Para Lidón220609

Lidón Babiloni sempre ha estat disposta a col·laborar a la revista de l’
IES Politècnic amb els seus articles i passatemps de cinema
Aquesta col·laboració sempre ha sigut puntual, encertada i molt

interessant. Amb ella no sols hem conegut més coses de pel·lícules,
música, actors, actrius i directors, sinó també hem aprés a mirar el
cinema amb altres ulls.
Segur que tant per als alumnes com per als companys ha sigut molt
amè llegir la columna i provar la nostra “saviesa” als passatemps.
En aquest número especial hem reunit algunes de les “perles”

cinematogràfiques como a homenatge al seu treball de tots aquestos
cursos.
Però Lidón es més que cinema y així ho demostren alumnes i companys

que han volgut participar en aquest número. Ells representen
moltíssims alumnes i un gran nombre de companys que han conviscut
amb ella durant anys i coneixen el seu bon caràcter, la seua paciència,
el saber donar “ una de cal i una altra d’ arena”, la seua afició per la
física i química, el seu amor als gats, en especial a Rodolfo……
Des de la redacció de la revista desitgem que en aquesta nova etapa

portes endavant tots els teus projectes i que col·labores, si t’ abelleix, a
la revista del IES.
La secció de cinema és teua
La redacció de la revista
¡Cuánto te vamos a echar de menos!
No por tu alegría, tu sonrisa, tu comprensión, tu empatía, tu cordialidad, ni tan siquiera

por el cariño que nos das. ¡No, qué va!
Nos vas a hacer falta porque ahora habrá tortas para sentarse en TU sitio a la cabeza
de la “mesa del café” ¡A ver quién hereda ese privilegio!
Te esperaremos todos los días, aunque sabemos que sólo vendrás algunos, porque
almorzarás “con el otro”. ¡Qué suerte tiene Rodolfo!
Y no sólo te esperaremos para almorzar, ya sabes que en la Sala de Profes habrá aire
acondicionado el próximo curso, así que te dejaremos un silloncito para que nos hagas
pulseritas en verano y bufanditas en invierno y así vayamos todos/as adornaditos/as
Muchos besos , reina, siempre estarás aquí con nosotros
Ester Igual
Juny de 1987. M’adjudiquen una plaça en el concurs de trasllats al Politècnic, a la “Maestria”
de tota la vida. D’una banda, em fa molta il·lusió. Està molt a prop de casa. Però, de l’altra, em
fa respecte. Es tracta d’un centre molt gran. Els alumnes no tenen massa bona fama. I els
professors, com deuen ser? Faig les primeres indagacions i resulta que en el departament de
Física i Química, el meu, hi ha dos professors amb destinació definitiva. A un ja el conec. Vicent
Sos ha estat professor meu al Col·legi Universitari de Castelló, al CUC. El recorde bé. Molt bon
professor, però potser un poc massa exigent. D’això ja fa uns anys. En eixe moment m’arriben
comentaris en el sentit que continua sent molt bon professor però no tant exigent. Eixes
mateixes opinions insisteixen en el fet que tindre uns quants fills menuts ha contribuït a
humanitzar-lo, a fer-lo més “persona”. Ja ho comprovarem -pense jo-. Pel que fa al segon
membre del departament de Física i Química es tracta d’una dona, Lidón Babiloni. En aquest
cas, com que no la conec, pregunte per ella (cal ser previsor). Em comenten que no és tan
exigent com Vicent Sos. M’asseguren, això si, que els alumnes se l’estimen molt. Així doncs,
sembla en aquell moment que les expectatives, pel que fa als companys més propers, no són
roïnes. En qualsevol cas, tindré molt de temps per a comprovar-ho –torne a pensar- ja que en
aquell moment, com que ja he aconseguit una destinació a prop de casa, no tinc cap intenció
de tornar a desplaçar-me...
Avui fa vint-i-dos anys des d’aquelles reflexions. Imagineu-vos les coses que ens han passat a
cadascun de nosaltres i les que hem compartit plegats. Vicent Sos s’ha fet encara més bona
persona, i més vell. Tan és així que ja s’ha convertit en un jubilat ocupat que es dedica
diàriament i amb forces renovades als seus néts. Vull aprofitar aquestes línies, que en principi
no eren per a ell, per a dedicar-li un record molt afectuós. Se’l mereix i li ho devia.
Per la seua banda, Lidón Babiloni també s’ha fet més bona persona. Tant és així que podem
assegurar que ara ja sols s’enfada quan els seus fills (ja ben grans) continuen abusant de la
seua disponibilitat. Però se li passa de seguida. O quan el gat li fa alguna malifeta amb les
ungles. Ella mateixa ens comenta que al gat li costa un poc més de perdonar que als seus fills.
Però, finalment, també ho fa. Queda clar, doncs, que en tots aquests anys s’ha fet més bona
persona. I, evidentment, també més v(b)ella. Finalment, se’ns jubila.
Com resulta evident, podria comentar moltes coses d’aquests vint-i-dos anys en què hem
compartit reunions de departament (i moltes més coses). Com a resum, tan sols vull
manifestar que he aprés molt d’ ella, en tots els sentits. La sensació principal que em queda és
que aquella situació inicial de prevenció raonable (la mateixa que es té cap a totes les coses
desconegudes) ha anat evolucionant i s’ha convertit bàsicament en un sentiment de
complicitat sincera que, de ben segur, durarà molts anys.
Així és que, Lidón, com diu aquell:
tan sols,
un poc de sort
i que la vida ens doni un camí...
... ben llarg.
La resta, ja ho tens tot

Josep Andreu
Bueno, nunca le he escrito una carta a un profesor o profesora, pero a ti sí.
Aunque sólo te conozco de un curso, sin duda has sido la profesora que más
me ayudó a creerme que soy una persona dentro y fuera de la sociedad.
También te doy gracias porque estuviste en mis buenos y malos momentos y
porque me supiste reprender cuando era necesario.
Aún me acuerdo de cuando te regalamos el jamón y otras cosas. Lo pasamos
bien y conseguimos el graduado.
Este año me prepararé para ser bombero y también quiero trabajar para
conseguirlo.
Es una pena que te jubiles. Espero y sé que todo te irá bien; más que bien.
Cuídate mucho y ya nos veremos. Mis padres también te recuerdan y te
envían saludos. Berta que está aquí a mi lado y dice que no sabe qué escribir,
también te saluda .
¡Ah! También saludos a tu gato que es un crack.
Siempre te llevaré en mi corazón al lado de todas aquellas personas que
aprecio y que son pocas. ADIÓS.
Un beso y un abrazo.
Cristián Chafla.
IES Politècnic Revista de cinema 1
Tal vez fue por casualidad que en la primera película realizada por los hermanos
Lumière, Salida de las fábricas Lumière, ya aparecieran las mujeres en el cine.
También es posible que fuera por casualidad que el primer gran estudio de cine
que se construyó en Estados Unidos propiedad de Edison ), en febrero de 1894, se
llamara Black María.
Desde entonces, las mujeres han aparecido en la pantalla, tanto en documentales
como en películas, bien formando parejas excepcionales (Ginger Rogers y Fred Astaire,
Katharine Hepburn y Spencer Tracy, Lauren Bacall y Humphrey Bogart, Imperio
Argentina y Miguel Ligero, etc.) o como actrices memorables pa-ra la historia del cine
(Marlène Dietrich, Greta Garbo, Bette Davis) en películas de la talla de: La mujer
marcada (1926), Mata Hari (1931), La reina Cristina de Suecia (1933), Jezabel (1938),
Laura (1944), Mujeres de Osaka (1944), Lola (1981), Caravana de mujeres (1988),
Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Malena es un nombre de tango (1996).
También ha habido mujeres que han irrumpido en el cine de una manera
espectacular, como Marilyn Monroe o Rita Hayworth.
Pero, en un principio, estuvieron ausentes en películas cómicas y en el western.
Las primeras fueron Bébé Daniels junto a Harold Lloyd en 1915 y Carole Lombard junto
a Mack Sennett en 1924.
En lo que se refiere al cine del oeste, estuvieron bastante tiempo olvidadas; sólo
intervenían en papeles secundarios mostrándose sumisas, preocupadas por los hijos o
recluidas en su hogar (cine pensado por y para los hombres). La primera protagonista de
este tipo de cine fue Marlène Dietrich en la película Mujer o demonio en 1939.
En los demás géneros cinematográficos sí que tuvieron papeles importantes,
sobre todo en los dedicados al baile o musicales y melodramas, como por ejemplo Vivian
Leigh en Ana Karenina. Otras actrices han destacado por su sensualidad. La primera fue
Musidora, quien creó una imagen erótica, ya que aparecía con unas mallas negras muy
insinuantes para aquella época.
Otras actrices son recordadas, en un principio, por su belleza aunque después se
les ha reconocido su talento artístico. Cabe destacar a Joan Crawford, Michèle Morgan,
María Felix, etc.
Pero las mujeres, en el cine, han sido las víctimas de su propio destino, ya que en
el star-system su imagen ha desarrollado un mito de feminidad pensado únicamente para
las necesidades de la mayoría de espectadores.
Título original: Ju-on. Japonesa. Director: Takashi Shimizu.

Intérpretes principales: Megumi Okina, Misako Ito, Yui Ichikawa, Misa
Uehara. Estreno en Madrid el 14 de noviembre de 2003.
El título original significa: “la maldición de una persona que muere

presa de una cólera furiosa que se acrecienta, y después se
desencadena en los lugares en los que fue vista. Aquellos que la
encuentran, mueren, y una nueva maldición cobra vida”.
Este película es de un terror psicológico, de fenómenos extraños y

sobresaltos frecuentes, ya que aparecen espíritus tormentosos y
atormentados en lugares que no esperas.
"La maldición" comparte características con otras películas asiáticas estrenadas en nuestro país.
Por ejemplo, con Dark Water (2002), escoge pasillos interminables, carteles con escolares que
han desaparecido, el siempre temido ascensor, los videos de vigilancia en los que aparecen
sombras de espectros y sobre todo el espectro del niño Toshio, que se muestra pálido, magullado
y profiriendo aullidos infernales; como en Ringu (1998), recorre a la fotografía de personas que no
tienen pasado, sin rostro y sin ojos; con The Eye (2002) comparte la pérdida de identidad de la
protagonista, el reflejo en el espejo y unos primeros planos muy expresivos. Pero "La maldición"
está mejor terminada que estas películas y sus momentos de terror producen mayor impacto. Es
un miedo paranormal que se obtiene con los efectos del maquillaje y con una atmósfera
enrarecida.
Lo que es posible que no guste al espectador es que tiene que acordarse de muchos nombres
para poder relacionar los personajes, el tiempo y los lugares. Está formada por seis apartados. El
primero empieza con Rika, una joven asistente social que va a casa de Tokunaga y se encuentra
una casa destartalada y a una anciana en estado de shock. También
encuentra una fotografía vieja y rota y, en un armario, a un niño con un
gato negro.
Cada apartado termina bruscamente y con un final sin terminar (se
deja a la imaginación del espectador). Sólo en el plano final de todos
los apartados, aparece el fantasma muerto y mirando fijamente al
espectador. El mensaje es: nadie está a salvo de la maldición.
De esta película hay una segunda parte, las dos realizadas en el 2000.
Es una historia japonesa sobre fantasmas en una casa encantada, pero
algo especial (no como todas las películas de este género). Los
derechos ya han sido comprados para un remake norteamericano.
Tots els continguts sobre cinema són obra i gràcia de la més cinèfila de l'insti:
Lidón Babiloni, amb la col·laboració de Marcos Sapró
La música ha sido compañera de la imagen en movimiento desde los

primeros inicios. No podía ser de otra manera, asociado como estaba el cine
en las mentes de los confiados espectadores de la década de 1890 al
melodrama teatral y el vaudeville. Más de cien años de relación lleva esta
pareja ocupando las grandes pantallas de todo el mundo, a pesar de que la
mitad musical de esta dualidad sigue siendo hoy en día relativamente
ignorada.
La asociación mental entre teatro musical y cine fue una más que
simple razón inicial para la inclusión de música en las salas de proyección,
pero por supuesto no fue la única. El proyector de aquellos primeros inicios
era notablemente ruidoso, y la música ayudaba a
amortiguar el sonido del mismo. Al principio
predominaron los instrumentos mecánicos,
pero no se tardó en comprender la oportunidad
que suponía la composición y posterior comercialización
de música original para acompañar a la imagen. Uno
de los primeros ejemplos lo encontramos en Francia,
cuando Emile Reynaud presentó sus Pantomimes
lumineuses (1892) con música original de Gaston Paulin. La música en directo
contribuía, además, a la humanización de lo que se mostraba en pantalla, en
numerosas ocasiones sólo una serie de imágenes sin aparente conexión. La
continuidad de las tomas se veía así favorecida, se creaba una atmósfera
apropiada para la visualización, era posible aportar acentuaciones de la
acción y efectos sonoros y se dotaba a cada tipo de personaje de una
caracterización part icular. Durante estas primeras décadas, lo usual era
encontrar a un único instrumentista sentado al piano reproduciendo el
sonido compuesto para la proyección. No obstante, acompañando al
incremento de la demanda musical asociada al cine durante la década de
1910, el pianista fue siendo progresivamente sustituido por conjuntos
instrumentales más o menos completos e incluso un director musical que
seleccionaba un repertorio adecuado de clásicos y composiciones originales
para la proyección programada. Los editores musicales ya estaban
imprimiendo antologías de composiciones para cine y pronto comenzaron a
tomar forma las asociaciones música-imagen que inclusohoy en día todavía

perduran en el ideario del espectador, como la marcha de Lohengrin para
escenas nupciales, la utilización de acordes disminuidos para caracterizar al
villano y solos de violín para escenas tristes o románticas. Algunos
directores comenzaron además a utilizar música en directo durante la
realización de algunas escenas para provocar un sentimiento concreto en los
actores que participaban, tradición que ha tenido su continuación en grandes
nombres de la dirección cinematográfica, como John Ford, Ken Russell o
Sergio Leone. No tardaría demasiado en atravesar dicha tradición al otro
lado de la pantalla, comenzando a utilizarse del mismo
modo el refuerzo de la música para provocar un
determinado sentimiento en el espectador durante la
visualización de una escena.
Ya durante la década de 1920, uno de los
principales objetivos de la labor de producción era la
perfecta sincronización entre imagen y música, y para
tal logro llegaron incluso a diseñarse elaborados artilugios. Dos de los más
importantes fueron el cinépupitre de Pierre de la Commune y el rythmonome
de Carl Robert Blum. Pocos años después, la compañía Warner Brothers
utilizó por primera vez un sistema de grabación de disco para insertar
música original en una de sus películas, siendo el resultado la conocida El
cantor de jazz (The jazz singer, 1927).
A partir de ese momento, música y sonido se convirtieron en
elementos comunes e inevitables en la historia del cine, pasándose en poco
tiempo de utilizar las composiciones sólo para iniciar y finalizar las películas
a ser utilizadas en algunas secuencias narrativas y, finalmente, en toda la
película. Uno de los aspectos más significativos a la hora de considerar la
importancia que la música comenzó a tener en el mundo del celuloide fue la
aparición en éste del género musical. Películas como
Melodías de Broadway (The Broadway Melody, 1929),
Sombrero de copa (Top hat, 1935) o
El mago de Oz (The wizard of Oz, 1939) colocaron a la
música en el centro de la acción dramática. Viendo el
tremendo éxito de estas producciones, directores y
compañías cinematográficas quedaron convencidos de la
imprescindibilidad de la música y su posición
preferente en el gusto de las audiencias. En Europa, el
testigo del cine sonoro fue recogido con un poco de retraso por Alfred
Hichcock con La muchacha de Londres (Blackmail, 1929)
y René Clair con Sous les toits de Paris (1929). Para entonces la nueva
tecnología desarrollada en los estudios permitía la grabación directa del
sonido en la propia cinta de celuloide que transportaba la imagen, y no
tardaría demasiado en permitir el posterior doblaje en el laboratorio de
montaje, abriendo con ello un gigantesco potencial creativo para las cabezas
pensantes de los estudios. Las productoras cinematográficas abrieron
amplios y activos departamentos musicales que se encargaban de planificar
las piezas que iban a ser incluidas en las películas, el carácter de las mismas
y los compositores que debían participar. Algunos de estos compositores se
convertirían más tarde en grandes figuras de la música gracias al trampolín
del cine,
como Max Steiner al crear la banda sonora de King Kong (1933).
Los departamentos musicales de la mayoría de estudios en Hollywood
crecieron considerablemente durante la llamada "Edad de Oro" del cine (ca.
1935-1955). No solo se ocupaban ya de la
selección de temas y compositores, sino que
sus funciones se ampliaron hasta alcanzar
la contratación de arreglistas,
orquestadores, edito res musicales y un director
artístico que disponía de su propia orquesta
residente. Tal explotación de los
recursos musicales asociados al cine tuvieron su reflejo en el resto de la
industria. Los premios de la Academia crearon el oscar a la mejor banda
sonora en 1934 y, desde ese momento, la utilización de música en la gran
pantalla comenzó a diversificarse en nuevas aproximaciones. Incluso en las
películas ajenas al género musical, las melodías ya no se limitaba a la mera
descripción de la acción, sino que en ocasiones la música era la acción en sí
misma. No tenemos más que recordar el siempre presente ejemplo del
pianista Sam tocando la canción "As time goes by" en Casablanca (1942), que
con el tiempo incluso se convertiría en un sinónimo de la película y un icono
del amor trágico. "As time goes by" nos sirve también para introducir un
nuevo aspecto de la música nacido a partir del nuevo premio de la Academia,
lo que nosotros normalmente conocemos como "tema principal" de una
película y en países de habla inglesa se denomina con el conocido vocablo
"theme song". El tema principal fue un inmediato éxito de respuesta por
parte del público desde que el famoso compositor Dimitri Tiomkin la utilizó
por primera vez en Sólo ante el peligro (High noon, 1952).
La característica canción servía para presentar la película durante los

créditos iniciales y era después continuamente repetida, de tal forma que la
audiencia cinéfila regular, al igual que sucede hoy en día, era capaz de
reconocer la película sin ni siquiera haberla visto, sólo escuchando la
canción. En casos más extremos, el tema principal se convierte en objeto de
culto asociado a la película, no hay más que pensar en la banda sonora
compuesta por John Williams para La guerra de las galaxias (Star Wars,
1977).
El cine también ha sabido adaptar su imprescindible utilización de la
música a la evolución natural de las distintas tendencias y géneros a lo largo
de la historia. Aquellos inicios en que las productoras buscaban la
colaboración de famosos compositores, sobre todo en el cine francés, como
Camille Saint-Saëns para Lássasinat du duc de Guise (1908), Arthur
Honegger para La roue (1922) y Napoléon (1927) o
Darius Milhaud para Línhumaine (1924), no se
distancian demasiado, quizá sólo en la calidad final del
producto, de algunas películas actuales donde los
músicos más buscados son las estrellas del hard-rock,
como ha sucedido con Spawn (1997), The Matrix (1999)
o Hellboy (2004). El principio es el mismo, puramente
comercial, intentar anticiparse a los gustos de las
audiencias para atraer al mayor número posible de
espectadores, sin embargo a lo largo de esta relación han habido momentos
históricamente destacables por su paralelismo con la vanguardia musical. Las
disonancias del modernismo se hicieron populares en el cine de la mano de
compositores como Leonard Bernstein y Leonard Rosenman en las películas
de Elia Kazan La ley del silencio (On the waterfront, 1954), Al este del edén
(East of eden, 1955) y Rebelde sin causa (Rebel
without a cause, 1955). La mayoría de estas
composiciones y similares fueron influenciadas por la
vanguardia representada por Arnold Schönberg y la
Segunda Escuela Vienesa, que vio así como la
controversia y dinamización del panorama musical de
sus obras se convertían en parte del mainstream de
los gustos de la época,
contribuyendo a su aceptación y consolidación en la
historia de la música. El efecto provocado por el uso
de este tipo de música trajo una nueva función para la música en el cine, la
creación de tensiones atmosféricas hasta ahora inalcanzables mediante las

habituales consonancias y cadencias perfectas. La extremada
fuerza y expresividad de la nueva música resultaba ideal para esta función,
incrementando considerablemente el impacto visual de algunas escenas.
Pero no sólo ha sido el modernismo musical de Viena el único ejemplo

presente en la historia del cine. A la ya citada música rock le había
precedido el jazz y, en los últimos años, la música electrónica, más allá de
tempranas composiciones como la de Vangelis para Carros de fuego
(Chariots of fire, 1981) o la de John Carpenter para La noche de Halloween
(Halloween, 1978), ha llegado a abarcar un considerable número de
producciones. En realidad, casi todo estilo y género compositivo, tanto de la
música "culta" como de la popular, ha tenido en mayor o menor medida su
representación en la gran
pantalla, aunque siempr e han
tenido que mantener un equilibrio
con los ambientales fragmentos
de composición orquestal
tradicional. El éxito acumulado
por estas aventuras sonoras ha
convertido en nuevos magnates
tanto a productores
cinematográficos como musicales.
El negocio de ventas de bandas
sonoras se sitúa hoy en día al mismo nivel que las más reconocidas estrellas
de la música pop. Ambas industrias han desarrollado una relación sumamente
beneficiosa, por lo que podemos estar seguros que el desarrollo de nuevas
facultades y estilos en la música cinematográfica no se detendrá a
principios del siglo XXI, sino que seguirá buscando nuevos filones de
consumo en la mente de las audiencias.
El día 19 de mayo se estrena La venganza de los Sith. Para que

puedas seguirla, ofrecemos un pequeño repaso a sus
protagonistas:
Alderaan. Es el planeta de la
princesa Leia. En La Guerra de las
galaxias, Grand Moft Tarkin, lo
destruyó con la ayuda de la
“Estrella de la muerte”.
Boba Fett. Es un cazarecompensas

del Imperio, que siempre está de
mal humor. En El ataque de los
clones se descubre que las tropas
del futuro Imperio son clones.
C-3PO. Es un robot requetepesado. Habla muchos idiomas, es

dorado y brillante por-que es muy pulcro. Siempre está sermone-
ándole a R2-D2 porque no aguanta sus desva-ríos.
Chewbacca. Es un wookie, que siempre acompaña a Han Solo en sus

aventuras. Mide dos metros y siempre está gruñendo. En ésta última
película, él y sus peludos amigos se pelean con las tropas
imperiales.
Dart Vader. Es muy muy requetemalo, pero

debe tener asma porque respira muy mal.
Emperador. Todavía es más malo que el

anterior. Es un viejo muy arrugado (no se ha
hecho la cirugía estética) y muy rencoroso.
Odia a casi todos, pero en especial a los jedi.
Fuerza, La. “Es un campo de energía creado

por todas las cosas vivas. Nos rodea y nos
penetra. Mantiene la galaxia unida”. Según
Obi-Wan Kenobi.
Grievous. Es un general droide de cuatro brazos, también malo,

porque éste hace la cirugía estética sin anestesia.
Hayden Christensen. Es el chico que, según algunos expertos, no

estuvo muy
acertado en El ataque de los clones, aunque luego se ha
confirmado como buen actor.
Jar-Jar Binks. Es el equivalente a un ewok en la primera trilogía. Es

todavía más odioso que los ositos con lanzas. En su web particular
ha roto todos los records de visitantes.
Kashyyyk. Es el planeta de los wookies. Los jedi se refugian allí,
donde lucharán con los soldados imperiales.
Leia/Luke. Son los hijos de Anakin Skywalker y de Padmé. Su padre

se dedica a perseguirlos por toda la galaxia.
Mace Windu. Es un Jedi que sospecha algo que no va bien en la

República.
Naboo. Es la patria de Padmé Amidala. Es un sitio con casas bonitas.
Obi-Wan Kenobi. Es el maestro Jedi, siempre luchando hasta llegar

al combate final con su antiguo aprendiz. Son 12 minutos de una
lucha feroz a muerte, encima de un río de lava.
Palpatine. Él y Darth Sious (futuro Emperador) son la misma

persona. Es el que convierte a Anakin en Dath Vader. También es
muy muy malo.
Qui-Gon Jinn. Es el maestro de Obi-

Wan. Lo mata Darth Maul en La
amenaza fantasma.
R2-D2. Es el fiel compañero de Luke

Skywalker y es muy tozudo.
Sith. Es una antigua hermandad

de seguidores del mal. El
tenebroso Darth Sidious y su
aprendiz Darth Maul se salen al
final con la suya. Lo mejor de
ésta segunda trilogía.
Tatooine. Es el planeta de la
infancia de Luke (fué entregado a
una humilde familia de
granjeros para impedir que no le
pasara lo mismo que a su padre).
Vara Gimen. Es el nombre del bastón de Yoda. Lo utiliza para andar

y para pelear.
X-Wing. Son los cazas de la Alianza Rebelde. Con R2-D2 de copiloto
en la Estrella de la muerte monta una buena batalla.
Yoda. Es el Jedi más sabio y respetado. Habla un poco extraño, pero
se le entiende
n ació en 1963 en Knoxville, Tennessee (Estados

Unidos). Su madre es de sangre cherokee y su
padre un músico que abandonó a la familia
cuando Quentin era muy pequeño, por lo que pasó su
infancia con muchos problemas en los estudios y los
dejó para empezar a trabajar en un videoclub donde
conoció a Roger Avary, que colaboró en la elaboración
de los guiones de sus películas. Inició su carrera con
Reservoir Dogs en 1992, de una violencia un poco
salvaje, aunque le valió el premio a la mejor dirección,
guión y de la crítica en el Festival de Sitges y fue un éxito de público, así
como la que rodó en 1994, Pulp Fiction . Esta última lo encumbra en un
pedestal como cineasta de culto (en ella, cuenta dos historias por
separado que se unen en el final). Le valió la Palma de Oro en el Festival
de Cannes y el Oscar al mejor guión. En 1997 rodó Jackie Brown, que
desconcertó un poco al público, ya que se trata de una película un poco
romántica, alejada de su estilo de acción y violencia,
aunque, por supuesto, la tiene. También le gusta
interpretar a sus personajes o aparecer en las
películas de sus amigos, como: Desperado y Abierto
hasta el amanecer de Robert Rodríguez. Tarantino es
una persona violenta y de mal carácter con quien se
le pone por delante. Ha tenido varias peleas por las
que ha estado encarcelado y por impago de multitud
de multas. ¿Tal vez sea su fisonomía inconfundible,
la que atrae a los espectadores?
N
ació en Burbank, California (Estados Unidos)
en 1959. Estudió en el Cal Arts Institute.
Posteriormente trabajó como animador en
los estudios de Walt Disney, donde se ganó una
comprensible fama de excéntrico gracias a
costumbres como sentarse en una estantería o
dibujar metido en un armario. Su primera película,
no estrenada en España, fue Pee- Wee`s Big
Adventure (1985), donde ya se adivinaba un
director diferente. Sí que sorprendió con la extraña y curiosa
Bitelchús (1987), que lograría un Oscar por el maquillaje. Fue
protagonizada por Michael Keaton, Alec Baldwin y Geena Davis. Trata
sobre una pareja de fantasmas que ve rota su apacible vida de
ultratumba al ocupar su casa una ruidosa familia.
Su éxito más rotundo fue otra versión de Batman (1989), sobre el

cómic creado por Bob Kane en 1939. Sus protagonistas fueron Jack
Nicholson, Michael Keaton y Kim Basinger. Fue uno de los títulos más
taquilleros de los años 80. Fue tan espectacular la recaudación en sus
primeras semanas que cabía la posibilidad de que se convirtiera en la
película más taquillera de la historia del cine, aunque no fue así. Los
críticos fueron feroces, pero los productores se frotaron las manos en
cuanto comprobaron el éxito de taquilla. Los
pelos enredados de aquel tipo al que habían
encomendado la dirección, no hacían juego con
el mobiliario de los despachos, pero, al fin y al
cabo, qué más daba si resultaban rentables.
Probablemente Batman sea una de las peores
películas de Tim Burton, pero sirvió para que
Hollywood le abriera de par en par u nas
puertas por las que él ha introducido, en el
cine de masas y de gran presupuesto, la
estética y los temas propios del cine
fantástico de serie B
Tim Burton es un director de

extraordinaria sensibilidad y de una
imaginación desbordante, habitada por
seres extraños e incomprendidos, es
capaz de asumir riesgos
desproporcionados en sus películas,
como lo demuestra en su película
Eduardo manostijeras (1990), que es un
claro film a contracorriente de modas y
estilos, ya que se aparta, con valentía,
de las corrientes entonces dominantes
del género. Sus protagonistas son Johnny Depp, Dianne Wiest, Winona
Ryder y Alan Arkin. Constituye un film quizá imperfecto, pero de sutil
encanto visual y considerable sentido del equilibrio, que se sigue con
grata perplejidad y provoca cierta emoción.
Sin ningún género de dudas, la película más at revida de Burton es Ed

Wood ( 1994), la biografía, en blanco y negro, acerca de un cineasta
que ha entrado en la historia por la ínfima calidad de su cine. Los
aciertos son muchos, sobre todo, una puesta en escena magnífica y la
forma de reflejar la relación entre Wood y Bela Lugosi (uno de mis
actores favoritos), encarnado por un Martin Landau genial. Sus
protagonistas son Johnny Depp, Martin Landau, Sarah Jessica Parker
y Patricia Arquette. En esta película, Burton, rendía su particular
homenaje a esas películas de serie B que tanto le habían influido.
También en 1994 creó y produjo Pesadilla antes de Navidad, basado

en un libro infantil escrito por él mismo. Es un sofisticado film de
animación que requirió cerca de tres años de confección y donde se
advierten las obsesiones de Tim Burton. Conjuga perfectamente lo
siniestro con lo romántico y marcó un hito en la animación.
En 1996 dirigió Mars Attack

protagonizada por Jack Nicholson, Annette
Bening, Pierce Brosnan y Glenn Close. Su
historia se basa en una colección de cromos
aparecida a primeros de los 60, con un
sentido del humor no siempre eficaz. Tiene
un ritmo sereno, una planificación clásica y
numerosos aciertos parciales que verifican la personalidad del

realizador, convirtiendo el conjunto en una rareza apreciable.
Con Sleepy Hollow, en 1999, volvió al cine extraño y original donde

mejor se mueve. Es la historia del jinete sin cabeza que aterroriza a
todo un pueblo. Protagonizada por su actor preferido, Johnny Depp.
Como curiosidad, cuando el jinete todavía tenía cabeza, lo interpretó
Christopher Walken. Cuando ya no tenía cabeza, fue interpretado por
Ray Park (el que fue Darth Maul en el episodio 1 de La Guerra de las
Galaxias).
En la actualidad
tiene en cartel La novia
cadáver, film de animación,
del estilo de Pesadilla antes
de Navidad. Tiene un
argumento simple, pero no
hay que olvidar la magistral
técnica utilizada para
dar vida a unos muñecos que
bien podrían ser de carne y
hueso (o sólo de hueso en
muchos casos ). Es un film
más que recomendable,
en el que hay emoción,
ternura, sonrisas y
alguna que otra lagrimita, pero
que invita a disfrutar con
la magia del mundo de los muertos. Ya se echaba de menos una nueva
incursión de Tim Burton en el mundo de la animación.
Las voces, en versión original, de los personajes más importantes son
las de Johnny Depp, Helena Bonham Carter y Emily Watson. En
general, la valoración que hace de ella la crítica es buena.
Las películas de Burton (sobre todo las de animación), lo consagran,
junto a Lynch y pocos más, como uno de los grandes cineastas
personales del Hollywood de hoy, un surrealista americano, dispuesto a
crear mundos imaginarios y mitologías modernas, partiendo de
elementos vivos de la cultura pop americana contemporánea.
En el número anterior de nuestra revista del Politécnico, os escribí sobre

Tim Burton y os nombré a su actor preferido, ahora vamos a conocerlo un
poco mejor. John Christopher Depp II nació en Owensboro, Kentucky (Estados
Unidos) en 1963, pero pronto se fué a vivir a Florida con sus padres, que se
divorciaron cuando él tenía 16 años.
En un principio no queía ser actor, ya que su gran pasión era la música
rock (le entró el gusanillo cuando su madre le regaló una guitarra). Formó
parte de algunos grupos musicales
como The Kids. Es por eso que nunca
se había planteado vivir de la
interpretación en el cine o la
televisión. A los 18 años se trasladó a
Los Ángeles buscando una
carrera en el mundo de la música.
Pero, por casualidad, otro gran actor
como es Nicholas Cage, lo presentó
a su agente. Empezó a hacerse popular
por su papel de Glen en la serie juvenil
Nuevos policías. Con ésta aparición en
televisión, le permitió adquirir
la experiencia necesaria para ser
una de las estrellas importantes del
cine americano.
Su primer papel fué en la
película, Pesadilla en Elm Street ,en
1984, del director Wes Craven. Curioso y estimable film de terror, que supo
revitalizar el entonces moribundo filón del “psycho killer” y en el que daba
vida a una de las víctimas de Freddy.
En 1985 rodó Punto de recreo, de George Bowers. Pero su gran
oportunidad fué al actuar,en 1986, en Platoon, la oscarizada película de Oliver
Stone, junto a Tom Berenger, Charlie Sheen y Williem Dafoe. Ésta película se
caracteriza por un trabajo de realización que consiste en descomponer todo el
material filmado en planos brevísimos.
Lo que realmente marcó su carrera y le convirtió en el ídolo de
adolescentes, fué el protagonizar, durante cuatro temporadas, la serie 21
Jump Street.
Eduardo Manostijeras, de Tim Burton, la protagonizó en 1990 y de la
que ya os he hablado en el número anterior. También en 1990 protagonizó
Cry-Baby, el lágrima, de John Waters. Éste film es un homenaje-parodia al
cine “teen” de los años cincuenta. Es divertida, estimable y en cierto

punto inusual , pero bien interpretada.
En 1992 protagoniza Arizona Dream, del eminente director yugoslavo
Emir Kusturica, junto a Jerry Lewis y Faye Dunaway. No tuvo mucho éxito ya
que el director pretendía ofrecer una cultura norteamericana entre parabólica
y delirante, lejos de cualquier clase d e realismo, debido a un argumento falto
de rigor. También en el mismo año interpretó Benny y Joon del director
canadiense Jeremiah Chechik, con la que se inaguró el festival de cine de Gijón
de 1993.
En 1993 protagonizó: ¿A quién ama Gilbert Grape?, del director sueco
Lasse Hallstrom, con Juliette Lewis y Leonardo diCaprio. Está basada en la bien
poco envidiable cotidianidad, familiar y sentimental, de un joven habitante de
un pueblo norteamericano.
Con Tim Burton como director,
protagonizó, en 1994: Ed Wood, de la que
también hemos hablado. En el mismo año
interpreta: Don Juan de Marco del director
Jeremy Leven, con el incomparable
Marlon Brando y Faye Dunaway. Trata de
un enfrentamiento generacional entre
un psiquiatra y un paciente que se
cree el mismísimo Don Juan y le cuenta
delirantes historias de sus devaneos
eróticos y sus fantasías; es entonces cuando
el psiquiatra redescubrirá lo maravillosa que es la vida y se planteará el
significado de la locura.
En 1995 protagoniza: A la hora señalada, del director John Badham, con
Christopher Walquen. Es una imprevista incursión del carismático actor en los
terrenos del “thriller” de acción, encarnando a un contable de quien se
pretende que asesine a una candidata electoral, si quiere salvar a su propio
hijo. También en el mismo año protagoniza: Dead Man, del director Jim
Jarmusch. Es un sugestivo “western” reverente, irónico y documentalista,
donde se consigue (aunque grotesco) su audaz y doble propósito: aportar una
visión particular de un género explotadísimo y representar un paso adelante
en la filmografía del autor. Tiene una espléndida e inquietante banda sonora
de Neil Young. Está genial Robert Mitchum (que aunque parezca mentira
nunca le dieron un Oscar, aunque se lo dedicó Jack Nicholson) parodiando a
Sam Fuller.
En 1996 protagonizó Donnie Brasco, del director Mike Newell. Es la recreación
de un caso verídico (en los años 70, un joven agente de FBI logró infiltrarse en
la mafia neoyorquina con la orden de acabar con uno de sus máximos
dirigentes). Éste film, ofrece un duelo interpretativo entre un soberbio Al
Pacino y un sobrio Johnny Depp, que fué nombrado mejor actor de su
generación. Su primera incursión como director, en 1998, fué en la película
The Brave, en la que, de nuevo con Marlon Brando, fué su “opera prima” y
que está de acuerdo con la preferencia de Johnny por los films inusuales y que
coescribió junto a su hermano. Trata del sacrificio del indio protagonista en
favor de la familia. Es un poco extravagante, sofisticado e ingenuo, pero se
nota una inquietud estética y un admirable inconformismo. Una película de
absoluto respeto y con una espléndida y extraña música. Fue nominada a la
Palma de Oro en Cannes.
Su filmografía sigue siendo muy extensa en los siguientes años, pero
vamos a destacar, por ser la más conocida, Piratas del Caribe, en 2003, del
director Gore Verbinski, donde protagoniza al capitán Jack Sparrow. Le
siguieron Piratas del Caribe II: El cofre del hombre muerto y Piratas del Caribe
III, que veremos próximamente, y en la que Johnny está “que se sale”. Ya me
lo confirmareis.
Recientemente hemos visto The Libertine, del director inglés Laurence
Dumore. Junto a Johnny Depp, actúa Samantha Horton. En el Londres de la
Restauración, un joven atractivo, escandaliza a la sociedad con su vida
libertina.
Johnny Depp tiene los ojos marrones y mide 1,78 m. En su piel lleva 12
tatuajes, de entre los que destacan: el
primero que se hizo a los 17 años y que es la
cabeza de un indio americano, en
homenaje a su ascendencia Cherokee
por parte materna. “Betty Sue”, el nombre
de su madre. “Lily Rose”, el nombre de su
hija, en el pecho, encima del corazón.
“Jack”, el nombre de su hijo, en el antebrazo
derecho. Un diseño propio que consta de
tres triángulos en la parte superior del brazo
izquierdo.
En el 2003 y 2004 estuvo nominado a los
Oscars como mejor actor por Descubriendo
nunca jamás y Piratas del Caribe. Fue
candidato a los Globos de Oro como mejor actor en 1990 por Eduardo
Manostijeras, en 1993 por Benny y Joon, en 1994 por De Wood, en 2003 por
Piratas del Caribe, en 2004 po Descubriendo nunca jamás y en 2005 por
Charlie y la fábrica de chocolate. Recibió un César en 1999 como Premio
honorario por su trayectoria. Ha tenido premios en Reino Unido, Rusia,
Estados Unidos y México.
Considerado por importantes críticos del mundo del cine como uno de
los más talentosos y versátiles actores de su generación. Reconocido
mundialmente y considerado un actor de culto, Depp es un actor dificil de
igualar.
Johnny Depp, en sus ratos libres, le gusta mucho leer y pintar.
Colecciona piezas de arte. Se le relacionó con Wynona Ryder, pero
actualmente vive con su pareja, la cantante y actriz francesa Vanessa Paradis,
con quien tiene dos hijos.
En el confuso universo del Colegio

Hogwarts se encuentra Harry Potter, el
mago más famoso del mundo.
Familias : los parientes del poderoso

Harry son tanto brujos como muggles (no
magos). La madre es hermana de la
horrible tía Petunia, familia de acogida
de Harry desde que mataron a sus
padres. Pero su auténtica familia es la de
su mejor amigo, Ron Weasley. Muy
importante en su vida son los gemelos George y Fred, y Ginny,
enamorada de él y a la que salva de morir.
Sirius Black : padrino Vernon Dursley: tío
James Potter : padre brujo Petunia Dursley: tía
Lili Potter : madre muggle Dudley Dursley : primo
Arthur Weasley : padre de Ron Molly Weasley : madre de
Ron
Bill Weasley : hermano de Ron Charlie Weasley :hermano de
Ron
Percy Weasley : hermano de Ron Ginny Weasley : hemana de
Ron
George y Fred Weasley : los gemelos
Ron Weasley : el mejor amigo de Harry
Alumnos : La mejor alumna de Hogwarts es la mejor amiga de

Harry, Hermione Granger. Hay también colegas simpáticos, como
Neville Longbottom; pintorescos, como la reportera Luna
Lovegoo; heroicos, como Cedrid Diggory; crédulos, como las
a
amigas Parvati Patil y Lavender
Brown; y de los que Harry se enamora,
como Cho Chang ;o con los que se
pelea, como Seamus Finnigan y el fan
de Harry, Colin Creevey.
Profesores : El mejor mago del mundo, Albus Dumbledore

(director de Hogwarts) y el noble semigigante Rubeus Hagrid
(cuidador de criaturas mágicas), son los protectores de Harry.
Snape es el más exigente y odioso con él. Los profesores de Defensa
Contra las Artes Oscuras cambian y tienen historias distintas cada
año. Los más divertidos, Trelawney y el ridículo Lockhart, el único
personaje basado en otro real según J. K. Powling. Otros
profesores son:
Pomona Sprout : herbología
Severus Snape : pociones
Minerva Mcgonagall: subdirectora
Sybill Trelawney: adivinación
Filius Flitwick : encantamientos
Remus Lupin, Quirinus Quirrell,
Gilderoy Lockhart: Defensa Contra las Artes Ocultas.
Enemigos y mortífagos : en el nuevo libro salen los padres de

Lord Voldemort. El peor enemigo de Harry era un gran mago en
Hogwarts, pero se metió en la Artes Oscuras
y fundó la secta de los mortífagos (los que
comen muerte). Asesinó a los padres de
Harry y por poco a él, y le dejó una cicatriz
en la frente. Los Malfoy fueron mortífagos.
Draco es su mayor rival en el colegio.
Seres mágicos : el mundo de Harry está

lleno de criaturas basadas en mitos clásicos, como el centauro, el
ave fénix y los elfos, y de personajes que son mezcla de dos
animales o que sirven de mascotas. Por Hogwarts se pasean
fantasmas tan divertidos como

Nick Casidecapitado y otros
tan terroríficos como los
dementores, guardianes de la
prisión de Azkabán. Otros
seres son :
Dobby : elfo doméstico
La señora gorda : cuadro animado
Buckbeak : hipógrifo
Dementores : seres sin rostro
Fawkes : ave fénix
Firenze : centauro
Croockshanks : mascota de Hermione
Hedwig : lechuza mascota de Harry
Nagini : serpiente de Voldemort
Otros personajes: se mueven en los escenarios principales. Los

más importantes son:
Cornelius Fudge: ministro de magia
Poppy Pomfrey : enfermera
Argus Filch : celador
Arabella Figg : vecina
Madame Pince : bibliotecaria
Bertie Bott : inventor de chucherías
Ollivander : fabricante de varitas mágicas
Rufus Scrimgeour : ministro de magia
Nymphadora Tonks : orden del fénix
Madame Rosmerta : dueña del bar Las Tres Escobas.
¿Por qué todos los James Bond han tenido que ser morenos, guapos y
con miradas seductoras?. ¿Por qué no, rubio, con ojos azules (me
encantan sus ojos azules) y un poco aniñado?.
El primer 007 lo interpretó el actor escocés Sean Connery en

1962, con la película 007 contra el Doctor No. Es un actor con un físico
imponente y de un enorme sentido del humor. Hizo seis películas de
éste superagente, como la de 1964, James Bond contra Glodfinger, que
tuvo un éxito sin precedentes y en 1969 fué sustituido por George
Lazenby ,en 007 Al servicio secreto de su Majestad. Actor poco conocido
y además a los espectadores no les gustó la sustitución. En 1973, el

guaperas y típico estirado inglés, Roger Moore, empezó a protagonizar al
agente 007 en la película Vive y deja morir. En total protagonizó siete de
estas películas. En 1987 le tocó el turno al gélido actor, nacido en el
País de Gales, Timothy Dalton, en 007 Alta tensión, sin demasiado éxito.
En 1995, el seductor irlandés Pierce Brosnan protagoniza Goldeneye.
Es en 2006 cuando Daniel Craig toma el relevo.
Nadie confiaba en este actor, ya que se salía del prototipo hasta
entonces encarnado por los demás actores. Pero se equivocaron, pues
ha tenido un enorme éxito.
Casino Royale está basada en la primera novela de Ian Fleming,
que todavía no había sido llevada a la pantalla por problemas de
derecho. La cinta nos permite asistir al enfrentamiento de Bond con el
malvado Le Chiffre, quien oficia como banquero de terroristas.
Para detener al corrupto financiero, Bond tendrá que ganar una
arriesgada partida de poquer en el Casino Royale. La hermosa oficial
Verper debe vigilar el dinero del gobierno.
Éste film está dirigido por el inglés Martin Cambel e
interpretado, además de Daniel Craig, por Eva Green. En ésta 21
entregas en total de éste personaje, Bond adopta un tono más humano,
aunque mantiene el mismo espíritu seductor.
El actor Daniel Craig nació en 1968 en Chester y criado en
Liverpool. Antes de cumplir los 20 años se trasladó a Londres para
unirse al National Youth Theatre. En 2000 ganó el Premio de Cine
Independiente Británico al Mejor Actor por su actuación en Some
Voices. También recibió el Premio al Mejor Actor Británico en el Festival
de Cine de Edimburgo por su papel en El amor es el demonio.
En 2002 obtuvo muchos elogios de la crítica por su papel
protagonista, junto a Tom Hanks, en Camino a la perdición.
También ha protagonizado numerosos proyectos televisivos que
se han visto tanto en Inglaterra como en
Estados Unidos.
¿Y si James Bond fuera como el común de los

mortales?
A Ridley Scott le sirvió, como punto de

partida para su película, la novela ¿Sueñan los
androides con ovejas eléctricas?, escrita por Philip K.
Dick y adaptada para el cine por Hampton Fancher y
David Webb Peoples. Para usar el nombre Scott tuvo
que pagar por ambos copyrights.
La película se estrenó en 1982. Sus
protagonistas son Harrison Ford (Rick Deckard),
Rutger Hauer (Roy Batty) - éste actor, poco conocido
por el público, en general, ha sido infravalorado, ya
que las pocas películas que ha interpretado, ha estado
genial-, Sean Young (Rachel), Edward James Olmos
(Gaff), M. Emmet Walsh (Bryant), Daryl Hannah (
Pris), William Sanderson (J. F. Sebastian), Brion James (Leon), Joe Turkel (Tyrell) y
Joanna Cassidy (Zhora). Música de Vangelis.
Argumento: Los Ángeles, noviembre de 2019. La Tyrell Corporation
desarrolla un nuevo tipo de robot llamado Nexus (virtualmente idéntico al hombre) y
que se le conoce como Replicante. Los Nexus 6 son superiores en fuerza y agilidad y
con igual inteligencia que sus creadores (ingenieros genéticos). Los replicantes se
utilizan como esclavos en la
exploración y colonización de
otros planetas. Los Nexus 6 se
rebelan en una colonia del
espacio y son declarados
proscritos y condenados a
muerte. Brigadas de policía
especiales con el nombre de
unidades Blade Runner y al
mando de Deckard, un ex-
policía, son llamados para
una misión en la que deben
perseguir y retirar a éstos replicantes, que han regresado a la Tierra.

Meses antes del estreno, en las primeras pruebas con espectadores, se
utilizaron dos finales distintos, el original y el “final feliz”. Se eligió el final feliz y se
añadió la “voz en off” porque en algunos pases los espectadores no parecían entender
la trama de la película.
La novela de Philip K. Dick fué reescrita con grandes problemas, ya que en
varias ocasiones se tuvieron que revisar los guiones y a los guionistas. Dick se enfadó
por ser el último en enterarse de que su libro iba a llevarse al cine. Murió antes del
estreno, pero conoció a Scott y vió algunas pruebas del rodaje.
También hubo problemas de financiación que retrasaron el rodaje y además
Scott es muy detallista y enfurecía al equipo por la repetición de escenas y un trabajo
cada vez más duro. A todo ésto se añadía que Harrison Ford y Sean Young se llevaban
como el perro y el gato y sus escenas juntos eran un infierno, ya que cada uno quería
brillar más que el otro. Pero al final todo se resolvió y la película se pudo realizar y
como obra maestra.
Contribuyó, también, la inmejorable música de Vangelis, que le dió un toque
especial. La extraña escena del final de la primera versión, en las montañas, fué
realizada con planos cedidos como favor personal, por Stanley Kubrick que él había
rodado para El Resplandor. Douglas Trumbull hizo los excelentes efectos especiales,
que se conservan intactos hasta hoy.
Los androides son los protagonistas de esta película, con una tecnología muy
avanzada, ya que son réplicas exactas del hombre. Es un futuro en el que la tecnología
es imprescindible. Los vehículos spinners sobrevuelan la ciudad, los edificios son
inmensas pirámides, existen videoteléfonos en forma de cabinas, se pueden crear
animales y órganos a medida. El Esper es un sistema de análisis fotográfico
superavanzado y la máquina Voight-Kampff es capaz de distinguir a los replicantes de
los humanos por un test de proyección imaginaria. Pero en éste tipo de mundo la
naturaleza apenas existe y las ciudades están sucias y contaminadas. El fabricante de
éstos robots (J. F. Sebastian) es un ingeniero tecnopijo solitario que los construye
porque son sus únicos amigos. El ambiente ciberpunk del futuro inspiró a posteriores
películas. Lo que poca gente sabe es que la partida de ajedrez que se juega en la
película, es una réplica de la inmortal de 1851, entre Andersen y Kieseritzky,
considerada la más brillante de la historia. Una frase digna de destacar es :
“Yo…he visto cosas que tu gente no creería….. atacar naves en llamas más allá de Orión.
He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta Tannhäuser. Todos esos
momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia”.
La frase fue improvisada por Rutger Hauer.

Su estreno fue eclipsado por E.T. y duramente criticado, pero hoy en día es
una película de culto. Precursora del género ciberpunk, unió el cine negro con los
dibujos de Heavy Metal y la poesía de William Blake, revolucionó la ciencia ficción y
se adelantó al siglo XXI.
A pesar de estar enfocada como una película de acción, se pueden sacar
aspectos de la historia: ¿qué significa realmente ser humano?, el miedo, la esclavitud,
la manipulación genética, la creación de inteligencia artificial, la amenaza contruida
por el hombre contra sí mismo, el control sobre la naturaleza, el exagerado desarrollo
de la civilización en el medio ambiente, la decadencia de la sociedad.
Diez años después de estrenarse la película, Ridley Scott consiguió
“terminarla” como él quería y se volvió a proyectar, en 1992, como Blade Runner: La
versión del director. Tenía un sonido más depurado y unos cambios como: eliminar la
“voz en off” de Deckard, se añadió la escena en la que Deckard sueña con un
unicornio, se eliminaron las escenas del “final feliz” en las montañas y se termina
cuando Deckard y Rachel entran en el ascensor y se cierran las puertas. Con éste
cambio, la película se consideró mítica. También con ésta nueva versión hay pistas
suficientemente claras para asegurar que Deckard es un replicante, aunque hay fans
que están a favor y en contra. Si no la habeis visto, os la recomiendo.
Miguel Angel Lacal está trabajando en un cómic ambientado en Blade Runner
y que posiblemente se llamará Animal Runne. Es un proyecto de historia futurista con
influencias de Ridley Scott y protagonizado por animales como ovejas y gatos.
Viggo Peter Mortensen, nació el 20 de Octubre de 1958 en Manhattan, Nueva York (Estados
Unidos). Mide 1,81 m. Su madre es estadounidense pero su padre es danés. Cuando tenía 2 años hasta
los 11, su familia se trasladó, por diversos motivos, a paises hispanoamericanos como Argentina y
Venezuela, por lo que sabe hablar español perfectamente y a gustarle el futbol (es fan del equipo
argentino San Lorenzo). Al divorciarse sus padres, se trasladó de nuevo a Nueva York con su madre y
sus dos hermanos. Estudió Política y Español en la universidad de Saint Lawrence y se graduó en 1980.
Estuvo viviendo dos años en Dinamarca sin saber qué hacer con su futuro y regresó a Manhattan donde
estudió interpretación en el Warren Robertson’s Teatre Workshop de Nueva York. Debutó en el teatro de
su ciudad y después se trasladó a Los Ángeles, donde interpretó la obra Bent, por la que recibió el
Dramalogue Critics’ Award.
En California es donde empezó su carrera cinematográfica con la película Único testigo en
1985, con Harrison Ford y Kelly McGillis y del director Peter Weir, donde interpreta a un granjero Amish.
Gracias a Harrison Ford y a sus proyectos, se introdujo definitivamente en el mundo del cine.
En 1988 apareció en la película Presidio del director Renny Harlin, con Lane Smith y Chelsea
Field, donde se entremezcla en drama carcelario y el cine de horror (el
espíritu de un inocente ejecutado planea sobre el lúgubre penal).
También en 1988 rodó Jóvenes ardientes de David Anspaugh,
junto a Molly Ringwald y Andrew MacCarthy, sobre un estudiante de
ingeniería que se enamora perdidamente de una chica de inferior condición
social. Es una adaptación de la obra teatral homónima de Larry Ketron.
En 1989 ya tuvo un papel importante en La matanza de Texas 3
de Jeff Burr, con R. A. Mihailoff y Kate Hodge, que no tuvo muy buena
acogida.
En 1990 participó en la película Intrépidos forajidos de Geoff
Murphy,con unos intérpretes de más renombre como Kiefer Sutherland,
Emilio Estevez, Lou Diamond y Christian Slater y una colaboración especial
de James Coburn.
Después de varias películas sin demasiado éxito (La piel que brilla y Tripwire), interpretó, en
1991, Extraño vínculo de sangre, ópera prima de Sean Penn, junto a David Marse, Valeria Galino y
Patricia Arquette. Éste film está inspirado, al mismo tiempo, en una canción de Bruce Springsteen, una
leyenda india y la tradición teatral y cinematográfica sobre el Profundo Sur de los años 50/60, con una
colaboración especial de un inusual Charles Bronson.
Con Brian de Palma interpretó Atrapado por su pasado y en 1995, Marea Roja, de Tony Scott,
junto a Denzel Washington y Gene Hackman entre otros. Trata sobre un experimentado comandante del
submarino nuclear Alabama y su segundo comandante que se encuentran en mitad de un conflicto
nuclear. Están embarcados con un nacionalista ruso desequilibrado que quiere comenzar la Tercera
Guerra Mundial. Pero cuando reciben órdenes de
lanzar sus misiles nucleares, ambos oficiales se enfrentan entre sí, al dudar de la legalidad de las
órdenes y luchan por el control de la nave.
También en 1995 rueda La pasión de Darkly Noon, de Philip Ridley, junto a Ashley Judd y
Brendan Fraser. Darkly Noon es un joven de aspecto triste y desamparado, que avanza tambaleándose
entre los árboles hasta que cae agotado al suelo. Le encuentra un chico llamado Jude que le instala en la
parte de atrás de su camión cuando iba a llevarle un pedido a Callie y a su amante Clay. Callie es una
belleza natural que vive en comunión con la naturaleza y al ver a Darkly delirando decide cuidar de él.
Mientras recupera la salud, el joven empieza a obsesionarse con la chica. Los padres de Darkly han
muerto recientemente y no conoce otro modo de vida que el que le han dado éstos, unos fanáticos
religiosos para quienes el deseo sexual es un pecado mortal.
En 1996 interpreta Retrato de una dama, de Jane Campion , junto a Nicole Kidman y John
Malkovich. Trata sobre una mujer que quiere huir del matrimonio por conveniencia y de todos los hombres
que la rodean, y elige al peor, ya que la sumerge en
el lado más oscuro de la existencia, el que la
usa, la humilla e intenta destruir.
También en 1996, rueda Pánico en el
tunel, de Rob Cohen, Junto a Sylvester Stallone y
Amy Brenneman. Una explosión, por
accidente destruye, con su violencia, un túnel de
paso en plena hora punta, bajo el río Hudson, entre
Manhattan y Nueva Jersey, tapando ambas
salidas y dejando atrapados en su interior a un grupo
variado de supervivientes. Un médico, jefe del
departamento de urgencias y que ha sido
destituido de su cargo, logra llegar hasta ellos,
luchando contra el fuego, los gases nocivos, las
explosiones, muros que se derrumban,
inundaciones y hasta ratas, para poder
conducirlos fuera.
Por ésta época ya empezaba a ser
conocido y en 1997 lo llama Ridley Scott para
interpretar La teniente OŃeill, junto a Demi Moore y
Anne Bancroff. El argumento, como muchos ya
sabreis, es sobre una atrevida de cisión del
gobierno en la que la teniente Jordan OŃeill es elegida para ser la primera mujer en una unidad de élite
del ejército de los Estados Unidos. Pero primero deberá demostrar que es capaz de soportar el duro
entrenamiento, tanto físico como psicológico. Llega un momento en que una unidad militar es atrapada
detrás de las líneas enemigas y es entonces cuando la teniente tiene la oportunidad de demostrar su
valía y al mismo tiempo salvarle la vida al hombre que la ha estado fastidiando y que es su comandante
en jefe.
En 1997 rueda La pistola de mi hermano, de Ray Loriga, junto a Daniel Gonzalez, Amaia
Bidasolo y Karra Elejalde, entre otros. El héroe de ésta historia es un chico raro que un día dispara a la
cara de un vigilante jurado de un supermercado. El chico huye dejando al vigilante muerto y sin rostro, no
dudando en subirse al primer coche que encuentra aparcado. Dentro del coche hay una chica esperando
encantada en acompañarle en su huida..
En el 2001 interpreta Un crimen perfecto, de Andrew Davis, junto a actores de renombre como
Michael Douglas y Gwyneth Paltrow. El multimillonario Steven Taylor se jacta de tener todo lo que un
hombre puede anhelar, incluida a su bella mujer, Emily, a la que considera
su posesión más valiosa. Pero a ella no le parece adecuado su trato y encuentra el cariño y la
comprensión en David Shaw, un artista de gran talento y que tiene un prometedor futuro. Llevan su
apasionada aventura durante meses en el ático que David tiene en Brooklin, peroro, como se preveía, el
marido se entera debido al comportamiento cada vez más distante de su esposa. Es entonces cuando
piensa en un plan para asesinarla mediante un “crimen perfecto”. Nada que ver con el maravilloso Crimen
perfecto de Alfred Hitchcock de 1954.
Impresionado por su variada gama de interpretaciones, le llegó su gran oportunidad, en 1997,
al recibir la oferta del realizador neozelandés, Peter Jackson, para trabajar en un proyecto que cambiaría
totalmente su carrera cinematográfica. En un principio dudó en aceptar el papel de Aragorn en la trilogía
de El señor de los anillos, pero gracias a su hijo, gran aficionado a la obra de Tolkien, quien le convenció
para que aceptara. Durante los dos años que duró el rodaje, participó activamente en su elaboración,
(incluso diseñó su propio traje), al caballo con el que trabajaba le cogió tanto cariño que incluso lo
montaba en sus horas de descanso y al final lo compró.
La película se estrenó el 19 de diciembre de 2001
y marcó un antes y un después en la historia del cine y de
Viggo Mortensen. Los espectadores esperaron con
impaciencia la otras dos entregas, hasta el 17 de diciembre
de 2003 que se estrenó la última. También tuvo un gran
reconocimiento por parte de la crítica y un entusiasta
acogimiento de los seguidores del libro, ya que refleja
fielmente el perfil del personaje.
Tras este éxito, obtuvo su primer papel como
protagonista, en 2004, en la película Hidalgo: Océanos de
fuego, de Joe Johnston, junto, a otros actores, entre otros,
como Omar Sharif, Zuleikha Robinson, Malcolm
McDowell, etc. Está basada en la historia real del jinete
Frank T. Hopkins y relata el camino que tiene que recorrer un
hombre para recuperar su dignidad. Es una carrera llamada
el Océano de fuego, que se celebra todos los años desde
hace siglos y es una prueba de supervivencia de 3000
millas por el desierto de Arabia. El jeque (Omar Sharif)
quería poner a prueba sus pretensiones, enfrentando al
jinete americano (Viggo Mortensen) y a su caballo Hidalgo, contra los mejores caballos árabes y los
mejores jinetes beduinos. Para Frank, perteneciente al cuerpo de caballería de Estados Unidos, no solo
estaba en juego su orgullo y su honor, sino su supervivencia.
En 2005 también protagonizó Una historia de violencia, junto a María Bello, De Harris y William
Hurt entre otro. Interpretó el papel de Tom Stall, un padre de familia de enigmático pasado. Demostró, en
ésta película el reconocimiento que se merecía.
En 2006 protagonizó la superproducción española Alatriste, del director Agustín Diaz Yanes,
junto a Elena Anaya (Angélica de Alquézar), Javier Cámara (Conde-duque de Olivares), Jesús Castejón
(Luís de Alquezar), Juan Echanove (Francisco de Quevedo), Ariadna Gil (María de Castro), Eduardo
Noriega (Duque de Guadalmedina), etc. Se estrenó en España el 1 de septiembre de 2006. Relata las
aventuras del Capitán Alatriste, personaje creado por el periodista Arturo Perez-Reverte.
Debido a que Viggo habla perfectamente español, no le fué dificil apreder a hablarlo con acento leonés,
ya que, además, lo estuvo practicando en la montaña leonesa, en la comarca del Curueño, con las gentes
del lugar. Ésta película es una de las más caras del cine español, con 24 millones de euros de
presupuesto base
Se le puede calificar como un artista polifacético, ya que, además de trabajar como actor,
tambien se dedica a la poesía, la fotografía, la música y la pintura. Es dueño de la editorial Perceval
Press, donde ha publicado sus libros de poesía y fotografía. Compuso la música de “Aragorn´s
coronation” y cantó versos escritos por Tolkien. En la pintura le gusta el arte abstracto, donde incluye, a
veces, fragmentos de sus poemas. Sus obras han sido expuestas en galerías de arte de todo el mundo y
además algunos de sus cuadros aparecieron en la película Un crimen perfecto, en el estudio de David
Shaw.
Estuvo casado con Exene Cervenka, cantante del grupo punk X, con quien tuvo a su hijo Henry
Blake en 1989, del que está muy orgulloso. Se divorció y su actual pareja es Lola Schnabel, hija de Julian
Schnabel.
Nació en Omori, Tokio (Japón) un 23 de marzo de 1910. Murió el 6 de septiembre de

1998, en Setagaya (Tokio), mientras dormía. Se le conoció como “El emperador del cine”.
Era el menor de siete hermanos. Su padre, Shima, trabajaba como director de un
instituto del ejército japonés y su madre, Isamu, pertenecía a una familia de comerciantes de
Omori. Vivían en los barrios bajos de Tokio. Al provenir de una casta samurai, tuvo una buena
educación. Tanto su padre como su hermano Heigo (que trabajaba narrando películas mudas
para los japoneses), tenían una extraña fascinación por la cultura occidental. Cuando tenía 17
años se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Tokio y luego se interesó por la literatura,
principalmente por la escuela rusa de Dostoyevsky y Gorka.
La hermana mayor de Akira, a la que él llamaba “pequeña hermana mayor”, murió
repentinamente cuando él solo tenía 10 años. En 1923, el gran terremoto de Kanto destruyó
Tokio y mató a más de 100.000 personas. Su hermano Heigo de 17 años y Akira de 13,
pasearon juntos entre la devastación. Los cadáveres de
humanos y animales se apilaban en tonos los rincones.
Cuando Akira intentó apartar la vista, su hermano le
obligó a sostenerla. Más tarde recordaría que “ésta
experiencia le enseñó que mirar de frente a lo que le
aterraba era el modo de vencer su propio miedo”.
Cuando Akira tenía 20 años, su hermano Heigo se
suicidó y cuatro meses más tarde murió el mayor de sus
hermanos. Se quedó como el único hijo varón
superviviente.
Ingresó en la Escuela Primaria Kuroda y
cuando terminó el primer ciclo educativo (muy estricto),
pasó a la Escuela Keika. Fue allí donde se aficionó a las
artes y principalmente le atraía la cerámica japonesa y la
pintura occidental. Ésta afición fue un adelanto en su
estilo personal de integrar elementos de Oriente y
Occidente. En la Escuela Doshusha completó su
formación estudiantil recibiendo formación sobre pintura europea.
En 1936, se enteró de la existencia de un programa de aprendices de director, en el
gran estudio de cine Nikkatsu. Fue contratado y trabajó como ayudante del director Kajiro
Yamamoto y luego como guionista de distintos realizadores.
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial se casó con Yoko Yaguchi, con quien tuvo
dos hijos, uno de los cuales es el productor Hisao Kurosawa.
En mitad de ésta Guerra, en 1942, rueda su primera película, La leyenda del gran
judo (Sugata Sanshiro), película en dos partes sobre un joven maestro de judo. Pero sus
siguientes películas fueron supervisadas por el belicista gobierno japonés e incluyeron
frecuentemente temas nacionalistas, como la que rodó en 1945, La más bella (Inhiban
Utsukushika), película propagandista en la que narra el trabajo de unas mujeres trabajando en
una fábrica militar. Pero cuando en 1946 (terminada la Guerra) realiza la película No añoro mi
juventud (Waga seishum ni kuinashi), ésta se muestra crítica con el anterior régimen japonés, ya
que trata sobre la mujer de un disidente izquierdista, arrestado por sus tendencias políticas. De
ésta época cabe destacar, en 1947, Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyobi), un sólido
drama; en 1948, El ángel borracho
(Yoidore tenshi), donde enfrenta a un médico alcohólico y a un gangster tuberculoso.
En ésta película trabajó, por primera vez, con Toshiro Mifune, su actor preferido y protagonista
de la mayoría de sus films hasta los años 60. Fueron amigos íntimos durante mucho tiempo, ya
que se respetaban mutuamente, pero se separaron cuando Toshiro comienza a aceptar papeles en
producciones más comerciales, principalmente en el cine norteamericano. Pese a éste
distanciamiento, siempre se relacionarán los personajes más destacados de las películas de
Akira, con Toshiro.
En 1949 rodó El perro rabioso (Nora inu) , un thriller policiaco donde ofrece una
visión neorrealista del Tokio de la postguerra. Pero fué en 1950 cuando se dió a conocer
internacionalmente con su espléndida película Rashomon , en la que trata una violación ocurrida
en el siglo XII y basada en dos cuentos de uno de los mejores escritores japoneses de todos los
tiempos, Ryonosuke Akutagata. Además de ser uno de sus films más conseguidos, de sus
magníficas cualidades artísticas (asombrosa utilización de los flashbacks) y de su buena acogida
en las pantallas japonesas, es conocido por ser galardonado con el León de Oro del Festival de
Venecia en 1951 y del Oscar a la mejor producción extranjera.
Debido al éxito obtenido con ésta
película, le permitió rodar con total libertad. En 1951
crea El idiota (Hakuchi), que es una adaptación del
clásico de Dostoievski. En 1952 rueda Vivir (Ikiru),
película muy cruda, pero excelente, sobre la vida
de un funcionario con cáncer. Su protagonista hace un
papel memorable, lo borda, y la manera de relatarlo
sobrecoge desde el principio y engancha hasta el final.
Hay planos que son como un mazazo, como el del
principio de la película, con una radiografía del
cáncer que tiene el protagonista, o el plano
final y otros que hacen innecesario que los
personajes hablen para saber perfectamente qué están
pensando y sintiendo. Es una profunda reflexión sobre
la vida y la muerte.
Su segundo León de Oro de la Muestra de
Venecia lo ganó con, la obra maestra, Los siete
samuráis (Shishinin no Samura) en 1954. Sobre
la base de una trama aparentemente simple, la defensa de una aldea por parte de sus habitantes y
un grupo de samuráis, frente a una banda de forajidos, el director construye una brillante obra
épica de gran acción, emotividad y salpicada, por momentos de humor e ironía.
En 1954 también rodó Los bajos fondos (Donzoko) versión de la obra homónima de
Máximo Gorki: en un mísero barrio del Tokio feudal hay un asilo en el que encuentran refugio,
por poco dinero, gentes de diversas procedencias pero ahora todos formando parte de la clase
baja. Fue la primera película en la que Kurosawa tuvo total control, desde el guión hasta el
montaje. Curiosamente casi no tiene música, solo algo de kabuki y una canción a capella.
Trono de sangre (Kumonosu-jo) la filmó en 1957 y es una adaptación, con mayúsculas, de
Macbeth de Shakespeare. El argumento es el mismo pero el poderío visual de Kurosawa y el
magnífico aprovechamiento de la música de Sato hacen que ésta película no se olvide
fácilmente: las misteriosas apariciones espectrales en el bosque de las telarañas; la recepción
entre antorchas de los generales Washizu y Miki; el bosque que, entre nieblas, avanza sobre el
castillo; la lluvia de flechas; las sabias transiciones entre escenas y, sobre todo, el análisis de la
ambición humana a través del matrimonio Washizu, en el que el hombre tiene un espíritu débil
que contiene sus deseos más oscuros y la mujer es quien le manipula, quien realmente tiene
unas ambiciones desmedidas. En 1958 filmó La fortaleza escondida (Kakushi toride no san
Akunin). Es una película de aventuras mezclada de humor provocado por los dos soldados
exiliados que acompañan a Mifune (con una interpretación, como siempre genial, y sin que lo
doblaran en la persecución de lo, que se dirigen hacia el ritual del fuego. No es de extrañar que
George Lucas se s soldados a caballo y con las dos manos sujetando la espada) y a la princesa
inspirara en ella para su Star Wars, pero no le llega ni de casualidad.

La siguiente película fue en 1961, El mercenario (Yojimbo), relato de samuráis. Un
elaborado guión en el que se suceden situaciones intrigantes y cómicas y las luchas entre unos
samuráis cuya figura en el siglo XIX estaba en proceso de desintegración. Toshiro Mifune ganó
la copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia por su actuación. En 1964, el director italiano
Sergio Leone, rodó Por un puñado de dólares, una versión libre de Yojimbo, realizada, según
él, como un homenaje a Kurosawa, pero al no pagar derechos de autor, tuvo problemas legales.
En 1997, Walter Hill, hizo un pésimo remake legalmente autorizado (El último hombre).
En 1963 rueda El infierno del odio (Tengoku to jigoku), adaptación de una novela
policíaca del especialista norteamericano Ed McBain: Gondo es un financiero a punto de hacer
un gran negocio, pero cuando llega a casa le comunican que su hijo ha sido secuestrado y le
exigen un rescate similar al que necesita para cerrar ese negocio. Pero los secuestradores se han
equivocado y han secuestrado al hijo del chofer. Gondo debe decidir entre pagar el rescate y
salvar al niño o realizar su negocio. La primera mitad de la película es magistral, uno de los
mejores comienzos de la historia del cine policiaco, es pura desesperación, la ruina o el niño. La
segunda parte es que te lo muestran todo, paso a paso, y no dejan nada al azar, lo que hace que
se implique el espectador. El final es lo más crudo que puede tener.
Barbarroja (Aka Hige) la filmó en 1965: el joven doctor Yasmuoto regresa a su lugar de
origen después de estudiar en Nagasaki, pero a su llegada sufre una gran decepción porque el
hospital al que le han asignado es para gente humilde y de pocos recursos y además la dirige un
doctor apodado Barbarroja. En su época tuvo un rotundo fracaso y fue despreciada por crítica y
público. Hoy es considerada como una de las mejores por el público (entre ellos el escritor
García Marquez). En ésta película se desnudan los sentimientos humanos y su final deja un
mensaje optimista del verdadero sentido del hombre. La dirección es magnífica, como siempre,
pero también lo son la maravillosa fotografía y la música.
Después de éste fracaso comercial tardó
cinco años en filmar El camino de la vida (Dodes ka-
den), su primer trabajo en color, que consiste en una dura
parábola sobre la otra cara del desarrollo económico. A
pesar de ser una gran película, el fracaso comercial
propició que Akira no encontrara productores
para sus siguientes proyectos, lo que le sumergió en una
profunda depresión que casi lo lleva al suicidio. Cinco
años después, con el apoyo de la entonces Unión Soviética
consiguió que le financiaran para rodar Dersu Uzala ,
donde plasmó las
memorias del explorador Vladimir Arseniev. Fue
un éxito inesperado, con la que ganó el gran premio del
Festival de Moscú y el Óscar a la mejor película
extranjera en 1975. Es puro arte a la vez que testimonio
de la forja de una amistad verdadera, como las que
surgen al compartir una noche bajo las estrellas, una
comida en el claro de un bosque o una conversación
sencilla junto
al fuego del campamento. También un excelente trabajo de los dos protagonistas,
principalmente de Maksim Munzuk, cuya primera aparición en escena supone una de las más
logradas introducciones de un personaje que jamás se hayan filmado: “ No disparen, soy gente”.
En 1980 rueda Kagemusha, producida con la ayuda de George Lucas y Francis Ford
Coppola. Por esta película recibió la Palma de Oro del Festival de Cannes. En el Japón
medieval, devastado por las guerras feudales, en una época llena de conflictos, un ladrón de
poca monta es elegido para suplantar a un poderoso señor de la guerra tras la muerte de éste.
Una obra magistral de una aplastante belleza visual y plástica, creando ,además, una
insólita combinación de drama épico e intimismo.
En 1984 filma Ran, nuevamente una adaptación de Shakespeare de El rey Lear. La
sitúa en el Japón del siglo XVI y es un profundo examen a la insensatez de la guerra y el
derrumbamiento de una familia bajo el peso de la traición, la codicia y la insaciable sed de
poder.
Comenzó el rodaje su siguiente película en 1990: Los sueños de Akira Kurosawa ,
con la producción de George Lucas y Steven Spielberg. Son ocho relatos de 20 minutos cada
uno basados en los propios sueños de Akira. Bellísima película (así sueñan los artistas).
Recibió el Óscar honorífico, en 1989, por su espléndida carrera cinematográfica. Sus
dos últimos trabajos fueron, en 1991, Rapsodia en agosto y en 1992 Madayayo. A mediados de
los años 90, pese a su edad y problemas de salud, la actividad de Kurosawa era constante, no se
resignaba a retirarse, aunque, por razones médicas, debía guardar descanso.
Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia que le daba a sus películas un
aspecto único. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para
lograr el efecto visual deseado. En Rashomon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para
lograr el efecto de lluvia intensa. En Trono de sangre empleó flechas reales disparadas por
arqueros expertos. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, solo
para quemarlo hasta los cimientos. Mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo,
para lograr un mejor efecto visual. Hizo eliminar el tejado de una casa solo porque le pareció
que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.
Su perfeccionismo también se manifestaba en la elección del vestuario ya que le
parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para ello,
repartía el vestuario a los actores, semanas antes de la filmación y les obligaba a usarlo
diariamente. En Los siete samuráis les dijo a los actores que tenían que desgastar y destrozar la
ropa antes del rodaje.
Kurosawa también pensaba que una música acabada no pegaba en el cine. Al elegir
una pieza musical para acompañar a una escena, solía reducirla a un solo elemento. Únicamente
al final de sus películas se escuchaba la música al completo.
Es, sin duda, el realizador japonés más internacional. Varias de sus películas han sido
adaptadas en nuevas versiones por directores occidentales como Steven Spielberg, Sam
Peckinpah, William Wyler, Francis Ford Coppola o Martin Scorsese.
En cierta ocasión, estando en una comida con sus muchos amigos, dijo “Si me quitan
el cine no queda nada de mi”.
P aul Newman va nàixer el 26 de genereo de 1925 a Shaker Heights

(Ohio) i va morir el 26 de setiembre de 2008 a Westpot (Connecticut). Pots
contestar les següents preguntes sobre aquest excel·lent actor?.
1. Quants Òscars va guanyar?

a) 1
b) 2
c) 3
2. Quin va ser el seu primer èxit cinematogràfic?.
a) Marcat per l’ odi
b) Traïdor a l’ infern
c) Dos homes i un destí
3. Amb quina actriu traballa en la pel·lícula La gata sobre la teulada

de zinc?.
a) Ann Blyth
b) Elizabeth Taylor
c) Jean Simons
4. Amb qui estava casat quan va morir?
a) Lee Remick
b) Myrna Loy
c) Joanne Woodward
5. Amb quin director va treballar més vegades?.

a) Melvilla Shavelson
b) Martin Ritt
c) Mark Robson
6. En quina pel·lícula es va estrenar com a director?.
a. La dona de ciment
b. La llegenda de l’ indomable
c. Rachel, Rachel
7. Quantes pel·lícules va dirigir?.

a. 4
b. 5
c. 6
8. Quina era la seua afició favorita?.
a. Automobilisme
b. Golf
c. Tennis
9. En 1982 va fundar una línia de productes alimentaris. De què?.

a. Tomata fregida
b. Amanit per a ensalades
c. Amanit per a pasta
10. En quina d’aquestes pel·lícules va treballar
amb Robert Redford?
a. Dos homes i un destí
b. La carrera del segle
c. El colós en flames
11. La seua pel·lícula Quatro confessions és una

versió del clássic:
a. La mare
b. Rashomon
c. El jutge de la forca
12. ¿En qué primera película trabajó con su mujer?
a. El llarg y càlid estiu
b. L’esquerrà
c. Guanyadors o vençuts
Solucionari: 1- c ; 2- a ; 3 - b ; 4 - c ; 5 - b ; 6 - c ; 7 - c ; 8 - a ; 9 - b ; 10 - a
; 11 - b ; 12 - a .
Després d'aquestes lliçons sobre cinema, a veure si us atreviu amb el següent...
CUESTIONARIO PARA CINÉFILOS
1.- ¿Quién es el protagonista de Siete años en el Tibet?

a) Brad Pitt
b) Tom Cruise
c) Leonardo di Caprio
2.- ¿Qué película sobre el holocausto nazi protagonizó Liam Neeson?.
a) La vida es bella
b) La lista de Shindler
c) El final del nazismo
3.- ¿Quién es el director de la saga Star Wars?.
a) Oliver Stone
b) Steven Spielberg
c) George Lucas
4.- ¿En qué año se estrenó Buscando a Nemo?

a) 2001
b) 2002
c) 2003
5.-¿Qué enfermedad padecía la protagonista de Copy Cat?
a) Claustrofobia
b) Diabetes
c) Agorafobia
6.- ¿Con qué otro nombre se le conoce a Hulk?
a) El verde
b) La masa
c) El extraño
7.- ¿Quién era La teniente O`Neal?
a) Demi Moore
b) Meg Ryan
c) Sigourney Wearver
8.- ¿A qué actor de raza negra le concedieron un Oscar éste año?

a) Denzel Washington
b) Morgan Freeman
c) Cuba Goodling Jr.
9.- ¿A qué actor le gusta ir a los partidos de baloncesto de los Lakers?
a) Robert Redford
b) Harrison Ford
c) Jack Nicholson
10.- ¿De qué nacionalidad es Orlando Bloom?
a) Norteamericano
b) Inglés
c) Mejicano
11.- ¿Quién es el director de El mexicano,
interpretado por Antonio Banderas?.
a) Robert Rodriguez
b) Pedro Almodovar
c) Clint Easwood
12.- ¿En qué película de Steven Spielberg aparece Peter Pan?
a) Piratas del Caribe
b) Hook
c) La princesa y el pirata
SOLUCIONARIO
1.- a/ 2.- b/ 3.- c/ 4.- c/ 5.- c/ 6.- b/ 7.- a/ 8.- b/ 9.- c/ 10.- b/ 11.- a/ 12.-
b
¿ SABES DE CINE ?
1.- ¿ Cuál ha sido el primer Óscar de Clint Eastwood ?

a) Sin perdón
b) Dos cabalgan juntos
c) Los puentes de Madison.
2.- ¿ Cuál es el deporte favorito de Paul Newman?
a) Boxeo
b) Carreras de coches
c) Baloncesto
3.- ¿Con qué película consiguió Almodóvar un Óscar?
a) Hable con ella
b) Todo sobre mi madre
c) Átame
4.- ¿Quién es el novio actual de Penélope Cruz?
a)Tom Cruise
b) Matthew McConaughey
c) Andy García
5.- Dick Van Dyke es el protagonista de la película Mary
Poppins, ¿qué serie sobre médicos protagoniza?
a) Hospital Central
b) Diagnóstico asesinato
c) Urgencias
6.- ¿Dónde se rodó la trilogía del Señor de los Anillos?
a) Nueva Zelanda
b) Indonesia
c) Inglaterra
7.- Jean Reno hace un anuncio sobre:
a) Pañales
b) Bebidas
c) Mensajeros
8.- ¿De qué nacionalidad es John Malkovich?
a) Ruso
b) Norteamericano
c) Inglés
9.- ¿Quién compuso la música del Rey León?

a) Eric Clapton
b) Bon Jovi
c) Elton John
10.- ¿Quién ha dirigido la nueva versión de King Kong?
a) Peter Jackson
b) Steven Spielberg
c) Brian DePalma
Solucionario
1.- a
2.- b
3.- a
4.- b
5.- b
6.- a
7.- c
8.- b
9.- c
10.- a
¿ LO SABES?
1.- ¿Con quien está casada Sofía Loren?.

a) Marcello Mastroianni
b) Giancarlo Gianini
c) Carlo Ponti
2.- ¿Cuántas películas ha dirigido Antonio Banderas?
a) 1
b) 2
c) 3
3.- ¿Cuál fué la última película que rodó Charles Chaplin?
a) El gran dictador
b) La condesa de Hong-Kong
c) Tiempos modernos
4.- ¿Por qué estuvo detenido Matthew Mcconaughey?
a) Por consumir marihuana
b) Por agredir a un policía
c) Por conducir borracho
5.- ¿Quien fué el primer actor que protagonizó La máscara
de hierro?
a) Jean Marais
b) Richard Chamberlain
c) Douglas Fairbanks
6.- ¿Qué enfermedad tiene Charton Heston?
a) Cáncer
b) Alzeimer
c) Parkinson
7.- ¿Cuál es la actual pareja de Javier Bardem?
a) Cristina Sanchez
b) Silvia Marsó
c) Belén Rueda
8.- ¿Qué película protagonizó Rutger Hauer con
Harrison Ford?
a) Blade Runner
b) En busca del arca perdida
c) Air Force One
9.- ¿Qué director de cine le gustaba a Hitler?

a) J. J. Abram
b) Leni Riefenstahl
c) Billy Wilder
10.- ¿Quién ha dirigido la Misión imposible de 1996?
a) Brian de Palma
b) Stuart Heisler
c) Philip Dunne
11.- ¿Quién fué el primer marido de Melanie Griffith?
a) Steven Bauer
b) Don Johnson
c) Peter Lawford
12.- ¿Quien fué el primer actor negro al que le dieron un Oscar?
a) Denzel Washington
b) Louis Gossett Jr.
c) Sidney Poitier
Solucionario:
1.- c 7.- c
2.- b 8.- a
3.- b 9.- b
4.- a 10.- a
5.- c 11.- a
6.- b 12.- c
SIEMPRE PARA CINÉFILOS Y ALLEGADOS
1.- ¿En qué festival de cine se ha presentado la

película “El laberinto del Fauno”?.
a) Sitges
b) San Sebastián
c ) Cannes
2.- ¿En qué película el, actor

Paul Newman, se comió 50 huevos
cocidos?.
a) El golpe
b) Dos hombres y un destino
c) La leyenda del indomable.
3.- ¿De qué director de cine es pariente Nicolas Cage?.
a) Steven Spilberg
b) Francis Ford Coppola
c) Andrew Jackson
4.- ¿Qué película, considerada obra maestra, de Max
Ophuls, se ha reestrenado recientemente?
a) Lola Montes
b) Atrapados
c) Carta de una desconocida
5.- ¿A qué director de cine está dedicado el festival de Sitges del 2006 , por su
película Teciopelo azul ?.
a) David Linch
b) Richard Donner
c) Wong Kar-Wai
6.- ¿De qué actor es hija Angelina Jolie?
a) Ian Holm
b) Jon Voight
c) Albert Brooks
7.- ¿Qué actor estuvo nominado siete veces a los Oscars y no lo obtuvo nunca?.
a) Richard Burton
b) Peter O’ Toole
c) Los dos
8.- ¿Qué actriz interpreta el papel de Lucrecia

Borgia, en la película Los Borgia?.
a) María Adanez
b) María Valverde
c) María Esteve
9.- ¿Qué oficio tenia Harrison Ford antesde ser
actor?.
a) Carpintero
b) Camionero
c) Carnicero
10.- ¿Con que actriz tuvo una
hija, llamada Rebeca, Orson
Welles?.
a) Susan George
b) Claudia Cardinale
c) Rita Hayworth
Solucionario:
1) a
2) c
3) b
4) a
5) a
6) b
7) c
8) b
9) a
10) c
¿ VAMOS A PENSAR ?
1.- ¿En qué ONG se basa la película Invisibles producida por Javier Bardem?
a) Unicef
b) Médicos sin fronteras
c) Greenpeace
2.- ¿Quién es el protagonista de la película Hannibal, el origen del mal ?.
a) Gaspard Ulliel
b) Fritz Horton
c) Peter Oline
3.- ¿Quién es el director de la película El velo pintado?.
a) John Curran
b) Edward Norton
c) Tom Cusing
4.- ¿De quién es sobrino George Clooney?.
a) Nick Clooney
b) José Ferrer
c) John Casavettes
5.- ¿A qué género cinematrográfico pertenece la película Concursante ?.
a) Intriga
b) Romántico
c) Gore
6.- ¿En qué país nació la actriz Milla Jovovich?.
a) Estados Unidos
b) Rusia
c) Ucrania
7.- ¿Qué actriz es la protagonista de la película
Teresa, el cuerpo de Cristo ?.
a) Paz Vega
b) Susana Prieto
c) Amalia Sampedro
8.- ¿Cuántos Oscars le han dado a la película Infiltrados ?
a) 3
b) 5
c) 4
9.- ¿De qué nacionalidad es la película El laberinto del Fauno ?.

a) Mexicana
b) Argentina
c) Chilena
10.- ¿Quién es el director de la película Zodiac?.
a) Jan De Bont
b) Petter Moland
c) David Fincher
11.- ¿Qué película de habla no inglesa ha obtenido un Oscar en 2007?.
a) La vida de otros
b) Días de gloria
c) Después de la boda
12.- ¿Qué actriz interpreta el papel de Lola Flores en el film: Lola, la película ?
a) Gala Evora
b) Marta Etura
c) Ana Echeverría
13.- ¿Cuál es el autor del cómic en la que está basada la
película: 300 ?.
a) Francis Hoope
b) Frank Miller
c) Artur Roberts
14.- ¿Qué película ha obtenido el Oscar 2007 a la mejor banda sonora?.
a) El laberinto del Fauno
b) La reina
c) Babel
15.- ¿A qué actor le dieron el Oscar 2007 por la
película: El último rey de Escocia ?.
a) Ryan Gosling
b) Forest Witaker
c) Peter O’Toole
Solucionario
1) b 6) c 11) a
2) a 7) a 12) a
3) a 8) c 13) b
4) b 9) a 14) c
5) a 10) c 15) b
POLITÈCNIC
Institut dÉducació Secundaria
Castelló de la Plana
Reunido el equipo docente más hueso y malévolo de este IES Politècnic y después
de seguir con especial atención la evolución de Dª Lidón Babiloni en los
últimos (…y más últimos) cursos,
SE HA DECIDIDO QUE:
 PROGRESA ADECUADAMENTE
 Por lo que PROMOCIONA y se solicita su PROPUESTA A TÍTULO.
Promociona a un curso en el que ella misma podrá elegir las asignaturas que
desee cursar (o le dejen). Un curso en el que ella misma se fijará el horario (fuera
despertador). Y un curso en el que ella misma será su propia tutora (experiencia no
le falta).
Por otro lado, se acepta la propuesta al título de: "Profe diversificada", "Profe
colega" y "Profe entrañable".
CONCLUYENDO:
 El gato y el resto de la familia de Dª Lidón Babiloni pueden estar muy
orgullosos de ella.
BOLETÍN DE NOTAS: EVALUACIÓN ÚNICA

ASIGNATURAS CALIFICACIONES
MODALIDAD Sentido del humor y SOBRESALIENTE

compañerismo
Confección de bufandas SOBRESALIENTE
OPTATIVAS Profesionalidad SOBRESALIENTE
Asistencia a clase SOBRESALIENTE
Castellón, a 23 de junio de 2009
Firmado: La comunidad educativa del IES Politècnic

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Lidón Babiloni sempre ha estat disposta a col·laborar a la revista de l’

IES Politècnic amb els seus articles i passatemps de cinema

Aquesta col·laboració sempre ha sigut puntual, encertada i molt

En aquest número especial hem reunit algunes de les “perles”

Però Lidón es més que cinema y així ho demostren alumnes i companys

Des de la redacció de la revista desitgem que en aquesta nova etapa

La secció de cinema és teua

¡Cuánto te vamos a echar de menos!

No por tu alegría, tu sonrisa, tu comprensión, tu empatía, tu cordialidad, ni tan siquiera

La resta, ja ho tens tot

me ayudó a creerme que soy una persona dentro y fuera de la sociedad.

También te doy gracias porque estuviste en mis buenos y malos momentos y

porque me supiste reprender cuando era necesario.

Aún me acuerdo de cuando te regalamos el jamón y otras cosas. Lo pasamos

bien y conseguimos el graduado.

Cuídate mucho y ya nos veremos. Mis padres también te recuerdan y te

¡Ah! También saludos a tu gato que es un crack.

Siempre te llevaré en mi corazón al lado de todas aquellas personas que

aprecio y que son pocas. ADIÓS.

Título original: Ju-on. Japonesa. Director: Takashi Shimizu.

El título original significa: “la maldición de una persona que muere

Este película es de un terror psicológico, de fenómenos extraños y

La música ha sido compañera de la imagen en movimiento desde los

tomar forma las asociaciones música-imagen que inclusohoy en día todavía

La característica canción servía para presentar la película durante los

creación de tensiones atmosféricas hasta ahora inalcanzables mediante las

Pero no sólo ha sido el modernismo musical de Viena el único ejemplo

El día 19 de mayo se estrena La venganza de los Sith. Para que

Boba Fett. Es un cazarecompensas

C-3PO. Es un robot requetepesado. Habla muchos idiomas, es

Chewbacca. Es un wookie, que siempre acompaña a Han Solo en sus

Dart Vader. Es muy muy requetemalo, pero

Emperador. Todavía es más malo que el

Fuerza, La. “Es un campo de energía creado

Grievous. Es un general droide de cuatro brazos, también malo,

Hayden Christensen. Es el chico que, según algunos expertos, no

Jar-Jar Binks. Es el equivalente a un ewok en la primera trilogía. Es

Leia/Luke. Son los hijos de Anakin Skywalker y de Padmé. Su padre

Mace Windu. Es un Jedi que sospecha algo que no va bien en la

Naboo. Es la patria de Padmé Amidala. Es un sitio con casas bonitas.

Obi-Wan Kenobi. Es el maestro Jedi, siempre luchando hasta llegar

Palpatine. Él y Darth Sious (futuro Emperador) son la misma

Qui-Gon Jinn. Es el maestro de Obi-

R2-D2. Es el fiel compañero de Luke

Sith. Es una antigua hermandad

Vara Gimen. Es el nombre del bastón de Yoda. Lo utiliza para andar

n ació en 1963 en Knoxville, Tennessee (Estados

Su éxito más rotundo fue otra versión de Batman (1989), sobre el

Tim Burton es un director de

Sin ningún género de dudas, la película más at revida de Burton es Ed

También en 1994 creó y produjo Pesadilla antes de Navidad, basado

En 1996 dirigió Mars Attack

numerosos aciertos parciales que verifican la personalidad del

Con Sleepy Hollow, en 1999, volvió al cine extraño y original donde

En el número anterior de nuestra revista del Politécnico, os escribí sobre

cine “teen” de los años cincuenta. Es divertida, estimable y en cierto

En el confuso universo del Colegio

Familias : los parientes del poderoso

Alumnos : La mejor alumna de Hogwarts es la mejor amiga de

Profesores : El mejor mago del mundo, Albus Dumbledore

Enemigos y mortífagos : en el nuevo libro salen los padres de

Seres mágicos : el mundo de Harry está

fantasmas tan divertidos como