RIVISTA inverno.

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PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE A CURA DEL SAINT LOUIS COLLEGE OF MUSIC

QUI SUCCEDE UN 68 GENIAL YOUTUBE STATE

Inverno 2009

PORNO OF MIND
di Eugenio di Flavio Fabbri
Vicedomini

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
Come arrivare un
Il «Genio» è un giorno ad esibirsi di
progetto musicale fronte al pubblico del
ideato agli inizi del grandioso Carnegie Hall
2007 da Gianluca di New York? Come
De Rubertis (che ottenere un’audizione
era tastierista degli per provare, finalmente
Studio Davoli) e al mondo intero, il talen-
Alessandra Contini to di cui siamo forniti?
alla voce e al Chissà quanti aspiranti
basso. musicisti o studenti di
di Romina Ciuffa Il loro improvvi- conservatorio si saranno
Mi sento ribelle anche oggi, mi sento sessantot- so successo è fatto fatti tali domande.
tina ogni qualvolta apro il giornale, mi stendo su di canzoni dal Eppure la risposta
un prato, uso i bagni dell’università e m’innamo- sapore di zucchero potrebbe venire da dove
ro. Il Sessantotto era la margherita in bocca, una filato che riportano meno te la aspetti e cioè dalla rete. «Practice,
canna rock, la confusione di una generazione in mente la Parigi practice and practice, then download your per-
stanca e sesso di gruppo. Oggi come ieri, ma al tempo di Brigitte formance video on YouTube», recitano gli amba-
meno di ieri. Perché muore anche la politica, cre- Bardot e la swin- sciatori del progetto sponsorizzato dal social
pano le ideologie, sesso si fa in chat. Il ging London di network proprietà di Google. Insomma, niente
Sessantotto rollato, appicciato, tirato, et voilà tutte Marianne Faithfull. di più semplice, fare tanta pratica e immortalare
le illusioni tossiche son più reali che mai. (...) (...) l’esecuzione giusta su un video. (...)
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GRACE JONES

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QUELLA D’ARTISTA
Ansa esordisce con «l’indiscutibile signora della musica ita-
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Ferpenta Editore Srl
L ’ liana» riferendosi all’intervento di Mina che, con un tocco
da Re Mida, dovrebbe far recuperare credibilità e nobiltà al
Via R.G. di Montevecchio - Roma Festival di Sanremo. Controcorrente, avrei da dubitare sulla
indiscutibilità di chiunque, quindi anche di Mina, che con la
Contributi sua impalpabilità è ormai assurta a dea di un Olimpo che, pro-
Elisa Angelini, Lorenzo Bertini prio in quanto furbescamente imperscrutabile, sembrerebbe a
Nicola Cirillo, Giosetta Ciuffa
Stefano Cuzzocrea, Cristina D’Eramo prova di critica. La rispettabilità e la longevità della sua carriera
Alessandra Fabbretti, Clara Galanti non possono indurci, come pecore, a bere a priori qualunque
Gianluca Gentile, Eugenio Vicedomini cosa faccia o dica; ricordiamoci sempre della Merda d’artista di
Livia Zanichelli Piero Manzoni.
Se Mina rappresenta la vetta del Festival, nelle stalle troviamo
Maria De Filippi e la banale ovvietà delle sue proposte, ora anche in
Rai. L’italiano medio (ma sempre più basso) guarda a queste e alle tra-
Anno III n. 8 smissioni di Simona Ventura come alla fucina dei nuovi progetti
Inverno 2009 musicali italiani per un unico motivo: possiede una cultu-
ra sottosviluppata. Di questo eviterei di dare la colpa
Registrazione presso il Tribunale di Roma alla scuola, troppo comodo. Tutt’altro: la colpa è
n. 349 del 20 luglio 2007
come la responsabilità penale - personale - ed è lega-
ta alle difficoltà crescenti dell’italiano a sviluppare sufficienti sinapsi nelle
proprie cellule encefaliche.
STEFANO Dal canto loro, Paolo Bonolis e Luca Laurenti fanno ridere e lo fanno
MASTRUZZI - a differenza di alcuni cantanti - di proposito; se non dissacreranno que-
EDITORE sto crogiuolo di pseudo-artisti a caccia di diritti Siae e della facile noto-
rietà che permette loro di mangiare a ufo nei ristoran-
ti in cambio della classica foto da esporre, ci pense-
rà Checco Zalone (dal barese «Che cozzalone»),
parodia di un cantante neomelodico napoletano:
fatevi un giro su Youtube, sarà lui il vero protago-
nista di Sanremo 2009.
Quanta perversione c’è nell’attirare gli spettatori
con colpi bassi? A sufficienza. Pensate a che
affluenza di pubblico ci sarebbe in un seminario su «Il
logaritmo neperiano e il calcolo della massa del
Bosone di Higgs» se solo il relatore fosse introdotto
dalle conigliette di Playboy. Abbiamo però, oggi, una
grande opportunità, che è lo zapping: sintonizzarci su
Raiuno per gli starnazzi delle conigliette, poi tornare in
tempo per il finale di «Dr. House», meno scontato di una
canzone di Al Bano. Il messaggio è chiaro, gli
sponsor comunque contenti, il direttore Del
Noce ancorato alla poltrona. Del resto, il
Bosone di Higgs continuerà pure a non esse-
re visibile a occhio nudo (al giorno d’oggi l’ipotetica particella non è mai
stata osservata, a differenza di questo Festival), ma l’occhio vuole sempre la
sua parte.
Stefano Mastruzzi
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J AZZ
& blues MARCELLO ROSA Amo parlare di PRENDIAMO FIATO Saint Louis
Music In  Inverno 2009

ANGELI-DRAKE Il Dialogo
a cura di ROSSELLA GAUDENZI me come di un suonatore di trombone: la Un’iniziativa che fa prender fiato a tromboni, Tra la chitarra sarda preparata e
definizione di musicista è troppo gravosa. clarinetti, sassofoni, trombe, bassotube e flauti le percussioni afro-cubane

IL JAZZ ROSA «À LA CARTE» a cura di Rossella Gaudenzi

crive Marcello Rosa: «Il jazz ha circa un secolo di vita, ma
S rimane ancora sotto molti aspetti una musica misteriosa;
molto del suo fascino dipende probabilmente anche da que-
sto. Il jazz è una musica seria, ma non seriosa; impegnata ed
impegnativa, ma che sa al momento giusto disimpegnarsi; ludi-
ca e al tempo stesso profonda, di una semplicità a volte così com-
plicata da sbalordire anche il più attento e preparato musicolo-
go. E tante, tante altre cose…».
Non solo: «Il jazz è però, soprattutto, l’espressione del proprio
stato d’animo (di chi suona e di chi ascolta) ed è questa sua
peculiarità che ne fa una musica sempre nuova e imprevedibile,
coinvolgente, unica. La scelta del repertorio dipende quindi dal-
l’umore del musicista, ma non c’è da meravigliarsi se alcuni cele-
bri temi possano a volte essere serviti a gentile richiesta per sod-
disfare quei palati affezionati a particolari sapori, sensazioni,
ricordi».
Sarebbe impossibile introdurre più efficacemente l’ultimo pro-
getto musicale ideato e realizzato dal suonatore di trombone, così
ama definirsi, Marcello Rosa («… Amo parlare di me come di un
suonatore di trombone: la definizione di musicista è troppo one-
rosa, gravosa…»). Eppure il suonatore di trombone in questione,
oltre ad avere un’esperienza di mezzo secolo come arrangiatore
e compositore, ha diffuso la musica jazz nel nostro Paese a par-
tire dal 1963 attraverso indimenticabili programmi radiofonici e
televisivi dei quali è stato autore e conduttore.
Jazz «à la carte». L’idea di inserire brani jazz in un menu è di
vecchia data, risale a circa venti anni fa, ai tempi in cui Marcello
Rosa suonava regolarmente presso un ristorante romano dall’af-
fascinante atmosfera Art Déco di Via Palestro, Il Pavone.
Entrare nel salone blu era come fare un tuffo in pieno stile
Liberty; ebbene, in quel luogo, era nato il proposito di realizzare
il «The Blue Room Jazz Club», con tanto di Jazz «à la carte». È data da un profondo
All’epoca il progetto incontrò qualche difficoltà e non venne rea-
lizzato, così è rimasto a lungo tra i pensieri e i cassetti di
Marcello. Poi l’Alexanderplatz ha aperto le porte, il lunedì sera,
affetto che nutro per
essa, sono pronto a met-
termi sempre in discus-
al menu firmato dal celebre trombonista. sione, filtrando con
«L’idea è in fondo semplice e nasce da una sorta di pigrizia: esperienze ed ascolti.
fare la scaletta richiede fatica, e presentare al pubblico un reper- Citando Ellington, in
torio quasi sterminato, comprendente brani originali composti sintesi si potrebbe dire
da me e brani classici, per un totale di ben cento composizioni che la modernità è gior-
da poter scegliere sul menu, è una sorta di uovo di Colombo. In no per giorno, facendo
più, ci sono i ‘piatti del giorno’. Ci ho messo dentro tutto ciò che riferimento al quel suo
so fare, la scelta specifica spetta di sera in sera agli spettatori. concetto che afferma:
Una pecca è che le richieste prediligano la maggior parte delle ‘Noi (l’orchestra) non
volte i classici, rimangono un po’ in sordina le preferenze per i lavoriamo per la poste-
brani originali», (tra i quali i pregevoli pezzi tratti dal suo ulti- rità, va bene che la
mo album, A Child is Born, ndr). nostra musica sia di
«In una serata quanti brani si riescono ad eseguire, quante gradimento oggi’. Ciò
richieste si riescono a soddisfare? Circa 10, 12. Ebbene, talvol- che conta è dunque essere attuale. Io vengo spesso citato come
ta ci si scontra con un pubblico che dimostra una certa mancan- musicista Dixieland, perché con questo stile ho iniziato, essendo,
za di cultura jazzistica. Il punto è: se suono un classico non lo sulle prime, apparentemente più facile. Poi però si va avanti.
suono diversamente da come suonerei un pezzo be-bop o funky. Non si deve restare ancorati al passato, per me è stupido senti-
Sono io. C’è la mia personalità in qualsiasi mia esecuzione mentalismo».
musicale, affronto i temi che mi piacciono». «Io suono il Dixieland talmente bene da non suonarlo più. Non
Il lunedì, cadenza quindicinale, è il giorno dedicato a queste trovo oggi la mentalità giusta per farlo. Ho vissuto sino ad oggi
serate. Sembra essere una scelta azzardata, come giorno della e vivo grazie alla mia passione. Se nella vita non mi fossi realiz-
settimana, eppure il progetto piace, permette una forte interazio- zato nel suonare uno strumento, mi sarei dedicato al giornalismo
ne tra musicisti e pubblico. Jazz «à la carte» si è rivelato un modo musicale, così come ho fatto per molti anni, a partire dal 1963».
nuovo di far musica che fa presa, vincente. Merito dello spirito, «Non amo il giornalismo odierno, e proprio per questo mi pia-
della predisposizione e del modo di far jazz di Marcello Rosa. cerebbe dire la mia e fornire la mia esperienza per un giornali-
«Chi mi conosce, mi vede sempre e ovunque. Questo perché la smo qualitativamente ed eticamente migliore. Di cose da dire ne
voglia di ascoltare musica per scoprirla per me è fondamentale. avrei un’infinità. Ma questa è un’altra storia».

PRENDIAMO FIATO WIN d’ inverno la natura si addormenta; sotto la

morbida neve riposa tranquilla in attesa
che il sole torni a brillare. La buona musica,
invece, scivola sul ghiaccio con pattini di dolci
Fresca e intrigante iniziativa del Saint Louis College of Music, la più intraprendente scuola di musi-
ca moderna che - mentre apre la sua quarta sede, questa volta nella città di Brindisi - dà il via al pro-
getto Prendiamo fiato, rivolto a tutti i suonatori di tromba, trombone, sassofono, clarinetto, flauto e TER note ed invita i suoi amanti a seguirla nelle piro-
ette dei concerti. Il jazz si accende come legna
in un caminetto e in questa stagione presenta
ben tre festival di spessore.

IN
bassotuba, di tutti i livelli, dai principianti ai professionisti. Da sempre attento ad offrire sbocchi
lavorativi nel tortuoso mondo musicale, il Saint Louis ha «imposto» negli ultimi due anni Il più prestigioso è l’Umbria Jazz Winter, che
sul mercato nazionale oltre 400 concerti con i migliori nuovi talenti fioriti e matura- si tiene dal 30 dicembre al 4 gennaio nella splen-
ti al suo interno. L’iniziativa oggi mira a dare linfa vitale ad un vivaio di musicisti dida cornice di Orvieto. La sedicesima edizione
specializzati negli strumenti a fiato, offrendo nuove e appassionanti occasio-
ni di lavoro sia con la Saint Louis Big Band diretta da Antonio
Solimene, che si è già esibita su palchi importanti in tutta Italia, da
Atina Jazz a Villa Celimontana, sia con una nuovissima Marching
JAZ di questo incontro è dedicata al Brasile e alla
Bossa Nova per i suoi 50 anni, con ospiti del
livello di João Gilberto e Duduka Da Fonseca.
Questi musicisti unici hanno suonato al Teatro
Band diretta da Michel Audisso, che sfilerà ogni mese per le vie
della capitale. Non solo: i nuovi iscritti potranno partecipare ad
altri gruppi combo e piccole orchestre con il medesimo inten-
to lavorativo, come quello diretto da Stefano Mastruzzi -
Z Mancinelli, inaugurato nel 1886, con il suo sug-
gestivo sipario realizzato dal Fracassini che rap-
presenta Belisario che libera Orvieto dai Goti.
Ci saranno anche le grandi voci gospel del The
che esegue e riarrangia le colonne sonore di film e tele- Harlem Jubilee Singers, Stefano Bollani con
film che hanno accompagnato i nostri ultimi trent’anni Il jazz d’inverno Martial Solas e Antonello Salis e l’imperdibile
- e altre formazioni dirette da Massimo Pirone e si accende Roberto Gatto Italian All Stars.
Marcello Rosa. La scuola offre a tutti i fiatisti la come legna Anche il Sud ha la propria fetta di qualità. Il
possibilità di partecipare a costo zero o quasi ai pro- di un caminetto: Lamezia Jazz Festival sfoggia concerti di gran-
pri corsi ed ensemble, cosicché i principianti possano Umbria, Lamezia, de rispetto. Dopo Astor Piazzolla, per febbra-
maturare le prime esperienze di orchestra e i musicisti già io, il Tenor Legacy, quartetto caratterizzato
avviati possano trovare nuovi stimoli e reali occasioni di lavoro.
Piacenza e ovunque dall’incontro dei due tenori più interessanti del
Questa proposta ha tutta l’aria di voler durare nel tempo, proprio per vi sia un fuoco panorama jazzistico italiano, Daniele
sostenere una categoria di strumentisti che trova mille difficoltà di Scannapieco e Max Ionata con una sezione
sopravvivenza per la carenze di orchestre e di iniziative a suo sostegno. ritmica formata dal contrabbassista Reuben
Rogers e dall’incredibile batterista Clarence
Penn.
La stagione invernale sarà chiusa dal
Piacenza Jazz Fest, dal 28 febbraio al 4 aprile.

RITMICA AFRO-SARDA
Quando la Sardegna dialoga con gli Usa e l’Africa, Paolo Angeli suona con Hamid Drake
ella tradizione della sua Sardegna Paolo Angeli, grazie al chitarrista
D Giovanni Scanu, ha accolto, amato, studiato ed approfondito forme e
moduli del canto a chitarra gallurese e logudorese. Della musica con-
temporanea e di avanguardia è assetato da sempre: indaga e ricerca dai
tempi dell’università a Bologna con studi di composizione e improvvi-
sazione, che lo hanno portato in giro per i più importanti festival inno-
vativi europei.
Le due anime, quella tradizionalista e quella sperimentale, s’incontra-
no nella chitarra sarda preparata, strumento articolato a 18 corde - ibri-
do tra chitarra baritono, violoncello e batteria - dotato di martelletti,
pedaliere, eliche a passo variabile. Il risultato è musica non del tutto
definibile, sospesa tra il free jazz, il folk ed il pop minimale: tra i pro-
getti discografici Linee di Fuga (1997), Bucato (2003) e Tessuti (2007);
tra le collaborazioni importanti quella con Antonello Salis, Pat Metheny,
Fred Frith. Ci si sposta focalizzando l’attenzione sugli Usa e sulle velo-
ci ritmiche afro-cubane ed orientali per incontrare Hamid Drake, il
musicista chiamato al Dialogo con Paolo Angeli. Batterista e percussio-
nista dalla lunga e prestigiosa carriera, influenzato sin dalla fine degli
anni Settanta da musicisti quali Ed Blackwell e Adam Rudolph, segna-
to dalla collaborazione con Don Cherry in primis, e a seguire con Herbie
Hancock, Wayne Shorter e molti altri.
Dialogo: la rassegna dell’Auditorium Parco della Musica metterà
faccia a faccia il mondo musicale del giovane Paolo Angeli con i suoni
percussivi ad alte velocità del grande Hamid Drake, per un incontro che
si prospetta altamente suggestivo, ricco di interesse e spunti curiosi. In
programma il 7 febbraio.
Rossella Gaudenzi
La sua sesta edizione sarà dedicata al grande
Charles Mingus, scomparso a Cuernavaca il 5
gennaio del 1979.
Non solo grandi concerti: dalle consuete
masterclass, seguitissime dai musicisti in erba,
alle presentazioni di libri e progetti per le scuo-
le con la finestra Jazz & Grande Schermo incen-
trata sul lavoro del regista Stanley Kubrick.
Piacenza sarà la culla del talento, affermato e
ancora da scoprire. Confermati, infatti, i concor-
si Chicco Bettinardi e Note di Donna.
Si abbassano le temperature ma i motivi per
scaldarsi il cuore in questo lungo inverno non
mancano di certo.
Corinna Nicolini

FOTO DI ROBERTO CIFARELLI

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Music In  Inverno 2009
BLUES Mud Morganfield Il blues nasce quando il negro è triste, quando è lontano da casa, PINO FORASTIERE
lontano dalla madre o dall’innamorata. Allora pensa a un motivo o a un ritmo preferito e su quel Praticamente l’erede di TOLLAK OLLESTAD
motivo scandaglia le profondità della sua immaginazione. Questo gli fa passare la tristezza: il blues Michael Hedges
QUANDO IL NEGRO È TRISTE
Mud Morganfield passa per Roma e questo ci dà l’occasione per scrivere di blues, di New Orleans e Chicago
«Il blues nasce quando il negro è triste,
quando è lontano da casa, lontano dalla
madre o dall’innamorata. Allora pensa a un
motivo o a un ritmo preferito e prende il
trombone o il violino o il banjo o il clarino o il
tamburo, oppure canta o semplicemente si
mette a ballare. E su quel motivo scandaglia
le profondità della sua immaginazione.
Questo gli fa passare la tristezza: è il blues».
Ernest Ansermet
L’ associazione blues Chicago non perde
mai di fascino per l’immaginario collet-
tivo, sebbene parlare di blues e dei suoi albori
sia impresa ardua, rischiosa, azzardata.
Impossibile risalire con precisione alle sue origi-
ni. Non si può prescindere dallo spaesamento
della moltitudine di neri ex-schiavi, delle loro
difficoltà di inserimento e della ricerca esaspe-
rante di superamento della condizione di esclu-
sione dalla società americana, tra la fine
dell’Ottocento e gli inizi del XX secolo.
Musicalmente parlando, gli albori del blues e
conseguentemente del jazz traggono origine dai
canti di lavoro, i cosiddetti worksongs, che
hanno accompagnato per secoli le fatiche di
generazioni di africani trapiantati negli Stati
Uniti, pian piano arricchite tanto da generare
forme nuove di argomento religioso o profano
come gli spirituals, inni, litanie o ballads e blues.
Si può così affermare che il blues sia il padre
legittimo del jazz. Nel momento in cui aumentò
il numero di strumenti di derivazione europea
(per lo più ottoni) e più esattamente quando il
negro d’America divenne padrone di tali stru-
menti, il blues iniziava a cambiare: si era giunti
all’era del jazz, che è dunque una musica origi-
nale, sviluppatasi dal blues, concomitante con
J AZZ
& blues
Folgorazione armonica
esso, che mosse poi su una strada
autonoma.
La città di New Orleans
(Louisiana), situata sul Golfo del
Messico, rappresenta un buon
punto di partenza per risalire alle
origini del jazz: porto di mare,
dunque ottimo centro di incontro
per le varie popolazioni che vi si
avvicendarono, sede dello stori-
co quartiere a luci rosse di
Storyville, luogo di convivenza
di creoli e neri americani.
Dall’incontro di queste diffe-
renti realtà nacque lo «stile di
New Orleans», in cui viveva una
solida tradizione bandistica di
impronta euro-
pea: i musici-
sti delle brass
bands suona-
vano ad orec- città del Nord e Nord-Ovest:
chio sempre Chicago, New York, e in seguito
gli stessi moti- Kansas City.
vi, e quando si Siamo così giunti a Chicago,
stancavano di capitale dell’Illinois, che durante
ripetere varia- gli anni Venti accolse un alto
vano improv- numero di musicisti provenienti
visando sulle
armonie del
dal Sud degli Stati Uniti: in anni
di proibizionismo, il proliferare di
“FOLGORATO”
tema prescel-
to: è questo
locali notturni era garantito dai
gangsters e dalla malavita; il OLLESTAD
l’inizio del- Southside della città apre le porte
l’improvvisa- alla seconda fase del jazz. Nasce a Steward, mode-
zione, caratte- Chicago accoglie, negli anni 20, i sto e piccolo centro
ristica essenziale del jazz. migliori musicisti jazz venuti dal dell’Alaska, lo straordinario
Dopo l’ingresso degli Usa in guerra (1917), Sud: sancisce gli anni d’oro del armonicista e pianista dalle
con la chiusura di Storyville, i musicisti riman- jazz e, sull’altro versante, del origini norvegesi Tollak
gono senza lavoro ed inizia l’esodo verso le blues. Ollestad. Sarà però
È in questo clima che riesce ad Seattle, la Big City, ad ispi-
esprimersi un artista come Muddy rarlo artisticamente e
Waters (1915-1983), uno dei più musicalmente, ad aprirgli le
grandi bluesman di tutti i tempi porte del soul, dell’R&B e a
nonché uno degli artisti più legarlo al primo idolo, Stevie Wonder. Arriverà presto la
influenti del XX secolo, autore folgorazione per l’armonica; e dopo la seconda, impor-
della serie di successi che defini- tante scoperta, la passione per il piano jazz, deciderà di
ranno il Chicago Sound. «esplorare il mondo» facendosi accompagnare dall’ec-
Mud Morganfield, figlio del cezionale capacità di padroneggiare i due strumenti.
grande Muddy Waters, ha seguito Oltre a possedere la voce giusta del singer di blues and
con successo le orme paterne gra- soul. Curriculum sorprendente quello di Tollak, poiché
zie ad una voce potente che fa la ha accompagnato i grandi: Michael McDonald, Earth
differenza. Dopo aver calcato i Wind & Fire, Natalie Cole, Andrea Bocelli, Al Jarreau e
palchi dei più famosi locali di molti altri. Il suo album solista Walk the Earth ha con-
Chicago e degli States e dopo fermato le spiccate capacità di song writing.
l’uscita del primo disco di puro Egli ama profondamente l’Italia, dove ha conosciuto
Chicago Blues risalente allo scor- recentemente, presso l’Euro Bass Day di Verona, musi-
so aprile 2008, dal titolo Fall cisti eccellenti quali Lello Panico, Luca Trolli e Pippo
Waters Fall, egli sta diffondendo Matino, nei confronti dei quali sono nati immediatamen-
capillarmente la sua musica con te una profonda stima, un forte feeling e lo stesso
un tour che ha toccato Europa, modo di intendere la musica, all’insegna del soul, del
Messico e Russia. In Italia è venu- funk, del blues e del jazz. Il quartetto, di casa al Big
to a fine gennaio, presso Stazione Mama, stavolta con Francesco Puglisi al basso, ha pre-
Birra, accompagnato dalla band sentato un repertorio spaziando da brani originali a rie-
romana Caldonians. laborazioni di classici. Peccato chi se l’è perso, ma
tenerlo d’occhio questo sì.
Rossella Gaudenzi
PINO FORASTIERE
LUCANIA PERCHÉ NO
T ra il Big Mama, ufficiale home of the blues romana e Pino
Forastiere c’è un legame forte e saldo, fatto di esperienza e di con-
tinuità, tale da rendere ogni suo concerto caldo e avvolgente, un vero e
proprio godimento per il suo pubblico di affezionati. Il talento lo ha reso
uno dei migliori chitarristi acustici del nostro tempo, la critica lo definisce
l’erede del grande Michael Hedges, e non è a caso molto amato negli Stati
Uniti e in Canada. Si è fatto conoscere per la dimestichezza con la chitar-
ra a dieci corde (con la quale ha sostenuto l’esame di diploma in chitarra
classica al Conservatorio di Santa Cecilia) per imporsi poi e scavare la sua
nicchia di celebrità con la chitarra acustica.
Dopo Overcrossing (1999), Rag Tap Boom (2003) e Circolare (2005), il
2008 è stato foriero di un nuovo disco da solista, dedicato quasi intera-
mente alla sua terra, la Lucania, dal titolo Why Not? per l’etichetta ameri-
cana CandyRat Records. Il titolo è legato alla registrazione fatta nel gen-
naio 2008 del concerto, in prima assoluta, di chitarra elettroacustica e
orchestra d’archi presso il Teatro Palladium. L’anno nuovo gli riserva un
paio di date in Italia (in Lucania e nel Lazio) e sul finire dell’inverno sali-
rà su un volo per gli Stati Uniti, dove lo attende una primavera densa di
appuntamenti musicali. Non va perso di vista, né va perso il suo concerto
del 25 febbraio al Big Mama. La primavera è lunga e l’America lontana.
BIG MAMA - Mercoledì 25 FEBBRAIO 2009 - ore 22:30
Vicolo San Francesco a Ripa, 18 - Tel: 065812551 - www.bigmama.it
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PO PCK
pop&rock Music In  Inverno 2009

a cura di CORINNA NICOLINI

MICOL BARSANTI
Con Jovanotti e Saturnino OASIS Come un mitologico Re Mida, trasformano in oro
ridendo al cielo tutti i pezzi che toccano. Poi ci coprono di gioielli MEG Psicodelizia partenopea

MICOL UN SOLO SOGNO

Quello di fare la cantante. «Solo questo».
M icol è come le sue canzoni, solare e
sognatrice come i suoi testi, grintosa
come il suo rock, immediata come il suo
pop. Grazie al suo talento e a qualche incontro
fortunato è uscito il suo album d’esordio pro-
dotto dalla Soleluna Music di Lorenzo
Jovanotti. Canta l’amore Micol, amore per la
vita, amore per il mondo, amore per sé, amore
per l’altro, amore per l’amore. Non potevamo
resistere, abbiamo deciso di parlare con lei per
farci contagiare.
Com’è nata la collaborazione con Jovanotti?
Tutto è partito da Cecilia Dazzi (attrice impe-
gnata al momento nella fiction Amiche mie, già
una dei Ragazzi del muretto, ndr). Ci conoscem-
mo per caso e nacque subito una bellissima ami-
cizia. Iniziò ad ascoltare le mie canzoni e a cre-
dere molto in me. Cecilia aveva già alle spalle un
passato di autrice, aveva scritto Capelli e
Lasciarsi un giorno a Roma per Niccolò Fabi e
un giorno mi propose di scrivere qualcosa insie-
me. Nacque un bel pacchettino di canzoni e ci
mettemmo alla ricerca di un produttore.
Iniziammo a ricevere una serie di porte in faccia.
Poi Cecilia ebbe l’idea di contattare Jovanotti,
tramite delle amicizie in comune. Per me lui era
un mito, lo ascoltavo da sempre. Gli mandammo
una demo e lui ci rispose quasi subito dicendoci
che gli piacevamo e che ci voleva incontrare. Da
lì partì tutto.
Che cosa significa cantare sui bassi di
Saturnino?
Significa stare sul ritmo giusto, non c’è niente
da fare. Abbiamo da poco girato una puntata di
Salotto Live in un appartamento delizioso di
Milano e mi sono divertita un sacco. Con lui
cambia tutto: ti senti più artista. Forse la gavet-
ta più formativa inizia proprio quando esci dal
sottobosco musicale e hai l’onore di lavorare
con dei fuoriclasse. Stando con loro impari per
forza.
Dopo tutte le canzoni che sono state scritte
sull’amore, come si fa a non cadere nella
banalità?
Hai ragione, è davvero difficile. Ma io sono
fatta così, sono troppo romantica e non posso
frenare l’esigenza di scrivere quello che mi scop-
pia dentro quando sono innamorata. Credo che
il segreto sia questo: essere spontanei, scrivere
di getto quello che si vive. Ma anche osservare
molto per cogliere le emozioni che tradiscono gli
occhi delle persone che ti passano accanto. In
Ridere al cielo dico che quando sono innamora-
ta riesco a prendere la vita con più filosofia.
Penso che quando ti svegli la mattina, se piove o
c’è il sole non ha importanza, la giornata dipen-
derà da te e da come ti va di viverla. Oh, io
quando sono innamorata sono felice, riesco a
sorridere anche facendo la fila alla posta!
Cosa pensi dei nuovi circuiti attraverso i
quali è oggi possibile far conoscere la propria
musica, MySpace sopra
tutti? E dei canali tradizio-
nali, come Sanremo?
MySpace mi ha aiutato un
sacco. Oggi puoi fare entrare
le tue canzoni nelle case della
gente senza alcun vincolo.
Forse si sono persi un po’ di
filtri: grazie ad internet oggi
la musica la possono fare un
po’ tutti. Ma poi è la risposta
della gente che conta. A
Sanremo sogno di andarci da
quando ero una bambina. Ci
ho provato già diverse volte,
l’anno scorso l’ho sfiorato.
Nonostante le delusioni conti-
nuo a tentarlo e anche se il
mio successo dovesse iniziare
da un canale diverso, non lo
snobberei mai e mi presenterei
lo stesso.
Cosa c’è sulla tua scriva-
nia?
Un gran casino. Ma sotto
tutto il disordine non mancano
mai lo stereo, i dischi, il com-
puter e un bel po’ di libri. Mi
piace leggere un po’di tutto. Mi piacciono i clas-
sici del ‘900 come Victor Hugo e Dostoevskij, ma
devi essere concentrata per affrontare letture
come queste e allora, quando ho voglia di
distrarmi un po’, mi butto sulle biografie. Ora ne
sto leggendo una bellissima sui Beatles scritta
da Bob Spitz. Poi adoro i libri di poesie, in que-
sto periodo mi sto avvicinando a Pessoa. Per
quanto riguarda i dischi ne ascolto davvero di
tutti i generi. Amo Jeff Buckley ma, per esempio,
ieri sera ho ascoltato un po’ di Caterina Caselli.
E cosa c’è nel tuo cassetto?
Un sogno: quello di fare la cantante.
Solo questo.
a cura di Corinna Nicolini
I RE MIDA
Gli Oasis di Noel Gallagher fanno la storia della musica mondiale
tutte le volte che decidono di suonare, e dietro non guardano mai.
O almeno, non con rabbia.
ome un mitologico re Mida, Noel Gallagher ha avuto la facoltà di trasformare in
C oro qualunque cosa toccasse. Sin da quando si aggiunge al gruppetto del fratelli-
no Liam e dei suoi amici, a patto soltanto di esserne il leader, unico compositore
e chitarra solista. In poche parole: potere assoluto. Sarà stato il carisma, sarà stato l’in-
negabile talento, fatto sta che i quattro, Liam compreso, accettano questa condizione.
Siamo nel 1991 e gli Oasis iniziano ad esibirsi nei locali di Manchester. Tre anni dopo
si vedono già i due singoli Supersonic e Shakermaker in top 40 inglese ed è già record
di vendite inglesi per il loro album di debutto, Definitely Maybe. Da qui in poi sarà una
interminabile scalata al successo; un successo che trascende il lato prettamente musi-
cale, che coinvolge i media, la stampa ed il gossip, rendendo i fratelli Gallagher icone di
una nuova moda che stava nascendo negli anni 90 in
Inghilterra, il brit-pop; un successo dovuto all’immagine,
alla celebrazione, ad una vita sotto i riflettori, alla
faccia tosta. Il secondo disco, (What’s the Story)
Morning Glory?, li consacra al successo mon-
diale e vende più di 20 milioni di copie.
Ma se non ci fossero i litigi tra i due fratelli
Gallagher non staremmo qui a parlare degli
Oasis. La loro vita sregolata attira in quegli
anni sempre più le attenzioni dei media che
arrivano addirittura a creare una vera e pro-
pria battaglia del brit-pop tra Blur e Oasis.
Una gara di vendite, tant’è che i due gruppi
per un periodo programmano le uscite dei loro
singoli negli stessi giorni. Noel Gallagher è sempre
stato consapevole della potenza mediatica dei suoi
Oasis e non si stupisce di certo quando, nel 1996, al parco di Knebworth vede 250 mila
spettatori lì per loro. Proclama: «La storia è qui, adesso, stiamo facendo la storia”. Ormai
è scoppiata l’Oasis-mania nel Regno Unito.
Brani come Wonderwall, Don’t Look Back in Anger e Champagne Supernova hanno
scaldato gli animi di milioni e milioni di persone fino ai giorni nostri, entrando di diritto nel
grande librone immaginario della storia della musica. Be Here Now (1997) raggiunge un
nuovo record di vendite nella prima settimana d’uscita e, anche se lo stesso Noel ne
decanterà in seguito i difetti, i quattro singoli D’You Know What I Mean?, Stand by Me,
All Around the World e Don’t Go Away andranno a scrivere un’altra pagina del consisten-
te librone. Essere sempre sulla cresta dell’onda, però, inizia a creare dissapori e malu-
mori all’interno della band e, come in tutte le favole, ogni sogno è destinato a svanire
prima o poi.
Nel 1999, durante le registrazioni di Standing on the Shoulder of Giants i fratelli
Gallagher restano soltanto col batterista Alan White. Il disco non piace alla critica e
vende poco; il nuovo tour mondiale porta all’ennesimo litigio tra i fratelli coltelli che vede
Noel abbandonare la band in pieno tour. Con vari avvicendamenti Liam diviene il nuovo
leader fino al concerto di Wembley del 2000, per il quale Noel rientra all’ovile.
Dopo la tempesta c’è sempre bisogno di un periodo di pausa, per riflettere e riordina-
re le cose. Le persone cambiano scalfite dal fardello del tempo e degli avvenimenti. Con
Heathen Chemistry (2002) e Don’t believe the truth (2005) si torna alle origini accanto-
nando le sperimentazione del disco precedente. Ritornano le vendite da capogiro e i lun-
ghissimi e affollatissimi tour mondiali.
Ora però gli Oasis sono un gruppo vero e proprio e tutti iniziano a partecipare alla ste-
sura dei testi. Tra gli immancabili cambi di line-up i dinosauri del pop sfornano il nuovo
album Dig out your Soul (2008), che si configura come un ritorno definitivo al passato,
al sound degli anni 60 e 70 che li ha contraddistinti rievocando tutti i giganti del genere,
a partire dagli immancabili Beatles e passando per Who, Rolling Stones e Cream.
Ed ecco un nuovo tour, che toccherà anche l’Italia, per riassaporare le loro ballate
immortali, per osannarli, per rivivere ancora una volta la celebrità e la musica.
Gianluca Gentile
20 febbraio - PALALOTTOMATICA

MEG L’ORO DI NAPOLI

Uno spiritello dell’aria imprigionato da una strega, dalla teatralità brillante, la voce duttile e malleabile, l’aureo talento partenopeo

ei è l’oro di Napoli. La conturbante personalità di Meg torna ad amplificarsi nella capita- più partecipe all’insieme è il dj Stefano Fontana
L le, il 30 gennaio, per un live che promette ritmo e poesia al Circolo degli Artisti di via
Casilina, cui si abbina la transartisticità del personaggio. Maria Di Donna, classe 1972, è
infatti dotata di una teatralità talmente connaturata da averle concesso incursioni nella
aka Stylophonic, che firma la maggior parte
dei brani.
Lo scorso novembre la meritata consa-
recitazione. Dopo l’esordio musicale con i 99 Posse, dà vita al progetto Nous insieme a Marco crazione del Mei, dove Psycodelice con-
Messina, con cui realizza l’album La Tempesta, colonna sonora dello spettacolo Dentro la tempe- quista il premio come miglior album
sta, visionario e insolito adattamento del regista Giancarlo Cauteruccio e del suo gruppo Krypton solista del 2008; mentre attraverso il
de La Tempesta shakespeariana, all’interno del quale Meg è Ariel, spiritello dell’aria imprigionato sito di Radio Deejay viene data la possi-
dalla strega Sycorax. Le tracce la congiungono al più dirompente rock italiano degli anni 80, quel- bilità agli utenti di Internet di poterne
lo dei Litfiba, che per la stessa compagnia teatrale hanno musicato L’Eneide. Una breve incursio- remixare un pezzo.
ne nel cinema è d’obbligo e Meg recita nel progetto Tree’r Us, film prodotto da Spike Lee. Un’inventiva, quella di Meg, che si
Ma il suo campo è la musica. Il primo singolo solista, Simbiosi, arriva nel 2004. Segue Meg, omo- evolve ancora di più nelle sue perfor-
nimo album di debutto; canzoni intriganti su cui si incrociano melodie mediterranee e toni glaciali mance dal vivo, in cui c’è spazio per
ammiccanti a Björk, che diviene così cruccio e delizia del percorso intrapreso da Maria. inedite versioni dei brani incisi con i
L’impegno politico degli esordi rimane una costante, tanto che il brano Parole Alate viene inclu- 99 Posse, per canzoni melodiche
so nella compilation GE-2001, a sostegno finanziario del Genoa Legal Forum per i processi inten- intrise di poesia e per un’idea di dance
tati dopo i fatti del luglio 2001 al G8 di Genova. intelligente che guarda Oltremanica. Il
Lo scorso aprile l’artista napoletana realizza il suo secondo album solista, Psycodelice. La prima tutto condito da una teatralità brillante,
hit estratta è Distante, motivetto ritmato con movenze lo-fi, che non si priva di un’introspezione di una voce duttile e malleabile e un aureo
fondo capace di fondere piglio filosofico e dance, contemporaneità sociologica e musicale. talento partenopeo.
Dietro le tracce ci sono mani sapienti, come quelle dell’amico Marco Messina; ma il produttore Stefano Cuzzocrea
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Music In  Inverno 2009 PO PCK

pop&rock
NEGRITA Che rumore fa la felicità Se il mondo è un FRANCESCO GUCCINI Sorridevi e sapevi PAOLA TURCI E
inferno dorato, nel loro c’è il lavoro nero, la politica este- sorridere coi tuoi vent’anni portati così come si GIORGIO ROSSI Lei
ra, l’integralismo del Vaticano e una felicità che fa rumore porta un maglione sformato su un paio di jeans la voce e lui la danza

CHE RUMORE FANNO I NEGRITA

L’uomo sogna di volare, i Negrita sono già in volo tra il Sud-Africa e Roma assordati dalla felicità di un futuro possibile

he rumore fa la felici- Se i punti di forza di questo gruppo sono sempre stati la ricerca ritmica e l’inconfondibile timbro
C tà? Con questo inter-
rogativo tornano i Negrita
vocale di Pau, con l’ultimo album i Negrita dimostrano una evidente evoluzione e una continua
ricerca musicale sostenute non dalle mode del momento, ma da una serie di significative esperien-
con un nuovo album, che ze personali e artistiche. Nell’aprile del 2004, infatti, il gruppo da il via ad un interessante proget-
sembra proprio destinato al to internazionale: un mini-tour in Sud America in collaborazione con gli Istituti italiani di cultura
successo. Dopo tre anni di del continente. Questo viaggio ispiratore getta le basi per le sonorità di L’Uomo Sogna di Volare
silenzio, la band toscana si (2005) e per la realizzazione del film-documentario Verso Sud (2006).
riappropria della scena rock Le numerose collaborazioni con artisti sudamericani e il coinvolgimento diretto in alcuni proget-
italiana ed Helldorado, dopo ti solidali comportano una definizione di stile e di tematiche nelle loro nuove produzioni. I testi di
una sola settimana dall’usci- Helldorado sono ricchi di riflessioni sul mondo contemporaneo, sulla società e sul ruolo che l’uo-
ta, conquista il disco d’oro. mo ricopre in essa, rafforzate dall’utilizzo di ben cinque lingue differenti, che si mescolano nei
Se il mondo è un inferno pezzi ampliandone il respiro. Dalla politica estera al lavoro nero, dall’integralismo islamico al
dorato, i Negrita lo racconta- Vaticano e alla decadenza della politica italiana.
no con poesia, lo affrontano I Negrita cantano con disincanto di tutto ciò che sta sotto la superficie, di un sottobosco scomo-
con ritmo e lo vivono con do che non trova corrispondenze negli ideali, nei valori, o in un futuro possibile. Sono brani che
animo libero e vitale. denunciano, che ricordano, che dipin-
Alla ricerca di una bellez- gono con le parole una realtà a tinte
za offuscata, oltre le appa- forti. Non si tratta di semplice schie-
renze, la band aretina conti- ramento politico, come afferma il
nua a perseguire le ispirazio- gruppo, ma piuttosto di libera espres-
ni sudamericane che si ritro- sione del pensiero poiché «spesso,
vano nei colori dei testi e per vedere le cose, devi allontanarti
nella ricchezza del sound. da esse». Anche i ritmi si fanno più
Registrato tra Buenos Aires caldi e trasversali, con un’anima
e la Toscana, Helldorado rock, tributi al sound dei Clash e ai
mantiene le promesse di ritmi reggae in stile Bob Marley.
L’uomo sogna di volare Così, la forza creativa della band
(2005) sviluppandone, in «libera, non barricadera» si concre-
modo ancor più profondo e impegnato, tematiche e motivi. Agli esordi, negli anni Novanta, tizza nell’entusiasmo del viaggio -
le ripetute collaborazioni con Ligabue, dapprima negli arrangiamenti e successivamente interiore, geografico e musicale - che
come gruppo di supporto, hanno contribuito a diffondere il nome della band tra il grande riesce a contagiare l’ascoltatore.
pubblico. Una fama consolidata anche grazie al trio comico Aldo, Giovanni e Giacomo e Ottime premesse per l’Helldorado
alle colonne sonore dei due film Tre uomini e una gamba (1996) e Così è la Vita (1998). Tour, che passerà da Roma il 27 feb-
Quest’ultimo permette ai Negrita di lanciare il singolo Mama Maé, anticipazione del fortu- braio all’Atlantico live.
nato album Reset (1999) che, con 100.000 copie vendute e un sound più elettronico, ottie-
ne il disco di platino. Clara Galanti

VOX SANA IN CORPORE SANO

Lei la musica, lui la danza. Lei la voce, lui il
corpo. Insieme sono espressione, contamina-
zione. Paola Turci e Giorgio Rossi si incontra-
no il 22 gennaio sul prestigioso palcoscenico
dell’Auditorium dopo una tournée che ha toc-
cato molte città italiane negli ultimi mesi.
Cielo. Concerto per un corpo sonoro e una
voce danzante è il nome dello spettacolo ed è
già una poesia. I movimenti fisici dell’uno dise-
gnano linee su cui viaggia la musica dell’altra,
come le nuvole che spostandosi assumono
forme sempre diverse soffiate dal vento che le
trascina con sé, mentre nel Cielo, appunto, si
estende la sua eco. In questa sorta di «recital
mimato» la voce non è mai mera didascalia
della danza e i movimenti non si riducono a
semplice illustrazione della parola cantata. Quello che arriva al
pubblico è un mix equilibrato di arte e sentimento. Il repertorio è
quello dei due artisti. Le canzoni di Paola Turci sono quelle a cui
siamo affezionati ormai da tempo, fin da quando, solo una ragaz-
zina, chitarra a tracolla, si mostrava seria e professionale sul
palco dell’Ariston, ormai venti anni fa.
Pezzi come Sarà bellissima, È questione di sguardi, Volo così si
uniscono alla danza di Giorgio Rossi, uno dei più talentuosi coreo-
grafi italiani. Già ballerino della Fenice di Venezia e uno dei fonda-
tori della scuola di danza Sosta Palmizi, con la sua arte sta giran-
do il mondo.
Il ricavato dello spettacolo sta aiutando l’Ucodep, un’associazio-
ne onlus che opera, tra l’altro, in favore dei bambini del Vietnam.
Perché per chi vive di arte staccare a volte i piedi da terra è
un’esigenza.
Corinna Nicolini

VOI CON IL NASO CORTO

L’unica locomotiva che non ha mai subito ritardi è quella di Francesco Guccini

P oi vennero gli aeroplani e le astronavi. L’uomo toccò la luna con i piedi e viaggiò da casa gra-
zie al web. Eppure il fascino di una locomotiva, «La locomotiva», è restato invariato. I ragaz-
zi partono ancora all’avventura con l’Inter-rail e gli universitari bruciano ancora di ideali nelle loro
esistenze pendolari e fuori sede. La storia bella e misteriosa del gesto di libertà dell’anarchico Pietro
Rigosi è ancora attuale, è troppo attuale. Questo è quello che succede quando un cantautore cattu-
ra la vita nei suoi versi e Francesco Guccini di vita ne ha rac-
contata molta.
Gli esordi del modenese classe ‘40 risalgono al 1967, quan-
do la CGD gli pubblica l’album Folk beat n. 1. È un’opera
notevole, di spessore, e infatti vende pochissimo. «Appena per
pagarmi gli studi», commenta l’artista. Ma è una fortuna; che
lui studi si nota infatti dai suoi versi e dall’album L’isola non
trovata, che sfoggia canzoni come Un altro giorno è andato.
Il successo arriva nel 1972, con il disco Radici, che racchiu-
de la già citata La locomotiva e la splendida Il vecchio e il
bambino. Sono anni magici in cui gli italiani si svegliano dal
loro torpore mediatico e vanno alla ricerca della poesia. Sono
anni in cui l’interesse comune è orientato a capire cosa sta
spaccando la nazione più di quante donne abbia Mastroianni.
Un bel risveglio dura poco. E così l’orgoglio di Modena si
appanna a favore dei miti anni novanta e i giovani lo riscopro-
no per caso in un suo cameo come barista-allenatore di calcio
nel film Radio Freccia di Ligabue.
Il 23 gennaio al Palalottomatica un buon motivo per alzarci dal nostro comodo letto mentre la
nazione, o forse il mondo intero, ricominciano a scricchiolare. Un’opportunità per ascoltare chi da
più di quarant’anni ci ricorda che in mezzo alle orecchie c’è una testa pensante.

Corinna Nicolini
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ALTER
NATIVE
a cura di VALENTINA GIOSA
FAI CHE NON TI PRENDA LA PAURA
Il suo nuovo libro uscirà dopo l’Apocalisse e dopo la caduta delle infrastrutture tecnologiche
ato a San Diego, California, Adam
N Gnade vive a Portland, nello Stato
americano dell’Oregon. La particola-
rità di Adam è la forte e imprescindibile con-
nessione fra i suoi romanzi e i suoi dischi che
condividono temi e personaggi, come se i libri
continuassero e arricchissero un discorso
lasciato aperto dalle canzoni. Realizzato nel-
l’autunno del 2008, Hymn California è il suo
primo romanzo. The Darkness to the West
(Punch Drunk Press) e il cd Trailerparks (Try
Harder Records) sono invece le sue ultime rea-
lizzazioni. Uno scrittore dal talento innato, in
bilico fra la beat generation e i film di
Cassavetes e pure un musicista che si rifà al
meglio dei folksinger americani. I suoi libri
sono momentaneamente disponibili solo in lin-
gua originale.
«W hat I want to say in Trailerparks is
don’t let fear take you. Be mighty
and live as hard and long as you can. It [the
record] begins very dark but I hope people
can see the light at the end». (Adam Gnade)
TRAVOLGENTE STATO D’ANIMO CANGIANTE
I Giant Sand hanno il sapore di una tempesta di calda polvere del deserto che ti viene tutta in faccia e te la ritrovi in bocca
G iant Sand è uno stato d’animo, come ama affermare il leader
Howe Gelb. È uno stato d’animo che ha subito un continuo e
perenne cambia-
mento nell’arco degli ultimi
vent’anni, proponendosi
come una delle realtà più
salde e nello stesso tempo
sottovalutate del panorama
indie. Gelb arriva dall’arida
e deserta Tucson, Arizona.
Inizia ad avvicinarsi alla
musica con in bocca il sapo-
re aspro della polvere del
deserto e la terra che scotta
sotto i piedi. Rumina classici
del blues e del country dalla
fine degli anni 70 e inizio 80,
quando in America spopola
il post-punk.
Nascono così, fortemente
influenzati da David Byrne e
soci, i suoi Giant
Sandworms, nome che
richiama i terrificanti vermi
di Dune, pellicola di fanta-
scienza girata da David
Lynch. I continui cambi di formazione (la line up è diversa all’uscita di
ogni disco) procedono di pari passo con le evoluzioni del sound e gli
umori di Gelb.
Nel 1985 esce il primo disco a nome Giant Sand, Valley of Rain. Sono
già evidenti le influenze che caratterizzeranno la loro musica fino ai gior-
ni nostri: le tradizionali ballate country americane riprese da Neil Young
ADAM GNUDE Scrittore e cantante. Se dovesse scegliere tra EVANGELISTA La voce s’insedia, gli
un foglio bianco e una chitarra, non sceglierebbe nessuno dei due: GIANT SAND strumenti rispondono come personaggi di
farebbe il contadino nel Kansas e sarebbe perfettamente felice. Stato d’animo uno scenario gotico-nichilista-espressionista
Quando hai cominciato a scrivere Hymn durante la performance mi accompagno suonan-
California?
Non ne ho idea. Ho impiegato più o meno due
anni a scrivere il libro ma poi è passato del
do. Le canzoni non devono necessariamente
avere una maniera standard per essere tali.
Guarda per esempio la musica classica, l’hip
tempo prima che venisse pubblicato. Realizzare hop, il deathmetal, l’hardcore.
il disco è stato più veloce, i libri invece procedo- Le stagioni sono come personaggi in Hymn
no lentamente. Ho appena finito un nuovo California. Cosa sono le stagioni per te?
romanzo, probabilmente uscirà fra qualche
anno, forse nel 2023, forse più tardi. Dopo
Crescere a sud della California significa non
sapere cosa sono le stagioni. C’è solo una gran-
l’Apocalisse. Dopo la caduta delle infrastrutture de stagione che varia quasi impercettibilmente.
tecnologiche. Così quando finalmente sono andato via da lì,
Parlando dei tuoi lavori dici: «I libri e i vedere e avvertire il cambio di stagione è stato
dischi sono la stessa cosa». Cosa intendi incredibile. Mi girava la testa ogni volta.
esattamente? Qual’è la tua stagione preferita?
I libri e i dischi condividono lo stesso cast di In estate ti direi l’inverno. In inverno ti direi
personaggi e fanno da filo conduttore l’uno per l’estate.
l’altro. Tutto fa parte di una storia unica che io Sta per uscire «Trailerparks», il tuo primo
chiamo «We Live Nowhere and Know No One» disco dopo «Honey Slides». Lo hai paragona-
(«Viviamo dovunque e non to ai film di John Cassavetes, perché?
conosciamo nessuno»). La sto- In realtà non credo ci siano molte connessioni, a
ria si estende con un romanzo, parte la «fiducia nella spontaneità» di
due romanzi e una serie di Cassavetes. Di solito passo molto tempo a scri-
dischi. Sarà il film della mia vere le liriche ma Trailerparks è stato quasi del
vita fino a quando morirò. tutto scritto di getto. Ho bisogno dell’«anima del
Ci tieni sempre a specificare momento». Tutti dovrebbero vedere «A Woman
che i tuoi libri non sono poe- Under the Influence». La pura realtà. Il mio
sia o «spoken word» ma nuovo romanzo «The Darkness to the West» si
parli di «talking songs». rifà molto a questo film. Davvero molto. Sì,
Perché? Cassavetes... colui che ti cambierà la vita.
I libri e i dischi non sono poe- A parte Cassavetes c’è qualche artista che
sia perché danno vita ad una senti molto vicino a te?
prosa e i dischi sono «talking Adoro i Neutral Milk Hotel. Non credo che i miei
songs». Credo che si sia diffusa dischi suonino come i loro ma sono senza dubbio
la voce fra gli addetti stampa il mio spirito guida.
che non mi piaccia la poesia, e Da cosa o chi prendi ispirazione?
probabilmente un po’ è colpa Dalla gente che non si preoccupa troppo dei
mia. Tanto per chiarire: non soldi. Dalle cassette di musica country che la
scrivo poesie ma ci sono tanti mia grande nonna registrava dalla radio di
poeti che mi piacciono, come Denver decenni fa, qualsiasi buona e vecchia
Han Shan’s (scrittore cinese del musica country. E dalle barche.
IX secolo) o Andrew Mears fra Se dovessi scegliere fra un foglio bianco o
i contemporanei. Dopo il tour una chitarra?
abbiamo realizzato una lettura Se dovessi scegliere, non sceglierei nessuno dei
insieme alla Oxford University. Andrew canta due. Non posso fare una cosa senza l’altra. È
negli Youthmovies. Riguardo alla «spoken
word»... odio quella roba. Le mie canzoni sono
una relazione simbiotica. Forse farei il contadi-
no nel Kansas e sarei perfettamente felice.
parlate ma il mio non è qualcosa di molto diver-
so dal cantare. Ci sono ritornelli e strofe e a cura di Valentina Giosa
di Gianluca Gentile
e Gram Parsons, le sperimentazioni jazzistiche di Thelonious Monk in
primis, il rock n’ roll dei Velvet Underground ma anche Bob Dylan e Roy
Orbison. Del combo Giant
Sand costituiranno la sezio-
ne ritmica per lungo tempo
due dei personaggi più
influenti della scena di
Tucson, John Convertino
(batteria) e Joey Burns
(basso), i quali andranno, in
seguito, a formare i
Calexico. Ospiti del calibro
di Victoria Williams, Neko
Case, Juliana Hatfield, PJ
Harvey, Vic Chesnutt, Steve
Wynn, Vicki Peterson e
Rainer Ptacek hanno impre-
ziosito nel tempo le compo-
sizioni di Gelb che, ai dischi
dei Giant Sand, alterna
anche i propri lavori solisti.
Nel 2002 i Giant Sand si
reincarnano in una nuova
band di musicisti danesi che,
dopo It’s all over the Map
(2004) tornano con un
nuovo disco, Provisions. Un’opera tetra e pensata con cura che sa unire
allo stesso tempo le suggestioni di Nick Cave, Lou Reed, Tom Waits,
Leonard Cohen e Johnny Cash. Sullo sfondo il solito country-blues, quel-
lo che arriva da terre lontane e desolate, in grado di travolgerti come una
tempesta di calda polvere del deserto. Del resto Giant Sand è un sapore
che si può riconoscere soltanto assaggiandolo.
Music In  Inverno 2009
HELLO
EVANGELISTA
Carla Bozulich torna
ma oggi è un’Evangelista
L’ ex cantante dei Geraldine Fibbers
e fondatrice degli Ethyl Meatplow,
gruppo industrial di Los Angeles, Carla
Bouzulich, ha da poco pubblicato Hello
Voyager (Constellation, 2008), uscito
sotto il nome di Evangelista. Potremmo
considerarlo tanto un debutto quanto
un ulteriore affascinante album solista
della Bozulich che la riconferma musi-
cista in continuo rinnovamento e speri-
mentazione senza mai cadere nell’in-
coerenza.
Newyorkese, classe 1965, Carla
Bozulich cresce nel Greenwich Village
e si trasferisce a San Pedro, in
California. A 13 anni lascia i genitori e
inizia a vagabondare dividendosi tra
musica ed eccessi. La sua prima appa-
rizione discografica risale al 1982, su
Zurich 1916 di Gary Kail. Registra i
primi brani in studio con gruppi come
Neon Veins e Invisible Chains.
Ma la vita della Bozulich non è molto
semplice: a vent’anni si procura i soldi
per l’eroina facendo la prostituta. Ma
ecco che arriva un ragazzo, se ne inna-
mora e la salva da quell’inferno portan-
dola in un centro di riabilitazione e
regalandole le sinfonie di Mahler.
Cantante, chitarrista, performer e
videomaker, Carla Bozulich inizia così
la sua carriera con gli Ethyl Meatplow
ma con il tempo collaborerà con diver-
si artisti come Mike Watt, Hadda
Brooks, Lydia Lunch, Thurston Moore,
Christian Marclay, Okyyung Lee, Carla
Kihlstedt, Wayne Kramer, Wilco e dal
2000 comincerà la sua carriera da
solista.
Una vita di eccessi, di droga e prosti-
tuzione quella della Bozulich, ma di
un’artista intensa, che riesce a comu-
nicare come pochi direttamente con
l’anima. Impossibile non restare imme-
diatamente colpiti dalla sua voce che
può facilmente riportarci a Lydia
Lunch, Diamanda Galas, Nico o Nick
Cave non solo per il timbro grave e sof-
ferto ma anche per l’ approccio «tea-
trale» e provocatorio con cui la musici-
sta americana costruisce i suoi labirin-
ti sonori glaciali e ossessivi.
Ma il mondo dell’ ex Geraldine
Fibbers è qualcosa di più, qualcosa di
molto più vicino alla performance art
che alla pura musica. La voce si inse-
dia a volte sussurrata, altre urlata, gli
strumenti rispondono e interagiscono
tra loro come personaggi di uno sce-
nario gotico-nichilista-espressionista
ed ecco che si rimane intrappolati in
un autentico capolavoro estetico.
La necessità espressiva e il bisogno
di supporto da parte di una backing
band che mancava negli album prece-
denti, ha preso forma proprio in Hello
Voyager.
Il nuovo album include infatti contri-
buti di oltre una dozzina di musicisti
canadesi, fra cui alcuni componenti di
Thee Silver Mt. Zion (archi), Nadia
Moss (organo) e un gruppo di batteri-
sti locali che ha guidato il disco con
grande maestria da Smooth Jazz fino
alla title track conclusiva.
Valentina Giosa
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 7

Music In  Inverno 2009 ALTER

NATIVE
EUROSONIC Ci rappresen- IL GENIO Pop Porno Se ti prendi sul serio allora devi
tano in Olanda i Mojomatics, i OLTRE OGNI SENSO Daniele Stefani e afferrarti per il collo e sbatterti il cranio sullo stipite di
Baustelle e Jennifer Gentle Sarah Maestri Cantano per i sordi. In LIS un adito su cui vi sia scritto: benvenuti i minchioni.

ELLIOT SMITH di Lorenzo Bertini

IN SORDINA
CENERI GRUNGE Daniele Stefani è il protagoni-
sta di una singolare iniziativa:
La sua musica ha la sostanza delle nuvole in volo, la limpidezza dei cieli inverna- per la prima volta in Italia la tra-
li, la fragilità delle foglie in autunno. Sospesa tra Beatles e Cobain, aleggia su duzione di un intero album - il
Paranoid Park, tra i campus scolastici e le piste da skate della periferia di Portland. tour e il video - in LIS, la lingua
Echo Park, Los Angeles, è invece dove l’hanno trovato morto, il 23 ottobre 2003, a italiana dei segni, che, in un’at-
34 anni, in circostanze più che misteriose, sbrigativamente affidate a ipotesi di suici- mosfera intima e personale, avvi-
dio, dato lo spleen malinconico-depressivo. Sono trascorsi cinque anni dalla morte di cina alla musica le persone con
Elliott Smith, cinque anni in cui la memoria ha fatto il suo corso, proiettandolo nel- deficit acustico che utilizzano i
l’empireo maudit, seduto fianco a fianco dei fratelli maggiori, Kurt Cobain e Jeff segni per parlare e gli occhi per
Buckley. sentire. Stefani distribuisce pal-
Nato dalle ceneri del grunge, Elliott Smith ne raccoglie gli acuminati frammenti loncini gonfiati ad aria che per-
sparsi lungo la strada che da Seattle va a Portland, riassemblando ad arte le increspa- mettono di sentire attraverso sen-
ture vocali di Cobain e il sound minimale dei Fugazi. Minimalismo e attitudine sazioni tattili le vibrazioni della
«nerd» sono le coordinate dei primi due album, Roman Candle (1994) e Elliott Smith musica.
(1995), con partizioni per voce e chitarra acustica, tematiche «addicted» e ballate Oltre ogni senso è il primo sin-
terse e vetrose (Condor Ave, The White Lady Loves You More, Needle in the Hay) che golo estratto dal nuovo album
lo collocano idealmente tra Nick Drake e Simon and Garfunkel, mentre virate elettri- dell’artista milanese che ha con-
che e composizioni più sofisticate appaiono a partire dal seguente Either/Or (1997). diviso il proprio palco con le
Per le strade di Portland gira in quel periodo anche Gus Van Sant, che lo adocchia per ragazze sorde dell’Afae di
la colonna sonora di Will Hunting. Per Van Sant prepara Miss Misery, con cui calcherà i Catania, interpreti in LIS dei
palchi degli Academy Awards e degli Oscar ‘98, accanto alla Celine Dion appena fresca di Titanic («È stato divertente cammi- brani dell’album Punto di partenza
nare sulla luna, almeno per un giorno», dirà poi). Lo adocchiano anche le major, e Elliot Smith passa alla Dreamworks Record. della Cama Records. Oggi esce,
Nel ‘98 esce XO, con evidenti tributi a Beatles e Beach Boys nell’arrangiamento barocco dei brani, seguito a due anni di distan- con Sarah Maestri, il duetto
za da Figure 8, il suo lavoro forse più bello. Niente di speciale. Non c’è peggior
Psichedelia fredda, canzoni sussurrate e fiabesche, su tutte l’ipnotico piano di Everything Means Nothing to Me. Si rin- sordo di chi non vuol sentire.
corrono le incursioni nel cinema (Needle in the Hay per I Tenenbaum, la cover della beatlesiana Because per American
Beauty), come anche le voci di dipendenze e tentati suicidi, fino all’epilogo californiano, giusto in tempo per lasciarci anco- Romina Ciuffa
ra un pugno di canzoni, raccolte poi postume in From a Basement on a Hill, lunari frammenti disseminati lungo la strada
che da Portland va alla città degli angeli.

L’ITALIA IN OLANDA  CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA a cura di EUGENIO VICEDOMINI

S ono i Mojomatics, la band italiana scelta dall’Italia Wave Love Festival per rappresentare l’Italia
a Eurosonic, festival di musiche europee di Groningen (Olanda) finanziato dalla Comunità
Europea conclusosi il 17 gennaio. The Mojomatics si sono già esibiti lo scorso luglio sullo Psycho
Stage di Italia Wave 2008, a Livorno, approdando poi ad agosto in Sud Africa per un tour di 5 date
organizzato dalla fondazione Arezzo Wave Italia.
Formatosi nel 2003, il duo veneto si è imposto all’attenzione del pubblico europeo dopo soli due anni
di attività, grazie all’album d’esordio A Sweet Mama Gonna Hoodoo Me pubblicato dalla label tedesca
Alien Snatch. La conferma è arrivata nel marzo 2008 con l’uscita di Don’t Pretend That You Know Me,
disco prodotto dalla Ghost Records, presentato con un tour europeo e uscito poi in Usa il 23 settembre.
La band esce protagonista dalla tre-giorni olandese del Noorderslag Weekend, tra gli eventi musicali
europei più importanti degli ultimi tempi. La manife-
stazione è divisa in due sezioni: Noorderslag Seminar,
la conferenza europea dell’industria discografica per la
musica dal vivo, ed Eurosonic, festival in cui si esibi-
scono i nuovi talenti europei proposti dai festival di
Yourope e dalle radio pubbliche d’Europa associate in
EBU (European Broadcast Union).
Sullo stesso palco del Deubeurs, Frank Turner
(Gran Bretagna), The Moood (Romania) and The
Kilians (Germania) in una serata sponsorizzata dal
magazine tedesco Visions. L’Italia è stata rappresentata
ad Eurosonic anche dai Baustelle e dai Jennifer
Gentle. Una grande vetrina per la band, se si pensa che
proprio ad Eurosonic anni fa sono stati lanciati i Franz
Ferdinand e l’ennesima conferma per la «fAwi» -
Fondazione Arezzo Wave che continua a distinguersi
per le numerose iniziative volte a valorizzazione la
musica italiana all’estero. (Valentina Giosa)
P O P IL GENIO P O R N O Perché Pop e Porno sono parole riconosciute a livello internazionale.
(...) Con la loro Pop Porno hanno sbancato:
il testo accattivante e la melodia di
immediata percezione rimandano ad illustri
ricordi, da Je T’Aime di Serge Gainsbourg a You
Really Got Me dei Kinks; da Satisfaction degli
Stones a Fade to Grey dei Visage. Eccoli.
Il vostro disco d’esordio nasce in un’epoca in
cui la deregolamentazione del download
spinge ad ascolti superficiali ed abusi fram-
mentati di mp3 sparsi a centinaia tra PC,
iPod e chiavette USB. Contrariamente a que-
sta tendenza, il disco è un’opera compiuta e
segue la più bella delle tradizioni dei dischi
di musica rock: un collage composto da deli-
ziose canzoni su cui spicca una intrigante hit
single di rara potenza, Pop Porno.
Pensate che, in altri tempi, Pop Porno sareb-
be stato un 45 giri di sicuro successo?
Probabilmente. Ma avrebbe subito la cesura
della censura. Oggi, invece, risulta anche fin
troppo pudico, e nessuno storce il naso.
Tranne quelli, ovviamente, a cui la canzone
non garba per nulla.
Il Genio non è solo Pop Porno: nel disco si
avvertono influenze electro-pop mescolate a
suggestioni retrò del periodo fine Cinquanta
inizio Sessanta, in una linea ideologica che da
Parigi arriva fino a Tokyo. In particolare, si
respira la spensieratezza dei film francesi ed
inglesi dell’era «swinging London» e l’ironia
delle sigle dei cartoon giapponesi: questa
serena attitudine a non prendere le cose trop-

MEI: LA SVOLTA DEL PICCOLO

po sul serio è anche lo spirito con cui state
vivendo il vostro attuale successo?
Se ti prendi sul serio allora devi afferrarti per
il collo e sbatterti il cranio sullo stipite di un
adito su cui vi sia scritto: benvenuti i minchioni.
Siete passati da poco tempo dalla Cramps

Il Meeting delle Etichette Indipendenti,

giunto alla dodicesima edizione,
si conferma come l’unico festival
delle produzioni musicali e cultu-
rali indipendenti in Italia. Questa
volta incontri dedicati ai nuovi
modelli di distribuzione digitale
della musica, ascolto guidato al
nuovo album di Niccolò Fabi
e la presentazione del libro di
Morgan intitolato In pArte
Morgan; quindi, esibizioni,
quelle di Bandabardò,
Daniele Silvestri, Tricarico.
Con oltre 30 mila presenze nei tre
giorni, 300 espositori, 400 concerti, 250 videoclip
in concorso per il PIVI (Premio Italiano Videoclip
Indipendenti), convegni e workshop, la presenza
di centinaia di operatori del settore, artisti, festi-
val e fiere dall’estero e un ritorno economico
valutato intorno ai 3 milioni di euro, il Mei è un
forte punto di riferimento per la piccola disco-
grafia indipendente che sembra aver conquistato
un posto d’onore all’interno del complicato e
intricato panorama musicale. Le novità più inte-
ressanti degli ultimi anni sono venute fuori pro-
prio dal mercato indipendente: sono i Baustelle,
gli Afterhours, Caparezza, Elisa.
Non più allora l’onnipotenza delle major ma
un mercato creativo e propositivo che dalla pic-
cola discografia esce fuori a testa alta mostran-
do enormi potenzialità. «Nel 1997, la prima
volta - afferma Giordano Sangiorgi, mente
del Mei - si contavano appena una
trentina di espositori e una dozzina
di band e sbrigammo tutto in un
giorno solo. Ormai è una realtà
troppo grande, un intervento
delle istituzioni è necessario a
trasformarci nella vetrina della
nuova canzone italiana a integra-
zione del Festival di Sanremo. Così
potrebbe nascere una piattaforma di tutta
la musica italiana».
Grande la svolta di una sincera e seria pos-
sibilità di cooperazione fra piccola e grande
impresa: «Invito le etichette presenti al Mei
ad inviare materiale: quest’anno Sanremo
offre una grande opportunità agli indipenden-
ti, una categoria la cui selezione avverrà su
internet, che potrebbe svilupparsi moltissimo
nei prossimi anni», afferma Gianmarco
Mazzi, uno dei direttori artistici del Festival
di Sanremo 2009.
Valentina Giosa
Come e quando è nato il progetto «Il
Genio»?
Non è un progetto. Nasce nell’immediato,
senza alcuna preparazione. Nell’immediato dei
primi mesi del 2007.
Qual è il vostro background musicale?
Studiodavoli, musica classica, un corso di
bandoneon per Gianluca.
Tanta musica pop, anche giapponese e il
basso per Alessandra.
Come sono nati i brani e che metodo di lavo-
ro avete adottato: lavoro comune o anche
lavoro remoto?
Dipende dai brani. Alcuni sono frutto di un
lavoro comune, altri solo in parte, altri ancora
sono più personali. Ma la composizione di que-
sto disco è filata liscia come l’olio, trascinata
dal divertissement e dalla spensieratezza.
Quali sono i vostri principali gusti musicali?
Siamo di palato buono. Troppa roba per poter
dire tutto: dalla classica al punk.
Music ad una major come la Universal. «Il
Genio» sembra un disco adatto ad un merca-
to di stampo nord-europeo: c’è già una stra-
tegia della vostra casa di produzione per pro-
iettarvi in una dimensione internazionale?
Sicuramente il singolo sarà inciso anche
all’estero. Pop porno è internazionale, così
come i genitali sono oggetti di comune uso in
tutto il pianeta.
Credo che anche per quanto riguarda il live si
andrà presto al di là delle nostre Alpi.
State pensando già a dare un seguito al
vostro disco d’esordio: se sì, che tipo di sug-
gestioni avrà il nuovo album?
Ci stiamo pensando e ci sono già delle cosine.
Ma sulle suggestioni non sapremmo proprio
darti ragguaglio, non ci siamo ancora lasciati
suggestionare dai nuovi pezzi.
Pensate di tornare a Roma con una band al
completo?
Torneremo senz’altro, Roma è una città che è
poco chiamare meravigliosa. E torneremo con la
band, visto che tra un pò cominceremo a prova-
re con due altri ragazzi.
Infine, concedete anche a me la classica
domanda del «bravo presentatore»: i cinque
dischi da portare in un’isola deserta?
Antology dei Beatles: non è in 5 volumi?
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 8

MUSICALL SESSANTOTTO Il Musical È questo l’unico vero HAIR I capelloni POVERI MA BELLI NOTREDAME DE
Music In  Inverno 2009

a cura di NICOLA CIRILLO musical, è questo l’unico vero ‘68. Ed è dove Freud del ‘68 e i freak del Un’isola (tiberina) PARIS La storia del
cerca sicurezze in un atto mancato di ribellione. nuovo millennio dei famosi Gobbo raccontata da lui

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA di ROMINA CIUFFA

(...)
QUI SUCCEDE UN
Su una bandiera
multicolore un hip-
pie aveva disegnato speranze
e ucciso John Lennon. Come
quando da un incubo ci si sveglia e si sa che tor-
nerà - freudianamente camuffato in lapsus, in
atto mancato, in un’altra metafora dell’incon-
scio - così il Sessantotto torna, nelle nostre
delusioni, nella solitudine e nel dolore caroselli
dei nostri mattini, nell’amare Obama, nel mae-
stro unico, nel fumare e nello smettere di fuma-
re, nell’essere precari. E in un musical, ma non
uno qualunque.
C’è chi pensa che in Italia la qualità si ritrovi
solo nelle grandi produzioni. Ma io ho visto
Freud seduto a guardare il Sessantotto del Saint
Louis College of Music e battere il tempo con
la testa, come un tic. Perché è questo l’unico,
vero musical che è oggi in scena e che vale la
pena di vedere, un musical in cui i cantanti -
diversamente che negli altri - sanno cantare,
muoversi, comunicare. Questo «Sessantotto» nasce al termine del
corso di musical «Andiamo in scena», ideato e diretto da Maria
Grazia Fontana che - con Attilio Fontana, Franco Ventura, Michela
Andreozzi ed il regista Giulio Costa - ha scritto, durante il corso e non
prima, i testi del musical. Accanto a loro, il coreografo Orazio Caiti,
lo scenografo Davide Orlandi Dormino, l’aiuto regia e coreografia
Anna Gargiulo e la costumista Laura Distefano. Ma non è per loro che
Freud continua a battere le ciglia nevroticamente.
È per il Sessantotto che vede negli occhi di 22 sognatori che non
erano nemmeno nati quando le madri ruzzolavano per i prati con i
padri e le zampe d’elefante. Un anno di intensa preparazione in tutti
gli ambiti dello spettacolo (canto, recitazione, coreografia, regia,
backside, storia del musical) è servito a questo cast di giovani artisti
per salire, assieme a una vera band, sul palcoscenico, oggi quello del
Teatro Furio Camillo (dal 17 gennaio al primo febbraio), domani
gli altri della tournée. Il
musical nasce proprio con
loro: il soggetto, infatti, è
stato scelto durante il
corso e non fa parte di un progetto preesi-
stente. Per questo c’è qualcosa, qui, che con-
tiene il germe del talento ma anche quello di
un’intuizione.
Innazitutto, le voci. Guardi i protagonisti e
pensi che non li vedresti mai sul palco del
Sistina: non sono parenti di nessuno e li con-
fondi con studenti della Facoltà di
Psicologia. Poi aprono bocca e Freud sussul-
ta: primo tic (ecco, entra dritto al cuore).
Davanti al protagonista - un silenzioso
«Johnny» che rappresenta il rock, la confu-
sione, il non schieramento - e la sua chitarra
(per tutto il musical suonerà e basta, dal vivo,
accompagnando i pezzi), inizia un carosello:
«guarda com’è bello, guarda il Carosello
mentre tuo fratello muore in piazza, Johnny
perde sangue, il padre sta in mutande...».
Le voci, ognuna di esse meriteremmo di ascoltarla per radio tutti
i giorni, perché siamo fatti d’orecchie e di cuore e questi ragazzi ci
sanno fare con entrambi. Sanno di incomprensione, rivoluzione,
amore libero e qualche speranza, «e il pane è questa musica: i fiori
nei cannoni, le donne le scambiamo», Mao Tse Tung e il Che
Guevara, Gesù e gli Intillimani, autostop e yoga, «lentamente squa-
glia-accendi-scappa-o-prendi ma non dirle di no».
Freud ora i tic ce li ha tutti, perché il Sessantotto è proprio risa-
lito a galla con una constatazione che non va via: «Sei solo un
muro di incertezze che non romperai, sei solo i passi su un piane-
ta che non cambia mai». Quanti atti mancati per un sogno che non
si avvererà, pensa. Dice «tormenti», ma voleva dire «complimen-
ti», poi si alza e, scosso, esce dalla sala. Bravi, ma voleva dire bra-
vissimi.

CAPELLONI PO VERI MA ... di Romina Ciuffa

a distanza di 40 anni dalla

prima rappresentazione a
Broadway, torna nei teatri
italiani «Hair», uno dei musi-
cal più innovativi e di successo della
storia della musica. È la storia di un
gruppo di hippies capelloni, che vivo-
no nella magica era dell’Aquario.
Nella loro esistenza, che ruota tra la
rivoluzione sessuale e la nascita del
movimento pacifista, Claude, il pro-
tagonista, deve scegliere se rigettare
gli obblighi di leva (come hanno fatto
i suoi amici) o partire per il Vietnam.
La nuova versione del musical, inte-
ramente di produzione italiana, pre-
senta elementi di eccellenza e alcuni
punti deboli. Eccelle, ad esempio, la
direzione musicale di Elisa, che pur
preservando le melodie, ha lavorato
sugli arrangiamenti per dare ai brani
suoni più moderni e credibili. È parti-
colarmente efficace anche l’interpretazione di
alcuni attori - tra tutti il protagonista Gianluca
Merolli (Claude), fisicamente ineccepibile e affi-
dabile vocalmente, e Kate Kelly (Crissy), che
potendo concentrasi su una sola canzone da soli-
sta (Frank Mills) riesce a restituire in pochi minu-
ti tutta la delicata sensibilità del personaggio. C’è
anche il bravo Attilio Fontana qui.
Eppure, nonostante la colonna
sonora accattivante e trovate intelli-
genti, il musical non riesce a trasmet-
tere la carica emotiva che è alla base
dell’opera: le incursioni nella con-
temporaneità, dal punto di vista della
regia, sono molto limitate (e non si
capisce il perché, se si è scelto di
attualizzare la maglia musicale, non
si sia lavorato anche sul senso di tra-
sgressione che nel tempo, ovviamen-
te, si modifica). Anche la scenografia
dinamica, costituita da mega schermi
elettronici, sortisce un effetto «televi-
sivo», e non aiuta a catapultarsi nel
magico mondo della comunità freak.
Così, mentre la tribù di Hair vive-
va nel cuore della città e pulsava sen-
timenti di pace, fratellanza e anarchia
nelle vene della società, la rappresen-
tazione che ne fa quest’edizione del
musical è piuttosto favolistica e inefficace.
Persino la scelta di esporre delle nudità viene
autocensurata dal regista (Saverio Marconi) con
un gioco di luci. Una rivoluzione per un pubblico
da salotto. Un ’68 ben temperato.
Nicola Cirillo
a ndiamo a teatro a vedere Roma perché
a noi romani ‘ce piace’. Perché voglia-
mo scappare dall’Italia di oggi e tornare
a 50 anni fa, illuderci, essere poveri ma
belli. Era Dino Risi, erano Maurizio Arena e
Renato Salvatori, e poi erano Marisa Allasio,
Lorella De Luca e Alessandra
Panaro, tutti a contrariare i mar-
xisti. Neorealismo rosa del
1956 e una società povera e
immatura, nutrita da paure
ingiustificate e sentimentalismi
romantici.
Ma non c’è scampo: oggi ci
sono reality e cantanti che
fanno i registi, tutto in un cal-
derone. Da una parte, la traspo-
sizione in musical che ne fa il
Teatro Sistina abbandona l’at-
mosfera incantata degli anni
Cinquanta per restituirci una
Roma più attuale, per ciò sem-
plificando i caratteri dei perso-
naggi. Dall’altra, l’atteso livello dei protagoni-
sti (Antonello Angiolillo, Michele Canfora e
Bianca Guaccero) non frena una disillusione:
innanzitutto, l’allestimento sbagliato, che di
Roma antica non ha nulla. Minimizza lo sceno-
grafo Marco Calzavara che se la cava con una
scala e un baldacchino, e fissa pannelli in cui la
prospettiva non coincide a destra e sinistra.
Possiamo credere nell’intenzionalità, avremmo
preferito l’«anche l’occhio vuole la sua parte».
Torna qui, però, Gianni Togni, che se prima
guardava il mondo da un oblò oggi compone tutta
la colonna sonora di questo
musical con canzoni di facile
presa, suo stile caratteristico, e
salva lo show. Peccato l’audio
del Sistina. Peccato anche la
scelta di alcune voci non uni-
formi, le sorelle dei protagoni-
sti, ad esempio: destinate a can-
tare duetti all’interno del musi-
cal, non trovano un trait-
d’union per i loro timbri troppo
differenti, che finiscono per
stridere. Alla regia Massimo
Ranieri: ma non improvvisia-
moci eclettici e, soprattutto,
non diamo al teatro la parven-
za di uno show televisivo.
Noi volevamo sdraiarci sulle spiagge del
Tevere anni Sessanta e sentirci un po’ Romolo
un po’ Salvatore, tutto qui. Nel Sud Italia, fino
alla Sicilia, porteremo però questa d’immagine,
fino a marzo: un’isola tiberina dei famosi.

di Nicola Cirillo
L’AMORE È COME UN ALBERO
Spunta da sé, getta profondamente le radici in tutto il nostro essere, e continua a verdeggiare anche sopra un cuore in rovina.
La provincia
italiana è
protagonista a
Hollywood: Rob
oon. Doon. Doon. l’amavo. Il fosse stata lei a pugnalarlo, la credettero una stre- Marshall, già pre-
D Questo suono assor-
dante è il mio lavo-
nostro colpo
venne sventato
ga condannandola all’impiccagione. Folli.
La rapii e le offrii diritto d’asilo alla cattedrale,
mio Oscar per
Chicago, gira ora
ro; Notre Dame, dal capitano ma una folla in delirio ai piedi della cattedrale l’adattamento
con le sue campane, la mia delle guardie di chiedeva la sua esecuzione. Frollo, ormai privo di cinematografico
casa. Sono qui grazie al mio Parigi, Phoebus senno per quell’amore non corrisposto, la conse- di Nine, il musical
padrone, Frollo, che mi ha e fui condannato gnò a quella gente e in preda ad un piacere sadi- tratto dal racconto
raccolto dalla strada, quando alla fustigazio- co assistette all’esecuzione. Non potevo accettar- di Arthur Kopit e
i miei genitori mi hanno ne. Esmeralda lo. Non sai cosa significa amare fino a lacerarsi: Mario Fratti scrit-
abbandonato perché sono un mi avrebbe lo uccisi. Ora sono qui, vicino al corpo inerme to da Maury Yeston, ispirato al film di Federico
mostro. La mia bruttezza odiato e avrebbe della mia Esmeralda e mi lascio morire anch’io. Fellini 8 e mezzo. Il musical, messo in scena per
spaventerebbe anche te, se amato il suo sal- Cercami. Un poeta dei tuoi tempi, Pasquale la prima volta nel 1982 nel Richard Rodgers
potessi vedermi. Ma non mi vatore. Panella, ha riscritto in versi la mia storia; un Theatre di New York, è una delle opere teatrali
vedrai perché me ne sto qui, E invece no. musicista che di certo conosci, Riccardo più premiate nella storia dei musical e il film è
solo, vicino ad Esmeralda; Lei mi diede da Cocciante, li ha accesi di musica, ed ora girano già il titolo cinematografico più atteso per il
lascio cadere le mie lacrime bere, mi conso- l’Italia. 2009. Merito anche del cast - Kate Hudson,
sui suoi occhi per farla, ai lò: ora capivo Fatti raccontare la mia storia dalle luci e dalle Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Judi Dench,
miei, sembrare viva. perché Dio mi ombre di un palcoscenico, dai movimenti dei bal- Marion Cotillard e Nicole Kidman - ma anche
Era bella il giorno che è aveva lasciato lerini, dalle vibrazioni delle loro voci. Perché una rappresentanza di attori italiani, prima tra
arrivata: danzava per le vie di Parigi con gli altri nascere, anche se in un corpo così deforme. Per l’amore si canta. Il dolore si urla. La vita si danza. tutti Sophia Loren, che interpreta la madre di
gitani. Anche il mio padrone subiva il suo fasci- amare è sufficiente un cuore e per vivere è suffi- E almeno tu, ora che mi conosci, non avrai Guido Contini (l’io narrante della storia).
no. Lui era un arcidiacono, non poteva manifesta- ciente amare. E lei amava Phoebus, perciò Frollo paura di me. Riusciremo a esportare negli USA anche un po’
re i suoi sentimenti. Fu per questo che decise di tentò di ucciderlo. Per amore. Credimi. il mood della genuina provincia italiana, oltre
rapirla, chiedendo aiuto proprio a me, che già Ma le facemmo del male. Tutti pensarono che Corinna Nicolini che l’immagine stereotipata di «Gomorra»?
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 9

Music In  Inverno 2009

BALLET
RICCARDO REIM L’intervista FESTIVAL DELL’EQUILIBRIO Quinta
Solitamente seduce, oggi è sedotto. edizione Sbarcano a Roma i danzatori più LA BELLA ADDORMENTATA a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Da Mozart. equilibrati e si premiano gli emergenti NEL BOSCO Dormendo fa sognare

RICCARDO REIM, SEDUTTORE SEDOTTO LA BELLA

Non si picca se sia ricca, se sia brutta, se sia bella... Don Giovanni oggi seduce anche l’eclettico autore, e lo lascia là
NEL BOSCO
A rte a trecentosessanta gradi. Impresa ardua, quella di non perdere la
retta via, di non smarrirsi in un labirinto intricato di esperienze e di
racconti e limitarsi all’argomento del giorno, quando ci si trova a dialo-
tra il 4 e il 9 novembre 2008, è arrivato alla terza prova. Ha assistito allo
spettacolo quasi ogni sera. Qui si danza sulle musiche di W. A. Mozart e
V. Caracciolo, musiche originali di Luca Salvadori, scene e costumi di
ADDORMENTATO
gare con Riccardo Reim. È egli infatti un uomo affabile dal fascino sfac- un’eccezionale Giuseppina Maurizi.
ciato e dalla favella che ammalia. Si parte Mauro Astolfi era piuttosto intimidito
da un accenno al suo ultimo romanzo, Il
tango delle Fate, per aprire una finestra
dall’idea del libretto. Egli ha colto perfetta-
mente la psicologia di questo personaggio,
U na delle fiabe della tradizione
europea più amate di sempre
ritorna ad essere rappresentata in
sulla sua opera di curatore della raccolta di Don Giovanni, uno e trino come Dio, che si forma danzata. E cosa c’è di più appro-
racconti truculenti Il cuore oscuro scompone e ricompone di continuo, con- priato del balletto classico per ripro-
dell’Ottocento, per giungere al libretto dannato a vivere in una condizione di porre l’atmosfera impalpabile e fanta-
scritto per Don Giovanni o il gioco di perenne maledizione. Gli serviva una chia- stica di un capolavoro che ha segnato
Narciso, il balletto con coreografia e regia ve di lettura intellettuale, che esaltasse la l’infanzia di ben più di tre generazioni?
di Mauro Astolfi creato per la Biennale di sua profonda intuizione. Abbiamo voluto La Bella Addormentata nel Bosco (o
Venezia 2008 -sebbene riecheggino di mettere in scena il dramma del «burlador secondo alcuni La Bella nel Bosco
continuo le sue esperienze di attore, regi- de Sevilla» di Tirso de Molina ispirandoci Addormentato, come sarebbe la giusta
sta, sceneggiatore, romanziere, saggista, non tanto alla rilettura di Molière, quanto traduzione dal francese La Belle au
traduttore. alle letture successive di Lorenzo Da Ponte, bois dormant) viene ricordata soprat-
È stata un’innovazione illuminante, Goldoni, Puskin, Zorrilla sino ad arrivare a tutto nella versione di Charles
quella di ripristinare il rapporto tra coreo- Lord Byron che lo trasforma in un «sedutto- Perrault (ne I racconti di Mamma Oca,
grafo e librettista così come era di norma re sedotto». 1697), attraverso il celebre adatta-
nell’Ottocento. Il merito va al coreografo Potremmo definirlo un personaggio mento cinematografico Disney, La
e al direttore generale del Balletto di masturbatorio, non a caso la sua ultima bella addormentata nel bosco (Sleeping
Roma, rispettivamente Mario Piazza e donna altri non sarà che se stesso; come Beauty, 1959) e il balletto di Pëtr Il’iã
Luciano Carratoni. Circa tre anni fa ho Narciso, egli non può che amare se stesso. âajkovskij (la cui coreografia venne
condiviso con Mario Piazza un viaggio in Egli è prigioniero entro un giardino recinta- affidata a Marius Petipa) che ebbe la
treno, diretti al set di un documentario-fic- to, al di fuori del quale non vi è nulla di inte- sua prima rappresentazione il 3 gen-
tion per il quale ci siamo trovati a collabo- ressante. È lo specchio della forte incapaci- naio 1890 al Teatro Mariinskij di San
rare, e lì per la prima volta al mio compa- tà di donare e di donarsi. Non potendosi Pietroburgo in Russia.
gno di viaggio è balenata l’idea. dare a chi si ama, si dona a chi si condanna. Il successo fu immediato ma biso-
Al rientro a Roma ho ricevuto una sua La coreografia è straordinaria, di una dif- gnerà aspettare il 1896 perché il bal-
telefonata. Stava lavorando allo ficoltà assoluta. I metaforici specchi inva-
Schiaccianoci. Stanco della «solita dono fisicamente la scena, i ballerini si
zuppa», delle versioni tradizionali che librano, rallentano i movimenti fino a solle-
devotamente vengono proposte al pubbli- vamenti millimetrici senza mai cadere nel
co durante le vacanze natalizie, mi ha ginnico (nella danza sempre in agguato).
fatto la proposta di scriverne il libretto. Si Alla Biennale di Venezia, per la quale l’ope-
è trattato di un interessante tentativo per ra è stata realizzata con prima assoluta il 28
la produzione, innovazione appoggiata dal e 29 giugno 2008, i giudizi sono stati molto
presidente e direttore artistico Walter Zappolini. Per me si è aperta una controversi: alcuni lo hanno trovato troppo carico, troppi i costumi.
sfida eccitante. Mauro Astolfi ha avuto l’intelligenza ed il coraggio, che pochissimi
Mi sono trovato a contatto con un universo nuovo. Inizialmente ho avrebbero trovato, di tagliare quindici minuti di balletto.
avuto la sensazione di essere «orfano»: io vivo di parole e gioco con le Sono stati ridimensionati i tempi e i costumi: è il corpo a doversi vede-
parole; farne a meno, imparare le regole di un linguaggio a me scono- re in ogni suo interstizio, per culminare nella spoliazione finale. C’è in
sciuto, quello del corpo, ha fatto sì che il mio estro registico si esprimes- scena una psicologia. Don Giovanni non è affatto uno sciupafemmine, e
se al meglio. lo dice bene Lorenzo Da Ponte, il librettista di Mozart: «…Non si picca
Il risultato è stato eccellente: il debutto risale al 2006 presso il Teatro se sia ricca, se sia brutta, se sia bella ...»; in gergo moderno potremmo
Quirino, lo scorso anno la replica al Teatro Italia (che conta circa 900 definirlo uno «spaghettaro del sesso». Don Giovanni è colui che non
posti a sedere) e tra il 16 dicembre 2008 e il 6 gennaio 2009 è toccato al guarda all’altro, al soggetto, non ne è capace, riesce a visualizzare sol-
Teatro Italia. Ci sono i numeri a parlar chiaro: si è arrivati a contare tren- tanto l’oggetto. Egli non ama nessuno, egli non sa donare.
tamila spettatori. È tragicamente il dramma della solitudine dell’uomo contemporaneo.
Ma l’esperienza per Riccardo Reim è andata avanti. Ha scritto il libret- Cupo, funerario, senza scampo. letto giunga in italia, al Teatro alla
to per Coppelia, sempre per la coreografia di Mario Piazza, e con il Don Scala di Milano (l’allestimento milane-
Giovanni o il gioco di Narciso di Mauro Astolfi, in scena al Teatro Italia a cura di Rossella Gaudenzi se fu anche il primo allestimento ad
essere eseguito al di fuori della scena
pietroburghese).
La prima romana risale al 1954 con

PER BALLARE SERVE EQUILIBRIO

È giunto alla quinta edizione il festival di Giorgio Barberio Corsetti e mette Febbraio in punta di piedi
quilibrio è il festival del nuovo che irrom-
E pe e avanza nel mondo del balletto con-
temporaneo mondiale, giunto alla quinta edi-
zione. La fucina delle idee, la mente creatrice, è
quella di Giorgio Barberio Corsetti, infatica-
bile sperimentatore: regista, autore, attore con-
sacrato a metà degli anni Ottanta dalla Biennale
di Venezia e coronato dal 1999 al 2002 dall’as-
segnazione della direzione della Sezione Teatro
della stessa Biennale.
Egli ha dato vita ad un appuntamento che sta
delineando ed affermando la propria personali-
tà anno dopo anno; ha deliziato l’esigente pub-
blico romano e non solo con strepitose coreo-
grafie nel 2008 (dalla sperimentazione dell’arti-
sta canadese Marie Chouinard, al duo delle
danzatrici Kettly Noël e Neilisiwe Xaba, alla
produzione dei brasiliani Membros, passando
attraverso il fiorentino Sieni, il collettivo belga
Peeping Tom, Les SlovaKs, la danza indiana),
pubblico che attende con curiosità la prossima,
imminente programmazione.
Sarà la performance di ogni singolo artista a
far parlare di sé, tra il 6 e il 24 febbraio 2009.
L’apertura del festival è stata affidata al geniale
la coreografia di Boris Romanov e gli
interpreti Attilia Radice e Guido Lauri.
Nello stesso anno il teatro ha ospitato
la compagnia del Sadler’s Wells Ballet,
che ha proposto la versione di
di Rossella Gaudenzi Frederick Ashton con Margot Fonteyn
coreografo sino americano Shen Wei, seguito vincitore finale che, con un contributo di venti- nel ruolo di Aurora (versione che pochi
dall’artista fiamminga Anne Teresa De
Keersmaeker; di spicco la presenza del belga
mila euro, produrrà il proprio spettacolo e lo
metterà in scena nel 2010. Infine, stage e
mesi prima per la Scala aveva rappre-
sentato la prima rappresentazione
Alain Platel, tanto quanto quella dei coreogra- masterclass tenute dagli artisti ospitati dalla ras- integrale). Nel 1965 quel ruolo fu bal-
fi di origini israeliane Guy e Roni. segna per danzatori e coreografi professionisti. lato al Teatro dell’Opera da un’affasci-
Le aspettative per la danza nostrana sono nante Carla Fracci, che nel 1983
alte: i toscani Samuele sarebbe tornata accompagnata da
Cardini e Marina Peter Schaufuss nel ruolo del Principe.
Giovannini, vincitori del La Belle au bois dormant è la prota-
Premio Equilibrio 2007, gonista al Teatro dell’Opera dal 10 al
presenteranno in prima 22 febbraio insieme all’Orchestra e il
assoluta la loro creazione. Corpo di Ballo del Teatro e la parteci-
Così dopo il successo della pazione degli allievi della Scuola di
prima edizione, risalente Danza del Teatro dell’Opera diretta da
allo scorso anno, la Paola Jorio.
Fondazione Musica per Il balletto, composto di un prologo e
Roma proporrà nuovamen- tre atti, vede Paul Chalmer come
te il Premio Equilibrio coreografo, Marzio Conti alla direzione
Roma per la danza contem- ed Aldo Buti alla cura delle scene e dei
poranea, nell’intento di costumi.
sostegno e promozione
degli artisti emergenti ita- Valentina Giosa
liani. Verranno dapprima
selezionati i dieci migliori
gruppi, per designare poi il
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 10
CLASSICA
MENTE
a cura di FLAVIO FABBRI
OPERAI ALL’OPERA (MA NON ALL’OPERÀ)
L’Italia dei tagli alla cultura si confronta con la realtà francese: Delia Palmieri vs Mathieu Muglioni
A dicembre gli artisti del Maggio Musicale
Fiorentino, una delle Istituzioni musicali
più prestigiose a livello internazionale, hanno pro-
testato contro il taglio del Fus, il Fondo Unico
dello Spettacolo, deciso dall’attuale governo. Tagli
pesantissimi, del 30%. I musicisti si sono esibiti
fuori dal teatro in spettacoli gratuiti e partecipati
(per la Nona sinfonia in Re minore di Beethoven
al Mandela Forum c’erano 8.000 spettatori).
L’Italia destina allo spettacolo solo lo 0,17%
del Prodotto Interno Lordo, e tale cifra va dimi-
nuendo, mettendo a repentaglio il lavoro di
migliaia di artisti; il Paese di Giuseppe Verdi,
Giacomo Puccini, Gioachino Rossini, Luciano
Berio e Ennio Morricone, per i finanziamenti
allo spettacolo è dietro alla Grecia e ben lonta-
na dalla Francia (che invece spende l’1%).
Abbiamo parlato con due cantanti d’opera:
Delia Palmieri, 44 anni, apprezzata e infatica-
bile soprano, corista «aggiunto» presso il
Maggio Musicale Fiorentino e Mathieu
Muglioni, 31 anni, giovane e promettente teno-
re francese.
A che età hai cominciato a studiare musica?
Delia. A 10 anni frequentando i corsi di solfeg-
gio e pianoforte
Mathieu. A 6 anni ho cominciato violino, men-
tre il canto molto tardi: avevo 20 anni.
In strutture pubbliche?
Delia. Dopo un primo anno in conservatorio,
ho studiato privatamente: lo studio del canto
richiede il confronto con metodi di insegnamen-
PIANO MIO, PERCHÉ TI AMO?
Un libro scritto più sull’esperienza di suo-
nare il pianoforte che sulle caratteristi-
che tecniche dello strumento: è quello di
Charles Rosen, Piano notes. Non un manuale
da scuola di musica, ma una storia d’amore che
vede l’uomo in perenne conflitto passionale con
l’oggetto del desiderio, il pianoforte, uno tra i
più diffusi, versatili e in quanto amante, incom-
preso strumento: «Quello che mi ha interessato
più di tutto è il rapporto tra l’atto fisico del suo-
nare e quello degli aspetti della musica gene-
ralmente considerati più intellettuali, spirituali
ed emozionali». Charles Rosen, uno dei massi-
mi pianisti e musicologi del mondo, cerca di
PROTESTA Delia Palmieri e
Mathieu Muglioni L’Italia destina
allo spettacolo solo lo 0,17% del Pil.
to diversi. Inoltre ho fatto stages all’estero anche
per imparare le lingue.
Mathieu. Da bambino ho studiato violino con
un maestro privato e solfeggio presso un’asso-
ciazione, ma già a 12 anni mi sono iscritto a una
scuola pubblica. Ho sempre studiato in scuole
pubbliche ma ho seguito anche corsi privati per
approfondire e confrontarmi con altri professori.
Ritieni che siano sufficienti le strutture pub-
bliche per la formazione musicale?
Delia. In Italia la musica non si studia nelle
scuole dell’obbligo ma solo in scuole apposite, e
queste hanno luoghi inadeguati, pochi strumenti
disponibili, insegnanti non formati. La durata
delle lezioni poi è davvero insufficiente.
Mathieu. In Francia ci sono molte scuole di
musica pubbliche: comunali, provinciali, regio-
nali, nazionali. Alle medie e al liceo abbiamo
anche la fortuna di avere classi con «orari adat-
tati» all’esigenza di chi studia musica
A che età hai affrontato il primo concerto?
Delia. Il primo vero concerto a 25 anni, ma
per il primo ruolo da protagonista sono passa-
ti anni.
Mathieu. Il mio debutto è avvenuto nel corso
del primo anno di studi nella classe del mio mae-
stro. Ero Ardimedon in un’operetta di Christiné.
Hai mai debuttato da solista in un teatro di
una certa rilevanza anche internazionale?
Delia. Ho cantato con ruolo da solista
all’Accademia Chigiana di Siena (diretta da
Vlad), al Lingotto di Torino, diretta da Jeffrey
Tate e per le celebrazioni dei 400 anni del
spiegare i motivi per i quali alcuni di noi suona-
no il pianoforte invece che il violino, piuttosto
che la chitarra, per poi cercare di capire come
rapportarsi all’eterno terzo specchio dell’arti-
sta: il pubblico.
Attraverso un’analisi lucida e allo stesso
tempo dettata dal bisogno di raccontare questo
sentimento d’amore verso il suo piano, Rosen
affronta uno dopo l’altro i maggiori problemi,
gli aspetti meno noti e i grandi miti da sfatare
della vita e del mestiere di pianista: il rapporto
fisico intensissimo che lega il musicista allo
strumento e quello tra virtuosismo ed espressi-
vità, il problema del suono e del timbro, i pregi
e i difetti della meccanica, l’esecuzione in pub-
blico e i suoi trabocchetti, gli studi in conserva-
torio, splendori e miserie dei concorsi pianisti-
ci, l’avvenire della musica per pianoforte.
Leggero, ricco di aneddoti, citazioni e storie
di una vita vissuta al piano: «Josef Hofmann
aveva una mano così piccola che non riusciva a
prendere più di un’ottava, Glenn Gould si sede-
va sul pavimento, mentre Arthur Rubinstein lo
suonava in piedi il pianoforte». Suonare il
piano è avere un rapporto fisico, è fare sport: «Il
modo con cui si sta seduti al pianoforte ha
influenzato la musica scritta dai compositori,
IL PIANO ‘FELIX’
DI ROBERTO
PROSSEDA
cclamato come il più grande interprete
a dell’opera di Felix Mendelssohn, tra i
pianisti di più giovane generazione,
Roberto Prosseda ha regalato una serata indi-
menticabile all’Auditorium Parco della Musica,
per presentare il suo nuovo lavoro: un doppio
cd con la registrazione completa dei ‘Lieder
ohne Worte’ (traducibile come ‘Canzoni senza
parole’) del compositore tedesco, arricchendo
la produzione mendelssohniana con degli inedi-
ti assoluti da Prosseda ritrovati in esclusive
biblioteche musicali disseminate tra Europa e
America. Otto volumi scritti dal compositore
tedesco tra il 1830 e il 1845 di sei composizioni
ciascuno. Pianista, compositore, interprete tra i
più amati di Mendelssohn è stato spinto dalla
sua passione per la musicologia alla realizzazio-
ne di un lavoro intensissimo che, oltre le 48
romanze già conosciute, comprende otto nuove
incisioni mai eseguite fino ad oggi, completan-
do così il quadro dell’intensa produzione men-
delssohniana dedicata a questo genere da came-
ra. La sua fama di ricercatore, oltre che di ese-
cutore, lo ha visto guadagnare una notorietà
«PIANO NOTES» di Charles Rosen. Recensione. Josef Hofmann aveva una
mano così piccola che non riusciva a prendere più di un’ottava, Glenn Gould si
sedeva sul pavimento, mentre Arthur Rubinstein lo suonava in piedi il pianoforte.
di Nicola Cirillo
Melodramma. Da corista, invece, in tutto il
mondo, sempre in luoghi prestigiosi.
Mathieu. Ho cantato al Teatro Imperiale di
Compiègne e al Centro lirico di Auvergne. A feb-
braio 2010 canterò nei Briganti di Jacques
Offenbach, nel Gran Teatro di Limoges.
Ricevi cachet che ritieni equi?
Delia. Come corista è equo: uno stipendio da
impiegato, per un lavoro che comunque è quo-
tidiano e usurante: affrontando stili diversi
rischiamo di vanificare anni di studio e di tec-
nica vocale. Quando capita e riesco a ottenere
il permesso dal Teatro, mi esibisco anche in
recital personali o con il Trio Mila; allora
dipende: in genere ricevo un compenso, a volte
solo un rimborso spese.
Mathieu. Guadagno più delle spese! Anche se
il cachet non sempre è formidabile.
Hai o hai avuto un contratto stabile con
qualche ente lirico, qualche teatro?
Delia. Stabile mai. Ho avuto invece contratti
di collaborazione col Teatro di Cagliari e ora
con il Maggio, che mi sta confermando come
corista aggiunto, anno dopo anno, da 6 anni (per
i primi tre, ogni anno la conferma era comunque
subordinata al superamento di un’audizione).
Mathieu. Sì, ho cantato 4 anni nel coro
dell’Esercito Francese. Lì, avendo un contratto
di «impiego giovani» (come ce ne sono tanti in
Francia) si può cantare al massimo per 5 anni,
ma l’ultimo anno ho preso un congedo di for-
mazione e l’Esercito mi ha pagato un corso in
Italia.
di Flavio Fabbri
oltre all’esecuzione», un modo a dir poco origi-
nale di rapportarsi a uno strumento, quasi rove-
sciandone la sostanza nella forma e viceversa,
scambiando i tasti neri con i bianchi, che Rosen
propone gettando un fascio di luce inaspettata
su un territorio in parte inesplorato.
La forza del libro di Rosen non è solo quella
di stimolare nel lettore, musicista o semplice
appassionato che sia, la riflessione critica su
una grandiosa tradizione culturale e musicale,
ma di farlo attraverso una solida passione e un
contagioso buonumore. La musica è fatta di
note e di movimenti, il primo suono dell’uma-
nità è stato sicuramente accompagnato da un
passo di danza e forse da un verso: «La musica
è tanto gestualità quanto suono».
Il rapporto tra l’esecuzione musicale e il
suono è complesso e ambiguo, afferma Rosen,
bisogna allora capire la particolare natura della
produzione della sonorità pianistica, se si vuole
capire la storia della musica in Europa e in
America dal 1750 a oggi: « Se ci saranno anco-
ra pianisti nel XXII secolo ci sarà anche un
pubblico disposto ad ascoltarli, ma è il piacere
fisico del suonare e dell’ascoltare il pianoforte
che custodisce le chiavi del futuro della musica
scritta per questo strumento».
mondiale di tutto rispetto, conquistando recen-
sioni favorevoli sulle pagine delle più autorevo-
li riviste di settore, tra cui: American Record
Guide, Fanfare, Diapason, Fono Forum,
Amadeus e molte altre. La serata è stata un
omaggio a Mendelssohn nel bicentenario della
nascita, con un recital monografico alternato ad
altri autori secondo una particolare logica musi-
cale (Mendelssohn-Chopin, Mendelssohn-
Haydn, Mendelssohn e autori del Novecento,
Mendelssohn-Bach). Nel 2010, inoltre,
Prosseda dedicherà un’analoga attenzione ad
altri due grandissimi compositori, Robert
Schumann e Fryderyk Franciszek Chopin, di
cui cadrà il 200mo anniversario della nascita.
Flavio Fabbri
Music In  Inverno 2009
Ricevi un sussidio dallo Stato per la tua inat-
tività?
Delia. Non esiste alcuna forma di sussidio in
campo solistico. Esiste un’indennità (tramite
l’Inps) riguardante i periodi in cui non ho con-
tratto come corista.
Mathieu. Sì. In Francia se un artista lavora
abbastanza durante un periodo, ha diritto a un
sussidio dallo Stato durante il periodo succes-
sivo se non è occupato. Il sussidio è mensile e
calcolato sulla base degli stipendi precedenti.
Attualmente vivi del solo lavoro musicale?
Delia. Sì, ma solo da pochi anni. È una situa-
zione molto instabile, perché non so se e quando
lavorerò. Ad alcuni colleghi scade il contratto
proprio questo mese, e non avranno il rinnovo.
A me scade a luglio. Un altro mio collega,
invece, ha fatto un concorso all’Operà di Parigi
e lo hanno preso stabilmente: si trasferirà lì con
tutta la famiglia. Qui concorsi per soprani sta-
bili non ne fanno da anni.
M. Sì, anche se il futuro non è sicuro. Ma
dobbiamo mantenere fiducia nell’arte, sennò a
che serve fare questo «mestier»?
UN PIANO
A BRANDELLI
Esempio di musicista poliglotta è
Antonio Ballista, artista dall’ascolto
vasto e lontano dai cliché dell’orto-
dossia ‘classica’. Curioso e insoffe-
rente verso ogni convenzione e routi-
ne, ha rivolto il proprio interesse ai
molti linguaggi della musica: il jazz, la
classica e in questo caso il Ragtime.
L’appuntamento, organizzato dall’Ac-
cademia Filarmonica Romana per il
ciclo "Sunday Morning, ha proposto
allo spettatore un ‘piano a brandelli’,
‘Ragtime’, del tutto inconsueto e per
questo da non perdere, con la possi-
bilità di ascoltare dal vivo brani stori-
ci di Scott Joplin, James S. Scott e
Robert Hampton.
Una vera e propria rarità nelle sale
da concerto, nonostante la musica
Ragtime sia stata resa famosa
anche dal cinema, in lungometraggi
celeberrimi come La stangata
(1973), Ragtime (1981) e La leggen-
da del pianista sull’oceano (1999).
Questo genere di musica è da molti
considerato il padre spirituale del
jazz e fu un genere tipicamente piani-
stico che andò pian piano scompa-
rendo intorno gli anni 20 del
Novecento.
Tempo stracciato, a brandelli,
potrebbe essere tradotto il termine
Ragtime, musica ‘nera’ del profondo
Sud americano, le cui note erano diffu-
sissime già dalla seconda metà del XIX
secolo e tornata poi improvvisamente
in auge dopo cinquant’anni di oblio nel
1970, per un decennio circa. Di Artie
Matthews, Ferdinand Jelly, Roll
Morton, Claude Debussy, Igor
Stravinskij, e Paul Hindemith le altre
musiche proposte dall’originale reper-
torio di Antonio Ballista.
Flavio Fabbri
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 11

Music In  Inverno 2009 CLASSICA

MENTE
YOUTUBE SYMPHONY ORCHESTRAA New York Democraticizzazione della musica? O commercializzazione della clas-
sica? Eppur basta mettersi a suonare un brano originale di Tan Dun di fronte a una web-cam, dimostrare capacità e competenze tec-
niche e inviare il tutto a YouTube per essere in lista per il Carnegie Hall di New York. Ma fuori dal web, siamo tigri o dragoni?

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA DI FLAVIO FABBRI

YOUTUBE STATE OF MIND

(...) Basta mettersi a suonare di fronte a una videocamera o
meglio ancora (fa molto web 2.0) davanti una web-cam,
dimostrare le proprie capacità e competenze tecniche e inviare il
tutto a YouTube. Si, proprio il popolare sito per la condivisione
di video più utilizzato al mondo, stavolta protagonista della
YouTube Symphony Orchestra. Il materiale spedito permette di
partecipare a questo speciale evento tra web e mondo della musi-
ca classica, che per una volta sembra aver davvero deciso di apri-
re le sue porte all’innovazione e alla sperimentazione.
Seguendo le istruzioni si legge (e si ascolta) che i video devo-
no essere realizzati interpretando un brano originale del celebre
compositore cinese Tan Dun e, in aggiunta, eseguendo una per-
formance più tecnica in cui mettere in risalto le abilità proprie del
candidato. Tali video verranno poi esaminati da una giuria di
esperti provenienti dalle più rinomate orchestre del mondo, tra
cui quelle di Londra, Berlino, Hong Kong, Sydney e New York,
prima delle semifinali dove i materiali saranno giudicati dal pub-
blico stesso di YouTube.
Democraticizzazione della musica? È questo l’intento del-
l’esperimento? O più un’operazione di commercializzazione, in
un processo dall’alto verso il basso, dell’elitaria produzione del-
l’universo classico? Qualcuno penserà che il video, come tante
altre piattaforme tecnologiche o mezzi di comunicazione, non sia
Da YouTube al Carnegie Hall, la strada della musica classica a una svolta? Siamo tutti «eroici» come Tan Dun?
poi così neutrale, riuscendo ad amplificare o a rendere godibili,
in modo finzionale, performance altrimenti mediocri. A guardar
bene, però, non è proprio così.
La tecnologia aiuta, amplifica e diffonde (popolarizzando),
certo, ma è la capacità del singolo, la sua forza comunicativa, la
passione per l’arte e la competenza tecnica a determinare il suc-
cesso o meno di una performance. Un occhio esperto riesce a
vedere, scrutare, anche in un video e quindi valutare la prepara-
zione e le potenzialità di un allievo. Il web sarà sempre più indi-
spensabile in tal senso, mettendo a disposizione della formazio-
ne dell’artista le edizioni originali, nonché tutte le partiture delle
opere di ogni singolo compositore, poiché ci sono opere che non
sono mai state pubblicate e che magari possono far parte del
bagaglio culturale di un musicista.
Opere, questa è la preoccupazione più grande, che al momen-
to, mentre discutiamo sulla qualità o meno di un video o di una
performance, rischiano d’esser dimenticate o peggio perdute. Ma
di una cosa si può star certi: la musica non si fa con Internet. Si
può imparare a leggerla e a scriverla, ma non a suonarla ‘in rete’.
Questo c’è da tenerlo a conto. La cosiddetta pratica, il rapporto
con gli strumenti e con il proprio insegnante, si può fare solo in
un preciso modo, in un preciso momento, con un proprio lin-
guaggio e interpretazione che non sarà mai quella di altri ‘visti
da remoto’. La scuola in questo non è al momento sostituibile.
Tornando on-line, una pagina apposita su YouTube ha presen-
tato l’evento utilizzando un video-comunicato in cui il Maestro
Tan Dun (compositore premiato con l’Oscar per le musiche del
film La tigre e il dragone nel 2001) invita tutti i musicisti della
rete a non lasciarsi scappare questa occasione.
Perché, se pure tanti ‘puristi’ della classica sgraneranno gli
occhi di fronte a tanta sfrontatezza, non si può ignorare la porta-
ta mondiale, anzi, globale, che ha avuto tale operazione denomi-
nata YouTube Symphony Orchestra, l’orchestra sinfonica di
YouTube. Il Maestro Dun, sostenendo appieno l’idea e la forza
propulsiva di un ‘palco virtuale’ su cui esibirsi, ha scritto appo-
sitamente una nuova composizione dal titolo Internet Symphony
N° 1, Eroica (parte di una composizione più grande 21st Century
Sound), già disponibile in versione video on demand, con l’ac-
compagnamento della London Symphony Orchestra, sul net-
work di YouTube.
A prove terminate e scrutini conclusi i vincitori del concorso
voleranno a New York per una tre giorni con il direttore della San
Francisco Symphony, Michael Tilson Thomas, il pianista cine-
se Lang Lang ed altri importanti musicisti, per un concerto che
si terrà il 15 aprile 2009 al Carnegie Hall. Qui, nel teatro di New
York considerato tra i luoghi più sacri della musica classica mon-
diale, costruito nel 1890 da Andrew Carnegie e che oggi propo-
ne più di cento spettacoli a stagione, i fortunati utenti del web si
ritroveranno su un palco reale, a contatto fisico col pubblico. Da
notare inoltre che la Carnegie da diversi anni non ha un’orchestra
stabile e la YouTube Orchestra potrebbe così trovare una sua
straordinaria collocazione ‘off-line’.
L’evento è inserito in un programma che lo stesso M.T.
Thomas ha definito eccezionalmente importante, perché permet-
te a livello planetario di pro-muovere milioni di musicisti e le
loro opere, aprendo la strada a un futuro diverso per questo gene-
re così ‘tradizionale’ e che, in futuro, potrebbe rappresentare
anche una risorsa da non sottovalutare sia per la salvaguardia del
grande repertorio classico, sia per la sperimentazione e la nasci-
ta delle nuove avanguardie di giovani musicisti.
Non bisogna dimenticare che oggi è grazie alla rete che molti
allievi e aspiranti tali sparsi per il mondo possono sentire e vede-
re grandi compositori e interpreti all’esecuzione, riuscendo così
non solo a goderne dei piaceri musicali generati, ma a captarne
anche un minimo di insegnamento tecnico. Per tre giorni i fortu-
nati musicisti emersi dal web lavoreranno inoltre con Thomas in
una grande prova d’orchestra.
Nel frattempo i tecnici di YouTube prepareranno un’esecuzio-
ne virtuale dell’Eroica di Tan Dun, (sinfonia, in quattro movi-
menti, della durata di 5 minuti e 20 secondi) in un mash-up di
contenuti video e audio ottenuto unendo (ma sarebbe più indica-
to dire montando o combinando) i brani mandati dai vincitori e
le riprese live dalla Carnegie Hall.
Tan Dun ha definito l’operazione The YouTube Symphony
Orchestra, come una «silk road of dream», la via della seta e dei
sogni del XXI secolo, leggendaria strada che già 1600 anni fa
univa come in un sogno la città cinese di Xian a Roma, passan-
do per India, Persia, Arabia e Grecia e che non solo permetteva
importantissimi commerci, ma che concettualmente univa e cul-
turalmente contaminava popoli tra loro lontanissimi, per distan-
za geografiche, lingue e tradizioni storiche.
Internet, nella fattispecie YouTube, è oggi l’equivalente di una
lunga strada dei sogni che incrocia tante altre vie della seta odier-
ne, con le loro carovane cariche di tesori ancora tutti da scoprire,
e che ad aprile porterà un gruppo di musicisti alla Carnegie Hall
e alla realizzazione di un sogno.

GONFALONE TRA SOGNO E FOLLIA di Livia Zanichelli

cicli pittorici che affrescano l’Oratorio del che l’aneddotica vuole sia stata conclusa nel- Notturni per lira organizzata dedicati al re di

I Gonfalone fanno da sfondo al consueto

appuntamento con il Coro polifonico
romano. Grazie all’ambientazione sugge-
stiva e alla programmazione musicale, la
59a stagione del Gonfalone, rimanendo fedele
al repertorio settecentesco, ci consente di fare
un salto nell’Italia barocca di Giovanni Battista
Pergolesi e Domenico Scarlatti. Dei venti
appuntamenti proposti dal Maestro Angelo
Persichilli, due sono dedicati al compositore
jesino. Dopo La serva padrona (la Serpina del
titolo), che ha aperto la stagione il 20 novembre
scorso, musica di Pergolesi anche a Pasqua, con
l’esecuzione dello Stabat Mater da parte
dell’Orchestra Tartini, composizione sacra
l’ultimo giorno di vita del compositore ventise-
ienne nel convento dei Cappuccini di Pozzuoli.
Insolito e originale il concerto del 5 marzo che
metterà in scena momenti e personaggi della
vita spagnola del compositore Domenico
Scarlatti: ne La camera della regina danze e
ritmi spagnoleggianti con un clavicembalista,
un attore e una ballerina di flamenco. Viaggio
nel barocco europeo il 19 febbraio con Il sogno
e la follia. Tra i brani eseguiti dall’Ensemble Il
ricercar continuo, la Sonata per violino e clavi-
cembalo di Johann Sebastian Bach.
L’Ensemble del Gonfalone sarà protagoni-
sta dell’appuntamento del 12 marzo: omaggio
al compositore austriaco F. J. Haydn, con i suoi
Napoli Ferdinando IV. Per rimanere in argo-
mento mecenatismo, fu un tema scelto dal re di
Prussia, Federico il Grande, a dare il via alla
composizione dell’Offerta musicale di Bach, le
cui note, eseguite dall’Ensemble Nuovo
Contrappunto, saranno accompagnate il 26
marzo dalla lettura di brani tratti dal Paradiso
dantesco.
Fuori dal repertorio classico gli eventi del 26
febbraio, concerto La canzone romana, esegui-
to dall’ensemble Alma latina e del 21 maggio,
affidato all’Orchestra Tartini che eseguirà in
chiusura di stagione insieme a Mario Stefano
Pietrodarchi il concerto per bandoneon e
orchestra di Astor Piazzolla.
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 12
SOUND
tracking
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
LECONTE IL MIO MIGLIOR AMICO
L’amicizia è come l’amore, ma è più difficile da raccontare. Perché l’amore si dichiara, l’amicizia no.
«L’ attenzione è l’essenza dell’amicizia».
In Italia per partecipare al Festival
Teranova, rassegna multiculturale di cinema,
poesia, fotografia e musica, Patrice Leconte,
regista francese di estrema grazia e sensibilità,
incontra il pubblico italiano e, come in un suo
film, questo incontro si trasforma in un piace-
vole scambio di idee sui sentimenti e le passio-
ni che animano la vita di ognuno di noi e che
spesso, per pudore o diffidenza, nascondiamo
agli altri. L’atmosfera è calda e rassicurante:
Leconte, aiutato dal suono morbido della lingua
francese e dalla lieve ironia che accompagna il
suo sguardo, sembra assomigliare alle sue
opere, in cui con semplicità e leggerezza cerca
di indagare su quel mistero profondo che carat-
terizza le relazioni tra esseri umani. A comin-
ciare dall’amicizia, sentimento universale spes-
so trascurato dal grande schermo, che Leconte
racconta in Il mio migliore amico, il film uscito
nelle sale ormai due anni fa, che ha avuto un
grande successo nei cinema europei.
«Sono sempre stato scettico nei confronti del-
l’amicizia: il bisogno di mostrare agli altri di
avere molti amici, nasconde in realtà il fatto
che forse non ne abbiamo. Il successo de ‘Il mio
miglior amico’ mi ha dimostrato quanto l’ami-
cizia sia un valore universale a volte difficile da
raggiungere. Da quando è uscito questo film
tutti mi domandano la stessa cosa - cos’è l’ami-
cizia? - come se io fossi un esperto, ma in real-
tà sono solo un regista. Non sono un professio-
nista dell’amicizia, sono un autodidatta».
Sorride, e chi ha visto e amato i suoi film non
può fare a meno di sorridere con lui, pensando
a quante volte nei suoi racconti la telecamera si
PINI GEMELLI
no dei più celebri sodalizi artistici nel
U mondo cinematografico è quello tra il
regista David Lynch e il compositore
Angelo Badalamenti, una collaborazione tal-
mente solida da non riuscire a distinguere nel
risultato finale il contributo dell’uno o dell’altro.
Dal 1986 ad oggi, da Velluto Blu fino ad Inland
Empire, le opere di Lynch sono state accompa-
gnate dalla musica di Badalamenti - che in alcu-
ni casi è anche comparso in piccoli ruoli, ma
questa è un’altra storia.
Al Film Festival di Ghent, cittadina belga che
ogni anno dedica un’interessante manifestazione
alla musica da film in un’atmosfera molto lonta-
na dai riflettori di Cannes o Venezia, è stato con-
segnato al compositore newyorchese di origini
italiane il Premio alla carriera. Il suo lungo curri-
culum cinematografico comprende collaborazio-
ni con registi come Jane Campion (Holy Smoke),
Mark Pellington (Arlington Road) e Danny
Boyle (The Beach), ma è sicuramente con le
opere di Lynch che il suo lavoro tocca l’apice
della fusione tra musica e immagini.
L’incontro tra i due avviene sul set di Velluto
Blu, dove il compositore, poco conosciuto, è
chiamato per aiutare la protagonista Isabella
Rossellini ad interpretare un brano. Il risultato è
talmente convincente che Lynch decide di affida-
re a lui la composizione dell’intera colonna
sonora. Poi, da Cuore selvaggio a Fuoco cammi-
na con me fino a Strade perdute, Badalamenti
coglie alla perfezione il senso di mistero ed estra-
niamento che avvolge il mondo lynchiano, uni-
verso enigmatico e labirinto di storie che s’in-
trecciano e si moltiplicano senza soluzione fina-
le né un punto d’arrivo. In una struttura comples-
sa, dove ogni dettaglio è un indizio e ogni indi-
zio è ulteriore enigma, nulla è lasciato al caso. Il
controllo del regista su ogni elemento della
PATRICE LECONTE ANGELO BADALAMENTI E DAVID
L’intervista Voglio alzarmi da LYNCH Il sodalizio Misteriosi, estranianti, estre-
tavola quando ho ancora fame mi. Sono i pini gemelli del cinema.
è soffermata su uno sguardo tra due sconosciu-
ti che grazie a un incontro casuale colmano le
loro solitudini, come in L’uomo del treno o
Tandem. A volte l’incontro si è trasformato in
una storia d’amore, come in La ragazza sul
ponte, splendido bianco e nero con Vanessa
Paradis e Daniel Auteuil, o in Confidenze trop-
po intime, storia di un’intimità che nasce prima
nello spirito che nella carne. Sembra difficile
credergli quando dice di non essere un esperto,
lui che con i suoi film è riuscito a colmare
anche la nostra di solitudine.
Ma si fa perdonare quando dice: «L’amicizia
è come l’amore, ma è più difficile da racconta-
re perché l’amore si dichiara, l’amicizia no:
non si dice mai ad un’altra persona ‘tu sei mio
amico’. È un sentimento sfuggente, perché dif-
ficile da definire: l’esatto contrario del fregar-
sene. È attenzione. È qualcosa che nasce spon-
taneo dentro di noi ma che poi deve essere cor-
risposto, altrimenti non ha senso. Perché un
amore che finisce è devastante, ma il tradimen-
to di un amico è ancora peggio».
Sorride di nuovo, un sorriso più amaro questa
volta. Una piccola pausa e subito arriva la paro-
la di conforto: «Oggi grazie alla tecnologia si
comunica moltissimo, talmente tanto che ci si
dimentica di abbracciare le persone care. Non
sto dicendo che era meglio prima, non ho
nostalgia per il passato. Ma il mio consiglio è
di mettere da parte il computer e fare come me:
abbracciare».
Confida poi che gli piacerebbe scrivere un
film sull’amicizia tra un uomo e una donna per-
ché «sarebbe una storia meravigliosa». E il suo
sorriso ora ha una sfumatura più dolce.
di Roberta Mastruzzi
scena, ogni parola, ogni suono è totale: la musica
non è sottofondo ma essa stessa sceneggiatura.
Ciò è reso possibile anche dal metodo partico-
lare con cui Lynch e Badalamenti si mettono al
lavoro, quasi una jam session. Lynch comincia a
raccontare una storia, descrivendo il paesaggio e
l’atmosfera delle prime immagini e Badalamenti
improvvisa un tema e sulle note di questo il regi-
sta continua ad aggiungere elementi alla scena e
ad immaginare i futuri sviluppi della storia.
È andata così anche per Twin Peaks, il serial
Tv più amato e discusso degli anni Novanta -
Lynch è così, o si ama o si odia - la cui storia
parte da un omicidio per arrivare a denunciare
l’ipocrisia strisciante di una «tranquilla» cittadi-
na di provincia e scoprire che l’apparenza ingan-
na ma anche la realtà non scherza. Una storia
intrecciata ad altre storie, un senso di inquietudi-
ne che cerca una soluzione e una risposta che
non arriverà mai. Tutto questo è suggerito dalla
colonna sonora che intreccia temi che si ripetono
e si confondono l’uno con l’altro. Bella da ascol-
tare senza immagini - ne sono state vendute più
di tre milioni di copie in tutto il mondo - la musi-
ca creata per Laura Palmer è però impossibile da
concepire senza pensare anche al genio artistico
di Lynch che ha saputo creare e far amare al pub-
blico un prodotto decisamente al di fuori dei
classici standard da telefilm americano.
Anche quando si tratta di scrivere le musiche
per quello che sarà un film totalmente diverso
dai precedenti, Una storia vera - lo stesso Lynch
ironicamente lo definisce il suo film più speri-
mentale, perché questa volta la trama segue un
percorso lineare -- il compositore riesce ad inter-
pretare fedelmente il mood del film. Una linea
melodica semplice e un suono dal sapore coun-
try accompagnano il viaggio attraverso
l’America di Alvin Straight a bordo di un tratto-
re, nella splendida cornice offerta da una natura
selvaggia. Una sosta, una boccata di aria fresca
nell’universo di Lynch che presto ritornerà con
Mulholland Drive ad atmosfere più cupe e miste-
riose. Anche qui la colonna sonora è parte inte-
grante della sceneggiatura.
E se la prima parte del film sembra prendere
una piega romantica, nel commento sonoro si
intuisce già un senso di inquietudine, un indizio
sul dramma che sta per compiersi: il tragico
risveglio alla cruda realtà. «No hay banda! Non
c’è una banda! Eppure possiamo sentire lo stes-
so il suono di un clarinetto… o di un trombone…
è tutto un’illusione!»: ancora una volta, non ci
sarà dato sapere dove finisce il sogno e dove
comincia il reale.
a cura di Roberta Mastruzzi
Leconte, che ha iniziato a
lavorare nel cinema all’età di
quattordici anni e ha conqui-
stato la popolarità negli anni
novanta grazie a Il marito
della parrucchiera, conferma
la sua volontà di girare altri
tre film. E poi basta, per
lasciare spazio agli altri.
«Voglio alzarmi da tavola
quando ho ancora fame». E
quasi per giustificarsi raccon-
ta di una volta in cui un giornalista ha chiesto a
Mario Monicelli, «Lei cosa fa per aiutare i gio-
vani registi?», e lui rispose: «Invecchio!».
Uno dei suoi ultimi tre film è La guerre des
miss, presentato in Francia proprio in questi
giorni. E come ultimo desiderio, confessa di
voler realizzare un film musicale. «Non un
musical ma un film in cui la musica sia la vera
protagonista in tutte le sue forme espressive».
Un esperimento che il regista ha già realizza-
to con Dogora, documentario musicale ambien-
tato in Cambogia, un film fatto solo di musica e
immagini. Difficile da spiegare ma immediato
da capire. Non c’è bisogno di traduzione e dop-
piaggio, perché in questo caso è la musica a
parlare e, come è noto, il suo linguaggio è uni-
versale e accessibile a tutti. «Un film è fatto
perché piaccia a chi lo vede». Con sincerità
Leconte ammette: «Se il pubblico non lo capi-
sce è colpa mia. E quand’è così mi vergogno di
aver utilizzato soldi, attori e energie».
Altrettanto sinceramente dice che la domanda
più difficile che si possa fare a un regista è chie-
dergli perché fa cinema. Per spiegarlo racconta
SBARCA IN TURCHIA
IL MEDFILM FESTIVAL
Bisogna guardare al Mediterraneo e a quella fetta di mondo
che fa crescere il cinema con serenità
Si è conclusa la prima edizione del
MedFilm Festival in Turchia, che oltre
ad essere stato il Paese d’onore della rassegna
romana di quest’anno è divenuto anche luogo
d’accoglienza e pretesto per un evento tutto
dedicato al cinema italiano, che si prevede pro-
seguirà negli anni a venire. Il MedFilm Festival
ha aperto i battenti nel 1995 con lo scopo di
riassumere in sé il meglio del cinema bagnato
dal Mare Nostrum e un unico obiettivo: pro-
muovere il multiculturalismo.
«Bisogna guardare al Mediterraneo, il nostro
futuro prossimo, aderendo con serenità al corso
della storia, per mutare profondamente l’ap-
proccio con una fetta di mondo oggi partner
imprescindibile dello svi-
luppo economico-cultu-
rale dell’intera area
euro-mediterranea», ha
spiegato Ginella Vacca,
presidente del MedFilm.
Già in Italia avevamo
avuto il piacere di assi-
stere alle proiezioni pro-
venienti da numerose
nazioni europee e non,
tra cui Iran, Algeria,
Palestina, Marocco,
Israele. Alcune divertenti
e leggere, altre dai temi
forti e impegnati, come
quella del palestinese
Masharawi di Eid Milad
Leyla, vincitore del
Premio «Amore e Psiche», che propone la gior-
nata-tipo di un tassista di Ramallah costretto ad
affrontare svariate peripezie (in cui ritroviamo
Mohammad Bakri, la cui interpretazione meri-
terebbe un più lungo commento); oppure
Hassan wa Marqos di Ramy Imam, che tratta
con ironia e un pizzico di humour la questione
dell’intolleranza religiosa in Egitto e ci offre un
Omar El Sharif ancora abile e capace davanti
alla macchina da presa.
Forte anche il tema della ricerca di una patria
e della propria identità in Française (coprodu-
zione Francia-Marocco, di Souad El Bouhati) e
nell’iraniano Seh Zan (Tre Donne, di Manijeh
Hekmat), le cui trame sono rese più particolari
dalla forte presenza di donne-protagoniste, le
Music In  Inverno 2009
MEDFILM FESTIVAL Promuove
il multiculturalismo ed il cinema
è bagnato dal Mare Nostrum
una storia. Una volta Wim Wenders rispose così
a una domanda simile: «Io faccio film per ren-
dere il mondo migliore». Leconte confessa di
essere caduto dalla sedia appena ha sentito la
risposta e di aver pensato: «Ma chi si crede di
essere questo!», poi ha riflettuto tutta la notte e
la mattina dopo ha dovuto ammettere che
Wenders aveva ragione. Non si cambia certo il
mondo con un film, ma lo si può «portare un
po’ più in alto». E da quel giorno ha sempre un
sogno: che le persone diventino migliori guar-
dando i suoi film. «Beh, sicuramente non peg-
giori, spero!».
E così si congeda e si dilegua in un attimo. È
atteso all’ambasciata di Francia dove riceverà il
premio Teranova per il cinema. Ci saranno ad
attenderlo centinaia di invitati e mani da strin-
gere, complimenti e sorrisi, giornalisti e foto-
grafi. Quanto di più lontano ci possa essere dai
suoi film, fatti di molte parole e gesti appena
accennati, con un punto che li accomuna tutti:
la voglia di raccontare quel piccolo miracolo
che si compie ogni volta che due estranei si
incontrano e si riconoscono.
di Alessandra Fabbretti
quali cercano con coraggio di volgere la situa-
zione a loro favore. Le offerte cinematografiche
italiane per la Turchia non sono state da meno:
con una scelta di 35 proiezioni (comprendenti
10 lungometraggi inediti per il Paese, e vari
documentari e corti) realizzate tra il 2007 e il
2008, il pubblico di Istanbul non è certamente
rimasto deluso.
Tutta la vita davanti di Paolo Virzì ha fatto da
apripista all’evento, un abile gioco di luci-
ombre sul precariato in Italia, per proseguire
con Il mio peggior nemico che porta la firma di
Carlo Verdone, commedia esilarante che vuole
anche far riflettere sui conflitti generazionali.
E poi Signorina Effe di Wilma Labate, propo-
ne una delle vicende più
importanti del nostro
Paese, quella degli scon-
tri tra un colosso indu-
striale, la Fiat, e la clas-
se operaia che reagirà
con uno sciopero dalle
conseguenze politiche e
sociali considerevoli;
Notturno bus di Davide
Marengo, noir italiano
dal sapore beffardo; La
ragazza del lago, di
Andrea Molaioli, giallo
che vuol descrivere il
disagio esistenziale e
riadatta in versione
«nostrana» il romanzo
della scrittrice norvege-
se Karin Fossum. L’Italia, con i suoi pregi e le
sue pecche, i suoi volti e la sua storia, è la gran-
de protagonista di questa rassegna. Tuttavia
alcune proposte volgono lo sguardo ad altre
realtà: i bambini di strada di Bucarest di Casa
mia (di Debora Scarpetti) e quelli della perife-
ria di Nairobi che interpretano Pinocchio Nero
(di Angelo Loy), sono documentari brillanti che
puntano i riflettori sull’infanzia rubata in cerca
di riscatto.
Organizzato in sinergia con gli Istituti di
Cultura Italiana ad Istanbul e Ankara, l’iniziati-
va si ripeterà annualmente con la speranza di
incrementare la distribuzione del cinema italia-
no all’estero e migliorare l’interscambio di pro-
dotti culturali tra i due Paesi.
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Music In  Inverno 2009
THE MILLIONAIRE Una ‘concept soundtrack’, realizzata con gli CONTROL
strumenti classici del maestro indiano: sitar, chitarre, flauti, bassi, santo- Corbijn Si impicca sotto
or, viole, poi trame elettroniche, fraseggi synth-pop e richiami house
THE MILLIONAIRE CONTROL
Lo sguardo di Danny Boyle sulla musica di Allah Rakha Rahman
ragazzo indiano nato e cresciuto nelle
Un favelas di Bombay si innamora di una
bellissima ragazza del suo slum, ma per corona-
re il sogno che porterà con sé fino all’età adul-
ta dovrà affrontare situazioni pericolose ed
estreme. Dodici fatiche, dodici momenti di una
vita intera, dodici risposte per diventare ‘millio-
naire’ e ottenere il sogno di un amore eterno.
Struggente film romantico, The millionaire,
speziato di melodramma bollywoodiano, pieno
di azione e ricco di colpi di scena, che solo lo
sguardo ‘visionario’ di Danny Boyle, regista
inglese già autore dei celeberrimi
Trainspotting, 28 giorni dopo e Sunshine, pote-
va realizzare con tanta forza emotiva e visuale.
Altrettanto vitale ed esotico è il commento
Anton
«Idiot» di Iggie Pop.
sonoro al film offerto da Allah Rakha
Rahman, il più grande compositore indiano di
colonne sonore cinematografiche vivente (noto
in Italia per la colonna sonora di The Darjeeling
Limited, 2007). Tredici brani che corrono lungo
l’intero film, tra i sorrisi dei bambini di tutta
l’India, le discariche, le fogne a cielo aperto, i
colori magnifici dei teli stesi nei lavatoi assola-
ti, attraversando gli sguardi affascinati e amma-
lianti dei figli dimenticati di Bombay. Anche tre-
dici videoclip immersi e confusi nel film, che
danno colore alle domande a cui il protagonista
deve rispondere nello show televisivo più famo-
so di tutto il paese: Chi vuol esser milionario.
Una ‘concept soundtrack’, realizzata con gli
strumenti classici del maestro indiano, sitar,
chitarre, flauti, bassi, santoor, viole, a cui si
aggiungono trame elettroniche, fraseggi synth-
pop e richiami house; con i brani in successio-
ne strutturale rispetto al film, complementari
allo svolgimento della narrazione non solo per
il tema sonoro, ma anche per i testi e i loro mes-
saggi. Tra le tante splendide track che compon-
gono l’album, due le collaborazioni di rilievo:
O…Saya e la hit mondiale Paper Planes (DFA
REMIX), cantate da M.I.A., Gangasta Blues e
Jai Ho per la collaborazione di BlaaZe & Tanvi
Shah, artisti tra i più in voga della scena dub
indiana. Un mix di sound in classiche tonalità
‘Bollywood’, musica Hip-hop, basi minimal-
techno e sorprese dubstep, per una miscela di
suoni che non mancherà di coinvolgere il pub-
blico nel viaggio di Boyle.
Una colonna sonora perfettamente in linea
con le immagini e i ritmi, a tratti frenetici, det-
tati dal montaggio, soprattutto per i brani Riots,
Mausama & Escape, Millionaire e Aaj ki Raat,
dove però non mancano momenti romantici e
melodici, come nel caso della sognante Latika’s
theme, per la calda voce di Suzanne.
di Flavio Fabbri
SOUND
tracking
DI MADRE IN FIGLIA Sono le
mondine di Novi, quelle che ricur-
ve hanno cresciuto le loro figlie
di Elisa Angelini
on un lungo ritardo rispetto alla sua po presto (a soli 19 anni) e che troppo presto
C presentazione al Festival di Cannes (17
maggio 2007), lo scorso autunno è
sprofonda nella monotonia di una vita domesti-
ca, che lo porterà a tradire la moglie con Annik
uscito nelle sale italiane Control, primo lungo-
metraggio del famoso «fotografo del rock»
Honorè.
Curtis, agli occhi di Corbijn, ci appare come
Anton Corbijn, dedicato a Ian Curtis, leader un adolescente introverso, un «giovane
dei Joy Division, gruppo post punk passato Holden» dei nostri tempi, tenero e tragico,
come una meteora e che ha lasciato un segno esemplificato perfettamente nella copertina del
incancellabile nella storia della musica. loro primo disco Unknown Pleasures: la trascri-
«Avevo un debito nei confronti di Ian. Senza zione dell’urlo di una stella morente, attraverso
la sua musica non avrei mai avuto il coraggio lo schema di linee contorte di una spettrografia
di emanciparmi (…). Curtis era un genio asso- di Fourier.
luto che, però non è riuscito a sopportare il
peso di vivere. Ricordo come se fosse oggi il
primo servizio fotografico con lui sulla banchi-
na della metropolitana a Londra. Era tutto
incredibilmente grigio, la situazione ideale per
fare grandi scatti in bianco e nero».
E così in bianco e nero è la pellicola, per
mantenere intatto lo spirito della band, ma
soprattutto quello di un’epoca di grande fer-
mento musicale.
La trama è tratta liberamente dall’autobiogra-
fia di Deborah Curtis, Touching from a distan-
ce, e narra la storia struggente e profonda del
cantante, carismatico, epilettico: dal suo incon-
tro con Debbie, al matrimonio e tradimento;
dall’unione con Peter Hook, Bernard Summer e
Stephen Morris per formare i Joy division, al
tragico epilogo della sua morte avvenuta a soli
24 anni.
Con uno sguardo sull’uomo, sui suoi limiti e
drammi, non adagiandosi alla figura del mito e
del personaggio, descrive così un ragazzo che
cerca la «normalità» e che paradossalmente non
può avere a causa della sua malattia.
È il destino che gli gioca un brutto scherzo
perchè Curtis prima di entrare a far parte della
band, aveva lavorato in un ufficio pubblico pre-
posto al recupero e alla collocazione professio- Questa richiesta di aiuto è «urlata» da Curtis
nale di disabili e malati di epilessia. la notte del 18 maggio 1980, quando decide di
Da qui il titolo del film, che fa riferimento riprendere sotto ‘controllo’ la propria vita,
alla canzone dedicata alla vita spezzata di una impiccandosi (la leggenda dice che il giradischi
conoscente del leader (She’s Lost Control). stava suonando Idiot di Iggy Pop), ma anche
Interpretato da Sam Riley (al suo primo ruolo qui Corbijn ha la discrezione di spostare l’in-
da protagonista, scelto per la grande somiglian- quadratura di fronte alla sua morte.
za con Curtis), il film ci mostra un uomo che Da tener presente che la colonna sonora del
non sa controllare il proprio corpo da quelle film è stata cantata e suonata dagli attori stessi,
forti scosse epilettiche, che rigetta anche sul tranne Shadowplay suonata dai The Killers, e
palco. ma è anche la storia di uomo che non ha Love Will Tears Us Apart e Atmosphere propo-
più il controllo della propria vita sentimentale: ste nella versione originale.
un ragazzo che cade nell’errore di sposarsi trop-
DI MADRE IN FIGLIA
«Alla mattina appena alzata in risaia mi tocca andar»
di Flavio Fabbri
«A lla mat-
tina,
appena alzata /
folk dal gruppo musicale dei Fiamma
Fumana. Un esperimento che ha visto unire il
coro, la musica folk-popolare e uno stile elettro-
in risaia mi ethnic-pop, per un risultato tutto da ascoltare.
tocca andar / e Un coro che ha ormai trent’anni di attività
tra gli insetti e le sulle spalle, passati in tour tra il nostro Bel
zanzare duro Paese, la Francia, la Bulgaria, l’Argentina e gli
lavoro mi tocca Stati Uniti. Nel film, le belle voci di queste
far / O bella venti donne sono accompagnate dalla particola-
ciao, bella ciao, rissima miscellanea sonora prodotta dagli stru-
bella ciao… Il menti dei Fiamma Fumana: la leggendaria piva
capo in piedi / emiliana, flauto, basso, tastiere, chitarra acusti-
col suo bastone / ca, fisarmonica, organetto, basi elettro-folk e il
e noi a curve a supporto del Dj per i live elettronics.
lavorar…». Nel terzo lavoro dei Fiamma Fumana, Onda
Così inizia del 2006, il Coro delle Mondine aveva già pre-
una celebre can- stato voce in Angiolina e Mariulèina.
tata delle mondine di Novi. Donne oggi ottan-
tenni, che a dieci anni di età hanno cominciato
a lavorare nei campi di riso, nelle risaie della
Lombardia e del Piemonte, barattando la veloce
adolescenza con le poche lire di una fatica
immane, peggiorata, se possibile, dal Fascismo
e dalla Seconda Guerra mondiale.
Donne che hanno tirato su famiglie, fatto la
resistenza e che, grazie al film di Andrea
Zambelli Di madre in figlia (prodotto da
Davide Ferrario e in rassegna al 26° Torino
Film Festival), sono tornate a raccontare con i
loro canti una cultura popolare, fatta di grande
dignità, amicizia femminile, rispetto del lavoro
e azione collettiva.
Ma Di madre in figlia non è solo un docu-
mentario storico-sociale, perché oltre che ricor-
dare il passato e commuovere nuove generazio-
ni, rappresenta, con la voce, il canto e i suoni
che lo accompagnano, un percorso canoro e
musicale originalissimo frutto del lavoro decen-
nale del Coro delle Mondine di Novi di
Modena, approfondito e sviluppato in chiave
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BEY&further
OND Music In  Inverno 2009

HELICOPTER QUARTET Karlheinz MATITE DI VINILE CONTEMPORANEA DE ANDRÈ La

a cura di ROMINA CIUFFA Stockhausen L’elicottero è uno strumen- La mostra Quel sapore Oscar Pizzo C’è qualco- mostra Comunque
to musicale, e l’inconscio lo dirige. di panca sa di nuovo oggi nell’aria sorridere a metà

QUARTETTO D’ELICOTTERI I L D I S C O È U N T A M A G O C H I di Romina Ciuffa

È questo l’unico pezzo al mondo composto per elicotteri e violini.
E come tutte le visioni, inizia da un sogno: quello di Karlheinz Stockhausen
di Romina Ciuffa
C antarle, le abbiamo cantate tutte. Ma,
senza accorgercene, le abbiamo guardate,
tenute accanto al giradischi, lette, riconosciute.
fotografie e con disegni. Esigenze di illustrazio-
ne di cui le nuove buste si fanno portatrici ren-
dono necessaria la presenza di un progetto: ed
Non solo orecchie ma occhi, e ti penetrano ecco i giovani grafici assumere le vesti degli

Q uesto è un sogno e noi stiamo tutti dor-

mendo. È il sogno di un visionario, il
tedesco Karlheinz Stockhausen, eccen-
indicato nelle partiture. Visionari quanto il loro
creatore. Il cielo è piovoso al pari dell’angoscia
che prorompe dall’inconscio stockhauseniano.
velocemente, da tutti i pori, queste copertine
degli album che hanno fatto la nostra storia.
Sono i disegni più celebri quelli che riportano a
illustratori, alcuni intraprendere un percorso
artistico all’interno del fumetto. È il caso di
Guido Crepax, che ha disegnato copertine di
trico, narcisista, pur sempre Stockhausen, padre Lui aveva previsto tre microfoni: uno per lo stru- un ritornello, un collegamento neuronale imme- dischi per anni, stile «Valentina», per Massimo
dell’elettronica moderna. «Questo brano è mento, uno per la voce, il terzo all’esterno, diato tra la vista e la strofa, guardare la matita Ranieri ad esempio (il pezzo era Per una
dedicato a tutti gli astronauti del mondo», accanto alle pale - il suono del motore, dell’aria, di Crepax e canticchiare Massimo Ranieri. donna, del 1974) o per Alberto Baldan (Io e
disse, messianico quando lo consegnò al violi- del volo. Il suono del terrore inconscio di preci- Sulla panca per anni, Mara, del 1969) o
nista Irvine Arditti, che gli aveva chiesto un pitare. L’esibizione è di 18 minuti e 36 secondi. sono esposte nella per il gruppo rock
quartetto d’archi, un genere - tipico del XVIII Le voci sono indicate negli spartiti in quattro mostra «Matite di dei Garybaldi (Nuda
secolo - che lui non avrebbe diversi colori, come le Vinile», che fino al del 1972). Pazienza
mai scritto. Poi sognò violini e camicie dei quattro musi- 27 febbraio, a Roma illustra molte coper-
rotori, un ritmo serrato, le pale cisti. La partitura è com- nella Sala Santa Rita tine per i dischi di
di un elicottero al pari di violi- plessa, nulla di orecchiabi- (in Via Montanara), Roberto Vecchioni e
ni, e disse: Sia. le: gli strumenti non hanno documenta il rappor- indimenticabile è
L’Helicopter String Quartet un procedimento melodico to tra musica e quella di Milo
divenne la terza scena di definito e si muovono fumetto a partire Manara per il Tango
Mercoledì, parte della monu- attraverso la tecnica del dagli anni Cinquanta. dei Miracoli di
mentale opera lirica Licht, esa- «glissato» (l’innalzamento Oggi sono cd, ieri David Riondino
gerata, tra le più voluminose e l’abbassamento costante era vinile. Quindi (1987), in cui la
mai scritte nella storia della e progressivo dell’altezza più grandi, più belli, Morte abbraccia con
musica e anche esemplare di un suono, imitazione da collezionabili. vigore una bellissi-
interesse di Stockhausen per la parte dello strumento del Ritornelli palpabili. ma donna con la
cosmologia, le formule mate- linguaggio espressivo La generazione-vini- coda da diavolo.
matiche, le proporzioni geo- della voce umana). le è diversa da quel- La consuetudine
metriche e le allegorie. Nelle Un delirio, un incubo. Si la iPod, sono masse continua per tutti gli
sue intenzioni, Mittwoch rap- diventa Stockhausen tutte che tengono non anni Settanta e
presentava il rapporto tra con- le volte che si realizza l’ir- solo alla sostanza, Ottanta fino alla
flitto e riconciliazione, nel realizzabile, che si dà ma anche alla forma. scomparsa dei
Quartet è il percorso dalla spago a un sogno. Quando Non un pezzo da Limewire: è necessario averlo dischi in vinile, ma in alcuni casi sopravvive
terra al cielo, un viaggio dal si hanno deliri di onnipo- lì, con nome e cognome e con la copertina ori- fino ad oggi, anche con il formato ridotto del
terrestre verso l’utopia. Irvine Arditti tenza («Sono stato istruito ginale, spenderli i soldi. Recarsi al negozio, compact disc. Veri e propri progetti grafici
Ciò che è possibile nei sogni su Sirio e ci ritornerò ordinarlo, attendere giorni, ritirarlo con un coinvolgono non solo la busta esterna dei 33
non lo è ad occhi aperti, e il partito ecologista anche se vivo ancora a Kürten»). Questo quar- appagamento estraneo. A che serve tenerlo solo giri ma anche quella interna, in qualche caso
austriaco si oppose all’esecuzione nell’ambito tetto d’elicotteri dà atto dell’inafferrabilità di un per ascoltarlo? Evviva il copyright. Un pezzo l’etichetta e perfino i poster allegati al disco.
del Festival di Salisburgo del 1994 per problemi suono sordo, di una sviolinata senza armonia, va coccolato, tenuto in mano, cresciuto come Le copertine esposte a Roma sono tutte italia-
ambientali: la prima mondiale dovette attendere dell’assordante pesantezza dell’essere, passeg- un Tamagochi. Va pagato. Un pezzo va nutrito, ne e per cantanti italiani, con la sola eccezione
il 1996 quando, nel corso dell’Holland Festival, geri a bordo dell’elicottero di un pazzo. Quando letto, pensato, anche ascoltato ma, prima di del lavoro di Tanino Liberatore per il disco di
volarono sulla città i quattro elicotteri. Oggi, per i violinisti toccano terra è come restituire un tutto, visto, lì, tra gli album, la matita di Crepax Frank Zappa, The Man from Utopia, del 1983.
la terza esecuzione mondiale, sorvolano Roma e silenzio dovuto alle orecchie e all’animo. e quella di Andrea Pazienza, tutte lì, copertine In alcuni casi, coincidono cantante e illustrato-
partono dall’Auditorium, nell’ambito del Sognare di volare si lega al simbolismo della da appendere. re: Augusto Daolio, uno dei Nomadi, ne dise-
Festival delle Scienze 2009, i violinisti del salita, della discesa e della caduta; Freud vede- In questo senso, Mina rimane una delle prin- gnò per i dischi del gruppo, e Paolo Conte ha
Quartetto Arditti (con i violini di Irvine Arditti va nel volo onirico l’espressione di un desiderio cipali ispiratrici della matita, la vera musa si è scarabocchiato dischi propri ed altrui. Non da
e Ashot Sarkissjan, la viola di Ralf Ehlers, il vio- fisico non soddisfatto nella realtà. Stockhausen fatta contorcere, rigirare, beffeggiare da tutti gli meno Lucio Battisti e Francesco De Gregori.
loncello di Lukas Fels), interpreti di un sogno, lo ha avverato, in qualche modo. Che ciò sia di illustratori, si è storpiata al punto da essere Poi Ferruccio Piludu (autore per Sergio
che urlano cifre in tedesco esattamente come spunto anche per il più grande dei sonnambuli. Paperina accanto ad Adriano Celentano anche Endrigo), Mario Convertino, Emanuele
su video. A lei dobbiamo non solo musica ma Luzzati.
A CURA DI GIOSETTA CIUFFA arte, a lei dobbiamo riflessioni non solo emoti- C’è tutta la storia visiva della musica, l’in-
ve, ma meramente cognitive: quelle del guarda- contro dei sensi là dove due insiemi percettivi
re e pensare, oltre che sentire. combaciano e danno, a un ritornello, un vigore
AL RITMO DELLE GALASSIE E allora, compiamo un’incursione nelle
nostre fantasie neuronali in cui una papera ci
canta Acqua e Sale. È già dalla metà degli anni
più forte: e non è, questa volta, l’operazione
classica - aggiungere la colonna sonora a
un’immagine - ma dare fattezza alla musica,
50 che i rapporti tra musica leggera e grafica si restituire bidimensionalità alla percezione e, se
Gong, elicotteri, 100 chitarristi e il ritmo delle galassie: fanno più intensi per la nuova diffusione dei vogliamo - un giochetto tutto nostro - unire
l’intervista a Oscar Pizzo, curatore di «Contemporanea» dischi in vinile, a 33 e a 45 giri. La busta che anche l’olfatto. Perché quel sapere di panca che
contiene il disco cessa di essere un anonimo hanno i vinili se si appoggia il naso, quel sape-
La rassegna Contemporanea, curata da Guido Barbieri e Oscar contenitore con il centro forato e il logo della re di polvere e di vecchio fa sentire, paradossal-
Pizzo, giunge alla terza edizione e fino a maggio sviluppa temi come il discografica produttrice, com’è fino a quel mente, più giovani e le sinapsi neuronali inizia-
rapporto con la musica etnica e popolare, il barocco, il cinema, la cultu- momento per i 78 giri. Le nuove buste, per no a girare come un 45 giri (nel buco al centro,
ra americana, in un modo molto particolare. La stagione si caratteriz- ambedue i formati, sono chiuse e illustrate, con un vuoto incolmabile).
za anche per la presenza di due eventi speciali, come la più importante
e utopica opera di Karlheinz Stockhausen e una nuova sinfonia di Rhys
Chathan per 100 chitarristi provenienti dal panorama musicale roma-
no. A Oscar Pizzo chiediamo spiegazioni.
Come nasce la rassegna «Contemporanea», di cui sei curatore?
DE ANDRÉ, QUELLA
Nasce in sintonia con l'esigenza di un'apertura verso la musica con-
temporanea, ma anche come confronto con tutte le arti: un'apertura a
360 gradi sia dal punto di vista degli interpreti, sia degli stili, dalla «con-
SPECIE DI SORRISO
temporanea classica», al rock, al jazz, alle performance, al teatro, alle di Romina Ciuffa
arti visive, al cinema, al barocco rivisto.
Cosa avete ricercato per diversificarvi da altri festival analoghi?
L'attenzione: non chiudere alle diverse esigenze del panorama contemporaneo. Non si trat-
È una «specie» di sorriso quello di Fabrizio
De André. Noi che non riusciamo a non
piangere - dieci anni dopo la sua scomparsa -
ta di un festival «autopunitivo» ma dell’apertura verso tutto ciò che è nuovo, sfruttando anche nel pensare alla sua poesia tutta da ballare
eventi come l’Helicopter String Quartet ma anche A secret rose, concerto per 100 chitarre lungo il filo della notte sulle pietre del giorno.
elettriche, basso elettrico e batteria, con musiche di Rhys Chatham (che l’ha definito «una E che non riusciamo a non ridere, perché la
jam session immaginaria tra John Cale, Tony Conrad e i Ramones»). La rassegna è anche nostalgia porta quel senso martoriante di felici-
rock: l'anno scorso Glenn Branca, quest'anno John Luther Adams, due padri spirituali della tà - andata - e non un sorriso, ma una specie.
chitarra elettrica. Immaginate cosa può significare ascoltare il suono di 100 chitarre? Appunto. Una mostra di disegni, quella di
Cosa c’è di contemporaneo aldilà del nostro spazio? Mauro Biani si ispira alle canzoni di questo
Abbiamo curato il rapporto con la musica popolare con Gagaku, spettacolo dell'orchestra «suonatore di mandolino»; vignettista e seguito
Ichihimegagaku della Corte imperiale giapponese, con musiche di Toru Takemitsu - musici- blogger, interpreta le canzoni in maniera poeti-
sta anche per Kurosawa - e danzatori; a maggio avremo Trance ed Exotica, due incontri per ca e romantica. C’è una Bocca di Rosa che pre-
approfondire il lato musicale del sufismo, il primo dal Pakistan e il secondo dal Marocco, due cede la vergine in processione (anziché seguir-
modi differenti di interpretarlo. Presto avremo Moondog, il vichingo della Sesta Avenue, spet- la), un Michè impiccato in un CPT, e poi Piero,
tacolo dedicato a Louis Thomas Hardin, musicista che si esibiva a New York vestito da vichin- Nina, Marinella, Andrea, Princesa e tanti altri
go: saranno eseguite sue composizioni e verrà proiettata l'intervista inedita a Philip Glass, che personaggi che rivivono in nuovi contesti: attra-
lo ha seguito per un anno. Altro momento intenso sarà Leçons de ténébres: il testo, in comu- verso le linee morbide e i colori caldi di una
ne con le tre religioni cattolica, ebraica e musulmana, verrà recitato dai cantori della Cappella matita, i protagonisti si muovono in scenari
Sistina, della Moschea e della Sinagoga, durante il momento del terrae motus che simboleg- attuali, tra la manifestazione del G8 di Genova,
gia la morte di Cristo. il dramma dell’emigrazione e del precariato, le
Qualche anticipazione sulla stagione 2009-2010? situazioni imbarazzanti del potere e della
Durante la Notte delle stelle ascolteremo il ritmo di due galassie, riprese dal vivo da un Chiesa. 15 tavole a colori, a Roma e nelle libre-
osservatorio astronomico; stiamo cercando poi di organizzare il concerto per il gong dal dia- rie Feltrinelli delle principali città. In un’ attua-
metro più grande del mondo, tanto da entrare nel Guinness dei primati; ospiteremo City lità criminale, se ti tagliassero a pezzetti tu sai
Life, nuova opera di Philip Glass con Vincenzo Cerami e Steve Reich. che il regno dei ragni cucirebbe la pelle e la
luna tesserebbe i capelli e il viso, e questo ti
lascia proprio «una specie» di sorriso.
RIVISTA inverno.QXP 9-02-2009 17:31 Pagina 15

Music In  Inverno 2009

TIZIANO FERRO Alla
mia età Sono un falco, un
angelo o un aviatore
FEED
back
VINICIO CAPOSSELA Solo GRACE JONES Hurricane JOHN MAYER Continuum
Strumenti fantastici tra toy piano, Quel ponte virtual-sonoro tra Ferma questo treno. Voglio a cura di ROMINA CIUFFA
bicchieri, theremin e la sua solitudine Giamaica e Bristol scendere e ricominciare.

AA.VV. - THE DEFIANCE

TIZIANO FERRO - ALLA MIA ETÀ
«Lo sanno tutti che in caso di pericolo si salva solo chi sa volare bene,
quindi se escludi gli aviatori, falchi, nuvole, gli aerei, aquile e angeli, rima-
ni te». Sognavo di pilotare un ultraleggero, volavo sopra i Castelli Romani
e, nell’atmosfera rarefatta dei sogni dove l’Es sprigiona la sua pulsione arcaica, la real-
tà si alterava ed io non riconoscevo gli strumenti: il mio inconscio si era divertito ad
invertire la manetta e i flaps - guardiano delle mie
più fedeli paure - impedendomi di gestire l’emergen-
za, così da venir ingoiata nelle termiche di una valla-
ta. Esterno giorno, carrellata sul prato - mi ritrova-
vo a terra, sapevo di stare sognando e la paura inve-
stiva solo quella parte di me che diceva: «Questa è la
metafora di qualcosa di più grande». Si, ma di cosa?
Tiziano Ferro, voce limpida, impeccabile - un arran-
giamento chiaro nei termini di una ballata, oltre a
qualche spunto rap a volte commerciale - mi accusa:
«Indietro». Io sono a terra, l’aereo è fermo, cerco un
modo per uscire dall’emergenza, e lui ripete:
«L’amore va veloce e tu sei indietro». Non si tratta
della paura di volare, ma del non sapere dove anda-
re mentre sono in volo: non sono precipitata per l’in-
coscienza di portare un Sierra senza saper gestire
un’emergenza, ma per non aver guardato oltre men-
tre pilotavo (perché «il bene più segreto sfugge
all’uomo che non guarda avanti mai»).
Un disco limpido questo, continuità con quelli prece-
denti ma anche nuovo stimolo per i romantici instancabili, ci stende su un lettino da psi-
canalista e parla lui, le paure psicosomatiche, gli inferni, una sosta dai concetti e i pre-
concetti, una sosta dalla prima impressione. Qui con lui Laura Pausini (La paura non esi-
ste), Franco Battiato (Il tempo stesso), Ivano Fossati (Indietro) , Kelly Rowland (Breathe
Gentle); ma anche altri, quelli delle accuse di plagio (il primo, Virginio Simonelli con la sua
Davvero di Sanremo 2006, identica a La mia età; poi Ligabue, la cui Ho messo via si trova
online montata con Ti scatterò una foto; sino ai Green Day di Wake Me Up When
September Ends per ll sole esiste per tutti). Comunque, a me un regalo l’ha fatto: qualco-
sa di dolce, di raro, non un comune regalo di quelli che hai perso, o mai aperto, o lascia-
to in treno, o mai accettato. È l’interpretazione di un sogno. Il suo cd sbadatamente lo
lascio sull’aereo mentre cerco aiuto, ma il mio è un caso limite: sono appena precipitata.
ROMINA CIUFFA
VINICIO CAPOSSELA - DA SOLO
J AZZ
& blues
Ritrovarsi a un certo punto,
dopo tante traversie, da solo.
E soltanto quando soffia forte il vento, quando
il lume sembra spento e si fa scuro tutto
Ennesimo film sulla Seconda
Guerra mondiale e su un
pugno di ebrei che è riuscito
miracolosamente a sfuggire dall’Olocausto,
così si potrebbe riassumere The defiance di
Edward Zwick, ma non basterebbe.
Soprattutto perché, oltre alla bella interpreta-
zione di Daniel Craig, Liev Schreiber e Jamie
Bell, il film gode di una colonna sonora davvero
preziosa.
Le musiche, infatti, sono state composte da
James Newton Howard, uno che di cinema e
di musica se ne intende. Tantissime le nomina-
tion agli Oscar per l’artista (tra cui Il fuggitivo,
The village, Michael Clayton) e recentemente,
proprio per The defiance, come miglior colon-
na sonora ai Golden Globe 2009.
Grande amico e collaboratore di registi del
calibro di M. Night Shyamalan e Peter
Jackson, la sua musica spesso è stata avvici-
nata a quella di un altro grande compositore di
musiche per film, Jarry Goldsmith (vincitore
nel 1976 dell’Oscar per le musiche de Il pre-
sagio-The Omen).
In questo suo ultimo lavoro Howard punta le
note, coadiuvato in studio dal grande violinista
CARMINE CATALDO - CAPRI JAZZ BAR TRIO & FRIENDS
J AZZ
& blues
Un disco che
esce dal-
l’estate del
Capri Jazz
Bar questo
di Carmine
Cataldo, che
è colonna
sonora a che avrebbero dato spunto ad esplorazioni di
una malinco-
nia da nutrire in riva al mare ascoltando l’alter-
nanza tra originali e standards consolidati
come Invitation di B. Kaper o The Shadow of
your Smile di J. Mandel.
Grintosa la terza traccia Hard Pop Engineering,
Joshua Bell (che impugna uno Stradivari del
1713), al cielo cupo della guerra, degli inverni
polacchi e bielorussi, nelle tonalità malinconi-
che del pianoforte e più struggenti se possibi-
le del violino, come in Escaping the ghetto,
Survivors e Winter.
Un coinvolgi-
mento totale,
come nei profon-
di assolo di violi-
no in The wed-
ding o Exodus, in
cui le immagini
dai colori scuri si
accompagnano,
emotivamente e
psicologicamen-
te, alle note
basse degli stru-
menti e alle
miserie della
storia, fino alla bellissima Nothing is possible
dove anche la musica assieme ai giusti rovesce-
rà il buio nel suo contrario.
Flavio Fabbri
nello stile di Charlie Parker, dal quale attinge sia
nella scrittura del tema che nell’improvvisazione.
Noti i solisti, fra i quali spicca Daniele
Scannapieco, la cui presenza costituisce di per
sé una certezza per la fluidità dei brani sia nel-
l’esposizione che negli assolo. Tommaso
Scannapieco, Jerry Popolo, Giovanni Amato,
Domenico Basile, Franco Gregorio e Peppe
Plaitano sono gli altri «friends».
Sonorità uniforme che scorre senza guizzo,
Cataldo preferisce la scolasticità a quei fuori riga
solisti e ritmica. Sono scelte. Ne La storia di un
miaù e di un limone il rumore del pedale del
piano riporta allo strumento. L’amore di Tristano
e Isotta, omaggio a Michel Petrucciani, chiude
l’album e una serata al Capri Jazz Bar.

Ma non del tutto. Vinicio
Capossela è stavolta in compagnia del suo
amico più intimo, il pianoforte.
Da solo è un disco per piano e strumenti
inconsistenti. I 12 brani del nuovo lavoro spa-
ziano tra i mille cambi di stile ed umori tipici del
cantautore italiano che si destreggia tra sug-
gestioni di waltzer, tip tap, orchestrali, big
band e canzone italiana.
Una serie infinita di strumenti fantastici (tra
cui toy piano, bicchieri, theremin, optigan, mel-
lotron, mighty wurlizer, ottoni, fiati e grancas-
sa) tratteggiano ora con delicatezza, ora con
maestosità, i contorni luccicanti di un disegno
intimo, del nucleo di un animo che riflette a
voce alta nella malinconia delle notti invernali,
accompagnato dalle note che soltanto i tasti
bianchi e neri sanno plasmare.
È la solitudine cantata con spensieratezza
apparente, coperta dal sottile velo della meta-
fora che ci mostra lo sterminato immaginario
dell’artista. La solitudine che ti permette di
mostrare la tua vera natura, la libertà dalla
clandestinità. E ancora l’unione, la guerra, la
distanza, l’importanza delle parole, il cielo, il
silenzio, l’America, la verità.
GRACE JONES - HURRICANE
ALTNATIVE
ER Ritorna
ruggente la
pantera di
Kingston all’età di ben 60
anni. Per Grace Jones è
come se il tempo non
fosse mai passato.
Sembra ancora di veder-
la, negli anni Ottanta, algi-
da e imponente, beniami-
na del radical-chic di New
York, icona gay, sintesi
perfetta fra il reggae e la
disco music.
La classe, il talento, l’es-
senza «animale» e incisi-
va dell’artista giamaicana sono esattamente
le stesse ma la forza di Grace Mendoza sta nel
fatto che dopo ben 20 anni di assenza (il suo
ultimo disco, Bulletproof Heart, è uscito nel
1989) ha la forza di risultare ancora meravi-
gliosamente attuale e all’avanguardia.
Incredibile l’impatto dell’album al primo ascolto.
Hurricane ha un suono metropolitano, freddo,
tecnologico e soul, tribale, esotico, solare al
tempo stesso. Trip-hop, dub (I’m Crying –
attorno e non c’è niente del gran giorno puoi
pregare di incontrare il gigante e il mago. E
noi preghiamo!
Gianluca Gentile
Mother’s Tears, Hurricane
e Devil in my Life) e reggae
(Well Well Well, Love To
You Life e Sunset Sunrise)
convivono piacevolmente
creando una sorta di
urban reggae, un ponte vir-
tual-sonoro fra Giamaica e
Bristol, possibile anche
grazie alle numerose e
prestigiose collaborazioni
come quelle di Sly &
Robbie, Brian Eno e Ivor
Guest, Tricky e Tony Allen.
Se non si conoscesse il
titolo del disco l’impressio-
ne che si avrebbe sarebbe proprio qualla di un
uragano potente e travolgente che ti rapisce
al primo istante. Proprio come entrare in
un’altra dimensione.
Ma dopotutto, cosa aspettarsi da colei che,
parlando di sé sul sito ufficiale, dice: «I believe
whatever I dream. Whatever I dream, I want
to»?
Valentina Giosa
dichiarato omaggio a B. Powell di ispirazione bop
JOHN MAYER - CONTINUUM
«Babyface», così lo chiama la
stampa americana. Piace alle
mamme, alle figlie… È il giova-
ne della porta accanto che sta vivendo il
«sogno americano». Potrebbe sembrare uno
dei tanti ragazzini ingaggiati dalle major disco-
grafiche per un ennesimo disco pop, per quel-
l’aspetto acqua e sapone, per quella voce così
calda e delicata.
Delicato: il maggior cruccio di John Mayer è
proprio quello di liberarsi da questa immagine
da bravo ragazzo e ci riesce
perfettamente con il suo
terzo disco, Continuum, rila-
sciato dopo l’esperienza live
con il trio formato assieme
a Pino Palladino e Steve
Jordan.
È il disco della svolta, del
cambiamento, in cui decide
di abbandonare la ballad
acustica che ha caratteriz-
zato i suoi primi due lavori
per abbracciare una matri-
ce più elettrica; ad un primo
H.E.R. - MAGMA
CLASSICA
MENTE
H.E.R, al secolo Erma Pia
Castriotta, già violinista dei
Nidi d’Arac, di Teresa De Sio
e collaboratrice di numerosi altri artisti, ha deci-
so di svelare la sua natura più creativa e esce
con un CD molto interessante: «Magma». Non è
facile dare una definizione al lavoro, e già questa
di per sé è una cosa positiva.
Romina Ciuffa
ascolto l’album si presenta con 12 tracce in
cui predomina la melodia rispetto al virtuosi-
smo chitarristico tanto aspettato, ma dopo un
ascolto più approfondito, i fraseggi emergono
senza disturbare, sottovoce, non vogliono
mostrarsi e impressionare, ma accarezzarci
dolcemente le orecchie con un suono rotondo
e caldo.
Le tracce sono quasi tutte Mid-tempo, ma non
per questo povere di energia; c’è vitalità nel
singolo di apertura Waiting On The World To
Change, spiritualismo in
Gravity, un groove sinuoso
in Vultures e malinconia
acustica e delicata che ha
caratterizzato la sua prima
produzione in Stop this
train. Mayer è il musicista
che conosce le proprie
potenzialità ne è consapevo-
le, ma non le sfoggia per
vivere delicatamente a ser-
vizio della musica.
Elisa Angelini
È un disco di presentazione (si spiegano così
alcune personalissime cover, testimonianza
della sua formazione: Sweet dreams di Annie
Lennox, Amandoti dei CCCP, Non c’è ragione
di Teresa De Sioe Vita Spericolata di Vasco
Rossi), ma anche un disco sperimentale in cui
voce e violino duettano in maniera inusuale e
quasi morbosa: la voce cristallina, pura (nei
timbro ricorda la voce della sua amica
Rettore) contrasta con l’immagine dark della
musicista, mentre il violino si impone quasi
sempre sulla linea melodica, svelando quasi
un’altra parte dell’anima, più timida, che la
voce non riesce a raccontare.
Gli amici che sono accorsi a sostenere il pro-
getto (Peppe Voltarelli, Momo, Alessandro
Castriota Scanderbeg e Petra Magoni) aiuta-
no ad alternare il ritmo di un percorso in 13
tracce che altrimenti, forse, sarebbe risultato
un po’ ripetitivo .
Nicola Cirillo