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UBIETA Enrique

UBIETA Enrique
n. 1934 en La Habana

Compositor y crítico musical cubano, hoy establecido en Nueva York,
autor de la música de varias películas y obras sinfónicas, vocales, de
cámara, etc. También ha mostrado poseer muy exactos conocimientos
de la técnica de la guitarra, componiendo para ella las obras "Bimodal"
(1975, estrenada en el Carnegie Recital Hall de Nueva York),
"Sleepless Street" (1984) y "New York Rush", esta última transcripción
para el instrumento de una pieza orquestal anterior, hecha por el propio
compositor y grabada en 1985 por Carlos Barbosa Lima.


UGOLETTI Paolo
n.1956 en Brescia, Italia

Comenzó los estudios de música en su ciudad natal con G. Facchinetti y G. Ugolini (armonía,
contrapunto, fuga y piano), prosiguiendo su formación en el Conservatorio "G. Verdi" de Milán con
G. Manzoni (composición y orquesta). De 1977 a 1979 frecuentó los cursos de perfeccionamiento
de F. Donatoni en la Academia Chigiana de Siena, donde en 1979 obtuvo un "diploma al mérito".
Diplomado en composición en 1980, ha enseñado contrapunto y fuga en el Conservatorio "G.
Rossini" de Pasaro. Actualmente enseña en el Conservatorio de Brescia. Sus composiciones han
sido ejecutadas en diversos festivales de Italia y Francia. En el catálogo de Edizioni Suvini Zerboni
figuran sus obras "Bianco il sonno degli endimioni" (1982) y "Due Studi" para guitarra sola, e
"Invito alla danza" (1983), trío para flauta, guitarra y piano.

UHL Alfred
n.1909 en Viena – m.1992

Se inició muy pronto como compositor, escribiendo a los diecisiete años una "Messe". En 1927
ingresa en la Escuela Superior de Música de Viena, donde recibe las enseñanzas de F. Schmidt.
Aquí también ejercerá él más tarde como profesor, a partir de 1945, tras resultar gravemente herido
durante la segunda guerra mundial. Su música posee un lenguaje muy personal, rico en hallazgos,
destacando en ella el oratorio "Gilgamesch", estrenado en 1957. Entre sus obras encontramos:
"Französischer Walzer" (Walker, Heinrichshofen's Verlag), "Sonata clássica" (Segovia, Schott) y
"Zehn Stücke" (Scheit, Universal Edition), así como "Trio" para violín, viola y guitarra (Doblinger).














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UHLMANN Ferdinand

UHLMANN Ferdinand
n. 1944 en Engwang/Thurgau, Suiza

Inició la formación musical con su padre, estudiando con él el piano. Siguió sus estudios en el
Conservatorio de Winterthur, en la clase de Spiro Thomatos, hasta diplomarse en guitarra en 1968.
Trasladado después a Viena, allí trabajó con Karl Scheit hasta 1971, en cuyo año se diplomó en
virtuosismo. Participó en cursos de guitarra impartidos por Julian Bream y Narciso Yepes en
Lucerna, y de laúd por Eugen Müller Dombois, en la Schola Cantorum Basiliensis. Hasta ahora
viene desarrollando su actividad concertística en el ámbito de la música de cámara, actuando con la
guitarra en dúos con la flauta y el violín, y con el laúd en conjuntos especializados en la música del
renacimiento y del barroco con instrumentos de la época (Consortium Musicum Biel, Ensemble
Canzona, etc.). Ha grabado dos discos para el sello "Duraphon" con el flautista Peter Wurz (HD
216, 1975 y HD 244, 1976), interpretando páginas de Bach, Giuliani y de otros maestros. En su
repertorio también se cuentan obras de compositores modernos tales como de Ulrich Gasser, Jost
Meier y Daniel Kaiser, en parte por él estrenadas. Ferdinand Uhlmann, que desde 1972 ejerce la
enseñanza en la Academia de Música de Basilea, ha realizado asimismo una serie de transcripciones
(Breitkopf & Hartel), en las que la guitarra asume una responsabilidad de instrumento continuo.

UKELELE
Ver CAVACO

UNCILLA Lourdes
n. 1958 en Bilbao

Comienza sus estudios musicales (piano y guitarra) en su ciudad natal a muy temprana edad,
finalizandolos en 1976 en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Se perfecciona en
la técnica guitarrista participando en cursos de verano como el "Incontro Chitarristici di Gargnano"
(Italia), "Oscar Esplá" (Alicante), "Manuel de Falla" (Granada), etc. Ha dado conciertos de guitarra
en España e Italia. A partir de 1983, sin embargo, Lourdes Uncilla se dedica a la construcción de los
instrumentos de la familia del laúd y la guitarra, investigando, junto a su marido José Miguel
Moreno, en la realización de copias originales (laúdes, vihuelas, guitarras barrocas, románticas,
teorbas, chitarrones, etc.) así como guitarras contemporáneas. Su interés se centra sobre todo en las
técnicas empleadas con anterioridad a Torres, cuyo proceso ha estudiado intensamante.

URBAN Joseph
n. 1821 en Cernuc, hoy Checosl. - m. 1893 en San Francisco, USA

"Luthier" oriundo de Bohemia, discípulo de un Homolka, que se distinguió principalmente en la
construcci6n de guitarras, cítaras y mandolinas. Trabajó en calidad de oficial en Viena y más tarde
se trasladó a los Estados Unidos, donde se estableció primero en Nueva York y después en San
Francisco. Poco antes de su muerte realizó un largo viaje por Europa.









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URBAN Pierre

URBAN Pierre
n. 1930 en Estrasburgo, Francia

Realizó sus estudios de guitarra barroca y laúd en
Ginebra. A partir de 1967 actúa como guitarrista,
emprendiendo ese mismo año una gira de conciertos por
países asiáticos. A su regreso a Francia se interesa por la
guitarra eléctrica y ejecuta música de carácter
vanguardista y experimental, haciéndolo desde 1968 como
componente de los grupos "Recherches Musicales",
"Domaine Musical" y "Ars Nova". En 1973 está en París,
donde en un concierto toca "Suites" de Robert de Visée
con guitarra de cinco cuerdas, y la composición moderna
de Guy Reibel, "Disonanses", con guitarra eléctrica. Se ha
distinguido asimismo como pedagogo con ideas de
renovación, las cuales trata de transmitir a sus alumnos
del Conservatorio de Yerres y la "Maison-Alfort" en su
país.

URBAN Stepan
n. 1913 en Boranovice/Praga - 1974 en Praga

Guitarrista, compositor y pedagogo checo, sin duda el valor de mayor interés del movimiento
guitarrístico de su país en los años de la postguerra. Se formó en el Conservatorio de Praga, donde
estudió guitarra con Antonin Modr y composición con Alois Haba, diplomándose en 1938. En 1940
se le confía la cátedra de guitarra del citado centro docente, que desempeñará con éxito durante
treinticuatro años, consiguiendo formar en ella a toda una pléyade de guitarristas de auténtico rango
internacional (Antonin Bartos, Milan Zelenka, Vladimir Vectomov, etc.). Se distingue asimismo
como compositor: la "Associazione Chitarristica Italiana" de Bolonia premia obras suyas para
guitarra en los años 1954 y 1956; su pieza "Miniatures" obtiene el primer premio en el certamen
guitarrístico de Paris (ORTF) de 1963, etc. Aparte de sus obras artísticas, que destacan por la
riqueza de efectos armónicos, escribió los tratados pedagógicos "Priprawná skola hry na kytaru" y
"Cesta k'umelecke hre na kytatu" y la monografia "O Kytare", publicados en Praga.
















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URCULLU Leopoldo

URCULLU Leopoldo
Siglo XIX

Guitarrista y compositor español. Las obras encontradas hasta ahora de este músico, reflejan un
notable saber en calidad de guitarrista, arreglista y compositor; numerosos escritos lo han
considerado como el guitarrista más relevante de su época.
En la preciosa colección de música para guitarra sola, que perteneció al compositor guitarrista
catalán José Ferrer Esteve,figura una "Introducción y Variaciones..." de L. Urcullu: es un Andante,
Tema, con tres variaciones y Coda, muy guitarrístico y de buen efecto. Dicha obra, en manuscrito,
tiene la fecha de "El 17 Junio 1863", de cuyo rasgo caligráfico se deduce que es copia del que fué
José Broca.
Entre sus composiciones presentamos parte de un "Thème & Variations" pour la Guitare,
Oeuvre,10 publicado en Hambourg, chez Jean Aug. Böhme (Catalogado en el RISM ); se trata de
un inspirado tema en Mi mayor, con tres variaciones, bien armonizado y muy agradable al oído.
Esta música, podría muy bien corroborar, los elogios que le hizo F. Gómez Parreño en su poema A
Zelmira.
Thème & Variations
L. Urcullu

El poeta y guitarrista español Florencio Gómez Parreño, apreciado amigo de Aguado y admirado
por sus facultades artísticas (1), calificaba a Urcullu de gran guitarrista, equiparándolo a F. Sor y D.
Aguado, en uno de sus poemas dedicado a una de sus alumnas:

A Zelmira
Por sus adelantos y felíz disposición en la Guitarra

Del espresivo y malogrado Urcullu,
Del tierno Sor paréceme te escucho
Lindas composiciones
Llenas de novedad y de armonía
Ora del admirable
Y difícil Aguado otros estudios
Ejecutar te siento con finura...
De Urcullu, Sor y Aguado la armonía
Mi espíritu extasía..
("El Anfión Matritense" N°11, en Madrid el domingo 19 Marzo del año 1843)

Por intermedio de la casa Ricordi, de Milán, aparecieron, de Leopoldo Urcullu, algunas
adaptaciones de melodías de óperas, arregladas para Guitarra.
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URCULLU Leopoldo

En el "Catálogo general de la Música impresa y publicada en Madrid" por el grabador y editor León
Lodre (1802-ca.1850) se anunciaban en 1834, las siguientes obras de Leopoldo Urcullu:

Obras para Guitarra sola:
Variaciones sobre un tema del Pirata N°1 de Bellini.
Capricho sobre un motivo de L'esule di Roma de Donizetti.
Final sobre un tema de "I Capuleti e i Montecchi" de Bellini. N°3.
Tanda de Rigodones Elixir N°1.
Tanda de Rigodones Elixir N°2.
Polaca de Los Puritanos de Bellini.
Introducción, Variaciones y Coda del dúo del 1° acto de la ópera Guillermo Tell de Rossini.
Sinfonía de la ópera Montescos y Capuletos de Bellini.
La Queja" Introducción variaciones y coda para Guitarra, sobre un tema de una canción italiana
(Almacén de música CARRAFA, calle del Príncipe N° 15)
"La Amistad" Introducción y Polaca, y además, la siguiente serie de aires:

Nueva colección de canciones españolas y americanas con acompañamiento de piano forte y
guitarra:
La constancia. / La ocasión. / La confianza. / La ponderación (andaluza). / La jitanilla (andaluza).

Bibliografía:
(1) D. Aguado "Apéndice al Nuevo Método de Guitarra" página,8 (Madrid, 1843)
J. Suárez Pajares "Diccionario de la Música..." (SGAE, 1999) Madrid.
D. Prat "Diccionario..." 1934 (Ed. Orphée. Reprint,1986 U.S.A.)
Carlos José Gosálvez Lara "La Edición Musical Española, hasta 1936" Madrid, AEDOM, 1995.
Catálogo general de la música impresa y publicada en Madrid, Madrid, Imp. de I. Sancha, 1834
Biblioteca Fortea (Madrid)























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URIBE HOLGUÍN Guillermo

URIBE HOLGUÍN Guillermo
n.1880 en Bogotá (Colombia)

"Desde muy joven reveló un talento extraordinario para la música, a la que
se dedicó en las horas libres de colegio y estudio. Poco antes de cumplir
los once años se matriculó en la Academia Nacional de Música,
ingresando en la clase de Violín de Ricardo Figueroa y después en la de
Armonía de Santos Cifuentes, y en la de Contrapunto de Augusto Azadi.
Sus progresos fueron tales que, a los quince años, fué nombrado titular de
Violín en este mismo instituto, en que seguía como alumno de las otras
asignaturas.
Las deficiencias en la enseñanza
de la Academia de entonces y el
limitado repertorio de obras de
poco valor que se interpretaban en
ella, le hicieron abandonar este
instituto antes de su graduación reglamentaria, para
perfeccionarse en el violín con un excelente músico
panameño, Narciso Garay,futuro director del Conservatorio
y Ministro de Relaciones Exteriores, de su país, que por
aquella época residía en Bogotá. Al mismo tiempo que dio
también sus primeros pasos en la composición, terminó su
bachillerato e ingresó en la Escuela de Ingeniería,
acometiendo con tal ímpetu sus estudios,a que enfermó y
tuvo que buscar en la vida campestre el recobro de su salud
quebrantada. Después de dedicarse sin mucha fortuna, a
varios negocios, decidió salir del país. Llegó, en 1903, a
Nueva York, se incorporó al ambiente musical y tuvo
oportunidad de escuchar, por primera vez, conciertos de
elevada categoría y funciones de ópera, asistiendo, entre
otros, a un ciclo de representaciones de los dramas
musicales de Wagner, a los conciertos del entonces célebre
Cuarteto Kneisel y a la actuación de Richard Strauss con la
Orquesta Sinfónica de Boston, en la presentación de los
poemas sinfónicos de dicho compositor. Al mismo tiempo,
el Joven violinista y novel compositor tuvo que ganarse la
vida con toda clase de trabajos de transcripciones de todas
clases, la actuación en conjuntos, de baile y la composición
de valses, marchas, two-steps y canciones salonescas".
(New York, 1904) Música y Músicos de Latinoamérica (Otto Mayer Serra)


Entre sus composiciones encontramos: obras corales, más de trescientas piezas para piano, sonatas
para violín y violoncelo, un concierto para piano y orquesta, composiciones para orquesta etc.
Para guitarra escribió una Pequeña Suite, que dedicó a Andrés Segovia; esta composición ha sido
publicada en 2003 por las Ediciones Bèrben, a cargo de Angelo Gilardino y Luigi Biscaldi,
acompañada de su manuscrito. Forma parte de la colección: The Andrés Segovia Archive / General
Editor: Angelo Gilardino


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URQUIZA Nilda

URQUIZA Nilda
n. 1948 en Córdoba, Argentina

Realizó sus estudios musicales y de guitarra en su
ciudad natal y en Buenos Aires, teniendo por
maestra Matilde de Calandra, Jorge Martínez
Zárate, Lasala, Guastavino, Ginastera y
especialmente a Maria Luisa Anido,
diplomándose con el título de profesora superior
de guitarra. Cursó asimismo musicología y
actualmente desempeña la cátedra de su
instrumento, en el Conservatorio Nacional de
Lima (antes Escuela Nacional). Su actividad
concertística se ha desarrollado hasta ahora en
países del continente americano tales como
Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, Perú, etc. De
ella se ha escrito: "Su fecunda labor musical
trasciende su brillante presencia en escenarios. No
sólo es la intérprete segura, fina, de rica
musicalidad. También es maestra delicada, que
tanto en la actividad individual como en la
Escuela Nacional de Música transmite con entrega
la disciplina y técnica de su instrumento." Nilda
Urquiza, casada con el conocido pintor y escultor
Oscar Quiñanes, también escribe en periódicos y
revistas.
























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URSHALMI Joseph

URSHALMI Joseph
n. 1942 en Teheran, Iran

Inició su formación musical en Teheran, tocando en principio el "santur" iraní, una especie de
psalterio de procedencia hebrea. Su padre, un celebrado cantante de música tradicional persa, lo
instruye en las antiguas formas musicales. La música europea también le atrae y después de probar
a tañer la mandolina, inicia el estudio de la guitarra clásica bajo la guía del español Ignacio Solé
Aguilar, quien desempeñaba la cátedra de dicho instrumento en el Conservatorio de Teheran. En
1966 se traslada a España para recibir las enseñanzas de José Tomás en el Conservatorio "Oscar
Esplá" de Alicante. Aquí también estudia solfeo y armonía con Rafael Casasempere. Finalizados
sus estudios, se instala en Israel, en 1968, donde comienza la carrera musical de concertista y ejerce
a la par como profesor de guitarra en la Academia de Música "Rubin". En los años 1973-75 reside
en Londres como becario del "British Council" y la Fundación Cultural Israelita-Americana",
perfeccionándose en diferentes materias musicales en la "Guildhall School of Music and Drama".
Su concierto de presentación en Londres tuvo lugar en el escenario del "Purcell Room", en abril de
1975, recibiendo muy elogiosos comentarios por parte de la crítica especializada. Interesado de
manera particular por la pedagogía, ha realizado estudios profundos acerca de la fisiología musical,
sobre la relación entre el cuerpo humano y la guitarra, sobre los métodos más adecuados para
resolver problemas técnicos de guitarristas de varios niveles, "bloqueos", "habitos viciosos", etc.,
temas a los que ha dedicado varios artículos. Altamente valorado por sus dotes para la enseñanza, a
la par que como conferenciante e intérprete, su actividad viene siendo acogida con especial interés
en Israel, España, Francia, Grecia, Alemania, Hungria, Canadá, etc.

URSILLO Fabio
Siglo XVIII

Uno de los más celebrados tiorbistas italianos, radicado en Roma en torno a 1720. Además de
tiorba, era habil ejecutante de archilaúd, guitarra, violín y flauta. Mendel y otros tratadistas le
atribuyen una serie de composiciones para tiorba, guitarra y otros instrumentos.





















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USERO Manuel

USERO Manuel
n. 1916 en Ciudad Real - m. 1982 en Valencia

Distinguido concertista de guitarra y compositor español.
Manuel Usero fue un gran virtuoso de la guitarra. Se distinguió
por ser un castellano noble y llano como su tierra. Desde muy
pequeño nace su afición por la música, transmitida por su madre,
persona con gran sensibilidad por las artes y, muy especialmente,
por este instrumento maravilloso: la guitarra.
Comienza sus estudios de Solfeo y de Guitarra con Don Pablo
Valencia, gran profesor de reconocido prestigio; el pequeño
Manuel Usero pronto se destacó en sus dotes, y, con tan sólo
ocho años, dio dos extraordinarios conciertos, junto con su
maestro, en el Palacio de la Diputación de Ciudad Real.
Continúa perfeccionando sus estudios de Música y Guitarra y
descubriendo sus secretos. Siendo todavía muy joven se desplaza
a Madrid, donde conoce a guitarristas de su tiempo con los que
toca y hace amistad; escritores y compositores del momento, "la
época tenía grandes dificultades, pero estaba llena de
creatividad".
Realizó varias actuaciones en el Teatro Español de Madrid como concertista profesional consiguió
un gran éxito.
Por aquellos años en la capital española conoce a Daniel Fortea, extraordinario músico. Eran los
últimos años de Fortea en su casa de Madrid. El joven Manuel Usero visita a Fortea y mantienen
diálogos y análisis sobre la guitarra y su escritura en el cifrado acompasado. Sus opiniones
discrepan en algunas cuestiones, ya que Manuel Usero sostenía que, en el cifrado de la guitarra, el
orden de las cuerdas deberia ser el de Mi de la prima, es decir, la primera cuerda al aire abajo, y el
Mi sexta, la sexta cuerda al aire arriba, tal y como leemos un pentagrama, y no la inversión de
cuerdas. Las discrepancias, sin embarago, no afectaron a su estrecha amistad y, de cualquier forma,
Manuel Usero siempre guardó un especial recuerdo a Daniel Fortea en toda su obra.
Manuel Usero siguió cultivando su entusiasmo y amor por la música, aprendiendo a amar y a
descubrir la belleza que tiene un instrumento tan especial como la guitarra. Con entrega, esfuerzo,
tesón y una enorme capacidad llegó a ser un gran maestro, el maestro Usero, como todos le
llamaban y recuerdan con muchísimo cariño.
Es contratado para hacer giras por España y, en estas giras, deja muy alto su buen hacer, su forma
tan profesional de realizar las cosas.
Su repertorio es extenso y exquisito, pero sobre todo Tárrega y Albéniz, ¡había que ver qué bien
sonaban en sus manos, interpretados con ese gusto y elegancia que le caracterizaba!.
También, aunque él no era andaluz, le sacaba al flamenco ese desgarro trágico y hondo, con
señorío, donde sus trémolos y bordones eran únicos.
Su sensibilidad humana y artística le llevaban a la inspiración, escribiendo un gran número de
partituras extraordinarias, como autor y compositor, formando parte de la Sociedad de Autores de
España.
Entra a formar parte y dirige el Grupo de Coros y Danzas de Ciudad Real, iniciando un trabajo muy
laborioso de investigación, rescatando mucho folklore que se encontraba perdido, que había sido
olvidado a lo largo de la Historia.
Durante los dificiles años de la Posguerra Española, los años cincuenta y sesenta, en los que estuvo
como Director Musical del Grupo, viajó por toda España y el extranjero, y estuvo en países como
Francia, Italia o Mónaco. El grupo es requerido para actuar en diferentes ciudades de Marruecos y
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USERO Manuel

es invitado por la Embajada de España al mismísimo Palacio de Hassan II, donde el Grupo actuó
con un enorme éxito.
Más tarde viajan a Nueva York, hacia el año 1965, donde son contratados para quince días. La
estancia se prolongó finalmente a tres meses debido al éxito y acogida que tienen entre los
ciudadanos neoyorquinos; durante ese tiempo, Manuel Usero conoce a mucha gente y hace buenas
amistades, que le proponen instalarse en la ciudad de Nueva York para dar clases y conciertos. Él
rechaza la propuesta por el amor que profesaba a su tierra.
Los muchos años que pasó al frente del grupo, cosechando éxitos y dejando muy alto el pabellón
español, le valieron el nombramiento de Folklorista de Honor.
El maestro Manuel Usero fue un gran trabajador, siempre al servicio de la música, su pasión.
Dedicó muchos años de su vida a la enseñanza, transmitiendo a sus alumnos esa sensibilidad a la
música y, en especial, a la guitarra. En su tierra, Ciudad Real, es muy querido, admirado y
recordado, es toda una institución; buena prueba de ello fue el Homenaje que le brindaron en el
Conservatorio de música de la ciudad, al que acudió gran cantidad de gente.
El maestro Usero era muy serio, pero con un gran sentido del humor. Se le veía siempre optimista y
viendo el lado bueno de la vida. Romántico y alegre, le gustaban las cosas bien hechas. Era un
estudioso que buscaba siempre lo dificil, porque decía que lo fácil "lo hacía cualquiera". Iba
siempre impecable y sin romper la compostura ante las dificultades.
Para terminar este pequeño homenaje diremos que el maestro Usero fue un hombre bueno y un gran
artista.

El alma de una guitarra llora,
con profundo sentimiento,
se desgarra en silencio,
y no vibran sus arpegios.

Manos largas de nácar,
su genio y arte plasmaban,
bellos sonidos flotaban,
y así su guitarra hablaba.

Vertiginosos acordes,
grandiosidad en sus bordones,
siempre estarán cn la mente,
sus deleitados valores.

(Carmen Usero) "Royal Classics" N° 21
Valencia / 2000












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USHER Terence

USHER Terence
n. 1909 en Manchester - m.1969 en Manchester

Guitarrista, compositor y pedagogo inglés. Entre los años 1932 y 1936 fue componente de una
agrupación integrada por instrumentos de cuerda a plectro y actuó en calidad de solista de guitarra
en otras diversas, cultivando entonces géneros ligeros. Es después de escuchar a Andrés Segovia en
uno de sus conciertos en Liverpool, en 1937, cuando despierta en él la pasión por el repertorio
clásico, en el que se instruirá a partir de ese momento. Asiduo colaborador de la "Guitar Review" de
Nueva York y profesor de guitarra del Royal College of Music de Manchester, desde 1954, fue
asimismo autor de una serie de composiciones originales para el instrumento, tales como "Suite al
estilo del siglo XVII", "Sonata", "Impromptu y Menuett", "Canzoncina y Arabesca", "Epitafio en
memoria de Manuel Ponce", etc., y del tratado pedagógico "Tutor for the Guitar". John W. Duarte
recibió sus enseñanzas.

USILLOS Carlos
n. 1934 en Valladolid

Comienza los estudios musicales en su ciudad natal con
Mariano de las Heras, trasladándose posteriormente a
Madrid, donde perfecciona sus estudios de guitarra clásica
con Regino Sainz de la Maza. Asiste también a "Música en
Compostela" como alumno en la cátedra de guitarra
impartida por Andrés Segovia. Simultanea después la
actividad concertística, dentro y fuera de España, con la de
docente. Sus colaboraciones, mientras tanto, con el cine y
la televisión le acercan a estos medios, particularmente al
último, en el que hace importantes trabajos que le aportaran
el Premio Nacional de Realización por el programa
"Concierto" y el de "Ondas" por el titulado "Encuentro con
la Música". Ha sido Jefe de Programas Musicales de la
Segunda Cadena y del Departamento de Programas
Musicales y Variedades de Televisión Española. Carlos
Usillos, buen guitarrista, que abandonó sus estudios de
Derecho para dedicarse a la música, ha estado en contacto con el mundo universitario a través de
sus conocimientos de los instrumentos populares de pulso y púa, habiendo sido tiempo atrás
director de las Tunas de los distritos universitarios de Valladolid y Madrid. Licenciado en Ciencias
de la Información, Carlos Usillos es autor, entre otros trabajos, de un librito biográfico de Andrés
Segovia, (139 páginas) publicado por el Servicio de Publicaciones del Ministerio de Educación y
Ciencia, en 1973.










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UTRERA Félix de

UTRERA Félix de
n. 1929 en Las Palmas de Gran Canaria

Su nombre auténtico es Félix García Vizcaíno. A la edad de dos años lo llevan a Utrera (Sevilla), de
donde son sus padres, y allí crece y despierta su afición por el arte flamenco y la guitarra. A los
dieciseis años se traslada a Cádiz, participando poco después en algunos concursos de cante
organizados por la radio local, como guitarrista oficial del programa. Seguidamente actua en un
tablao de Barcelona durante cuatro años, hasta ser contratado por el Ballet de Roberto Iglesias para
una gira por Estados Unidos y la América Latina, que se prolonga por espacio de tres años. En 1960
regresa a España y debuta en el madrileño Corral de la Moreria, donde en la actualidad se le sigue
escuchando. Félix de Utrera es desde hace unos dieciseis años (1965) el guitarrista oficial de Lucero
Tena, con la que ha recorrido los cinco contenentes, y ha grabado hasta ahora alrededor de
doscientos cincuenta discos acompañando a figuras tales como Valderrama "Chocolate", "E1
Sevillano", Pepe Aznalcollar, Gabriel Moreno, "Pepe el Culata", Manolo Fregenal, "Pepe el de la
Matrona", Lola Flores, etc. Estuvo estrechamente relacionado con el genial "Niño Ricardo", y lo
sigue estando con el no menos celebrado "Sabicas", habiendo grabado con ambos discos a dos
guitarras. También es compositor y autor de múltiples trabajos literarios relacionados con el cante
flamenco. Asimismo ha escrito un interesante libro dedicando al instrumento (aún sin publicar), en
el que aporta valiosos datos de guitarristas de épocas atrás y de la presente. Félix de Utrera se ha
distinguido como exponente de la escuela guitarrística del "Niño Ricardo", de la que en estos
momentos es uno de sus más fieles seguidores.





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VACA Pirai

VACA Pirai
n. 1967 en Santa Cruz (Bolivia)

En 1977, se inicia en el Instituto de Bellas Artes de Santa Cruz con el Profesor Luis Valdéz Alba.
En 1986, termina el nivel medio en el Collegium Musicum de Buenos Aires con el Maestro Horacio
Ceballos. En 1992, obtiene la Licenciatura en el Instituto Superior de Artes de la Habana con el
Maestro Jesús Ortega. En 1985, Gira de conciertos por las ciudades de la Paz, Cochabamba, Sucre y
Santa Cruz (Bolivia). En 1986, participa en el Seminario de guitarra organizado por el Mozarteum
de São Paulo y el Profesor Henrique Pinto en Brasil. Presentaciones en el Collegium Musicum de
Buenos Aires (Argentina). En 1987, Recitales en las principales salas de la Habana y giras por las
ciudades de Mea e Isla de la Juventud (Cuba). Primer Premio del concurso de guitarra del Festival
de la Creación e Investigación Artística, organizado por el Instituto Superior de Arte de la Habana.
En 1990, obtiene en el V Concurso y Festival Internacional de la Habana el premio a la mejor
interpretación de una obra latinoamericana por su versión de la Sonata de A. Ginastera. Gira de
conciertos por las ciudades de la Paz, Cochambala, Sucre y Santa Cruz. En 1991, Cofundador y
activo solista del ciclo "Jueves de la Guitarra", organizado sistematicamente en el Instituto Superior
de Artes de la Habana. Es invitado como solista al Festival de la Joven Guitarra en Camaguey
(Cuba). Gira de conciertos por las ciudades de la Paz, Cochabamba, Sucre y Santa Cruz. Graba un
cassette de Música Española del siglo XVI al XX para Producciones Siembra de Bolivia. Ofrece un
recital en Montevideo (Uruguay). Le es concedido el Premio del Cuerpo de Consular de Santa Cruz
al Joven Talento. Medalla de Oro del Honorable Gobierno Municipal de Santa Cruz. Graba para
CMBF, Radio Nacional de Cuba. En 1992, Tercer Premio en el Concurso Nacional de Guitarra de
Cuba. Finalista y Premio especial por "Tarantos" de Brouwer en el VI Concurso Internacional de la
Habana.
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VACAS o BACAS

VACAS o BACAS

Canciones danzadas de origen español de carácter sencillo y de corta duración, ejecutadas con
acompañamiento de guitarra. También se trataba de una danza llamada "Guardame las Vacas",
como lo confirmó el gran erudito español José Valdivieso (1560-1638) en su poema "Al parto de la
zagala":
"Valdestacas
danzó Guardame las Vacas".

Las Vacas se componían del esquema tradicional (I-IV-V-I) es decir, de una cadencia perfecta.
Juan Carlos Amat, en su tratado "guitarra española" (1586), decía que: "vacas, gallardas, villanos,
italianas, etc. formaban parte de una serie de danzas que se bailaban al son de la guitarra".
Las "Vacas" o "Guardame las Vacas" fue identificada con la Romanesca por A. de Mudarra, en
sus "Tres libros de música" (1546). Covarrubias, en su "Tesoro..." (1610), decía que las Vacas eran
Villancicos: "Vacas, sonada entre músicos y sobre ella han hecho grandes diferencias de
contrapunto(...) y dixose así por empezar el Villancico:

"Guardame las Vacas Carillejo por tu fé..."

Las Vacas Altas correspondían el modo mayor y las Vacas Baxas, al menor.
En España, también existe una danza llamada "Vaquería" que podría ser muy bien, la llamada
"Las Vacas".
El guitarrista español L. de Ribayaz (XVII s.) compuso "Bacas," en su libro:"Luz y norte musical
para caminar por las chifras de la guitarra española…, (Madrid,1672).
Romanesca o Guardame las vacas (A. Mudarra)
(F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)


VACCARI Riccardo
n. 1897 en Modena - m. 1941 en Bolonia

Guitarrista, pedagogo y publicista italiano, discípulo de Astorre Fiorentini, Mario Maccaferri y
Luigi Mozzani. Doctor en química, aparte de su actividad concertística y pedagógica, sobresalió
sobre todo en la promoción del instrumento. En 1922 fundó la Sociedad "Mauro Giuliani",
ofreciendo la presidencia de la misma a L. Mozzani, y en 1934 la revista "La Chitarra", en
colaboración con R. Ferrari y B. Terzi, colaborando en ella como redactor durante varios años.
Distintas editoriales italianas dieron a la estampa una serie de transcripciones suyas para la guitarra.








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VACCARO Jean-Michel

VACCARO Jean-Michel
n.1938 en Petit-Quevilly / m.1988 en Tours

Notable musicólogo y director de coro francés, que dedicó parte de su carrera, a la música de Laúd
del siglo XVI, especializándose en este género. El trabajo principal que escribió fue una tesis sobre
"La Musique de Luth en France au XVI
siècle". publicada por el "Centre National de la
Recherche Scientifique" (CNRS), París, 1981.
La primera parte de este importante trabajo,
trata del Laúd en la sociedad francesa del siglo
XVI. La segunda, de la puesta en tablatura de
modelos vocales. La tercera de la música de
Laúd, y el repertorio de las danzas. La cuarta,
de los Preludios y Fantasías.
Un verdadero monumento en el campo de la
música del Laúd en Francia. El interés musical
de Jean.Michel Vaccaro lo encamina hacia
otros siglos, estudiando a Schütz, Schönberg o
Stravinsky. Entre 1963 y 1992 ocupa el cargo
de director de coro del "Ensemble vocal
universitaire", creado por el mismo Vaccaro.
En 1974 es nombrado director adjunto del
"Centre de la Renaissance" de Tours, siendo
nombrado director de este centro en 1991. El
mes de julio de este mismo año, tiene lugar en
el "Centre d'Etudes Supérieures de la
Renaissance" el XXXIV coloquio internacional
de estudios humanísticos, consagrado este año
al "Concert des voix et des instruments à la
Renaissance". El mes de octubre de 1992, este proyecto de Jean-Michel Vaccaro se realizó con la
ayuda de excelentes colegas como: Howard Mayer Brown, Jean-Pierre Ouvard y David Fallows.

Obras de Jean-Michel Vaccaro, publicadas por las Ediciones CNRS:

Le Luth et sa musique / La Musique du Luth en France au XVIe siécle / Œuvres d'Adrian Le Roy /
Œuvres d'Adrian Le Roy, 1 et 2 / Œuvres d'Albert de Rippe,2 / Œuvres d'Abert de Rippe,3 / Œuvres
de Francesco Bianchini / Œuvres de Pinel / Œuvres de Vaumesnil, Edinthon, Perrichon, Rael
Montbuysson, La Grotte, Saman, La Barre / Œuvres des Dubut.
The Rake's Progress (Responsable de publication)


VALDAMBRINI Francesco
Siglo XVII

Guitarrista italiano, del que se conocen dos libros de tablatura para guitarra barroca de cinco
cuerdas, publicados en 1646 y alrededor de 1647 en Roma.




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VALDERRÁBANO Enríquez de

VALDERRÁBANO Enríquez de
n. hacia 1500 en Peñaranda de Duero - m. después de 1557

Notable músico, vihuelista y compositor, natural del pueblo de Peñaranda, del antigno reino de
León, España, donde nació a principios del siglo XVI (D.°, Peña y Goñi, pág. 375 - Año 1868).
Autor de una interesante obra: "Musis dicatum. Libro de música de vihuela intitulado "Silva de
Sirenas". Compuesto por el excelente músico Enrique de Valderrábano. Dirigido al ilustrísimo
señor D. Francisco Zúñiga, conde de Miranda", etc. Este libro es uno de los más raros en tablatura y
está dividido en siete partes. En el prólogo el autor expone su sistema. El método está compuesto
por obras originales y transcripciones, para laúd, de obras religiosas de autores como: Felipe
Verdelotto (1500-1567), José Després (a) Josquin (1540), Jaquet (✝1567) Cristóbal Morales (1500-
1553), Diego Ortiz de Toledo (✝1553), Vicencio Rufo (1511-1580), Adriano Willacerth (1490-
1562), Juan Lupus Hellinck (1541), Nicolás Gombert (1540), etc. Algunas de estas composiciones
están escritas para dos laúdes, interviniendo
el canto; las hay en italiano y en español,
siendo la obra de Valderrábano doblemente
interesante, por figurar poesías que se
creyeron perdidas por no hallarse en parte
alguna. Al final de este volumen se lee: "Fue
impreso en la muy insigne y noble villa de
Valladolid, llamada Pincia en otro tiempo,
por Francisco Fernández de Córdoba,
impresor; Año 1547, en fol." Un ejemplar de
"Silva de Sirenas" se encuentra en la
Biblioteca Nacional de Madrid y otro, en la
Biblioteca Imperial de Viena.
G. Morphy, en su obra "Les Luthistes
espagnols du XVIème Siècle", se ocupa en
las páginas 132 a 173, tomo II, en darnos
transcriptos en notación moderna, una buena
colección del contenido de "Sirenas", con el
respetable número de catorce obras varias y
nueve villancicos. Felipe Pedrell, en su
"Cancionero musical popular español", tomo
III, nos transcribe cuatro, que indica con los
números 57 al 60; muy bien tratados y dignos
de adaptarlos a nuestra guitarra. Luisa Lacal,
en su "Diccionario de la Música", pág. 560
(año 1900), nos dice que se ha publicado de
Enríquez de Valderrábano un "Tratado de
cifra nueva para tecla, arpa, vibuela, canto
llano de órgano y contrapunto, en Alcalá de Henares, año 1557, en folio". Valderrábano, como
Bermudo, Fuenllana, Milán y tantos otros vihuelistas del siglo XVI, merece el reconocimiento de
los guitarristas actuales y futuros. Si antaño vihuela no era guitarra, ésta se engrandeció y lució las
galas de aquella.





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VALDÉS Marta

VALDÉS Marta
n. 1934 en La Habana

Guitarrista y compositora de música popular cubana. Tuvo entre sus maestros a Francisqueta
Vallalta, Guyún, Leopoldina Nuñez y Harold Gramatges. Cultiva el género denominado "filin",
iniciado hacia la mitad de la década de los cuarenta y que consiste en el modo de decir la canción e
incluso el modo de acompañarse a la guitarra. Sobre Marta Valdés ha dicho Radamés Giro: "El
movimiento filin tiene sus deudores. Pienso principalmente en Marta Valdés, a quien Guillermo
Rodríguez Rivera ubica en el neofilin. Marta es una de esas creadoras que, por serlo de veras, no se
ha estancado en una etapa, pues hay en ella demasiadas inquietudes y cultura para moverse en una
sola línea. Dotada de amplias facultades para crear melodías y procedimientos armónicos muy
complejos, la concepción general de sus obras delata sus amplios conocimientos musicales y
literarios. De fina sensibilidad artística, a Marta Valdés hay que ubicarla como uno de los pilares
más solidos de la canción cubana actual." Añadamos que también ha compuesto música para
películas y obras teatrales.
(Radamés Giro : "Leo Brouwer y la guitarra en Cuba", La Habana, 1986)

VALDÉS Santino
Siglo XVI

Vihuelista español, ejecutante y compositor, del que, según la Enciclopedia Espasa Calpe (tomo 68,
Pag. 1163), se conservan algunas obras manuscritas en la Biblioteca de Berlín.

VALDÉS BLAIN Alberto
n. 1921 en La Habana

Sus padres emigran a los Estados Unidos en 1924, instalándose en Nueva York. Allí, más tarde,
Alberto estudia primero piano y composición en la Creenwich House y en la Julliard School.
Después, tras oír a Andrés Segovia en uno de sus conciertos, tanto él como su hermano Rolando
sienten la vocación guitarrística y ambos estudian el instrumento con el uruguayo Julio Martínez
Oyanguren, terminando la carrera en 1950. En 1956 también asiste a los cursos de Andrés Segovia
en Siena (Italia). Comienza la actividad concertística en 1941 en el Carnegie Chamber Music Hall
de Nueva York, desarrollando ésta a partir de entonces por todo el territorio de los Estados Unidos y
en Canadá. Aún así, ha dedicado la mayor parte de su tiempo a la enseñanza del instrumento,
ejerciéndola en la Society of the Classic Guitar, en la Greenwich House Music School, en la School
for Musical Education, en el Brookland Conservatory y en clases particulares en su propia
academia. Autor de numerosos artículos relacionados con la guitarra, publicados en revistas
especializadas, muchos de los mejores guitarristas actuales estadounidenses fueron alumnos suyos.
(A.U.Mallo)











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VALDES BLAIN Rolando

VALDES BLAIN Rolando
n. 1922 en La Habana

Guitarrista cubano-norteamericano, hermano de Alberto. Como en aquel, un concierto de Andrés
Segovia despertó en él la afición por el instrumento, del cual recibió las enseñanzas del uruguayo
Julio Martínez Oyanguren, en Nueva York, y del español Regino Sainz de la Maza, en Madrid,
graduándose en el Conservatorio de esta capital. Su actividad concertística se ha desarrollado en
América del Norte, Centro y Sur, en Canadá y en Europa, sobre todo en España, actuando en
recitales individuales, acompañado de orquesta y a veces formando dúo con su hermano. También
ha colaborado con el Ballet Nacional Español en sus giras por el continente americano. Ha
compuesto algunas revistas, que fueron estrenadas en Broadway. Radicado en Nueva York,
actualmente prosigue la carrera de concertista, ejerciendo además como profesor de guitarra en la
Escuela de Música de Manhattan.
(A.U.Mallo)
Alberto y Rolando VALDÉS BLAIN

VALENTE Agostino
Ver ITALIANO Duo Chitarristico

VALENZANO Giovanni Maria y Pietro
Siglo XIX

Dos "luthiers" italianos, probablemente oriundos de Nápoles. Giovanni Maria estuvo establecido
en Barcelona entre los años 1808 y 1812, donde construyó principalmente guitarras que se
distinguieron por la bella sonoridad. Pietro tenía su taller instalado en Nápoles desde recién
iniciado el siglo XIX, superando en prestigio a su hermano.


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VALERIUS Adrian

VALERIUS Adrian
Siglo XVII

Dio a la estampa la obra "Nederlandteche Gedenck Glanck... Tablatuer van de Luyt en Cyter..."
(Harlem, 1626), que contiene una bella colección de canciones holandesas para cistro de cuatro
cuerdas.

VALERO Antonio
n. 1936 en Madrid

Este guitarrista y pedagogo español estudió el instrumento en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid, bajo la dirección de Regino Sainz de la Maza. En 1959 se ausenta de España,
dándose a conocer como concertista en diversas ciudades europeas. Por último se establece en
Schaffhausen (Suiza), donde durante algún tiempo se dedica a la enseñanza a la par que perfecciona
su formación con Spiro Thomatos en Winterthur. Desde 1970 Antonio Valero dirige una cátedra de
guitarra en el Conservatorio de Winterthur, alternando esta actividad con la de sus conciertos.
Además de la actuación solista, desde 1973 cultiva la música de cámara como componente del
"Gitarrentrio Thomatos".

VALLALTA José
n. ? - m. 1932 en La Habana

Concertista y profesor de guitarra español, autodidacta, distinguido maestro de principios del siglo
presente. Levantino, sostuvo relación con Tárrega, de quien recibió algunas orientaciones. Entre los
años 1918 y 1921 estuvo radicado temporalmente en la localidad de Ondara, pueblo de la provincia
de Alicante, donde inició en el instrumento al guitarrista Fernando Company. Emprendiendo
después viaje hacia la América Latina, lo encontramos por último en la isla de Cuba en la que le
sorprende la muerte.






















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VALLALTA Manuel

VALLALTA Manuel
n. 1929 en Verger (Valencia) - m. 1988 en Denia

Guitarrista español, hijo de un médico y una profesora de piano.EI hecho de vivir su infancia en un
ambiente musical, lo llevará más tarde a tomar pasión por la guitarra.
A los 16 años, empieza a estudiar éste instrumento de manera heterodidacta, con los clásicos
métodos de Sor, Aguado, Carulli y la"Escuela de Tárrega" que Pascual Roch publicó; embebido de
las obras y estudios de los citados maestros, adquiere una sólida formación instrumental, obteniendo
un amplio repertorio de piezas de elevado nivel.
En 1954, se traslada con su familia a Valencia donde, compaginando trabajo con estudio se hace
Perito Mercantil; durante ese tiempo se inscribe en la Sociedad Coral "El Micalet"tomando cursos
de guitarra, impartidos por Miguel Jesús Pérez.
Durante los años 1954 -58, termina los estudios en esta entidad, obteniendo las calificaciones de
Sobresaliente y Matrícula de Honor.
Manuel Vallalta, participó en la Rondalla Sociedad Coral"El Micalet ", en la que tenía el "rô1e" de
tocar la música destinada a la primera guitarra.
En los actos de fin de curso que organizaba la Sociedad Coral, era llamado para clusurar dicho
evento, interpretando bellas páginas musicales de Tárrega, matizando con delicadeza los dulces
sonidos que extraía de su instrumento.
Los múltiples recitales íntimos que dio Manuel Vallalta en Valencia, siempre fueron muy
aplaudidos y apreciados por los amantes de la guitarra que asistían a estas veladas musicales.
En 1961, se traslada a la ciudad suiza Baden, permaneciendo en esta villa hasta 1970; este mismo
año regresará a España, fijando su residencia en Denia, ciudad donde había transcurrido gran parte
de su infancia y de donde eran originarios sus padres.

VALLE Antonio del
Siglo XIX

Constructor de guitarras español, que debió aprender el oficio con su padre, junto al cual y a su
hermano Nicolás trabajó en la calle Elvira, 54, de Granada, desde antes de mediados el siglo XIX.
En su obra "Inventario de guitarreros granadinos (1875 -1983)", Eusebio Rioja nos dice de este
artesano: "Conocemos una guitarra suya, pero la etiqueta no nos da la fecha. Según su estilo, puede
situarse en el último tercio del XIX. Ya se aprecia en este trabajo la influencia de Torres. La
similitud entre ambos estilos, nos lleva a confirmar que en aquellas fechas se había impuesto su
construcción y Antonio del Valle era fiel reflejo de la misma". Otras fuentes apuntan que también se
había especializado en guitarras "para señoritas", más pequeñas de tamaño y muy en boga entonces,
que solicitaban las damas con aficiones musicales de la buena sociedad. Posteriormente Antonio del
Valle debió independizarse e instalar su taller en la calle Alhóndiga de la ya citada ciudad andaluza.

VALLE Nicolas del
Siglo XIX

Guitarrero español, hijo de Agustín, asimismo constructor de guitarras, y hermano de Antonio, con
el que durante algún tiempo trabajó junto en la calle Elvira, N° 54, de Granada. Domingo Prat nos
informa de "una preciosa guitarra" suya que se conserva en el Museo Heyer (N° 594) de Londres,
en cuya etiqueta se lee: Nicolas del Valle / Granada / 1866. Eusebio Rioja conoce otra obra
posterior de Nicolas del Valle, de 1877, que llama "un típico ejemplo de guitarrilla barata, de
pretensiones de ninguna clase. Sigue en su estilo a Torres pero con una diferencia ostensible en
función del precio, claro". Además de guitarras construyó violines, y en 1857 resultó premiado en la
exposición organizada por la Sociedad Económica de Amigos del País.
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VALLEJO Rafael

VALLEJO Rafael
Siglo XVIII

"Luthier", o como entonces se llamaba, "vigolero" español, establecido en la localidad andaluza de
Baza en el año 1792. En la obra "Inventario de guitarreros granadinos (1875-1983)", su autor,
Eusebio Rioja, incluye la descripción de una guitarra de aquel año hecha por este artista: "En esa
fecha, concluye Rafael Vallejo en Baza una guitarra que hizo para el monarca Carlos IV. Es un
instrumento excepcional. De un trabajo artesano magnífico. Infinidad de incrustaciones ajedrezadas
que decoran el mástil, zoque y cabeza por detras. Un gran sol de filetería que ocupa todo el suelo y
en el que se combina la raíz de palosanto en puzzle bellísimo. Cabeza y diapasón con marquetería
barroca. Tapa abarotada de incrustaciones con motivos vegetales, un águila bicéfala y coronada
sobre la boca y el escudo Real entre ésta y la puente al que flanquean dos leones. Es de cinco
cuerdas dobles y nada más que cinco trastes. E1 diapasón sólo llega al traste quinto donde se une
con la tapa a su mismo nivel. Presenta un raro apósito sobre el lado superior derecho - según se mira
- de la caja, adosado al mástil, con alojamientos para veinte clavijas, diez cuerdas dobles. E1 puente
se continua también hacia la derecha y en ángulo para amarrar esas cuerdas. Su aspecto es parecido
a los trabajos de José Martínez, realizados en la misma época. Sobre la curva de cintura, al lado
derecho - según se mira - tiene un texto: 'Soy del Rey Don Carlos IIII q
e
D
s
g
e
M
s
A
s
'.Y en el
reverso de la misma: 'Don Rafael Ballejo me yzo en Baza'. En su etiqueta apunta que tardó nada
menos que tres años en construirla.(...) Ignoramos como sonará ya que no hemos podido probarla.
Se encuentra en el Victoria and Albert Museum de Londres".

VALLEJO APARICIO Pedro
n. 1947 en Bahabón de Valcorba/Valladolid

Se formó en el Conservatorio Profesional de
Valladolid, donde cursó varias disciplinas
musicales (música de cámara, conjunto coral, etc.)
y guitarra. En 1975 y años sucesivos asistió a los
cursillos de guitarra clásica impartidos por José
Luis González en Estalla (Navarra), frecuentando
además otros a cargo de Miguel Barberá, Melchor
Rodríguez y Jaime Catalá. Su actividad
concertística se desarrolla principalmente en la
región castellana, colaborando con frecuencia con
la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid y
la radio local. A su vez, ejerce como profesor de
guitarra en el Instituto Provincial de Música de
Soria.











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VALLER Ana

VALLER Ana
n. 1859 en Utrera/Sevilla - m. 1879 en Sevilla

Guitarrista española, hija y alumna predilecta de Juan Valler, con quién estudió la técnica del
instrumento desde muy niña. Dotada de natural talento, en 1875, con sólo dieciseis años de edad,
fue llamada al Alcazar de Sevilla y nombrada profesora de guitarra de Isabel II y altas damas de su
corte. Murió muy joven, a poco de cumplir de veinte años.

VALLER Juan
n.1835 en Utrera/Sevilla - m. 1926 en Buenos Aires

Cuando Tárrega aún no había nacido, ya gozaba este guitarrista de merecido renombre en Sevilla,
en cuyo Alcázar se dejaba escuchar con frecuencia ejecutando con guitarra Torres obras del
repertorio clásico. En sus programas figuraban generalmente páginas musicales de Huerta, Carnicer,
Arcas, Muro, Cano, Parga, etc., los maestros de su tiempo, a todos los cuales lo unía una estrecha
amistad, sin dejarse influenciar por los temas operísticos, tan en boga entonces. En 1878 se trasladó
a Buenos Aires, en donde desde el comienzo de su estancia en aquella capital disfrutó de calurosa
acogida, sobre todo por parte del también guitarrista, médico y político, Nicanor Albarellos, quien
lo hizo actuar en repetidas ocasiones en veladas artístico-familiares y cuidó de que entre sus
alumnos no faltará nunca lo mejor y más selecto de la sociedad porteña. Poco después de su llegada
a Buenos Aires, hizo venir a toda su familia y allí desarrolló su actividad guitarrística como
profesor, concertista y compositor hasta principios del presente siglo. A su muerte, ocurrida a la
avanzada edad de noventaiún años, dejó una serie de preludios, plegarias y temas con variaciones,
algunos de ellos dedicados a sus amigos Arcas y Parga.


























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VALLET Nicolas

VALLET Nicolas
n. hacia 1583 - m. hacia 1642

Virtuoso de laúd e impresor francés, que estuvo radicado cerca de treinta años en Amsterdam,
donde contribuyó a la evolución de la música para su instrumento empleando una rara habilidad en
el modo de servirse de algunas figuras de contrapunto. Sus obras "Paradisus Musicus Testudinis"
(1618) y "Le second livre de tablature de luth, intitulé Le secret des Muses" (1619) le
proporcionaron una duradera celebridad.
"Vallet es una de las figuras más significativas en la historia del Laúd del tardo Renacimiento. Su
deliciosa música va estrechamente unida al instrumento y no implica, en general, excesivas
dificultades técnicas. Nació en Francia, y por razones que se desconocen, emigró a Amsterdam en
1613, permaneciendo en esta ciudad, aparentemente, a lo largo de su vida.
Entre 1620 y 1630, Vallet se asoció con tres laudistas ingleses con el fin de tocar en los casamientos
y otros eventos mundanos; es evidente que tal actividad no fue económicamente remunerativa,
puesto que, en 1633, fue designado mal pagador y expulsado de su domicilio.
La fama de Vallet se funda, hoy principalmente, en
las dos tablaturas para Laúd tituladas Le Secret des
Muses, (Amsterdam, 1615). La segunda obra merece
particular consideración por las claras, y detalladas
abundantes indicaciones ejecutivas. "Le Secret des
Muses" ha sido la primera obra impresa para Laúd en
la que se explican claramente los signos relativos a
los ornamentos (apoyaturas, trinos y ligados). Vallet,
indica cuidadosamente el digitado de la mano
derecha en la mayor parte de su música.
Siendo que casi toda la música de Vallet fue escrita
para el Laúd de 9 o 10 órdenes, una transcripción
para guitarra (sobre un solo pentagrama) no se puede
realizar correctamente.
La solución ideal consistiría en publicar la música de
Vallet en dos volúmenes diferentes: el primero, con
el facsimile del original y el segundo con la
transcripción, de la misma manera que se publicó el
"Musick's Monument" de Thomas Mace en la edición
del C.N.R.S. (...)
Aunque la edición del libro de Vallet, no se presente
como una publicación ideal, merece este trabajo una
óptima acogida: en las 260 páginas que ilustran esta
obra, el laudista encontrará horas de auténtico
deleite".
Peter Danner (Il "Fronimo" N
o
12, p. 32, 33, 1975)
Nicolas Vallet,
Livre des Psaumes. ca.161

Bibliografía
Oevres de Nicolas Vallet pour Luth seul. "Le Secret des Muses": Premier livre, 1615; Second Livre,
1616. Edition et transcription par André Souris, étude biographique et appareil critique par Monique
Rollin. C.N.R.S., Paris, 1970


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VALLS Manuel

VALLS Manuel
n. 1920 en Badalona / m. 1984 en Barcelona

"Estudió Derecho en la Universidad de Barcelona y Música en el
Conservatorio del Liceo y con el P. Donostia (armonía,
orquestación y composición). De formación estética
independiente, cultivó la mayoría de los géneros musicales.
Ejerció como profesor en la Universidad de Barcelona y en la
Escuela de Arte Dramático Adrià Gual, pronunció conferencias en
diversas ciudades de la península (Barcelona, Madrid, Santander,
Lérida, Toledo, Granollers, etc.) y en 1971 dirigió las emisiones
dedicadas a la música española de la ORTF de París, dentro de la
serie La rose des vents. Fue miembro de la Sociedad Catalana de
Musicología y fue uno de los responsables del ámbito de música
del Congrés de Cultura Catalana y miembro de la Junta
Consultiva de Omnium Cultural.
Publicó artículos y críticas en la prensa local y en la extranjera, y
ejerció la crítica musical en El País, edición de Cataluña".

Obras:
CICLO DE FANTASIAS (1971), 10' Guitarra Est.: Barcelona 7/6/79 (J. Codina)
CANCIONES SEFARDITAS (1965), 15' Sopr. Fl. Guit. Est.: Santa Cruz 3018166 (M.C.
Bustamante, S. Gratacós, J. L. Lopátegui) Ed.: Unión Musical Española
CANÇONS DE LA RODA DEL TEMPS (1953), 22' Text: S. Espriu Sopr. Fl. Ob. Cl. Guit., Vl.
Est.: Barcelona l l/7/54 (C. Badia; dir.: J. Bodmer)
CONCIERTO PARA GUITARRA Y ORQUESTA (1965), 14' Guit.; 1.1.1.1. - 1.1.0.0. - Perc. -
Corda Est.: Berna 25/2/67 (H. Leeb, Orquestra Radio Berna; dir.: K. Cornell) Ed. Clivis
Publicacions.
("Llibre per a guitarra”,Clivis Publicacions,1992,Barcelona)





















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VALS

VALS

Danza de ritmo ternario y de procedencia muy discutida. Los franceses han buscado el origen del
vals en la volte, que Thoinot Arbeau (1588) describía considerándola una gallarda provenzal, en
compás ternario, bailada girando todo el cuerpo. También se ha considerado antepasado del vals al
tourdion , que era una segunda parte (en compás ternario) de una danza medieval (s.XV), cuya
primera parte, la baja-danza, era binaria.
G. Desrat, en su "Dic. de la Danse" 1895, dice que el Vals no sería de origen alemán, y que se bailó
en Francia en el siglo XII, según las afirmaciones que presentaba el periódico "La Patrie" del 17 de
Enero, (París 1882) "Un erudito, dice este periódico, acaba de destruir la leyenda que atribuía a los
alemanes la invenvión del Vals (…) Según un manuscrito del siglo XII, se bailó por primera vez en
París el 9 de noviembre de 1178. El Vals, ya se conocía en Provence bajo el nombre de Volta; el
canto que lo acompañaba llevaba el nombre de pallada (…) Los alemanes, lo adoptaron y la Volta
provenzal se convirtió en el Waltzer germánico".
Hasta el siglo XIX, su movimiento era, en general, moderado: la edición francesa de una Sonatine
de Haydn (hacia 1766) indica para el minué: «mouvement de walze»,es decir: movimiento de vals.
La evoluci6n moderna del vals se sitúa entre 1780 y 1830. Tan pronto cómo empez6 a ser tenido en
aprecio el vals fue introducido en el teatro, en la música de ballet y en los divertissements.
El vals, que empezó siendo una danza popular, se convirtió en danza ciudadana, en Austria,
inmediatamente después de haber sido danzada en el teatro y en la Ópera en Una cosa rara, de
Martín y Soler (1786), en Viena.Una de las principales aportaciones del compositor español Vicente
Martín y Soler (1754-1806), es el de haber puesto en
moda, o haber introducido, el Vals moderno con su
periodo de 8 compases, guardando su forma primitiva.
En el transcurso de los diez años siguientes, llegó a París
y a Londres, donde fue criticado desde el punto de vista
plástico y moral, entre otros por Mme. de Genlis y por
Lord Byron.
Haydn, escribió en 1792 una suite de doce valses, para el
baile anual de la Sociedad de artistas vieneses.
En esta época, el vals, como las demás composiciones de
música de danza, era de poca extensión, y dividido en
framentos cortos, que se repetían. En 1802, Henri-
Christophe Koch en su "Musikalisches Lexikon…1802",
dijo que el vals se componía, por lo común, de dos
períodos de ocho compases cada uno. Weber y Schubert
contribuyeron en gran manera al éxito musical del vals.
Son conocidos los celebres valses dc Schubert; de los dos
famosos valses de Weber, uno de ellos, el del Freischütz,
que representa una danza de campesinos, resucita la
forma antigua del vals (1818); el otro, Invitación al Vals
(con una introducción y una pororación curiosamente
descriptivas) excede las proporciones de una danza. Es
el primer vals de concierto que se puede citar.
- El Vals -
Dibujo de Serge Ivanoff (París, 1935)
Chopin compuso diez valses para piano. El Wals-capricho de Rubinstein se ha tocado muchísimas
veces, desde la época en que su propio autor lo dio a conocer en sus tournées. E1 vals fue
introducido en el repertorio sinfónico por Berlioz, que introdujo un exquisito vals en su Sinfonía
Fantástica (1830); Chaikovski puso unos movimientos de vals en sus Sinfonías 4a. y 5a. El Camp
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VALS

de Wallenstein, de D'Indy, de tan bello colorido, se desarrolla en muchos fragmentos con ritmos de
vals. En el repertorio de las Óperas, el vals de Giselle, ballet de Ad. Adam (1841) y el vals de Faust,
de Gounod (1859) figuran entre los más favorecidos por la fortuna. Puédese citar el vals cantado de
Romeo y Julieta, de Gounod (1867). Por último hay que recordar los valses cantados a varias voces,
de Brahms, llamados Lichesliederwalzer.
La gran boga del vals como danza empezó en el segundo cuarto del s. XIX; el vals danzado fue, por
espacio de mucho tiempo, una especialidad vienesa; Jos. Lanner (1801-1843), Joh. Strauss padre
(l804-1849) e hijo, fueron los más célebres y los más fecundos representantes de esta especialidad.
El "Vals del Emperador", Op.437 de Johann Strauss el Joven, ha sido "la más bella flor que el árbol
de la música que Strauss ofreció a Viena" (W. Ritter)
Vals del Emperador
La característica del vals está en el bajo, que marca los tres tiempos, el primero con una nota
fundamental, y el segundo y el tercero con un mismo acorde. Ya en tiempos de Lanner y de Strauss
amplióse la forma primitva: el vals destinado a la danza, lo mismo que el de concierto, empiezan
muchas veces con una introducción en movimiento lento o moderado, y con un compás que tanto
puede ser binario (6/8) como ternario. Después de esta introducción, el vals danzado comienza
generalmente con dos compases de preparación rítmica, después de lo cual se construye por
períodos de ocho o dieciséis compases, de modo que formen una cadena de cinco valses, a veces
más, a veces menos, opuestos unos a otros por la variedad de los dibujos y de las tonalidades y
terminados con un vals final de la misma especie, con coda que constituye un resumen de toda la
cadena. Infinidad de voces ha sido tratado el vals en forrna de música de salón o de concierto.
En cuanto al Vals impropiamente llamado a 2 tiempos en lugar de 2 pasos, se bailó en Rusia durante
el siglo XIX.
(A título de curiosidad añadiremos que el ritmo del Vals a 2 pasos, es idéntico al ritmo del corazón.)
Ejemplo melódico del "Valse à 2 pas" de F. Chopin
Entre los numerosos Valses que se han escrito para guitarra, presentaremos a continuación en
ejemplo de un Vals en Re de F. Tárrega
Ref: "Dic. de la Musique" 1926, M. Brenet y
F. Herrera y M. Weber - "Dictionnaire de la Danse", Ed. Piles Valencia, España
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VAN Jeffrey

VAN Jeffrey
n. 1941 en St Paul/Minnesota, USA

Guitarrista y pedagogo norteamericano, formado en la Universidad de Minnesota. Estudió el
instrumento con Albert Bellson, frecuentando después "master classes" de Julian Bream y Andrés
Segovia. Su primera composición, "Elegy", en homenaje a Falla, data de 1978. En 1972 hizo su
presentación de concertista en el Wigmore Hall de Londres; en 1979 en el Carnegie Hall de Nueva
York. Ha prestado especial interés a la música moderna, habiendo realizado numerosos estrenos de
obras para guitarra sola y guitarra con otros instrumentos. aparte de la actividad concertística, ejerce
como profesor del instrumento en la Universidad de Minnesota.

VAN GONNISSEN Olaf
Ver FRANKFURTER GITARREN-DUO

VANN

Especie de "salterio" árabe con forma trapezoidal. Para ejecutarlo se coloca sobre las rodillas,
tañéndose sus cuerdas unas veces con los dedos y otras con una sortija con punta redondeada.

VARELA Eugenio
n.1909 en Monelos/La Coruña

Guitarrista autodidacta, figura muy popular en la región gallega, cuya profunda afición por el
instrumento de seis cuerdas lo ha llevado a cultivar con singular destreza un extensísimo repertorio
que agrupa los géneros clásico, ligero y moderno, además del flamenco, del que también es
ejecutante honesto. En 1925 se compró su primera guitarra, que ya había aprendido a tocar por
intuición, y con la ayuda de un músico local y el estudio de los métodos de Aguado, Sor y Carcassi,
entre otros, se hizo músico a sí mismo. A partir de 1932 comenzó a dar clases de guitarra y poco
después a darse a conocer en conciertos, sin salirse nunca del entorno ni abrigar más ambiciones
que las de sembrar con amor y devoción la afición por la guitarra en derredor suyo. Con más de
medio siglo de oficio, y numerosos discípulos aventajados, su nombre y obra reclaman un recuerdo
en este tratado.


















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VARGAS y GUZMÁN José Antonio de

VARGAS y GUZMÁN José Antonio de
Siglo XVIII

Maestro de guitarra y compositor español, que ejerció la docencia de su instrumento en España y
México. El único dato conocido acerca de él, proviene del frontispicio de su obra.
De Juan Antonio Vargas y Guzmán existe un manuscrito fechado en Cádiz en 1773 y conservado en
Oviedo. Su título es el siguiente:

Explicación / De la Guitarra de Rasgueado, /
Punteado, y haciendo la Parte de / el Baxo
repartida en tres Tra - / tados por su orden /
DISPUESTA / Por Don Juan Vargas, y Guz -
/ man vecino de esta Ciudad / de Cadiz. / Año
de 1773.
(Sobre este libro, un notable trabajo basado en
este documento, ha sido ha sido realizado por
Ángel Medina Álvarez y publicado en el
CENTRO DE DOCUMENTACIÒN MUSICAL
DE ANDALUCIA).
Un segundo manuscrito es el que se encuentra
archivado actualmente en el "Archivo General
de la Nación" (México) con fecha, 1776. Su
título:
EXPLICACIÓN / Para tocar la guitarra de
Punteado / por Musica o Cifra, y Reglas
utiles / para Acompañar con ella la Parte / de
el Baxo / DIVIDIDA EN DOS TRATADOS /
SU AUTOR / Don Juan Antonio Vargas y /
Guzman, Profesor de este Instru - / mento en
la Ciudad de Vera – cruz. / Año de 1776.

La noticia de la existencia de este manuscrito, fue dada a conocer el 2 de noviembre de 1974 por la
musicóloga y filósofa americana, Isabel Pope en la "American Musicological Society".

La importancia de estos manuscritos reside en presentar la primera música escrita para la
guitarra de 6 órdenes conocida hasta ahora.

"La EXPLICACIÓN está dividida en dos tratados, versando el primero sobre la manera de tocar la
guitarra de punteado y el segundo sobre la forma de realizar el bajo cifrado y de acompañar el canto
y los instrumentos. Después viene una tercera parte, fallante en el manuscrito de la Newberry
Library, que contiene trece sonatas para guitarra y continuo. Es interesante que Vargas incluya,
tanto la notación musical como la escritura por cifra o tablatura y que. muy probablemente, sea el
último tratado que se sirve de este sistema de escritura. Gracias a la Explicación es posible saber
que en 1776 se tocaba en México una guitarra de seis órdenes... También hay una sugerencia para
octavar los órdenes más graves cuando se puntea, y al acompañar, poner doble bordón para así
obtener un mayor volumen sonoro. Al final del segundo tratado, se halla un índice de los capítulos
de toda la EXPLICACION y después se encuentran las trece sonatas aquí publicadas.




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VARGAS y GUZMÁN José Antonio de

Guitarra de 6 órdenes
Temple

Estas aparecen, en el manuscrito original, con un bajo cifrado para ser ejecutadas con otro
instrumento capaz de tocar la parte del bajo continuo; sin embargo, al estar esta parte doblando casi
siempre la voz más grave de la parte de la guitarra, decidí realizar una versión para guitarra sola
incorporando, en donde fuese posible, el nuevo material del bajo continuo. Las sonatas de Vargas y
Guzmán son encantadoras y vienen a llenar un vacío, dentro de la literatura guitarrística, que había
sido suplido con transcripciones de obras para teclado de varios compositores del siglo XVIII. Estas
trece sonatas, en un movimiento, son interesantes en más de un aspecto: tienen un carácter
didáctico, ya que fueron escritas con este proposito como las sonatas de Scarlatti, reflejan un
periodo de la historia de la música que no contaba con ejemplos originalmente escritos para
guitarra, dan una idea de la clase de música que se componía entonces en el nuevo continente y
musicalmente, muestran algunas características formales muy especiales. Quiero expresar mi
agradecimiento a Juan José Escorza por haberme obsequiado una copia del manuscrito original
perteneciente al Archivo General de la Nación".
(Miguel Alcázar)

Bibliografía:

"13 Sonatas para Guitarra del manuscrito de Veracruz" Publicadas a cargo del concertista de
guitarra y musicólogo mexicano, Miguel Alcázar. (Ediciones Schott, 1991).
(Resumen del prólogo de esta ediciòn, efectuado por Francisco Herrera)

Juan Antonio de Vargas y Guzmán "EXPLICACION DE LA GUITARRA " (Cádiz, 1773) Edición
de Ángel Medina Álvarez . CENTRO DE DOCUMENTACIÓN MUSICAL DE ANDALUCÌA,
Granada, 1994.





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VARIACIONES (Ver DIFERENCIAS )

VARIACIONES (Ver DIFERENCIAS )

A las variaciones se les daba el nombre de diferencias, en los tratados de Vihuela de los siglos
XVI y XVII.
"En la antigua música de cámara era la reproducción de un tema original cambiando de adornos y
también de figuración, sin gran alteración de la idea principal expresada en el tema".(F. Pedrell.
Diccionario técnico…)
En el siglo XVI, la forma del tema variado, es cultivado por los maestros polifonistas en la
composición del coral. Los instrumentistas se apoderan de este principio y lo apropian a la
valoración del virtuosismo."…los compositores dieron en la flor de variarlo todo, canciones
populares, temas de ópera etc., y del abuso nació el hastío ocasionado por una práctica que rayaba
en lo insulso (…) para cualquiera que pudiese lucir habilidades trashumantes…" (F. Pedrell.
Diccionario).
Entre las variaciones más conocidas citaremos:

J. S. Bach: Variaciones Goldberg.
Händel: El forjador armonioso.
Haydn: Sinfonía N° 85 (tiempo lento). La reina.
Mozart: Sonata en la, para piano.
Schubert: Quinteto de La trucha.
Schumann: Estudios sinfónicos.
Brahms: Variaciones sobre un tema de Haydn.
Franck: Variaciones sinfónicas.
Reger: Variaciones sobre un tema de Hiller y Variaciones sobre un tema de
Mozart.
R. Strauss: Don Quijote.
Elgar: Enigma. Variaciones.
Britten: Variaciones y fuga sobre un tema de Purcell. (Guía de la orquesta para los
jóvenes.)

El primer libro conocido hasta ahora, publicado en notación moderna, después de los de
Santigo de Murcia en tablatura, es el de Mr Merchi "Guide des ecoliers de guitarre"París,1761;
en esta obra, Merchi, ya emplea el vocablo variación :"Folia de Spagna con Variations" y Air " Le
connois-tu ma chère Eleonore avec Variations".
El tema con variaciones será posteriormente muy utilizado por los guitarristas: F. Sor, M.
Giuliani, F. Carrulli, M. Carcassi y otros.


VASCO de QUIROGA Fray
Siglo XVI

Se destacó como principal promotor de la escuela michoacana (México) de instrumentos musicales
de cuerdas. En 1570 existía en la Ciudad de México, dentro del convento de San Francisco, unos
talleres dedicados a producir particularmente "vihuelas" de cuatro cuerdas (en realidad guitarras,
llamadas allí vihuelas) con afinación LA-RE-SOL-SI, o bien SOL-RE-SOL-SI, y de tres, cuyo
temple más usual era LA-RE-LA. También fueron especialmente famosos los instrumentos hechos
en la ciudad de Paracho (México) desde el siglo XVII.



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VASILYEV Pavel

VASILYEV Pavel
SigloXIX

Guitarrista ruso. Durante la primera mitad del siglo XIX, ejercía el cargo de contable principal en
los Teatros de Moscú. Pavel Vasiliev fue un guitarrista amateur, como nos lo confirma la
prestigiosa Enciclopedia Rusa "Guitarra Clásica de los Rusos y Rusia", publicada en Tiumen
(Ekaterinburgo, 1992).
El pintor Vasily Tropinin hizo de Pavel Vasilyev en 1830, un retrato que se conserva hoy en el
Museo Ruso de San Petersburgo; la guitarra de 7 cuerdas que figura en este cuadro, es la que se
utilizaba en Rusia en aquella época.

Temple de la guitarra rusa.

En aquel tiempo florecieron numerosos cultores de la guitarra en el país de los zares; es muy
probable, que Pavel Vasiliev tuviera contacto con la pléyade de guitarristas de aquella época, y
especialmente con los excelentes intérpretes - compositores Sychra (1773-1850) y Vysotsky (1781-
1837).
Retrato de Pavel VASILYEV
por el pintor Vasily Tropinin
(Museo Ruso de San Petersburgo)

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VASQUEZ Edmundo

VASQUEZ Edmundo
n. 1938 en Chile

Compositor, guitarrista y pedagogo, radicado en París
desde 1974. Realizó sus estudios de composición musical
en la Facultad de Artes Musicales de la Universidad de
Chile, en Santiago, bajo la guía de G. Becerra-Schmidt,
de Celso Garrido-Lecca y Alfonso Letelier. En su país de
orígen, escribió piezas corales, un cuarteto para cuerdas,
dos piezas para arpa, un quinteto para vientos y
percusión. Por otra parte, compuso también, música de
varios cortos metrajes para el Ministerio de Educación, en
los estudios del Departamento de Tecnología Educativa
del Centro de Investigaciones Pedagógicas.
En Francia, su experiencia precedente con el sonido
concreto e instrumental, lo lleva a trabajar en el terreno
electroacústico junto a jóvenes compositores y también,
en contacto directo a grupos musicales de tendencia
experimental. Siempre motivado por ampliar su
percepción sonora, Vásquez sigue los cursos de I.
Xenakis y otros investigadores sobre Musique et
Ordinateurs en el IRIA, Versailles, 1975. Paralelamente
dirije y anima talleres de improvisación y de iniciación a
la composición musical.
Edmundo Vásquez se da a conocer en París por « La Harpe et l’Ombre », cuarteto para cuerdas
estrenado por el Quatuor Bernède en 1980, « Suite Transitorial » para guitarra sola estrenada por
Oscar Cáceres el mismo año, « Canticum » para voz femenina, varios intrumentos y banda
magnética, estrenada por el grupo Intervalles en el IRCAM (Centre Georges Pompidou) en 1981,
« Ode à l’Energie » para orquesta e Intrumentarium « Baschet » estrenada en 1983 en la Bienal de
l’Essonne.
En 1991, recibe la distinción Medaille d’Or de la Société Académique Française « Arts- Sciences -
Lettres » en reconocimiento a su actividad creadora y pedagógica.

Otras obras para música de cámara y orquesta que cabe mencionar

« Tres Piezas » para cuarteto de cuerdas, 9.10, estrenadas por el Cuarteto Santiago en 1967. Sala de
la Reforma de la Facultad de Artes Musicales de la Universidad de Chile en Santiago y en Francia
por el Quatuor Bernède en 1980. París. Ed. Max-Eschig
« Musique pour 8 » para fl., cl., vln., vla., vc., guit., pno. y perc., 9.00, estrenada en 1979. CEC
(Centro Educativo y Cultural) de Yerres, Región de l’Essonne. Francia.
« Carnaval » para orquesta de cuerdas, 9.00 estrenada en 1988. Bienal de l‘Essonne. Francia. Ed.
Max-Eschig.
« Temps de Pluie » para fl., vla., vc., y pno. 13.00 estrenada 1995. Comanda del Consejo Regional
de l’ Essonne. Francia.
« Migrations » para 8 o 16 violoncelos, 11.30 estrenada en el IV Encuentro Internacional de
Violoncelos en 1996. Beauvais, Francia. Comanda del Consejo Regional de Picardía.




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VASQUEZ Edmundo

Obras para guitarra

« Suite Transitorial » ( antes mencionada) 6.40 Editions Max-Eschig
- Lento misterioso
- Moderato malinconico
- Risoluto
« Suite Populaire » (transandina) 11.00 Editions Max Eschig
- Entrada (milonga)
- Chacarera
- Zamba
- Tonada
« Tientos N°1 » flauta y guitarra 6.00 Editions Salabert
« Auzielle » (milonga) 5.00 Editions Max-Eschig
« Créole et Lointaine » 4.15 Editions Martin
« Tientos N°2 » 4.30 Editions Max-Eschig
« Ofrenda » 9.00 Editions Max-Eschig
(tema y vars. sobre la Danza de Pto. Rico)
- Introducción. Largo, lontano
- Tema. Moderato, cantabile
- Var.I. Movido, (conga)
- Var. II. Moderato Cantabile (danza Puerto Rico)
- Var. III Movido (chôros)
- Final, Moderato Cantabile
« Tonadas » para ocho guitarras 10.30
- Introduction
- Allegro tenso
- Nostálgico
- Denso e Delicato («rumores »)
- Cantabile (dúo)
- Nostálgico
« Trio Rítmico » canónico para 3 guits. 7.25
(obre ritmos de la música brasileña)
« Alturas » para requinto, guitarra y
guitarra de ocho cuerdas 11.00
- Largo leggiero
- Scherzo (huayno)
- Larguetto
- Largo leggiero
« Cantos de Amor Olvidados » 10.00 Lathkill Music Publishers
para guitarra y violoncelo (Inspirado en la música folklorica chilena)
- Exordio
- Canción (« El Fuego Que Consume »)
- Final (« recuerdos »)
« Alturas II » para flauta y guitarra 12.00 Editions Henry Lemoine
(sobre una canción del norte de Chile).
- Introduccion « Andina » flauta y guitarra
- Var. I ........ flauta sola
- Var. II ........ guitarra sola
- Var. III ....... flauta y guitarra

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VASQUEZ Edmundo

Trabajos en curso

Edmundo Vásquez, escribe actualmente un Concierto para Guitarra, Orquesta de Cuerdas y
Percusión (dedicado a Eleftheria Kotzia) y también una Sonata para guitarra, para Roberto Aussel

Salas de importancia en las que su música ha sido estrenada

- en Paris: Teatro du Ranelagh, Eglise des Billettes, Sale Gaveau, Studio 106 à la Maison de la
Radio, Grand Auditorium de l’UNESCO, Forum des Halles, Sala Polivalente, IRCAM, Centre
Georges Pompidou. Paris
- en Londres: Wigmore Hall, Saint Jhon’s Smith Square, Purcell-Room...
- en Salzburg: Wiener Saal, Mozarteum und Salzburg, Galeria Sazenhöfen,..
- en New York: Merkin Concert Hall, Wave Hill Museum.
- en Ciudad de Méjico: Palacio de la Música.
- en Italia: Teatro la Fenice, Festival Lago di Como, Auditorium Borelli, Boves, Italia.
Chiesa SS. Giacomo e Filippo. Fabrosa Soprana. Italia
- en Alemania: Hochschule fur Musik. Trossingen.
- en Suiza: Chiessa de Saint Sisinio. Mendrisio
- en Puerto Rico: Sala de Festivales del Instituto de Bellas Artes. San Juan. Museo de Arte. Ponce.
- en Buenos Aires: Sala del Mozarteum Argentino.
En diversas otras en Corea, ex Yugoslavia, Checoslovaquia, Alemania, Venezuela, USA, Cuba y
auditorios de Universidades y Conservatorios.

Festivales Internacionales

- II Bienal de Música Contemporánea. San Juan, Puerto Rico. USA. 1980
- Forum de la Création. IRCAM, Centre Georges Pompidou. Paris 1981
- Festival Horizont. Berlin 1982.
- 1° Festival Internacional de Música Contemporánea. La Habana. 1984
- VII Festival International de Musique de Sablé-sur- Sarthe Solesmes, Francia. 1985
- La Chitarra Nell’America Latina. Gorizia. Trieste 1987
- Festival Lago di Como. Italia, 1988.
- Neue Musik Lateinamerikanischer. 1989. Trossingen. Alemania
- Ohrid Summer Festival. Yugoeslavia, 1989.
- Concerti E Mostra 1989. Fabrosa Soprana. Italia 1989.
- Festival « Vicente Emilio Sojo ». Caracas, Venezuela. 1992
- Festival of European Youth Orchestras. Chichester, Inglaterra. 1992
- International Convention of Flute. Miami, Florida 1995
- Rencontres Internationales d’Ensembles de Violoncelles. Beauvais. Francia 1996.

Discografía

- Oscar Cáceres: Musique Latino-Americaine. Pavana Records. Bélgica 1983
- Ana María Rosado: Contemporary Latin American Music for Guitar
Albany Records, USA 1992.
- Oscar Ohlsen: Esquinas. SVR Producciones. Chile 2000
- Peter Korbel: Edmundo Vásquez y Richard R. Bennnet.
FSM Fono Schallplatten. Alemania 1996
- Orlandini-Ohlsen: Chile del Siglo XX en dúos de Guitarra.
SVR Producciones. Chile 1995.
- Catherine Liolios- Gisela Melo: Guitare Contrastes. ATLA. Francia 1993
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VASQUEZ Edmundo

- L’Assième Chitarristico Italiano: Edmundo Vásquez.
Etcétera Records. Amsterdam 1993
- Apostolos Paraskevas: Visions of Azur. Centaur 2378. USA 1998
- Eleftheria Kotzia: La guitarra Latina. Chandos Records. Inglaterra 1999

Opiniones sobre su música

« En la huella de Villa-Lobos, la música de Vásquez es un homenaje a la tierra y al alma
sudamericana. Su obra hace referencia al folklore con rigor « renacentista ». Su lenguaje trasciende
al mimo tiempo el formalismo y el neo clasicismo, empleando la escritura tonal, politonal,
polimodal, dodecafónica y aleatoria en el seno de una conciencia formal siempre motivada por ma
emoción » . Marc Jean-Bernard.
Festival « La Música e il Tempo » Goritzia, Trieste, Italia, Diciembre 1987.
------------------
« Con una libertad de expresión que no se embaraza de ningún preconcebido, pero que toma cuerpo
según las necesidades del « estado de alma » y de sensaciones, por los medios más diversos de la
técnica y de los instrumentos, Edmundo Vásquez consigue recrear un tipo de folklore sin fronteras y
sin embargo típicamente arraigado en sus recuerdos consanguíneos (ver « Tonadas » para orquesta
de guitarras y percusión de 1987 por ejemplo) ». Jean Hamon, revista « Repértoire », Paris Abril
1994.
------------------
« ...... chileno, parisino de adopción desde la mitad de los años setenta, (Edmundo Vásquez) nada
« como pez en el agua » en los océanos ilimitados de la música contemporánea. Desde los secretos
ircamianos (IRCAM) del Centre Pompidou hasta los ciclos especializados de Radio Francia. A la
guitarra, instrumento fetiche por excelencia en la tradición latinoamericana, él ha dado todas sus
credenciales de nobleza. Inútil de se explayar largamente sobre las prospecciones musicológicas y
estéticas de Vásquez. Se le habrá comprendido rápidamente, se trata de realizar ésta simbiosis entre
ritmos asoleados de America Latina y las formas modernistas. Tanto es decir que su maestría le
permite internalizar: politonalidad sin trabas e impresionismo depurado, con una desconcertante
facilidad expresiva ».
Pierre Klingsor. Compact Disc Magazine. Mars 1994 Paris,
-----------------

Algunos intérpretes que han difundido su música para guitarra

Guitarristas: Roberto Aussel, Francis Verba, Betho Davezac, Oscar Cáceres, Ramon Cueto, Olivier
Bensa, Marc Jean-Bernard, Jesús Ortega, Eleftheria Kotzia, Luis Orlandini, José Luis Villagómez,
Oscar Ohlsen, Peter Korbel, Stephane Schmidt, Clemens Hüber, Ana María Rosado, Eladio
Scharron, Raymond Burley, Cornelius Bruinsma, Peter Rueffer, Catherine Liolios, ..... miembros de
l’Assième Chitarristico Italiano, dirigido por Paolo Manzo.
Dúos y conjuntos: En Francia: Guitares de France (director O. Cáceres), Villagómez- Bensa,
Paolini-Laurent, dúos fl. y guit.: Nessi-Schmidt, Convrin-Rivet, Novakova-Rivet, Tissier-Carranza,
Lucas-Airault. En USA dúos fl. y guit.: García-Scharron, García- Justicia y dúo celo y guit.:
Rosado-Meyers. En Inglaterra dúo celo y guit.: Boyarski-Kotzia, Pro Arte Guitar Trio. En Italia dúo
fl. y guit.: Rosso -Bertano. En Chile dúos fl. y guit. Mendieta - Orlandini, dúos de guitarras:
Ohlsen-Peralta, Ohlsen- Orlandini. En Italia: l’Assième Chitarristico Italiano.





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VÁSQUEZ Federico

VÁSQUEZ Federico
n. 1954 en Nueva York

Guitarrista norteamericano, hijo de padre peruano y madre
argentina, que recibió su educación musical en el
Conservatorio de Música de Brooklyn y perfeccionó su arte
bajo la tutela de Alberto Valdés Blein y Julio Prol.
Asimismo asistió a clases de la clavicordista especializada
en Bach, Rosalyn Tureck, la guitarrista Sharon Isbin y el
laudista Toyobiko Satoh. Actualmente ejerce la docencia en
el mismo conservatorio donde estudió, en el que también
ocupa el cargo de jefe del departamento de guitarra. Su
escuela se basa en la técnica segoviana, manifestando él
mismo al respecto: "... refiriéndome exclusivamente a la
mano derecha, uso una combinación de ambos ángulos de la
uña, y en cuanto al toque, aplico los dos, con o sin apoyo en
las cuerdas, quedando esto supeditado a la naturaleza de la
obra que ejecuto. Aconsejo a los alumnos al comenzar el
toque del apoyado sobre todo en las escalas." En el aspecto
concertístico, Vásquez desarrolla su actividad
principalmente en los Estados Unidos (ultimamente dio dos
conciertos en el auditorio "Dag Hammarskjold", de las
Naciones Unidas, que fueron televisados, así como otros en
Lima), siendo acogido por la crítica con muy elogiosos
comentarios.

VÁSQUEZ Sonia
n. 1946 en Lima, Perú

Cantautora y guitarrista peruana, dotada de un talento natural, fresco, que últimamente ha
conseguido imponer su arte en Europa Central. De formación guitarrística autodidáctica, se dio a
conocer en la Olimpiada de Munich de 1972. Posteriormente actuó en España y Estados Unidos,
regresando de nuevo a la capital de Baviera. Aquí ha grabado dos discos y triunfado en el terreno
artístico, cultivando un folklore vivo latinoamericano acompañado a la guitarra. A veces actua con
ella el percusionista colombiano Camilo Torres.















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VASSILEV Georges

VASSILEV Georges
n. 1966 en Varna (Bulgaria)

Foto: Santi Román
George Vassiliev durante la intrepretación del "Concierto de Aranjuez"(Benicasim, 1998)
Empezó sus estudios de guitarra a la edad de 9 años, y dio su primer recital a los 16. En 1985
terminó los estudios de guitarra en la Escuela Nacional de Música con el profesor Lijuben
Haralambiev. En 1987 una bolsa de estudios le permite continuar sus estudios en el Conservatorio
de Kiev con N. Mikhailenko. La guitarrista brasileña María Livia Sao-Marcos le invita a continuar
su carrera en el Conservatorio de Ginebra, graduándose con el Título Superior y obteniendo el
Primer Premio (1992).
Durante su carrera artística ha conseguido numerosos premios y galardones de los que destacamos:
- 1988 Primer Premio en el Concurso Internacional de Guitarra "Silesian Guitar Autamn" Tychy,
Polonia.
- 1991 Primer Premio en el Concurso Internacional de Guitarra "Ciudad de Alessandria"
Alessandria, Italia.
- 1992 Primer Premio en el Concurso Internacional de Música "Maria Canals deBarcelona"
Barcelona, España.
- 1992, 1994 Segundo Premio y Premio del Público en el Certamen Internacional de Guitarra
"Francisco Tárrega" Benicasim, España.
- 1995 Primer Premio en el Concurso Internacional de Música (CIEM), Ginebra, Suiza.
Ha actuado como solista en muchos festivales de Europa y también en Brasil, EE. UU. y Sudáfrica,
y con orquestas como la Orquesta de Italia, Cracovia, Suiza, Bulgaria, San Petersburgo.
Además de estas actividades como solista fue invitado para impartir clases magistrales en el
Festival Internacional de Música "Campos do Jordao" en Brasil, en el Festival de Primavera de
Kiev, en el Festival Internacional de Música "Varna Summer". También es miembro del grupo
"Kordepan" fundado en 1994.
A George Vassiliev, se le puede muy bién situar entre los grandes intérpretes del siglo XX.
Actualmente, es catedrático de guitarra en el Conservatorio de Música de Sion (Suiza). Su carismo,
acompañado de sus clases magistrales, dan a este Conservatorio un aspecto nuevo y serio, en el
seno docente de la Guitarra.


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VAUDRY Jean – Etienne

VAUDRY Jean – Etienne
n.1668 en Saizenay (Canton de Salins, JURA) - m.1742 en Besançon

Jean-Etienne, seigneur de Saizenaz, fue un gran apasionado amateur del Laúd y alumno de Robert
de Visée en París. Conocido con el título "Manuscrit Vaudry de Sainay", dos libros de tablatura que
lo acompañaronn a lo largo de su estancia en París, vienen a ser un poco como la crónica de la
educación musical de Vaudry y de la evolución de la época avanzada de su vida.
La primera colección, es la más interesante de los dos libros, tanto por las dimensiones que por su
contenido. En su origen, este volumen parece que estuviera destinado a los "amateurs" de Laúd, así
como el segundo.
La disparidad de los grafismos que caracterizan la redación de estos dos volúmenes, da a pensar que
fueran cuatro manos las que participaron en su elaboración.
Animado por una evidente preocupación de claridad y exactitud, Vaudry no ha cesado de aportar a
su antología, preciosas informaciones tocantes a sus fuentes.
Entrée des Espagnols de Mr de Lully mise par Mr de Visée
Los manuscritos de Vaudry de Saizenay se pueden equiparar al de Barbe, en los que la elegancia, la
precisión y la riqueza predominan. El "gros livre" de Vaudry, muestra una considerable suma de las
composiciones de su maestro Robert de Visée, diseminadas al azar, entre los demás manuscritos.
Este precioso e importante "Manuscrit Vaudry de Saizenay" da la prueba de que le Laúd tiene sus
buenas razones de existir. Entre los laudistas compositores integrados en este manuscrito
encontramos: Jacques Gallot, Ennemond Gaultier, Denis Gaultier, Robert de Visée y otros. 316
piezas para Laúd y 128 para Teorba, se conservan en esta voluminosa colección de manuscritos.
(Extraído del prólogo de la edición Minkoff)
Claude Chauvel
Bibliografía:
Manuscrit Vaudry de Saizenay
Tablature de Luth et de Théorbe de divers auteurs, 1699
(Biblithèque municipale, Besançon, 279, 152 et 279, 153)
Introduction de Claude Chauvel , MINKOFF REPRINT. Genève, 1980







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VAUMESNIL Guillaume Le Boulanger de

VAUMESNIL Guillaume Le Boulanger de
SigloXVI

Laudista francés, muy celebrado en su tiempo como ejecutante. Desde 1560 a 1574 estuvo al
servicio del rey en calidad de "valet de chambre" y tañedor de laúd. Los poetas coetanos Ronsard,
Le Fèvre de la Boderie y Jodelle, entre otros, le dedicaron sus versos, celebrando en ellos su gran
talento musical. Sólo se conoce una composición suya, impresa por Besard en su obra "Thesaurus
harmonicus" (1603).

VAZ José Lucena
n.1944 en João Pinheiro/Minas Gerais, Brasil

Realiza sus estudios musicales y de guitarra en Belo
Horizonte, los del instrumento bajo la dirección de
Walter Alves, entre 1957 y 1968, ampliando
seguidamente sus conocimientos en cursos con Léo
Soares (1970) y Betho Davezac (1973). Asimismo
participa en los III y IV Seminarios Internacionales de
Porto Alegre (1971 y 1974), en los que recibe las
enseñanzas de Abel Carlevaro, Guido Santorsola,
Graciela Pomponio y Hector Farias, y al I de Montevideo
(1975), en el que una vez más vuelve a encontrarse con
Carlevaro y Santorsola. Ganador del Primer Premio en el
III Concurso Internacional de Guitarra de Porto Alegre
(1971), y de otros, desde 1971 cultiva principalmente la
enseñanza, ejerciendo como profesor del instrumento en
la Fundación de Educación Artística (1971-76), en la
Escuela "Villa Lobos" (1974-76) y en la Escuela de
Música de la UFMG, en Belo Horizonte, a partir de 1976,
le imparte cursos de nuevas técnicas en diversos centros docentes de su país. Ello no le ha
impedido, sin embargo, el desarrollo de una meritoria actividad concertística paralela, dejándose
escuchar en recitales y acompañado de orquesta en diferentes auditorios brasileños, incluida la radio
y la televisión. En 1969 fue nombrado primer presidente de la Sociedad Guitarrística "José
Martins", de la que desde 1970 en socio benemérito.
















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VÁZQUEZ MORCILLO Ángel

VÁZQUEZ MORCILLO Ángel
n.1949 en Ciudad Real

Desde muy joven siente inclinación hacia la musica y más adelante llega a crear un cuarteto de
flautas de pico que cultiva sobre todo páginas del Renacimiento y del Barroco. Finalizada esta
actividad se inicia en el estudio de distintos cancioneros musicales hispanoamericanos, formando un
grupo que se dedica a la interpretación (guitarra y flauta) de este tipo de expresión folklórica. En
1971 ingresa en el Magisterio, presta especial interés a la educación musical infantil y,
simultaneamente, realiza estudios de guitarra en el Real Conservatorio de Madrid. Sus maestros
serán primeramente Francisco Torres y después Demetrio Ballesteros, obteniendo en 1982 el título
de profesor de la misma con Premio de Honor. Realiza asimismo cursos de pedagogía musical en
distintas provincias españolas, habiéndolos además él impartidos después (guitarra, canto escolar,
coral, lenguaje musical, etc.) como profesor de estas materias en diversos centros y casas de cultura,
participando además en actividades poéticas-musicales. Actualmente da clases de guitarra en el
Conservatorio de Música "Marcos Redondo" de Ciudad Real.

VÁZQUEZ PAZ Oscar
n. 1963 en Buenos Aires

Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio
Nacional "Carlos López Buchardo" de Buenos
Aires, siendo discípulo de guitarra de los maestros
Lucio Nuñez y Cristina Rossi. Egresado en 1985.
Asistió entre 1981 y 1984 a cursos de
perfeccionamiento impartidos por Abel Carlevaro y
Manuel López Ramos. En 1981 obtuvo el 3° Premio
del Concurso para Jóvenes Guitarristas de la
Asociación Cultural Armenia, y en 1983 el 2° del
25° Concurso Nacional de Promociones Musicales
de Buenos Aires, siendo por ello seleccionado para
participar en el ciclo radial del Conservatorio
Nacional. Es Vázquez Paz un joven valor que hasta
ahora se ha dejado escuchar en diversas salas y
emisoras de radio de la capital e interior de su país,
mostrando una excelente formación de ejecutante
que, sin duda, lo llevaran a desempeñar muy pronto
un papel importante dentro del ambito guitarrístico
argentino. En 1985 obtuvo el Primer Premio en el "I
Concurso Internacional de Guitarra" organizado por
G.A.B.A. (Guitarra Artística de Buenos Aires), año
en que fue designado profesor de su instrumento del
Conservatorio Provincial de Música de Mercedes (prov.deBuenos Aires).








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VECCHI Orazio

VECCHI Orazio
n.1550 en Módena / m.1605 en Módena

Laudista y compositor italiano. Hay que resaltar que la contribución más importante que Vecchi
hizo al desarrollo de la música fue, su combinación de Madrigales dentro de una estructura
unificada. En 1590 publicó en Venecia "Selva di varie ricreazioni...accomodandovi la intavolatura
de liuto alle arie, ai balli e alle canzoni". (Angelo Gardano)
Orazio Vecchi recibió una formación religiosa en los benidictinos de San Pietro de Módena. En esta
ciudad estudió música con el monje Salvatore Essega. En la Catedral de Saló ocupó el cargo de
maestro de capilla (1581-1584), así como en la Corte de Módena, puesto que abandonó en 1604,
para consagrasse a la docencia. Fueron muy apreciados, en su época, sus 6 libros de Canzonette.
Su gran obra será el "Amphiparnaso", que Vecchi denominó Commedia Harmonica, (Modena,
1594); durante mucho tiempo esta composición fue considerada como el primer ejemplo de Ópera
Cómica; se podría trazar muy bien un paralelismo del siglo XX entre esta obra y Les Noces de I.
Stravinsky
Las ediciones FORNI de Bolonia, publicaron en 1968 de Horatio Vecchi "Arie, Canzonette e Balli,
a tre , a quattro e a cinque voci con Liuto", que fueron extraídas de la "Selva di varia ricreatione" de
Vecchi (Venecia,1590). La transcripción de estas obras de Vecchi en notación moderna, se
efectuaron a cargo del notable musicólogo italiano Oscar Chilesotti (1848-1916) En el prefacio de
esta edición, escribe Chilesotti: " Mi curiosidad por las Canzoni a ballo, las Arie, y Canzonette, con
Laúd, me atraen por su lato notable e histórico, debiéndose situarlas entre los primeros ejemplos de
música profana com acompañamiento instrumental. Alguna de ellas llegará a ser muy popular; por
ejemplo, el Aria "So ben mi chi ha bon tempo" que fue insertada en tablatura para Laúd, como
música de baile en "Le Gratie d'amore" (1602) de Cesare Negri.
Orazio Vecchi figurará entre los compositores más importantes del siglo XVI..."
(Crosaron di Rosá, 1892. O. Chilesotti)
O. Vecchi (Museo Civico de Módena)

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VECCHI Orazio

Arie, Canzonette e Balli a tre, quattro e a cinque vovi con Liuto di Horatio Vecchi (O. Chilesotti)

"So ben mi chi ha tempo" Aria a 4


"S'egli é vero", Aria a 3
"Amor opra che puoi", Aria a 3
"Io spero", Aria a 3
"Non vuó pregare", Aria a 3
"Damon e Filli", Canzonetta a 4
"Canzonetta a 4
"Deh! Prega Amor, il fato",
"So ben mi chi ha tempo", Aria a 4
"Gitene Ninfe", Pass'e mezo
(Pavana) a 5 per sonare ecanta insieme.
"Gioite tutti", Saltarello detto il Vecchi a 5
Saltarello detto Trivella per sonare con gli Stromenti de Corde a 5
"Mostrava in ciel", Tedesca a 5

Bibliografía:
J.J. Fétis "Biographie Univesrselle des Musiciens" Paris,1873
"Enciclopedia della Musica" Rizzoli Editore-Milano,1972.




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VECTOMOV Vladimir

VECTOMOV Vladimir
n.1946 en Praga

A los catorce años comienza los estudios de guitarra en la Escuela Popular, para reanudarlos
después en el Conservatorio de Música de Praga con Stepan Urban. A los diecisiete años ofrece su
primer recital. En 1967 obtiene una beca del gobierno mexicano para perfeccionarse bajo la guía de
Manuel López Ramos. A su regreso a Checoslovaquia inicia la colaboración con su hermano Sasha,
con el que desde entonces integra el "Dúo Praquense de Violoncello y Guitarra", para el que un
buen número de compositores han escrito sus obras. También suele tocar a dos guitarras con Karel
Rayman, ejecutando transcripciones de Granados, Falla, Scarlatti, etc.








































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VEGA SÁNCHEZ Carlos

VEGA SÁNCHEZ Carlos
n.1898 en Cañuelas (Prov. de Buenos Aires) Argentina - m.1966 en Buenos Aires

Estudió música desde niño,luego el violín y posteriormente la guitarra.
Por espacio de varios años se orientó sin guía, hasta que, radicado en
Buenos Aires, ingresó en la Academia de Guitarra que dirigía
Domingo Prat, donde siguió todos los cursos.Estudió armonía con el
distinguido compositor Gilardo Gilardi.
Autor de varios libros de contenido literario, Carlos Vega es bien
conocido en los círculos de las letras; pero es a la investigación y a la
critica musical a lo que se dedica con preferencia.
Como conocedor de la guitarra, sus escritos tienen indiscutida
autoridad. En "Tárrega", revista argentina de arte, fundada en 1924 por
D. Oscar M. Vignardel, de la que Carlos Vega fue director artístico,
pueden leerse, entre numerosos juicios críticos que llevan su firma:
"Ricardo Viñes y María Luisa Anido" (No 9), "Tres
programascomentados" No 27),"Celia Rodríguez Boqué" (No 27),etc.
Figuran en esta revista, además, numerosos comentarios sobre
conciertos de guitarra, bibliografía musical, música impresa, etc.
Carlos Vega es autor de varias páginas originales para guitarra. El crítico alemán H. Tempel,
conocedor de los artículos de Vega sobre la guitarra, le dedica un comentario en "Der Guitarre
freund" y juzga su labor en estos términos: "El tono fundamental de sus juicios complace siempre,
por el profundo amor a la guitarra, que guía sus propósitos: lo primero y único importante es la
música; en segunda línea, entonces, piensa en el instrumento! Benéficamente puede verse y
comprobarse cómo los juicios de Carlos Vega se mantienen siempre imparciales y de acuerdo con
su conciencia artística, tanto ante el oscuro nombre de un desconocido, como frente a la fama de
maestros..."
Carlos Vega ha publicado, además, en diarios y revistas otros artículos relacionados con la guitarra.
Pueden citarse: "Andrés Segovia y Martín Gil" ("La Nación".Noviembre 11 de 1928), "Andrés
Segovia" (El Hogar, 3 de agosto 1928), "Ana S. de Cabrera" (El Hogar, 1° deMarzo 1929), etc.
Aparte de los que interesan a la guitarra, Vega es autor de varios estudios de musicología, como
"La música de un códice colonial del siglo XVII", editado por el Instituto de Literatura Argentina
de la Facultad de Filosofía y Letras, Buenos Aires, 1931; "Escalas con semitonos en la música de
los antiguos peruanos" y "La flauta de pan andina" en el tomo del XXV Congreso Internacional de
Americanistas. Buenos Aires, 1932; una extensa serie de monografías sobre cantos y bailes
populares (anticipo de obra en preparación) aparecida en el diario "La Prensa", y varios artículos
publicados en revistas argentinas y extranjeras. Es actualmente miembro del personal científico del
Museo Nacional de Historia Natural de Buenos Aires (subsección de musicología), encargado del
Instituto de Literatura Argentina en la Facultad de Filosofía y Letras y catedrático de musicología
del Colegio Libre de Estudios Superiores. A su labor en el libro y en la prensa hay que añadir su
tarea de conferencista.
Ha ofrecido numerosas disertaciones públicas sobre temas de su especialidad, habiendo ocupado
dos veces la tribuna del Instituto Popular de Conferencias.
Reproducimos más abajo un escrito de una de sus primeras disertaciones sobre "La guitarra en la
Argentina", realizada en la Universidad de La Plata el 25 de Septiembre de 1926:
Disertación sobre la guitarra, por el señor Carlos Vega:
"Señor Presidente y autoridades de la Universidad Nacional de La Plata; señor Director del Colegio
Nacional y autoridades de la casa; señoras y señores: Ignoro en qué medida la "Academia de
guitarra" ha debido agigantar mis aptitudes para considerarme digno de dirigir a las altas
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VEGA SÁNCHEZ Carlos

autoridades de la docencia y público platense la expresión de la honra y agrado que importa a la
Dirección de la Academia el ofrecimiento del presente acto de concierto de una institución de la
categoría del Colegio Nacional de La Plata.
Gaucho pallador.
Grabado en madera de Pedro Olmos
(Buenos Aires, 1945)
No ignoro, en cambio, el honor que se me hace con la designación y la responsabilidad de
responder a vuestra expectativa con este breve preámbulo, cuya extensión he debido reducir a
términos extremos, en homenaje a la justa impaciencia del auditorio por precipitar el momento de
bella música que se le ofrece y por la imposibilidad de ceñir en breves minutos el vasto panorama
histórico de la guitarra.
"En el dialecto de la guitarra nunca el clamor ensordece; el llanto es queja y el lamento es suspiro;
la desesperación amengua su intensidad y el canto natural cobra ternura y encanto. Por eso sus
confidencias tienen siempre el sabor de la intimidad."Por su delicadeza, por la dulzura de sus
sonidos, por el conjunto de características que determinan su tamaño y por la técnica de su
pulsación, la guitarra es el instrumento que mejor se ajusta al diapasón natural del alma humana."La
guitarra es un mundo en pequeño. Aun cuando he aludido a características restrictivas, guarda en
sus contornos diferencias de timbre, enormes para los iniciados en su culto."Si decimos que la
guitarra es tierna, afirmamos una de sus características; pero ¡qué cantidad de matices la de su
terneza! La guitarra es nuestra por una vieja predilección de la raza. Nos llegó con los primeros
cantores en los primeros veleros; nos llegó con el idioma y con la cultura española. Y bien; la
necesitábamos así, pequeña y grácil; la necesitábamos, porque hemos heredado la aptitud para el
canto de uno de los primeros pueblos cantores del mundo, España. Las pampas de América no
modificaron la sensibilidad hispana. La guitarra siguió traduciendo los cantares del llano y poco
antes de la guerra gaucha no hay rancho que no guarde una guitarra.

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VEGA SÁNCHEZ Carlos

Carlos Vega, en Argentina. 1943
"Algunos maestros españoles se radicaron luego en Buenos Aires, y poco después surgió Agustín
Gómez con otro pulsador argentino, célebre en su época: D. Juan Alais.También entonces fue
famoso otro guitarrista, cuyo nombre, como el de Alais, nos resulta familiar: Gaspar Sagreras. Más
tarde se radicaron en Buenos Aires dos guitarristas notables. Uno es el ciego andaluz Antonio
Giménez Manjón; el otro fue un diestro pulsador, corazón de pájaro, familiar en las calles de La
Plata, hasta los últimos días de su vida: Carlos García Tolsa."Entretanto, ha aparecido en España,
Francisco Tárrega, célebre maestro y gran artista. Jamás figura alguna dio más fuerte impulso al
culto de la guitarra; puede decirse que le corresponde la iniciación del actual renacimiento.
"Tárrega ideó un nuevo método de pulsar, que disminuye las dificultades y aumenta la capacidad
del instrumento.
"La escuela de Tárrega se desconocía en la época de Sagreras, Manjón y García Tolsa. La primera
noticia de su existencia se tuvo en Buenos Aires a principios de 1918. "Hoy, en cambio, se conoce y
se practica en varias casas de enseñanza, según las normas del inmortal valenciano. (Resumido)
D. Prat "Diccionario..1934 (Ediciones Orphée Reprint. U.S.A.)

Obras para guitarra:
Andantino / Andante / Plegaria
Pequeña Suite para tres Guitarras
ambién transcribió y armonizó para Guitarra, melodías populares y una obra de Vicente Fortea.

Bibliografía:
Historial de la Cueca, por Pablo Garrido / Ed. Universitarias de Valparaíso, 1979.


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VELASCO Enrique

VELASCO Enrique
n. 1945 en Ciudad de México

En este artista mexicano encontramos a uno de los principales exponentes de la escuela guitarrística
de su maestro, Manuel López Ramos, y su actuación en recitales y como solista de distintas
orquestas y grupos de cámara, dentro y fuera de su país, ha merecido por doquier importantes
reconocimientos. Ya en 1970 obtenía el primer premio en un certamen nacional de guitarra, y cinco
años más tarde era designado por parte de la unión Nacional de Cronistas de Teatro y Música
Mexicanos como el "Concertista del Año". Su actividad concertística lo ha llevado a recorrer hasta
ahora gran parte de México, además de los Estados Unidos, Guatemala, E1 Salvador, China
Popular, Túnez, Rusia, Italia, Francia, España, Rumanía, Bulgaria, Hungría, Grecia,
Checoslovaquia y Polonia. E1 gobierno de este último país lo invitó en 1982 a realizar una serie de
recitales y grabaciones, así como a presidir el jurado del Concurso Nacional de Guitarra y el
denominado "Manuel M. Ponce", en la conmemoración que Polonia hizo del centenario del
nacimiento de este compositor mexicano. A1 año siguiente, en 1983, Enrique Velasco se dejó
escuchar en el Kennedy Center de Washington, donde ejecutó el "Concierto de Aranjuez"
acompañado de la Orquesta de Cámara de aquella capital.

VELASCO José
Siglo XX

Constructor de guitarras español, establecido en Buenos Aires desde principios del siglo presente.
"Durante muchos años fue ebanista que sobresalió por la finura de sus trabajos, - refiere Domingo
Prat en su "Diccionario, - oficio que le dio gran conocimiento de las maderas. En el noble afán de
superarse y atraído por el incremento que la guitarra iba tomando en su país de residencia, dedicóse
a su construcción con el encomiable entusiasmo propio de un verdadero artista, asociándose al
guitarrero Rafael Galán, haciendo ambos y cada cual modelos riquísimos en el sonido, la
construcción y la filetería, con mosaicos en los que se denotaba buen gusto estético en el adorno del
instrumento."





















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VELÁZQUEZ Dioni

VELÁZQUEZ Dioni
n. 1948 en Santa Elena/Entre Rios, Argentina

Desde muy temprana edad manifiesta su inclinación a la
música, probablemente porque su padre y sus hermanos son
músicos profesionales. A los nueve años inicia sus actuaciones
en escenarios. Transcurre el tiempo y paulatinamente adquiere
experiencias. Sin embargo, en su pueblo natal no hay entonces
centros de enseñanza musical ni maestros de guitarra, por lo que
se traslada a Buenos Aires e ingresa en el Conservatorio "A.
Williams", donde aprende con facilidad y se interesa en especial
por la música popular latino-americana. Pronto empieza a
trabajar al lado de grandes artistas, a los que acompaña a la
guitarra. Durante cinco años colabora con la cantante
venezolana Soledad Bravo y el cantante compositor uruguayo
Alfredo Zitarrosa. En 1975 viaja a Europa como miembro de un
trío, que obtiene una extraordinaria acogida en España. Aquí
Dioni Velázquez acaba fijando la residencia. Autor de
canciones de tipo melodico-romántico, arreglista muy solicitado
y, sobre todo solista de guitarra con imaginación, uno de los primeros en su género, hasta ahora
lleva grabados tres L.P. y seis "singles" que la crítica especializada ha elogiado con unanimidad.
Dioni Velázquez toca una guitarra construida por Evelio Domínguez.

VELÁZQUEZ Leonardo
n. 1935 en Oaxaca, México

Compositor mexicano, discípulo de Blas Galindo y Carlos Jiménez Mabarak, autor de una
producción musical que comprende conciertos, ballets, música para cine y teatro, etc. Su interés por
la guitarra data de 1969, año en que la incluyó en su "Suite del Brazo fuerte", basada en el libro
homónimo de Juan de la Cabeda. Desde entonces ha compuesto varias obras para dicho
instrumento, estrenadas por su compatriota Miguel Alcázar.

VELÁZQUEZ Manuel
n.1917 en Puerto Rico

Constructor de guitarras puertorriqueño, radicado en Nueva York desde 1943. A los dieciseis años
construyó su primera guitarra, llegando luego a ser considerado uno de los principales "luthiers" del
continente americano. Construye también excelentes violines que, lo mismo que sus guitarras, son
hoy ejecutados por solistas de prestigio.

VELEMINSKY Marek
Ver PRAGA Cuarteto de guitarras de








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VENEGAS DE HENESTROSA Luys

VENEGAS DE HENESTROSA Luys
Siglo XVI

Muy poco se sabe sobre la vida de este músico, aparte del hecho que estuvo al servicio del cardenal
Juan de Tavera, capellán mayor de la capilla del emperador Carlos V. Esto lo explica en la
dedicatoria de su libro al dirigirse a Diego de Tavera, sobrino del citado cardenal:
"Considerando la música tan cabal y admirable que Dios puso en aquel hombre interior del
cardenal don Juan Tavera, arçobispo de Toledo,
mi Señor y tio de Vuestra Señoría
reverendíssima, y las mercedes que me hizo,
admitiéndome entre tantos cavalleros hijos de
señores y de sangre real, como tenía en su
cámara, y desseando que se offreciesse algo en
que se conociesse lo mucho que desseo servir a
sus cosas, me pareció offrecer este pequeño
presente a Vuestra Señoría, pues aquel sancto
varon se fué al cielo tan temprano para los
suyos".
E1 tratado de Venegas de Henestrosa, "Libro
de cifra nueva para tecla, harpa y vihuela"
(Alcalá de Henares, 1557), como los de Santa
María y Cabezón, y también como aclara el
título, no está destinado exclusivamente a la
vihuela y es por eso mismo menos vihuelístico
que los de Milán, Narváez, Mudarra, etc. Como
dice Salazar, "no se trata ya de cuerdas y de
trastes sobre los que hay que poner el dedo,
sino de líneas que representan las diferentes
voces para las que está escrita la polifonía,
mientras que las cifras colocadas en ellas
indican el sonido que se desea obtener".

← Libro para tecla, arpa y vihuela
Alcalá de Henares, 1557

En el sistema, Venegas asocia una relación entre las siete notas de la escala, dividiendo los
sonidos en extremo grave, grave, agudo, sobreagudo y extremo sobreagudo, y explica nociones de
la práctica del canto llano, figuras, proporciones, canto de órgano, contrapunto y "contrapunto
concertante", a más de los templados de la vibuela, el arpa y la tecla. Con todo, y a pesar de los
buenos propósitos del autor, el sistema resulta a veces bastante confuso y suponemos que también
así debió ocurrir en su tiempo, puesto que advertimos que Esteban Daza, diecinueve años después,
vuelve a utilizar el empleado por Milán. Esto le lleva a decir a Morphy que la invención de Venegas
de Henestrosa no fue ni más ni menos que un código mecánico de signos.
E1 repertorio de este su primer libro (los demás no se publicaron o no han llegado a nosotros) se
inicia con "dúos", unos probablemente de Cabezón; sigue con "treses", de los cuales uno se hace
sobre la melodía de la "alta", es decir, de una danza de esta clase cuya tonada sería muy conocida.
Los diez "fabordones" siguientes son en su mayoría anónimos, salvo uno de Gombert; vienen luego
"tientos", en forma de preludios para órgano, que llevan la indicación de ser de "Antonio",
refiriéndose sin duda a Cabezón; otros son de Julio da Modena, siguiendo uno de Morales con glosa
del organista de la real capilla de Granada, Francisco Fernández Palero; otro se hace sobre la
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VENEGAS DE HENESTROSA Luys

canción francesa "Malheur me bat"; los hay además de Vila, Soto, Josquin, que también glosa
Palero; obras de éste, de Wrede o Urrede, Crequillón, Verdelot, Mouton, etc. Además "fantasías" y
"fabordones" de vihuela, diferencias sobre los indispensables "Condes Claros" y "Las vacas", varias
"chansons" francesas que habían sido tratadas ya por Cabezón y Crequillón y algunos "villancicos".
Destaca Salazar en su estudio la última composición como interesante, porque está escrita en cifras
sin pautado, demostrando la inutilidad de éste cuando se indicaba las notas por medio de números,
pues que basta la colocación de éstos en diferentes niveles.
Vihuela
























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VENERI Gregorio

VENERI Gregorio
Siglo XVII

Músico italiano, oriundo de Roma, en cuya producción musical se cuenta la obra "Li varii Scherzi a
una - tre voci per cantare nel cimbalo o in altri stromenti simili con l'alfabeto per la chitarra, libro 1,
op. 5",del año 1621. Veneri ejerció como maestro de capilla en Prato a partir de 1631.

VERA Maria Teresa
n.1895 en Guanajay, Cuba - m.1965 en La Habana

Cantante y guitarrista cubana, valor destacado en la historia de la canción trovadora en su país, que
tuvo como maestro de guitarra a un tabaquero llamado José Díaz. A los quince años hizo su debut
en público, formando posteriormente dúo con Rafael Zequeiro, con el que grabó varios discos y
viajó a los Estados Unidos. Muerto aquel en 1924, actuó sola o esporádicamente con algún trovador
durante un tiempo, hasta agregarse al Sexteto Occidente, con el que una vez más emprendió una
gira por los Estados Unidos. En 1937, por último, se unió a Lorenzo Hierrezuelo, formando con
aquel a lo largo de veinticinco años uno de los dúos más populares de cuantos han habido en La
Habana. Compuso canciones de cierto mérito y recibió varias condecoraciones como premio a su
labor artística.

VERASSAI Ostap
(1807-1890)

Trovador y laudista ruso de gran fama, considerado el más importante cantor popular de su tiempo.
residió en San Petersburgo, en cuya capital se produjo su fallecimiento.

























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VERBA Francis

VERBA Francis
n. 1949 en París

Este guitarrista francés se ha familiarizado con la técnica de
tres tipos de guitarras: de seis cuerdas (Contreras-
Carlevaro), de diez (Antoine Pappalardo) y de trece
(Castelluccio), utilizando para cada una de sus actuaciones
la que considera más adecuada al género de música a
interpretar. Diplomado en 1975, tras haber conquistado
varios primeros premios en certámenes guitarrísticos, su
actividad musical se ha extendido a diversos terrenos:
fundador-director del "Stage" (1974) y del "Festival
International de Guitare" de Arcachon (1975), en los que
han participado N. Yepes, A. Carlevaro, A. Lagoya, A.
Ponce, S. Behrend, S. y 0. Assad, P. Lemaigre, R. García
Zárate, J. Labrouve, E. Pujadas, etc., y que aún hoy siguen
en vigor; profesor titular del Conservatorio Nacional de Música, desde 1984; director de la
colección "La Guitare" de Editions Robert Martin; colaborador-consejero del Ministerio de Asuntos
Culturales; miembro del Grupo de Investigaciones Musicales del Instituto Nacional de Audio-
visual, etc. Su repertorio como ejecutante abarca todas las épocas y tendencias, si bien suele prestar
especial interés a la música de última hora. Para Francis Verba han compuesto, entre otros, Jacques
Lasry, Alain Gaussin, Laurent Benmossa, Michel Puig, Edmundo Vázquez, Michel Mathias, Blas
Sánchez, Jorge Labrouve, Philippe Lemaigre, Alain Mitéran, Patrick Guillot y Arnaud Dumond,
dedicándole la mayor parte de ellos sus obras. Asimismo realizó los estrenos mundiales del
"Concierto para piano-jazz y guitarra clásica", de Claude Bolling, con éste al piano, y del
"Concierto" de Paul Méranger, que también se lo dedicó, ejecutando además la reposición en
Francia del "Concierto de Mars", de Jacques Bondon, bajo la dirección del propio compositor.
Hasta ahora la labor concertística de Francis Verba (recitales, música de cámara y conciertos con
orquesta) ha tenido por escenario auditorios de Francia, España, Italia, Suiza, Bélgica, Holanda,
Irlanda y del norte de África.

VERDELOT Philippe
Siglo XVI

Compositor de la escuela franco-flamenca, radicado en Italia entre los años 1525 y 1565, que con el
italiano Costanzo Festa se disputa el honor de haber creado el "madrigal". Su obra aparecida en
1535 y 1536 fue adaptada para el laúd y la vihuela por Willaert, Ochsenkun, Neusiedler, Venegas
de Henestrosa y Fuenllana, entre otros.












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VERDERY Benjamin

VERDERY Benjamin
n.1955 en Danbury/Connecticut, USA

Desde su debut en Nueva York en el año 1950
formando dúo con el flautista Rie Schmidt, su
trayectoría artística lo ha llevado a participar como
solista, intérprete de cámara y director de "master
classes" en importantes eventos musicales de gran
parte de los Estados Unidos, Canadá y Europa,
adquiriendo en poco tiempo una enorme popularidad.
En 1975 se gradua por la "State University of New
York at Purchase", donde recibe en guitarra las
enseñanzas de Philip de Fremery y Frederic Hand.
Luego participa como maestro en las "Rencontres
Internationales de la Guitare" impartidas en Francia
por Leo Brouwer y Alirio Díaz. Miembro de los
grupos "Musical Elements", "New Music Consort" y
"Composers Chamber Ensemble" en la música de
cámara, como solista ha sido acompañado por la
"Chamber Orchestra of New England", la "Arkansas
Symphony", "Jackson Symphony" y la "Nasseu
Symphony Orchestra" de Nueva York, entre otras. En
esta capital hizo su debut en el "Merkin Concert Hall"
en 1982. Para Verdery han compuesto expresamente
compositores como Alvin Brehm y Anthony Newman, habiendo grabado hasta ahora cuatro discos
(1978, "Music by Anthony Newman; 1983, "Bach Transcriptions for Guitar"; 1986, "French Music
for Flute & Guitar"; y 1986, "Bach: Two Generations-Concertos for Guitar & Chamber Orchestra).
Actualmente ejerce la enseñanza del instrumento en las Universidades de Yale y de Nueva
York/Purchase y es director artístico de la "D'Addario Foundation for the Performing Arts",
colaborando también como columnista con la "Guitar Player Magazine".




















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VERDI Giuseppe

VERDI Giuseppe
n. 1813 en Roncole (Parma) / m.1091 en Milán.

Célebre compositor de óperas italiano.
Ya desde muy pequeño demostró gran afición por la música. Sus primeros años de niñez y
juventud transcurrieron en medio de penurias económicas. Un comerciante de Buseto, cercano a su
pueblo natal decidió pagarle en Milán sus estudios de piano. Sus principios en Milán fueron
difîciles. Verdi estudió con Lavigna, que entonces era maestro a cembalo en el Scala. Bajo su
dirección hizo los primeros ensayos serios de composición. Su primera ópera, Oberto conte di San
Bonifazio, se estrenó en la Scala, 1839. Después de
algunos fracasos musicales, comenzó su carrera de éxitos
con Nabuco en 1842.
Desde entonces son infinitas las producciones del gran
maestro, considerado como la gloria más legítima de la
Italia moderna. A partir de los 74 años, vovió a
componer dos óperas: Otello, y Falstaff. Sin abandonar
por supuesto la belleza melódica, que llevaba en sus
venas desde el nacimiento, abría en este tercer período
nuevos horizontes hasta entonces inimaginables. Verdi
fue un hombre sencillo, sincero, muy humano y
comprensivo. Compuso 27 óperas.
No vamos a ocuparnos largamente de esta colosal figura
del teatro musical: lo citaremos únicamente, por el hecho
de haber incluido la Guitarra en sus óperas. "Otello" fue
estrenada en al Scala de Milán, el 5 de Febrero de 1887,
dirigida por el gran músico Boito y cantada por el divino
Tamagno; en el II acto de esta ópera, encomendado a las
voces infantiles, está impregnado de una frescura sin
igual, realizada por un acompañamiento de mandolinas y
guitarras enteramente original. Es la primera ocasión en
que emplea una masa de instrumentos. Este conjunto de
cantantes e instrumentistas acompañan el tema vocal, "
Dove guardi splendono raggi..."
Dibujo de J. Diéguez
Ejemplo de esta melodía
Composiciones de Verdi transcritas a la guitarra.

Gardana, Enea (arr.)
Bolero / nei / Vespri Siciliani / di VERDI trascrito / per / CHITARRA / da / ENEA GARDANA /
Op.22.-Milano: G. Ricordi & Co. R&B-S N° 391

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewälhlte Melodien...Op.8, N°31 Die
Sizilianische Vesper von Gius. Verdi...

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VERDI Giuseppe

Legnani, Luigi (arr.)
Cavatina d'Elvira / NELL'OPERA ERNANI DI VERDI / ridotta per / FLAUTO e CHITARRA /
DA / LUIGI LEGNANI. (Milano: Giovanni Ricordi) R&B-S N°. 483

Cavatina d'Ernani / nell'Opera ERNANI di VERDI / ridotta per / FLAUTO e CHITARRA / DA /
LUIGI LEGNANI. (Milano: Giovanni Ricordi) R&B-S N°. 482

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewählte Melodien...Op.8,N°14, Ernani von
Gius. Verdi...

MELODIE / NELL'OPERA / UN BALLO IN MASCHERA / di Verdi
trascitto / per / CHITARRA / da / ENEA GARDANA (Milano: Tito di G. Ricordi) R&B-S N°. 396

MISERERE /NEL / TRO VATORE / DI G VERDI / Ridotto per / Chitarra / DA / E. GARDANA -
(Milano: Tito di G. Ricordi)

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewählte Melodien...Op.8,N°27 Il
Trovadore von G. Verdi...:

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewählte Melodien...Op.8,N°21, Rigoletto
von G. Verdi...

Gardana, Enea (arr)
SCELTE MELODIE / NELL'OPERA / IL TROVATORE / DI VERDI/trascritte per / CHITARRA /
da / ENEA GARDANA - (Milano: Ricordi) R&B-S N°. 398

Sinfonia / DELL'OPERA / GIOVANNA D'ARCO /DI /G. VERDI / Ridotta per Chitarra sola da A.
Mussi. (Milano:Tito di G. Ricordi) R&B-S N°. 574

LA TRAVIATA / Opera di / G. Verdi / PEZZI RIDOTTI / per Chitarra sola / da / N.C. Grimm /
...Aria "Ah forse è lui che l'anima... (Milano: Tito di Gio. Ricordi) R&B-S N°. 388

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewählte Melodien...Op. 8, N°29 La
Traviata, Musik von G. Verdi

Ver también: Mertz, Johann Kaspar: Opern-Revue, Ausgewählte Melodien...Op.8, N°22
Nabucadonosor

Ver también: Küffner, Joseph: Récréations Musicales...Op. 321, Nabucodonosor... and Récréations
Musicales...Op.321, I due Foscari...

(Catalogue of the Rischel and Birket-Smith Collection of Guitar Music in The Royal Library of
Copenhagen. Editions Orphée 1989 / COLUMBUS, U.S.A. )

Transcripciones de obras de Verdi por F. Tárrega:

Aída, Fragmentos / Estudio sobre un tema de La Traviata / La Traviata, tema / Melodía de las
Vísperas Sicilianas (Melodía) MS: Argelia 08-02-1900. / Miserere del Trovador.


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VERDI Giuseppe

J. ARCAS: Fantasía para guitarra sobre motivos de la ópera "Traviata" de Verdi.

"Triste sino histórico el de Julián Arcas cuya composición más tocada y grabada, que no es otra que
esta Fantasía sobre motivos de la Traviata, aparece casi siempre bajo la autoría de F. Tárrega a la
vez que la crítica pondera la obra de Tárrega y desestima – muy a la ligera y con fundamentos muy
dudosos – su propia obra.
Entre los intérpretes guitarristas que han grabado esta obra, atribuyéndola sin excepción a Tárrega,
están: Carlos Bonell, Toru Kannari, Claudio Marcotulli, David Russell y otros".
("J. Arcas" por J. Suárez-Pajares y E. Rioja).

Bibliografía:
Mariano Pérez "Diccionario de la Música y los Músicos" E. Istmo, 1985, Madrid

"El guitarrista Julián Arcas" (1832-1882) por Javier Suárez-Pajares y Eusebio Rioja Vázquez.
Instituto de Estudios Almerienses (2003)

"Ilustración Musical Hispano-Americana" dirgida por Felipe Pedrell (Barcelona,1890)









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VERDIER André

VERDIER André
n. 1886 en París - m. 1957 en París

"Coleccionador apasionado, musicólogo erudito, músico capacitado, André Verdier poseía una
biblioteca guitarrística única en el mundo. A fuerza de escudriñar en las librerías de lance,
repertorió en sus armarios métodos rarísimos con sus ediciones originales, obras completas para
guitarra y laúd (más de 2000 composiciones), una multitud de informes históricos, anecdóticos,
literarios y humorísticos sobre su instrumento preferido. Verdier ofrecía recompensas a los
bibliotecarios que conseguían encontrarle esta o aquella precisión que le faltaba. Recibía
correspondencia de Alemania, Austria,
Inglaterra, Suecia, Estados Unidos, Rusia,
América del Sur y del mundo entero. Ha
conocido personalmente a notables intérpretes
como: Llobet, Segovia, Alirio Díaz, Yepes, Ida
Presti, A. Lagoya, Manjón.
André Verdier, empieza a estudiar solfeo a la
edad de 6 años; años más tarde estudia la flauta
en el Conservatorio de París. A los 18 años se
enrola en el ejército donde permanece 4 años
como músico; toma cursos de harmonía y se
inicia a la guitarra de acompañamiento. Su
carácter independiente soporta muy mal la
disciplina militar. Vuelve a la vida civil,
organizando conciertos y veladas musicales. Un
azar decide de su vocación artística. Encuentra a
Llobet, y la escuela de Tárrega lo seduce
definitivamente. "J'ai la guitarite, aime-t-il dire,
c'est un mal dont on ne se guérit jamais." José
María Rodríguez Aravena, virtuoso, alumno de
Llobet, le da lecciones en el "Café des
Palmiers", "rendez-vous des amateurs"
distinguidos tales como David del Castillo y
Lucien Gélas.
En 1936, con la colaboración de Emilio Pujol, funda "les Amis de la Guitare", publicando de esta
asociación unos folletos. En compañía de su amigo danés Kostergoort, encuentra, después de largas
búsquedas, la tumba de Fernando Sor, en el Cementerio de Montmartre; el 5 de julio de 1936 se
coloca una placa conmenmorativa.
El objetivo de los "Amis de la Guitare" era el de crear relaciones entre los guitarristas de todos los
paises del mundo. Muchos conciertos son organizados en los que se demuestran las capacidades de
cada intérprete. Durante unos 20 años la sociedad "Amis de la Guitare", ha salvaguardado en
Francia, las tradiciones de la guitarra clásica".
André Verdier es autor de una serie de obras didácticas, entre ellas "Corpus et Leçons", Ecole de la
Guitare", etc. y de un ensayo biográfico sobre "Francisco Tárrega".
(Yves Gentilhomme - "Guitare et Musique" N° 16, 1958)






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VERINI Filippo

VERINI Filippo
n. 1783 en Pisa - m. 1849 en Londres

Guitarrista, cantante y pedagogo italiano, que residió durante varios años en Londres, donde dio a la
estampa el tratado "First Rudiments of the Spanish Guitar", dedicado a Fernando Sor, y una serie de
"Composizioni per chitarra sola" y "Canzoni" con acompañamiento de aquella.

VERMAELE Anne-Marie
n.1955 en Gent, Bélgica

Hizo sus estudios del instrumento en el Real Conservatorio de Gent, participando además en cursos
de Alirio Díaz, Leo Brouwer, Alexandre Lagoya, José Luis Rodrigo y José Tomás. En 1978 resultó
finalista en el certamen de Granada, siendo felicitada por Andrés Segovia y Narciso Yepes. Volvió
a ser finalista en el primer certamen de Alcoy, celebrado en 1980. Su actividad concertística se
viene desarrollando principalmente por Bélgica, Holanda, Francia y España, habiendo grabado
también para la radio y la televisión de estos países. Desde 1972 ha ejercido asimismo como
profesora de guitarra en la "Stedelijke Muziekacademie" de Gent-Ledeberg. En 1978 llevó la
coordinación y dirección artística del "International Guitarweekend" de Gent.

VERNIGORA Galina
n. 1970 en Charkov/Ucrania

A los siete años de edad inicia los estudios de
guitarra, siendo sus maestros S.A. Moskalenki y J.M.
Balan. Dos años más tarde ofrece ya sus primeras
actuaciones. En 1982 es seleccionada por Juventudes
Musicales de su ciudad natal y pasa a colaborar con la
"Philharmonie", dándose a conocer como recitalista y
acompañada de orquesta con conciertos de Vivaldi y
de Castelnuovo Tedesco. Desde 1985 amplia su
formación en la Escuela de Música "Gnessin" y
trabaja en calidad de solista con la "Charkover
Philharmonie". En 1987 participa en el VIII Festival
Internacional de Guitarra de Esztergom (Hungría); en
1988 lo hace en Polonia, donde obtiene un Premio
Extraordinario que le otorga la Academia de Música
de Katowice. Galina Vernigora es hoy una guitarrista
hecha, a los diecinueve años, y cultiva un repertorio
extenso y de buen gusto.











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VERÓN Luis

VERÓN Luis
n.1892 en Corrientes

Profesor, compositor y concertista argentino de guitarra. Por igual se ha destacado en los tres
aspectos que cultiva la guitarra: como profesor lo ha sido de la Academia de Bellas Artes de
Corrientes, del conservatorio Willíams (de Zarate), del instituto musical Santa Cecilia, de Buenos
Aires, y de la Universidad Torcuato Alvear". Luego director de la academia Juan Alais" y,
actualmente, profesor del Conservatorio Naciónal de Música. Su producción en calidad de
compositor alcanza a 13 obras, todas de carácter folklórico argentino, especialmente guaraní.
Su primera obra fue acogida en sus páginas por el Almanaque Argentino" del año 1926.
Sucediéronse luego hasta la cantidad de 13 las composiciones publicadas, en su casi totalidad de un
rico sabor provincial, fielmente llevadas al pentagrama.
La actuación que le cupo como concertista es digna de aplausos, mereciendo elogiosos conceptos
de varios díarios. El 15 de Abril de 1925 fue escuchado en la prestigiosa entidad Círculo de la
Prensa, con un éxito franco, que arrancó críticas encomiásticas que tuvieron virtud de. animarlo en
su carrera artística.
Otro de sus conciertos lo ha dado en la Sala de la Wagneriana, el 2 de Julio de 1930, con un
escogido programa; en él figuraban obras de Sor, Coste, Tárrega, Sinópoli y una tercera parte, con
tres composiciones de las que es autor, entre ellas "Rumor de fiesta" (chamarrita correntina), que
mereció la distinción de que el eminente músico Felipe Bocro la incluyera en la ópera "El Matrero",
dada con gran éxito en el teatro Colón.
Más tarde, el 5 de Noviembre de 1931, interviene en la velada literario-musical, organizada por
"Camuatí", con obras de Sor, Tárrega, Aguado y Coste. Su último concierto lo ha dado también en
esta nombrada sociedad de artistas, el 7 de Mayo de 1932, con un ecléctico programa, compuesto de
12 obras que vertió pulcramente y en gran estilo, revelando sus dotes de intérprete seguro y
cuidadoso.
D. Prat "Diccionario..." Ed. Orphée Reprint, 1986 / U.S.A.























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VEROVIO Simon

VEROVIO Simon
Siglos XVI-XVII
n. en Hertogenbosch (Holanda)

Editor, grabador y compositor holandés. Residía en
Roma el año 1575, siendo muy activo en calidad de
editor en esta ciudad, de 1586 a 1608, antes de
dedicarse a grabar música. En las antologías publicadas
por él, bellamente ilustradas, también figuraban
composiciones suyas, con texto y música.
Probablemente, fueron sus hijos: Giacomo, cantor en el
Oratorio de los Filippini di Roma en 1607; Giovanni,
cantor en 1614; Michelangelo Verovio del Violino;
Verovia, monja del Spirito Santo y célebre cantatriz.

Obras de S. Verovio en las que se representa el Laúd:

Diletto Spirituale. Canzonette a 3 et a 4 voci con
l'Intavolatura cel Cimbalo et -- Liuto(Roma,1586) Forni
Reprint,1971.
Lodi della musica a 3 voci...con l'intavolatura del
cimbalo e del liuto" (Roma,1595) Forni Reprint,1971.
Ghirlanda di Fioretti Musicali a 3 voci...con
l'intavolatura del Cimbalo et Liuto (1589).

Bibliografía:
"Enciclopedia della Musica" Rizzoli Editore-Milano,1972
"Il Fronimo" N°84, 1993 / Umberto Nensi "Musica vocale intavolata sul Liuto"

VIAERA Federico
Siglo XVI

En 1564 dio a la estampa "Nova et elegantissima en Cythara Ludenda carmina quae videlicet in sola
Cythara vel etiam cum tribus testudinibus exhibita...", obra en cuya primera parte presenta danzas
para tres laúdes y cistro solo, y en la segunda canciones para cistro.















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VICENT DOMENECH Francisco

VICENT DOMENECH Francisco
n. 1935 en Castellón, España

Corresponsal de Prensa y Redactor Radiofónico. Ha firmado crónicas en la revista "Ritmo", de
Madrid; "La Vanguardia", de Barcelona; "Las Provincias", de Valencia; "La Marina", de Alicante;
"La Verdad", de Lérida; "Agricultura", de Madrid, etc. Colabora con asiduidad en los diarios
"Mediterráneo" y "Castellón Diario", de Castellón. Ha sido guionista, realizador y director de
programas radiofónicos muy populares tales como "Castelloneries", "Calor de Fiestas", "Gayata" y
"Radiocáritas". En el apartado musical, colaboró activamente con el fallecido maestro Leopoldo
Querol, primer Presidente del "Festival Internacional de Guitarra Francisco Tárrega", de
Benicasim, proporcionando al mismo una amplia cobertura informativa y de divulgación, a través
de diversos medios de comunicación social de carácter provincial y nacional. También fue el
primero en presentar al guitarrista Francisco Herrera, ante el público castellonense a través del
programa de radio "Castelloneries", auspiciándole la programación de breves recitales que, en el
transcurso de pocos años, darían a conocer al guitarrista de Alcalá de Chivert como intérprete y
como enseñante, ante el público español. Ha pertenecido a las Emisoras "La Voz de Castellón"
(hay, Radio Nacional de España), Radio Castellón, de la Cadena SER y Antena 3 de Radio, S.A. y
en la actualidad, es jefe del Gabinete de Prensa de Caja Rural Provincial de Castellón
("CREDICOOP"), teniendo a su cargo el departamento de crónicas de todas las actividades de la
misma, así como la edición del titulado "Boletín Informativo de la Unión Provincial de
Cooperativas del Campo de Castellón", publicación trimestral, de 60 páginas y cobiertas a cinco
tintas. Es técnico en Relaciones Públicas y cuenta con un premio de Radiodifusión "Ciudad de
Castellón" otorgado por el Ayuntamiento de la citada Ciudad.
Paco VICENT (derecha) interviuva a Francisco HERRERA



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VICENTE Sergi

VICENTE Sergi
n. 1965 en Barcelona

"Uno de los más destacados guitarristas catalanes de la nueva generación" (La Vanguardia, Junio
1989). Se graduó en calidad de Profesor Superior a los 19 años en el Conservatorio Superior de
Música del Liceo de Barcelona con el concertista y compositor Jaume Torrent. Amplia su
formación en cursos de perfeccionamiento con D. Russell, J. Tomás, J.L. Rodrigo, etc. Es precursor
de una original formación guitarrística, habiendo fundado y dirigido durante cuatro años la Orquesta
de Guitarras de Barcelona; actualmente dirige la del Conservatorio del Liceo y trabaja como
profesor en el mismo centro y como profesor invitado al "Instituto Superior de Arte de La Havana"
y en la "Universidad Javeriana de Bogotá". Sergi Vicente realiza una intensa actividad concertística,
tanto de solista como de música de cámara y con orquesta. Su discografía incluye dos CD de una
gran acogida comercial. En su relevante trayectoria interpretativa, varios compositores de renombre
le dedican obras. Regularmente forma parte en el jurado de certámenes y concursos de guitarra.
Sergi Vicente ha efectuado conciertos y grabaciones para la radio y televisión española y también
para otros países de América, Asia y Europa, La Havana, Bogotá, Caracas, etc. Sus conciertos y
"master classes" han obtenido un gran éxito del público y de la prensa especializada en el mundo de
la música.
































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VICENTE GASCÓN León

VICENTE GASCÓN León
n. 1896 en Orrios/Teruel

En 1934 escribía Prat en su Diccionario en relación con este guitarrista, profesor y compositor de
origen español: "Siendo muy joven se trasladó a la Argentina, radicándose en Buenos Aires.
Dedicóse al poco tiempo al estudio de la música y la guitarra, siendo discípulo del profesor
Tarantino; después de A. Sinopoli y a continuación, en 1918, del que suscribe; más tarde, de la
eximia artista guitarrista Maria Luisa Anido. Como ejecutante, ha actuado en el Círculo de Aragón,
en el Salón de la Wagneriana y otros. Como maestro, goza de una justa fama; es director de la
Academia que lleva su nombre. Ha presentado variados ejemplos de su enseñanza, entre ellos, al
joven guitarrista Dante Domínguez. Estudió armonía durante largos años, habiendo recibido las
enseñanzas del notable pedagogo en esta materia, el profesor Aboutkoff y después de Pedro
Rubione. El maestro Leon Vicente Gascón es un perfecto compositor, dedicándose a enriquecer la
literatura de la guitarra. Varias son las obras originales publicadas : "Flor cubana", hermosa y
sugerente habanera; "Sonatina" op. 8, que la forman Allegro-Andante-Minueto Final (editada por la
casa Romero y Fernández, sucesores José B. Romero, Buenos Aires), ocupa doce páginas de musica
de una construcción solida y no exenta de inspiración. Su danza argentina, "Gato", muestra una
vitalidad de ambiente en la que Gascón alcanza gran altura. Su "Album de la Juventud" op. 7,
editada por la casa nombrada, es como se anuncia, '12 Composiciones fáciles en orden progresivo',
demostrando con este trabajo poseer grandes cualidades pedagógicas, dominio de composición y
sutiles conocimientos del instrumento, para no salirse del margen que se impuso en él; es decir,
realizar airosamente las mayores dificultades en la forma más sencilla, dentro del perfecto canón
armónico. Recordaremos que Gascón forma parte del cuarteto del moderno invento 'la guitarra con
sonido amplificado', con que, en colaboración con el maestro Rubione y los técnicos Alfredo
Caccianini y Héctor Nanci, mostraron (en sesión pública en el Salón de la Wagneriana, el 5 de
agosto de 1931), las ventajas que puede aportar al instrumento pulsado en grandes locales,
ocupándose de esta demostración con interés y extensión la prensa de la capital." Más de medio año
después encontramos de este autor en el catálogo de la casa Ricordi Americana las siguientes obras
para guitarra solista: "Album de la Juventud", doce piezas; "Candombeos", milonga del 900;
"Cantando va el carretero", tonada; "6 composiciones argentinas al estilo popular" op. 5; "6
composiciones españolas" op. 11; "El cuando", estilizado (variaciones); "Ronda baturra", jota
aragonesa; "Rumores del Plata", pericón; "Suite argentina" op. 10; y "Vallecito del recuerdo",
zamba, además de varias revisiones de páginas de Sor, Tárrega, Arcas, Ferrer, López Buchardo y
Pérez Freire y un "Método Moderno" en tres volúmenes.
















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VIDAL Berta y SÁNGRÁ Roser, Dúo

VIDAL Berta y SÁNGRÁ Roser, Dúo
Desde 1976

Este dúo estuvo constituido en una primera etapa por Berta Vidal (n. 1948 en Barcelona) y Lidia
Caballé (n. 1952 en Sabadell), Roser Sangrá (n. 1961 en Barcelona) sustituyó a la última en 1983,
acoplándose a un orden de repertorio en el que cabe destacarse la incorporación de diversos
compositores catalanes modernos, a los que el dúo dedica un interés primordial. Berta Vidal y Lidia
Caballé, están actualmente ocupadas en tareas pedagógicas, cursaron sus estudios de guitarra con
Graciano Tarragó en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona, y los de música de cámara
con Maria Canela, Josep M. Alpiste y Pere Busquets, siendo ambas conocedoras de un extenso
repertorio de música para dos guitarras de todas las épocas. Roser Sangrá, formada en el
Conservatorio Municipal de la misma capital catalana con los maestros Ribo, Poch, Guinovart y
Oltra, y alumna de guitarra de Jordi Codina, acompañó asiduamente a la soprano Montserrat
Español y actuó en conciertos como solista antes de integrarse al dúo. Para este dúo, cuya actividad
concertística hasta ahora unicamente se desarrolla en territorio español, en una troyectoria
ascendente de éxitos, han creado interesantes páginas musicales los compositores Vicenç Acuña,
Llorenç, Balsach, Salvador Brotons, Benet Casablancas, Francesc Fleta Polo, Carles Guinovart y
Joaquim Homs.
Bertay VIDAL y Roser SANGRA











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VIDAL B.

VIDAL B.
n.1750 en París / m.1800 en París

Prefesor de guitarra francés. Hacia 1778 gozaba de una buena notoriedad en calidad de docente,
compositor e intérprete. Parece ser que fue profesor de Antoine L'Hoyer.
Se conoce de él, unas 40 obras impresas, entre las que destacan:
1° Concerto pour la guitare, avec 2 violons et basse (en ré). Paris, Imbault.
2° Sonates pour guitare el violoncelle, op.6. Paris, Bailleux.
3° Sonates pour guitare et violon, Op.7, 8, 12 et 25. Ibid.
4° Six œuvres de sonates pour guitare seule. Paris, Leduc et Gaveaux.
5° Des pots-pourris et des airs variés.
6° Des recueils d'airs d'opéras.
7° Nouvelle méthode de guitare, dédiée aux amateurs, Paris, S. Gaveau

(F. S. Fétis. "Biographie Universelle des Musiciens", Paris,1873).

VIDAL Robert J.
n. 1925 en París - m. 2002 en París

En 1958 fundó el célebre "Concours International de Guitare" para intérprete y compositor,
realizado bajo su dirección a través de Radio France, convirtiéndose pronto en el más importante
certamen guitarrístico de cuantos han habido hasta el presente. Es Robert J. Vidal autoridad en la
crítica, con conocimientos muy profundos del instrumento y su literatura, excelente conferenciante
y sobre todo una de las personas de mayor influencia en el ámbito guitarrístico internacional de
nuestros días.
Robert VIDAL y Andrés SEGOVIA



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VIDAL SEARA Avelina

VIDAL SEARA Avelina
n. 1958 en Montevideo

De nacionalidad española, aunque nacida en
Uruguay, se forma musicalmente en el Real
Conservatorio de Madrid, en el que recibe las
enseñanzas de Rocío Herrero. Allí compagina el
estudio de dicho instrumento con el de otras
disciplinas musicales, tales como piano,
armonía, historia y estética. En 1979 finaliza la
carrera de guitarra en posesión de máximas
calificaciones y al año siguiente es contratada
como profesora auxiliar de cátedra en el citado
centro docente. Su interés por la pedagogía y la
interpretación musical la ha llevado a participar
en diversos cursos nacionales y extranjeros
correspondientes a distintas especialidades,
impartidos los últimos en Bélgica, Austria,
Portugal y Francia. En 1982 gana por oposición
la auxiliaria de la que venía ocupándose desde
1980 en el Conservatorio de Madrid. En la actualidad alterna esta actividad docente con la de sus
conciertos en auditorios de dentro y fuera del país.




























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VIDAL SEARA Avelina

VIDALITA

"(Del americanismo Vidala, híbrido de vida y del sufijo quechua - la con la significación de ¡oh
vida, vidita!) Cante aflamencado procedente del folklore argentino fundamentalmente de canciones
camperas, con copla de cuatro versos octosílabos. Es un cante de carácter triste lento, con letras
generalmente de tema amoroso, que hablan de penas y desengaños. En opinión de José Blas Vega,
fue Manuel Escasena el intérprete que popularizó este estilo, como otros de los llamados cantes de
ida y vuelta, actualmente en período de revalorización, después de una época de mas de treinta años
casi olvidados".
VIDALITA
"Canción popular americana, especialmente cantada en la pampa argentina. El origen de la Vidalita
se atribuye a los conquistadores españoles de procedencia andaluza según algunos autores. Otros,
en cambio, opinan que es de pura raigambre americana. Dice un escritor boliviano, y al parecer con
mucho fundamento, que la Vidalita fue creada en tiempos del descubrimiento de América, por los
indios de Cochabamba. Además, asegura que la palabra Vidalita viene de la costumbre de decir
palomitay, chunquitay, viditay. El motivo musical nace de un tema quichua llamado guayño, en
compás de 2/4, y tiempo Allegretto, que lo cantan desde tiempo inmemorial, los indios de
Cochabamba. Otros opinan que pertenece al cancionero pampeano. Sobre este tema los
compositores argentinos nos han brindado preciosas páginas y en particular para la guitarra, existe
numeroso aporte".
Entre los numerosos guitarristas que han dado a la estampa el tema de la Vidalita citaremos: Mario
Rodriguez Arenas, Julio S. Sagreras, Agustin Barrios, María Luísa Anido y otros.

Bibliografía:

"Diccionario enciclopédico ilustrado del flamenco"
José Blas Vega & Manuel Ríos Ruíz. Ed. Cinterco,1988

"Diccionario de guitarristas..".1934. D. Prat (Ed. Orphèe, Reprint)











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VIDELA, R. Amadeo

VIDELA, R. Amadeo
Siglos XIX – XX

Profesor y compositor guitarrista, argentino. Hizo los estudios de guitarra con el notable maestro J.
S. Sagreras, formando parte entre aquella pléyade de sus distinguidos discípulos: la Srta. Mulcay,
A. Sinópoli, C. Pellerano, etc. Inesperados acontecimientos lo apartaron de la capital federal,
abriendo un paréntesis en las etéreas ondas musicales que no perciben los espíritus vulgares... todo
ello es "II Plettro". Ya se han cumplido 26 años desde su fundación; su ya tan importante colección
es un precioso documento en la historia de la música y en particular de la guitarra y el mandolín. Ha
sido miembro del jurado de los Concursi di Lodi, 1900; Como, 1906; Pavía, 1907; Cremona, 1910;
Torino, 1911; Roma, 1921; nombrado miembro honorario de la Federazionc Mandolinística Italiana
y de las Sociedades siguientes: Club Mandolinístico di Verona, Filarmónica di Torino, Circolo
"Verdi" di Livorno, Mandolinistica di Monza, "Ars et Labor" di Biella, Estudiantina Bergamasca di
Bergamo, Aca¬ demia Mandolinistica é Circolo "Rinaldi" di Milano, Unión Liégeoise di Liegi, R.
Mandolinata di Atene, "Esperanza" di Mulhouse... Los de allende el Rhin seguramente dirán que, el
editor musical, "Cavalliere" Alejandro Vizzari De Pandini, es un generalísimo del excelso ejército
de Orfeo. Y en verdad, cuádrale esa jerarquía, que conquista nuestra más grande admiración.
D. Prat "Diccionario...1934" Ed Orphèe Reprint, 1986. U.S.A.

VIDOVIC Ana
n. 1980 en Karlovac (Croacia)

Estudió con el guitarrista Croata Istvan Römer. Ha sido la
estudiante más joven en la Académique de Zabreg, con 13
años. Ana Vidovic ha asistido a clases magistrales con David
Russell y Costas Cotsiolis. En los Certámenes Internacionales
de Guitarra ha conseguido los siguientes premios:
Premio especial de interpretación en Poland (Varsovia) en
1994.
Premio "Albert Augustine Memorial International Guitar
Competition" en Inglaterra 1995.
Primer premio y Premio especial "Printemps de la Guitare" en
Bélgica (Bruselas) en 1996.
Ana, ha dado recitales como solista y con Orquestas de
renombre en Varsovia, Viena, Salzburgo, Budapest, Tel Aviv,
Paris, Londres, Oslo Aarhus, Bergen, Roma, Bari, Vaduz,
Copenhage etc.,
El director croata Petar Krelja ha realizado un interesante
documental sobre la vida artística de Ana Vidovic. Hasta ahora
ya tiene grabados 3 Cd`s.
En 1998 gana el primer premio en el XXXII Certámen Internacional de Guitarra "Francisco
Tárrega" en Benicasim.
En el "Programa sesiones" tocó: Suite BWV 1006a de J.S. Bach / Sonata Romántica de M.M. Ponce
/ Capricho Árabe de F. Tárrega.
En el "Programa final" interpretó magistralmente: Concierto de H. Villa-Lobos / Recuerdos de la
Alhambra y Danza Mora de F. Tárrega.
La crítica decía de ella." …la jovencísima guitarrista Ana Vidovic, interpretó el Concierto de Villa-
Lobos, con un comienzo espectacular en una obra de difícil ejecución, aunque menos popular que el
Concierto de Aranjuez. La joven artista demostró frescura y desparpajo, como corresponde a una
gran concertista" (Angel Martínez).
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VIDOVIC Victor

VIDOVIC Victor
n. 1973 en Karlava, Yugoslavia

Ha estudiado la guitarra con Istvan Romer, en Zagreb,
mostrando unas predisposiciones sorprendentes desde muy
temprana edad. En marzo de 1986 gana el primer premio en
el concurso de graduados de Croacia; en abril del mismo año
el primer premio de la Federación de Repúblicas de
Yugoslavia, celebrado en Novi Sad. En el verano de 1987
entra en contacto con Maria Livia São Marcos, durante los
cursos que ésta imparte en Grozujan; seguidamente pasa a
estudiar con dicha maestra con el fin de preparar el examen
de ingreso en el Conservatorio de Ginebra (Suiza). En 1988
Victor Vidovic es distinguido con el primer premio en el
Concurso Internacional de Interpretación Musical de
Ginebra (CIEM) así como el Premio Villa Lobos, concedido
por el Gobierno brasileño para su exceptional interpretación
del Concierto para guitarra y orquesta de Héctor Villa Lobos
durante la final del CIEM, acompañado por la Sociedad de
Orquesta de Bienne, Suiza, bajo la dirección de Marc
Tardue. Además, se le ha concedido una guitarra del notable
"luthier" alemán Walter J. Vogt, en el "Grand Prix Patek
Philippe" que ha ganado últimamente.



























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VIELLA

VIELLA

En francés, vielle; en alemán, drekleier; en italiano, lira tedesca, ghironda ribeca, stampella; en
inglés, hurdy gurdy; en latín, lyra rústica, lyra pagana o rota (rueda). Antiguo instrumento de 6
cuerdas, frotadas todas a la vez por una rueda de crines cubiertas con resina, a la que se da vueltas
por un manubrio que maneja la mano derecha. En la caja sonora, parecida a la de una guitarra, hay
un tecladillo; sus teclas blancas y negras, corresponden a diferentes puntos de las cuerdas a fin de
acortar la longitud de éstas por la presión que en las teclas hacen los dedos de la mano izquierda.
Las dos primeras cuerdas, llamadas primas o cantantes,
están afinadas al unisono y se pueden templar con las
dos cla vijas del mango; las otras cuatro, afinadas a
veces dos a dos, dan un sonido fijo cada una. La 3" se
llama trompeta; la 4ta, mosca; la 5ta, bordonillo, y la
6ta, gran bordón.
Su más antigua representación plástica es la del capitel
de Bocherville, que se encuentra en el museo de Ruán
(s. X), en que el instrumento, en forma de gran guitarra
alargada, está colocado sobre las rodillas de dos
presonajes sentados, uno de los cuales maneja las
teclas, que se hallan en el mango, mietras que el otro
hace girar la manivela. (M. Brenet "Diccionario")
Este instrumento, ya popular en el siglo X, llamábase
organistrum y tenía 8 teclas, una 8va, a diferencia de
los que en el siglo último se construyeron con dos
octavas cromáticas. Desde el siglo XII al XV alcanzó
extraordinario éxito: era el instrumento predilecto de
los trovadores más aristocráticos; y los nombres de
armonía o symphonia (que degeneró en chifonia) y los
de zampugna, sambuca y sambuca rotata no
designaron sino variedades de este instrumento, que
ostentaba escudos, orlas y emblemas con ricas
incrustaciones y manivela de plata y oro. Filippo Bonanni
"Gabinetto Armonico"
Jérôme de Moravie (Tractatus de musica) daba a la Viella tres afinaciones diferentes:
Ejemplo

En Francia, en el siglo XV, se le dio el nombre de vielle, al quedar relegada a los músicos
callejeros. Virdung (1511) sólo la llama lyra y no la juzga digna de ninguna descripción. Praetorius
(1618) no le concede mayor importancia y, sin embargo, aun le estaba reservado el esplendor a que
llegó, siendo en el siglo último (especialmente en Francia, mientras reinó Luis XIV) el instrumento
de concierto más elogiado, por los aplausos que arrancaban María Antonieta, Larose. Batón. Janot,
etc. Es decir, que sufrió notables perfeccionamientos en manos de los constructores Pedro y Juan
Louvet-Delaunay, de París; Lambert, de Nancy; Barge, de Tolosa; etc.
D. Prat "Diccionario...1934 (Ed. Orphée. Reprint. U.S.A.)

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VIGANI Italo

VIGANI Italo
n. 1948 en Zürich, Suiza

Guitarrista italiano. Desde los seis hasta
los quince años estudia violín, iniciando
seguidamente sus estudios de guitarra
con Peter Nuesch en la "Züricher
Gitarren Schule". Más tarde continua su
formación en Viena bajo la guía de Karl
Scheit. Entre 1980 y 1985 toca a dos
guitarras con Peter Nuesch, actuando
dentro y fuera del territorio suizo.
Durante una de sus giras, conoce a Pepe
Romero, del que recibirá clases en
California a partir de 1984. Ambos se
hacen además buenos amigos.
Actualmente Italo Vigani ejerce
docencia en la "Kantons Schule" de
Zürich y actua a la par como concertista
solista.

VIGLIETI Cedar
Siglo XX

Guitarrista, compositor y musicólogo uruguayo.
Su hijo, fue un excelente guitarrista que
consagró su vida artística a la canción popular.
Cedar Viglieti mantuvo un estrecho contacto
con cantores y payadores, despertando en él este
encuentro, el deseo de estudiar e investigar estas
costumbres folklóricas de antaño.
La vida en la música popular de su país la
refleja en su libro "Folklore Musical de
Uruguay".
Su obra más importante será "Origen e Historia
de la Guitarra" (Ed. Albatros, 1976. Buenos
Aires).
En ese libro, nos habla Viglieti de los
antecedentes de la Guitarra, de los Laudistas, la
Vihuela y los Vihuelistas, de los guitarristas y
laudistas renacentistas, barrocos, clásicos y
modernos, de la Guitarra culta en América del
Sur etc.
Unas 250 biografías de instrumentistas, se
encuentran en este "Origen e Historia de la
Guitarra".




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VIGLIETTI Daniel

VIGLIETTI Daniel
n.1939 en Montevideo

Estudia la guitarra con Atilio Rapat y Abel Carlevaro,
con este último en el Conservatorio Nacional de
Montevideo. Dotado al fin de una solida formación, en
1959 decide consagrar su arte a la canción popular,
ejecutando un repertorio integrado en su mayor parte por
sus propios textos y composiciones, así como de otros
poetas y músicos hispanos. Actua en teatros,
universidades, sindicatos, escuelas, y a la vez en la radio
y la televisión de su país, hasta que en 1972 se le detiene
y encarcela por juzgarsele "peligroso". Una campaña
masiva de solidaridad, firmada entre otros por Miguel
Ángel Asturias, Jean-Paul Sartre y François Mitterand,
consigue poco después que lo dejen en libertad. Su
nombre comienza a extenderse por todo el mundo a
partir de 1973, actuando desde entonces en giras
periódicas por países de la América Latina, los Estados
Unidos, Canadá y gran parte de Europa y África,
interveniendo además en los festivales más importantes
dedicados al género. "Daniel Viglietti - leemos en la crítica, - es la representación exacta de lo que
debe ser un cantor popular. Cantante sensible y lucido, de voz intensa, hermosa y enormemente
comunicativa, es también un gran músico y un gran poeta que sabe dar una fuerza inmensa a su
actuación sin tener necesidad de hacer ningún tipo de concesión." Su padre, Cedar Viglietti, cultivó
también la guitarra y dio a la estampa obras del género popular para el instrumento y el libro
"Origen e historia de la guitarra" (Buenos Aires, 1973).
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VIHUELA

VIHUELA

Etimológicamente proviene del latín "fides", "fidula", "fidicula" (cuerda), término aplicado al
principio a todos los instrumentos de cuerda y luego exclusivamente a los cordosonoros con un
mástil. Este vocablo evolucionará dando el "viula" provenzal, el "videle" o "fiedel" germánico,
el "fithele" o "fiddle" inglés, el francés "vielle", a1 italiano "viola" (y de aquí, "violín",
"violoncello", etc.). En castellano se aplicó indiferentemente a "guitarra", "vihuelas" y
"laúdes"; en Portugal (y Brasil) se denomina "viola" y "violeo" a la "guitarra", y en América
se conserva el nombre "vihuela" para diversos instrumentos derivados de la guitarra. Este
instrumento se denominó "vihuela", "bihuela", "bigüela", etc. Tinctoris y otros tratadistas lo
nominaron "viola", y los franceses "demi-luth". También encontramos otros términos, tales como
"veule", "vigola", etc.
Su origen es muy probablemente paralelo al de la "guitarra" propiamiente dicha y está pués
intimamente emparentada con la denominada "guitarra latina" y la "cittern" primitivas. Tenemos
constancia de ella en el "Poema de Alexandre" de Juan Lorenzo Segura de Astorga ("uiola", siglo
XIII); en el "Libro del Buen Amor" del arcipreste de Hita (siglo XIV);
en el "Poema de Alfonso Onceno" del mismo siglo; muy abundante en el "Libro de Apolinio" y
también mentada en el siglo XV en el libro de caballería valenciano "Tirant lo blanc" ("veules"),
en el "Triunfo del Amor" de Juan del Encina, etc.
Entre las representaciones plásticas, está la "vihuela" en el Cancioneiro da Ajuda
galaicoportugués del siglo XIV, en un mural del mismo siglo de Antón Sánchez en la Catedral vieja
de Salamanca, en el fresco "Virgen con Niño y Ángeles" (siglo XV) de la Parroquia de Jesús en
Ibiza, en esculturas de bronce de Juan Nicolas de Vergara (cerca 1565) de la Catedral de Toledo,
etc. y, claro está, en los libros de organografía de la época y en las ilustraciones de los propios libros
de los vihuelistas.
Este instrumento es netamente español, nacido en el pueblo y luego, tras evolucionar, introducido
en la Corte, poseyendo su época de esplendor durante el reinado de los Reyes Católicos (el Infante
Don Juan la tocaba), de Carlos V y de Felipe II, es decir, dentro del llamado "Siglo de Oro".
Mientras en el pueblo seguía en uso la "guitarra" propiamente dicha, que era de tamaño más
pequeño y poseía cuatro órdenes de cuerdas, en la Corte se impuso la "vihuela", de tamaño más
grande y con más cuerdas (y por ello apta para la interpretación de la polifonía renacentista).
En las cortes de reyes y nobles españoles, ocupó el lugar privilegiado que en el resto de Europa
correspondió al "laúd" en el transcurso del siglo XVI. Se ha pretendido explicar este hecho como
un "rechazo" (casi psicoanalítico, diríamos) de los españoles ante un instrumento utilizado por sus
"enemigos" los moros. Esta tésis se nos antoja simplista, pues no sólo está en contradicción con
otras numerosísimas herencias del mundo árabe que han sido aprovechadas y asimiladas, sino que
tampoco es cierto que el "laúd" no fuera utilizado en España (aunque en menor grado que la
"vihuela"), como se deduce de cuantiosos testimonios que se conservan, (ver en "laúd").
Según el modo de tañerla, hubo desde el principio tres clases de "vihuelas":
- "de arco", frotadas como los instrumentos de la familia del "violín".
- "de peñola" o plectro, pulsada con una pluma de ave.
- "de mano", tañida con los dedos. Es ésta la evoluciona durante el siglo XVI y alcanza un
enorme esplendor.
No obstante, recordemos que en la Edad Media y parte del Renacimiento, muchos instrumentos se
tocaban INDIFERENTEMENTE con plectro, dedos o arco, según el deseo del juglar o trovero. A
modo simplemente anecdótico, constatemos que los vihuelistas "de mano" ya iniciaron la nunca
acabada polémica de si pulsar "con uñas" o bien "con el pulpejo" (remitimos a la monografía de
Emilio Pujol "E1 Dilema del Sonido en la Guitarra").


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VIHUELA

Poseemos varios tipos de "vihuela" según:
a) su tamaño
b) el número de sus cuerdas (órdenes)
c) su afinación

a) Según su tamaño variaba el timbre y la altura de sus notas. En un inventario de los enseres
pertenecientes a Isabel la Católica, tras su muerte, se citan tres "vihuelas" de diferentes tamaños:
grande, mediana y pequeña. Los actuales vihuelistas suelen encargar "vihuelas" de hasta siete
tamaños diferentes. E1 ejemplar que se conserva en el museo "Jacquemart-André, así como el que
tañe Orfeo en el frontispicio del libro de Luys Milán, se corresponden a la "vihuela" grave; otros
mucho más pequeños, como por ejemplo el del personaje que cabalga el delfín en el libro de
Narváez, son "vihuelas" más agudas.

b) E1 número de sus cuerdas es generalmente de seis órdenes (dobles, afinadas al unísono), o
sea, doce cuerdas. Resulta curioso observar que en las representaciones gráficas se dibujan simples,
aunque el número de clavijas en la pala sea el exacto. Fuenllana, sin embargo, nos dejó obras para
"vihuela" de cinco órdenes, y Bermudo menciona la "vihuela" de siete órdenes aunque
constatando que la más usual es la de seis.

c) En cuanto a su afinación, la relativa es siempre la misma, con intervalos de cuarta, cuarta,
tercera (mayor), cuarta y cuarta. Pero no hay una afinación absoluta; MILÁN nos indica que hay
que tensar la prima hasta el límite de su resistencia, y luego se afinan las demás por ella;
BERMUDO, que se puede afinar la sexta al aire en "cualquier signo que quisieren" y a partir de
ella afinamos las otras. Pero según la nota del sexto orden, se pueden diferenciar siete posibilidades,
a saber:
Gammaut, Are, B Mi, Cfaut, Dzolre, Elami y Ffaut. Todo esto nos conduce a la diferencia o
identidad entre la "vihuela", la "guitarra" y el "laúd". Por intérvalos, la "vihuela" está
exactamente afinada como el "laúd" renacentista.
MATEO ALEMÁN, en su curiosa "Ortografía Castellana" (México, 1609) nos dice que la
"vihuela" y el "laúd" son todo uno, aunque no en la "hechora"; BERMUDO llama al "laúd"
"vihuela de Flandes"; y desde luego, un vihuelista puede interpretar la música renacentista escrita
en cífra para el "laúd" y viceversa. Por otro lado, la "guitarra" de la época lleva sus cuatro
órdenes afinados en intérvalos de cuarta, tercero y cuarta. Y así Bermudo nos hace saber que la
"guitarra" es una "vihuela" a la que faltan dos órdenes, la prima y el bordón, y FUENLLANA,
en el prólogo de su "Orphénica Lyra", que en este libro hallaremos unas fantasías escritas "para
vihuela de quatro órdenes que dizen guitarra".
Por todo ésto se ha llegado a considerar la "vihuela" un "híbrido" de "guitarra" y "laúd". La
polémica parece carente de sentido si pensamos que en esta época renacentista los instrumentos
están todos ellos evolucionando, tratando de mejorar su sonido, su volumen, sus capacidades
expresivas, sus posibilidades polifónicas (recordemos las múltiples variedades de la familia de
instrumentos con teclado de los siglos XVI al XVII); el paso del Medioevo al mundo Moderno hace
que muchos instrumentos desaparezcan y que nazcan otros nuevos.
Los instrumentos de cuerda pulsada con mástil ("laúd"-"guitarra") evolucionan también, y la
"vihuela" es un producto muy hábil de esta evolución.
Por sus posibilidades polifónicas desplaza al "laúd" en la Península Ibérica; por su semejanza
con la "guitarra" es a su vez desplazada por ésta cuando comienza a incrementar el número de sus
órdenes.
La "vihuela" posee diez trastes, por lo general, que suelen ser de tripa, móviles, para poder
conseguir las distintas afinaciones; no obstante, Bermudo ya nos habla de trastes fijos, posiblemente
refiriéndose a instrumentos de un determinado tamaño y una determinada afinación.
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VIHUELA

La caja es como la de la "guitarra", con el fondo plano y los aros en forma "de ocho"; posee a
veces una tarraja y a veces varias, siempre trabajada con esmero al estilo árabe. Con frecuencia
tiene adornos sobre la tapa.

Vive en esplendor, durante el siglo XVI, desapareciendo después para ceder su puesto a la
"guitarra" barroca. Es por ello que sólo se conservan hoy dos ejemplares: uno procedente del
Monasterio de Guadalupe en Extremadura, llevada por los franceses y que se guarda en el Museo
Jacquemart-André de París; de él tomó Emilio Pujol las medidas para las primeras
reconstrucciones que se hicieron en el siglo XX; últimamente estaba sumamente deteriorada, pero
fue hace poco restaurada por el constructor Pierre Abondance, quien nos ha dejado una minuciosa
descripción de este instrumento. El otro se halla en la Iglesia de la Compañía de Jesús, en Quito
(Ecuador). El primero es enorme y más pequeño el segundo, habiendo sido ambos considerados
como "guitarras" por diversos autores.

La literatura para "vihuela" comprende siete libros, que son los escritos por Luys MILÁN
(1535-36), Luys de NARVÁEZ o NARBÁEZ (1538), Alonso MUDARRA (1546), este con las
primeras obras impresas para "guitarra" de cuatro órdenes, Enriquez VALDERRÁBANO
(1547), Diego PISADOR (1552), Miguel FUENLLANA (1554) y Esteban DAZA o DAÇA
(1576). Incluyeron la "vihuela" en sus libros (algunas veces de modo más bien teórico que
práctico): Luys VENEGAS de HENESTROSA (1557), Fray Tomás de SANTA MARIA (1565)
y Antonio CABEZON (1578).

También hay obras para "vihuela" en un curioso manuscrito que se conserva en la Biblioteca
Nacional de Madrid titulado "Ramillete de Flores" (1593) estudiadas y publicadas por Juan José
Rey. Mitjana cita un manuscrito "italiano, de finales del siglo XVI" con música de vihuelistas
españoles, que se guardaba a principios de este siglo en la Biblioteca de Berlín. No es para
"vihuela", a pesar de su título (para "bigüela"), el manuscrito de Antonio de Santa Cruz (siglo
XVII) que se guarda en la Biblioteca Nacional de Madrid, sino en realidad para "guitarra" de
cinco órdenes.

Han llegado hasta nosotros muchos nombres de vihuelistas de la época, algunos de ellos grandes
virtuosos, según diversos testimonios, como por ejemplo: Guzmán, Macotera, Francisco Aguyles,
Hernando y Martín de Jaén,López de Baena, Pedro de Madrid, Martín Sánchez, Juan Andrés de
Mendoza, Pedro de Mesa, Santiago Pérez, Manuel Rodríguez, Julio Severino, Torres Barroso, Luys
de Vargas y tantos otros.

Hoy puede decirse que la "vihuela" ha sido recuperada, siendo numerosos los ejecutantes que la
tañen. Citemos tan sólo a Emilio Pujol, Jorge Fresno, Rodrigo de Zayas, Javier Hinojosa y Juan
José Rey.

Y no menos numerosos son les constructores actuales que la reproducen, tales como Arnold
Dolmetsch en Haslemere, David Rubio también en GRAN BRETAÑA, los hermanos Fernando y
César Vera en MADRID, Ignacio Fleta en BARCELONA, Warnock en BOSTON (USA),
Daniel Jourdain en PARÍS, etc.

Están además los múltiples cursos y cursillos en que se imparte la docencia de la "vihuela",
entre los que se situan en primer lugar los impartidos en SIENA (1955-63), LÉRIDA (1965-69) y
CERVERA (a partir de 1970) por el nunca olvidado Emilio Pujol.
(A.U. Mallo)

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VIHUELA

Vihuela de Juan de MONTAGNA


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VILAPLANA José María

VILAPLANA José María

Luthier español contemporáneo. Aprendió el oficio de constructor con su padre, uno de los
fundadores de "Guitarras Alhambra", con quien trabaja durante dieciocho años. En 1979 decide
independizarse e instala su taller en Muro de Alcoy, (Valencia) donde desde entonces construye
guitarras por su cuenta. Suele construir unas 44 guitarras por año, en dos modelos, de las cuales las
tres cuartas parte se venden fuera de España.

VILAR Francisco
n. ? en Valencia - m. hacia 1920 en Valencia

Constructor de guitarras español, que en el año 1916 tenía su taller ubicado en la avenida del puerto,
calle Carlés, 2, 1°, en la parte marítima de El Grao de la capital de Valencia. Sus guitarras eran
simples y elegantes a la vez, y estaban dotadas de un sonido brillante de calidad. Como otros
buenos artesanos valencianos, Vilar estuvo al servicio de fabricantes mayoristas exportadores de
estos instrumentos, lo que le impidió que llegase a adquirir un reconocimiento artístico. Murió muy
joven.

VILLA Philippe
n. 1964 en Saint-Avold (Francia)

Obtuvo el diploma del Conservatorio Nacional de Raincy con el profesor Javier Hinojosa. Medalla
de oro de la ciudad de París, con el profesor Betho Davezac. Siguió cursos de perfeccionamiento
con Jiri Jirmal. 1985, Primer Premio en el Festival de Guitarra de Saubestre. 1986 Segundo Premio
en el Concurso Internacional Emilio Pujol en Sassari. 1989 Segundo Premio en el Concurso "d'Ile
de France". 1990 Finalista del 32 Concurso Internacional de "París-Radio France". Ha realizado
conciertos en Metz, Nancy, Pau, Orthez, París y también en Alemania, Italia y Checoslovaquia.

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VILLA LOBOS Heitor

VILLA LOBOS Heitor
n. 1887 en Rio de Janeiro - m. 1959 en Rio de Janeiro

El presente artículo forma parte del libro de Angelo Gilardino: La chitarra moderna e
contemporanea, 2ª edición revisada y ampliada (Ancona: Bèrben, 1992). Se trata del segundo de los
dos volúmenes de Manuale di Storia della chitarra (ad uso dei conservatori e delle scuole di
musica), publicados por la editorial italiana Bèrben, con cuya amable autorización reproducimos el
siguiente texto.

Nacido en Río de Janeiro en 1887, Villa-Lobos
estuvo rodeado de música desde su infancia, ya que
era hijo de un funcionario del estado que tocaba varios
instrumentos y al que le gustaba organizar conciertos
domésticos. No obstante, la educación musical del
pequeño fue irregular y caprichosa: el padre lo
instruyó –quién sabe cómo– en el violonchelo y en el
clarinete, pero le prohibió la guitarra, que se convirtió
de esa manera en uno de los grandes amores del
dotadísimo alumno. Con el tiempo Villa-Lobos tomó
también lecciones de saxofón y de piano. Este
laborioso aparato instrumentístico no estaba dirigido
hacia ningún género de música en concreto: el niño
tocaba la música de mala calidad que le imponía su
padre, pero cultivaba en secreto una pasión ardiente e
inconformista por El clave bien temperado y por los
chôros, que constituían uno de los ritos musicales de
la sociedad “carioca” (encontramos acertadísimas
descripciones de ello en las novelas de Jorge Amado).
Con preferencias tan dispares, la infancia y la
adolescencia de Villa-Lobos transcurrieron bajo la
impronta de la exuberancia y el desorden –
características que marcarían luego toda su actividad
compositiva: de esta confusión, Villa-Lobos consiguió deducir las reglas fundamentales de la
composición, básicamente de una forma autodidacta aunque aplicándose también en la lectura del
voluminoso tratado de Vincent d’Indy.

La biografía de Villa-Lobos es, por lo que respecta a los años juveniles, bastante controvertida:
en todo caso, tampoco es tan importante saber si el joven músico llegó verdaderamente a adentrarse
en las regiones del interior de Brasil y si en el transcurso de esos viajes anotó en su agenda melodías
y ritmos de danzas de los pueblos indígenas de la selva. Villa-Lobos recreó e hizo suyo el espíritu
de esas músicas con audaz imaginación, poco importa entonces si sus contactos con las fuentes los
obtuvo de forma temeraria entre serpientes y plantas carnívoras, o por el contrario mediante la
cómoda lectura en una biblioteca de Río: Debussy no visitó nunca España, pero llegó a entender sus
ocultos valores musicales mucho mejor que los propios compositores ibéricos, con excepción de
Falla.
La carrera de Villa-Lobos se hace pública a partir de la década de 1920, es decir, desde que una
vez iniciada decididamente su actividad de compositor “serio”, Villa-Lobos se traslada a París para
difundir su música en Europa. El arrollador personaje pronto se convertirá en una celebridad
mundial, a pesar de la feroz aversión que encontró en su patria, donde su música, y cualquier otra
manifestación del arte moderno, era combatida con violenta animosidad por las excrecencias
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VILLA LOBOS Heitor

intelectualoides de la burguesía “carioca”. Cuando llegó a París, Villa-Lobos ya había escrito y
extraviado numerosas piezas para guitarra. Sobrevivieron, de aquellos años precedentes al viaje
europeo, los cuatro movimientos de la que luego el editor parisino Max Eschig llamaría, de forma
poco satisfactoria para el autor, Suite populaire brésilienne, y el Chôro n. 1.

La Suite populaire brésilienne es una estratificación de todos aquellos elementos musicales y
culturales que habían concurrido para formar la personalidad de Villa-Lobos; sin embargo, la
complejidad de esta superposición no deja entrever el más mínimo resquicio de artificiosidad, por el
contrario, parece que estemos ante una música escrita de corrido, en el fluir de una inspiración
robusta e ingenua que no sabe de obstáculos ni de fatigas. El título de cada pieza es el de una danza
europea, al que siempre sigue el término chôro: así una Mazurka-chôro es la transformación que
Villa-Lobos hace de la danza apreciada por Chopin, convirtiendo sus caracteres rítmicos en la
agraciada y melancólica inclinación de un espíritu irremediablemente “carioca”: de ahí nace un
pathos genuinamente villalobiano, que repliega, sobre el fondo delicado de una tristeza nunca
quejumbrosa o hipocondríaca, arrojos sentimentales y arrebatos llenos de pasión. Hasta los deslices
humorísticos del Schottish-chôro muestran una cierta inclinación sombría, mientras que la cima de
intensidad entre fuerzas de índole contrastante la encontramos en la tercera pieza, Valsa-chôro, sin
duda la más bella de la suite. La Gavotta-chôro conclusiva doblega su grácil carácter bajo el peso
de afectos elegíacos y deja entrever, a través del esqueleto contrapuntístico de la escritura, ciertas
confluencias del futuro autor de las Bachianas brasileiras. Los cuatro tiempos de la suite tienen
forma de rondó, con tres presentaciones del “ritornello” y dos estrofas interpuestas, pero no sólo por
esto la composición se conduce con unitaria coherencia de principio a fin: antes que en la forma, la
continuidad está en el propio pensamiento musical. Por tanto, la indudable diferencia de estilo es la
causante de que el Chôrinho, añadido por Villa-Lobos en 1923 al final de la suite, no engarce con
los movimientos precedentes; no se trata entonces, como han escrito algunos, de una composición
inferior a las otras, ya que bajo un aspecto despreocupado y un tanto trivial la obra tiene su propio
color huidizo y alucinatorio, pero precisamente por su aura un tanto maléfica, de una inspiración
expresionista, el Chôrinho es una entidad diferenciada de la suite y resulta bastante comprensible la
decisión de algunos concertistas que lo omiten, concluyendo la suite con la Gavotta-chôro.

La composición para guitarra con la que Villa-Lobos quiso comenzar en 1920 una gigantesca
serie de catorce Chôros –compuestos, como las Bachianas brasileiras, para distintas formaciones
instrumentales– tiene, al contrario que el posterior Chôrinho, un carácter y una forma que la
convierten, en su género, en un pequeño clásico. La abigarrada mezcla de afectos que recorre los
diferentes movimientos de la Suite populaire se amalgama en el Chôro n. 1 dentro de un clima
expresivo aparentemente más compacto, pero no nos fatiga luego demasiado, hurgando bajo
aspectos irreflexivos, en descubrir sabores acibarados y reconocer sonrisas de payaso que esconden
inconfesadas tristezas.
Llegados a este punto, Villa-Lobos es un compositor que, manejándose caprichosa e
inconstantemente con la guitarra, puede permitirse componer para el instrumento con calculada
exactitud, pero su escritura no presenta todavía ningún rasgo notable de innovación, limitándose a
reproducir los modelos de los clásicos del siglo XIX, que consultó en los años de su adolescencia.
Leyendo la Suite populaire brésilienne y el Chôro n. 1 somos conscientes de hallarnos ante una
personalidad musical excepcional, pero no advertimos en modo alguno una genialidad
específicamente guitarrística.

Sin embargo, esta especificidad, unida a un multiplicarse de las fuerzas imaginativas puramente
musicales, estalló de golpe en el periodo de la estancia parisina, entre 1924 y 1929, con el
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VILLA LOBOS Heitor

prodigioso alumbramiento de los Douze études, códice de una nueva estética de la guitarra, en el
que se abren al instrumento horizontes nuevos e inesperadamente amplios.
*


La circunstancia que desencadena la creatividad de Villa-Lobos en el proyecto de los Douze
études se materializa en su encuentro con Segovia, que tuvo lugar en un salón parisino en 1924.
Cómo se desarrolló de manera exacta la reunión no se sabrá nunca, puesto que los dos interesados,
al recordar el evento, nos han ofrecido versiones dispares; pero una cosa es segura: Segovia ve
perfilarse una gran ocasión y no la deja escapar acabando por formular, gracias a su intuición, la
acertada petición de un estudio. “Él me pidió un estudio, y yo le escribí doce”, referirá luego Villa-
Lobos. La desproporción entre demanda y oferta refleja la situación creada en el encuentro entre
dos modos radicalmente distintos de concebir la guitarra. Para Segovia, que piensa sobre todo en la
seductora pureza del sonido, y que trabaja sobre un espacio dinámico-tímbrico limitado, valorando
en la música el aspecto melódico por encima de cualquier otro, la guitarra es un instrumento lírico;
un lirismo que Villa-Lobos ama y comparte –la Suite brésilienne es un ejemplo altamente
significativo– pero que en la creación de los Douze études supera y arrolla, afirmando la nueva
identidad de una guitarra no tanto lírica como también, y sobre todo, dramática, con atrevidos
contrastes dinámicos, tratamiento del elemento armónico que a menudo roza, y a veces exige, la
percusividad, mixturas tímbricas entre sonoridades oscuras y sonoridades claras de efecto lacerante
y, sobre todo, invención (o quizá, descubrimiento) de una cantidad asombrosa de nuevos modelos
de escritura que se extraen, de forma genialmente intuitiva, de la natural disposición de los dedos
sobre las cuerdas, siguiendo el principio de “dejar sonar” la guitarra antes que colocarle armonías
concebidas desde la abstracción. La forma expeditiva, el casi brutal pragmatismo con el que Villa-
Lobos afronta el problema de la escritura guitarrística y, naturalmente, de la misma identidad fónica
del instrumento, arrambla con todos los conflictos con los que los guitarristas-compositores del
siglo XIX se habían enfrentado a la problemática dicotomía música-guitarra, demostrando, con la
fuerza de la evidencia que sólo el genio sabe imponer, como la guitarra reclama para sí un
específico tratamiento rítmico-melódico, formal, fraseológico y armónico del todo intransigente con
la sujeción a una gramática musical genérica y abstracta. El carácter y, digámoslo también, la
violencia de esta concepción explica y motiva la decisión del maestro de admitir, no una, sino doce
veces la petición de Segovia.

Ante lo que debió parecerle un cataclismo guitarrístico, el concertista español salió de apuros
tocando –no sin algún compromiso– tres de los doce estudios y escribiendo en 1950 un prólogo
laudatorio para la colección que, con un retraso de veinte años, iba a ser publicada por Max Eschig.
El elogio de Segovia, aunque sentido, no subraya en modo alguno el gran potencial de innovación
que se concentra en los Douze études. Estos no constituyen sólo un feliz maridaje entre pensamiento
musical y propósitos didácticos –este resulta ser, a la postre, uno de los aspectos menores–, sino que
suponen el nacimiento de una nueva dimensión de la guitarra que, del todo ajena a la estética
segoviana, se proyecta hacia delante con profética energía.

Al regresar a Brasil, Villa-Lobos aceptó la responsabilidad y los cargos que le confiaron las
autoridades gubernativas para organizar la enseñanza musical en el país. El inmenso esfuerzo que le
supuso, añadido a la tarea de su inagotable actividad como compositor, hacen de él una figura
sacrificada, una especie de santo entregado a su particular misión. No es extraño el hecho de que
Brasil, a la muerte del maestro en 1959, lo llorase como un héroe nacional (compensándole de los
insultos que se lanzaron contra él en sus años juveniles): en este papel de padre de la patria (en
sentido musical, aunque no sin fuertes y explícitos componentes sociales y por consiguiente, de

*
Véase al respecto el artículo que escribimos para la revista Il Fronimo, n. 61, pp. 1130 (Milán, 1987)
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VILLA LOBOS Heitor

manera inevitable, políticos, en la acepción más elevada del término), Villa-Lobos se postergó
como un mártir, glorificado en vida y en muerte.

Desgraciadamente, tampoco debe sorprendernos que en medio de tanto alboroto no propiamente
creativo, Villa-Lobos acabase por dejar a un lado su adorada guitarra, para la que tras los Estudios
parisinos, tan sólo escribiría en los siguientes treinta años dos obras importantes: los Cinq préludes
y la Fantasia concertante, que luego se convertiría en Concerto, para guitarra y orquesta.

Los Cinq préludes son de 1940. La escritura guitarrística, iluminada por reflejos de los Douze
études, nos parece, respecto a la Suite populaire, transformada en el sentido de la libertad, de la
expansión armónica, de la flexible amplitud de las líneas melódicas y, en general, podemos afirmar
que esa escritura se define en aquellos aspectos que hoy en día, a más de medio siglo de distancia,
reconocemos como inequívocamente villalobianos. Los Préludes, a excepción del tercero, están
basados en el principio de elemental oposición entre luz y sombra, entre reposo y movimiento. Sin
embargo, la forma tripartita reafirma, al retomar la primera sección que se repite sin cambios, un
predominio del primer carácter sobre el segundo, asumiendo así este último una función intermedia,
dialéctica. Aunque no aparece en la edición de Max Eschig, Villa-Lobos había asignado un
subtítulo a cada preludio: así sabemos que el primer preludio es un Homenagem ao sertanejo
brasileiro, el segundo Homenagem ao malandro carioca, el tercero Homenagem a Bach, el cuarto
Homenagem ao indio brasileiro y el último Homenagem a vida social –Aos rapazinhos e mocihnas
fresquinhos que frequentam os concertos e os teatros no Rio.

Las inestimables indicaciones del autor ayudan a comprender a fondo el carácter de las piezas. El
primer preludio abre el máximo de los contrastes entre la patética melodía cantada por el bajo y la
risueña, cristalina cascada de arpegios y rápidos diseños en arabescos de la sección central: un
“sertanejo” melancólico en una selva rebosante de alegría canora. Las dos secciones del segundo
preludio caracterizan los extremos opuestos de la figura del “malandro”, personaje urbano que
podría parangonarse al “guappo” napolitano: primero, la galantería ceremoniosa y cantarina; luego,
la pasión torva, amenazante, la fascinación “canaille” del personaje poco recomendable. El tercer
preludio, bipartito, ostenta las dos esencias de la guitarra que Villa-Lobos exalta en una rigurosa y
radical separación: densa y suntuosa verticalidad acórdica en la primera sección –desnuda, dolorosa,
ardiente monodia en la segunda, insistentemente reexpuesta en la progresión que explora todo el
registro agudo de la guitarra, empujando audazmente al instrumento hacia el terreno temerario del
canto puro, casi como una voz humana o un instrumento de arco; de manera significativa, el autor
no hace prevalecer una de las dos secciones, y demanda la repetición de ambas. El homenaje a Bach
se determina a partir de la estructura del periodo, que repite en progresión el mismo diseño, a pesar
de las prohibiciones impuestas por la gramática musical. Una melodía discordante, oscura
lamentación por una tristeza inconsolable, conforma la primera parte del cuarto preludio: el indio
brasileño, empujado por la colonización hacia el interior del continente y perdido en una angustiosa
soledad, presta su voz a un canto de una melancolía casi religiosa; se abre camino después, en la
sección central, una sombría ráfaga de arpegios, como las primeras rachas de un huracán. Dulcísima
es por el contrario la canción con la que se inicia el último preludio: el maduro y glorioso
compositor se abandona en un tierno y conmovedor elogio de la belleza de la juventud de Río,
retratada en la flexible y ágil elegancia de un vals vienés; la melancolía toma la delantera en la
sección central, en la que no falta, por otra parte, la gracia, inclinada hacia delicados tonos
sentimentales.

Algunos historiadores de la guitarra insisten en la existencia de un sexto preludio, que habrían
visto algunas personalidades dignas de crédito y que después, como otras composiciones de Villa-
Lobos, se habría esfumado en la nada. Entre las tesis propuestas por tales estudiosos para explicar la
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desaparición de la obra –que antes de disolverse tuvo tiempo suficiente para ser juzgada como la
más bella de la serie– la más audaz y original parece aquella que pretende que el preludio se
quemase en el incendio de la casa barcelonesa de Andrés Segovia, en el transcurso de la guerra civil
española: de qué manera el manuscrito de una composición escrita no antes de 1940 pudo arder en
una guerra que tuvo lugar entre 1936 y 1939, es una pregunta que ha sido eludida hasta ahora por
cierta historiografía.

Villa-Lobos culmina su labor en relación a la guitarra escribiendo, en 1951, la Fantasia
concertante para guitarra y orquesta, transformada después en Concerto con el añadido de una
amplia cadencia que sirve de enlace entre el segundo y el tercer tiempo. Obra apuntalada por un
caudal continuo de acertadísimas invenciones melódicas, con momentos de mágica belleza –por
ejemplo, el segundo tema del primer tiempo, una de las melodías más logradas que Villa-Lobos
haya escrito jamás– el Concierto adolece de una orquestación desproporcionadamente densa y
confusa, contra la que el instrumento solista a menudo se afana inútilmente, con el riesgo de
perderse.

A pesar de este fracaso parcial, Villa-Lobos es sin duda, en la primera mitad del siglo XX, la
personalidad de mayor relieve entre los compositores que han escrito para la guitarra de una forma
no meramente ocasional, y su música constituye una de las aportaciones capitales para el
instrumento, con importancia similar a las de Sor y Giuliani en el siglo precedente.

Angelo Gilardino
Traducción: Julio Gimeno y Antonio de Contreras


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VILLA ROJO Jesús

VILLA ROJO Jesús
n. 1940 en Brihuega/Guadalajara

Compositor español. Estudió clarinete, piano y composición en el Conservatorio de Madrid, donde
obtuvo el Premio "Matrimonio Luque". En 1969 frecuenta la Academia de Bellas Artes de Roma y
consigue el Diploma al Mérito en la Academia Chigiana de Siena, estudiando seguidamente con
Petrassi (1970). Con su obra "Tiempos" recibe el Premio "Bela Bartok". Asimismo es distinguido
con el Premio de "Roma" (1972), Premio Nacional de Música (1973) y Premio "Koussevitzki"
(1978). Fundador y director de "Nuove Forme Sonore" y otras iniciativas, ha impartido clases en
Brasil, México, Italia, Portugal y España. En su producción musical figuran dos obras para guitarra
solista: "Temples", de 1979, y "Seis Pinceladas".














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VILLADANGOS Victor

VILLADANGOS Victor

Nació en Buenos Aires. Cursó estudios bajo la dirección de la Profesora María Herminia Antola de
Gómez Crespo en el conservatorio "Juan José Castro", graduándose como Profesor Superior de
Guitarra. Posteriormente realizó cursos de perfeccionamiento con Eduardo Isaac. Desde el año 1980
ha realizado una intensa labor como solista, y como integrante de conjuntos de Música de Cámara,
actuando en los principales teatros y salas de nuestra Capital y en más de cien ciudades del interior
del país. También ha actuado en el exterior, realizando recitales en Italia,
Alemania,Austria,Bélgica,Luxemburgo,Suecia, Noruega, Canada, Estados Unidos, Brasil, Chile,
Uruguay y Japón.
Foto: Pablo Tapia
Ocho compact disc editados, siete como solista y uno con el Cuarteto de cuerdas de la Universidad
Nacional de La Plata, cuatro casetes y su participación en otros diez casetes y compact disc de
música clásica y popular, son el testimonio de una fecunda tarea en estudios de grabación, que
incluye el registro de numerosas obras inéditas hasta entonces.
Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba,Orquesta Filarmónica de
Montevideo ( Uruguay ),Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Cuyo, Orquesta
Sinfónica Juan de Dios Filiberto Orquesta Sinfónica Bridas, Orquesta de Cámara Mayo, Orquesta
de Cámara de Morón, Oquesta de Cámara Scherzo, Orquesta de Cámara del Museo Romulo Raggio
,"Artis la pequeña orquesta",Cuarteto de Cuerdas de la Universidad Nacional de La Plata, Cuarteto
de Cuerdas de Buenos Aires.
Desde 1990 y hasta la fecha, ha dictado numerosos cursos y seminarios en Tucumán, Salta, Jujuy,
Santa Fe , Corrientes, San Luis, Puerto Madryn, Mendoza , San Juan, Mar del Plata, Colón Victoria
(Entre Ríos),Rosario y Curitiba ( Brasil ),Innsbruck (Austria) , Frankfurt, Iserlohn y Coesfeld
(Alemania).
Actualmente se desempeña como Profesor de Guitarra en los conservatorios Juan José Castro y
Manuel de Falla de Buenos Aires.
En el año 1999 fué premiado por la Fundación KONEX con el "Diploma al Mérito", por la labor
artística desarrollada durante la última década . Desde el año 2000 se incorporó al elenco de artistas
que graban para el internacional sello Naxos. Su primer registro incluye obras de los compositores
Argentinos: Carlos Guastavino, Juan Falú, Máximo Pujol, Walter Heinze entre otros.El segundo
disco,grabado en el año 2001,contiene obras de Piazzolla, Gardel,Troilo y Mores.
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VILLADANGOS Victor


Comentarios de la prensa especializada:

"Villadangos puso en evidencia preparación academica y refinada musicalidad en el fraseo y la
expresión" (Juan Carlos Montero - La Nación)

"Victor Villadangos trata los pasajes mas dificultosos con facilidad, y un inherente buen fraseo"
(Steve Marsh- Classical Guitar- Londres.)

"Villadangos es un genio, sólo él consigue esos misteriosos sonidos en la guitarra"
(Carlos Guastavino - Compositor)

"Villadangos nos brinda lo mejor de la noche,por refinamiento en el toque y excelencia musical"
(René Vargas Vera - La Nación.)

"Uno de los mejores guitarristas argentinos de la actualidad."
(Roberto Espinosa- La Gaceta- Tucumán )

"El ascendente Victor Villadangos es poseedor de una importante discografía" (Clarín )

"Virtuoso de invulnerable buen gusto,capaz de desplegar un programa sin decaimientos"
(Jorge Araoz Badí )

"Uno de nuestros mejores guitarristas" (Pablo Bardin- Buenos Aires Herald )


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VILLAJOS Tomás

VILLAJOS Tomás
n. 1926 en Almodovar del Campo/Ciudad Real

Cursó sus estudios musicales en el Real Conservatorio de Madrid e ingresó después en el Cuerpo
Nacional de Directores de Bandas, ejerciendo en las de Vilches, Pozoblanco, Tuy, Guadix y, desde
1965, en la de Linares. Ha sido director de la Agrupación Lírica "Marcos Redondo" y comentarista
musical en la revista "Ritmo" y los diarios "Ideal" de Granada y Jaén. Es diplomado en la Academia
Mozarteum de Salsburgo, en la cátedra Manual de Falla y en el curso de Iniciación al Método de
Carl Orff, el cual ha ampliado colaborando con el propio Orff. Con su obra "Homenaje a Cristóbal
Halffter" participó en el Festival Mundial de Helsinki en 1978. Ha desempeñado actividades
docentes en centros estatales de Linares. Una de sus composiciones para conjunto se titula "Andrés
Segovia" (1979, 10'). También ha compuesto la obra "Segovia, o la historia de la guitarra" para
guitarra y cuerda (1983,-20').

VILLALON Alberto
n. 1882 en Santiago de Cuba - m. 1955 en La Habana

Guitarrista de música popular cubana, que desde comienzos del presente siglo figuró como
componente destacado del género trovadoresco. Estudió música con una hermana suya y la técnica
guitarrística con el legendario Pepe Sánchez. Llegó a la capital cubana hacia 1900, donde estuvo al
frente del Teatro Variedades y dio clases de guitarra. A partir de 1907 grabó varios discos y realizó
frecuentes giras a México y los Estados Unidos. Excelente guitarrista, miembro del Sexteto
Nacional, en 1951 le fue concedida la Medalla Conmemorativa del Primer Centenario de la Bandera
Cubana en reconocimiento a sus méritos artísticos.

VILLALONGA

A1 guitarrista Alfonso Sorrosal se le cita con frecuencia por Villalonga, su segundo apellido.

VILLAMI Bartolomeo
Siglo XVII

Laudista italiano, llegado hacia 1600 a la corte de Modena. Lo cita L.F. Valdrighi en su obra
"Richerche sulla liuteria e violineria Modenese antica e moderna" (1878).

VILLANESCA ("Villanela","Villanella", etc.)

Canción y danza popular de carácter profano, ejecutada primeramente por aldeanos desde la Edad
Media e introducida después en palacios. Por lo común llevaba un compás de 4/4/ y 2/2, a ritmo
moderado, guardando con ella cierta semejanza los llamados "branles de Poitou" (Francia). En
literatura se le daba el mismo nombre a un género de poesía pastoril. La "villanella", con canto y
acompañada de laúd y otros instrumentos, se bailaba por mozos y mozas en forma de ronda,
transformándose más tarde en pieza exclusiva para vihuela, arpa y tecla. Se ha supuesto, también,
que la "villanela" o "villanesca" dio origen al "villano", y éste, a su vez, al "zapateado".
(F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)
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VILLANO

VILLANO

Antigua danza cantada de origen español, llamada así porque sus movimientos se asemejaban a los
bailes campesinos. La palabra "villano" proviene del vulgar latín "villanus": "habitante de una casa
de campo, labrador".
El Villano también se danzaba en Italia, como lo indica la obra de Cesare Negri "Le Gratie
d'Amore" (1552), dándole el diminutivo de "Villancico", bailado por dos caballeros y dos
damas…"fanno insieme la reverenza grave nel fine del detto ballo finendolo con gentil maniera".

Ejemplo musical para laúd de C. Negri:
Los términos grave y gentil nos dan a pensar que este Villancico no debía de ser de tiempo muy
rápido.
El teórico y organista español Francisco Salinas dice en su obra "De Música" (1578), que el ritmo
binario era el más frecuente en las danzas campestres y sobretodo en la propia danza llamada
Villano, compuesta de 8 piés binarios, bailada rápida y alegremente.

He aquí un ejemplo:

Del Villano o Villancico (danza), solamente se han encontrado hasta ahora dos versiones
cantadas: la primera es la del Ms. "Tonos castellanos B" (siglo XVI) que se encuentra en la
"Biblioteca de Los Duques de Medinaceli" y la segunda en el libro para guitarra de Luis Briceño.
He aquí la primera versión anónima del Villano cantado con un extracto del texto y su ejemplo
musical:

¡O, que bien que baila Gil
con las moscas de Barajas
la Chacona a las sonajas
y el Villano al tamboríl!


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VILLANO

Luis Briceño, en su original "Método muy facilísimo para aprender a tañer la guitarra" (Paris,
1622) da la segunda versión cantada del Villano, mucho más popular, con el acompañamiento de
tres acordes: RE, SOL, LA (I, IV, V) que situa encima de una notación proporcional presentando
todas las características de un ritmo ternario.
Más tarde, G
io
. Paolo Forcarini, en su libro "Li cinque libri della chitarra alla spagnola" (Roma,
1640), escribe un Villano a 3/4 inspirado tal vez en el de Briceño.
La música de esta danza está muy amenudo construida con el esquema tradicional I-IV-I-V-I.
También encontramos el Villano en el "Cancionero de Palacio", en el repertorio de los vihuelistas y
guitarristas como: G. Montesardo, R. de Ribayaz, F. Guerau, Gaspar Sanz y otros.
Esta danza tan popular fue citada por Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Quevedo,
etc. Su coreografía fue descrita por Esquivel Navarro en su tratado "Discursos sobre el Arte del
danzado" (Sevilla, 1642) en el que aconsejaba danzar el citado Villancico, antes de la Chacona.

En su "Instrucción de música sobre la guitarra española" (Zaragoza. 1674), Gaspar Sanz escrbió
un Villano que más tarde elaborará Joaquin Rodrigo en su concierto para guitarra y orquesta
"Fantasía para un gentilhombre" 1954, del que damos aquí dos ejemplos musicales: el de Sanz, en
primer lugar, y el de Rodrigo.
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VILLANO


(F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)



































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VILLANUEVA Gloria

VILLANUEVA Gloria
n.1953 en Barcelona

Realiza sus primeros estudios musicales en la especialidad de guitarra con Natalia Demidof,
cursando posteriormente el grado superior en el "Conservatori Superior de Música del Liceu" con
Jaume Torrent. Obtiene también la licenciatura en Psicología en la Universidad de Barcelona.
Tras años de dedicación al ejercicio profesional de la Psicología y sin abandonar la prática musical,
se dedica actualmente de forma exclusiva a la docencia musical y a la composición, con obras para
guitarra, violín o flauta y guitarra, piano (5 piezas), coro infantil (Peça breu per a coral infantil).
Según Jordi Codina, el ideario estético de Gloria Villanueva es: " el gusto por la melodía, por las
armonías transparentes, los contornos suaves, la tonalidad...En definitiva, una música que nace de la
simplicidad para dejarnos seducir por la emoción. Tan fácil y, al mismo tiempo, tan dificil.
Tradición, tonalidad, ¿ neo-romantismo asumido? No importa, música que surge de la honestidad y
que no requiere de ninguna justificación para existir."
El año 2001, la casa discográfica Ars Harmónica ha editado un disco compacto, dedicado
íntegramente con obras de Gloria Villanueva, interpretadas por el guitarrista Joan Antoni Martínez.

Obras para guitarra:
30 Estudis per a Guitarra (Edicions "La mà de guido", 1990)
GUITARRA, Mètode d'iniciació I. (Edicions "La mà de guido",1993)
GUITARRA, Mètode dîniciació II. (Edicions "La mà de guido",1998)
Suite en Sol Mayor, para violín (o fluta) y guitarra (Edicions "La mà de guido",2000)
DISTIMIA, para guitarra. (Edicions "La mà de guido",2000)

Por Josep María Mangado y Artigas
Bibliografía: Centro de Investigación y Documentación de la Guitarra Clásica en Cataluña











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VILLANUEVA Marcos

VILLANUEVA Marcos
n. 1952 en Algeciras/Cádiz

Inició sus estudios de solfeo y guitarra a los catorce años de edad en el Conservatorio de Cádiz. A
partir de 1971 prosiguió su formación en el Conservatorio de Málaga donde tuvo como maestro del
instrumento a Antonio Company, estudiando también armonía, historia de la música, música de
cámara, estética, etc. En 1975 fue becado por el "International Music Institute" para asistir al primer
curso de música de cámara que en dicho año se celebró en Santander. Ha frecuentado asimismo
cursos de guitarra impartidos por José Luis Lopátegui, Narciso Yepes y José Tomás, estudiando
además técnica instrumental con Monique Deschaussées. En el repertorio del laúd ha seguido las
directrices de Hopkinson Smith y Luis Gasser. Desde 1975 es profesor de guitarra en el
Conservatorio Superior de Música de Barcelona. Su carrera lo ha llevado a recorrer la mayor parte
de la geografía española, siendo sus actuaciones muy elogiadas por la crítica. Toca guitarra de seis y
de trece cuerdas, esta última construida por el sueco G. Bolin. Con dicha guitarra toca música del
renacimiento y del barroco, respetando las tonalidades originales para las que fueron escritas.

VILLARREAL Anibal
n. 1932 en Córdoba, Argentina

Estudia el instrumento en su ciudad natal y se perfecciona luego en Buenos Aires bajo la guía de
Consuelo Mallo López. En 1951 realiza en Córdoba su debut de concertista; prosigue después la
actuación en Buenos Aires y en el interior de su país; emprende seguidamente una gira de
conciertos por Francia y España, ampliando aquí la técnica instrumental con Narciso Yepes. Anibal
Villarreal toca guitarra de diez cuerdas, construida por José Ramírez, y presta hoy especial interés a
la enseñanza. Su escuela ("MI.LA.RE. Estudio Superior de Arte Guitarrístico, en Córdoba), en la
que todos los años por mayo-junio imparte un curso de técnica superior y perfeccionamiento (XIV
edición en 1988), es una de las más importantes del interior de la Reqública Argentina. Su
repertorio abarca música de todas las épocas.

VILLAR RODRÍGUEZ José
n. 1937 en Jaén, España

Perito industrial de profesión y por vocación autor de los libros "La Guitarra Española" (Edición
Clivis, Barcelona 1985), "Conocer la Guitarra" (pendiente de publicación) y "Guitarristas y
guitarreros de Cataluña" (en preparación). Desde 1962, reside en L'Hospitalet de Llobregat
(Barcelona). Crítico y colaborador para temas de guitarra de las revistas "Sevilla Flamenca"
publicada en Sevilla y "Fraqua", publicada en Cornellá (Barcelona). Ha ofrecido innumerables
conferencias sobre historia y evolución de la guitarra española. Ponente en el XIV Congreso de
Actividades Flamencas, celebrado en L'Hospitalet en septiembre de 1985, donde desarrolló el tema
"E1 timbre de la guitarra". Ponente en el seminario "El Flamenco en Cataluña" celebrado en julio
de 1989 en el Palacio de Pedralbes de Barcelona organizado por la Universidad Internacional
Menéndes Pelayo; desarrolló el tema "Presencia de la guitarra en Cataluña". Coordinador de los
Certámenes Nacionales de Guitarra Flamenca, organizados por la "Tertulia Flamenca de
l'Hospitalet", entidad de la que es socio directivo.






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VILLAUME Alexis

VILLAUME Alexis
n. 1766 en Mirecourt - m. 1842 en Troyes

Constructor francés de violines, laúdes y guitarras, que llegó a conquistar un sólido prestigio en su
tiempo. En 1788 trabajaba en colaboración con Claude Giron, y a partir del año siguiente lo hizo
independientemente, dedicándose también a la fabricación de cuerdas de tripa para los referidos
instrumentos. En 1791, al parecer por fallecimiento de Aubert, del que habla sido ayudante en sus
años de aprendizaje, se hizo cargo del taller de este, en Troyes.

VILLAUME Jean-Baptiste
n.1798 en Mirecourt - m. 1875 en París

El apellido corresponde a una ilustre familia de "luthiers", oriunda de Mirecourt, a la que perteneció
Alexis, anteriormente citado, y Jean-Baptiste, y que llegó a integrar alrededor de unos veinte
miembros. El que nos ocupa hizo el aprendizaje con F. Chanot, en París, trabajó con él algunos
meses, y después se dedicó a la compra y venta de instrumentos musicales. La guitarra de Paganini,
construida por Grobert, que después perteneció a Berlioz y se guarda hoy en el museo del
Conservatorio de París, fue vendida por Jean-Baptiste al violinista italiano.

VILLEY Isabelle
n. 1953 en París

Inició su formación en la Escuela Normal de Música de París. Posteriormente, siendo alumna de
Javier Hinojosa, obtuvo en 1976 el Primer Premio de Virtuosismo de Guitarra en la Schola
Cantorum de la misma capital. Apasionada por la música antigua, tuvo la oportunidad de recibir las
enseñanzas de Emilio Pujol en Cervera/Lérida. En Londres prosiguió sus estudios de laúd y vihuela
en el Centro de Música Antigua, frecuentando a la par las clases de Diana Poulton dedicadas
exclusivamente a la Música del Renacimiento. Después fue profesora de la Schola Cantorum, de
París, y del Conservatorio de la rue Saint-Cloud, presentándose por entonces como concertista en
España, Francia, Inglaterra y México. Aquí enseñó de 1978 a 1979 en la Escuela Nacional de
Música de la UNAM. Actualmente es maestra de guitarra, laúd y música antigua en la Escuela
Superior de Música de la capital mexicana, actividad que alterna con la de sus conciertos. Es
Isabelle Villey sobre todo una conocedora profunda de la literatura vihuelística española, de la que
es además hábil ejecutante.
















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VILLOLDO Ángel G.

VILLOLDO Ángel G.
n. 1861 en Buenos Aires - m. 1919 en Buenos Aires

Guitarrista y compositor argentino.
Perteneció a la vieja guardia, que formaba con Luis Roncallo,
Bevilacqua, los hermanos Posadas y Pedro M. Quijano. Fue
presidente de la 'Junta del pequeño derecho', entidad creada en
Buenos Aires a principios de siglo para proteger los derechos
de autor de los compositores. Villoldo es el creador del
conocido tango 'E1 Choclo', que tuvo el honor de irse a París
a ser aplaudido por los franceses 'de todas las partes del
mundo', junto con los primeros bailarines de 'el tango' que
exportamos a la ciudad luz.
"El Choclo lo compuso en el año 1907, cuando todavía en los
locales elegantes o céntricos de Buenos Aires estaba
prohibida la interpretación de los tangos. No obstante, con su
amigo José Luís Roncallo que era director de una orquesta de
música clásica en el Restaurante Americano, hallaron la
fórmula para estrenar este tango presentándolo como "danza
criolla".
Villoldo, también es considerado pionero en la grabación de temas del más amplio repertorio
popular. La casa Tagini de Buenos Aires lo presentaba en sus discos como El Papá del Tango
Criollo"
Otros de sus tangos famosos son ' E1 esquinazo ' y 'Cuidado con los cincuenta'. La popularidad de
Villolho data del año 80, ganada en los bailes de la Recoleta. Ha escrito un método para guitarra por
cifra, titulado 'Nuevo método americano con una colección de piezas criollas' . "

Bibliografía: Rafael Flores "Gardel y el Tango" Ed. de la Tierra, 2001. Madrid.
D. Prat "Diccionario de guitarristas" 1934, Buenos Aires



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VIMERCATI Gaspare

VIMERCATI Gaspare
Siglo XVIII

"Luthier" italiano, radicado en Milán en la segunda mitad del siglo XVIII, constructor
principalmente de mandolinas y laúdes. En el Museo de la Scala de Milán se conserva un "liuto
soprano" de G. Vimercati:
Liuto soprano : G.Vimercati, Milán, 1763
Museo de la Scala

Las dimensiones de este instrumento casi coinciden con las de la mandolina: longitud, 55 cm;
diapasón (cuerdas al aire), 29 cm. Su temple:

Vivaldi compuso su conocido "Concerto in Re maggiore per 2 Violini, Liuto e Basso continuo"
para este mismo instrumento, encontrándose hoy la partitura manuscrita de la obra en la Biblioteca
Nacional de Turín. Entre los 2.600 instrumentos que se guardaban en el Museo Heyer de Colonia
(Alemania), había una preciosa mandolina de Vimercati, construida en 1766. Los últimos trabajos
que se conocen de este artesano datan del año 1790.
(F. Herrera)


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VINA

VINA

El vocablo de este instrumento hindú es de lo más remoto y se encuentra ya en el "Rig-Veda",
referenciando a un cordófono con muchas cuerdas. Como en otros casos, se trata de un término
genérico que engloba "arpas", "citaras", "laúdes", etc. El tipo de "vina" que nos ocupa es un
instrumento de mástil con dos calabazas secas de resonancia, cuya invención se atribuye al dios
mitológico Shiva. Este, según la leyenda, viendo dormida a la diosa Parvati, con sus brazos plenos
de brazaletes y el pecho moviéndose rítmicamente al respiro, creó al instrumento inspirándose en
sus formas; el mástil simboliza el talle de Parvati; las dos calabazas, sus senos; los trastes metálicos,
sus brazaletes; y el sonido, su respiración rítmica. Debido a la larguísima historia milenaria de la
India, a la enorme diversidad de razas, pueblos, reinos, etc., que la han habitado, a las sucesivas
influencias de grupos étnicos múltiples que dejaron en ella sus huellas, y, asimismo, a la inmensidad
de su territorio, es evidente que los instrumentos hindues evolucionaron durante milenios en lugares
alejados e independientes entre sí, dando un número inconmensurable de variedades. Buscando los
rasgos comunes a todos los tipos existentes de "vinas", podríamos deducir que se trata, en la
mayoría de los casos, de un instrumento con mástil largo, trastes y siete cuerdas, generalmente
cuatro sobre el mástil y tres fuera de él, que se tañen al aire. Su caja de resonancia está formada por
un fruto seco de tipo calabaza, teniendo otra caja en el cuello del mástil, e incluso tres en distintos
modelos.
Sus cuerdas se tañen con plectro o uña artificial, alternando junto a otros instrumentos en el
acompañamiento de canciones populares. A veces la caja de resonancia inferior es de madera,
adquiriendo silueta piríforme, siendo la superior, una o más, de tamaño más reducido.
Su afinación, está claro, varía según los distintos modelos, e incluso los de una misme especie
pueden ser afinados de diferentes formas
Entre las numerosas "vinas" existentes, podriamos citar a la llamada "vina del norte", "bin" o
"bin-vina": tiene cuatro cuerdas en el mástil y tres fuera del mismo, afinándose éstas en una de sus
posibilidades del siguiente modo:
Una variación de este temple es que la cuerda de la izquierda, fuera del mástil, en vez de SI sea LA.
La "vina del sur", también conocida por "Rudra-vina", posee una caja de resonancia de
madera, piríforme, en lugar de la calabaza inferior, conservando en cambio la superior, y las tres
cuerdas libres se situan todas a la izquierda del mástil. su afinación, por ejemplo, puede ser:
E1 "tauss", o "esrar", o "mohur", lleva trastes móviles y la caja de resonancia adopta forma de
pavo real.
Otros derivados son la "vichitra-vina", llamada en el norte "bizitrabin" y en el sur
"gotuwadyan"; la "kinnari-vina", con mástil de bambú y tres calabazas de resonancia (obsérvese
su semejanza fónica con el "kinnor"); la "shauktika-vina", cuya caja está elaborada por una
concha de nacar, etc.
(A.U.Mallo)
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VINACCIA Gaetano

VINACCIA Gaetano
Siglo XVIII

"Luthier" italiano, natural de Nápoles, donde en el año 1778 tenía instalado su taller. Construyó
principalmente guitarras, en las que se advierten cierta originalidad y una tendencia al frecuente
cambio de plantilla.

VINACCIA Pasquale
n. 1806 en Nápoles - m. hacia 1885 en Nápoles

Hubieron muchos "luthiers" italianos con este mismo apellido, siendo el que nos ocupa uno de los
más celebrados. Se conservan obras suyas en algunas colecciones, sobre todo guitarras, que se
distinguen por su bella forma y timbre. Una "guitarra-lira" por él construida se guarda en el Museo
Claudius de Copenhague.

VINCENTI Jacques
n. 1954 en Ginebra (Suiza)

Jacques Vincenti, estudió la "lutherie" con Alan Milner en Inglaterra. De vuelta a su ciudad natal,
instala su taller y tienda de guitarras. Ha construído guitarras clásicas.
Además de la construcción y la restauración, en su taller, Jacques Vincenti propone a los
guitarristas una gran variedad de instrumentos de luthiers contemporáneos de distintos países.
Su pasión por este instrumento lo lleva a coleccionar guitarras antiguas, con un especial interés por
las guitarras españolas, de Torres a Santos Hernández. Es el autor de un artículo sobre Francisco
Simplicio publicado en la revista "Guitares.ch" en junio 1999.
Jacques Vincenti, 1998, Luthier, Ginebra
Foto: Daniel Winteregg (Ginebra)


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VINCENZI Ivo

VINCENZI Ivo
n.1959 en Trelew/Chubut, Argentina

Comenzó sus estudios musicales a los ocho años de edad en la filial Trelew del Conservatorio
Fracassi donde bajo la dirección de Luis Arturo Didolich obtuvo el título de profesor superior de
guitarra en 1975. Su actividad concertística, un tanto influenciada por la música tradicional
argentina, se ha desarrollado hasta ahora (1985) en su propio país, participando en distintos
certámenes y festivales en La Patagonia, como el Eisteivod (tradicional fiesta de los colonos galeses
en Chubut); Primer Festival Patagónico de Tango y Folklore, realizado en la provincia de Rio
Negro; Fiesta de los Lagos del Sur, en Esquel, Chubut, etc. En 1980 se radica en la Capital Federal,
tomando parte ese mismo año en un curso de perfeccionamiento dictado por Manuel López Ramos.
Desde 1982 dirige un estudio guitarrístico, sin que esta labor le impida seguir dejándose escuchar
con asidua frecuencia en auditorios de diferentes ciudades de su país.

















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VINGIANO Alberto

VINGIANO Alberto
n. 1972 en Ferrara (Italia)

Manifiesta pronto su aptitud musical. Asiste a clases de guitarra en el
Conservatorio de su ciudad natal "Girolamo Frescobaldi" con el
profesor Roberto Frosali, consiguiendo muy joven el Diploma, con la
máxima puntuación. Durante los años, en el Conservatorio, demuestra
además su interés por los cursos superiores de interpretación, impartidos
por Alvaro Campany y Alberto Ponce. En 1991, es admitido en la
Escuela Normal de Música "A. Cortot" de París, en la clase del maestro
Ponce que bajo su direccíon consigue brillantemente la licenciatura
superior de ejecución musical. Gana numerosos concursos nacionales e
internacionales en Génova, Florencia, Nápoles, Sezze, Mondovi, Stresa
y el "Concurso Internacional Ciudad de San Remo". Actualmente está
cursando estudios de perfeccionamiento en Francia y realizando
conciertos en Italia y el extramjero (Francia, Suiza...).

VIÑAS José
n. 1823 en Barcelona - m. 1888 en Barcelona

Guitarrista y compositor español, dotado de una vastísima cultura musical, adquirida desde muy
niño y durante varios años bajo la dirección del P. Pedro Pascual Farreras, que fuera maestro de la
escolanía de música del convento de los P.P. Mercedarios, en Barcelona. A los veintiún años de
edad emprendió una larga y exitosa gira como concertista de guitarra, que lo llevó a hacerse
escuchar y aplaudir en auditorios de Francia, Italia, Suiza, Alemania, Inglaterra y Rusia, figurando
en su repertorio principalmente composiciones de Sor y Aguado, del último de los cuales ya era por
entonces un intérprete de excepción. Más tarde habrían de hacerse famosas las reuniones celebradas
en su casa, a las que solían asistir José Brocá, los hermanos Julián y Manuel Arcas, Magín Alegre,
un farmacéutico llamado Canuto Estarriol, que asimismo era un apasionado de la guitarra, y otros
renombrados artistas de los tantos que en aquella época anterior a la de Tárrega radicaban o pasaban
por la capital catalana. Aparte de la guitarra, que siempre fue su instrumento favorito y la que más
contribuyó a encumbrar su nombre, José Viñas brilló igualmente como violinista, pianista y
profesor de estos instrumentos, de canto y música en general, actuando además como director de
orquesta en diferentes teatros de Madrid, Valencia, Zaragoza y Barcelona, la mayor parte del
tiempo en el antiguo Teatro de Santa Cruz, de la última ciudad citada. Aquí también actuó en la
catedral, y por espacio de algunos años, los postreros de su vida, como tenor solista. De su
producción musical original para guitarra se conocen unas treinticinco obras, estudios, bailables,
etc., pecando la mayoría de ellas de una extensión innecesaria.

Bibliografía:
La Guitarra en Cataluña (1769-1939) por Josep María Mangado Artigas (Tecla Editions, 1998/
London)







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VIOLA DE MANO (o "de brazo")

VIOLA DE MANO (o "de brazo")

Sabemos que hubieron "vihuelas de mano" (ver), y este término está emparentado
etimologicamente con "viola" ("violín, violoncello", etc.). Los italianos denominan "viola de
mano" o "da braccio" a un instrumento del que se conservan cierto número de ejemplos plásticos
que nos índican su utilización en la Italia de los siglos XV y XVI, y que nada tiene que ver con la
"viola" de la familia del "violín". Así por ejemplo en "E1 Buen Augurio" de Ercole de Roberti
(pintura de la segunda parte del siglo XV, del Museo de Arte de Bucarest); en "La Música"de
Bernardino di Betto, "il Pinturicchio"(fresco de fines del siglo XV, del Palacio Vaticano); en la
"Madona con el Niño y Santos" de Nicola Pisano (Pintura de 1512, en la Pinacoteca Brera); en la
"Coronación de la Virgen Maria" de Benedetto Carpaccio (pintura de 1537, en el Pallazzo
Comunale de Capo d'Istria); en el boceto para el "Rey David" de Bernardino Campi (de hacia 1570,
en la Galería Uffizi); y varios cuadros anónimos.
Este instrumento, que se toma y tañe como las guitarras de la época, no presenta su caja de
resonancia en forma "de ocho", sino con alerones semejantes a los de la familia "violín-viola-
cella", lo que probablemente la emparenta con el instrumento "copto"(ver), la primitiva
"cittern"(ver)a algunas "guitarras latinas". La pala a veces forma ángulo recto con el mástil,
como en los laúdes, y otras posee la típica forma de la cabeza del violín. En algunos ejemplares la
tarraja es un rosetón trabajando con esmero al estilo árabe, mientras que en otros es sustituida por
dos "ojos de violin" laterales. Su tamaño varía y se aprecia con frecuencia cinco trastes en el
mástil. En algún caso posee cuatro órdenes dobles; en otros siete cuerdas, o sea, cantarella simple y
las otras tres dobles. Parece haber desaparecido en el siglo XVII.
Señalemos también, por otra parte, que el término "viola" se aplicó a la "vihuela" y a la
"guitarra" con cierta frecuencia.
(A.U.Mallo)

VIOLERO

Voz anticuada que debería adoptarse puesto que en castellano no tenemos palabra equivalente a las
voces liutaio (it.) o luthier (fr ), fabricante de instrumento de cuerdas. Ver LUTHIER.

VIOLERO (oficial )

En las antiguas Ordenanzas de Sevilla, recogidas el año 1502 de orden del Conde de Cifuentes,
Asistente, se lee la siguiente: «Item; que el Oficial Violero, para saber bien su oficio y ser singular
del ha de saber hacer instrumentos de muchas artes: que sepa hacer un Clavi-órgano, é un Clavi-
cimbano, é un Manacordio, é un Laúd, é una Vihuela de arco, é un Harpa, é una Vihuela grande
de piezas, con sus atarcees, u otras Vihuelas que son menos que todo esto, etc.
(F. Pedrell "Dic. Técnico de la Música" Barcelona, 1894)

VIRCHI Paulo
n. 1552 en Brescia - m. 1610 en Mantua

Músico e instrumentalista italiano, que estuvo al servicio de las cortes de Modena, Ferrara y
Mantua. Ejecutante de órgano, laúd y guitarra, se distinguió sobre todo como virtuoso de la última,
instrumento para el que dio a la estampa una "Tabolatura"(Venecia, 1574) con veinticuatro piezas,
entre ellas "ri"-cercari", "madrigali", "napolitane et saltarelli".



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- 2842 -

VIRDUNG Sebastian

VIRDUNG Sebastian
n. hacia 1465 en Amberg - m. ?

Músico y teórico alemán, discípulo de Johannes von Soest, que en 1483-1505 estuvo adscrito a la
corte de Heidelberg. Autor de "lieders", debe la notoriedad sobre todo a su tratado "Musica
getutscht...", publicado en lengua alemana en Basilea (1511), precioso documento en el que
simulando el diálogo entre un maestro y su discípulo, describe los instrumentos en uso, las reglas
para aprender a escribir y ordenar cualquier clase de tablatura, e incluye por último un método de
órgano, clavicordio, laúd y flauta. La obra, considerada entonces trascendental, mereció ser
traducida al latín, al francés y al flamenco.
Con la "Musica getutscht", Sebastian Virdung
presenta un tratado consagrado a la
organología, pudiédose considerar como el
primero en este género.
El título de su obra se podría muy bien
traducir así: "...breve instrucción a la
reducción de todo canto en la tablatura de los
tres instrumentos siguientes: el órgano, el
laúd y la flauta..."
Virdun es el primer autor que atribuye la
tablatura del laúd, a Conrad Paumann, músico
ciego de Nuremberg.
Presentación generalde los instrumentos
presentados en el citado tratado de Virdung,
Instrumentos de aire: Bombarda, Flauta
traversa, Flauta de pico, Corno, Corneta,
Cromorno, Cornamusa, Òrgano etc.,
Instrumentos de teclado: Clavecín,
Clavicordio, Virginal, Clavicitherium (Laúd-
Clavecín)
Instrumentos de cuerda sin teclado: Laúd,
Quinterne o Guiterne (guitarra medieval) y
Viola.
Instrumentos de cuerda sin trastes: Arpa, Salterio, Rabel, Tímpano, Trompeta marina
(monocordo).
Haciendo alusión al Laúd-Clavecín que llamará Clavicitherium, dice lo siguiente: "Este instrumento
se asemeja al Virginal; posee diferentes cuerdas, de tripa de cordero, y puntas (negel) que lo hacen
sonar a la manera de un Arpa. También tiene picos de pluma (Feder-kile) como el Virginal. Su
invención es reciente y solamente he visto un solo ejemplar".

Bibliografía: Sebastian Virdung , "Musica getutscht" (Principios y práctica musical en Alemania
a principios del siglo XVI)
Versión francesa y estudio de esta obra por el musicólogo francés, Christian Meyer (CNRS Paris,
1980)






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VISÉE Robert de

VISÉE Robert de
n. 1660 ca. en París - m. 1720 ca. en París

Guitarrista, teorbista, cantante y compositor. Es citado por primera vez como tañedor de teorba en
la "Lettre à Mademoiselle Regnault de Solier" de Le Gallois (1680). Poco tiempo después, fue
nombrado músico de la cámara de Luis XIV y del Delfin (Título que se daba al primogénito del rey
de Francia).
La dedicatoria de su primer libro (1682) nos dice que el rey lo llamaba frecuentemente para divertir
al Delfin, y el diario de Dangeau de 1686 precisa que, a menudo, divertía a Luis XIV tocando la
guitarra, la noche en su dormitorio.
"Les Cahiers de la Guitare" N°38 (CI. Arch. Phot)
Retrato de varios músicos de la Corte de Luís XIV (Musée du Louvre), por el pintor y arquitecto
francés François Puget. Cuadro realizado a petición del Monarca francés en 1684. Este lienzo está
compuesto de cantantes y músicos; los instrumentos aquí representados son: "Basse de Viole,
Violín y Chitarrone; en el primer plano se puede ver una guitarra, puesta sobre la mesa. Según
cuenta la tradición, se encuentran en este lienzo, J. B. Lully, Philippe Quinault y el propio
François Puget. (E. Bénézit. Dictionnaire des peintres..Paris, 1911)

Sus colegas en la música de cámara eran, los flautistas Descoteaux y Philibert (1694), el
clavicinista J.B. Buterne y el tañedor de Viola A. Forqueray (1700-1704). El 3 de octubre de 1709,
fue nombrado cantante de la "Chapelle royale" y, en 1719, sucedió a L. Jourdan de la Salle como
profesor de guitarra del rey. Al año próximo, su hijo ocupará el puesto de profesor de su padre. A
partir de 1720 ya no se encuentra ningún rastro de Robert de Visée, fecha en la que se firmó el
contrato de casamiento de su hijo. Un escrito de Jean Rousseau (1688) precisa que era muy
estimado en los ambientes musicales de entonces, y que además de sus numerosos talentos, también
tocaba la Viola de Gamba.

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VISÉE Robert de

Obras impresas de R. de Visée que se conocen:

1) Livre de Guittarre dédié au Roy, Paris, Bonneuil, 1682
2) Livre de Pièces pour la guittarre, Paris, Bonneuil, 1686
3) Pièces de théorbe et de luth, mises en partition, dessus et basse, Paris, roussel, 1716
4) "Que la bouteille a d'attraits" en los Concerts parodiques, Livre 4°, Paris, Ballard, 1732
5) 3° livre de pièces pour la guitare, 1689: citado por Fétis, pero no se sabe donde se encuentra y su
exixtencia es dudosa.

También se encuentran un gran número de piezas de R. de Visée para Guitarra, Teorba y Laúd en
antologías manuscritas contemporáneas:

1) Paris, Bibliothèque Nationale, Rés. F 844 (43 pièces pour guitare), Rés. 1402 (5 pièces), Vm
7

6222 (6 pièces), Vm
7
6265 (48 pièces pour théorbe) et Rés. 1106 (70 pièces pour théorbe).
La gran colección manuscrita de Vaudry de Saizenay (1699),
actualmente en la Biblioteca municipal de Besançon, contiene
137 piezas para Laúd y Teorba de R. de Visée, entre las que
encontramos: 4 Tombeaux, consagrados a la memoria de
diversos personajes de aquella época: Gallot, Tonty, Mouton y
Dubut.
Los manuscritos de Besançon, Vm
7
6265 y Rés. 1106
comprenden arreglos efectuados por R. de Visée de obras de
contemporáneos ilustres como, Lully, ("Ouverture de la Grotte
de Versailles", "Entrée d'Apollon" (extraido del "Triomphe de
l'Amour", 1681), "Entrée des Espagnols" y "Chaconne des
Harlequins" (extraida del "Ballet des Nations", 1670), A.
Forqueray ("Les Sylvains").

Guitarra Jean VOBOAM (Paris, 1687) →
Musée Instrumental du CNSPM, Paris.
"A propos de..la guitare" J-M. Mourat.
(Ed. G. Billaudot, Paris.)

El primer libro impreso de R. de Visée (1682) tiene, además de
una Chacona en FA, ocho Suites, utilizándose en la última un
"accord nouveau" (temple nuevo) de la guitarra. El 2ème Livre
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VISÉE Robert de

(1686) solamente contiene 4 Suites y 5 piezas separadas: Sarabande et Gigue en la menor,
Sarabande et Menuet en LA mayor, Menuet en DO.

En las colecciones de las obras manuscritas para guitarra, las piezas no están clasificadas en orden,
y las obras de R. de Visée están diseminadas al azar en dos volúmenes.
Las fuentes manuscritas duplican frecuentemente las piezas publicadas , pero también contienen un
gran número de composiciones que no se encuentran impresas. Muchas de ellas parece que sean
versiones para guitarra de piezas de Teorba, pero resulta dificil averiguar si estos arreglos son la
obra del compositor.

Para comprender la música para guitarra de R. de Visée, se debe de conocer la naturaleza del
instrumento para la cual fue escrita. La guitarra llamada "barroca" del siglo XVII difiere de la
nuestra: esta guitarra "barroca" comprende 5 órdenes, en lugar de las 6 cuerdas sencillas que
usamos actualmente. Habitualmente, cada órden tiene 2 cuerdas, estando las 3 primeras al unísono;
pero, muy a menudo, la primera cuerda se presenta con una sola cuerda, llamada "cantarela".

Ejemplo 1
Las dos últimas cuerdas u órdenes, pueden estar afinadas de cuatro maneras diferentes, que varían
según el compositor, el país y el género de música que se debe ejecutar.

Ejemplo 2
Lo ideal para apreciar esta música, sería evidentemente tocarla con una guitarra de 5 cuerdas,
afinada a la manera que preconizaba R. de Visée.
El intérprete que toca con una guitarra moderna de 6 cuerdas, puede obtener un efecto aproximativo
afinando su instrumento, de manera que la quinta cuerda suene una octava más alta que de
costumbre.

Ejemplo 3
(Robert W. STRIZICH)
Berkeley, 1969.
Bibliografía:
Robert Strizich:"Oevres complètes pour guitare" de Visée (Heugel & Cie., Paris, 1969)
"Livre de Guitarre dedié au Roy" Composé par Robert de Visée. Pais, 1682 et 1686 / Minkoff
Reprint/ Genève, 1973
"Pièces de Theorbe et de Luth" Composées par Mr de Visée / Paris, 1716 (Arte Tripharia, Reprint.
Madrid, 1983)
Gèrard Rebours "Robert de Visée" Indice temático y tabla de concordancias.(SYMETRIE, Lyon,
2001) Francia.
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VISSENAIRE Louis Nicolas y J.

VISSENAIRE Louis Nicolas y J.
Siglo XIX

Dos "luthiers" franceses, padre e hijo, procedentes de la escuela de Mirecourt. Establecidos en
Lyon, Louis Nicolas, el padre, gozó de fama por la calidad de sus guitarras e instrumentos de arco.
J., su hijo, trabajó en el taller más de veinte años, perdiéndose sus huellas en 1569.

VISSER Dick
n. 1926 en Amsterdam

Estudió en el Liceo Musical de Amsterdam y en el Real Conservatorio de Madrid (Prof. Sainz de la
Maza). Se manifestó como solista e intérprete de música de Cámara en Europa, Estados Unidos,
Indonesia y México. Es director de la Facultad de guitarra en los Conservatorios de Amsterdam y
de Utrecht. Compuso varias obras para guitarra sola así como obras para dos, tres, cuatro y más
guitarras.

Obras didácticas:
- Expressieve Muziek
- 12 Preludes after Manuel Ponce
- Sonatine
- Todas ellas guitarra sola Edirorial Harmonia
- Expo - duo Ed. Harmonia
- Sonata a due - duo Ed. Donemus
- Three Greek Vases - trio Ed. Harmonia
- tres canciones populares mexicanas - trio Ed. Harmonia
- Chromatisch Kwartet - cuatro Ed. Donemus
- Prelude, Canon en Allegro - seis guitarras Ed. Harmonia
- Concierto de Sable - ocho guitarras y batería Ed. Donemus


VITALI Filippo
m. después 1649

Músico italiano, maestro de capilla en la catedral de Florencia, su ciudad natal, y en 1631 tenorista
en la capilla pontificia. Autor de una fecunda producción musical, entre sus obras se cuentan "Libro
III a piu voci con l'accompagnamento scritto con l'alfabeto per la chitarra" y "Alcune arie da
cantarsi nel chitarrone, chitarra spagnola ed altri istrumenti" (Venecia, 1642).

VITIER Sergio
n.1945 en La Habana

Guitarrista y compositor cubano, formado bajo la disciplina de Elias Barreiro, Isaac Nicola, Leo
Brouwer, Federico Smith y José Ardévol. Ha realizado en su país una destacada actividad
concertística, actuando en recitales y en conciertos con la Orquesta Sinfónica Nacional y con el
Conjunto Instrumental Nuestro Tiempo. Es asimismo autor de una fecunda producción musical de
distintos géneros.




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VITO, EL

VITO, EL

"Por alusión al baile de San Vito, enfermedad convulsiva". (Diccionario, R.A.E.)
Danza andaluza de la región de Sevilla, de ritmo ternario cantada, de carácter alegre y tempo
rápido, acompañada de la guitarra. Parece ser que su origen remonte al siglo XVIII. Es una danza
festiva, graciosa y de ritmo muy acentuado. Empezaba a danzarse por una bailarina sola, seguida,
poco después, por otras. Los gitanos le daban el curioso nombre de: "Mata la araña".
“A las gitanas, animadas por las palmadas de los asistentes que las acompañaban a la guitarra, les
costaba trabajo seguir el compás, tan rápido era, y rivalizaron por turno en agilidad. Se esforzaban
por ver quién mataba mejor la araña, o la curiana,(cucaracha) según la pintoresca expresión de los
andaluces“… "Resulta verdaderamente curioso encontrar en una taberna de Sevilla y en un baile tan
sevillano como el vito, la prolongaci6n de una costumbre que habitualmente se hacía en los
banquetes de la Grecia clásica .Era un brindis que hacían al son de la flauta con movimientos
ritmicos desordenados sin que se vertiera ni una sola gota de vino, personificaba la alegria E1 vito
es un baile que tuvo gran popularidad en aquella época.
Dice Davillier que a las majas andaluzas les gustaba bailarlo entre dos vasos de vino en los
melonares o en los cortijos. Fue blanco de los bailarines profesionales boleros y del teatro. En la
obra El tio Caniyitas que se estren6 en el teatro San Fernando de Sevilla en 1849 ya habían
montado una escena de taberna con este baile. La bailadora, gitana, también se subía en una mesa
como era costumbre y estaba rodeada de gitanos que cantaban o marcaban el ritmo con los vasos
sobre la mesa o bien tocaban palmas. Petra Cámara que era una bolera del teatro tiene un retrato
bailándolo, con vestido corto de volantes, zapatillas con galgas y un sombrero en la mano. No se
parecía en nada a la bailadora de la taberna dibujada del natural por Doré, descalza, con su traje
tobillero sin volantes y una pandereta en la mano". (Teresa Martínez de la Peña: "Ensayo crítico sobre la
temática de la danza en la obra de Ch. Davillier y G. Doré "
El autor D. Ignacio de Beryer dice lo siguiente acerca del Vito: "…es un zapateado que empieza a
bailar una mujer con aire indolente, prosiguiédose con su impaciencia y terminándose finalmente
con su furor delirante"… solamente lo pueden bailar las muchachas llamadas "andaluzas". El
canto que acompaña el Vito es de una gran riqueza".

He aquí un ejemplo de una excelente adaptación, que realizó Regino Sainz de la Maza de esta
danza.
El Vito

(F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)


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VITTONE Pedro

VITTONE Pedro
Siglo XX

Profesor de guitarra y a la vez excelente ejecutante uruguayo, radicado en Montevideo desde
principios del presente siglo. Cedar lo cita en su obra "Origen e historia de la guitarra" (Buenos
Aires, 1973): "... era éste dueño de una casa de música en la Calle Ejido; daba las clases en la
trastienda, atendiendo así a un tiempo mismo ambas tareas. Devoto de Tárrega, premiaba a sus
alumnos enseñándoles primeramente el preludio 'Lágrima', luego la mazurca 'Adelita', y en tercer
término la versión del Preludio N° 7 de Chopín. Se dedicó a la construcción de guitarras que aún
hoy alientan en manos algunos ex-discípulos suyos. Fue maestro de Abel Carlevaro."

VIUDES AZNAR Antonio Emilio Pascual
n. 1883 en Crevillente/Alicante - m. ? en Buenos Aires

"... el apellido Viudes cuenta con una ininterrumpida sucesión de constructores de guitarras y
violas que culmina en nuestro biografiado. Piérdese este apellido entre un gran número de sus
antepasados, afirmándose en el pueblo guitarrístico que los vio nacer y que fue también cuna del
brillante concertista Trinitario Huerta.
Con los consejos y enseñanzas recibidos en el hogar, el niño Antonio E. P. Viudes, de catorce
años, fue enviado a Madrid, donde se incorporó al taller del famoso Manuel Ramírez. Desde
octubre de 1897 hasta 1902 permanece bajo la enseñanza del inteligente constructor, pasando a
ejercer como oficial en el taller del hermano de su maestro, don José Ramírez, en cuyo taller Aznar
construyó una mandola para el Duque de Medinacelli, construida en arce, que le valió la expresiva
felicitación de los Ramírez y del que la encargó.
En 1903 volvió al taller de su maestro, pudiendo constatar los méritos adquiridos al lado de quien
tanto admiraba, continuando en este taller hasta agosto de 1909, que contrajó enlace, dirigiéndose
aventuradamente a tierras desconocidas, arribando a Buenos Aires el 4 de octubre del mismo año.
El cariño a la construcción tiene para Viudes un primordial acicate, y es el 'escucharla' en manos
de los mejores concertistas. El no desconoce su manejo; ha recibido lecciones del ejecutante
español Pepe Rojo, y pulsando y escuchando es como llega a compenetrarse con la guitarra.
El formato de sus ejemplares es del tipo Torres; elegantes en sus líneas, discretas en mosaiquería
y filetería, que aplica con una sutileza y finura que en este orden podría encontrarse algo igual, pero
nunca superior. La presión de tiro que da a las cuerdas en su templado normal, hacen que sus
guitarras se distingan por su gran intensidad de sonido, ganando en este sentido a los instrumentos
de constructores que antaño se destacaran por esta cualidad.
La construcción de instrumentos de arco le da una superioridad ya no discutida sobre los
guitarreros, pudiéndose afirmar que si su labor en esta especialización la hubiera desarrollado en
Mirecourt o en Markneukirchen, le proporcionaría una pronta y merecida gloria. Sus secretos
profesionales parecen ser ancestrales, ya que provienen de sus progenitores en sucesiones
genealógicas; tiene uno en particular que lo destaca, y es la fácil afinación de 'quintas' en el
diapasón de los instrumentos de arco. Pruebas tienen el primer y segundo violín de la orquesta del
Teatro Colón de Buenos Aires, los artistas Carlos Pessina y Pedro Napolitano, lo mismo que el
violoncellista catalán radicado en esta capital, Ramon Vilaclara. Tan esclarecido luthier viste el
virtuoso traje de la modestia, siendo bien apreciada su fina labor por los inteligentes del arco y la
guitarra (1931)." Hasta aquí lo dicho por Prat en su "Diccionario".
Entre los Viudes destacaron también Valentin, padre e hijo, habiendo sido este último el primer
maestro de Santos Hernández.



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VIVALDI Antonio

VIVALDI Antonio
n. 1678 en Venecia - m.1741 en Viena

Compositor y violinista italiano, hijo de otro afamado ejecutante de violín de la basílica de San
Marcos, en su ciudad natal, y discípulo de G. Legrenzi. En 1703 fue ordenado sacerdote, ejerciendo
a partir de entonces como profesor, director de orquesta y compositor en el seminario musical del
hospicio de la Piedad hasta 1740, con sólo algunas breves interrupciones. Durante este tiempo
también realizó varias giras como virtuoso y al frente de orquestas, dejándose escuchar en Viena,
Amsterdam, Mantua y Roma, donde en 1723 tocó ante el Papa. Su producción musical es
importantísima y exhaustiva (obras vocales, profanas y religiosas, e instrumentales; casi un millar,
entre ellas cuarenta y tres óperas, dos oratorios, setenta y cinco sonatas a dos y a tres, veintitrés
sinfonías, cuatrocientos cincuenta y cuatro conciertos para toda clase de combinaciones, etc.), en la
que concede privilegio a los instrumentos de cuerdas pulsadas: conciertos para mandolina, para dos
violines, laúd y bajo, tríos para laúd, violín y bajo, etc. Pero ya no se trata aquí del laúd tenor, sino
del llamado "liuto soprano", un instrumento que recuerda más la forma de una mandora pequeña
que la del propio laúd, y que se afina a la octava superior de éste. Su papel varia: en algunos casos
interpreta una parte ricamente adornada, en tanto que el violín se limita a dibujar el esquema de esta
misma parte; en otros, violín y laúd marchan en un unísono riguroso; en ciertos movimientos lentos,
la melodía se confia al laúd solo, mientras violín y bajo se limitan a un discreto acompañamiento en
valores largos. Estas páginas destinadas al laúd han sido transcritas para guitarra, siendo tales
versiones las que más se escuchan en la actualidad. Vivaldi manifestó en sus conciertos una
inagotable invención rítmica; su influencia se dejó sentir en los notables músicos de su época, y en
los posteriores.
Grabado de F.M. La Cave, 1725




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VIZZARI de PANDINI Alessandro

VIZZARI de PANDINI Alessandro
n.1873 en Terranova/Calabria - m. ?

"En su juventud fue un diestro ejecutante de mandolín y buen conocedor de la guitarra. Para estos
instrumentos ha dado buenos trabajos; es el autor de 'Preludio', original para guitarra, publicado
hace muchos años. En 1909 era profesor de varios institutos, dedicando la mayor parte de su tiempo
a la enseñanza, dando lecciones de los instrumentos dichos, desde los principios elementales hasta
su perfeccionamiento. En 1906 fundó la revista musical 'Il Plettro'. Transcurre el tiempo; se
multiplican sus actividades mostrando en ellas inteligencia, energía y perseverancia; lleva siempre
adelante su obra, desdeñando los dardos ponzoñosos de la envidia y sin velar la serenidad de su
espíritu en sus continuadas victorias; se entrega por completo a difundir y fomentar los instrumentos
a plectro y la guitarra, con la pluma y la palabra, realizando conciertos, concursos, suscripciones y
todo acto que concurriese a acrecentar la afición para agrandar la orbita de estos instrumentos.
Vizzari posee una 'torre de marfil', un 'Blockaus', una 'glorieta', un 'rosedel' y un 'mirador'; sentado
en él, vislumbra el infinito, acariciado por las etéreas ondas musicales que no perciben los espíritus
vulgares... Todo ello es "Il Plettro'. Ya se han cumplido 26 años desde su fundación; su ya tan
importante colección es un precioso documento en la historia de la música y en particular de la
guitarra y el mandolín. Ha sido miembro del jurado de los concursos de Lodi (1900), Como (1906),
Pavía (1907), Cremona (1910), Torino (1911), Roma (1921) y nombrado miembro honorario de la
'Federazione Mandolinística Italiana' y de las sociedades siguientes: 'Club Mandolinístico di
Verona', 'Filarmónica di Torino', 'Circolo Verdi di Livorno', 'Mandolinística di Monza', 'Ars et
Labor di Bialla', 'Estudiantina Bergemasca di Bergamo', 'Academia Mandolinística é Circolo
Rinaldi de Milano', 'Union Liégeoise di Liegi', 'R. Madolinata di Atene'... Los de allende el Rhin
seguramente dirán el editor musical, 'Cavalliere' Alessandro Vizzari de Pandini, es un generalísimo
del exceleo ejército de Orfeo. Y en verdad, cuadrele esa jerarquía, que conquista nuestra más grande
admiración."
(Diccionario de Prat, 1934)























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VLAD Roman

VLAD Roman
n.1919 en Cernauti

Compositor, pianista y crítico musical italiano
de origen rumano. Obtuvo el diploma de piano
en el Conservatorio de Música de su ciudad
natal..
En 1938 se marchó a Roma con el fin de
estudiar el piano con Alfredo Casella en la
Academia de Santa- Cecilia.
Cabe notar que Roman Vlad, siempre ha sido
muy aplaudido en sus conciertos y
conferencias.
Entre 1955 y 1958 será director artístico de
l'Accademia Filarmonica di Roma, del Teatro
Comunale di Florencia (1963-64), de la
Orquesta Sinfónica de la RAI de Turín (1976-
81) y superintendente de la Ópera de Roma.
A partir de 1968 ocupaba el cargo de profesor
en el Conservatorio de Perusa. En 1943, adopta
el dodecafonismo.
Compuso Óperas, Ballets, Música de Cámara,
Música Vocal y Coral y Música para Orquesta.
Para guitarra y orquesta escribió en 1964 el
concierto: "Ode super Chrysea Phorminx"

Obras:
MUTAZIONI (nel segno di Bach) "SUVINI ZERBONI" (S. 11268 Z.)
ODE SUPER " CHRYSEA PHORMINX" (chit, orch-cam) (1962 / 64) "UNIVERSAL "UE 13756)
FRAMEMMENTI SINFONICI DAL FILM "ROMEO E GIULIETTA" (orch) (1954) " FONO
FILM RICORDI"

(Ver el Catálogo "Pocci 2004 Guida al repertorio Moderno e Contemporaneo della Chitarra" VP Music Media, Roma)

Bibliografía: Th. Baker – N. Slonimsky " Dictionnaire Biographique des Musiciens" Ed. R.
Laffont. Paris, 1995.















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VOBOAM Alexandre "el joven"René y Jean

VOBOAM Alexandre "el joven"René y Jean
Siglo XVII

Familia francesa de "luthiers", de la que se distinguieron sus miembros René,
Alexandre "el joven" y su hijo Jean, ambos constructores de instrumentos
que son auténticas obras de arte, en particular guitarras. René, era el más
viejo.
Los instrumentos de estos tres artesanos, tienen todos un aire de familia
bastante acetuado. Cabe notar que los Voboam evitaron cargar con
incrustaciones decorativas las superficies útiles de la tapa armónica.
De Alexandre "el joven", que tuvo su taller instalado en la Rue des Arcis, de
París, se conservan algunos ejemplares preciosos de guitarras construidas
entre los años 1661 y 1662.
Sus huellas se pierden en 1683. Entre las obras que se conservan de Jean,
figuran dos guitarras de los años 1676 y 1678, que en su momento
pertenecieron a la Srta de Nantes, duquesa de Bourbon, hija del monarca Luis
XIV, conservada actualmente en el "Musée du Conservatoire de Paris"
La última guitarra que conocemos de Jean, que ostenta una rosa muy bella,
lleva el número 142 y es de 1699.

- Guit. A. Voboam -

















"Le joueur de guitare" (Detallle)
Jacob van Schuppen (1670-1751)
(Pintor retratista nacido en Fontainebleau)
La guitarra que figura en este cuadro, es muy similar a las guitarras construidas por los luthiers Voboam.

Bibliografía: "Le grand livre de la Guitare"
Tom et Anne Evans / Ed. Albin Michel. Paris, 1977


VOBORSKY Jiri
Ver PRAGA Cuarteto de guitarras de
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VOIGT Hans George

VOIGT Hans George
(1776-1829)

Constructor de guitarras alemán, oriundo de Markneukirchen, que transmitió su arte a sus hijos
Wilhelm y Karl Ferdinand, continuadores de la dinastía.

VOIGT Rainer
n. 1944 en Bad Salzungen/Thüringen

Inicia sus estudios de guitarra como autodidacta.
A los doce años recibe las primeras clases de
Gerhard Iucholski, en Berlín. A partir de 1962
ofrece numerosos conciertos con grupos de "rock"
y de "jazz", colaborando también asiduamente con
la radio en el arreglo de canciones. En 1972
ingresa en la Escuala Superior de Música de
Berlín, donde reanuda las clases de guitarra
clásica con Mariángeles Sánchez Benimeli.
Simultaneamente ejerce como profesor en la
Escuela de Música de Wilmersdorf y desarrolla
actividad concertística con guitarra clásica, tánto
en recitales como formando en grupos
organizados y dirigidos por Mariángeles Sánchez
Benimeli. En 1976 acaba sus estudios de música y
pedagogía, diplomándose con las más altas
calificaciones. Desde 1980 imparte la enseñanza musical en el Instituto Steglitz, de Berlín, donde
formó y aún dirige una agrupación integrada por guitarristas.

VOLMAN Boris
n.1895 - m.1971 en Leningrado

Musicólogo e historiador de la guitarra soviético. Empezó y terminó los
estudios de piano en el Conservatorio de Música de su ciudad natal. Da
conciertos, trabaja en la Ópera, imparte cursos de piano en las Escuelas de
Música y en los conservatorios de Leningrado y Tachkent, ejerciendo la
cátedra de profesor de su instrumento en esta última ciudad. También ha sido
redactor en las Ediciones Musicales "Triton" de Leningrado y director
artístico de la Filarmónica del Ouzbckistan. Licenciado en crítica de artem se
jubila en 1956, ocupándose en el campo de la musicología. Es autor de los
siguientes escritos: "Musique imprimée russe du XVIIIe siècle" (Leningrado,
1957), "Chansons russes du XVIIIe siècle" (Moscú 1958) y otras obras, así
como artículos en periódicos y revistas (especialmente un excelente artículo
"Grand guitariste" en la revista "Musique Soviétique", 1964, con motivo del
70
mo
aniversario de Andrés Segovia. En 1961, Volman edita el libro "La
guitare en Russie". Posteriormente, las Ediciones de Leningrado preparan la
publicación de su nuevo libro "Histoire de la guitare classique". Publica
también "Guitarra y guitarristas" (Muzgiz, 1968), "Guitarra" (Leningrado, 1968), "Los primeros
pasos del guitarrista" y una monografía de "Andrés Segovia", las dos últimas colaborando con V.
Jaschniev e I. Polikarpov respectivamente. Volman ha sido un ferviente "amateur" de la guitarra
clásica tras haber escuchado los recitales de Segovia en Leningrado antes de la guerra.
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VOORHOEVE Juun

VOLTE

Danza popular francesa de la Edad Media de origen provenzal, de ritmo ternario, alegre, y a veces
"lasciva y deshonesta", según Th. Arbeau, porque las Damas mientras bailaban, dejaban ver las
rodillas y los muslos.
"Desrat, en su "Dictionnaire de la Danse" París, 1895, quiere ver en la Volte el origen del Vals;
afirmación que parece ser más bién errónea, pues el aire de una Volte escrito por Arbeau es a 6/8, y
además es una danza saltada, con pasos que difieren de los del Vals".(Larousse de la Musique, Paris,
1957)
La Volte nos hace recordar el Tourdion y la Mazurca, que se bailan por parejas, haciendo dar
vueltas a la Dama el caballero, levantarla y hacerla voltear...
Arbeau, en su "Orchésographie" (1596), dice que la Volte es una especie de Gallarda, familiar a los
Provenzales, que se baila como el Tourdion, a tres tiempos: los movimientos y los pasos se ejecutan
dando vueltas al cuerpo.
El laudista francés Antoine Francisque, en su libro de tablatura de laúd "Le Trésor d'Orphée" (Paris,
1600), entre las danzas que componen esta obra, presenta 12 Voltes; dos de ellas con el sistema de
afinación "à cordes avalées":(5ta cuerda bajada de un tono y tercera subida de medio) es decir, la
scordatura (It.): Afinación distinta a la normal, para facilitar la ejecución de determinadas obras.

Ejemplo, en tablatura, de una Volte, de A. Francisque,de su libro "Le Tresor d'Orphée".


(F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)



VOORHOEVE Juun
ver NEDERLANDS GITAARDUO.









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VORPAHL Reinhold
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VORPAHL Reinhold
n. 1864 en Berlín - m. 1926 en Berlín

Guitarrista y mandolinista alemán, boticario de
profesión, que dio conciertos y ejerció la enseñanza de
sus instrumentos, contribuyendo con ello a
popularizarlos. Dedicó especial interés a la guitarra,
publicando los tratados "Schule zur gründlichen
Erlernung des Gitarrespiels" y "Neue Gitarre-Shule
für Solospiel" (Verlag von AD. Köster, Berlin,
1910).
Este método comprende una serie de piezas de
diferentes compositores : Sor, Carcassi, Carulli Küffner
Diabelli etc.,y del propio Vorpalh, piezas y estudios.
Parece ser que existen de este músico, composiciones
para canto y guitarra.

VREEDMAN Sebastian
Siglo XVI

Músico belga, de Manilas, radicado en Bruselas en la segunda mitad del siglo XVI. Dedicó su
atención al cistro, instrumento para el que dio a la estampa en la imprenta de Phalèse los tratados
"Nova longeque elegantissima cithara ladenda carmina. . . ", en 1568, con fantasías y danzas, y
"Carminum quae cythara pulsantur liber secundus...", en 1569, con diferentes danzas.