapas de la cadena de producción afectadas por la revolución digital. • La historia de la tecnología digital en la producción hollywoodense y el desarrollo del HD. el recorrido es menos evidente. Primer sistema de grabación de vídeo comercializado por Ampex. mediante el ordenador. Años sesenta 1963. El proyecto de la bruja de Blair. como estándar alternativo de producción para los estudios. El segundo. Pero desde un punto de vista hollywoodense. nos equivocaríamos si fusionáramos con excesiva premura la historia del DV y la del HD y opusiéramos sumariamente el cine digital y el cine analógico.

de Steven Lisberger con Jean-Pierre Beauviala acaba en fracaso. 1971. Es el primer transfer que se hace en esta dirección. el Mavica. Scott. la filma en plano fijo y graba sus palabras. de Francis Ford Coppola Tron. Reunión de cámara y magnetoscopio en un solo aparato: invención del Camcorder. en la que filma directamente las pantallas de televisión. sin equipo ni guión. Sony introduce la primera Handicam. Su colaboración . 1973). Bruce Nauman. la Vídeo 8. 1973. Después pasa la película a 35 mm. archivo doméstico obsesionado por la desaparición. Paik. al sostenerse en la mano. Sony inventa el primer aparato de fotografía digital. 1982) y Tron (S. de N. Democratización de la cámara de vídeo amateur. pero Número Zéro puede verse hoy como el conmovedor ancestro de una tendencia apremiante del documental digital: home-movie. 1985. 1983-1985. admirado por el gesto de Jacques Tati. Sentado ante su madre. Blade Runner (R. el universo fílmico resultante de la combinación de capas en la imagen. En 1985. Eustache no utilizó nunca el vídeo. Se convierte en promotor de un cine compuesto. liberado de todo proyecto o guión. Peter del Monte rueda en vídeo de alta definición Julia y Julia. entre otros. con dos cámaras y en Suecia. acaba rodando Numero deux. 1979). Gracias a la inversión de la Sony. Crichton. Jean-Luc Godard sueña con una cámara portátil de 35 mm que podría guardar en la guantera del coche y le permitiría filmar al vuelo. abriendo el camino al montaje por ordenador. Las principales etapas de esta historia son: Almas de metal (M. película que anticipa todo el debate actual sobre la Alta Definición (HD) respecto al vídeo digital (DV). Macintosh introduce el interfaz gráfico en los ordenadores personales. J. 1984. 1976. 1975. grabadas y generadas por ordenador. Coppola rueda Corazonada simultáneamente en película y en vídeo. Jean-Luc Godard. revolucionaría la relación del cineasta con el mundo filmado al hacer del rodaje un acto cotidiano. Jean Eustache le pide que cuente su vida. Jacques Tati rueda en vídeo Parade. 1980. Años setenta y ochenta Introducción en las películas de un imaginario realista generado por ordenador. Lisberger. Finales de los años ochenta Desarrollo del montaje en ordenador. 1982). Michelangelo Antonioni empieza a hablar del futuro del cine electrónico y rueda íntegramente con cámaras de vídeo El misterio de Oberwald. Vito Acconci y Dan Graham. 1982. Las tecnologías digitales se convierten en la norma en materia de grabación de sonido y posproducción.ITINERARIOS Corazonada. Alien (Ridley Scott. pero se lanza la idea de una cámara que. Bajo el impulso. el vídeo se desarrolla como campo autónomo de la creación artística.

el Dogma no tiene nada que ver con el digital: el artículo 9 proclama que "el soporte fílmico debe ser el 35 mm estándar". en planos enteramente compuestos en ordenador. el desarrollo del digital la alienta poderosamente facilitando la reapropiación del cine por parte de los videastas. 1995-1999. "Voto de castidad". y después Los idiotas. Celebración (Thomas Vinterberg. Si Abajo: Parque jurásico (Steven Spielberg) b i e n esa p o r o s i d a d data de los inicios del videoarte. popularizan el formato DV como soporte de rodaje de largometrajes. la mayoría de los filmes Dogma adoptarán este formato low-tech y low-cost.CINE DIGITAL 1989. un robot se metamorfosea a la vista en ser humano. la ligereza y calidad de la imagen DV favorecen la relación entre el cine y el videoarte. El uso sigue siendo profesional. Gracias al morphing. Douglas Gordon o Pierre Huyghe se encuentran entre los precursores de esta nueva edad del videoarte. se rueda en mini-DV. Comercialización del programa de montaje Adobe Première. 1992. Cameron funda Digital Domain y se impone como el principal promotor de los efectos especiales digitales en Hollywood. Julien Loustau. El éxito de los primeros filmes Dogma hace creer en la posibilidad de un cine alternativo para el gran público. En su origen. el manifiesto Dogma 95 en el teatro Odéon de París. En El cuervo (Alex Proyas) el rostro del protagonista (Brandon Lee) tiene que ser reconstruido digitalmente sobre el cuerpo de otro actor tras la muerte de Brandon Lee en un accidente acaecido durante el rodaje. La máscara (Charles Russell) adapta los efectos digitales a una estética que remite a la animación de Tex Avery. A continuación. Perfeccionamiento de los efectos especiales digitales: James Cameron encarga un programa que permite estimular el deslizamiento ondulante del agua sobre la superficie de un objeto: la cámara que explora los fondos submarinos de Abyss. González-Forster. D. En la era digital. Primera demostración pública de difusión digital del Arriba: Toy Story (John Lasseter) film Bugsy. en marzo. JVC lanza el estándar S-VHS. el vídeo dialogaba y polemizaba con la televisión. y la aparición de una generación de artistas. el objeto de análisis. Inicios del DV y del cine digital 1995. Wim Wenders se sirve de una efímera tecnología de alta definición. que revolucionan las prácticas del cine independiente al democratizar el acceso a una posproducción técnicamente más simple y mucho más barata. el Dogma es una declaración puritana a favor de un regreso a los fundamentos de una práctica rudimentaria del cine. Creación en París de la estructura de programación y difusión puntolíneaplano. En la edad de los pioneros. es el cine. el metal se transforma en carne: los impresionantes efectos especiales de Terminator 2 (James Cameron) confirman el progreso de la tecnología digital en materia de efectos especiales. Celebración (Premio del Jurado en Cannes). Sharp introduce la pantalla LCD en las cámaras de vídeo. . Sin embargo. Con una débil compresión de imagen. En 1994. videastas y artistas plásticos. para el rodaje de las escenas oníricas de Hasta el fin del mundo. que oponga su pobreza y autenticidad a la fábrica de sueños de Hollywood. 1994. que permite copiar la banda de vídeo sin deterioro de la imagen: será una de las apuestas del digital. el interlocutor. aplicada a los trasvases e influencias entre cine y videoarte. el primer film oficial del Dogma. tanto en el rodaje como en la posproducción. este formato facilita la transferencia de datos a un ordenador. seguidos por jóvenes artistas como Anri Sala. habitados e influidos por el cine. Comercialización de las primeras cámaras digitales por Sony y JVC. Sony. la película de John Lasseter. de Steven Spielberg: proliferación de dinosaurios digitales. 1993. por Pacific Bell y Sony. 1998. Sony responde con el formato Hi8. JVC y otras cincuenta empresas se ponen de acuerdo sobre un formato de casete digital: el DV. Principio de los años noventa 1991. Nueva etapa en la historia de los efectos especiales. A continuación. es el primer largometraje comercial concebido completamente en ordenador. seguido en 1994 por Adobe After Effects. Parque jurásico. de Lars von Trier. Toy Story. sin artificios. Gregg Smith y otros muchos. Lars von Trier y Thomas Vinterberg presentan. la HDTV. de deconstrucción o cita. 1998). 1995.

Será la Sony HDW-F900 CineAlta HDCAM. y en ella colaboran directores como Claude Miller. rodaje y narración caóticos aparecen como los rasgos de una vanguardia DV. Doble lección de No quarto de Vanda: 1. sin equipo ni material. el DV permite al cineasta otra temporalidad de rodaje y. 2. Desde hace tiempo Kramer le saca partido a la libertad que ofrece el vídeo en películas sin género que recorren y analizan el mundo contemporáneo en la encrucijada entre documental. cortos y largometrajes. La guerra de las galaxias. que realiza el título más conocido de la serie: Nacional 7. Ahora es posible rodar películas y montarlas en un ordenador personal con un presupuesto limitado.A la izq. Comercialización del programa de montaje digital semi-profesional Final Cut Pro. Episodio 2. en las zonas urbanas cerca de Tourcoing. La cadena franco-alemana Arte encarga a una serie de cineastas la realización de varios telefilmes en formato miniDV.. un micrófono y dos espejos reflectores. se estrena en 2001. 2000. difundida en Internet. Buenavista Social Club (Wim Wenders) pone de moda el rodaje en digital de los documentales. Profesor invitado en Fresnoy. al principio. Harmony Korine recurre a Anthony Dod Mantle. Olivier Py o Jean-Michel Sinapi. George Lucas fomenta la unión de Panavision y Sony para diseñar una cámara digital de alta definición cuya calidad de imagen rivalice con el 35 mm. el año del DV Lars von Trier intenta hibridar el espíritu del Dogma y la comedia musical de inspiración hollywoodiense en Bailar en la oscuridad. director de fotografía de Celebración. Robert Kramer rueda Cités de la plaine en DV. con la que gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes. para rodar Julien Donkey-Boy. Surgen numerosas productoras con el objetivo de rodar en DV largos de ficción de bajo presupuesto. que Lucas utilizará para rodar La guerra de las galaxias. por lo tanto. Dirige y graba durante un año y medio la vida cotidiana de Vanda y los jóvenes del barrio. rodada en ocho días por 40. de Lars Von Trier La introducción por parte de Sony del formato HDCAM hace nacer en Hollywood la idea de un "cine digital" que rivaliza con el 35 mm. Algunas de sus escenas (los grandes ballets coreográficos) se ruedan con cien cámaras digitales. Pedro Costa se instala. largometraje que divide la pantalla en cuatro partes. Barbet Schroeder realiza en vídeo digital La virgen de los sicarios.000 dólares y. 1999. Mike Figgis experimenta con el digital en Time Code. el sexto film Dogma "oficial". con una imagen reproducible y manipulable hasta el infinito sin degradación. de Thomas Vinterberg. solo con su mini-DV Panasonic. Tras el éxito mundial de El proyecto de la bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez). otra relación con los escenarios y personajes. el formato DV se impone en el cine americano independiente. Kramer encuentra en el DV una facilidad de uso apropiada a su búsqueda y un nuevo campo de experimentación formal. Celebración.. pero muere antes de acabar Cites de la plaine. La serie recibe el título de "Petites Cámeras". Bailar en la oscuridad. pero también la estética en tonalidades abrasivas de su director de fotografía. en el barrio caboverdiano de Fontainhas (Lisboa). Las cuatro historias acaban confluyendo en una sola y en un mismo escenario. Jacques Fansten. tanto por la amplitud del relato en la habitación como por la potencia estética de los planos. en cada una de las cuales se desarrolla una historia rodada en un único plano-secuencia. Episodio 1 (George Lucas) y Un marido ideal (Oliver Parker) son los primeros filmes distribuidos en digital en cuatro cines de Estados Unidos. Jonathan Nossiter descubre el DV en Signs and Wonders cuando buscaba una estética parecida a la del 35 mm clásico. otra imbricación del documental y la ficción. . A la dcha. El acoplamiento de cámaras DV y programas de montaje doméstico dispara la producción de filmes amateur e indepen- dientes. Robby Müller. Imagen sucia. ficción y ensayo. concluida por su hija y su técnico de sonido. Permitiéndole trabajar solo. El minimalismo DV produce un fresco monumental.

el programa de ordenador Massive. 2001. A la inversa de la monotonía naturalista del Dogma. nacimiento del HD. también desa- . concebida más como película de ciencia-ficción sin actores reales antes que como una película de animación. Asimismo. con toda naturalidad. Producción totalmente digital de Final Fantasy (Hironobu Sakaguchi y Moto Sakakibara). Godard utiliza el DV como pintor expresionista. se capturan los movimientos. La producción aumenta de manera exponencial. cine político. etc. El impacto del DV es aún más espectacular en el documental que en la ficción. voz y expresiones faciales del actor Andy Serkis. el primer personaje completamente híbrido entre ser humano y animación digital Bajo la dirección de Randy Cook. Otras muchas criaturas de la saga también se crean con esta técnica. la empresa WETA Digital genera la criatura Gollum. y después se transforman digitalmente en el personaje. Su fracaso comercial da al traste con este t i p o de propuestas. luego parcialmente adoptadas por Robert Zemeckis en Polar Express (2004) y Beowulf (2007). en todo el mundo existen 32 cines equipados para proyectar en digital. emblemático de la evolución del documental en la era del digital. Al negro y blanco contrastado de la primera parte en 35 mm. Godard mezcla y contrapone película y digital. Eric Rohmer filma en vídeo digital La inglesa y el duque.CINE DIGITAL La inglesa y el duque. Éxito comercial del film de Angès Varda Los espigadores y la espigadora. nacen nuevas formas de documental en primera persona: diario filmado. de telones pintados que reproducen la iconografía callejera del París de la Revolución y qué sustituyen a los decorados construidos habituales en la mayoría de las reconstrucciones históricas. de Eric Rohmer 2001-2007: la era del digital Democratización del DV. Para la trilogía de El señor de los anillos. rodada en DV. En Elogio del amor. se oponen los colores vivos y saturados de la segunda. de Peter Jackson. lo que le permite incrustar a los actores para que entren y salgan. cuya subjetividad se reivindica. experimenta y demuestra la riqueza de la paleta de colores accesible a las pequeñas cámaras digitales.. film-ensayo. El uno de enero.

videoinstalación y largometraje HD que se están realizando en la actualidad. lo real y lo virtual. registra y celebra. el primero en exponer plenamente la singularidad de esta modalidad de la imagen. para erigir una topografía notablemente articulada de la sociedad iraní y la condición femenina. El ataque de los clones. Abbas Kiarostami fija dos cámaras DV en el interior de un coche y registra las conversaciones entre la conductora y los pasajeros que la acompañan. a partir de Second Life. La cámara HD Sony está conectada a un disco duro que permite almacenar 100 minutos de imagen de alta definición. Scary Movie 4 es el primer film rodado con esta cámara. de Jean-Luc Godard . Con Lettre a Roberto. y para celebrar la belleza. 2005. en la era del digital. lo verdadero y lo falso. Tanto por la amplitud del relato como por su esplendor visual. ayuda a crear secuencias de batallas de forma automática. Este documental de nueve horas de duración confirma la vocación monumental de la herramienta DV.ITINERARIOS rrollado por WETA. Second Life participa de la confusión. El cine del siglo XXI acompaña. de Michael Mann Elogio del amor. a través de un avatar. Los artistas Alain Della Negra y Kaori Kinoshita desarrollan. las siluetas y los rostros se recortan sobre paisajes urbanos como lienzos. Panavision y Sony lanzan la Genesis. Collateral es también el primer gran film rodado en HD. Creación del "metaverso" (del inglés "meta-universe") Second Life. Wang Bing la emplea en el archivo solitario de una desaparición. La trilogía contiene un total de 2. Michael Mann renueva el thriller hollywoodense con una nueva cualidad del ambiente nocturno: la ausencia de luz artificial crea una imagen a un tiempo hiperrealista y onírica. ha erigido el monumento del fin de un mundo. a través de la ligereza del dispositivo DV. Kiarostami aparta el régimen visual de la vigilancia. La Nuit sans étoiles (2006) añade la voz de Alain Guiraudie a las vistas nocturnas de la ciudad de Turín. planos y siempre limpios. Fenómeno planetario de excepcional amplitud. la agonía del siglo XX. parábola sobre la globalización y la des-realización de la vida en las Collateral. George Lucas exhibe un tráiler de La guerra de las galaxias. 2002. el cineasta ha filmado durante tres años el desmantelamiento de un gigantesco complejo industrial en el nordeste de China. lo auténtico y el artificio. Jia Zhang-ke elige el HD para rodar The World. À l'ouest des rails es un acontecimiento capital en la historia del documental: solo. Primer film rodado con la cámara Viper de Thomson. y de su pasividad. que permite a todo individuo vivir una segunda vida virtual en la web. el cine DV alcanza una nueva cumbre histórica con À l'ouest des rails. A propósito de Ten. un joven cineasta chino ha realizado el film. 2004. Jean-Claude Rousseau abandona el Super 8 por el DV. por su voluntad artística y estética. Compartiendo la vida cotidiana de los obreros. Michael Mann homogeneiza los planos en una continua tonalidad gris oscuro. de Wang Bing. un proyecto en múltiples sopor- tes: el cortometraje HD Neighborhood (2006). Al suprimir el HD la profundidad de campo. primera cámara HD compatible con objetivos de 35 mm: la tecnología HD adquiere la profundidad de campo del 35 mm. 2003. con su cámara DV. Su cine elemental se transforma por la posibilidad de rodar planos de más de 2'30" y registrar el sonido con la imagen. a lo elemental del cine. Alexandre Sokurov asocia las capacidades de la Steadycam y el vídeo digital HD. En el contraste. Es la imagen del ser-en-el-mundocontemporáneo: más allá de toda oposición entre escenario natural y efecto especial.730 planos con algún efecto digital. una extinción. sin tener que animar cada soldado por separado. de las fronteras entre lo verdadero y lo falso. Paseo en un único plano de hora y media a través del museo Hermitage de San Petersburgo y de la historia de Rusia. que genera una verdadera economía paralela. Como Pedro Costa en el barrio de Fontainhas. Después de No quarto de Vanda. Proeza atlética del director de fotografía Tilman Büttner. algunos han hablado de "grado cero de la puesta en escena". Para El arca rusa. El 5 de marzo. pues la película supone la tentación por parte de algunos cineastas de un regreso. primer film rodado en digital de alta definición.

The World expone la limpidez de la textura HD como modo de aparición de los seres y las cosas: muy definidos. Aunque me interesó mucho la idea y la posibilidad de reducir la diferencia fundamental de ambos puntos de vista. de una atmósfera común. Como en The World. El resultado aúna la belleza del HD y del analógico: el primero impone una acentuada proximidad de los seres y las cosas. con música electrónica. en la imagen de Tao con un plástico en la cabeza. que pretende resumir el mundo en las afueras de Pekín. En lugar de la continuidad luminosa del 35 mm. acentuarla.. Milagro de un cine que se descubre a sí mismo una segunda juventud. resucita figuras arcaicas.. "Algunas secuencias de Un couple parfait exigen este tipo de encuadre enérgico. jugando con la diferencia y la complementariedad del DV y el HD. quise. Sólo hay dos actores. no lo había visitado antes. n° 602. La intervención de la cámara en mano. Su textura se adecúa perfectamente a la sociedad de consumo. Muchas escenas transcurren en un espacio cerrado. la tecnología punta regresa a los primeros tiempos del cine. DVX y HD. Esta pequeña cámara es perfecta para la movilidad y la descripción de sentimientos. sus afectos. Tengo una gran confianza en este formato. Alexandre Sokurov se afirma como uno de los grandes experimentadores del cine contemporáneo. Después de El arca rusa. de Jia Zhang-ke El arca rusa. realiza una espléndida demostración de la afinidad sensual y estética del HD con la vida en las grandes metrópolis contemporáneas: con sus materias. Por eso Caroline me propuso utilizar dos cámaras. "Films como No quarto de Vanda o A l'ouest des rails no habrían nacido sin la economía y la movilidad particular del digital. aislados unos de otros en ausencia de aire. junio de 2005). n° 610. Segundo film HD importante después de Collateral. 2006. el HD confirma su tendencia a la paradoja temporal: mediante un curioso cortocircuito histórico. Entonces podía esperar que se produjera un tercer punto de vista. Pienso. El plano secuencia de apertura crea una proximidad insólita con los personajes. Tercera fase del acontecimiento HD: Be With Me. así es como Caroline analiza el asunto. una habitación de hotel. Nobuhiro Suwa y Caroline Champetier ponen a prueba la tecnología en un relato típico del cine de autor francés. mientras que la DVX ocupa el centro. pasa a ser "tres". y por lo tanto una combinación de lo escrito y la imagen olvidada desde el fin del cine mudo. "Al inicio del proyecto. Yu Lik-wai. como en el parque "The World". y por lo tanto cercanos. marzo de 2006). Los dos regímenes de imágenes se alternan según las secuencias. cambia radicalmente la relación de los "dos" a lo que. Se pega a los actores y obliga a trabajar de manera fluida. A medida que pasa el tiempo estoy más convencido de que el formato digital es adecuado para esta época. desde ese momento. Empecé a interesarme en la cámara Panasonic DVXlOO después de ver algunos filmes cuya imagen estuvo a cargo de Carolíne Champetier. destruye la profundidad de campo. sus cuerpos y sus afectos. de Alexandre Sokurov . pero no todas"." (Cahiers. aparece Le Soleil: sea o no reaccionario o prosélito de la Gran Rusia. Un couple parfait marca una nueva etapa importante de la historia del cine digital. especialmente de las potencialidades del digital. por el contrario. llevé al parque a mi director de fotografía. una libertad narrativa y audacias estéticas que se daban rara vez. capas sucesivas que confunden las escalas y las distancias. Podemos considerarla como un cuerpo añadido que interpreta junto a los personajes actores. la posproducción insufla el aura. por ejemplo. a sus colores. el HD genera una imagen compuesta. segundo largometraje de Eric Khoo. la The World. es la herramienta más eficaz para mostrar la realidad contemporánea. el tipo de espacio y la distancia corporal de los actores. desprovistos de todo resto de distancia aurática. y solos. Filma Le Soleil en HD. La cámara HD puede mantenerse en la periferia de las escenas. al acercarse a los actores." (Cahiers. pero durante el rodaje trabaja la luz como en la época de los grandes estudios. sus ritmos. nos impuso que el film fuera en HD y Scope. que en Asia vemos por todas partes. a sus embalajes. Los actores están obligados a interactuar con la cámara como lo harían con otro actor. sus modos de comunicación y coexistencia. ¿Qué podemos hacer con el digital? Las posibilidades siguen abiertas. Al cabo de media hora. y corrige la crudeza de la imagen con un contraste muy trabajado.CINE DIGITAL grandes metrópolis.

Sokurov ha proseguido esta búsqueda de un compromiso entre el digital y el analógico con Alexandra (2007). la espacialidad y la sensibilidad. 2007. de colores inestables. meses y años. Rembrandt y Ford en Fontainhas. En cierto momento rodamos. digital HD. el DV alcanza su plenitud estética con Juventude en marcha. La explicación de tal logro es fácil. hablamos durante días y días. alternancia de sub y sobreexposiciones que radicalizan ciertos efectos conocidos en su cine: "destellos". y según un método comparable: equipo y material reducidos al mínimo. un portraite du XXI siècle: P. Rueda con la cámara DV Panasonic ya utilizada en No quarto de Vanda. el film se ha trabajado profundamente en posproducción digital. Ha sido muy pensado. Mann vuelve a utilizar la Thomson Viper. se trata de crear un recuerdo. M. cada día un poco mejor" (Cahiers du cinéma. Algunos vídeos digitales realizados en 2006. como la pintura. mayo. Homero. Parreno y D. rostros violentamente recortados sobre fondos planos y abigarrados. nunca don Quijote y Sancho 82 CAHIERS DU CINÉMA ESPAÑA / ENERO 2008 . no hay claqueta. Dos artistas contemporáneos se adentran en la gran pantalla para volver a pensar la tradición del retrato en la era de la vigilancia y el directo. el movimiento es idéntico. temblores. España. 8-11) Albert Serra rueda Honor de cavallería con la Panasonic DV utilizada por Pedro Costa en Juventude em marcha. La imagen lyncheana pierde su barniz pulido para dar paso a una textura más basta e inestable. viajar en el tiempo a pesar de la dictadura del tiempo real. Algunos han visto en ello una saturación del carnaval lyncheano. Julien Loustau filma en Sub la ascensión nocturna del río Yang-tse hacia la presa. nosotros más bien vemos un nuevo comienzo. Brecht. según Costa: el DV permite la larga espera de un artesano paciente: "El vídeo permite ciertas cosas y otras no. de Pedro Costa. alterando la temporalidad. pero invirtiendo el proceso: rodado en 35 mm. en China. El montaje juega al tiempo real y al contraste de diversas texturas y definiciones de la imagen: vídeo televisado. Mientras el HD explora sus posibilidades. Multiplicar las texturas de imagen también es vincular lo nuevo y lo antiguo. En Le Ciel et mon plafond. un salto al vacío saludable y prometedor (Véanse declaraciones de Lynch en las págs. rechazando compensar en posproducción los límites del HD. Mann utiliza en bruto el HD: la técnica se desnuda y expone el mundo tal como trata de cambiarlo. Tres filmes representativos de una tendencia decisiva del vídeo digital.Corrupción en Miami. Hay que emplear tiempo. Keja Ho Kramer transforma Sao Paulo en prototipo de ciudad futurista asociando las panorámicas de la ciudad a una novela de Ballard. abolición de las distancias. Super 35 mm. Gracias al trabajo de la luz y al cuidado puesto en la transferencia a película. obtiene una imagen heterogénea. hablamos antes de rodar las escenas. y rivaliza con la gran pintura y el gran cine clásico. Andy Guérif filma la reconstrucción mediante actores de un cuadro de Duccio. más de un año de rodaje. metáfora visual del relato sonoro de una exploración imaginaria de un lago prisionero del hielo en la Antártida. 2007). n° 1. Gordon apuntan 17 cámaras al número 5 del Real Madrid durante un partido de la liga española. La presa de las Tres Gargantas. pero con premisas opuestas: renunciando a la iluminación artificial. atrae a numerosos cineastas y videastas: Jia Zhang-ke rodará en ella Naturaleza muerta. David Lynch rueda Inland Empire enteramente en DV. Filmados en ambientes y con luz naturales. la imagen DV alcanza un insólito nivel de belleza plástica. pero esto forma parte de lo mismo. Para Corrrupción en Miami. Zidane. Fusión de realidad y cliché. procurar que el diálogo esté tan presente en las habitaciones que pueda pronunciarse todos los días. El DV permite a Lynch revolucionar su método de rodaje y acercar su cine a sus otras prácticas artísticas. En Cène. de Pedro Costa homogeneidad de luz y tono del 35 mm. de Michael Mann Juventude em marcha. que abandona el análisis estructural y la experimentación de una especificidad del medio por un horizonte claramente cinematográfico y una indagación poética más allá de la dualidad documental/ficción.

Serra alia la austeridad y la crudeza del DV con el aliento épico y la amplitud cósmica del relato y de la presencia sensible de los cuerpos y la naturaleza. el progreso y las demoras de la transición entre dos eras. como portador de un doble testimonio: de la vida de esta mujer y del horror del siglo XX. pero también resistencia del viejo mundo de la piedra contra el asalto del liquido. La imagen es pobre. aun conservando sus especificidades. La revolución digital está hoy en marcha. En cuanto a la realización. instrumento de un archivo permanente. Cambio radical de escenario: tras el cartón piedra. para no salir. tanto en el arte como en la industria.. el film es un monumento histórico para los chinos. tanto en los . Continuará. Ha avanzado más en el nivel de la posproducción: la práctica totalidad de los filmes actuales tienen una posproducción digital. de nuevo en HD. es ineluctable. A la inversa del gigantismo de À l'ouest des rails. el cineasta no hace apenas nada. y un documental fascinante para los otros. Después de The World. de la formidable resistencia a todos los poderes que opone la alianza del cine y el relato oral. el cineasta se encierra. tras la hipermodernidad del parque de atracciones en Pekín. Jia Zhang-ke realiza Naturaleza muerta. segundo documental de Wang Bing. He Fengming. en el salón de una mujer. crónica de una mujer china. Crónica de una crecida anunciada. gracias al DV. tan verdaderos. el sueño de Eustache de un cine elemental. Treinta y cinco años después. de Albert Serra Panza habían parecido tan próximos. Como en el film de Costa. la ruina. incansablemente.CINE DIGITAL Honor de cavallería. el DV y el HD no paran de ganar terreno. He Fenming responde a Número Zéro. la gran fluidez prometida por el siglo XXI: el cine en HD también es aquel que documenta. confía de nuevo al cine la elevada ambición de escribir la historia de su país. la transferencia a película enriquece la imagen DV con un grano y un espesor analógico. el arcaísmo de un pueblo destruido y pronto sepultado por las aguas.. el cineasta cumple. ante la cual planta su cámara DV. El mérito del DV es facilitar esa alianza.

de David Lynch . Habrá que imaginar el marco y la reglamentación necesarios para el mantenimiento de la diversidad del cine en la era del predominio digital. Si el cine conserva la ambición de dar a ver. Noviembre. los filmes tendrán que contar y trabajar con el digital como modo contemporáneo de aparición y percepción de lo sensible. rodada en digital. el campo más sensible es el de la difusión. Las salas que tarden en equiparse con material de difusión digital se incapacitan para mostrar todo un área de la producción más viva. Por último. La difusión digital presenta la doble ventaja de bajar los costes de explotación. especialmente en el terreno del documental o del cine artístico: el distribuidor de Dong. y aquellos que toman nota de la nueva tecnología.CINE DIGITAL grandes presupuestos y en el cine de consumo para el gran público (A. para realizar su potencialidad estética. Quintana y C. de un mundo condicionado por la técnica. económicos y culturales. entre los cineastas y artistas que se limitan a seguir el movimiento y rodar en digital por razones prácticas o económicas. trabajar las texturas. especialmente al suprimir el paso de la transferencia a película en los filmes rodados en digital. Corrupción en Miami o Be With Me residen en su preocupación por manifestar el HD como tal y de extraer las consecuencias en términos de relato y de textura de la imagen: en él surge un nuevo mundo. o bien el arte hace surgir la técnica. mero vehículo de formas y códigos establecidos por hábitos sociales. optando por difundir el film directamente en su soporte digital. El valor histórico y la belleza necesaria de The World. Heredero. los festivales de documental exhiben más filmes rodados en DV que en película). La relación del arte con la técnica siempre se ha planteado en estos términos: o bien la técnica se disimula. Pena. Las casetes digitales y los discos duros sustituyen a las copias analógicas. de su especificidad. las relaciones de la imagen y las formas del relato de la era digital. F. Lo analógico está lejos de haber desaparecido. Reviriego Inland Empire. de Jia Zhang-ke. la manifiesta como su preocupación. el de una victoria definitiva de la industria sobre el arte. su acicate. no ha considerado necesario pagar el positivado de las copias. impulsada por apuestas económicas decisivas. 2007 Traducción: Antonio Francisco Rodríguez Esteban Con aportaciones de C. el nuestro. la condición de aparición de nuevas formas. sentir y pensar el presente. tiene un sentido único. con su belleza. El peligro de la difusión digital es el de un control total de la distribución sobre la explotación. pero la evolución. El cambio al digital es lento pero ineluctable. A. La división se hará. a la espera de la desaparición de los filmes y de la transmisión directa vía satélite. suplemento al número 628. La pregunta sigue siendo la de las consecuencias estéticas de pasarse al digital. • © Cahiers du cinéma. Sin embargo. Corneau afirma decantarse por el HD). sus peligros y sus contradicciones. J. para algunos la transferencia a película de la imagen rodada en digital sigue siendo una opción estética que la acerca a la textura analógica. de un nuevo régimen de lo sensible contemporáneo. se está haciendo ya. y al hacer más flexible la distribución de las películas. como en los autores más exigentes (Lynch asegura haber abandonado el 35 mm por el DV.

Los tonos grises que marcuentes (la épica fantástica.ITINERARIOS Hacia una nueva plástica del cine digital ÀNGEL QUINTANA Hasta principios del nuevo milenio un extraño sueño surcó la cultura digital: la posibilidad de que Lara Croft recogiera el Óscar a la mejor actriz. 2006) vanguardia. Mientras los primeros proponían la creación de imágenes mediante técnicas representativas. Quizás el gran error de los primeros creadores de la imagen digital consistió en querer imponer el sueño prometeico sin darse cuenta de que. básicamente.un nuevo estatuto de las imágenes. El realismo de lo imaginario tenía como principal objetivo el retorno hacia las artes de la representación. contrario a la capacidad de la imagen como índice de los fenómenos físicos. El realismo de lo imaginario siempre ha sido nieto de Emile Reynaud.0. Happy Feet (George Miller y Warren Colleman. ha perdido la centralidad en la un cine de la posproducción. El reto ción. el peplum) y acelerando las derivas can la fotografía de Cartas desde Iwo Jima. de Clint Eastwood. 2007) la que tenía en los años de la la imagen cinematográfica. cultura audiovisual. los mundos virtuales están en otros medios. . ese nuevo artefacto que se ha convertido en el gran escaparate de la web 2. los dibujos animados generados por Emile Reynaud crearon un medio artístico opuesto a la imagen fotográfica de los Lumière. Frente aun cine que atrapaba fragmentos de espacio y de tiempo. basado en la posibilidad de pintar la película con píxeles. de George Miller y Warren Colleman. El realismo digital no son producto de la posproducción. sino que componen las figuras de cada plano. La "Second Life". Einsestein hablaba de sus usos. ha usurpado todos los sueños virtuales cinematográficos. El montaje es lo que promientras las creaciones digitales transformaron la espectacu. lo digital en el que la idea del montaje es sobre todo una tecnología vuelve a adquirir una fuerza revolucionaria que cambia los simbólica tan grande como oficios del cine y el estatuto de Arriba. Los montadores no construyen el discurso lineal. mientras los pingüinos de Happy Feet (2007). No obstante. Este cine de la posproducpasaba por ningún deseo de mimesis (en el sentido aristoté. cuando Serguei los años noventa. son idénticos a los del documenal El viaje del emperador (2006). creando laridad fílmica permitiendo el retorno de los géneros grandilo. En los albores del cine.pone un extraño collage entre lo rodado y lo sintético. era necesario repensar una determinada cultura de la representación. en el que era posible resucitar los monstruos y crear grandes coreografías de masas virtuales. Los creadores de imágenes de síntesis pretendían que los diseños infográficos tuvieran una naturaleza humana y que los mundos paralelos rompiesen con la cultura del referente para generar un mundo sin la mirada del sujeto creador. de Luc Jacquet. pero los humanos de la película continuaban poseyendo el aspecto de monigotes. el realismo de lo imaginario nos ofrecía un mundo dibujado con píxeles. sino por un realismo de lo imaginario. El viaje del emperador (Luc Jacquet. Cine de posproducción Hoy. las imágenes de síntesis hicieron realidad los dinosaurios de Parque Jurásico. los segundos apostaban por la capacidad de reproducción de la imagen. los directores de fotografía no se limitan a iluminar la escena. El En el interior de un cine que nuevo cine es. sino que concentran sus esfuerzos en el etalonaje de las imágenes. M. de un determinado cine de atracciones. consistía en hacer realidad todas aquellas imágenes generadas por la imaginación que habían hallado resistencia en el mundo físico. Hoy. Los juguetes de Toy Story reemplazaron a los juguetes reales. previamente. es decir. todos estos sueños se quedaron a medio camino. En Abajo.ción demuestra cómo el retorno absoluto hacia la representalico del término).

en Chronique lisis sucinto de la nueva estéd'un été (1960). sin ningún técnico. frente a los sueños de la por Jonathan Nossiter en el realidad virtual. rodando sus pelímos que la HD parece hacer culas solo. Lumière en plena época digiAbajo. ¿Qué es lo que cine del futuro debía buscar ha impedido al cine captuurgentemente una iconografía rar la verdad? Jean Rouch y de la imagen digital. manipulación en la posproducción. por ejemplo. generadora de una nueva plástica. Nossiter real. de las texturas compartidas. real una nueva dimensión Desde esta perspectiva. Cartas desde lwo lima (Clint Eastwood. la imagen digital deja de ser una imadad que sólo la intimidad de una cámara ligera puede llegar a gen pobre (el sueño Dogma 95) para imponerse como imagen provocar. El problema reside en de cavalleria (2006) hacer olvidar la cámara a sus actores no cómo el valor reproductivo de esa imagen se halla sujeto a la profesionales. 2007). Esta idea de ligereza ha funcionado tanto para defi. Cuando descubrió fondo y la figura. que es como los Lumière llamaban a sus mos definir como la conciencia de la materialidad de la imagen trabajos. nos lo dejatica de la puesta en escena con ron claro insistiendo en que las cámaras de HD nos revela la cámara. Ten on Ten (Abbas Kiarostami. sino por la lucha contra apuntalaba la idea de que el el dispositivo. En la imagen digital con. los interesantes vas cámaras domésticas digitrabajos llevados a cabo por tales. 2004) los nuevos valores de la imatal. ¿qué es lo que ocurre Lumière en la era digital con las cámaras digitales de Alta cine digital de la puesta en escena? A finales de los años noventa. el grabador y el que éstas proponen un cierto equipo técnico distorsionaretorno a la idea del encuadre ban la veracidad de la puesta y una nueva relación entre el en escena. manipulación y a la transformación. En plena moda Dogma. pero. es tuto entre la reproducción y la represenchinas y articular una nueva dimentación. Nossiter articuló su puso el dedo en la llaga del película en largos planos fijos problema. En Ten on la plasticidad de la imagen Ten (2004). Esta exaltación de Arriba. • . rodar las imagen actual adquiere un extraño estaruinas de las empresas siderúrgicas Five. de Abbas Kiarostami. entre la verdad fotográfica y su un caso ejemplar porque sionalidad del tiempo documental. Si tomamos. Five del encuadre. El disparate acabó alimentado numerosos tópicos que DV de baja definición e interpretada por Charlotte Rampling parecen indicar la manera en (Sings and Wonders). con una nueva (2005). dirigida que. hasta el punto de que la película deja de ser película para gen fija aparece acompañada de otro fenómeno que podríaparecerse a las vistas.doras de la iconosfera. La en À l'ouest des rails (2005). el moviDefinición HD. Kiarostami llegó a la Michael Mann en Collateral conclusión de que podía ser y Corrupción en Miami veremás libre. es lo que permite a Wang Bing. Un anáEdgar Morin.estable. las posibilidades de las nuepor ejemplo.reza es lo que permite. En Inland Empire (2006). también. a Albert Serra en Honor tinúa existiendo una huella del mundo. Estamos en el imperio de la imagen esca. Abbas Kiarostami digital. con las que los promiento Dogma 95 divulgó la idea de que la puesta en escena fesionales de Hollywood han empezado a filmar sus pelícudigital debía basarse en el reciclaje de determinadas estéticas las? Para comprender la nueva estética generada por la HD documentales basadas en la cámara móvil y en el desencua.nir el futuro de la ficción como para el documental.en Hollywood es preciso recuperar una película rodada en dre. el cine digi2000. La ligeneada. poética de los cuerpos y una r e s u l t a ejemplar p o r q u e nueva forma de repensar la representa un retorno a los figuración. representa un retorno a los Frente a esta nueva estética de ¿Podemos definir la existencia de un la ligereza. El cineasta iraní buscando el contraste entre recordó que el deseo de la la frialdad de la textura digiescuela realista no estuvo tal y la tórrida temperatura determinado únicamente por del paisaje griego en el que su capacidad de captura de lo trascurría la acción. En un mundo en el que pensar el cine pasa por el rechazo del poder distorsionador del dispositivo rodando establecer una relación con las numerosas pantallas depredacon una cámara DV el rostro de Laura Dern y sacando esa ver.CINE DIGITAL no ha prosperado. de Kiarostami. David Lynch hizo efectivo fotoquímica. tal debía construir su revoaquel film rompió con los poslución mediante la estética tulados feístas para explorar feísta de lo pobre.

diez de las diecinueve películas presentadas en su sección "Cineastas del Presente". hasta que en la edición de 2007 Jeonju decidió exportar su proyecto a Europa e invitar a Pedro Costa. pues están realizadas en VHS. como muy probablemente sucedía con el resto de las películas de la sección. de Nejib Belkadhi) o Argentina (Estrellas. Dos documentales. ya fuese Betacam Digital o HD. Ya no cabe hablar de low budget. casi siempre de terror o ciencia ficción. Tsai Ming-liang. de Federico León y Marcos Martínez).. que. una de las películas presentadas en Locarno. cada vez es más habitual oír el término no budget: un cine realizado sin presupuesto alguno de producción. como sucede con la ingente producción nigeriana. Eric Khoo. nos hablan del fenómeno en lugares como Túnez (VHS Kahloucha. Desde su primera edición en el año 2000. no duda en tomar imágenes prestadas de Google Earth. si hablamos de los jóvenes directores independientes. En muchos casos. El resultado es un largo anual realizado por la módica cantidad de 150. (1) También el viejo cine de serie B. . Mucho más de lo que seguramente dispuso el israelí Lior Shamriz para su Japan Japan. Jeonju ha servido de acicate para el salto al digital de muchos de estos directores. la dedicada al cine más innovador y radical. el festival coreano de Jeonju viene promoviendo el proyecto "Digital Short Films by Three Filmmakers".El digital como caballo de Troya JAIME PENA How ís Your Fish Today? (Guo Xiaolu. Un cine que parece la culminación de aquel utópico ideario del "hágaselo usted mismo". Shamriz reinventa el concepto de cine de apropiación sirviéndose de una paleta compuesta únicamente de imágenes digitales procedentes de la televisión. Eugène Green y Harum Farocki. Apichatpong Weerasethakul. cifraba en torno a 12. El digital se ha consolidado en el último decenio como el principal soporte de la producción independiente. o más bien Z. etc. casi como un divertimento entre amigos. se ha beneficiado del digital. cuyas aportaciones han conformado el largometraje Memories. En ocasiones ni siquiera podemos hablar de un cine digital. en el que tres directores realizan sendos cortometrajes o mediometrajes a partir de dos condicionantes: el formato digital y un presupuesto de 50. estos sí digitales. Denis Côté. en el que han participado algunos de los nombres más representativos del cine asiático contemporáneo: Jia Zhang-ke. se realizan en todo el mundo en condiciones infraindustriales.000 euros el presupuesto de su largometraje. con el que siempre soñó el cine independiente: la distopía de la industria cinematográfica1. 2007) En el último festival de Locarno. Bong Joon-ho. director de Nos vies privées. al margen por completo de la industria y de sus peajes. cuando debe realizar una panorámica aérea de Tokio.000 dólares. si bien con el paso del tiempo esta iniciativa pionera ha perdido trascendencia: el digital está al alcance de la mano de cualquier cineasta y. lo inusual es el 16 o el 35 mm. se proyectaban en formatos digitales. Numerosas producciones de género. configurando una nueva estética y un nuevo sistema de producción. el vídeo clip o Internet. Todas ellas habían sido rodadas también en digital. circunstancia que cabría extender a la inmensa mayoría del cine independiente que se realiza en el mundo.000 dólares.

del cineasta en su intimidad: De son appartement. En cualquier caso. una videoinstalación). Nunca el cine fue tan sencillo. dirigida por Matías Bizé. Una introspección propiciada por el digital como consecuencia lógica de su minimalismo tecnológico. Los géneros han dejado de ser compartimentos estancos.. en la que el filipino Raya Martin prescinde de cualquier atisbo de relato convencional para reducir su historia a una docena de estampas de duración variable que no sabríamos catalogar. coqueteaban con la vanguardia. industrial y presupuestario. otras del lado del segundo: MidAfternoon Barks. tan barato. Si nos preguntamos qué es el cine. un cine indefinible desde los paradigmas clásicos. sin duda. de Tao Peng). o Después de la revolución. El cine es ahora muchas más cosas y estos nuevos significados han venido motivados en buena medida por el digital. desde el festival barcelonés DiBa se ha dado este año el salto a la producción de largometrajes digitales con Lo bueno de llorar. • . El equipo de rodaje puede reducirse a una única persona que se enfrenta al mundo pertrechado con una pequeña cámara de vídeo que en poco se diferencia de las domésticas. 2006) un tanto discutible Faceless Things. que sus comisarios.. desde el marco del documental y el digital. de Vincent Dieutre. realizadas fuera del marco industrial desde el 2000 en adelante. uno de los ejemplos más logrados de una de las corrientes más innovadoras del cine contemporáneo. hecho que ha equiparado de alguna manera al documentalista con los viejos cineastas experimentales. quizá. pueda inaugurar un festival de documental como el de Marsella. diario personal. las expectativas de un espectador acostumbrado a los límites diáfanos entre realidad y ficción son violenradas por el coreano Kim Kyung-mook con la provocadora y Love Conquers All (Tan Chui-mui. de Zhang Yuedong. de Guo Xiaolu. pueda verse como una especie de adaptación minimalista de la Berenice de Racine. aunque imaginamos que será a ficciones como aquellas de las que hablamos. es evidente que la respuesta ya no puede ser la misma que en los años cincuenta. y que había otro cine español y también una serie de nombres a tener muy en cuenta. Experiencias subterráneas El Festival de Cine de Las Palmas presentó en su última edición el ciclo D-Generación (cuya D responde tanto a documental como a digital).CINE DIGITAL El documental es ya casi imposible imaginárselo de otro modo. Estas son las características que también podrían definir la nueva ficción china. Autohystoria es la prototípica propuesta inimaginable en 35 milímetros. de Wang Bing). de más de media hora de duración. inspirándose en Jeonju. o que He Fengming pueda entenderse mejor como la única lectura posible de una vida novelesca. todas igualmente válidas aún cuando no respondan a las tipologías tradicionales. subtitularon de modo explícito "experiencias subterráneas de la no ficción española". prototípico ejemplo de film no budget que se sitúa a medio camino entre el documental y la ficción. producción. o como se le quiera llamar. Tanto. Precisamente. Josetxo Cerdán y Antonio Weinrichter. una ficción que emana de la realidad? La película de Tan Chumui es. Eso explica. Igualmente. en este caso una ficción autorreflexiva con la que la directora nos traslada a una remota población en la frontera nordeste del país. montaje. y de ahí que una película de ficción como Love Conquers All. que ha decidido abrirse definitivamente a la ficción. que el propio José Luis Guerín no sabía cómo definirla ni qué hacer con ella hasta que descubrió que un mismo proyecto podía dar lugar a distintas propuestas (una ficción en cine. que han permeabilizado tanto las barreras con el documental que ya no se sabe dónde empieza uno y acaba el otro. o Soul Carriage. bien para recoger el testimonio de una anciana represaliada por el régimen comunista chino en plano fijo y en tiempo aparentemente real (las más de tres horas de He Fengming. vencedora en Marsella. de la malaya Tan Chui-mui. bien para proponer una suerte de autorretrato. Más difícil lo tendrá ante Autohystoria.. ¿Será así la nueva ficción. de Conrad Clark. está claro que nos encontramos ante uno de los conflictos capitales del cine moderno: los límites difusos que separan el documental de la ficción. Todo un descubrimiento en la medida que puso de manifiesto que también en España el digital había supuesto una pequeña revolución. Imágenes huérfanas y despojadas de cualquier significado. La tendencia que se ha podido observar este último año es la de una progresiva reclusión en el ámbito de lo privado. tan audaz. O como Unas fotos en la ciudad de Sylvia. un cine que se despoja de ese manto industrial que lo maniataba. unas veces inclinando la balanza hacia la primera (Little Moth. pues en este soporte no se pueden rodar planos como el travelling que abre la película. El digital supuso en su día (¡y estamos hablando de hace menos de diez años!) toda una revolución que posibilitó el surgimiento de un documental más íntimo y casero. Su finalidad: rescatar y agrupar una serie de experiencias que. que incluso la película de Rousseau. si no fuese por una serie de claves (apenas los nombres de dos héroes de la independencia de Filipinas) que las dotan de organicidad y que acercan la propuesta a una forma de (no) relato propia de la videoinstalación. La itinerancia parece ser el método elegido por esta nueva generación de cineastas independientes chinos para proponer su síntesis de ficción y documental. de Jean-Claude Rousseau. un ¿documental? digital. premio de Nuevos Realizadores en San Sebastián. otro ejemplo perfecto de este cine que ha sobrepasado las fronteras de las categorías preestablecidas y que no es el fruto de una serie de etapas determinadas de antemano: guión.. difusión. Una de las películas más destacadas de Rotterdam 2007 fue How Is Your Fish Today?.

cineastas. zarcillo reflexivo o encantamiento profético. informa. su espectador. los que tiene atribuidos. Por último. texturales e incluso táctiles de la imagen y el sonido. explica. cruces múltiples de relaciones entre imagen y sonido. consumen el 83% de los bienes y servicios en el mundo. narrativas y descriptivas. más de un tercio en la miseria. beneficioso? Pero. atestigua. encantar. construir imágenes es atribuirse una parcela de poder simbólico: poder para crear algo que no existía antes. de los poderes de que se muestra capaz o. representar. los autores alimentan "una elevada idea del cinematógrafo" (Robert Bresson). Ossang. celuloide. a menudo sin recurrir al verbo. de duraciones. de los medios de producción que aceptemos. de Jean Renoir. como Catherine Hessling en Sur un air de Charleston (1927). recapitulación sobre la obra de una vida dedicada a reflexionar acerca de los poderes de la imagen. También existen grandes actores experimentales. cambiar. tanto si esa reflexión es examen crítico. España.ITINERARIOS El Instituto Francés de Madrid comienza a exhibir a partir del 28 de enero. El cine de vanguardia es aquel que no renuncia a ninguno de los poderes formales de los que la imagen inestable podría revelarse capaz: muestrario infinito de velocidades. el 20%. Mientras la mitad de la humanidad. ¿Cómo? ¿Y para qué sirve construir imágenes?. el cine era capaz de todo: registrar. vive con menos de dos dólares al día. sólo consumen el 1. J. en estrecha colaboración con Cahiers du cinéma. interviene. -El carterista: "Ya que está al revés. Porque la primera reivindicación de un cineasta comprometido con su arte consiste en rechazar la reducción de las propiedades simbólicas atribuidas a su medio. Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas). explicar.000 millones de seres humanos. el ciclo "Le Monde a l'envers" (El mundo al revés). que heredan Malraux. la imagen garantiza una transición entre lo actual y lo virtual. A continuación.3%. es el gran tema de la "resistencia". Los cineastas más rigurosamente materialistas lo saben bien: ellos se expresan con facilidad en forma de oráculos. críticos. salvar el mundo. los poderes performativos: la imagen asegura una influencia sucesiva o simultánea sobre su referente. revela. más sencillamente. en tanto actividad simbólica. prever. de afirmación. actúa. así podemos enderezarlo. de formas plásticas. 800 millones de personas sufren de malnutrición." Vivir es. Recordamos entonces el diálogo entre el comisario y el ladrón puesto en escena por Robert Bresson (Pickpocket. ¿una especie de ladrón útil. El mundo al revés y las vanguardias francesas NICOLE BRÉNEZ "Principios del siglo XXI.. de intervención. ¡afortuna de los tres individuos más ricos del mundo supera el producto interior bruto de los 48 países más pobres. vivir en el mundo indignante y tratar de no sustraerse a los imperativos que ello crea. pintura. La mitad de la humanidad vive en la pobreza. argumenta. ¿por qué no tomar las armas. ante todo. Las desigualdades alcanzan dimensiones insólitas. investigaciones de la expresividad del cuerpo. anunciar. describir. En primer lugar. o Marc Barbé en . los más ricos de la población. querido señor. es el mundo al revés". Godard. El 20%. conquistemos o nos concedamos. su ambiente. 1959): -El comisario: "En suma. literalmente indignantes. los poderes cognitivos: la imagen documenta. conservar. ensayistas y teóricos han mantenido la creencia de que. los poderes apotropaicos: la imagen se hace cargo del sufrimiento y la muerte (pensamiento perenne. Al modo en que se alimenta una llama. Deleuze. cuyos herederos son Benjamín y Adorno) hasta conjurarlos. indica." (Cifras del PNUD. poder de transmisión. de Jean Renoir a F. abrir. atravesando los caminos sensibles. modifica. como Jean-Luc Godard en sus Moments choisis des Histoire(s) du cinéma (2005). unos 4. Sus propias reflexiones sobre las revulsivas y transgresoras propuestas del ciclo nos abren camino hacia sus imágenes. Acaso ése fue el trabajo particular de la cinefilia francesa: de Jean Epstein a Philippe Grandrieux. expresar. En los tres casos. los más pobres. La procedencia tecnológica de la imagen no altera en nada los poderes arcaicos que secretamente trabajan la actividad simbólica. poder de conservar algo que no estaba o no habría estado presente. arcilla.). programado por Nicole Brénez. las andas o el veneno? Independientemente del instrumento del que dispongamos (tintura. de sugestión.. es decir. banda magnética.

la relación entre narración y plasticidad (de Jean Epstein a Grandrieux). destruirlo todo para salvaguardar un destello de dignidad. en primer lugar reflexionar y hacer otra cosa con otra gente que no haya aprendido esa gramática. Así pues. Vayamos a ver a los parias. 2004. y lo somete a la violencia de sus pulsiones y exigencias. las películas de "Le Monde à l'envers" (El mundo al revés) inventan los territorios de la liberación absoluta. No creen en nada. o el ochenta por ciento. Para estos artistas. más allá de la crítica de los motivos de la humillación. la imagen no nos ofrece nada. todo el cine. su trabajo no es de apropiación o consolidación. las formas descriptivas de orden táctil (Compilation. 1935) 3. 2005) 2. 2002) Sombre (1998) y La Vie nouvelle (2002). Recordemos este diálogo: -Jean-Luc Godard: "En el nivel del texto y del sentido. Augustin Gimel. sino en una destrucción que no deja nada con vida porque devora el ser en su mismo deseo de ser. Ossang. las formas descriptivas puras de orden óptico (Terrae. Bokanowski. Au Secours. Es el triunfo de George Bataille. Héléne Deschampes. Cada emplazamiento. Tales empresas. Y a los parías. hoy masivamente apoyadas en modelos musicales (F. sigue siendo cine de inspiración semi-fascista. La Plage (Patrick. se revelan perfectamente contradictorias con todo lo que la ideología nos prescribe en términos de renuncia a la justicia y de mutilación de uno mismo. que se reconcilian con las prácticas de las vanguardias de los años veinte. Es el Perfect Day de Ange Leccia. -Jean-Paul Török: "Entonces. del amor. Moments choisis des Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard. saben que en el régimen capitalista neoliberal hemos sido desposeídos hasta de la última fibra. en 1923). pero justamente por eso gritan cada vez más alto los imperativos de la belleza. • Traducción: Antonio Francisco Rodríguez Esteban . lo oculto. ya que obedece a las reglas de la gramática y del discurso. ¿qué permite contraatacar? El amor. sintetizadas aquí en un maravilloso y desconocido cortometraje de Dimitri Kirsanov: Les Berceaux. es decir. con grandes campos emblemáticos de profundización como el desplazamiento pelicular (Abel Gance. lo ignorado. que asume lo negativo de nuestra condición hasta en sus pliegues más aterradores y secretos. cada articulación cinematográfica es objeto de una investigación. es decir. contra una Francia que adopta los valores morales del lucro. aun si es contestatario. creación de una utopía de amor erigida contra la actualidad. 1995). de Othello Vilgard). a los iletrados. realizaciones ambas de Philippe Grandrieux. a los que lo hacen todo al revés. en El castillo de los fantasmas. Les Berceaux (Dimitri Kirsanov. aquellos que han sido privados del cine". en nombre de los cuales aún hemos de vivir. cuya aura negra se imprime en el eros reivindicativo de Philippe Grandrieux. pero a los parias en los dos sentidos. la relación entre lo abstracto y lo figurativo. intempestivas y políticas. emplazamiento que para siempre irradia el hechizo de que el cine se muestra capaz. de Ange Leccia). Ange Leccia). El sexo aparece aquí para identificar el lugar en el que la persona se hunde no en un júbilo liberador (utopía de la generación que tenía veinte años en la fecha emblemática de 1968). J. de la transgresión y de la alegría. 4. frecuentado por Marilyn Monroe). a menudo bajo los auspicios del mito (Dominique González Foerster y su Atomic Park. pionero del fotograma como entidad narrativa. Darlo todo cuando no se tiene nada. la injusticia y la pasividad cómplice ante las lógicas depredadoras de la globalización. ¿qué hay que hacer para cambiar esas reglas gramaticales?" -Jean-Luc Godard: "Bueno. Es La Plage experimental de Patrick Bokanowski (1991). las formas narrativas. la relación entre descripción y narración. La Vie nouvelle (Philippe Grandrieux. como los periódicos. sino de apertura de caminos en lo desconocido.EL MUNDO AL REVÉS 1. el amor radical. aquel que no ignora ningún aspecto del mundo. Hugo Verlinde. el formato de la imagen. Hay que observar a los analfabetos. a los carteristas. a los que se enfrentan las obras de Johanna Vaude. como los textos". la opresión económica y la explotación figurativa. 1935.

leído "lan vers"y que significa "al revés". nos y ayudarnos a extraer de todo ese pasado ideas y axiomas. Jean-Luc Godard (2005). tiene su trastienda y su trabajo sucio: porque no todo son bellas banderas. mutantes y mutiladas. Brénez. un idioma inventado como reacción a un mundo de muros y puertas cerradas. Un cóctel molotov de puños en PROGRAMA 1 alto. Godard no utiliza. proteged 2) Moments choisis des Historie(s) du la independencia contra todo lo demás". y utiliza para describirla un párrafo entresacado del libro de Bacon: "Tenemos colegas que recogen y ordenan las experiencias de los grupos precedentes. también defensivas y subversivas. y de la mano de los maquis cinematográficos. lo primero. que ha utilizado el libro La nueva Atlántida. de Verlinde y Deschamps. de Hugo Verlinde y ciones del mundo más convencionales. dos ejercicios de verían cinematográfico que. el verían convertía en hermético. la reescritura que el mismo Godard hizo de su propia reescritura de la historia del cine (y. Les los barrios periféricos de París vieron nacer una lengua nueva. no sólo aspiran a cambiar el mundo. Hay producción. la historia del cine. coda o remezcla de Historie(s) du cinéma. y. Hugo Verlinde y Hélène el papel del arte en los procesos de camDeschamps (2002). afirma Brackhage entre gritos y pancarvídeo. Dos trabajos de barriada. tas. invertir o dinamitar. como excusa argumental del ciclo. Y la posibilidad. convirtiéndolas en sílabas invertidas de nuevas palabras. de aquellos que. Cinéma. Manifeste. 84 min. "Le Monde a l'envers". sino que reescribe (G. Hélène Deschamps y Hugo Verlinde: el ciclo arranca con Moments choisis des Historie(s) du cinéma. Para Brénez. las revueltas y las hogueras. como el verían originario. "Le Monde a l'envers" es la utopía en el cine: un viaje desde el presente hasta los orígenes de las imágenes en movimiento a través de montañas y senderos. forman casi un idioma nuevo. elaborando mapas de escalas inciertas y compilando lo imprescindible. Moments choisis. una reflexión ardiente sobre 1) Manifeste. son Jean-Luc Godard. intendencia. 2008 de Vertov. con el fin de esclarecerllamamos los Compiladores". 16 mm. un argot defensivo que medía la distancia que separaba la vida en las barriadas del bienestar de la Francia oficial. del francés "à l'envers". escrito en 1623 por Francis Bacon. Y una imprescindible exploración del mundo real para definir lo que hay que cambiar. como los jóvenes de la periferia de París. los encargados de recorrer el mundo midiendo sus esquinas. Y Hélène Deschamps como avanzadilla guerrillera y militante. bios sociales. métro es trom. como los revolucionarios. elle est zarby et elle mefa. • Sesión presentada por Nicole Brénez y Carlos F. que en "castellano verían" vendría a ser tu ñamare es rara y mafu. funciona como aquellos espejos deformantes de Valle-Inclán. 12 min. de Lucas dijo que volvía a filmar) las imágenes ajenas. titula la primera sesión "Los Compiladores". reescribe. con la esperanza de reinventar la realidad por el simple procedimiento de ponerla boca a bajo. manifestaciones y rostros enfurecidos pasado por el filtro sanguinolento de LOS COMPILADORES la manipulación física del celuloide para Instituto Francés de Madrid entonar un canto revolucionario digno Fecha: 28 de Enero. sino también la manera de verlo. ideales y proclamas. reescritas en el vídeo de Godard. Las películas de otros. Una frase absurda pero comprensible. incomprensible y marciano el idioma de la república: femrne (mujer) deviene meuf. En manos de estos tres cineastas el lenguaje de las imágenes pierde su orden canónico. lo básico y más accesible: el lenguaje. incluso las cinematográficas. Mediante la inversión de las sílabas de cualquier palabra francesa descubrieron el verían. mide también la distancia que hay entre él y las representaImágenes de Manifeste. manger (comer) se convierte en géman. los sonidos y las imágenes de otros. como palabras reflejadas. Palabras nuevas para una realidad al margen de lo visible. y nos devuelve una imagen inédita de nuestra historia mediante la simple manipulación de los reflejos: las imágenes que nos acompañan y que configuran nuestra relación con el mundo. unios.ITINERARIOS EL MUNDO AL REVÉS La trastienda de la revolución GONZALO DE PEDRO Mucho antes de los muertos. de las historias de todos nosotros). Heredero . "Tu hermana es rara y fuma" (ta soeur est bizarre etfame) tiene su espejo incomprensible en algo así como: Ta reus. adquiere formas inexploradas. "Cineastas. mientras el espectador entra de lleno en un mundo al revés. de cambiar ese mundo hostil a través del lenguaje. por ósmosis. un argot del cine que. acompañadas del cortometraje Manifeste (2001). pero manteniendo las estructuras gramaticales. el ciclo programado por Nicole Brénez (Instituto Francés de Madrid) como un enorme verían de más de cien años. junto con los cuadros. trabajo de campo. para comenzar desde ahí la revolución. real o no. Aplicado a todas las palabras de una frase. extensión. subvierten lo esencial. Pero toda revolución. esos colegas. capaces de describir aquello para lo que no había nombres. invirtiéndola.

todavía incapaz de asimilar la naturaleza extremadamente móvil de los nuevos productos. agrupar estilos y tendencias para su mejor comprensión: algunas de estas instituciones ya lo hacen. y también empeñado en tratarlos como a todos los demás. El estado de la cuestión en la era mutante JOSÉ ANTONIO HURTADO / CARLOS LOSILLA A Scanner Darkly (Richard Linklater. la imagen se ha convertido en una sustancia amorfa que se mueve entre la disolución y el monumentalismo.Los debates planteados en las JOINAC. 57). representaría la necesidad de fijar esos cambios en planos tallados en la piedra. Los "mutantes" de Rosenbaum se centran en la estética. pero en cuyos socavones se ocultan miríadas de sentido. en el fondo. La sorpresa de la temporada Debería alertarnos. encuentran en estas reflexiones de los directores del encuentro su resumen y su razón de ser. esa situación provoca traumas. para finalizar con un ejemplo palmario. de Jia Zhang-ke. Y no creemos que la crítica le preste la misma atención que a los estrenos comerciales en salas (véase comentario en pág. el problemático paso de una y otra por las salas de exhibición españolas. al seguimiento activo de lo que está ocurriendo. Los primeros problemas derivan del circuito produccióndistribución-exhibición. los que deben espolearnos a la reflexión. Naturaleza muerta. podría erigirse en la primera película-gelatina de la historia. de los que se da cuenta en el "Cuaderno de Actualidad". De ahí se desprende la omnipresencia de un público "maleducado" o. forma parte del futuro: ensayo sobre lo proteico. nunca educado en los secretos del cine: las escuelas y universidades dedicadas al audiovisual deberían también formar espectadores. para que únicamente se transforme. Se ha visto en cines. 2006) Nunca podremos agradecer lo suficiente a Jonathan Rosenbaum y sus acólitos la reinvención del término "mutante" para aplicarlo a las imágenes contemporáneas. cuyos engranajes parecen definitivamente atascados. y son sus síntomas. el corto publicitario dirigido por Martin Scorsese para una conocida y española marca de cava. Para ceñirnos a los estrenos de este año. así como su distanciamiento del público que en principio debería haberles sido propicio. Sin embargo. Porque al cine digital hay que añadir los cambios en los lugares de la exhibición (de Internet al museo). todo permanezca. Sea como fuere. pero hay más cosas. sino por una empresa ajena al sector. mejor dicho. En cambio. una sustancia indefinida que se estira y se estira hasta la extenuación. pero empezó a vislumbrarse en Internet. Una pieza que no ha sido producida de una manera convencional. proponer líneas de funcionamiento de las nuevas imágenes. por no hablar de la ausencia de una educación de la imagen en primaria y secundaria que proporcione una visión global de la historia del cine capaz de sentar las bases de una reflexión posterior. es cierto. otras continúan empeñadas en una labor rutinaria que en nada contribuye al filtrado de los acontecimientos que se precipitan en el exterior. ni mucho menos. dejan traslucir que hay algo más en esa tesitura: el colapso de un determinado mecanismo de mostración-recepción. es decir. Su lectura precisa de unas claves que buena parte de los espectadores -incluso los que frecuentan los cines d'art. sin embargo. Inland Empire. O dicho de otro modo: todo debe conjurarse para que el cine no muera. se pasó por televisión y se ha distribuido masivamente en DVDs de regalo. Y tanto las filmotecas como los festivales quizá deberían dejar de ser el reducto de un cierto cine "invisible" para incitar al debate. • . trátese del cine-ensayo o simplemente de esas propuestas minoritarias que nunca encuentran su lugar en el sol. precisamente. entre la desaparición de los conceptos de "encuadre" y "puesta en escena" y su entronización en imágenes de inspiración escultórica y/o arquitectónica. el hecho de que una de las mejores películas de la temporada sea La clave Reserva. de Richard Linklater. Como cualquier cambio de envergadura. Y no porque el hallazgo sea incontestable. La clave Reserva es la metáfora perfecta de la incertidumbre que nos espera más allá de sus imágenes efervescentes. Incluso podríamos decir que esa práctica deriva de unas situaciones materiales determinadas que provocan la extrema variabilidad de las formas en el cine contemporáneo.ya no poseen. Como los héroes de A Scanner Darkly (2006). sino porque han dado en el clavo en lo que se refiere a la condición movediza del cine actual. férreamente acotados desde sus propios bordes. además de prometer diplomas de director a diestro y siniestro. de David Lynch. con todos sus elementos intermedios. por no hablar de la incomprensión de la mayoría de los productores y exhibidores respecto a los nuevos formatos visuales. incluidas sus propias teorías: todo cambia a gran velocidad para que.

El curso de especialización en Diseño de Vestuario Cinematográfico. En construcción (José Luis Guerín).: Colección de Josep Ma Queraltó (Academia de Cine). las proyecciones se Organizada por la Fundación La Caixa y la NBC Photographie de París. Entre las denominadas "joyas de la colección" se encuentran también varias piezas de Lumière. Cuatro cineastas. que recupera el western crepuscular escrito por Nick Cave. se cuentan títulos como Days of Glory (Rachid Bouchareb). con fotografías de grandes actores. JOSEP Mª QUERALTÓ ACADEMIA DE CINE. fotografías de rodaje. Como muestra. Se celebrarán también una lección magistral a cargo de Andrés Morte y un taller de Interpretación ofrecido por el actor Carlos Olalla. la segunda parte de la serie que el director islandés dedica a la familia. diversas proyecciones y audiovisuales que son un ejemplo significativo de lo que supone la obra de Rafael Gil en colaboración con la productora. y Die unbezáhmbare Leni Peickert (Lenl Peickert.alcine. 2006).com INÉDITO Y CONTEMPORÁNEO CINE MALDÁ. Lo celebra girando en torno a la interpretación como tema eje de sus propuestas. 2006). impartido por profesionales en ejercicio de reconocido prestigio. CINE CONTEMPORÁNEO LA CASA ENCENDIDA. HASTA MARZO. carteles. Shoot the Messenger (Ngozi O n w u r a h ) o Hana (Hirokazu Kore-eda). que pasó desapercibida por las salas españolas. recoge los materiales cinematográficos que el coleccionista y restaurador Josep M a Queraltó ha reunido durante treinta años.de/madrid realizarán de miércoles a domingo entre las 20:30 horas y las 00:30h. La exposición "De las sombras al film". guías de prensa. Así. www. en horario de 20 horas y 22:30. el bielorruso Sergei . DEL 29 DE ENERO AL 6 DE MARZO. 75 A Ñ O S DE CIFESA FILMOTECA ESPAÑOLA. así como la influencia mediática de Chaplin y el significado de su figura pública se encuentran entre los objetivos básicos de esta exposición. se organiza para enero un pase doble del film La Question humaine. Islandia. Francia. se organiza la exposición "Rafael Gil y CIFESA". Además. entre otros: Monos como Becky (Joaquim Jordá). Además de este ciclo. en la que trabajó el director Rafael Gil. Un total aproximado de 300 documentos. 15. la primera dedicada al cineasta que se realiza en España. www. S O B R E VESTUARIO ECAM. 26 Y 27 DE ENERO. Garriga y Jan Baca. www. los martes se celebrarán las sesiones "Queridos invitados". 2 0 0 6 ) . VIDA Y OBRA FUNDACIÓN LA CAIXA. La unión y diferencia entre actor y personaje. continúan las proyecciones del ciclo "El cine de Andy Warhol". la muestra "Chaplin en Imágenes" narra la historia del actor desde la creación de su personaje más popular.ecam. From Beyrouth with Love (Waël Noureddine. entre los que se encuentran fotografías. dedicadas al cine africano (con la presencia del realizador Idrlssa Ouedraogo). dibujos de decorados y de vestuario. 2007). Cravan (Isaki Lacuesta). HASTA EL 20 DE ENERO. Cravan vs.goethe. la Indomesticable). formada por doce largos a concurso. Si en algo destaca el programa es en la posibilidad de participar.curtficcionsyelmo.lacaixa. Con motivo de la conmemoración de los 75 años del nacimiento de la productora y distribuidora CIFESA. Dentro de la programación oficial del Festival Internacional de Cine Solidario de Madrid (FICS). www. a dcha. actrices y directores del mundo a su paso por Madrid. hasta el final de su carrera. y vinculados a las anteriores ediciones del máster. el lunes 14. organiza cuatro restropectivas bajo el título "Memoria de futuro". www. DEL 21 AL 27 DE ENERO.org nes de la Colección Padrón (compuesta por más de tres millones de fotografías) y la de la Colección Echegoyen. China y Hong Kong.es Arranca la sexta edición del Máster en Documental de Creación de la Universidad Pompeu Fabra con el objetivo de seguir formando realizadores y productores especializados en el formato. y Parents (Ragnar Bragason. la sorpresa del cine francés.idec. DEL 1 5 AL 21 DE ENERO. www. y hasta el 19 de enero. Mientras. Edison y Pathé. cada alumno. La Question humaine (Nicolas Klotz. una de las obras mayores del realizador. cristales pintados. HASTA EL 27 DE ABRIL. material documental y extractos de películas (algunos inéditos). y al tándem de realizadores formado por T.com BARCELONA CHAPLIN. de las cuales la mitad estarán destinadas a la realización de talleres prácticos. del que se pasan este mes los filmes Die Artisten in der Zirkuskuppel: Ratlos (Artistas bajo la carpa del circo: perplejos). de Nicolas Klotz (Francia. Ça sera beau.obrasocial.000 objetos entre los que se encuentran carteles de cine español.lacasaencendida. en un proyecto propio de largo que hasta ahora ha tenido una repercusión ampliamente reconocida. Entre los Invitados figura el director de fotografía Javier Aguirresarobe. 2005). el Instituto Goethe continúa con su retrospectiva dedicada a Alexander Kluge.De izqda. Allí se muestra una colección de carteles. la segunda. organizada por la Academia de Cine. DEL 14 DE ENERO A JUNIO. tendrá una duración de 240 horas. El festival de cortos nacionales (rodados en 35 mm) "Curt Ficcions Yelmo Cineplex" cumple 10 años. Election 2 (Johnnie To. además de publicaciones y manuscritos.ficsmadrid. DEL 17 DE ENERO AL 7 DE FEBRERO. 2005). Charlot. CAIXAFORUM. El Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universitat Autónoma de Barcelona. guiones. que impartirá una lección sobre la Importancia de la luz en los tejidos. en una programación dividida en 3 bloques de cortometrajes. una linterna mágica de tres objetivos y una Olikos que filma y proyecta con cristales. en OVNI 2008 (Barcelona).mcu. y la realizadora Inés París. Festival Curt Ficcions (Madrid y Barcelona).org VIDEOARTE GOETHE-INSTITUT. Australia. SOLIDARIO VARIAS SEDES. se han producido. www. el 2 1 . la primera.edu/mdc NO FICCIÓN FILMOTECA DE CATALUÑA. LOS MARTES DE ENERO DESDE EL DÍA 8. MASTER DOCUMENTAL UNIVERSITAT POMPEU FABRA.upf. www. Con la intención de rescatar películas de cine contemporáneo no estrenadas nunca antes o maltratadas por las salas comerciales españolas. Durante la semana del festival se organiza también un Concurso de Cortos rodados en las calles de la ciudad y podrán verse las exposicio- CURT FICCIONS CELEBRADO PARALELAMENTE EN MADRID (CINES IDEAL) Y BARCELONA (CINES ICARIA). 19:30 HORAS.e El ciclo "40 años de videoarte" ofrece cuatro visiones de este género particular en cuatro sesiones con materiales varios que serán siempre Introducidas por un experto en la materia. en la celebración de su décimo aniversario. DEL 4 DE FEBRERO AL 26 DE JUNIO.es/monograficos El Cine Ambigú presenta para los martes de enero cuatro filmes: The Proposition (John Hillcoat. www. De Nens (Joaquim Jordá) o El cielo gira (Mercedes Álvarez).

el inglés Lech Kowalski. donde se presentarán documentales que buscan nuevas formas de explicar el devenir histórico.cgai. proyectará filmes como Ratataplan (Maurizio Nichetti. 2005) o Pasolini prossimo nostro (Giuseppe Bertolucci. entre las que figuran Los paraguas de Cherburgo (1964). www. Stan Brakhage. durante la última semana del mes. El tercero recopila películas históricas "invisibles" o nunca estrenadas en España. Laurence Olivier y John Wayne. 1 9 7 9 ) . 2 0 0 6 ) . TEGUESTE. de Jack Clayton. físico o anímico. 2005) y Rocco y sus hermanos (Luchino Visconti.com . y el ciclo "Gag visual: la realidad desquiciada".gencat.cat/cultura/icic VÍDEO NO IDENTIFICADO CCCB.uma. Además. la chicana Lourdes Portillo y el argentino Andrés Di Tella. www. www. de A n t o n i o Márquez. 1971). y otros dos sobre Danielle Arbid y Pawel Pawlikowsky. en el IVAC.org La exposición audiovisual itinerante "That's Not Entertainment! El cine responde al cine". www. 1983). a dcha: Exposición Chaplin en la Fundación La Caixa (Barcelona). Destacan la selección personal que Thierry Garrel.Archivos del Observatorio se presenta este año bajo el título "Exodus.com DOCUMENTAL CINES DE BARCELONA Y TERRASSA. 20:30 HORAS. Comienzan además dos ciclos: uno dedicado al realizador estadounidense Gus Van Sant y otro. como representantes de la renovación que la no ficción ha desarrollado en el último decenio. Para este mes se pasarán los filmes: Morente sueña la Alhambra. Visconti o Donen. FILMOTECAS FILMOTECA DE CATALUNYA Destacan tres ciclos. Había un padre. Por último. con motivo de la 9a Bienal Martínez Guerricabeitia. la apropiación y el cuestionamiento de sí mismo. inéditos en España y agrupados en cuatro secciones temáticas a cargo. 1960).LA FILMOTECA Hasta el 11 de febrero el ciclo "Paisajes y figuras: perplejos". de Florian Henckel von Donnersmarck. AUDIOVISUAL ANDALUZ RECTORADO DE LA UNIVERSIDAD DE MÁLAGA. de un experto internacional. dedicado al Nuevo Cine Alemán (de 1962 a 1982).filmotecadeandalucia. da a conocer lo que forma parte del "Catálogo de Obras Audiovisuales de Andalucía 2005".lacasaanimada. de David Lynch. El primero dedicado a ios mejores filmes de 2007 incluye títulos como. DocsBarcelona. de José Sánchez-Montes.p r á c t i c o . Entre ellos destacan Mast Qalandar (Till Passow. la explotación y las formas del éxodo personal o colectivo. Last Days. Las cubarauis. Reitz y Straub. www. producida por el CCCB. K l u g e . 1968) o El sentido de la vida (Terry Jones. de carácter t e ó r i c o . de Gerardo Ballesteros (el día 14) y Córdoba pueblo a pueblo. Se proyectarán también las películas nominadas a la última edición de los premios Goya. From Beyrouth with Love (Waël Noureddine. www. 2005). entre las que se cuentan títulos de Preminger. Loznitsa. Cukor.es OTRAS CIUDADES CINE EXPERIMENTAL CENTRO CULTURAL BANCAJA. José Antonio Sistiaga o Joseph Cornell. intercalación y storyboard.W. Williamson.com La II Muestra del Audiovisual Andaluz. el llamado "DXeneracion". Todos ellos estarán presentes para ofrecer clases magistrales dirigidas a los alumnos de esta edición del máster y una serie de encuentros en los que los realizadores participarán en el análisis de su obra www. dibujo al natural. entre los que se cuentan: Lázaro de Tormes. el documentalista argentino Sergio Wolf dará un curso de 20 horas sobre cine documental. continúan las secciones "Panorama de actualidad" y "Vivamente en domingo". inscrito dentro del festival Fotoencuentros 2008. seleccionados por la realizadora Montse Armengou. celebra su segunda edición con una selección de documentales recientes. proyectará películas como Inocencia perdida (Satoshi Urushihara).documentalcreativo. de Yasujiro Ozu. 1972) o La repentina riqueza de los pobres de Kombach (Volker Schlöndorff.filmotecamurcia. y Brinkmann. Peter Kubelka.com IVAC . se podrán ver aquí obras de James A. El segundo. y La giralda perdida en Nueva York. Se han programado además tres retrospectivas dedicadas a Ingmar Bergman. el International D o c u m e n t a r y Film F e s t i v a l . por su parte. www. Los márgenes del Imperio" para ofrecer unos 200 vídeos de todo el mundo que reflexionan sobre lo marginal. Las señoritas de Rochefort (Jacques Demy). el ciclo "Inmigración. El viaje a ninguna parte o La silla de Fernando.org FILMOTECA DE ANDALUCÍA El ciclo "Hentai: cuando el sexo está animado". HASTA EL 30 DE MARZO.CGAI D e s t a c a el c i c l o d e d i c a d o al Nuevo Cine Alemán.es/cultura CENTRO GALEGO DE ARTES DA I M A X E . donde se repasan títulos como Die Stille vor Bach (Pere Portabella) e Irina Palm (Sam Garbarski). emigración: imágenes del desarraigo". Con el objetivo de mostrar ese cine que va más allá de la narratividad para jugar con la abstracción. o Inland Empire. Andrés Duque y Pedro Pinzolas. www. TENERIFE. DEL 29 DE ENERO AL 3 DE FEBRERO. En un ciclo que también se extiende hasta febrero podrán verse cinco pelí- FILMOTECA DE MURCIA Mientras el ciclo dedicado a revisar la filmografía completa de Robert Bresson proyecta sus últimas películas. jefe de documentales de la cadena Arte.docsbarcelona. de José Alcaide.ivac-lafllmoteca.desorg. que incluye trabajos de María Cañas. en activo hasta el 2 de junio con el objetivo de contribuir a la promoción y desarrollo de la industria audiovisual andaluza. en recuerdo a Fernando FernánGómez recopila varios títulos en los que trabajó como actor y director. donde se programa una selección de este tipo de f i l mes. ofrece para la sección "Le dernier repas" y el bloque de "Historia". layout. de Gus Van Sant. www. El guateque (Blake Edwars. culas del francés Jacques Demy. Las amargas lágrimas de Petra von Kant (R. cada una de ellas. Las señoritas de Rochefort (1966) y Piel de asno (1970). son los protagonistas de cuatro ciclos en los que se recuperarán sus trabajos más importantes. posproducción. El título del mes es iSuspense!. Descarriladas. 37° Festival Internacional de Cine de Rotterdam. con títulos de W e n d e r s . CURSO DE A N I M A C I Ó N INSTITUTO TECNOLÓGICO DE CANARIAS.es La productora canaria La Mirada Producciones organiza la segunda edición del curso "Animación tradicional y dibujos animados".edu. La vida de los otros. DEL 31 DE ENERO AL 3 DE FEBRERO.De izqda. DE ENERO A AGOSTO. propone un recorrido por distintos aspectos del cine experimental que no forma parte de la industria. La muestra de documental independiente y videoarte OVNI . Fassbinder. analiza el impacto de las corrientes migratorias y programa las películas Agua con sal (Pedro Rosado. para un máximo de 15 alumnos y estructurado en asignaturas de animación. VALENCIA. ofrecerá los filmes En el curso del tiempo (Wim Wenders. Belle époque. el tren del amor (Ken Raika) o Pabellón lésbico (Golden Boy). 14 Y 21 DE ENERO. 1976). Isaki Lacuesta. de Pedro Barbadíllo y Diego Carrasco (el día 21).

2006). Stronger. Dominique Paini y Santos Zunzunegui. además de sus cambios y crisis. DEL 14 DE ENERO AL 17 DE MARZO CON UNA PERIODICIDAD SEMANAL 19:00 HORAS. El arte del relato y su evanescencia" y la proyección de Three Times (Hou Hsiao-hsien. En la celebración del 37 International Film Festival de Rotterdam (IFFR). 2005). ROTTERDAM DEL 23 DE ENERO AL 3 DE FEBRERO. Be Kind Rewind (Michel Gondry) o Bigger. se han confirmado ya la presencia en sección oficial de los filmes: Waltz in Starlight. por su parte. 1999). acompañado por fragmentos fílmicos escogidos por el conferenciante y la proyección de una película reciente que mantenga relaciones con el tema tratado. Entre las premieres figuran Teak Leaves at the Temples. analizando sus diferentes geografías estéticas y políticas. de Garin Nugroho. de Stephen Dwoskin. de Shingo El Festival Internacional de Cortometraje de Clermont-Ferrand celebra su 30 aniversario con una programación especial. de Xiaolu Guo y The Skyjacker. DEL 17 AL 27 DE ENERO.fundacio1. el día 14 de enero.lacaixa. Nacho Vigalondo será el único representante español con su film Los Cronocrímenes.sundance. tanto nacional como internacional. con su charla: "El trompe oeil de la experiencia. que bajo el título: "El relieve oriental. Heredero.es . Laberintos. pero también una recuperación de videoclips. y entre los que se encuentran: Pretty Bird (Paul Schneider). presentarán su conferencia el día 4 de febrero. Fronteras y estrategias del ensayo" con la proyección del capítulo l/ll de las Histoire(s) du cinéma (el 18). sueños diurnos y otras mediaciones rituales" y el film Eyes Wide Shut(Stanley Kubrick. We Went to Wonderland. Destacan en el programa propuestas como la de Jean-Michel Frodon y Carlos F. de Aditya Assarat Se ofrecerá también una retrospectiva del realizador japonés Masahiro Kobayashi y dos homenajes a Robert Breer y Cameron Jamie. Fuera de competición. Viaje por un continente visionario. www. nacional y Labo (centrada exclusivamente en el corto digital más experimental). Elogio del minimalismo" el día 25. ESTADOS UNIDOS. Francesco Casetti dará el pistoletazo de salida. www. Jonathan Rosenbaum ofrecerá su ponencia: "Tiempo de fantasmas. UTAH.com CON LOS CAHIERS 10 M I R A D A S TRANVERSALES AL ESTADO DE LA FICCIÓN FUNDACIÓN CAIXA FORUM. Flower in the Pocket. se han preparado retrospectivas dedicadas a la creación corta que llega del Sudeste asiático y del África francófona. Para el 10 de marzo está programada la aportación de Thomas Elsaesser y Carlos Losilla sobre "El principio de la incertidumbre: Europa Cinemas". Además de las tres modalidades de competición: internacional. además de aumentar la dotación de sus Premios Tiger (abierto a operas primas o segundas cintas). North Starr (Matthew Stanton). Ejercicio de identificación del vértigo posmoderno" y el apoyo del film Inland Empire (David Lynch. mientras Alain Bergala y Àngel Quintana hablarán sobre "El paisaje-tapiz y las formas del mundo. la propuesta de este seminario sobre el estado actual de la ficción se plantea como un amplio y hetereogéneo recorrido por el cine de las últimas décadas. y Wonderful Town. pera prima del guionista irlandés Martin McDonagh. festival. Con la presencia de prestigiosas figuras del pensamiento crítico. de Jeff Pickett. cada una de las sesiones incluirá un coloquio en torno a un asunto concreto.EXTRANJERO SUNDANCE PARK CITY. Así.filmfestivalrotterdam.clermont-filmfest. Dará paso a una selección de 64 filmes internacionales donde domina el género cómico. The Sun and the Moon.com Bajo la dirección y coordinación de Domènec Font. DEL 1 AL 9 DE FEBRERO. www. una recopilación de los cortos premiados por el público durante los treinta años de trayectoria del festival y otras originales propuestas. El Festival de Cine Independiente de Sundance inaugurará su 24 edición con la comedia In Bruges. CLERMONT-FERRAND FRANCIA. el día 11 de febrero. de Liew Seng Tat. BARCELONA. Faster (Christopher Bell). ofrecerán la conferencia "El pensamiento se mueve en los márgenes.org Wakagi.

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