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TEMA 8.

ARTE GÓTICO
Índice (coincide con los temas teóricos de Selectividad) 1.- Características generales de la arquitectura gótica. 2.- La ciudad: la catedral y los edificios civiles. 3.- La escultura: portadas y retablos. 4.- La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena. 5.- Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck.

1. Contexto histórico, concepto, cronología y extensión del estilo Gótico.
1.1 Contexto histórico.
Aunque los estilos románico y gótico se sitúan en la Edad Media y comparten un similar contexto histórico, hay una serie de circunstancias filosóficas, sociales, económicas o políticas que nos permiten entender sus diferencias. En el siglo XII el naturalismo de Aristóteles va a sustituir al idealismo de Platón que hasta entonces dominaba en el pensamiento europeo medieval1. La estructura socio-económica del Románico fue rural y feudal; la del gótico, urbana y burguesa. A partir del siglo XII el mayor rendimiento agrícola impulsó el crecimiento demográfico y liberó a una importante mano de obra que se dirigió a las ciudades. El crecimiento de las ciudades (en declive desde el siglo V) dio lugar a un nuevo grupo social, la burguesía, que se enriquece con el comercio, la artesanía y la banca. Este grupo social solía ser apoyado por las monarquías a cambio de una notable fuente de ingresos para su administración y ejércitos. Por supuesto, la religión cristiana siguió teniendo un papel central en la Europa del Gótico, pero se produjeron también unos cambios. En las ciudades nacieron las órdenes mendicantes como los franciscanos y dominicos, que sólo se refugiaban en los conventos para comer y dormir tras predicar en 2 las calles. Sus miembros van a nutrir a los claustros universitarios aportando a la escolástica profesores como San Buenaventura y Santo Tomás de Aquino. Simultáneamente, los obispos recobran la supremacía eclesiástica sobre los abades, y el centro de autoridad religiosa basculó desde el monasterio de los monjes en el campo a la catedral gobernada por el cuerpo de canónigos de la ciudad. Políticamente el siglo XIII pone fin a la disputa entre el Imperio y el Papado que caracterizó a los siglos anteriores y a las Cruzadas. Por el contrario, este siglo es el momento en que empiezan a gestarse los
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En este cambio filosófico hay que situar la figura de Santo Tomás de Aquino y la Escolástica. El arte expresionista y simbolista románico fue sustituido por el realismo del gótico. 2 El término "universidad" se deriva del latín universitas magistrorum et scholarium , "comunidad de profesores y académicos". Estas comunidades eran gremios medievales que recibieron sus derechos colectivos legales por las cartas emitidas por los príncipes, prelados, o las ciudades en los que se encontraban. Las primeras fueron las de Bolonia (Italia) en 1089, Oxford (Inglaterra) en 1096, París (Francia) en 1150, Cambridge (Inglaterra) alrededor de 1208, Palencia (España) en 1208, luego trasladada a Valladolid o Salamanca (España) en 1218.

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estados modernos al consolidar los reyes su autoridad sobre las ciudades y reducir la fuerza de la nobleza a sus castillos y dominios agrarios. El contexto antes descrito va a estar vigente hasta finales de la Edad Media, pero los siglos XIV y XV son 4 momentos de crisis social y política en los que se configurará la Europa de la Edad Moderna .

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1.2 Concepto, cronología y extensión del Gótico.
Por arte gótico se entiende un extensísimo conjunto de manifestaciones artísticas producidas dentro del marco de la cultura occidental entre mediados del siglo XII y las primeras décadas del siglo XVI, cuando el gusto renacentista se impuso en toda Europa. El estilo gótico nace en Francia a mediados del siglo XII y allí alcanza su madurez. Sin embargo su aceptación no es coetánea en todos los países europeos, mientras en España e Inglaterra lo aceptan fácilmente a finales del siglo XII, en Alemania lo aceptarán más tarde y en Italia prácticamente nunca. Ello hace difícil establecer una cronología de idéntica validez para toda Europa y por ello se toma a Francia como referente: Primera época. 2ª mitad del siglo XII y siglo XIII. El gótico nace en los territorios patrimoniales de los reyes de Francia en torno a París en la iglesia de Saint-Denis y luego en la Catedral de Notre Dame de París. A este momento del siglo XII se le conoce como gótico temprano, que no ha de confundirse con las construcciones románicas que empiezan a utilizar la bóveda de crucería, influenciadas por las construcciones cistercienses. El siglo XII es el periodo del gótico clásico en que se construyen las catedrales de Chartres, Reims, Bourges, Amiens, Beauvais,… Segunda época: siglo XIV y 1ª mitad del siglo XV. El gótico está presente ya en toda Europa y se le conoce como Gótico Internacional. Tercera época: 2ª mitad del siglo XV y 1ª mitad del siglo XVI. El estilo evoluciona hacia una profusa decoración, sin innovaciones técnicas y estructurales. Es el gótico flamígero.
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2. Características generales de la arquitectura gótica. La ciudad: la catedral y los edificios civiles.
La arquitectura del Gótico será la consecuencia de un cambio de sensibilidad entre los constructores del periodo final del Románico que les llevará a buscar dos objetivos: la elevación y luminosidad de los edificios. Para logar altura y luminosidad estos constructores alcanzarán logros sorprendentes en lo que a avances técnicos se refiere.

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Francia, Inglaterra, Portugal, Aragón, Castilla, etc. En estos siglos un cambio climático va a reducir las cosechas y por tanto el hambre asolará a Europa, epidemias catastróficas estarán siempre presentes (la Peste Negra de finales de 1347 supuso la muerte de la cuarta parte de la población europea), revueltas de campesinos contra sus señores feudales y guerras continuas (Guerra de los Cien Años entre Francia e Inglaterra, guerras civiles entre reyes y nobles,…) 5 Fueron los teóricos del Renacimiento italiano quienes vieron en el arte de épocas anteriores a la suya un reflejo del arte "inventado por los godos", en contraposición a los modos romanos encarnados por el ideal renacentista, a los que consideraban más perfectos, en la medida en que entroncaban con los modelos de la antigüedad clásica. En palabras de Giorgio Vasari, los godos "tras haber arruinado los edificios antiguos y matado los arquitectos en las guerras, construyeron cubriendo las

bóvedas con arcos apuntados e inundando toda Italia de esa maldición de edificios, de los que no podían haber hecho más"(...) "Que de ahora en adelante Dios libre a los países de aquella forma de pensar y de construir, la cual no concuerda en absoluto con la belleza de nuestros edificios ". Sin embargo, el Gótico fue resaltado por los
movimientos nacionalistas y románticos del siglo XIX y en la actualidad se considera como uno de los momentos artísticos más brillantes del mundo occidental.

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2.1 Características generales de la arquitectura gótica.
El predominio del muro sobre el vano propio de la arquitectura románica va a dar lugar a que en el Gótico el muro va perdiendo su principal función de soporte, para pasar a ser un mero cerramiento, por lo que acabará siendo sustituido por paneles de vidrio policromado, las vidrieras. El tipo de arco sistemáticamente utilizado será el apuntado, más seguro que el de medio punto y que permite su elevación. Otros arcos utilizados serán el conopial, el rebajado o de tres centros, el tudor, el de cuatro centros, el mixtilíneo, etc. La cubierta utilizada será la bóveda de crucería, también llamada de ojiva o de nervios. Deriva de la bóveda de arista románica y está formada por el cruce de dos arcos apuntados. Los nervios adquieren un papel definitivo en la construcción ya que en ellos descansa la bóveda haciendo más ligera la cubierta y permitiendo elevar la altura del edificio. La bóveda de crucería se va ir haciendo más compleja: a la bóveda cuatripartita se le sumarán nuevos nervios dando lugar a la bóveda de terceletes y a las bóvedas estrelladas del siglo XV. La consecuencia de la multiplicación de nervios en la cubierta será la inmediata transformación de sus soportes. El núcleo central de los pilares será rodeado por finas columnillas adosadas que recibirán el peso de los nervios de la cúpula. Estos pilares se llamarán pilares baquetonados. Los pilares no son suficientes para recoger todo el peso de las cubiertas, soportan los empujes verticales, pero para los oblicuos se utiliza un nuevo elemento, el arbotante, un trozo de arco que parte del arranque de la bóveda de crucería y conduce sus empujes laterales hasta los contrafuertes que recorren exteriormente el edificio. Los arbotantes también tienen la función de ser canales por donde bajan las aguas del tejado y las salidas se decoran con gárgolas. Cada contrafuerte suele aparecer rematado por un pináculo, pequeño pilar terminado en forma piramidal, que además de una mera función decorativa, ejerce con su peso un empuje vertical sobre el contrafuerte ayudándolo a contrarrestar el empuje oblicuo del arbotante. Las principales expresiones arquitectónicas del Gótico estarán en las ciudades. La catedral será el tipo de edificio más importante del estilo y la otra gran novedad serán toda una serie de edificios civiles (públicos y privados): la universidad, la lonja, el ayuntamiento y el palacio.

3. La ciudad: la catedral y los edificios civiles.
3.1 La catedral.
Frente a la arquitectura monástica imperante en la Europa del Románico, será ahora la Catedral, en la ciudad, el edificio modelo de este momento. Europa entera se eriza de catedrales góticas: en Francia se levantan las de Laon (1155), París (1163), Chartres (1194), Bourges (1195), Reims (1211) y Amiens (1220); en Inglaterra, la de Salisbury (1220); en España, las de Burgos (1220), Toledo (1225) y León (1255); y en Alemania, las de Colonia (1248) y Estrasburgo (1250),… La catedral era el centro físico y simbólico de la ciudad. Durante generaciones, la ciudad trabajó para su catedral6, ya que su tamaño y complejidad dilataron en el tiempo su terminación, volcándose en ella los esfuerzos de los ciudadanos.

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Puede decirse también que las ciudades llegaron a ser lo que fueron gracias a la construcción de las catedrales.

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La catedral, en tanto que iglesia mayor, se constituyó en símbolo de la riqueza de una comunidad: del poder del prelado que la mandó construir, la alianza entre el clero y la monarquía, del orgullo de la burguesía. No solo era un lugar de oración, sino el marco para celebrar fastos reales (coronaciones, bautizos, bodas y funerales) reuniones de gremios, mercado, representaciones teatrales, etc. La planta dominante será la basilical, de proporciones enormes, con tres o cinco naves (la central bastante más alta y ancha que las laterales) y crucero, generalmente poco sobresaliente del ancho total del templo. La cabecera adquiere especial desarrollo con girola que puede ser doble y capillas exteriores radialmente dispuestas y de forma poligonal. La otra planta presente es la llamada planta de salón. En el alzado es frecuente una diferencia de altura notable entre la nave principal, las laterales y las capillas extremas. Esta peculiaridad será diferente en cada país, muy acusada en Francia y muy poco en España, por ejemplo. Las tribunas románicas fueron sustituidas por una angosta galería llamada triforio. La desaparición de la tribuna permite que aumente el tamaño del claristorio o ventanales altos de iluminación. Por tanto el alzado interior de las catedrales góticas se estructura en tres niveles: las arcadas, el triforio y el claristorio. El espacio interior de la catedral gótica queda definida por las dos constantes de la arquitectura gótica, altura de las bóvedas que crece hasta límites inconcebibles como los 51 metros en Beauvais (Francia) y la luminosidad conseguida con los ventanales de tracerías y tamizada por el cromatismo de las vidrieras. El exterior de la catedral refleja el sistema de soportes: arbotantes, contrafuertes, pináculos. Las fachadas van a adquirir un gran desarrollo, la principal y las del crucero. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con terraza o con un cuerpo apiramidado llamado chapitel. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón que iluminan el interior. También las portadas laterales se decorarán. En ocasiones la fachada se remata con un gablete triangular. Las portadas siguen el modelo románico: son arcos apuntados y abocinados, en ocasiones cubiertos con gabletes y en ellas se encuentra la decoración escultórica. Su número varía en función de las naves que hay en el interior. Es habitual que existan también frisos continuos de hornacinas repletas de motivos escultóricos. También en el exterior sobresalen campanarios y cimborrios siempre rematados con las agujas de los pináculos. En cuanto a la decoración hay un cambio de signo respecto al románico, mucho más naturalista. La decoración gótica se concentra en las portadas y ventanas. En los interiores hay que destacar los grandes ventanales decorados con vidrieras y con la llamada tracería gótica, los retablos y las sillerías de los coros. Arquitectura religiosa en Europa Occidental: Francia. El gótico nace en Francia en torno a París, con la Abadía de Saint Denis y la Catedral de Notre Dame. Del siglo XIII son las catedrales de Chartres, Reims, Amiens y Bourges en que la nave central es mucho más alta que las laterales, desaparece la tribuna, dos torres gemelas flanquean la fachada y sobre el cimborrio se acomoda una larga aguja así como la Sainte Chapelle de París. Alemania. El gótico alemán sigue las características francesas, aunque predomina la severidad y pureza de líneas, acentúa la verticalidad y la elevación de las torres así como la decoración de las agujas. Destacan las catedrales de Colonia, Estrasburgo y Frigurgo.

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Inglaterra. La influencia francesa en Inglaterra primero tiende a la horizontalidad como la catedral de Lincoln. Del siglo XIV son la Catedral de Gloucester y de Wells. Del siglo XV son la Capilla de San Jorge en Windsor y la Capilla del Colegio Real en Cambridge. Italia. En Italia la arquitectura gótica no es tan elevada como en el resto de Europa. Predomina la horizontalidad y la utilización de placas de mármoles policromados así como la casi ausencia de arbotantes excepto en la catedral de Milán de influencia alemana. Sobresalen las catedrales de Siena, Orvieto y Florencia. Portugal. La principal obra gótica es el monasterio de Batalha del siglo XIV. A finales del XV nace el estilo manuelino con decoración fastuosa representado por el Monasterio de los Jerónimos en Lisboa. España. La arquitectura gótica española se caracteriza por un menor interés hacia la altura que el que manifiestan los modelos franceses. En España las construcciones serán especialmente anchas, sin que las torres ni las agujas determinen el espacio exterior. Esta característica es mucho más acusada en Cataluña, Valencia y Baleares, donde la línea horizontal es predominante. Las primeras catedrales góticas españolas del siglo XIII son las de León y Burgos (las que mayor influencia francesa tienen, sobre todo la de León), Toledo, Ávila, Cuenca, etc. Del siglo XIV son las de Barcelona, Gerona, Oviedo, Vitoria, Pamplona, Valencia, Palma de Mallorca o la Iglesia de Santa María del Mar de Barcelona. En el siglo XV se comienza la catedral de Sevilla. Las últimas catedrales góticas son ya de principios del siglo XVI, las de Salamanca y Segovia.

3.2 Los edificios civiles.
El desarrollo urbano motivado por el aumento demográfico y la reactivación económica, junto con el creciente papel desempeñado por los municipios en la configuración del Estado moderno, propicia la aparición de espacios comunitarios, plazas, y de edificios de carácter tanto público, lonjas, ayuntamientos, universidades, como privados, casas y palacios, que dejan de ser monopolio de la nobleza y se construyen mediante la utilización de elementos formales góticos. La construcción de dichos edificios se incrementa en las zonas donde la actividad mercantil es más acusada. Destacan los edificios del gótico civil en Flandes, norte de Italia y levante de la Península Ibérica.

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Cuando se hizo preciso un espacio propio para el poder urbano, surge un nuevo tipo arquitectónico, el ayuntamiento. A fines del siglo XIII se empezaron a levantar ayuntamientos en espacios o plazas propios como ocurrió en algunas ciudades italianas. Estos primeros ayuntamientos solían ser una alta torre cuadrangular que servía como arsenal, archivo y lugar de reunión. Posteriormente alcanzaron mayores dimensiones con una planta baja (que solía utilizarse como mercado o prisión) y una sala superior de asambleas. En Italia destacan los ayuntamientos de Volterra, Siena, Florencia o Venecia. En Alemania y los Países Bajos los ayuntamientos tenían tejados empinados y galerías porticadas en la planta baja como los de Bruselas, Bujas, Lovaina o Münster.

Ayuntamiento de Siena

El incremento del comercio de las ciudades se manifiesta en las lonjas, edificios destinados a las contrataciones mercantiles. En los Países Bajos la primera lonja es la de Ypres (Bélgica) de 1202 otros ejemplos son las lonjas de Brujas y Gante. En el Reino de Aragón hay que resaltar las lonjas de Valencia y Palma de Mallorca, ambas del siglo XV. La riqueza y el lujo de la burguesía y nobleza urbana del siglo XV se manifiesta en sus palacios, suntuosas mansiones urbanas, adaptadas a los negocios y a la vida doméstica. Son viviendas con almacenes, oficinas, salas de recepción, dependencias para la servidumbre y habitaciones confortables de la familia del propietario. Son ejemplos el Palacio de los Papas en Aviñón (Francia), la Ca d´Oro en Venecia para un banquero, el Hôtel de Jacques Coeur en Boruges (Francia)

3. La escultura: portadas y retablos.
La escultura gótica, desarrollada fundamental aunque no únicamente en el marco de la catedral, es el vehículo esencial mediante el cual se expresa el cambio de pensamiento del hombre gótico y su espiritualidad.

3.1 Características generales:
a) Carácter naturalista, consecuencia de una nueva visión del mundo. Este naturalismo se inicia en el siglo XII, pasará por una idealización en el XIII y según algunos autores por un realismo en los siglos XIV y XV hasta enlazar con la escultura renacentista. El naturalismo se manifiesta en: - Alejamiento de la frontalidad anterior, se busca un movimiento que pasa de suaves contrapostos a las incurvaciones posteriores. - Búsqueda de volumen, al liberar la escultura progresivamente del marco arquitectónico. - En los ropajes los pliegues cada vez serán más abundantes y con mayor sensación de peso y movimiento. Serán blandos o angulosos según el momento. - Se busca un sentido narrativo utilizando recursos como la valoración de la relación y diálogo entre los personajes, la potenciación de los giros, escorzos, miradas, etc. - Preocupación por la expresión, que supondrá el paso de las imperturbables figuras del siglo XII, a las primitivas sonrisas del XIII, las Vírgenes bellas hasta representaciones patéticas, de dolor, placer así como de rostros individualizados.

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b) La función didáctica sigue existiendo con el mismo sentido que en el Románico. c) Sobre las figuras se suele situar un dosel y estas también suelen apoyarse sobre un pedestal, quedando así enmarcada la figura, los brazos aparecen unidos al cuerpo, las líneas de la ropa, rígidas, paralelas y poco profundas. d) Los materiales utilizados serán muy diversos: piedra, mármol, alabastro, madera, marfil que en su mayoría se van a pintar.

3.2 La ubicación de la escultura gótica: portadas y retablos.
La escultura gótica se situará en un marco arquitectónico, igual que en el Románico, pero cada vez tendrá mayor importancia fuera de esta ubicación: en los retablos, sepulcros o como escultura exenta. La obra arquitectónica fue en el arte gótico, al igual que en el Románico, el marco propio de la escultura. Disminuyeron los lugares o espacios-soporte de la escultura, desapareciendo la relevancia del capitel como superficie destinada a recibir relieves, a lo sumo motivos vegetales (tallos, las palmeras, las hojas de acanto, la flora propia de la región) a) Las portadas góticas. El lugar de máximo interés escultórico fue, en consecuencia, la fachada de los edificios, especialmente de los religiosos, en particular, sus portadas. Esta decoración aparece en las arquivoltas, el tímpano, los dinteles, en las galerías figuradas o en las tracerías de los rosetones y ventanales. Especial atención tendrán como soportes de escultura el parteluz y las jambas de las portadas, las hornacinas y las gárgolas. Frente al arte épico y majestuoso de los tímpanos románicos, las grandes portadas góticas despliegan un humanismo sosegado y en calma. Además la escultura gótica se libera del marco arquitectónico, las proporciones ya no dependerán de la arquitectura sino del propio cuerpo humano. Van a existir tres tipos fundamentales de portadas góticas según el tema que se represente en los tímpanos: Juicio Final, Virgen y Santos. El tema del Juicio Final sustituye a la visión apocalíptica del Cristo en majestad románico que cada vez es más descriptivo y representa el retorno de Cristo al final de los tiempos como culminación de la Historia. El culto a la Virgen alcanza en este momento un extraordinario desarrollo por el impulso del Cister y por las numerosas catedrales consagradas a la Virgen-madre, siendo representada en la Coronación, el Tránsito y la Asunción. La disposición de la portada gótica va a ser muy similar a la románica, si bien el arco y las arquivoltas van a ser apuntados. Sólo va a variar el repertorio iconográfico. En las arquivoltas se representan coros de ángeles o los 24 ancianos del Apocalipsis situados en el sentido del arco, no radialmente como en el románico. En el parteluz se nos muestra a Cristo o a la Virgen con unas representaciones muy humanizadas que invitan a los fieles a entrar en el templo. En las jambas aparecen imágenes de santos, apóstoles o profetas a veces entablando conversación entre ellas. Algunas de las mejores portadas góticas son las de las catedrales de Chartres, Amiens, Reims o París en Francia, las de Colonia o Nuremberg en Alemania o las de Burgos, León y Toledo en España.

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b) Escultura en el interior de las iglesias y catedrales: púlpitos, coros y retablos. En el interior de las catedrales e iglesias góticas, la escultura se desarrollara concentrada alrededor del presbiterio, aunque también pueden haber figuras de bulto redondo adosadas a los pilares: en los púlpitos como el de la Catedral de Pisa de Giovanni Pisano, en los coros y en los retablos. Uno de los campos principales de expansión de la escultura en el ámbito del presbiterio lo constituyen los RETABLOS. Son como una portada interior, confeccionada en madera policromada y pueden ser pictóricos, escultóricos o ambos a la vez. Su origen estuvo en Italia y sobre todo en Flandes, en los talleres de Bruselas, Amberes,..., donde alcanzaron tal difusión que su fabricación se convirtió en una actividad industrial, favoreciendo la exportación a otros países de Europa. En la Península Ibérica tuvieron un desarrollo enorme, tal vez por la necesidad de embellecer el altar mayor, que había quedado desnudo al situarse el coro en la nave central. Cataluña optó por los retablos pintados, destacando el taller de los hermanos Serra que surtió de obras a toda la región bajo la influencia del Trecento italiano. Un ejemplo es el retablo de la Cofradía del Espíritu Santo de la Iglesia de Santa María en Manresa (Barcelona). Castilla prefirió los retablos escultóricos flamencos que bien se exportaban desde Flandes o eran realizados por retablistas flamencos afincados en las ciudades castellanas. Del siglo XV son dos de los mejores ejemplos, el de la Cartuja de Miraflores (Burgos) realizado por Gil de Siloé y el Altar Mayor de la Catedral de Sevilla de Pyeter Dancart7.

3.3 Iconografía.
La iconografía gótica parte de los modelos románicos para buscar nuevos tipos que reflejen el mundo real. a) Representaciones de Cristo. Para las representaciones del Juicio Final, en el Gótico se prefiere el Cristo sufriente y triunfante que muestra las heridas. La figura del crucificado aparece desnudo, sólo con una faldilla hasta las rodillas o más corta, con pliegues angulosos. El cuerpo no está rígido sino desplomado, como algo que pesa; un solo clavo sujeta ambos pies, lo que obliga a cruzar las piernas. La corona de rey se sustituye por la corona de espinas, los cabellos caen en largos mechones y del costado abierto mana sangre. Cristo inspira ahora compasión, nos acercamos a Dios por la vía del dolor. b) Representaciones de la Virgen. La representación de la Virgen será más importante que en el Románico . Suele aparecer su imagen en los tímpanos, en los parteluces, retablos y en imágenes exentas. Los motivos representados son muy variados: la Presentación, Coronación, Muerte, Asunción y la Anunciación (se inicia en este momento). Pero sin duda la iconografía más típica es como Madre de Cristo, una escena íntima y maternal donde la Virgen y el niño se miran con ternura y cariño, sonríen y a veces el niño alarga la mano para coger una fruta o flor que le ofrece su madre o para acercarse al pecho o tocar su rostro. Podemos destacar la Coronación de la Virgen del Museo del Louvre en París, la Virgen de la Visitación de
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Se cree que es el retablo más grande del cristianismo, 20,5x18 metros. La devoción a la Virgen fue fomentada por los cistercienses y luego por las órdenes mendicantes como los franciscanos. Muchas de las catedrales estarán bajo la advocación de Santa María.
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la portada de Reims, la Virgen Blanca de la Catedral de Toledo y La Virgen Blanca del parteluz de la puerta principal de la Catedral de León. Otra de las representaciones de la Virgen son las relacionadas con la Pasión, donde la Madre expresa dolor por su Hijo, tales como la Virgen de la Piedad, el Llanto sobre el cuerpo de Cristo o el Santo Entierro. c) Representaciones de Santos. La representación de Santos alcanza gran esplendor. Ellos protegen de las enfermedades, velan por los gremios, cuidan de las ciudades,… Sus imágenes y la narración de sus vidas (hagiografías) llenarán fachadas, retablos, etc. d) Representaciones fantásticas. El naturalismo del gótico contrasta con el sistema de representación antinaturalista del románico, si bien pervivió la admiración por lo maravilloso y lo fantástico como por ejemplo en las gárgolas. e) Sepulcros monumentales. El siglo XIV provocó un gran cambio en la actitud del hombre ante la muerte, las imágenes del Juicio Final serán sustituidas por el momento de la muerte personal. Esto repercute en la escultura funeraria monumental. Estos sepulcros monumentales pueden quedar exentos en el centro de una capilla funeraria o más comúnmente adosado lateralmente a un muro y cobijado bajo arcosolio. La tipología de los sepulcros yacentes es variadísima: representan al difundo como si estuviera dormido, recostado leyendo, orantes e incluso a caballo. Están vestidos según su condición social. A los pies se coloca un animal simbólico como un perro o un león. Ejemplos son el sepulcro conocido como, El Doncel de Sigüenza, que está catedral de Sigüenza (Guadalajara), el Sepulcro de Juan II de Castilla y de Isabel de Portugal y el Sepulcro de Alfonso de Castilla9 ambos en la Cartuja de Miraflores (Burgos) En otras ocasiones aparecen temas en relación con la liturgia o rito de los funerales como el cortejo fúnebre o el enterramiento. Ejemplos son el Sepulcro de Felipe el Atrevido en Dijon y el Sepulcro de Philippe Pot del Museo del Louvre en París, ambos en Francia Por último están las tipologías macabras con la descomposición del cadáver y la representación de la muerte, que serán recobradas en el barroco.

# Caracteres generales de la pintura gótica.
El giro estético que se produce en la transición del Románico al Gótico tiene en la pintura un ejemplo perfecto para expresar el cambio producido en la vida e ideales europeos. La pintura gótica la vamos a estudiar en tres apartados. En el primero se indicarán unas pautas comunes, muy básicas a toda la pintura gótica (dentro de la gran diversidad que tiene) y en los dos siguientes la pintura italiana del siglo XIV o El Trecento y la pintura gótica que se realizará en los Países Bajos en el siglo XV. En la pintura gótica hay una nueva clientela que deja de ser monástica para ser sustituida por la Iglesia, los reyes y la burguesía. Estos potenciarán la producción de obras protegiendo a artistas que desarrollarán talleres ciudadanos importantes.

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Juan II y el infante Alfonso eran padre y hermano de Isabel la Católica, reina de Castilla.

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Diversidad es otra de las características de la pintura gótica: distintos periodos, escuelas, países, géneros y técnicas. Se ha establecido una periodización en cuatro etapas: o Gótico lineal o estilo franco-gótico, siglo XIII. o Estilo italo-gótico: Duecento (siglo XIII) y Trecento (siglo XIV) o Gótico internacional (1350-1420) o Pintura Flamenca, siglo XV y principios del XVI. La nota común de la pintura gótica es el naturalismo o intento de reproducir el mundo real muy relacionado con un sentido narrativo. Este proceso culminará en el realismo de la pintura flamenca del siglo XV. Elementos de la composición: o Gran importancia de la línea y el dibujo. o Pintura muy colorista que evolucionará hacia las tonalidades. o El tratamiento de la luz evolucionará a su vez desde fondos dorados hasta otros más realistas. o Búsqueda de la representación de la perspectiva. Por su puesto, la función principal de la pintura sigue siendo didáctica y los temas representados siguen siendo principalmente religiosos. La novedad es que también se desarrolla una temática profana. Las técnicas empleadas son variadas. La pintura mural utiliza la pintura al fresco, si bien es en Italia donde tiene más importancia y la pintura sobre tabla utilizará dos técnicas: la pintura al temple (ya empleada antes) y la pintura al óleo como novedad en la pintura flamenca.

4. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena.
Con la llegada del S. XIV se produce un cambio trascendental en el desarrollo de la pintura gótica, desplazándose la atención desde Francia a Italia10, que pasa a ser el centro artístico y cultural de Europa. La pintura del Trecento presenta una doble tendencia en la región de la Toscana: la florentina y la sienesa. La Escuela Florentina, cuyo máximo representante será Giotto, rompe con la tradición bizantina, introduciendo novedades desde un punto de vista técnico y estético que abren paso al Renacimiento. La Escuela de Siena, por su parte, tendrá como máximo representante a Simone Martini, que a través de su estancia en Avignon supondrá el arranque de la pintura del gótico internacional. Algunas de las aportaciones de esta etapa son el intento de la representación de la perspectiva, de la preocupación por la anatomía realista de las figuras, por gestos y actitudes para lograr una expresión de sentimientos y el abandono progresivo de los fondos dorados en pro de un intento de representar la luz natural que haga que los colores dejen de ser planos para tener tonos.
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Ya en el S. XIII, se había desarrollado en Italia la pintura del Duecento, muy influida por el bizantinismo y caracterizada por la búsqueda del naturalismo y la expresión de sentimientos, que hay que tener en cuenta para explicar la posterior eclosión del XIV.

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Aunque estos aspectos se reflejan en mayor o menor medida en las dos escuelas, al mismo tiempo existen marcadas diferencias. Mientras la Escuela de Florencia difunde un arte duro, con monumentalismo, sentido volumétrico, teatralidad y contenido dramático en ocasiones, la Escuela de Siena, sin olvidar los avances técnicos, representa un arte más amable, suave, en el que se valora la belleza de líneas y la combinación de colores más suaves. Es una pintura un tanto idealizada y con preferencia por los temas marianos11.

4.1 La pintura florentina del Trecento: Giotto di Bondone (1266?-1337)
Es el artista más relevante del Trecento italiano si atendemos tanto al volumen de su obra cuanto a la trascendencia de la misma. Figura capital, supone un cambio profundo en la evolución de la pintura gótica, así como en la historia de la pintura en general. Sus obras más famosas son sus grandes conjuntos murales (frescos) de la iglesia Alta de Asís, de la Capilla Scrovegni en Padua y de la iglesia de la Santa Croce de Florencia (capillas Peruzzi y Bardi). Creador de un nuevo lenguaje artístico en el que se renuevan los conceptos espacial, lumínico y narrativo, desarrolla una serie de avances técnicos que hacen de él el iniciador de la pintura moderna: Preocupación por el espacio: representación del paisaje y de los encuadres arquitectónicos. Estos paisajes son concebidos muy simples y empequeñecidos (unas montañas, unos árboles,…). Es la figura y no el marco lo que le interesa. Sus arquitecturas son también pequeñas o inverosímiles, llegando a cortar un edificio para que se vea lo que hay dentro. Sus figuras van a tener un sentido escultórico. Ofrecen un canon macizo, solemne, recurre a escorzos, figuras replegadas sobre sí mismas o de espaldas al espectador o con sombras en los pliegues de los ropajes. Para representar la perspectiva, la ilusión de profundidad sobre una superficie plana, Giotto yuxtapone diversos puntos de vista convergentes en líneas de fuga fuera de la composición. Consigue así un carácter escenográfico que prepara el camino para la pintura renacentista.

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La fama de Giotto se difundió por todas partes: los florentinos estaban orgullosos de él, se interesaban por su vida y referían anécdotas relativas a su ingenio y habilidad. Esto constituyó también una gran novedad, pues antes nunca había existido algo parecido. En este aspecto también el pintor Giotto inició un nuevo capítulo en la historia del arte. A partir de entonces, ésta, primero en Italia y después en los demás países, es la historia de los grandes artistas.  Los frescos de la Iglesia de Asís tienen un programa iconográfico que preveía una relación simbólica entre el Antiguo y Nuevo Testamento, pintadas en la parte alta de la nave y en el transepto así como las historias de San Francisco a lo largo del zócalo. Ej Los Estigmas de San Francisco. Los frescos de la Capilla de los Scrovegni en Padua fueron realizados por Giotto sobre el 1305. Representan escenas de los Evangelios, el Juicio Final y alegorías de las virtudes y los vicios. Los frescos conocidos como El Prendimiento y La Matanza de los Inocentes son ejemplos de cómo era el estilo de Giotto que le diferenció de sus contemporáneos. Utiliza la escala de las figuras, la gradación de los colores, la disminución de los volúmenes para lograr una composición en profundidad, la perspectiva. Además confiere al volumen de las figuras una concepción espacial para lo que se sirve del claroscuro, iluminando las que se encuentran más distantes. El otro aspecto que supone una aportación de Giotto es el nuevo sentido de la composición que a diferencia de sus antecesores que situaban a las figuras de forma aislada, Giotto articula a las figuras para convertirse en partícipes de una acción colectiva movida por un acontecimiento como en el caso de El Prendimiento en torno a las figuras de Jesús y Judas.

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Temas marianos: alusivos a la Virgen María.

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4.2 La escuela de Siena: Simone Martini (1283-1344)
Simone Martini tiene un lenguaje artístico muy personal, caracterizado por un cierto "bizantinismo": - Aire delicado, amable, despreocupado y cortesano. - Preferencia de las bellas líneas, gráciles y onduladas, a las masas sólidas. Tratamiento estilizado de la figura humana. - Arte miniaturístico, que gusta de acumular figuras y elementos anecdóticos, faltando la claridad narrativa que es propia de la pintura florentina. - El color no es propiamente un elemento plástico, sino que tiene un sentido preciosista, decorativo. Sigue utilizando los fondos dorados que permite concentrar la atención sobre los personajes. Sus temas más característicos son los dedicados a la Virgen, 12 destacando la "Maestá" de 1315 para el Palacio Público de Siena, un icono de la Virgen bajo palio, rodeada de los santos locales, y, por supuesto, su "Anunciación"13 del Museo de los Uffizi de 1333. Es esta su obra cumbre, destinada inicialmente a la capilla de San Ansano, en la Catedral de Siena; en ella funde el convencional fondo de oro bizantino con la línea ondulante del gótico francés, visible en las refinadas y elegantes siluetas del ángel y María.

La Anunciación. Simone Martini

5. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck.
5.1 Contexto histórico.
Durante el primer tercio del siglo XV se inicia el estilo flamenco que tendrá una fuerte y larga influencia sobre gran parte de Europa. Desde finales del siglo XIII se va a centrar en las ciudades de Flandes como Arrás, Gante, Yprés o Brujas la producción de tejidos de lana y el comercio de los mismos. Así la importancia que tendrán en estas ciudades flamencas los burgueses será enorme y estos van a ser los clientes de los pintores, que crean un estilo propio, a los que se les van a llamar primitivos flamencos (para diferenciarles de los pintores flamencos del siglo XVI y XVII).

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Maestá, Simone Martini. 1315. Fresco, 763 x 970 cm. Palazzo Pubblico, Siena La Anunciación. Simone Martini. 1333 Temple sobre tabla. 184 x 210 cm. Galería de los Uffizi, Florencia.

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5.2 Caracteres generales de la escuela flamenca.
El material utilizado es la tabla con la técnica de la pintura al óleo . La mayoría de las obras son de pequeño tamaño (más apropiadas para adornar estancias hogareñas que templos o palacios) y con frecuencia constan de tres tablas (trípticos) con bisagras. Minuciosidad. Los pintores se recrean en la representación de los detalles más nimios: las cabelleras no son una masa confusa sino que se perciben los cabellos uno a uno, pueden contarse los pétalos de una flor en un prado, etc15. Realismo. Los pintores intentan representar la realidad tal como es, lejos de la idealización física de la pintura renacentista italiana que se hacía de forma contemporánea. En los retratos se consigue la captación psicológica de los personajes. Amor al paisaje. En las tablas se reflejan montañas, caminos, prados y bosques, etc. Cuando la escena es una habitación, el paisaje aparece a través de una puerta o ventana. Delectación en la reproducción de los objetos. Es frecuente la representación de la arquitectura, habitaciones y sobre todo cosas pequeñas de la vida cotidiana como monedas, mesas, telas con pliegues duros (como si estuvieran almidonadas). Muchos temas religiosos se conciben como escenas burguesas en un hogar plácido, con muebles, alfombras o cuadros. Además muchos objetos suelen tener una simbología. Temáticas religiosas y profanas. Las escenas religiosas son tratadas como escenas de la vida cotidiana en las que frecuentemente aparece el cliente o donante como un personaje más. La innovación es que esta persona se representa al mismo tamaño y dignidad que los personajes sagrados y con sus rasgos reales, son retratos.
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Los principales autores de esta escuela son ROBERT CAMPIN, los hermanos VAN EYCK (fundamentalmente Jan Van Eyck), ROGER VAN DER WEYDEN, GERARD DAVID, HANS MEMLING, HUGO VAN DER GOES, PATINIR, BRUEGHEL, EL BOSCO...

5.3 Los hermanos Van Eyck. Jan Van Eyck.
Humberto y Jan van Eyck16 procedían de una familia de pintores de la ciudad de Maaseik (Bélgica). Del hermano mayor, Humberto se tiene muy poca información, básicamente su firma en la obra común Políptico del Cordero Místico. De Jan se dispone de mucha más información y se sabe que trabajó como pintor para burgueses flamencos, importantes miembros de la iglesia o de los nobles que dominaban Flandes, los duques de Borgoña. También les servirá a los duques de Borgoña como diplomático en la Península Ibérica e Italia. Desde 1429 se establece en Brujas y se dedica sólo a su trabajo como pintor, convirtiéndose en uno de los artistas más grande de todos los tiempos. El arte de Jan van Eyck fue admirado por toda Europa (incluso por los pintores renacentistas italianos del Quattrocento) e imitado en su técnica al óleo, su detallismo o las llamadas “veladuras” o transparencias de color aplicadas en capas muy finas de óleo. De toda su obra vamos a destacar varios de sus tablas: El Políptico del Cordero Místico, El matrimonio Arnolfini, la Virgen del canónigo van der Paele, La Virgen del canciller Rollin o El hombre del turbante.
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Esta técnica del óleo, otorga un brillo nuevo a los colores, posibilita la minuciosidad en los detalles, las correcciones durante el proceso de ejecución de la obra, y permite matizar los colores mediante las famosas "veladuras", capas sutiles y traslúcidas, que se colocan sobre un fondo más denso y resaltan las calidades de los objetos. 15 Utilizan una especie de plumilla finísima que les permite introducir una cantidad increíble de formas en un espacio reducido de la tabla. 16 Jan van Eyck. Maaseik, 1390 – Brujas, 1441.

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El Políptico del Cordero Místico fue una obra realizada junto a su hermano Humberto en la década de los 20 del S. XV. Había sido encargada por el matrimonio Vijd (burgueses de Gante), quienes previamente habían financiado la construcción de una capilla propia en el deambulatorio de la catedral de San Bavon de Gante. Abierto, se estructura en dos partes. En la parte superior hay una visión de Dios entronizado y flanqueado por la Virgen y Juan el Bautista, Adán y Eva y dos coros de ángeles cantores y músicos. En la parte inferior se despliega un desfile de reyes, caballeros, profetas, obispos y santos que convergen hacia el cordero, símbolo de Cristo, que derrama su sangre en un cáliz. En esta obra se aprecian las dos características de la obra de los van Eyck, la composición simbólica y la exactitud meticulosa de las telas, joyas, el vidrio, los metales y flores del paisaje. El matrimonio Arnolfini18 fue un encargo de un banquero italiano de la Lucca que residía en Brujas. Representa el rito nupcial donde promete fidelidad a su esposa (también italiana) en la alcoba de su mansión. Los dos hombres que se reflejan en el espejo cóncavo del fondo son los testigos de la boda19, siendo uno de ellos el propio pintor que firma el cuadro con la leyenda “Jan van Eyck estuvo aquí”. Las dos características fundamentales de la pintura de Jan van Eyck están presentes: el realismo y el simbolismo. El ambiente elegido en el cuadro es el dormitorio de una casa burguesa, con los muebles, espejo, lámpara etc. que al igual que las ropas o el paisaje que se intuye en la ventana están minuciosamente reproducidos. A la vez es muy simbólico por los siguientes elementos: Lámpara con un solo cirio encendido, símbolo de Cristo que se utilizaba en los juramentos. Perrillo, símbolo de la fidelidad conyugal. Espejo, que nos permite ver (deformado) todo lo que se ve en la habitación pero también simboliza la pureza, acentuado con el rosario colgado junto a él y por los 10 círculos labrados con escenas de la Pasión de Cristo de su marco. Cabecero de la cama, con la talla de Sta. Margarita sobre el dragón, patrona y protectora de los nacimientos. Naranjas próximas a la ventana, símbolo de riqueza al tener que ser importadas desde el sur de Europa. El color verde del vestido de la novia, símbolo de la fertilidad. Zapatos situados descuidadamente a un lado, pues en aquella época se creía que pisar el piso descalzo favorecía la fecundidad y dan cuenta de la celebración de una ceremonia religiosa. Vientre pleno de la esposa, que bien puede responder al gusto de la época o ser un anuncio de la fecundidad ligada al matrimonio20.

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Políptico del Cordero Místico. Humberto y Jan van Eyck. 1426. Capilla de los Vijd, Catedral de San Bavón, Gante (Bélgica). Óleo sobre tabla. 350x323 cm cerrado y 350x461 cm abierto. 18 El Matrinonio Arnolfini. 1434. Óleo sobre tabla. National Gallery de Londres. 82x59 cm. 19 El matrimonio entonces no requería de un sacerdote que sirviera necesariamente de testigo, sino de un acto voluntario de los que iban a desposarse. En el retrato Arnolfini se lee junto al espejo del fondo: " Johannes de Eyck fuit hic 1434". 20 Paradójicamente, a pesar de tantos símbolos referentes a la fecundidad, el matrimonio no resultó satisfactorio puesto que no engendraron descendencia y años después Arnolfini fue solicitado en los tribunales por una amante despechada que reclamaba compensación.

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Sainte-Chapelle (Capilla Real) de la île de la Cité. París.
Título: Sainte-Chapelle (Capilla Real) de la île de la Cité. París. Autor: Pierre de Montreuil. Género: Arquitectura religiosa. Interior. Cronología: 1241-1248 (Siglo XIII). Estilo: Arte Gótico (Gótico clásico). Otras obras: Catedrales de Nôtre-Dame de París, Reims, Amiens o Beauvois. La capilla de la Sainte-Chapelle de París es uno de los edificios más singulares del estilo gótico, tal vez la joya más admirable de todas las obras de arte francesas y, donde se puede ver mejor las audacias a las que llegó el sistema constructivo de este estilo. Construida como relicario o joyero a custodiar reliquias de la Pasión, la santa Capilla debía cumplir así mismo la función de capilla del Palacio real. La historia de la capilla comienza en 1241 cuando fueron llevadas hasta Francia, desde Siria y Constantinopla, la corona de espinas, parte de la cruz, el hierro de la lanza, la esponja y otras reliquias del martirio de Jesucristo, que habían sido adquiridas por el rey francés Luis IX al emperador bizantino. El proyecto se debe, probablemente, a Pierre de Montreuil que la edificó en un corto período: de 1242 a 1248. Se trata de una iglesia de medianas dimensiones con dos niveles. La capilla inferior cumple la función de cripta baja, de toda la extensión de la planta, para elevarla en el aire; estaba destinada al pueblo llano y dedicada a la Virgen, se divide en tres naves cubiertas por bóvedas de crucería sostenida por gran cantidad de columnas. Esta capilla sostiene el peso de la superior. El nivel superior (lo que verdaderamente constituye la capilla) estaba reservado a la familia real y los miembros de la corte y es la parte más espectacular, debido a la supresión de los muros por enormes ventanales de vidrieras, por las que se filtra la luz en todas direcciones. Tiene 20 metros de altura y las bóvedas de crucería, decoradas en azul intenso con estrellas doradas en alusión al universo, descansa su peso a través de los nervios hacia los baquetones que trasladan el empuje en sentido vertical, liberando a los muros de su función de carga. Las vidrieras cierran el conjunto ejemplifican como pocas el nuevo espíritu gótico marcado por la luz y la elevación en un intento de materializar en piedra la Jerusalén Celestial. Para sostener la grandes bóvedas y poder eliminar el muro el arquitecto no recurrió a la solución propiamente gótica de amplios arbotantes, sino que estos son sustituidos por sólidos contrafuertes que descargan el empuje de los nervios las bóvedas de crucería, el espacio entre ellos queda libre por lo tanto de función sustentante y se pueden instalar grandes ventanales con vidrieras. En la planta superior, donde los muros fueron suprimidos, las vidrieras (670 m2) constituyen un conjunto homogéneo; los colores dominantes son el azul, el rojo y el amarillo que dan a la capilla un colorido muy característico. Las ventanas de la nave, de 15,35 metros de alto, por 4,70 metros de ancho, están divididas por cuatro ojivas, encima de las cuales hay un rosetón de 6 lóbulos y 2 cuatrilóbulos (elemento en forma de trébol de cuatro hojas). Las ventanas del ábside de 13,45 metros de alto, por 2,10 de ancho, sólo tienen dos ojivas y 3 trilóbulos (elemento en forma de trébol). Las vidrieras además recogen todo un programa iconográfico relacionado con Cristo y su Pasión, la historia del pueblo hebreo desde la creación hasta la llegada a Israel, el traslado de las reliquias a París., pero también con el papel de la monarquía francesa.

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La Sainte-Chapelle no es sólo un edificio religioso, su función va mucho más allá y se vincula con el papel de la monarquía en la Edad Media. Luis IX, como otros reyes del momento, desean reforzar la corona frente al poder de la nobleza y del papado. La Sainte Chapelle sufrió las vicisitudes del tiempo y los vaivenes de la historia. Fue afectada por dos incendios, crecidas del Sena, saqueada durante la Revolución francesa. La Corona de espinas fue salvada y enviada finalmente a Nôtre Dame, perdiendo así su función original. En 1803 la Sainte Chapelle se secularizó y fue convertida en lugar de archivo. Se restaura en el siglo XIX. De las enormes vidrieras de la capilla alta, dos tercios son los originales, y constituyen el conjunto más completo del arte del vitral del siglo XIII.

NOTRE-DAME DE PARÍS
No es la primera catedral gótica, ni la más grande ni la más gótica, pero es tal vez la más famosa, tanto por su situación, en la Île de la Cité, en pleno corazón de París, como por las referencias culturales y literarias que ha generado21. En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137, con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis, panteón real en las afueras de París. Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, siendo las primeras de este gótico temprano las catedrales de Laón, Noyon y NotreDame de París. La Catedral de Notre-Dame de París fue comenzada hacia 1163 bajo el patrocinio del obispo Maurice de Sully, siguiendo la nueva la arquitectura surgida en la abadía de Saint-Denis, a las afueras de París, auténtico origen del arte gótico. En 1182 fue consagrada la cabecera, el presbiterio de la iglesia y los trabajos continuaron durante buena parte del siglo XIII.. Los daños sufridos con el paso de los siglos y a consecuencia de la Revolución Francesa motivaron la fuerte restauración del siglo XIX, realizada por Viollet-le-Duc y reconstruyó la aguja sobre el crucero, de 96 metros de altura, que también fue destruida durante la Revolución.

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A ensalzar su aura y magnificencia también ha contribuido mucho la literatura y el cine, además de las leyendas. Durante el espíritu del Romanticismo, Víctor Hugo, escribió, en 1831, el romance Nuestra Señora de París. Situando los acontecimientos en la catedral durante la Edad Media, la historia trata de Quasimodo, que se enamora de una gitana de nombre Esmeralda. La ilustración poética del monumento abre puertas a un nuevo deseo de conocimiento de la arquitectura del pasado y, principalmente, de la Catedral de Notre-Dame de París. Por otro lado, en la torre sur era donde se encontraba la legendaria campana Enmanuel del siglo XV, que fue fundida y vuelta a vaciar en 1686, según cuenta la leyenda, con oro y piedras preciosas, de ahí la claridad de su tañido. El misterio también acompaña con las imágenes de las gárgolas, elementos ornamentales esculpidos con figuras zoomorfas de monstruos o animales mitológicos, en los saledizos del sistema de desagüe de las aguas pluviales.

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Notre-Dame de París es una de las iglesias más monumentales en cuanto al desarrollo de su planta, ya que posee cinco naves y en consecuencia un doble deambulatorio rodeando el coro. Como ocurría en otros edificios góticos, la longitud de la cabecera es casi igual que la de las naves situadas al oeste del transepto. Se trata de un edificio de una majestuosidad y elegancia acordes a la capital monárquica, cuya bóveda central, con una altura de 33 metros, es la mayor de las construidas hasta la fecha. Por su parte, el transepto no está suficientemente destacado en planta, todo lo cual determina una planta muy compacta que se aleja de la disposición en cruz, por lo que se habla más bien de planta de salón. La fachada oeste principal se abre al exterior por tres puertas monumentales, puertas que también se realizaron, aunque más sencillas, en los dos extremos del transepto. En alzado, la zona de los pies de la iglesia está flanqueada por dos torres. En esta fachada se intenta equilibrar la verticalidad de las dos torres, que se corresponden con las dobles naves laterales del templo, con la horizontalidad de las bandas y las galerías decoradas. Toda la fachada subraya los valores horizontales de masa mediante una división proporcionada en diferentes sectores rectangulares. Así, dos bandas interrumpen enérgicamente la verticalidad: la galería de los reyes sobre el portal y la otra galería de columnas, en la base de las torres, que parece proseguir la tradición románica de las galerías ciegas. Como resultado, un equilibrio extraordinario, una serena estabilidad, nacida de una construcción que afirma su masa antes de elevarse al cielo. En el interior las bóvedas sexpartitas de la nave central y las cuatripartitas en las naves laterales. Debido a la utilización de las bóvedas sexpartitas en la nave central pilares baquetonados recogen el peso de los nervios y en el exterior el empuje horizontal y externo de dicha bóveda se ve contrarrestado por los arbotantes. Un elemento un tanto arcaizante es la tribuna, que se mantuvo ubicada sobre las naves laterales. El nivel alto del muro de la nave central, dedicado a las ventanas, fue más novedoso al ser rehecho en el siglo XIII, presentando un amplio desarrollo de la superficie translúcida cubierta por vidriera, que contribuía mejor al carácter simbólico del edificio y a la idea de ligereza. Desde el punto de vista horizontal, el muro interior presentaba inicialmente una articulación en cuatro alturas separados por impostas e integradas por el nivel de las arcadas de comunicación con las naves laterales, el nivel de la tribuna, el tercer nivel a modo de triforio pero sin pasillo en su interior, con un óculo, y el nivel de las ventanas altas, de dimensiones relativamente contenidas. Sin embargo, dicha articulación fue rehecha en el siglo XIII, momento en que se sustituyeron los dos últimos pisos por uno único y más amplio nivel de ventanas, en la que la mayor parte del muro fue sustituido por vidrieras; esto posibilitó el aumento de la entrada de luz natural al interior de la catedral. Dada la altura de la nave central, la relativa delgadez de sus muros exigió la construcción de los contrafuertes exteriores que se intercalan entre las vidrieras para contrarrestar el empuje lateral ejercido por la bóveda. En cuanto a la decoración, el pórtico central de la fachada oeste está consagrado a Cristo, cuya figura aparece en el parteluz, rodeado en las jambas por los doce apóstoles. Cristo está representado en el tímpano y en el dintel el Juicio Final y la Resurrección. En definitiva, la Catedral de París, dedicada a María, será el símbolo de toda la sociedad bajomedieval: allí se reunirán los gremios, allí se coronaban los reyes (allí también lo hizo Napoleón en 1804, en presencia del Papa), y se hacían todos los actos políticos y sociales de la monarquía francesa. Además de ser la cátedra del obispo de París, era el marco adecuado para celebrar todos los fastos reales (coronaciones, bautizos, bodas y funerales) y las reuniones civiles de las corporaciones gremiales y municipales.

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Catedral de León.
La catedral de León es la catedral española con mayor influencia francesa: comenzada a principios del siglo XII es coetánea de las grandes catedrales francesas, su planta es parecida a la de Reims, el sistema de bóvedas es semejante a Amiens, etc. Esto hace pensar en la existencia de un maestro francés en su traza original. Del primer arquitecto que se tiene noticia es un tal Enríquez que trabajaba también en Burgos. Es un templo de tres naves a las que se le cruza un amplio crucero y rematadas por cabecera con girola a la que se abren capillas poligonales. Siendo bello es exterior, con las portadas del Juicio Final, San Juan y San Francisco o el desarrollo de sus grandes torres, lo más celebrado es la búsqueda de la luz a través de los numerosos vanos cubiertos con vidrieras. Las vidrieras de la catedral de León son uno de los conjuntos más importantes de Europa; en ellas el color es más rico que en las francesas añadiéndose a los azules y rojos una amplia gama de verdes, ocres y amarillos. Técnicamente el proceso de elaboración de una vidriera es complejo. Requiere primero de un emparrillado de hierro que sirva de sujeción. Cada cristal debe recortarse y emplomarse, acoplarse en barritas de plomo que sirven para sostenerlo y además para remarcar la línea del dibujo.

Fachada occidental de la catedral de Reims
La armonía y la regularidad caracterizan también el diseño de la fachada occidental de Reims. Si la comparamos con las fachadas occidentales de Laon y París y con las fachadas del crucero de Chartres, podemos observar la evolución que siguieron las fachadas del gótico francés a lo largo del siglo XIII. La fachada de Reims, como todas las que ya hemos mencionado, tiene tres portadas que se abren a los principales espacios del interior, tres pórticos avanzados coronados con gabletes y con profundos abocinamientos de arquivoltas, figuras en las jambas y arquivoltas esculpidas, un rosetón sobre la puerta central que se alza sobre el friso de esculturas que recorre la fachada occidental. Cuatro tabernáculos entre el primer y el segundo cuerpo, friso corrido con esculturas coronando el tercer cuerpo, piñón central y torres gemelas sin aguja. La fachada de Reims, a diferencia de la fachada de Laon, su vecina más próxima, está marcada limpiamente por continuas subdivisiones verticales y horizontales. Este diseño regular, que imita un trazado reticular, se llama a veces "fachada armónica". Cada una de las portadas de Reims tiene, en vez de tres tímpanos llenos de esculturas, un rosetón encajado en el espacio que delimitan las arquivoltas. Los rosetones están formados por un nuevo tipo de tracería, denominado tracería de barra, que consiste en una nervadura entrecruzada de fustes estilizados (en oposición a la tracería de placa, en la que las aberturas están seccionadas a partir de una forma maciza, como en el rosetón occidental de Chartres). La fachada de Reims, a diferencia de la fachada serena y plana de Notre-Dame de París, parece tridimensional, casi como un encaje. Abundan las formas puntiagudas, incluso hay dos gabletes adicionales sosteniendo con ménsulas las tres portadas.

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Los tres pórticos están cargados de estatuas y estatuillas; entre las catedrales europeas, Chartres es la que tiene más figuras esculpidas. El Pórtico Mayor, dedicado a la Virgen María, tiene por encima un rosetón enmarcado en un arco en sí mismo decorado también con estatuas, en lugar del habitual tímpano esculpido. Destacan los grupos de las jambas, donde se encuentra el tema de la Anunciación. Se puede ver la búsqueda de una nueva expresión donde los personajes parecen querer argumentar entre ellos, con gestos y expresiones individualizadas. El Ángel de la Sonrisa, el Arcángel Gabriel en el tema, es el paradigma de esta nueva escultura gótica. La «galería de los reyes» por encima muestra el bautismo de Clodoveo en el centro flanqueado por estatuas de sus sucesores. Entre otras escenas representadas, están la lucha entre David y Goliat, y la coronación de la Virgen María. Tantas coronaciones se deben a que era en esta iglesia donde se consagraban y se coronaban los reyes de Francia. Las torres miden 86 metros de altura y no están rematadas. Las bases de las torres están perforadas con múltiples aberturas de tracería. Y las cimas de las torres, aunque carecen de agujas correspondientes, tienen tantos gabletes y pináculos pequeños que parecen coronas.

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