ESCULTURAS

1. El escriba sentado, autor anónimo, (2480-2350 a. C.)

2. Venus de Milo, autor anónimo.

3. Victoria alada de Samotracia, probablemente de Pithókritos de Rodas, (hacia

el 190 a. C.)
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa
de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va
envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando
traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de «paños
mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo
derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy
característica en otras figuras femeninas de la misma época.
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan
característico de la escuela escultórica rodia, una de las másbarrocas del helenismo.

4. Psique reanimada por el beso del amor, de Antonio Canova, escultura del año 1797

Antonio Canova's statue Psyche Revived by Cupid's Kiss, first commissioned in 1787,
exemplifies the Neoclassical obsession with love and emotion. It represents the
god Cupid in the height of love and tenderness, immediately after awakening the
lifelessPsyche with a kiss, a scene excerpted from Lucius Apuleius' The Golden Ass. A
masterpiece of its period, it appeals to the senses of sight and touch, yet simultaneously
alludes to the Romantic interest in emotion co-existing with Neoclassicism.

PINTURAS

1-LA GIOCONDA
Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite
esencial. La técnica se conoce como Sfumato,22 23
Descripción de la obra
En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del
asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico
del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para
dar sensación de volumen.30 13
La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado
agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con
que se pintaron.Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo
en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros
de la carne, no podían ser más reales».35 Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó
cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó
a terminar la obra.
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa
considerada enigmática.19 Cuenta Vasari que
Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar
alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos.35
Sin embargo, no existen evidencias de dicha afirmación.
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa
desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras
partes del cuadro.38 El juego de sombras potencia la sensación de desconcierto que
produce la sonrisa. No se sabe si parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura.31
Supuesto embarazo y condición física
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se
encontraba embarazada en el momento de posar.44 Para esclarecer esta teoría, un grupo
de investigadores utilizaron un escáner de infrarrojos en tres dimensiones por el
Consejo de Investigaciones de Canadá: Consideran que el velo de gasa fina y
transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las
mujeres embarazadas.28 46 Por otro lado, el estudio consideró que el peso de la modelo
era de 63 kilos y su estatura 1,68 metros 27 así como que llevaba un moño en el pelo
cubierto por un bonete detrás de la cabeza, que el cuadro fue colocado en el cuarto de
baño del rey Francisco I y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las
capas de la pintura, como se contaba en la novela El Código Da Vinci.
Además, el doctor Julio Cruz Hermida, de la Universidad Complutense de Madrid,
afirma que la modelo tenía bruxismo (rechinar de los dientes), alopecia (caída del
cabello) y principios de la Enfermedad de Parkinson.4
Los resultados del estudio fueron avalados por el Consejo Nacional de Investigaciones
de Canadá, principal institución oficial de investigación del país. Los hallazgos fueron
presentados en Ottawa, durante un acto académico en 2004.44
El robo
Un comerciante argentino llamado Eduardo Valfierno convenció al carpintero
italiano Vincenzo Perugia (ex empleado del Museo del Louvre) para que robase el
cuadro, con el fin de venderlo por una cifra millonaria.59 El 21 de agosto de 1911,
Perugia llegó al Museo del Louvre a las 7 de la mañana, vestido con
una gabardina blanca como las que usaba el personal del museo, descolgó el cuadro y a
continuación, en la escalera Visconti, retiró la tabla de su marco, abandonando este
último. Poco después salió del museo con el cuadro escondido bajo su ropa,
colocándolo posteriormente en una valija.60 61 Cuando el pintor Louis Béroudentró al
salón para apreciar el cuadro, notó que no estaba y avisó de inmediato a la guardia. El
museo cerró por una semana, para efectos de investigación.62
Valfierno hizo negocio con cinco coleccionistas estadounidenses y un brasileño,63 a
quienes les vendió falsificaciones realizadas por el pintor Yves Chaudron,64 a cada uno
por trescientos mil dólares.4 65
Unos años antes, el museo había sufrido el robo de otras piezas de arte, lo cual hizo
suponer a la policía que ambos acontecimientos estaban relacionados.64 Esta suposición
se mantuvo hasta el 6 de septiembre de 1911, cuando se captura erróneamente al
escritor. Posteriormente, fue capturado el pintor Pablo Picasso, debido a que tenía
antecedentes de comprar objetos de arte robados,66 quien posteriormente también fue
declarado inocente… Durante su ausencia en el museo, la afluencia de visitantes
continuaba; acudían (en menor número) a apreciar el hueco en la pared, de donde el
cuadro fue hurtado.67
La pintura fue recuperada dos años y ciento once días después del robo, registrándose la
captura de Perugia.68 El detenido, intentó vender el cuadro original al director de
la Galleria degli Uffizi, Alfredo Geri, quien se hizo acompañar de la policía.64 Perugia
alegó que el robo había sido perpetrado para devolver la obra a su verdadera patria, 69 y
que él sólo era víctima de un estafador; el jurado lo sentenció a varios años de
prisión.70 Antes de regresar al museo, la pintura se exhibió
en Florencia, Roma y Milán.71 En 1931, Valfierno contó su historia a un periodista
estadounidense, revelando la identidad de los estafados con las falsificaciones.70
Tras dicho robo, algunos pintores afirman que puede dudarse de la originalidad del
cuadro en exhibición, puesto que fácilmente puede ser una copia.

2-VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN

La pintura fue encargada por Nicolás Rolin, canciller de Felipe el Bueno, un importante
funcionario de la corte deBorgoña.1 Jan Van Eyck no sólo plasmó su apariencia física,
sino también su temperamento. Se trataba de un político muy arrogante, lo que explica,
por ejemplo, que se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo
tamaño que ella.2 Hasta entonces, los cuadros con donante se caracterizaban por ser el
comitente de menor tamaño que las figuras sagradas de la Virgen o Jesús y, en segundo
lugar, por la presencia de un santo, generalmente el del nombre del donante, que hiciera
de intermediario ante la Virgen. A ello se une la ostentación de lujo que describe la
posición social del donante.

Minuciosidad
Esta obra se concibió para verla de cerca ya que debía colgarse en una capilla privada
del canciller en la catedral de Autun;3 por eso, los detalles se plasman con una exactitud
microscópica, sólo posible gracias al empleo del óleo y de plumillas especiales. En la
sacristía de esa catedral estuvo hasta 1800.4
Deleite en la reproducción de objetos
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso, de ahí que el cuadro sea un
alarde de riqueza, pero además, los objetos suelen esconder una simbología. Más cerca,
bajo la ventana, el huerto, desde donde dos personajes miran el panorama, es
un edén simbólico,alegoría del Paraíso Terrenal. Todos estos símbolos sociales y
religiosos se vinculan a la presencia de la Virgen y del Niño, ya que en el jardín
aparecen pavos reales (que es una de las señales de Cristo) y azucenas (que son la
divisa de la Virgen). En los capiteles de las columnas se pueden apreciar distintas
escenas religiosas, como Adán y Eva, Caín y Abel o la embriaguez de Noé.6
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck, y la consigue por medio de efectos geométricos
(el enlosado del suelo, los arcos laterales de la estancia…)4 y atmosféricos.

3-LAS BODAS DE CANÁ

The painting depicts the wedding feast at Cana, a miracle story from the Christian New
Testament. In the story Jesus and his disciples were invited to a wedding celebration in
Cana, Galilee. Towards the end of the feast, when the wine was running out, Jesus
commanded servants to fill jugs with water, which he turned into wine (his first miracle
of seven, as in the Gospel according to John).
Painting details
The scene depicts a mixture of contemporary and antique details. The architecture is
classic Greco-Roman, a Doric and Corinthian columns surrounding an open courtyard
walled by a low balustrade. In the distance stands a fanciful, arcaded tower. In the
foreground, a group of musicians sits playing late Renaissance instruments (lutes and
early strings). Tradition holds that the artist painted himself in this area, dressed in a
white tunic and holding a viola da gamba, while Titian is seated opposite in red. Other
people thought to be portrayed in the painting are Eleanor of Austria, Francis I of
France, Mary I of England, Suleiman the Magnificent, Vittoria Colonna, Emperor
Charles V, Marcantonio Barbaro, Daniele Barbaro, Giulia Gonzaga, Cardinal
Pole, Triboulet, and Sokollu Mehmet Paşa.[2]
The assembly is sumptuously dressed in a timeless finery, some with orientalized
touches. Behind the musicians, Jesus and his mother (an elder woman in simple dress)
are seated with halos. Jesus is perhaps the only one who impassively looks straight on at
the observer. Above Jesus, on an elevated balcony or walkway, several men butcher the
meat of an unidentified animal. To their right more meat is also being brought in.
Art critics generally think this animal is a lamb, considering Jesus is the sacrificed
"Lamb of God", or Agnus Dei. The butchered lamb is therefore symbolic of his future
sacrifice. Christ is placed directly under the blade. Towards the bottom right part of the
picture, there is a man pouring wine from a huge, ornate jug. Next to him stands a man
studying a glass of wine. On the left, a man is proffered wine by a dark-skinned boy. A
dwarf holds a parrot. It should be noted that, though many of the characters in the
painting are holding wine glasses, none appear to be intoxicated, but are healthily
enjoying the feast.
This vertical axis is also highly symbolic. Above Christ the lamb is being butchered,
beneath Christ are musicians. In front of the musicians there is an hourglass, which in
art refers to "vanity". There coexist earthly pleasures such as music, as well as
reminders of mortality.
The feast is well attended; over 130 figures crowd the painting, and not a single one is
visibly speaking. This is because the painting was commissioned for
a Benedictine Monastery, and silence in their refectory was strictly observed. The centre
of the painting is dominated by a vast blue sky, important because it opened up the
room where the painting was originally hung.
The Meal
The figures in the painting are most likely enjoying dessert, as the food on the table is
sugar, fruits and (according to at least one art curator at the Louvre) quince jam.
Ironically it also appears as though the main course is being prepared (butchered
animals). This further credits the theory that the animals are lambs, and their purpose is
symbolic, not practical.

4-LA MUERTE DE LA VIRGEN

Análisis del cuadro
Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de
la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin
atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo. Por otro lado, la María de
Caravaggio sí está muerta; sus pies, hinchados.
Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer
plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las
manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no
mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. El hombre
mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quizá sea Juan
el Evangelista.
Los personajes se representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se
iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida de
un ser querido. En este sentido, se acerca al tratamiento que pintores de
la Reforma como Rembrandt dieron a los temas religiosos.

5-LA ENCAJERA
Descripción de la obra
El tema de la encajera es frecuente en la literatura y la pintura holandesas, como
representación de las virtudes femeninas domésticas; Esta representación de la virtud se
refuerza en la obra a través del pequeño libro cubierto por tapicería sobre la mesa.
Aunque el libro no tiene rasgos que lo identifiquen, casi con seguridad es un libro de
oraciones o una pequeña Biblia.
Vermeer sugiere la total concentración de la encajera en su trabajo a través de su
postura forzada y el amarillo limón de su ropa, un color activo y psicológicamente
intenso. Incluso su peinado representa en parte su estado físico y psíquico, pues está
firmemente sujeto pero, al mismo tiempo, fluye en sus tirabuzones. Finalmente, los
claros toques de luz que iluminan su frente y dedos enfatizan la precisión y claridad de
visión que requiere este arte tan exigente del encaje. El cabello y las manos nacen de la
luz que, a diferencia de la mayor parte de las obras de Vermeer, entra por la derecha, y
no por la izquierda.
Este cuadro ilustra las inquietudes del autor por el estudio de la óptica. Está pintado con
suaves modulaciones de luz y color. Vermeer utiliza en él un procedimiento usual:
exageró lateralmente el primer plano, que muestra desenfocado, para dar mayor efecto
de profundidad a la perspectiva.
Fue especialmente valorado por los pintoresimpresionistas, Así, Renoir consideraba que
esta obra maestra era el cuadro más bello del mundo.

6-LA BALSA DE LA MEDUSA

La pintura no tiene simetría, sino que presenta más bien un desorden intencionado
acorde con el tema representado. Una estructura piramidal sobre una base inestable (el
mar).
Una línea parte del cadáver de la izquierda con las piernas en el agua y asciende hasta el
marino que agita un trapo en dirección al barco que acude al rescate. La disposición se
ajusta a la realidad histórica: los 15 náufragos de la balsa de la Méduse fueron
rescatados por el Argus. El sentido ascendente de la línea marca la sucesión de
sentimientos experimentados por los náufragos, desde la desesperación a la esperanza.
También la luz refuerza esta idea de final de la odisea con las nubes más negras a la
izquierda, y el cielo más luminoso en la lejanía y recortándose entre las cabezas de los
marinos más destacados. Finalmente, se corresponde con la mirada clásica del
espectador occidental, que "lee" la pintura de izquierda a derecha.
La balsa, levantada por las olas, se adentra oblicuamente al interior del espacio
pictórico. La figuras agrupadas, configurando una pirámide, acentúan ese movimiento
"hacia dentro".
Si observamos la vela de la balsa, nos damos cuenta de que el viento sopla en una
dirección que no acerca precisamente la balsa al barco: hacia la izquierda, en sentido
contrario al de la lectura; podríamos decir que simbólicamente el viento sopla hacia la
muerte. Además tiene un efecto negativo sobre el equilibrio de fuerzas de la escena.

7-ET IN ARCADIA EGO

La frase es un memento mori. “Et in Arcadia ego” se traduce literalmente por y yo en
la Arcadia,o "y en Arcadia yo", se podría interpretar como yo, la muerte, reino incluso
en la Arcadia. De cualquiera de las dos formas, el sentimiento pretendía establecer un
contraste irónico al representar la sombra de la muerte sobre el usual entretenimiento y
alegría que se supone que disfrutaban las ninfas y demás habitantes de la Arcadia.
Tradicionalmente, se considera un símbolo de la caducidad de la vida, incluso en sus
momentos más idílicos.
Análisis del cuadro
Poussin sitúa a unos pastores con sus atributos, coronas y bastones, en un paisaje
plácido y luminoso. Han perdido todo gesto de turbación ante la muerte, el cráneo que
había en una versión anterior ha desaparecido, su actitud de leer y descifrar nos indica
que son pastores cultos.

8-EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

Inspiración de la obra
El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento
personal.1 Representa a los Horacios romanos quienes, según el Horacio de Pierre
Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos
destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la
disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. La historia se toma deLivio.
Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. Se ha decidido que la
disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual
por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos
Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de
los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las
hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los
lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los
Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.6
Personajes de la obra pictórica
Padre Horacio
Es el personaje central y el que realiza la acción principal, tomando juramento a sus
hijos, mientras sostiene las tres espadas con sus manos, obligándolos al cumplimiento
del deber con la patria. No muestra ninguna emoción.
Tres hermanos Horacios
En la pintura los tres hermanos se sitúan a la izquierda, expresan su lealtad y solidaridad
con Roma antes de la batalla, totalmente apoyados por su padre.
Camila Horacio
Sabina Curiacio
Hijos de Sabina y aya

9-PUENTE DE NARNI
En realidad, de este tema existen dos versiones diferentes: una en París y otra en Ottawa
(Canadá).
La primera versión fue pintada en 1826 y mide 34 cm de alto por 48 cm de ancho. Se
exhibe actualmente en el Museo del Louvrede París, por donación de Étienne Moreau-
Nélaton (1906).
La aparición de un puente romano en el fondo de la pintura es una alusión a
la Antigüedad.
En el Salón de 1827, Corot expuso la segunda versión del tema [1], ahora en la Galería
Nacional de Canadá (Ottawa), que tiene un encuadre muy diferente. Se inscribe en la
tradición noble del paisaje neoclásico.

10-EL BAÑO TURCO

Rectangular en su origen, el pintor le dará forma de tondo o medallón en el año 1863,
acentuando así el carácter furtivo de la mirada que lo contempla, que parece espiar a
través de una cerradura y otorgando una nueva dimensión a la obra, reforzando la
cadencia de los cuerpos desnudos.1
Para realizar este cuadro Ingres no recurre a modelos; se inspira en los numerosos
croquis y cuadros que ha pintado a lo largo de su carrera