4 x 4 arte contemporáneo todo terreno

4 x 4 Arte Contemporáneo todo terreno.

4 encuentros para comprender el arte contemporáneo
Prof. María Lightowler | Central de Proyectos. Arte actual

Clase 1
INTRODUCCIÓN

IMAGEN 01
JEFF KOONS (n. 1955). Osos de invierno 1988.
Madera policromada. 124,5 x 11,7 x 45 cm.
Colección Tate, Londres

Las exposiciones de arte se han transformado hoy día en las manifestaciones más actuales de
las políticas culturales y constituyen las nuevas instancias de definición del arte.
Tal como afirma J.-M. Poinsot (1), las exposiciones no únicamente ponen en pie el proyecto
estético de los artistas, sino que activan otros proyectos y discursos encaminados tanto a
escribir la historia y organizar la temporalidad del arte contemporáneo, como hacer del arte
una utopia social. Las exposiciones cumplen el rol que para las vanguardias históricas
(futurismo, surrealismo, etc.) cumplieron los manifiestos, en tanto textos sobre los que se
afianzaron y definieron, y también lo que significaron los textos críticos para las tendencias

1 POINSOT, J.M.. “Le grandes expositions. Esquisse d´une typologie”. En L´ouvre et son accrochage,
Cahier du Musée national d´art moderne. 17/18. Centre Georges Pompidou, 1986. P.122.

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posteriores a la II Guerra Mundial (expresionismo abstracto, neoexpresionismo, etc.).

Anna María Guasch (2) aporta además una idea interesante, proponiendo una lectura del
contexto actual como un ecosistema, “(…) es decir, sistemas de naturaleza interactiva que no
sólo contienen a los creadores, sus obras y los discursos narrativos de los comisarios en el
marco de unos determinados espacios (galería, museo, entorno público, etc.), sino que los
ponen en relación con el espectador y la crítica (…)”

Es en este sentido que el presente curso fue organizado en función de cuatro exposiciones que
nos sirven como plataforma para plantear interrogantes y cuestionamientos generados por el
público, comprendiendo que el formato ´exposición´ actúa como eje del circuito del arte
actual.

Fue Marcel Duchamp quien dijo que “el arte de una época no es el gusto de esa época”, tal vez
sea ésta la razón por la cual el vínculo entre el arte contemporáneo y el público general es tan
conflictivo en el presente.

Qué es el arte contemporáneo?

Cómo determinar que una obra de arte es contemporánea?

Podemos partir de varios puntos de análisis, pero no basta únicamente con ubicar una obra
cronológicamente para otorgarle la característica de contemporánea, sino que además de ser
una obra creada en el presente, debe responder a ciertos criterios y planteos actuales, tales
como el rompimiento con el academicismo, la inclusión de nuevos materiales y una fuerte
presencia conceptual.

Muchos artistas que producen obras en la actualidad, continúan manejando valores y criterios
que pertenecen a épocas anteriores, y no por el solo hecho de ser producidas en nuestra
época pueden ser consideradas arte contemporáneo.

La mayoría de los autores concuerda en que los orígenes del arte contemporáneo pueden
situarse en la década del ´60 donde se vislumbra una real ruptura con la modernidad y la
cultura se hace internacional.

La modernidad continúa poniendo el acento en la obra de arte como expresión y como técnica
(IMAGEN 02). Para el arte contemporáneo (IMAGEN 03) “(…) ya no se trata de saber si lo que
se ve es bello o feo, sino que se trata de decidir si lo que se ve es o no arte, si su autor es o no
artista, y accesoriamente cuáles son los criterios pertinentes en materia de arte (…)” (3). El
arte contemporáneo exige entonces una manera diferente de aproximarse al arte, ya
que no se tiene en cuenta tan solo el aspecto visual. La obra no habla por si sola, o al
menos no nos habla por sí sola si nosotros no hablamos su propio lenguaje. Por ello no
sería descabellado pensar que para ser espectador de arte contemporáneo, debemos
entrenarnos previamente. El espectador de arte contemporáneo debe ser educado
para tal fin.

2 GUASCH, Anna María. “Los manifiestos del arte Posmoderno”. Textos de exposiciones 1980-1995. Akal. Madrid. 2000. P.5.
3 HEINICH, Nathalie. “Le triple jeu de l´art contemporain”. Minuit. Paris. 1998. Pp-52-57. En LOPEZ ANAYA, Jorge. “El extravío de
los límites”. Claves para el arte contemporáneo. Emecé arte. Buenos Aires.
2007. P.8.
La obra de arte actual tiene sus propios códigos, y muchas veces hace falta conocerlos para
comprender de qué nos está hablando, y no enojarnos en el intento.

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IMAGEN 02
HENRI MATISSE (n.1869-m.1954). Retrato de Madame Matisse.
La raya verde. 1905. Óleo sobre tela. 32 x 40 cm.
Galería Nacional de Dinamarca

Desde el momento en el que la obra de arte deja de estar basada en su posibilidad de ser
representación del mundo, y pasa a ser una expresión subjetiva del artista, no basta
únicamente con observarla para poder acercarse como espectador.

El arte contemporáneo en tanto resultado de un mundo heterogéneo y globalizado, falto de

utopías, no puede definirse con una técnica en particular, como sí podría identificarse al arte
impresionista con la pintura o el renacentista con la escultura.

Utiliza un sinfín de mecanismos como la apropiación, acumulación, hibridación, site specific -

obras creadas específicamente para el espacio donde van a ser exhibidas-, la alegoría, la
intervención, etc.

Cuando en 1917 Marcel Duchamp presenta la obra “Fuente” (IMAGEN 04) (un urinario de
porcelana blanco), bajo el seudónimo “R. Mutt”, para que participara de la selección de un
salón de cuyo jurado formaba parte, la suerte del arte del Siglo XXI estaba echada.

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IMAGEN 03
CLAES OLDENBURG (n.1920). Dos hamburguesas de queso completas. 1962.
Tela enyesada y esmalte sintético. 178 x 37,5 x 21,8 cm.
Museo de Arte Moderno de Nueva York

La obra fue rechazada, y no es un dato menor el hecho de que la pauta de aquel salón era la
aceptación de todo obra que abonar los U$S 6 dólares de inscripción, sin ninguna otra
restricción. A pesar de ello “Fuente”, fue demasiado y los propios artistas que se consideraban
vanguardistas, la descalificaron.

IMAGEN 04
MARCEL DUCHAMP (n.1920-M.1999). Fuente. 1917.
Porcelana. 36 x 48 x 61 cm.
Colección Tate, Londres

La obra sigue indignando al público. Valeria González (4), curadora argentina, dice “(…) Si algo
puede servir como definición del arte contemporáneo es su intención de incomodar, de
cuestionar, de seguir reeditando la pregunta: ¿esto es arte? Para que esta pregunta sea una
ventana a otras, como ¿cuál es el mundo en el que vivo?, ¿quién dice qué es arte y qué no?,
¿quién dice qué es verdadero y qué falso? Entonces, cuando alguien se planta frente al urinario
y se pregunta casi despectivamente «¿esto es arte?», está haciendo la pregunta incorrecta
(…)".

(4) MONFORT, Florencia. “¿Qué es el arte contemporáneo?”. La Nación. Cultura. Buenos Aires.
Domingo 19 de diciembre de 2004

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Que paso con el arte en los últimos cincuenta años?

Tras la II Guerra Mundial, el centro de producción y pensamiento artístico se traslada a

Nueva York, donde surge la figura central de Jackson Pollock (IMAGEN 05) y un grupo de
artistas que se nuclea en torno a la tendencia conocida como Expresionismo Abstracto.
Tras los horrores de la guerra, era imposible intentar expresar a través de la vía figurativa,
aquello que la sociedad había visto, la abstracción fue el camino mas apto, pero una
abstracción que ponía el énfasis en la expresividad de cada artista, una expresión subjetiva e
individual.
Este punto genera una ruptura con un ideal de cambio social que mantenían las primeras
vanguardias desarrolladas desde 1900 hasta 1940.

IMAGEN 04
MARCEL DUCHAMP (n.1920-M.1999). Fuente.IMAGEN 1917.
05
Porcelana. trabajando
JACKSON POLLOCK (n.1912-m.1956) 36 x 48 x 61en
cm.
la
Colección
obra Number #31, junto a Lee Tate,
Krasner, Londres
su mujer al
fondo. Foto: Hans Namuth.

A partir de entonces se suceden tendencias que muchas veces conviven simultáneamente,

muchas veces como respuestas entre ellas mismas. Pop, minimalismo, fluxus, arte conceptual,
instalación, performance, video arte, etc., que de a poco van desmaterializando la pintura, es
decir que van privilegiando otros lenguajes (intervenciones, performance, obras conceptuales)
en detrimento de la pintura.
Se incorporan materiales industriales, de producción masiva como utiliza el minimalismo, se
pierde el aura de pieza única con la que contaba el arte hasta ese momento cuando el Pop de
la mano de Andy Warhol, imprime en serigrafía piezas que pueden ser vendidas sin límite, el
videoarte, fluxus, movimiento ambiguo, contradictorio, que nuclea a figuras de todos los
ámbitos, dentro de la cual podemos nombrar a la archiconocida Yoko Ono.
De a poco el soporte de la pintura va perdiendo vigencia. La obra ya no es tan importante por
lo que muestra, es decir por lo visual, sino por lo que dice, es decir por lo conceptual.
Las obras de arte contemporáneas no tienen la exigencia de demostrarnos que su autor posee
una gran habilidad técnica, incluso en muchos casos, la producción de la obra se terceriza a
especialistas como ebanistas, moldeadores, y todo tipo de técnicos que conocen el oficio, y el
artista aporta el concepto.

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En este brevísimo viaje por la historia del arte de los últimos cincuenta años, hacia 1981
aparece la exposición “A new spirit in painting”.

A new spirit in painting (un nuevo espíritu en la pintura) o el resurgir de la pintura

IMAGEN 06
Catálogo de la exhibición “A New Spirit in Painting”.
1981.Royal Academy of Art, Londres

FICHA TÉCNICA

Curadores
Christos Joachimides, Norman Rosenthal y Nicolas Serota

Lugar
Royal Academy of Art, Londres
Fechas
Enero a Marzo de 1981
Artistas
Frank Auerbach, Francis Bacon, Balthus (IMAGEN 08), Georg Baselitz, Pier Paolo
Calzolari, Alan Charlton, Sandro Chia, Rainer Fetting, Lucian Freud (IMAGEN 09), Gotthard
Graubner, Philip Guston, Dieter Hacker, Jean Hélion, David Hockney, Howard Hodgkin, Horst
Hödicke, Anselm Kiefer, Per Kirkeby, Ronald B. kitaj, Bernd Koberling, Willem De Kooning
(IMAGEN 07), Jannis Kounellis, Markus Lüpertz, Brice Marden, Roberto Matta, Bruce McLean,
Mario Merz, Malcolm Morley, Mimmo Paladino, A. R. Penck, Pablo Picasso, Sigmar Polke,
Gerhard Richter, Robert Ruman, Julian Schnabel (IMAGEN 10), Frank Stella, Cy Twombly, Andy
Warhol

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El texto que acompañaba la exposición, escrito por Joachimides (5) dice “(…) los artistas están
pintando de nuevo, la pintura se ha convertido para ellos en algo vital, y esta nueva conciencia
del significado contemporáneo de las más antigua forma de su arte puede palparse en todos
los ambientes en los que se ve arte.
Este renovado interés por la pintura responde a una visión subjetiva, una visión que engloba
tanto el concepto que el propio artista tiene de sí en tanto que individuo en busca de su
autorrealización como el del papel que a ese mismo artista le toca desempeñar en el marco
histórico. Dicha visión subjetiva, o imaginación creadora, ha vuelto a imponerse,
manifestándose ahora en una nueva forma de abordar la pintura (…)”
Es decir que en términos generales, lo que plantea la exposición es la recuperación de la
pintura desde una nueva visión, subjetiva e individualista. Se retorna al soporte tradicional, a
los lenguajes figurativos y expresionistas.

IMAGEN 07
WILLEM DE KOONING (n. 1904 - m.1997). Mujer. 1950-1952
Óleo sobre tela
193 x 147 cm. MOMA, NY

Este es un nuevo panorama, luego de varias décadas donde el predominio lo tenían las
estéticas analíticas, y muchos autores comenzaban a hablar sobre la muerte de la pintura.
Los 38 pintores presentes en la muestra, que exhibió 150 obras, estaban organizados y fueron
convocados intentando representar tres generaciones de artistas.
Los ´abuelos´, en cuyo grupo se incluían a Bacon, Matta, Balthus, De Kooning y por supuesto
Picasso. Los ´padres o la generación media´, personificada por Lucian Freud, Andy Warhol, Cy
Twombly y Frank Stella entre otros, y por último el grupo de los ´hijos´, donde los nombres no
eran tan conocidos.

(5) JOACHIMIDES, Christos. A New Spirit in Painting. Royal Academy of Art .Londres. Enero.Marzo, 1981. Pp.14-16)

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No es un dato menor que para el momento de la inauguración de la muestra todos los artistas
estaban vivos, con excepción de Picasso que había fallecido en 1973 y Guston que había
muerto el año anterior a la inauguración, es decir en 1980.

Los artistas seleccionados pertenecían en su gran mayoría a Alemania, luego a Italia, Gran
Bretaña y Norteamérica.

En este intento por revalorizar la pintura, los curadores confrontaron el arte de los viejos
maestros con las generaciones más jóvenes, evidenciando una estrategia que definía a esta
nueva pintura basada en la cita del pasado. Es por este motivo que la nueva pintura además,
era predominantemente figurativa y expresionista, unificando dos momentos de la pintura.

IMAGEN 08
BALTHUS (n. 1908 - m.2001). Alicia frente al espejo. 1933
Óleo sobre tela. 162 x 112 cm.
Centro Pompidou, París

En los ochenta se recupera el interés por la representación, se regresa a la pintura ´pintada´ y

se recupera la importancia de la técnica y el material. Se le resta dramatismo a la presencia del
arte conceptual y se retoma la pintura con el agregado de una visión contemporánea.

Para la pintura de los ochenta ya no interesa el espíritu político revolucionarios (primeras

vanguardias), la provocación (dada) o la búsqueda de lo novedoso, sino que se presenta como
un arte ecléctico, que atraviesa la historia del arte de modo transversal tomando prestadas
toda tipo de influencias, técnicas y estilos, que conviven incluso en una misma obra.

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Algunas palabras que pueden definir este estilo:

• Pastiche
• Referencia irónica
• Imitación
• Reproducción
• Yuxtaposición de estilos

IMAGEN 09
LUCIAN FREUD (n. 1922). Retrato desnudo con reflejo.1980
Óleo sobre tela. 91 x 91 cm.
Colección privada

En Italia aparece un grupo denominado ´Transvanguardia´, por el crítico de arte Achille Bonito
Oliva, que representa todas éstas ideas planteadas en la pintura de la década de los ochenta.
En Alemania este resurgir de la pintura, tiene lugar bajo la denominación de ´Neoexpresinismo
alemán”. En Estados Unidos se presenta como ´New image Painting´. Muchos de estos nuevos
estilos pictóricos figurativos, tuvieron su aparición estelar en la Bienal de Venecia de 1980,
consagrándose como los estilos reinantes de ese período.

El renovado amor por la pintura tendrá una existencia breve, ya que a comienzos de la década
de los noventa, comienza a ser acusado de superficial y no comprometido.

Aparecen en ese entonces un sinfín de artistas que recuperan el valor conceptual de la obra,
proponiendo una heterogeneidad de soporte, que llevaron al artista y teórico Allan Kaprow a
enunciar que “(…) el joven artista de hoy día no dice ´soy pintor´ o ´un poeta´o ´un bailarín´.
Simplemente es un artista (…)”

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IMAGEN 10
JULIAN SCHNABEL (n. 1951). San Francisco en éxtasis.1980
Óleo, fragmentos de platos de loza y madera, sobre madera. 244 x 213 cm.
Colección privada

Apéndice

Arte Conceptual:
“El arte conceptual es sobre todo un arte en el que el material es el concepto, de la misma manera que,
por ejemplo, el material de la música es el sonido. Dado que el concepto se halla estrechamente ligado al
lenguaje, el arte conceptual es un tipo de arte en el que el material es el lenguaje”
Harry Flynt, en su ensayo “Arte Conceptual”, 1963.

Fluxus:
En un texto de Adolfo Vázquez Rocca, sobre la vinculación entre Fluxus y Joseph Beuys, dice:
“Pareciera que para justificar el estatus elitista, profesional y parasitario del artista en la
sociedad, debe demostrar su indispensabilidad y exclusividad, debe demostrar la dependencia del
público con respecto a él, debe demostrar que nadie más que el artista puede hacer arte. Por lo tanto, el
arte debe parecer complejo, pretencioso, profundo, serio, intelectual, inspirado, habilidoso, significativo,
teatral. Debe parecer calculable como una mercancía, de modo que le proporcione un ingreso al artista.
Para elevar su valor (el ingreso del artista y la ganancia de sus patrocinadores), el arte se hace para que
parezca raro, de cantidad limitada y por lo tanto accesible sólo para la élite social y las instituciones.
Por lo tanto, el arte entendido como creatividad y praxis lúdica, esto es, como diversión debe ser simple,
divertido, no pretencioso, preocupado por las insignificancias, que no requiera habilidades o ensayos

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interminables, que no tenga valor ni institucional ni como mercancía. En Fluxus esta pues en juego la
idea de arte como diversión, como desenfado “

Pop. Características:
• Surge como contraposición a la subjetividad del expresionismo abstracto, que se iba tornando cada
vez mas ininteligible para el espectador común
• Utiliza las imágenes, la publicidad, la tipografía que reemplaza a la naturaleza en la nueva sociedad
planteada después de la 2GM
• Entiende el contexto en el que se desarrolla, incluye la cultura de masas y la sociedad de consumo
como eje central de su problemática
• En búsqueda de la premisa planteada por todas las vanguardias, de unir “arte-vida”. De todas, es la
que mas lo logrará.
• Aprovecha los recursos que las nuevas tecnologías le brinda, para desarrollar obras reproducidas
mecánicamente, obras múltiples.
• Se buscan imágenes típicas, arquetípicas. No interesa lo individual, sino lo masivo, lo que representa a
todos.
• Se buscan estereotipos, se hacen visibles esa imágenes que están plagadas por toda la ciudad,
señalándolas, sacándolas de contexto, haciendo al espectador conciente de su existencia
contemporánea
• Se desvanece la idea de estilo, no hay una estética común a todos. No se discute como movimiento
artístico sino como acontecimiento
• Está mas vinculado a un estilo de vida que a un movimiento artístico, sin ir mas lejos, el propio Andy
Warhol, hizo de su propia vida, una vida POP
• Los objetos utilitarios, son mas importantes por el trabajo que realizan que por sí mismos. Las obras de
arte van siguiendo ese camino. No valen por lo que son en sí mismas sino por aquello a lo que hacen
referencia. Actúan mas como funciones o acciones.
• Una pintura POP mantiene la misma lógica del ´descartable´, para los objetos cotidianos
• Las imágenes de las obras POP, no son re-creadas por los artistas sino ELEGIDAS de la multiplicidad
que abunda en su entorno, que pertenecen a la cultura popular
• Objetos despersonalizados, a favor de la neutralidad despersonalizada de la máquina
• Objetos típicos y no individuales. El POP rehúye a lo particular.
• El POP recupera la figuración

Los transvanguardistas se caracterizan por:

1. eclecticismo subjetivo
2. los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico
3. atraviesan la historia del arte perpendicularmente, tomado elementos de todos los movimientos
artísticos, rechazando el concepto de avance progresivo del arte
4. recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran
expresividad cromática
5. "nomadismo", el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando
libremente cualquier referencia de otros autores
6. Generalmente figurativas, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario (fragmentos
de obras del pasado).
7. Principal influencia viene del Renacimiento, Manierismo y Barroco
8. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo XX, principalmente de las
primeras vanguardias históricas
9. Resultado: mezcla indiscriminada de temas y estilos ("pastiche")
10. El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no
quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
11. Efecto de liberación, posterior a la declaración de la muerte de la pintura se relaciona con
tendencias que se desarrollan contemporáneamente como el neoexpresionismo, la nueva imagen, el
graffiti, el bad painting o la pattern & decoration, el hiperrealismo, entre otras.

Los neoexpresionistas alemanes se caracterizan por:

• Manipulación de los materiales, es táctil, sensual o ruda y expresa intensamente emociones
• Temas vinculados con el pasado colectivo o personal

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• Utilización de la alegoría y el simbolismo

• Se inspiran en la historia de la pintura
• Emplean material y temas tradicionales

El siguiente es material de lectura complementario del curso 4 x 4 Arte Contemporáneo todo terreno. El mismo
no puede reproducirse sin la autorización previa de su autor.

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