PREVIEW 2018: NUESTRAS APUESTAS PARA LO MEJOR DEL AÑO

ENERO 2018
$59.00

PAÑOL

SI AMAS
ALGO,
DÉJALO IR

31/01/2018

+ MOLLY’S GAME STRONGER

 50 THE SHAPE OF WATER
Dos cosas quedan de manifiesto con esta
nueva película: una, que Guillermo del Toro es
muy amado en todo el mundo. Y otra, que es un
verdadero genio que sabe tocar los corazones de
los cinéfilos con sus monstruos inadaptados y
esta historia de amor húmeda y pegajosa, que ya
le valió un León al Toro.

58 PREDICCIONES 2018
Nuestros videntes/editores/psíquicos te
dicen qué filmes serán grandes en el año que
viene, echando mano de diversas mancias y del
designio astral. De una vez checa cuáles verás
con quién y hasta con qué bebida refrescante o
snack piensas acompañarlas. Creas o no en las
artes adivinatorias, aquí el futuro es una
completa realidad.

72 PANTALLAS
Hay ventajas de la época en que vivimos, y
una de ellas es que existen miles de pantallas
diferentes para ver tus contenidos en la
comodidad de tu hogar. ¿Eres gamer? ¿Quieres
disfrutar vídeos en internet sin quedarte ciego
por verlos en tu celular? Aquí, un análisis
pormenorizado de las mejores pantallas y teles
que hay. Con precio y todo.

8
80 ESPECIAL STAR WARS DE EMPIRE,
EPISODIO 2
Después de que The Last Jedi rockeara tu
mundo, aquí te dejamos la continuación de
nuestro especial de Star Wars con todo lo nuevo
que hay de la saga, el universo expandido, los
referentes, las movies que siguen y hasta los
jjuguetes que necesitas.

0
06 KILLING OF A SACRED DEER
Si viste Langosta sabes lo raro que puede ser
Yorgos Lanthimos y la forma en que crea
atmósferas paralelas a la realidad.
26 THE GREATEST SHOWMAN
El siempre atractivo mundo del circo retratado
a través de la figura de los más grandes. Como en el
132 MASTER PIECE: BREAKFAST AT
TIFFANY’S
Una chica linda, elegante y con mucha calle;
circo, habrá espectáculos y muchas (tal vez ¿cómo no ver al pasado para recordarla?
demasiadas) canciones.

0
08 LADY BIRD
De las películas de adolescentes desubicadas
a veces surge una, como de entre la niebla sale
luz, ya sea por el conmovedor retrato del dolor de
crecer o por contener actuaciones realmente
excepcionales. Esta película tiene ambas.
30 DARKEST HOUR
Si nos dieran un peso por cada vez que
alguien interpreta a Churchill, quizá juntamos
para un almuerzo, aunque el trabajo de Gary
Oldman, como siempre, vale un buffet.
142 LA ÚLTIMA ESCENA: CITIZEN KANE
El final es tan importante como el principio,
¿qué quiso decir Welles con esas increíbles
imágenes al final de la película? Siempre es un
placer volver a clásicos como Citizen Kane.

14 THE COMMUTER
Liam Neeson al fin parece haberse cansado 42 TOP OF THE LAKE: CHINA GIRL
La segunda temporada de esta críptica serie
152 MIS FAVORITAS: OWEN WILSON
Este agradable sujeto, que ha pasado las de
Caín en su vida personal pero que ha hecho
de los aviones. se muda a Australia, pero promete bastante. hermosas películas, nos dice sus cinco favoritas.

2 ENERO 2018
 Ya a la venta
los No. 3 y 4

Búscalos por

$ 44
TM & © 2017 DC COMICS. ALL RIGHTS RESERVED. LAS IMÁGENES SON SÓLO ILUSTRATIVAS. PRECIO POR EJEMPLAR. SUJETO A CAMBIO SIN PREVIO AVISO.
 CARTAEDITORIAL
Guillermo del Toro ha sido una EditorIAL Ventas
de las fuerzas más Editor in Chief Directora General de Ventas
José Alberto Sánchez Marielos Rodríguez
innovadoras del cine mundial:
desde Cronos, pasando por el Deputy Editor Directora de Marketing Comercial y PR
Laberinto del Fauno, HASTA Eduardo Navarrete Karla Piña
LLEGAR A Pacific Rim. ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
Coordinador Editorial
César Hernández
Nuestro paisano no sólo es un Editora
Marketing
referente a admirar por nosotros, sino Directora de Relaciones Públicas
Anaid Ramírez Elmis Reyes
también por todo el mundo.
ArtE Directora General de Agencia
Legiones de fans idolatran su Directora de Arte Diana Bonardel
Isabel Cisneros
visión del mundo: oscura, imaginativa
Director de Talento
y siempre impactante; Del Toro ha
Gustavo Rincón
elevado el arte de crear historias y Traducciones
personajes que no existen y resultan tan empáticas que nos hacen entrar a Ary Snyder Televisa publishing
la sala de cine con la certeza de que nunca has visto ese universo. international
Corrección Director General
The Shape of Water, la última gran obra del tapatío, lidera las Luis Antonio Torres L. Porfirio Sánchez Galindo
nominaciones de los Globos de Oro con esta historia de amor que ha
demostrado, en todos los festivales, ser la joya de este año. Online VENTA DE SUSCRIPCIONES
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Entre Coco y Shape of Water, estoy seguro que 2018, para disgusto de ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
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4 ENERO 2018
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6 ENERO 2018
 El ajuste de cuentas
que desea concretar Primer
un adolescente es con vistazo
lo que te apantallará
Lanthimos en la cinta. THE KILLING OF
F
A SACRED DEER
ESTRENO
9 DE FEBRERO

VENGANZA
FAMILIAR
Prepárate para sentir ansiedad
en la sala con la nueva carta de
Yorgos Lanthimos.
POR ÓSCAR URIEL

EL CINE DE YORGOS LANTHIMOS

no es para todos los gustos, aunque hay algo
infalible en las propuestas del director griego: no
deja un espectador impasible ante ellas. Su más
reciente película quizá sea la más ambiciosa
hasta la fecha. El sacrificio del ciervo sagrado
aborda temas que van desde el castigo,
redención, venganza y la responsabilidad médica
y familiar. Todo aderezado con el perverso
sentido del humor que ha caracterizado la
filmografía de Lanthimos.
“Sabía perfecto en lo que me estaba
metiendo y eso me emocionaba. Investigué un
poco y me preparé antes de llegar al set, sin
embargo siempre hay ese sentimiento de ‘¿qué
estoy haciendo aquí?’”, confesó Nicole Kidman
cuando EMPIRE le preguntó acerca de su
experiencia de laborar con quien, sin duda, es
uno de los provocadores cinematográficos más
relevantes de esta generación.
“Me entusiasma incorporarme en los
universos singulares de los artistas”, agregó.
“Quiero seguir aprendiendo, deseo continuar
transformándome hacia la visión de un director.
Con Yorgos me pasa algo muy particular:es un
realizador que, me parece, tiene un sentido del
humor muy especial. Dogtooth era divertida, así
también The Lobster, con momentos en los que
te preguntas: ‘¿Me es permitido reír de esta
situación?’. Es un tipo de cine como no hay otro”.
“¡Definitivamente, Lanthimos!”, exclamó en
otro momento un contundente Michael Haneke
cuando le preguntamos quién era su director
favorito dentro de la nueva ola de realizadores. Y
es que el artista heleno se ha consolidado como
una de las voces más sugestivas con descarnados
retratos de la sociedad moderna a través de una
mirada inquisitiva y perversa. The Killing of a
Sacred Deer podría ser su entrega más sugestiva
en lo que va de su trayectoria.

ENERO 2018 7
 MILLENNIALS
AL VUELO
La actriz Greta Gerwig debuta
como directora con Lady Bird.

POR SUSANA MOSCATEL

MUCHO SE HA HABLADO DE que la

ópera prima de Greta Gerwig, protagonizada por
Saoirse Ronan, es la única cinta aparte de Toy
Story 2 en obtener la calificación perfecta en los
sitios de ranking de críticas, aunque eso en
realidad es lo de menos.
Greta, de 34 años, no inventó el hilo negro al
contar la historia de Lady Bird: una adolescente
extraña pero con la que muchos se podrán
identificar; aunque sí encontró una nueva forma
de presentarnos ese hilo.
Se discute lo poco que se puede concentrar
en algo en estos días, sobre todo los más jóvenes,
pero como si fuese con ese lenguaje y una serie
de escenas cortas, todas con algún tipo de remate
o promesa de lo que vendrá en la historia, la cinta
crea un cuadro maravilloso sobre qué es crecer,
de la búsqueda de ser especial cuando las
circunstancias no se prestan y del despertar de
todos los deseos.
Este relato es rápido, efectivo y conmovedor.
Aún más, tiene la oportunidad de jugar con todos
los géneros por su formato, recordándonos que
la vida no es sólo una comedia, tragedia o drama.
Ve anotando a Saoirse Ronan y a Laurie
Metcalf (su madre) en tus quinielas. Logran la
mejor mancuerna de madre e hija en pugna
amorosa que se ha visto fuera de la vida real.

LADY BIRD ESTRENA EL 16 DE FEBRERO.

8 ENERO 2018
ENERO 2018 9
 EL DEBATE
¿INFLU RÁ
ELESCÁNDALO
PORACOSO
ENLAS
NOMINACIONES
ALOSPREMIOS?
¿Se verán afectadas las postulaciones de esta
temporada de galardones debido a los escándalos
de acoso sexual en Hollywood?
SÍ
JACQUELINE
WAISSER,
COLABORADORA.
LO QUE MÁS HA IMPACTADO del
escándalo sexual de Harvey Weinstein no es la
exorbitante cantidad de mujeres que han
acusado al productor, sino que la Academia de
Artes y Ciencias Cinematográficas lo haya
expulsado de sus filas.
El mensaje es claro: no importa quién seas, si
sale a la luz tu mal comportamiento serás
exiliado. Se trata de una acción parteaguas en
una industria que por años ha tolerado
conductas inapropiadas y abusos.
Es un comienzo y una señal de que a esta
tradicional institución le importa la opinión
pública y ya no puede hacerse de la vista gorda
10 ENERO 2018
ante la epidemia de acoso que abriga su gremio.
Esto repercutirá en qué cintas serán incluidas en
la competencia (ninguna asociada con los
implicados) y en el resultado de la premiaciones.
Es difícil imaginar la temporada de premios
sin la participación de Weinstein, una figura
protagónica que en las últimas décadas se ha
dedicado a implementar estratagemas dignas de
una trama de House of Cards (ups, otra serie
caída en desgracia) para promover sus cintas en
la carrera por la estatuilla.
Los filmes de The Weinstein Company que
pudieran contender este año son Wind River, The
Current War y Mary Magdalene. Más allá de si
son o no buenas, carecerán de las agresivas
tácticas de venta de su promotor estrella, quien
ahora tiene asuntos más grandes por atender.
A juzgar por años anteriores, y aunque sea de
dientes para afuera, la Academia se sensibilizará
ante el tema del momento. Así lo hizo con la
campaña #OscarsSoWhite lanzada en 2015 que
derivó en la victoria en 2017 de Moonlight, una
película que hace unos años no hubiera tenido
chance por su temática marginal. Ese mismo
año, la Academia demostró con acciones su
compromiso por la inclusión premiando a Viola
Davis y Mahershala Ali (el primer actor
musulmán en ganar un Óscar).
Incluso el discurso de Cheryl Boone Isaacs,
presidenta de la Academia, abordó la
controversia del whitewashing de Hollywood:
“Hoy es la prueba de que el arte no tiene
fronteras. Todos los artistas creativos alrededor
del mundo están conectados por un poderoso e
indestructible vínculo”, expresó. Su afirmación
también aludía al clima político del momento: el
triunfo electoral de Donald Trump y el repudio a
sus políticas racistas. No en vano ganó como
Mejor película extranjera The Salesman, del iraní
Asghar Farhadi.
Este año no será diferente. La causa virará al
empoderamiento femenino. Las cartas fuertes
serán cintas de mujeres (Missouri
( , The Post,
Molly´s Game)e y hechas por mujeres (Lady Bird,
The Beguiled, Wonder Woman). Voces como las
de Jessica Chastain, Meryl Streep o Brie Larson
—aguerridas denunciantes del abuso en
Hollywood— no serán ignoradas.

NO
ANAID RAMÍREZ,
EDITORA.
COMO ES TRADICIÓN, los sindicatos y
academias —sobre todo de Estados Unidos—
tomarán alguna postura respecto a la agenda
sociopolítica de los últimos meses, pero
lamentablemente pienso que de nuevo no pasará
más allá de cuestiones logísticas: los temas de las
películas nominadas y los discursos de
ganadores, como ha ocurrido cada año.
Y es que siempre queda sólo en eso, una
postura. Pocas veces se han ensuciado las manos
para defender una causa: ¿en realidad se ha
hecho algo en Hollywood para igualar los salarios
de hombres y mujeres?, ¿en verdad luchan
contra el racismo, cuando ellos mismos y su
prensa se sorprenden cuando un hombre de raza
negra aparece en una película de Star Wars?
Y la pregunta que hace dudar que haya
verdaderas represalias en el tema: la puerta que
se abrió a partir del centenar de denuncias hacia
Harvey Weinstein, ¿en serio sólo dio para que
aparecieran unos cuantos nombres más? Mira a
tu alrededor, en las zonas laborales y de
educación de las que has sido parte: si en esos
núcleos suele ser taaan común, ¿qué ocurre en
un entorno al que desean ingresar miles de
personas? Tampoco digo que todos estén
cortados por la misma tijera.
Por otro lado, resulta extraño que,
prácticamente al mismo tiempo, dos medios
igual de influyentes —The New York Times y The
New Yorker— sacaran a relucir el tema teniendo
como protagonista a la misma figura, ¿fue una
mera casualidad?
No quiero decir con eso que se haya montado
un teatrito para acabar así con las carreras de
Weinstein, Kevin Spacey, Dustin Hoffman, Roy
Price y los otros nombres que han salido.
Tampoco que es injusto los giros que han tomado
Una piñata-torito de
Weinstein para
hacer catársis /
Kevin Spacey quedó
fuera de House of
Cards / Dos
produciones de
Weinstein que quizá
se queden sin algún
premio: The Current
War y Mary
Magdalene.
esas trayectorias: un delito debe visibilizarse y
castigarse sin importar en qué medio ocurra.
Más bien hace pensar: ¿será algo
consensuado a fin de liberar un poco de presión a
la olla, para que parezca que la Academia hace
algo sin sacar la mala hierba de raíz? Porque, con
honestidad, ¿realmente le conviene? ¿Cuántos
productores del tipo Weinstein tendrían que
expulsar de sus filas para hacer una justicia de
verdad?
Sí, nos pondría la piel de gallina escuchar a
una Jessica Chastain, Saoirse Ronan, Sally
Hawkins o Margot Robbie —suenan fuertes para
la temporada de premios— emitir un discurso
que señalara a victimarios, que dijeran palabras
para honrar a las víctimas (mujeres y hombres)
de las caricias y los piropos que no se solicitan,
de los recuerdos que preferirían enterrarse.
Pero mientras no haya una limpieza a fondo,
mientras no sólo se tome una postura y en
verdad se actúe para acabar con eso, los premios,
aplausos y homenajes seguirán para todos
aquellos cuyos abusos no se han querido sacar a
la luz.
ENERO 2018 11
12
ENERO 2018
MANUEL CLARO Y MARTÍN ESCALANTE
 EXCLUSIVA
LA REGIÓN
SALVAJE
ESTRENO
2 DE FEBRERO
¡SE ME
HACE TARDE!
El director Amat Escalante confesó a EMPIRE
por qué La región salvaje ha tardado tanto en llegar
a cines mexicanos.
POR JESÚS CHAVARRÍA
A MÁS DE UN AÑO DE QUE la película
se concluyó e inició un recorrido por diversos
eventos fílmicos alrededor del mundo,
incluyendo el Festival Internacional de Cine de
Venecia de 2016 —participación que le valió el
V cinta Escalante logra delinear una mezcla de
Leon de Plata a Mejor director— y, por supuesto,
el Festival Internacional de Cine de Morelia
—donde fue recibida con excelentes críticas—, la
más reciente película de Amat Escalante llega a
las carteleras comerciales de nuestro país.
Dicho retraso no obedece a otra cosa que a la
planificación alrededor del filme, según palabras
que el propio director dijo a EMPIRE durante
una charla hace apenas unas semanas.
“Estábamos buscando que la película saliera
en medio de las circunstancias más favorables
posibles, así que esperamos hasta contar con
todos los recursos necesarios para ello”, confiesa
el también realizador de Sangre.
Y es que en los primeros meses del año el
usual avasallamiento hollywoodense disminuye
significativamente, por lo que estrenar en
febrero no podría ser mejor escenario para La
región salvaje. “Aunque podría haber sido
interesante salir en verano, al lado de los
blockbusters y convertirnos en la otra opción”,
agrega el director.
Pero asimismo existe otro motivo para que la
cinta se muestre apenas en los cines mexicanos.
“Está época es muy conveniente para que el
público pueda verla antes de que llegue la
temporada de premiaciones y ceremonias, en las
que pensamos que podemos estar considerados”.
Al ser uno de los trabajos más sobresalientes
de Amat, quien además vuelve a demostrar que
quizá sea el director mexicano que mejor sabe
manejar a actores no profesionales, es una
La región salvaje debe tenerse en
cuenta como un serio aspirante a protagonizar la
próxima entrega de los Premios Ariel.
Más aún si tomamos en cuenta que en esta
géneros poco usual en nuestra cinematografía:
un drama con aire costumbrista, elementos
fantásticos y un erotismo latente, lo que al
parecer tampoco fue factor en los cambios de la
fecha de estreno de la cinta.
“Nunca fue ese el impedimento, aunque la
clasificación para mis películas siempre suele ser
C. El retraso tuvo que ver con la obtención de los
recursos que pudieran impulsar su salida al
mercado en la mejor forma. De hecho la película,
luego de su paso por varios festivales y muestras,
incluyendo algunos de género como Blood
Window, ya se pudo ver en países de Europa”.
Así pues, todo está listo para la llegada a la
cartelera de lo que, por otro lado, no es un giro
tan radical en el perfil de la filmografía del
realizador guanajuatense. “Lo fantástico es un
tema que siempre me había interesado aplicar,
incluso en otras de mis cintas, como Heli. En ese
caso, durante el proceso de realización surgió la
idea de integrar algunos elementos fantásticos
en ella, sólo que al final no se quedaron y lo
llevamos todo por otro lado. En La región salvaje
sucedió algo parecido, sólo que esta vez
permaneció hasta el final”.
Y no se pueden negar los buenos resultados.
El filme es un inquietante relato donde lo
extraordinario se convierte en la herramienta
para exponer las entrañas de una sociedad
carcomida por la estigmatización, los prejuicios
y la violencia a distintos niveles. Créenos que la
espera habrá sido meritoria.
ENERO 2018 13
 PRIMER
VISTAZO
CALL ME BY
YOUR NAME
ESTRENO 2 DE FEBRERO
AMOR DE COLORES
Luca Guadagnino está al frente
de un prometedor filme
de romance homosexual.
POR ARTURO AGUILAR
UN POCO EN EL TONO DE
RETRATO íntimo y emotivo de las dos
primeras partes de Moonlightt —pero sin la cruda
observación sobre la actualidad social, política o
económica—, Call Me by Your Name, del director
italiano Luca Guadagnino y protagonizada por
Armie Hammer y Timothée Chalamet, te acerca
con sensibilidad y naturalidad a la primera
relación significativa de un chico.
La historia se centra en Elio (Chalamet), un
adolescente que vive su despertar sexual con una
amiga de su edad y, a la vez, descubre y acepta su
propia identidad sexual al iniciar una relación con
un profesor (Hammer) que está de visita en Italia
durante el verano de 1983.
Sí, es una sencilla y linda historia de amor, de
descubrir “mariposas en el estómago” y otras
sensaciones más intensas, pero lo que más se
14 ENERO 2018
destaca del filme son las actuaciones de Hammer
y Chalamet, cuyos nombres podrían figurar en las
nominaciones en esta temporada de premios.
No es complicado visualizar ese escenario: el
cineasta fue muy cuidadoso a la hora de elegir a
sus protagonistas, pues se tomó su tiempo.
De Hammer, por ejemplo, siguió su trabajo
desde The Social Network. “Estaba impresionado
por esa película, había una gran generación de
actores en ella: Dakota Johnson y Rooney Mara
estaban ahí; Andrew Garfield, Jesse Eisenberg. Y
luego te encontrabas con estos dos hermanos tipo de roles y proyectos. “Me sentaba como
(ambos interpretados por Armie) que en realidad cualquier otro actor en clase de actuación,
pensé que eran hermanos porque no creía que soñando con un papel como el que tengo en esta
alguien actuara de esa manera y se pudiera hacer ocasión: que te empuja a nuevos retos, desafía tu
eso digitalmente”, confesó a EMPIRE el perspectiva y te hace crecer como persona. Siento
realizador durante el Festival Internacional de que este filme provocó todo eso. Ahora me estoy
Cine de Toronto. esforzando para dedicarme a películas que quiero
El encuentro entre el cineasta y el actor no hacer y colaborar con los directores con quienes
tardó en darse. Éste llegó tras el estreno de I Am en verdad quiero trabajar, porque el resultado es
Love —cinta de Guadagnino que protagonizó Tilda increíblemente satisfactorio”, explicó el actor.
Swinton—. “En general hablamos sobre la vida El largometraje buscará posicionarse como
durante dos o tres horas y me encantó. Tuve una uno de tus favoritos en toda la década y promete
atracción repentina e inmediata hacia él”, relató. convertirse en una completa referencia del cine
Por su parte, Hammer destaca lo que le gay. Y posee suficiente amor para convencerte de
entusiasma profesionalmente de trabajar en este ello por completo.
 EN EL CAMINO
CORRECTO
Liam Neeson y Jaume Collet-Serra
hablan de The Commuter, su
nuevo filme de acción.
POR CHRIS HEWITT

El amor de verano de
ESTO PODRÍA RESULTARTE ÚTIL en alguna
este adolescente es un
trivia: ¿quién es el director con quien más ha
hombre un poquito
trabajado Liam Neeson? No es Neil Jordan, con
mayor que él / Típico
tres, ni Christopher Nolan, Martin Scorsese o el
momento de cuando
gran Olivier Megaton (dos cada uno). No; el honor
uno se enamora /
es para el realizador español Jaume Collet-Serra.
Dicen que fue amor
The Commuter es su cuarta película con este
a primera vista.
notable irlandés.
Esta hermosa amistad comenzó en 2010
cuando el productor Joel Silver le mostró a
Neeson (quien buscaba un director para
Unknown) la loca película de horror Orphan, de
Collet Serra. “Me aterró. Después de eso me
emocionó trabajar con él. Nos encanta nuestra
compañía en el set y nos entendemos a la
perfección”, ríe Neeson.
De botepronto, la historia de The Commuter
—donde Neeson termina enredado en una trama
de vete-tú-a-saber-quién-fue en un tren de Nueva
York— parece similar a su segunda película,
Non-Stop, donde un alguacil aéreo tiene que
encontrar a un secuestrador en pleno vuelo, pero
el director de inmediato nos asegura: “No haría
dos cintas iguales”.
Para diferenciarlas, The Commuterr presenta
a Neeson como un tipo ordinario y no enmascara
la edad del actor. Su personaje tiene 60 años y,
aunque todavía puede hacer muchas cosas, no
se parece a la imparable máquina que vimos
rescatando a su hija. “Siempre lo pienso”, afirma
Neeson. “Cumplí 65 este año. Estoy muy
consciente de que las audiencias no son tontas.
El día que no pueda correr para alcanzar el tren o
volar solo, me detendré”.
Por fortuna, su sofá tendrá que esperar y
parece que no le va a hacer competencia a
nuestro maratonista pronto, porque Collet-Serra
asegura que no ha terminado sus colaboraciones
con él. ¿Harán otro filme juntos? “¡Con suerte,
haremos otras cuatro!”.

THE COMMUTER ESTRENA EN CINES EL 19 DE ENERO.

ENERO 2018 15
 TRÍO DE MÁSTERS
FICUNAM 2018 homenajeará a
Nobuhiro Suwa, Travis Wilkerson
y Roee Rosen con sus
retrospectivas.
POR ANAID RAMÍREZ
JONAS MEKAS, Darezhan Omirbayev,
Masao Adachi, Harun Farocki y Carlos Mayolo
son algunos de los directores que han sido
reconocidos por el Festival Internacional de
Cine de la UNAM (FICUNAM) a través de
nutridas y muy bien armadas retrospectivas.
Para la edición ocho del festín no podían
dejar de sumarse nombres, y en esta ocasión
podrás echar un vistazo a la filmografía del
p Por eso no sorprende que en su filmografía
jjaponés Nobuhiro Suwa, el estadounidense
Travis Wilkerson y el israelita Roee Rosen.
NOBUHIRO SUWA
Originario de Hiroshima, Suwa decidió tomar la
cámara desde que iba en secundaria, cuando
comenzó a hacer películas personales con una
16 ENERO 2018
Super 8 que tenía su padre. Influenciado por la
nouvelle vague y el cine de Masashi Yamamoto,
comenzó a trabajar como asistente de dirección
hasta que llegó la oportunidad de hacer sus
pininos en la silla de director en ½ Mensch.
Con su programa en FICUNAM tendrás la
oportunidad de disfrutar en pantalla grande su
ópera prima, H Story, así como The Lion Sleeps
Tonightt y Yuki & Nina.
TRAVIS WILKERSON
Aunque nació en Colorado, Estados Unidos,
Wilkerson se considera un creador del llamado
“tercer cine”, el cual surgió en Latinoamérica en
los 50 y se consolidó en las siguientes dos
décadas al contraponerse a los modelos
hollywoodenses.
predominen cintas que reflejen su vínculo con el
compromiso social y la política. Tal fue su
convicción desde el inicio que su primer
largometraje es una declaración de principios,
un retrato del cineasta radical cubano Santiago
Álvarez, Accelerated Under-development: In the
Idiom of Santiago Alvarez.
De la autoría de Wilkerson podrás disfrutar
Did you Wonder who Fired the Gun, Los Angeles
Red Squad y Machine Gun or Typewriter?
durante las jornadas de FICUNAM.
ROEE ROSEN
Este pintor, novelista y cineasta nació en
Rejovot, Israel. Con una formación en Filosofía y
Letras, el nombre del artista comenzó a cobrar
fuerza cuando inauguró la muestra Live and Die
as Eva Braun, pues era una representación del
Holocausto que ponía al espectador en la
posición de los verdugos.
Sus aportaciones al cine son apenas
cortometrajes. No obstante su duración, los
trabajos de Rosen son harto inquietantes y te
FOTO YA VEREMOS: SEM OLAYO
dejarán una reflexión que invariablemente van
para largo.
Podrás comprobarlo durante la exhibición
de algunos de sus trabajos, como The Buried
Alive y The Dust Channell en las salas del Centro
Cultural Universitario.
LA 8ª EDICIÓN DE FICUNAM TENDRÁ LUGAR
DEL 28 DE FEBRERO AL 6 DE MARZO.
Trailer park
Cada mes vemos miles
de tráilers pasar como motel
de carretera... y estos tres
fueron los mejores.
GAME NIGHT
SIN DUDA LAS MEJORES COMEDIAS GRINGAS
SON LAS GRANDILOCUENTES QUE VAN DE
MENOS A MÁS: ÉSTA NO ES EXCEPCIÓN.
CONFIAMOS PLENAMENTE EN JASON BATEMAN
Y RACHEL MCADAMS TODO LO HACE BIEN.
THREE BILLBOARDS OUTSIDE
EBBING, MISSOURI
DIRIGIDA POR MARTIN MCDONAGH, EL DE IN
BRUGES; ESO PODRÍA BASTAR, PERO ADEMÁS
TIENE A FRANCES MCDORMAND Y ESTÁ
BASADA EN UNA CASO DE LA VIDA REAL.
AVENGERS: INFINITY WAR
ES UN GRAN TRÁILER Y POR FIN VEMOS A
TODA LA BANDA; EL DISFRAZ DEL HOMBRE
ARAÑA ES DE LO MÁS COOL, THANOS SE
LEVANTÓ DE ESA SILLA, LE DEVOLVERÁN EL
ESCUDO AL CAP Y PARECE QUE DE VERDAD SE
ACABA EL MUNDO.
VAS A VER...
El director de A la mala prepara
esta vez la cinta familiar Ya
veremos, con Mauricio Ochmann
y Fernanda Castillo.
POR ANAID RAMÍREZ
DOS ACTORES DE EL SEÑOR DE
LOS CIELOS —la serie referente al famoso
narcotraficante mexicano—, Fernanda Castillo y
Mauricio Ochmann, esperan durante la noche en
un departamento de un antiguo edificio de la
colonia Juárez. Si EMPIRE acude al encuentro
sin miedo es porque no aparecerán Mónica
Robles ni el “Chema” Venegas: el único peligro
que se corre es causado por las miradas
aniquiladoras entre los dos intérpretes.
En el inmueble, que tiene más equipo de
producción que muebles, los actores se preparan
para encarnar en la nueva cinta de Pedro Pablo
Ibarra, Ya veremos, a un matrimonio diluido. Si
están reunidos en el mismo espacio es porque
son padres de Santiago (Emiliano Aramayo),
quien a su corta edad corre el riesgo de perder la
vista y por ello preparó una lista de deseos por
cumplir antes de someterse a una cirugía que
será determinante.
“El lugar número uno de esos pendientes es
que sus papás lo acompañen a vivir esa lista; eso
provoca el reencuentro familiar”, explica el
director.
Al tener tanto momentos delicados —“Es
una familia disfuncional; los padres están
divorciados con un hijo único un poquito
abandonado. Es muy amado, pero
abandonado”—, como situaciones divertidas
causadas por las confrontaciones entre los dos
padres —“Siempre hay un pique entre ellos:
mamá le dice: ‘Te puedes pintar el cabello de azul
siempre y cuando tu papá también lo haga’”, por
ejemplo—, el también realizador de A la mala
define su cinta como un dramedy.
Ya con la certeza de que los actores no
lanzarán amenazas y que de los reflectores no
saldrán ráfagas de AK-47, EMPIRE observa
desde la entrada del departamento hacia la sala,
donde ocurre una pequeña discusión familiar
acerca de uno de los tantos deseos que tiene
pendientes el pequeño y precoz Santiago.
Ochmann y Castillo ya sueltan las frases y
esos movimientos indirectos que tienen las
parejas, mientras que Aramayo domina los
diálogos para chantajear con mucho encanto a
sus padres ficticios y cumplir así sus caprichos.
Son por completo una familia ordinaria.
“Fue una química instantánea”, recuerda
Mauricio y cuenta que, para crear una dinámica
familiar más auténtica, antes de comenzar la
filmación realizaron ejercicios de improvisación.
Poco a poco los tres entraron en confianza, tanto
que ya juegan, comentan el desempeño de los
equipos de futbol que apoyan y se corrigen
después del grito de “¡corte!”. “Todo fue fluyendo
maravilloso: ya para el rodaje estábamos como
peces en el agua”, admite el actor en uno de los
descansos entre toma y toma.
Pitipol Ybarra —como le dicen los cuates a
Pedro Pablo— respalda esa preparación.
Recuerda que, tras elegir al elenco, “nos
presentamos todos, platicamos largo y tendido.
Hicimos muchos ejercicios de improvisación, de
conversar con los personajes, pero también era
importante que se hicieran amigos; por eso
tomaron un taller de convivencia, para que se
trataran y conocieran más”.
EMPIRE sale sigilosamente del lugar antes
de que la Mariana de Fernanda y el Roberto de
Mauricio empiecen a sacar fuego por los ojos.
YA VEREMOS ESPERA SU ESTRENO
PARA EL VERANO DE 2018.
ENERO 2018 17
 EMPIRE apuesta a las
futuras estrellas hoy, en cash.

BRIA VINAITE
TEXTO JONATHAN PILE

Edad __ 24.

Personaje __ Halley, la madre desempleada

que vive en un motel con su hija de seis años, en
la película independiente The Florida Project. “No
consigue trabajo, no fue a la escuela, no tuvo
oportunidades. Empatizo con ella porque
mientras todos tratamos de ver qué onda con
nuestras vidas, nuestras circunstancias son
distintas. Es una situación que de verdad es muy
triste”.

Trasfondo __ “Nunca quise actuar porque no

me parecía realista, pero definitivamente me
gustaba el arte: hacía ropa y buscaba hacer
cosas creativas”.

Primeros papeles __ “Tenía como 13 años en

la última obra que hice. Ni siquiera recuerdo cuál
era, honestamente. Sean (Baker, el director de
The Florida Project) me hizo tomar clases de
actuación y eso me ayudó mucho”.

Su gran oportunidad __ “Sean me buscó por

Instagram. Vio un video donde yo bailaba en el
patio trasero con una bufanda de plumas. No
puedo creer que algo así haya salido de una red
social, pero me hizo volar a Florida para
audicionar y allí conocí a Brooklynn (Prince, quien
interpreta a su hija). Comenzamos a filmar un
mes después”.

Crecimiento __ “He estado viendo American

Horror Storyy y Sarah Paulson es totalmente
fantástica. Ese nivel de actuación, donde puedes
interpretar a tantos personajes diferentes, es
sorprendente”.

Hobbies __ “Me levanto, hago café, leo, camino,

me relajo, salgo a cenar. Es lindo tener días libres
de estrés en los que, si quiero, puedo incluso no
hablar en absoluto”.

THE FLORIDA PROJECT ESTRENA EL 2 DE MARZO.

18 ENERO 2018
Bria Vinaite da vida a una
madre joven en
The Florida Project.
El papel central de esta
cinta, como “El chorrito”:
se hacía grandote, se
hacía chiquito.
PASTILLAS DE
CHIQUITOLINA
El regreso de Alexander Payne
es algo así como Querida, encogí
a los niños, pero más compleja y
con más ciencia ficción.
POR ARTURO AGUILAR
LA FILMOGRAFÍA DE Alexander Payne
nos ha acostumbrado a historias íntimas y
personales con una muy particular sensibilidad y
una dosis de agridulce realismo. Ya sea que
pensemos en About Schmidt, Sideways, The
Descendants o Nebraska, Payne es responsable
de películas destacadas que, desde las fronteras
del cine indie, han logrado ubicarlo como uno de
los cineastas más interesantes de nuestros días.
En varios sentidos, su nueva película,
Downsizing (Pequeña gran vida, protagonizada
por Matt Damon y Christoph Waltz), sigue
asomándose a lo privado y profundo en las vidas,
preocupaciones y reflexiones de hombres frente
a retos singulares; aunque por otro lado se trata
de la cinta más ambiciosa del cineasta, tanto en
nuevos temas que incorpora a la trama —menos
privados y más universales, se habla igual de
migración como de medio ambiente—, como en
el uso de efectos visuales.
“Downsizing imagina lo que podría suceder
si la sobrepoblación y el cambio climático
orillaran a unos científicos noruegos a descubrir
cómo encoger personas a 12 centímetros de
alto”, relató Payne a EMPIRE durante el pasado
Festival Internacional de Cine de Toronto.
La idea de que los personajes se hicieran
chiquitos no surgió del Chapulín Colorado, sino
de su coguionista, Jim Taylor, y el hermano de
éste. “A menudo reflexionaban sobre cuán mejor
sería nuestra vida si fuéramos capaces de
encogernos, cuánto más grandes podrían ser
nuestras casas, cuánto más barata sería la
comida y demás. Años más tarde, volví y dije: ‘¿Y
si ponemos eso en el contexto de ser una
solución a la sobrepoblación y al cambio
climático?’. Él estuvo de acuerdo y la historia
comenzó a desarrollarse”, añadió.
Aunque fue sencillo plantear la premisa, la
idea tardó una década en concretarse. “Fue muy
difícil para nosotros y la razón por la cual hubo
una gran pausa entre Sideways (2004) y The
Descendants (2011). Pasamos mucho tiempo
tratando de perfeccionar el guion. No elegimos
cuándo hacer la película, más bien fue cuando
obtuvimos financiamiento, y no lográbamos
conseguirlo. Lo mismo me pasó años antes en
About Schmidt. Ése iba a ser mi primer largo, en
1991, pero no tuve presupuesto y tal vez no había
refinado el guion, por lo que se logró luego de 11
años. Pasa algunas veces”, confesó el realizador.
Acerca de adoptar ahora nuevas
herramientas para contar su historia, Payne
comparte: “Es la primera vez que utilizo efectos
visuales, así que hacer esta cinta fue una
educación encantadora. En términos de
tecnología presentada en la pantalla, la
aplicamos para el proceso de reducción de los
seres humanos. Lo poco tecnológico que parece
es lo que marca parte de la comedia del filme”.
Descuida, el director nacido en Nebraska no
se volvió un adicto de los efectos
computarizados. “No tengo requisitos para que
una historia necesite efectos visuales. Piensa en
todas las maravillosas cintas hechas sin efectos
visuales: Apocalypse Now y, en la memoria
reciente, Dunkirk”, concluyó.
DOWNSIZING ESTRENA EL 19 DE ENERO.
ENERO 2018 19
 EXCLUSIVA
EN SET
EARLY MAN
ESTRENO
23 DE FEBRERO
ACTORES DE PLASTILINA
EMPIRE está de visita en
Aardman Animations para ver
cómo cobra forma la obra pre-
histórica del director Nick Park.
POR PHIL DE SEMLYEN
PARA SER UNA CINTA FAMILIAR, las
cosas se pusieron muy físicas en la cabina de
grabación de Early Man. “Hay una escena donde
mi personaje, Hognob, le da al papel de Tom
Hiddleston un masaje”, recuerda el director Nick
Park en el estudio de Aardman en Bristol. “Él
estaba haciendo muchos ruidos y le dije: ‘Bueno,
¿y por qué no mejor te doy un masaje?’. Y allí
estaba yo, masajeando a Tom Hiddleston. Creo
que mucha gente habría pagado por ver eso”.
Olvídate de la actuación de método. Park
realizó dirección de método en la más reciente
aventura stop motion de Aardman: hasta cuando
no interpreta al bestial Hognob, actuó secuencias
con su elenco de voces para ayudar con los
20 ENERO 2018
ritmos cómicos del proceso de animación. Y
aunque las bromas clásicas de Aardman están
presentes en el filme (como un paso de cebra
hecho de una cebra real), Early Man no trata sólo
de cosas chistosas. Según el cofundador del
estudio, Peter Lord, es la producción más grande
y épica que hayan hecho. “Wallace & Gromitt tiene
espectáculo, pero esta historia requiere mucho
más”, dice en la comida.
El primer largometraje de Park, desde que
en 2005 ganó el Óscar por The Curse of the
Were-Rabbit, Early Man enfrenta al valiente pero
no muy brillante cavernícola Dug (voz de Eddie
Redmayne), su segundón porcino Hognob
(gruñidos de Park) y una banda de aldeanos
contra el tirano Lord Nooth, un amante del
futbol con acento francés.
En parte road movie y en parte película
deportiva, la animación promete pastelazos,
grandes batallas y enfrentamientos con una
criatura que parece salida de la mente de Ray
Harryhausen mientras la banda se enfrenta a
paisajes desolados para retar a Nooth a un
partido de futbol que podría salvar su aldea.
A una velocidad de cuatro segundos por
semana, 33 animadores han hecho realidad la
ambiciosa visión de Park. Por fortuna han
contado con un nuevo y refinado sistema para
moldear a velocidad del rayo los componentes de
las marionetas: plástico, silicona y plasticina.
Hay 30 unidades de filmación trabajando en
sets prehistóricos a lo largo del piso del estudio,
pero es la ciudad de la Era de Bronce la que más
atrae. En un mundo de minas de bronce, torretas
militares y mamuts, es a esta pequeña Isengard
adonde Dug, Hognob y compañía deben dirigirse
para enfrentarse con los altaneros señores galos.
Para Park es la culminación de un proceso
que tuvo su génesis en bocetos hace un lustro y
ha probado ser perfecta para el medio y la
historia. Aunque Aardman se ha aventurado en
la animación por computadora (Flushed
( Awayy),
enfatiza que “el uso del barro es nuestro fuerte”.
Así que se le ocurrió que “si los cavernícolas
estaban tan en contacto con él, le quedaría bien a
nuestro proceso”.
Park es llamado al set. En algún lugar hay un
conejo dientes de sable que necesita dirección.
 A Thanos nadie lo
levanta del trono.

¿Y DESPUÉS DE
INFINITY WAR?
¿Hacia dónde podría dirigirse el
Universo Cinemático Marvel
luego de Thanos y Avengers 4?
POR CHRIS HEWITT

¡SKRULLS!
LO MÁS Suponiendo que eliminen a Thanos, el villano
DESEADO que los máximos héroes enfrentarán este verano
en Infinity War, y después de la cuarta entrega de
Avengers los superseres necesitarán una nueva
amenaza. Aquí aparecen los Skrulls, alienígenas
malvados que cambian de forma y que veremos
en 2019 en Captain Marvel —una película que se
desarrolla en los 90—. Que no te sorprenda si
descubrimos que han sido parte del UCM todo
este tiempo.

¡SPIDER-MAN!
Hay una razón por la cual Homecoming 2 dará
inicio a la Fase cuatro de Marvel retomando el
punto donde Avengers 4 termine. Puedes esperar
que Peter Parker (Tom Holland) sea el nuevo
centro emocional del UCM.

¡MUJERES!
Dug (voz de Eddie Ant-Man and The Wasp le dará por fin a una
Redmayne) y el Jefe mujer un papel preponderante antes de que Brie
Bobnar (voz de Larson se convierta en la primera mujer en
Timothy Spall) son estelarizar Captain Marvel. Ahí te van cuatro
animados / Dug va de palabras: Black. Widow. Película. Individual.
caza / Los
espectadores del ¡MULTIVERSOS!
partido están casi Marvel se ha estado clavando en aguas cada vez
listos para que inicie / más raras, presentando el Reino Cuántico en
El director Nick Park Ant-Man y el multiverso en Doctor Strange.
supervisa el ¿Podría haber en ellos versiones jóvenes de Tony
meticuloso trabajo. y compañía?

¡X-MEN!
Hubo rumores de que los X-Men podrían unirse
al UCM después de que Disney estuvo en pláticas
MENOS para comprar 20th Century Fox, pero parece que

DESEADO
esa negociación se fue al caño, así que no hay
mutantes en el UCM... todavía.

ENERO 2018 21
 PRIMER
VISTAZO
GAME NIGHT
ESTRENO 6 DE ABRIL

paso a un espectacular patio frontal con más de Horrible Bosses y juntos han dirigido y escrito

CARASY seis coches deportivos de lujo y una fuente en el

centro. Seguro ese no es el escenario que
imaginarías cuando escuchas sobre la nueva
comedia de Jason Bateman y el regreso de Rachel
varios proyectos, como el guion de la reciente
Spider-Man: Homecoming.
“Al principio iba a dirigir, pero después vi que
me enfrentaría con cosas que en realidad no

GESTOS
Cuando los adultos se vuelven
locos con los juegos las cosas se
McAdams, desde Wedding Crashers (2005), a este
mismo género.
La cinta, producida por Bateman, transcurre
toda en una noche de juegos que se sale de
control y en la que tendrás que averiguar qué fue
entendía desde el punto de vista de un director,
en las que necesitaba a alguien que tuviera más
experiencia y pudiera hacer un mejor trabajo
para este concepto en particular, y de inmediato
pensé en Jonathan, porque tiene ciertas
lo que pasó. similitudes con el estilo de Horrible Bosses y por
©2017 WARNER BROS. PICTURES

pueden descontrolar aún más que “After Hours y Game Night comparten el
con los pubertos. factor de que ambas toman lugar en una noche, la
diferencia está en que Game Nightt está más
POR ISA CISNEROS centrada en la realidad, tiene muchos giros
divertidos y cambios de trama. Es más infantil
que Clue pero tiene esa misma energía graciosa”,
comenta John Francis, uno de los dos directores.
UNA MANSIÓN A LAS AFUERAS de John Francis y Jonathan Goldstein son los
Atlanta, dos grandes estatuas de tigre que dan
A directores, han trabajado antes con Bateman en
eso me vino a la mente. Lo llamamos, vio el guion
que teníamos y pensó que podía hacer un gran
trabajo”, comentó Bateman.
La trama comienza cuando Max (el personaje
de Jason) y Annie (McAdams) se conocen en una
noche de trivia. “Ambos somos las personas más
competitivas que hay en la habitación, no
creemos que los juegos son para divertirse sino
para ganar. Así que es una pareja hecha en el

22 ENERO 2018

cielo”, aseguró Rachel sobre su personaje. Y es así
como empiezan las divertidas noches de juego,
con Ryan (Billy Magnussen), Kevin (Lamorne
Morris), Michele (Kylie Bunbury) y Sarah
(Sharon Horgan).
El problema de la historia comienza justo
cuando el hermano de Max, Brook (Kyle
Chandler), es raptado y todos piensan que es
parte de la noche de juegos, pero poco a poco se
darán cuenta de que hay muchas cosas alrededor
que son reales... y entonces el juego ya no
resultará tan divertido.
UNCAMBIO
DE LOOK
¿Parece que te vistes a oscuras?
Aquí está la solución.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
SABEMOS QUE AMAS los realities en los que
alguien pasa de vestirse horrible a lucir increíble.
Bueno, pues el más famoso ahora tiene una
versión mexicana, grabada en CDMX, con
participantes mexicanas y dos conductores con
carreras insuperables en moda y estilo.
Olivia Peralta: “Hay culpa por verse bien;
está mal visto que una mujer esté empoderada
por cualquier circunstancia. Si está a la moda es
la bruja, mala y frívola. ‘Yo no soy una mujer
superficial’, piensan. En el programa tenemos
incluso profesionistas que dicen: ‘Es que si me
veo bien van a pensar que me dedico a otra
cosa, que no soy seria’”.
Óscar Madrazo: “Nuestro país no tiene una
cultura de moda; lo que hemos notado en las
participantes y que para nosotros es un mayor
reto, es que no tienen noción ni idea de la moda,
y eso les causa muchas inseguridades, baja
autoestima y cero oportunidades para enfrentar
un mundo que vive de la imagen”.
Olivia: “La moda es un reflejo del espíritu.
Porque, vas a ver en el programa, descubrimos
por qué se están vistiendo de una manera
equivocada. Y en todas las historias se muestra
cómo cada prenda tiene un hilo que
invariablemente lleva hasta el corazón, hacia las
emociones y también hacia la psicología”.
Cuando alguien nomina a una participante,
Olivia y Óscar la conocen y comienza su
transformación: el programa les regala una tarjeta
de una tienda para renovar su guardarropa con
base en los consejos de los conductores.
“Tenemos gran complicidad y sabemos qué
puede funcionar, qué puede verse bien y qué no”,
concluye Madrazo.
¡NO TE LO PONGAS! MÉXICO ESTRENA EL 24 DE ENERO
A LAS 21:00 HORAS POR DISCOVERY HOME & HEALTH.
ENERO 2018 23
 ¿ACÓMO
ELLITRO
DE
LECHE?
DANNAPAOLA
No te imaginas lo que nos confió.
POR ANAID RAMÍREZ
¿Qué es lo más complicado de ser actriz?
Sin duda, la parte emocional. Uno, a veces,
cuando es un actor muy vivencial, se mete a las
raíces más profundas de un personaje y termina
por involucrarse 100 por ciento con él; eso es en
la parte actoral. En cuanto al medio, lo más difícil
es estar en el ojo público y tener que ser un
ejemplo para todos, no estoy de acuerdo con eso.
Te toca encarnar distintas pieles y hay
momentos en donde la gente se cree tanto tu
personaje que de repente en la calle te reclaman
cosas. Son detalles difíciles pero igual los
disfruto, y no es algo de lo que me arrepienta o
que sufra por eso.
¿Y lo más sencillo?
Disfrutarlo. Lo más sencillo es llegar al momento
en el que disfrutas las cosas y se hace menos
complicado. Creo que cuando amas tu trabajo no
vas a trabajar ni un día de tu vida.
¿Crees en el destino?
Sí. El destino te prepara para muchas cosas que
llegan a tu vida y también para las que se van.
Pero igual creo que el destino lo escribe uno
mismo, dependiendo de a dónde quieras ir.
24 ENERO 2018
¿Tienes apodos?
Mis dos mejores amigos y mis hermanos me
dicen “Morrita”. No tengo un apodo como tal, no
me gustan. Me gusta ponerlos, pero no que me
los digan a mí.
¿Cuál es el apodo más divertido que le has
puesto a alguien?
“Cabeza de cono”, creo.
Del uno al 10, ¿qué tan famosa te
consideras?
La verdad no sé. No me considero una persona
adecuada para contestar esa pregunta... Soy una
figura pública que al final es conocida gracias a su
trabajo y a todo lo que ha hecho para lograr lo
que le gusta hacer. Ser famoso es una palabra, ser
celebridad es otra y ser reconocido es otra cosa
por completo. Ser famoso por ser famoso no está
en mis opciones.
¿Cuál es la cinta que más has visto?
Toda la saga de Harry Potter.
¿Y cuál más te ha hecho llorar?
Moulin Rouge (Baz Luhrmann) y Titanic (James
Cameron), que es mi película favorita de todos
los tiempos.
¿Qué haces tú mejor que nadie?
No sé. Siempre hay alguien mejor que tú.
¿Sabes cuánto cuesta un litro de leche?
16 pesos.
¿Qué canción de tu playlist es la que
reproduces más?
Ja, ja, ja. Hoy, 26 de octubre de 2017, es la de
“No”, de Shakira. Y en todo el año, “Despacito”,
ja, ja, ja.
¿Cuál es tu playa favorita?
Yo creo que Cancún y Bora Bora.
¿Quién es la persona que más admiras?
Admiro a muchas personas que complementan
mi vida: mi mamá, mi hermana y amigos; pero
tengo muchas fuentes de inspiración y
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26 ENERO 2018
CINE
THE GREATEST
SHOWMAN
+++ AHORA EN CINES /
100 MINUTOS
DIRECTOR Michael Gracey
ELENCO Hugh Jackman, Michelle Williams
y Zac Efron
SINOPSIS Un vistazo musical a la vida de P. T.
Barnum, uno de los empresarios más importantes
en la historia del entretenimiento y uno de los
creadores del llamado “El espectáculo más
grande del mundo”.
DAMAS Y CABALLEROS, niños y niñas
de todas las edades: he aquí la vida de un
empresario y estafador contada a través de
número musicales. El director Michael Gracey y
sus productores consideraron como ingredientes
indispensables las coreografías, las canciones
pegajosas y las acrobacias aéreas para construir
la biopic de P.T. Barnum (Jackman).
La música te espera desde los primeros
segundos del filme y, junto con el diseño de arte,
te trasladan a inicios del siglo XIX para
presentarte a Barnum de niño, que conozcas sus
carencias y los malos tratos que recibía, además
de delatarlo ante los ojos de su “primer y único”
amor, la adinerada Charity.
Otro número musical aparece y funciona
para ir a toda velocidad hacia el futuro, mostrarte
al par de enamorados mientras crecen y hasta
que tienen una familia sólida.
Después de ese punto es que en realidad
comienza la historia. Observas al hombre
arriesgarlo todo para tener su propia empresa,
aparecen sus aciertos y errores como líder y
también como hombre.
Asimismo tienes chance de mirar hacia la
vvida interior del circo, incluso conoces de
manera superficial un romance tras bambalinas.
En cuanto a su aspecto, el filme se desarrolla
un poco al estilo de Baz Luhrmann. Hace un
contraste entre la ambientación de la época que
desarrolla con las composiciones que muestra; es
decir, no escucharás música clásica mientras ves
a la gente con pipa y guante, sino ritmos más
contemporáneos como hip hop y pop.
Si bien no en el extremo de Los miserables,
las intervenciones musicales son constantes en
esta cinta —11 canciones, autoría de Justin Paul y
Benj Pasek, de La La Land—, aunque no tanto
como sus momentos melosos.
En ese sentido, The Greatest Showman se
siente como capa tras capa de miel: los diálogos
dulces van aderezados de composiciones aún
más azucaradas y, por si eso fuera poco, la
expresión corporal de los actores y las
coreografías también son como comerse una
cucharada de miel.
En pocas palabras, la película entera está al
borde de lo cursi y en más de un momento rebasa
esa frontera.
Eso no demerita la calidad de la producción
ni de sus actuaciones, como la de Hugh Jackman,
quien siempre ha brindado la grata sorpresa de
ser un showman completo, que lo mismo baila o
canta y con ello provoca que olvides que todavía
hace un año lo viste con garras y peleando a favor
de los mutantes. Gracias a eso la cinta fluye y te
otorga buenos momentos.
En el filme, un crítico amargado y terrible
que arremete contra el espectáculo de Barnum
luego admite que es “una celebración de la
humanidad”.
The Greatest Showman podría definirse por
igual con dicha frase, pero se percibe sobre todo
como una celebración a la vida y la familia
circense, en especial luego de que en mayo de
este año bajara el telón el show que el propio
Barnum creó, el Ringling Bros. and Barnum &
Bailey. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Los fans de los musicales y las
historias dulces la van a disfrutar, además de
que les dará gusto ver lo que Hugh Jackman
puede hacer sin superpoderes. Evítala si no te
gustó La La Land.
ENERO 2018 27
 CINE
THE SHAPE OFWATER
ESTRENO 12 DE ENERO /
+++++ 123 MINUTOS
DIRECTOR Guillermo del Toro
ELENCO Sally Hawkins, Doug Jones
y Michael Shannon
SINOPSIS En plena Guerra Fría un laboratorio
oculto del gobierno estadounidense experimenta
con una extraña especie acuática (Jones) que fue
capturada en el Amazonas. En el mismo edificio
trabaja Elisa (Hawkins), una empleada de limpieza
que es muda y un tanto aislada, hasta que se
encuentra con la misteriosa criatura y los dos
empiezan a convivir y comunicarse. Prepárate
para una inusual historia de amor.
28 ENERO 2018
ASÍ COMO FRANCISCO DE
QUEVEDO, Jaime Sabines y otros poetas lo
han hecho con sus versos, Guillermo del Toro
muestra con The Shape of Water su propia
definición del amor. Eso, y que es su largometraje
más optimista, resumiría en pocas palabras el
nuevo filme del cineasta mexicano, pero
afortunadamente hay mucho más por hablar al
respecto.
Ubicándote en Estados Unidos de 1962, el
tapatío muestra una fábula acerca de una bella y
una bestia. Contrario a lo que indican los cuentos
de hadas, el director te presenta a una princesa
sin voz que no es precisamente la más guapa del
reino, lo suyo no son los excesos y los lujos, y su
rutina al despertar no es cantarle a las aves, sino
masturbarse.
Por otro lado, el galán en cuestión no es un
príncipe peludo que debe su condición a un
hechizo, más bien se trata de una especie de
deidad acuática del Amazonas cuyo aspecto es
una fusión entre sapo, salamandra y el Hombre
Pálido de El laberinto del fauno. Eso en cuanto a
su físico. Conforme avanza la trama
comprenderás que se trata del monstruo más
amoroso que del Toro ha creado.
El idilio entre los dos personajes surge en un
laboratorio secreto del gobierno estadounidense
donde ella es una empleada de limpieza y él es
objeto de estudio de una serie de investigaciones.
Ahí, “El gordo” crea para el romance de ese
par de inadaptados una atmósfera
predominantemente azulosa y de tonos fríos,
convierte sus encuentros en algo muy parecido a
coreografías enmarcadas por pertinentes
composiciones de blues y jazz —escucharás
algunos temas de Madeleine Peyroux y Trixie
Smith— y les otorga diálogos (hablados y en
 Así como Elisa
consuela a su amor,
tú te sentirás
abrazado por esta
cálida historia que te
cuenta Guillermo del
Toro.

lenguaje de señas) que seguro tendrán efecto

hasta en el más grinch de tus amigos.
Sí, espera mucho romanticismo, pero no algo
empalagoso. Recuerda quién está detrás de todo.
El amorío da pie a escenas explícitamente
sangrientas, personajes que escapan de
estereotipos de la manera que menos
imaginarías y, sobre todo, lleva inherentemente
una postura política.
Así como la Guerra Civil Española enmarcó
El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, el
telón de fondo de The Shape of Water es la
Guerra Fría. Además, el realizador no teme al
exponer las diferencias que muchas veces se
toman hacia las minorías: los homosexuales,
personas con discapacidad, afroamericanos y
latinos. Aquí se visibiliza a los invisibles.
El aspecto político y el amor se fusionan y
pasean a lo largo de esta cinta como pez en el
agua. Y como dicho elemento, el filme adquiere
forma por el envase que lo contiene... en este
caso, las actuaciones.
Sally Hawkins no necesita utilizar su voz: le
bastan sus manos y lenguaje corporal para
conmoverte y transmitir ese dejo melancólico
que tiene su personaje, mientras que Michael
Shannon se gana a pulso —y sin dedos, ya
verás— el trono antagónico.
Al final de esta “carta de amor al amor y al
cine”, como ha explicado el propio director,
entenderás que eso que para Sabines “se bebe
como un manantial” y para de Quevedo “es
herida que duele y no se siente”, del Toro lo
define nada más como aceptación desde el inicio,
como lo expresa la protagonista: “Cuando me ve,
no sabe qué tan incompleta estoy. Él me ve como
soy”. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Para disfrutar una historia de amor
sin clichés ni complejos, pero sí con
monstruos y personajes con “defectos”. Quizá
te hará dudar acerca de cuál es la mejor
película de Guillermo del Toro, aunque en
definitiva sí es la que te mostrará un lado de él
que desconocías hasta ahora.

ENERO 2018 29
 CINE

DARKESTHOUR —Gary Oldman— cargue casi por completo con el

ESTRENO 12 DE ENERO /
++++ 125 MINUTOS
DIRECTORJoe Wright
ELENCO GaryOldman, Lily James, Kristin Scott
Thomas y Ben Mendelsohn.
SINOPSIS Mayo de 1940. Con un rampante Hitler y
Europa en un punto crítico, el primer ministro
Winston Churchill (Oldman) está bajo presión
para lograr la paz, pero decide seguir luchando
sin importar el costo.
CON DARKEST HOUR, el director Joe
Wright toma la historia en su momento más alto
y con ella envuelve a un personaje que no podría
ser más icónico, dejando que su actor principal
paquete entero.
Oldman es un actor que, a pesar de habernos
impresionado a lo largo de las décadas con su
aptitud camaleónica y su talla emocional, ha sido
reconocido con sólo una nominación al Óscar
(por Tinker Tailor Soldier Spy en 2012). Si esta
película no puede cambiar eso, ninguna lo hará.
Es de verdad un papel extraordinario y Oldman
le agradece a Wright con la mejor interpretación
de su vida.
Complementado en lugar de sofocado por
los prostéticos del artista de maquillaje Kazuhiro
Tsuji, Oldman se deleita con la grandilocuencia y
fanfarronadas vulgares de un primer ministro
que era considerado una vergüenza por muchos
de sus colegas. Camina en Westminster con un
andar sorprendentemente ligero, como un
dirigible que vuela bajo y con un puro en la proa.
Le dicta a su secretaria Elizabeth Layton (James)
entre visitas constantes al baño, y pasa tanto
tiempo tomando decisiones de vida o muerte allí
que el letrero “WC” podrían ser sus iniciales.
Oldman se sumerge profunda y
empáticamente en los momentos bajos de
Churchill, proyectando una fragilidad cargada de
deficiencia y una indecisión que poco asociamos
con esta figura casi mítica.
No sólo es una evidencia impresionante del
dinamismo de Oldman y su flexibilidad como
actor, sino un recordatorio sobre que los líderes
del mundo deben hacer una pausa, absorber las
críticas y cuestionarse a sí mismos.
Sin embargo, la película no es toda suya.
Scott Thomas —como su inteligente esposa
Clementine— y James son impresionantes
aunque sus papeles estén más en la periferia de
este guion de Anthony McCarten (The Theory of
Everything) que lucha por integrarlas en el
mundo dominado por hombres en el
Westminster de los 40, mientras que Ben
Mendelsohn le aguanta el paso a Oldman como el
rey George, quien duda de Churchill.
Los corredores del poder de Gran Bretaña
están iluminados con un hermoso estilo noir,
mientras que una idea sobresaliente es mostrar a

30 ENERO 2018

Churchill encajonado con frecuencia por una
oscuridad literalmente negra, ya sea en un
ascensor o encuadrado por el vidrio emplomado
de una puerta cerrada. Claro que en Darkest
Hour Wright regresa a terrenos previamente
recorridos, después de todo, Atonement, de 2007,
cubrió el mismo periodo y compartió un evento
climático: la evacuación de Dunkirk. Buscando
no repetirse a sí mismo —ni a Christopher
Nolan—, Wright mantuvo las escenas del
conflicto más bien a la distancia, como un
trasfondo épico del conflicto real de la historia:
el que hay entre Winston Churchill y su propia
conciencia. Cada momento de éste es una delicia.
Si Oldman no hace la señal de la “V” de victoria la
noche del Óscar, nos tragaremos un sombrero de
felpa. DAN JOLIN
VEREDICTO La hora más oscura de Churchill es
la mejor de Gary Oldman. Fascinante,
encantador, divertido y visionario, su
interpretación es la principal razón para ver
esta película, aunque no la única.
DOWNSIZING
ESTRENO 19 DE ENERO /
+++ 135 MINUTOS
DIRECTOR Alexander Payne
ELENCO Matt Damon, Christoph Waltz
y Kristen Wiig
SINOPSIS Unos científicos desarrollaron la
solución para la crisis de sobrepoblación y la
forma en la que los Safranek cumplirían su sueño
de tener una vida mejor. Con cinco pulgadas,
todo rinde más.
EL CINE DE ALEXANDER PAYNE se
ha distinguido por contar pequeñas, emotivas y
empáticas historias que ofrecen un muy realista
equilibrio entre comedia y drama. Por derecho
propio, Payne se ha establecido como uno de esos
directores cuyos filmes ofrecen a sus actores
protagónicos retos interesantes y fuera de su
habitual registro, que suelen ser del agrado de la
Academia y del público. Ahí están como pruebas
Las confesiones del Sr. Schmidt y Jack Nicholson,
Entre copas y Thomas Haden Church, Los
descendientes y George Clooney, Nebraska y
Bruce Dern.
Estos independientes y pequeños filmes,
carentes de cualquier espectacularidad o
grandilocuencia hollywoodense, le han valido
varias nominaciones y premios Óscar como
guionista y director.
En su nueva cinta, Downsizing (Pequeña
gran vida), Payne ha decidido explorar y
enfrentar nuevos retos... en muy distintos
sentidos.
El más evidente es que por primera vez
recurre a una de las herramientas más socorridas
del cine comercial moderno: los efectos visuales.
Aunque varios son efectos visuales prácticos,
una buena parte es resultado del uso de la
computadora. También pone en la mesa más
temas detrás de la historia que comparte.
¿Qué pasaría si tuviéramos el avance
científico para reducir seres humanos a una
fracción de su tamaño y así minimizar nuestro
impacto en el medio ambiente?
Cuando existe la posibilidad de que
cualquier ciudadano del mundo se someta al
procedimiento y súbitamente resuelva así
complicaciones financieras —una buena cuenta
de ahorros es suficiente para retirarse y vivir
como rico en una minicomunidad—, Paul
Safranek (Matt Damon), un fisioterapeuta de
Omaha, acepta el reto considerando que la
transformación asegura para él y su esposa un
futuro sin preocupaciones.
Pero una vez realizada la reducción, una
súbita sorpresa lo pone sobre un sendero muy
distinto al que imaginaba. Su nueva vida lo lleva a
conocer a una activista vietnamita sobreviviente
de tortura (Hong Chau) y a un divertido y
excéntrico empresario y bon-vivant europeo
(Christoph Waltz).
En la cinta hay tiempo para hablar de la
migración y del activismo, de cierta conciencia
ambientalista, de los sacrificios que haríamos
por la supervivencia de la especie y de las
promesas de la ciencia.
Igualmente hay espacio para señalar un
sistema social abusivo y clasista que, incluso en
un supuesto nuevo escenario idílico, socialmente
consciente y responsable y, en pocas palabras
casi perfecto, se sigue replicando. Todo mientras
sigues a un hombre que se descubre en un nuevo
escenario de vida y tiene que reaccionar lo mejor
posible con sus torpezas o limitaciones
emocionales —algo recurrente en las películas de
Payne—.
El resultado es un filme con buenas ideas y
guiños, pero que se pierde a ratos en definir
claramente hacia dónde te quiere llevar con sus
reflexiones. En resumen, el “punch” que sientes
al dejar la sala no es tan fuerte como la sensación
que te dejan otras producciones de Alexander
Payne. ARTURO AGUILAR
VEREDICTO La vas a disfrutar, pero si has
seguido el trabajo del cineasta no lleves
demasiadas expectativas.
ENERO 2018 31
 CINE
FRANTZ
++++ ESTRENO 4 DE ENERO /
113 MINUTOS
DIRECTOR François Ozon
ELENCO Pierre Niney, Paula Beer
y Anton von Lucke
SINOPSIS Entre los soldados caídos durante la
Primera Guerra Mundial se encontraba el
alemán Frantz Hoffmeister, dejando en una
profunda tristeza a sus padres y su prometida,
Anna. El duelo de la familia toma otro rumbo
cuando un misterioso francés empieza a visitar
y dejar flores en la tumba del recién difunto
Frantz.
COMO EL DUELO QUE
TRANSITAN los personajes, François Ozon
v
viste su más reciente largometraje con una
escala de negros y grises. Esa paleta de colores
igualmente le funcionan al cineasta galo para
trasladarte a la Alemania en los meses
siguientes del término de la Primera Guerra
Mundial, en 1919, para acercarte con lupa a un
duelo familiar.
32 ENERO 2018
E
Miembro del ejército germano, Frantz
(Anton von Lucke) murió en el campo de batalla
a manos de un soldado francés, dejando
desconsolados a sus padres y a su prometida,
Anna (Paula Beer). En medio de la pena, la joven
tiene entre sus pocas distracciones salir a dejar
flores a la tumba de su novio y es ahí donde
conoce a Adrien Rivoire (Pierre Niney).
El hombre se presenta como un gran e
íntimo amigo del fallecido, pero sus comentarios
dubitativos, las ideas inconclusas que expresa y
su andar taciturno crean un aire de misterio
alrededor de su presencia. ¿Qué hay detrás de él?
¿Quién es de verdad? A partir de esas preguntas,
Ozon construye un laberinto de persecución en
el que Anna va detrás de Adrien.
Si resulta provocativo seguir a ese par es
gracias a la forma en la que el también realizador
de En la casa ((Dans la maison) refuerza la
personalidad e impulsos de los personajes. Por la
parte visual hay escenas en donde se transita del
blanco y negro al color para marcar los
retrocesos en el tiempo, el cambio de ánimo —en
especial de la tristeza a la alegría que recorre la
chica— y piezas sueltas de mentiras que
encajarás conforme avance el filme.
Ozon refuerza ese interés con diálogos de
terceros. El recelo de los alemanes hacia los
franceses, ante los cuerpos caídos en guerra, te
ayuda a dimensionar el impacto de Adrien en la
vida de los Hoffmeister y su pueblo —“Los niños
franceses estudian alemán y nosotros
estudiamos francés, pero de adultos tenemos que
matarnos”, reflexiona un personaje—, así como la
trascendencia que tendrán las decisiones de
Anna y los conflictos internos que padecerá.
Con una delicada pero atinada
interpretación de Beer —que le valió el premio a
Mejor actriz joven en el Festival del Venecia de
2016—, Ozon guía a su protagonista femenina por
callejones sin salida, caminos de engaños que
parecen no tener fin, revelaciones dolorosas y
decisiones drásticas para salir del enredo sin
lastimar a los suyos. Todo eso ayuda a ofrecerte
no una, sino varias vueltas de tuerca.
Inspirada en la cinta Broken Lullaby (Ernst
Lubitsch, 1932), Frantzz es uno de los dramas más
intensos y estéticos de Ozon. Como en Una nueva
amiga, el director parte otra vez de una muerte
inicial, de la disolución de una joven pareja, para
mostrar el giro de 360º que la ausencia causa en
el doliente, sólo que esta vez impacta más en tus
emociones. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Gran opción para quienes buscan
intrigas y giros inesperados. Los fans de
François Ozon no se sentirán defraudados por
el resultado, pues el cineasta muestra de una
forma más madura los elementos que
distinguen su trabajo.
LO MÁS SENCILLO ES COMPLICARLO TODO
++
ESTRENO 19 DE ENERO / 94 MINUTOS
DIRECTOR René Bueno
ELENCO Danna Paola, Daniela Wong
y Alosian Vivancos
RENATA (DANNA PAOLA) está enamorada
de Leonardo (Vivancos), el mejor amigo de
su hermano. Pese a que él es mayor por 13
años y no la pela, la adolescente lo
considera el amor de su vida; por eso,
cuando sabe que el galán tiene novia, traza
una serie de planes para separarlos.
Esta sencilla historia, que además no es
nada nueva, busca ofrecerte un toque
diferente a través de todos los debrayes
cinematográficos de su protagonista: la
cinéfila Renata imagina cada una de sus
malévolas tácticas a partir de escenas
clásicas del cine. Si bien estos momentos
logran entretenerte, no mantienen la película
a flote, pues pesan mucho más sus
debilidades, como la actuación y el ritmo. AR
WONDERSTRUCK
+++
ESTRENO 5 DE ENERO / 116 MINUTOS
DIRECTOR Todd Haynes
ELENCO Millicent Simmonds, Oakes Fegley
y Julianne Moore
ESTE RELATO SE CUENTA EN Nueva York
en dos momentos distintos: en 1977
conoces a Ben (Fegley) y lo sigues en su
aventura para encontrar a su padre; en 1927
descubres a Rose (Simmonds), quien desea
reencontrarse con su madre. Los dos
episodios están unidos por significativos
detalles, como la escasa edad de los
protagonistas y un problema auditivo.
Basado en la novela de Brian Selznick,
el filme juega con los cambios de color para
ayudarte a distinguir entre una y otra época.
La cinta dosifica los descubrimientos de
cada niño y envuelve diferentes atmósferas,
pero existen otros elementos gratuitos que le
restan fluidez a la trama. AR
CINE
WONDER WHEEL
+++ ESTRENO 12 DE ENERO /
101 MINUTOS
DIRECTOR Woody Allen
ELENCO Kate Winslet, Justin Timberlake
y Jim Belushi
SINOPSIS Entre los juegos mecánicos de una
Coney Island de la década de los 50 conoces a
Ginny, una mujer dentro de un matrimonio
atiborrado de problemas, con un hijo pirómano y
enamorada de un salvavidas de la playa local.
ASÍ COMO VISTE AL BORDE de la
locura a Cate Blanchett en la última cinta de
Woody Allen que alabó la crítica (Blue Jasmine),
en la misma situación te toparás con Kate
Winslet en Wonder Wheel, la nueva apuesta del
neoyorkino. Pero quizás esa sea, junto con el
desempeño de su elenco, la única similitud entre
ambos títulos.
¿La gran diferencia? No verás el más
reciente filme de Allen en la temporada de
premios… Ya en serio: aunque ambas cintas
comparten forma, no es así con el fondo.
En esta ocasión el cineasta te ubica en las
famosas atracciones de Coney Island para
presentarte a Ginny (Winslet), una mujer que
vive en medio de la feria con su quejumbroso
esposo, Humpty (Jim Belushi), y su pequeño hijo
pirómano, Richie (Jack Gore).
Los berrinches del primero y las manías del
segundo son los principales causantes de la
migraña que asedia a la protagonista a lo largo de
la película, aunque asimismo tiene un remedio
para el mal: los buenos tratos, besos y arrumacos
que recibe por parte de su amante, Mickey
(Timberlake), un dramaturgo que se gana la vida
como salvavidas, aparece de repente en la vida de
Ginny y en la trama toma la función de narrador.
Si bien no todo es perfecto en la vida del
personaje principal, la llegada de Mickey le
otorga suficiente equilibrio y alegría hasta que de
la misma forma inesperada, Carolina (Juno
Temple), la hija de Humpty, vuelve de la nada
para poner de cabeza el mundo de todos, sobre
todo el de Ginny.
A partir de ese detonante, Allen lleva a su
protagonista por una amplia gama de matices: lo
mismo la ves en su mood romántico que sacando
la garra por su hijo o con las maletas bien hechas
para llegar a la frontera de la cordura con sus
mejores trapitos. Cada una de esas situaciones
toma fuerza y llegan a erizarte la piel gracias a la
actuación de una contundente Winslet, quien
encarna por igual la dulzura, la depresión y la
furia exacerbada ocasionada por los celos.
Se te advierte así que Ginny está al borde del
colapso y se avecina una tragedia monumental.
Sin embargo, como buena película de Allen, lo
que acompaña ese camino rumbo al punto de
quiebre es la comedia. El cineasta y guionista
propicia esas situaciones a partir de sus típicos
personajes cínicos, los líos de pareja que son
extraídos de la cotidianidad y las absurdas
soluciones que encuentran los involucrados.
Pese a eso, y que cada cuadro lleva la garantía
del fotógrafo Vittorio Storaro, Wonder Wheel no
deja ser la cuota anual de Woody Allen.
ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Vela por la actuación de Kate
Winslet, es de lo mejor que le hemos visto en
los últimos años. También considérala cuando
estés en la taquilla porque seguramente, por
su autor, será tema de conversación entre tus
amigos, pero no vayas con las expectativas
muy elevadas.
ENERO 2018 33
 CINE
DETROIT
++++ AHORA EN CINES /
163 MINUTOS
DIRECTOR Kathryn Bigelow
ELENCO John Boyega, Anthony Mackie
y Algee Smith
SINOPSIS Detroit, Michigan, 1967. Al calor de la
sublevación de la Calle 12, un destacamento de
fuerzas paramilitares allana el motel Argel en busca
de un francotirador. Cuando no lo encuentran, los
huéspedes se ven sometidos a una horrorizante
tormenta de odio racial y violencia.
CUARENTA Y TRES MUERTOS, mil
200 heridos, siete mil arrestados, dos mil
edificios quemados. Es fácil perderse en la escala
devastadora de los disturbios de Detroit.
Durante cinco días, en 1967, el Verano del Amor
estalló en odio cuando el movimiento por los
derechos civiles se sumió en una guerra civil.
Impulsado por siglos de opresión blanca, el
levantamiento afroamericano dejó a la Motor
City hecha una cáscara vacía, chamuscada y
humeante. La épica eviscerante de Kathryn
Bigelow, la primera desde Zero Dark Thirty, nos
garantiza un subtítulo: The Anatomy of a Riot.
Bigelow es una maestra del cine de bomba de
tiempo y sus ritmos implacables (tic-toc), pero
con Detroit no te hace esperar. La bomba detona
con el primer carrete. Luego de una estrepitosa
cascada de imágenes de archivo te encuentras
inmerso en la recreación de una redada policial
en un bar clandestino, el punto álgido que
alimentó la revuelta que estaba por llegar.
Mientras estalla una epidemia de saqueos y
el gobierno recorre en tanques las calles, Bigelow
pone a su reparto rumbo a una inevitable
colisión: un policía dispara a un alborotador por
la espalda como si se tratara de un juego de caza
macabro. El resto de los personajes no se hacen
esperar y pronto aparecen el Larry de Algee
Smith, cantante principal en el grupo de soul de
Motown: The Dramatics; el Greene de Anthony
Mackie, veterano de la guerra de Vietnam, y el
guardia de seguridad privado de John Boyega,
Melvin Dismukes.
Recreado en un inquebrantable tiempo real,
el ataque a Detroit será tema durante años: es
una hora de resistencia tan física que la
experimentarás en la boca del estómago. Esto
tiene que ser lo más cerca que Bigelow ha llegado
al horror puro desde Near Dark, pero incluso la
comparación le queda grande. Near Dark era una
fantasía, mientras el horror de Detroit tiene el
repugnante destello verídico. Se trata de eventos
34 ENERO 2018
reales respaldados por el tenaz y bien
documentado guion de Mark Boal.
Bigelow mantiene una visión lo bastante fría
como para cegarse por el sentimiento o las
tácticas de choque. El guardia de seguridad de
Boyega es un personaje clásico de Bigelow: un
profesional rígido comprometido por el destino y
atrapado en una posición imposible, por lo que
los lugareños lo ven como una amenazante
combinación de los poderes fácticos; pero los
policías lo ven como un ciudadano de segunda
clase. Boyega está en buena forma aquí, mientras
que el trabajo de Will Poulter como policía
dictatorial es un golpe maestro: ese rostro
juvenil que enmascara a un fanático frío.
Cuando estés tratando de recuperar el
aliento, después de su pieza central, el tercer acto
de Detroit se siente como una exhalación lenta y
áspera. Hay un cambio de intensidad y se siente
como si hubieras entrado en una cámara de
descompresión, pero algo del trauma inicial
persiste como la sensación de gas tóxico.
Bigelow cierra la película con un cambio de
género hacia al drama de corte legal, mientras los
policías y Dismukes rinden cuentas en una corte
de blancos con un jurado de blancos con una
conclusión inasible —una réplica extendida de
sesgo institucional que no ofrece cierre ni
consuelo, apenas una coda devastadora para el
traumatizado sobreviviente de Algee Smith—.
La Academia es notoriamente cautelosa
cuando se trata de contenido incendiario, pero si
Detroit se convierte en apuesta para los Premios,
el desempeño de Smith merece ser honrado por
sobre todos los demás.
Al igual que Zero Dark Thirty, Detroit tiene
un aspecto limpio y crudo, y su paleta de colores
lúcido intensifica la claridad de la visión de
Bigelow. Muchas de sus tomas, en especial
durante las primeras secuencias antidisturbios,
se sienten robadas más que montadas, realizadas
por una cámara visceral y desgarradora (la cinta
está vívidamente filmada por el lente guerrero y
portátil de Barry Ackroyd).
Gracias a esa técnica el espectador se
convierte en un testigo activo, pero recordemos:
esta película es para los caídos, entonces y ahora.
Es para Michael Brown en Ferguson, Eric Garner
en Nueva York, Ezell Ford en Los Ángeles, Tamir
Rice en Cleveland, Dontre Hamilton en
Milwaukee e innumerables otras víctimas que
han perdido la vida debido al prejuicio del
establishment. Despierta, dice Detroit.
Despierta. SIMON CROOK
VEREDICTO Una epopeya agotadora, de
pesadilla, ferozmente vívida, que recrea uno
de los capítulos más oscuros de la historia de
los Estados Unidos de Norteamérica.
Inquebrantable, imperdible y aterradoramente
pertinente el día de hoy.
ENERO 2018 35
 CINE

MOLLY'S GAME “¿QUÉ ES LO PEOR QUE LE puede

ESTRENO 19 DE ENERO /
++++ 140 MINUTOS
DIRECTOR Aaron Sorkin
ELENCO Jessica Chastain, Idris Elba
y Kevin Costner
SINOPSIS La talentosa esquiadora olímpica Molly
Bloom se ve obligada a abandonar todo tipo de
deporte luego de una lesión grave. Obsesionada
por conseguir éxito y dinero, la joven encontró
otra forma de alcanzar sus metas: organiza
juegos de poker con multimillonarios y logra tal
fama que, incluso, el Federal Bureau of
Investigation va detrás de sus pasos
y ganancias.
pasar a un deportista?”, es el cuestionamiento
que te hace la esquiadora retirada Molly Bloom
—personificada aquí por Jessica Chastain— en el
comienzo de su biopic. Para ella, ni si quiera
perder una Copa del Mundo se compara con
tener un accidente deportivo durante una
competencia rumbo a los Juegos Olímpicos,
quedar terriblemente lesionada, tener que
abandonar por eso tu pasión y que dicha
situación, a la larga, te convierta en el centro de
una investigación del FBI.
De acuerdo con el libro autobiográfico de
Bloom, y en el que se basa esta historia, la vida de
la deportista dio un giro drástico después de
despedirse del esquí.
Buscó un trabajo ordinario que no le daba
para la vida que deseaba, por lo que aceptó un
segundo empleo y así terminó organizando
juegos de cartas exclusivos con artistas de
Hollywood en Los Ángeles, hasta que se trasladó
a Nueva York e hizo lo mismo con los peces
gordos de Wall Street.
Llevar esta historia a la pantalla grande
requería de un experto en películas biográficas y
el ganón fue Aaron Sorkin. El trabajo del
guionista prácticamente es garantía de premios
—en su CV figuran Moneyball, Charlie Wilson's
War y The Social Network, la cual le dio el Óscar
en 2011—, por lo que no sorprende que él esté a
cargo de la adaptación de Molly's Game y ésta sea
también su debut como director.
Sorkin hace de su ópera prima un
rompecabezas de saltos temporales: te lleva del
pasado al presente para revelarte apenas
fragmentos de la travesía de la “Princesa del
Poker” y con la promesa de mostrarte al final el
panorama completo. Esos flashbacks y

36 ENERO 2018

Idris Elba regañando
a Jessica Chastain /
Planificando el
juego del año / La
caída de una
promesa del
deporte / Dicen que
Leonardo DiCaprio y
Tobey Maguire le
entraban con todo a
las apuestas.
flashforwards te obligan a mantenerte atento a lo
que ocurre en la pantalla, pues la única guía que
tienes para acomodar las piezas en el orden
correcto son los diálogos y los sutiles cambios de
look de Chastain.
Justamente es la actriz el soporte de este
gran marco. Con su postura, la velocidad y la
fuerza con las que articula cada uno de sus
diálogos y su seguridad para moverse por todo el
cuadro, te convence de su ambición y necesidad
de poder, además de llevar a su personaje a
puntos de inflexión que seguro disfrutarás y le
valdrá uno que otro premio esta temporada.
Idris Elba no se queda atrás. Al ser el
abogado de la acusada tiene la oportunidad de
emitir líneas a favor de su cliente con mucho
poderío y elocuencia, y aprovecha bien la
situación. Su mejor momento llega durante una
sesión para defender a su clienta y seguro ese
breve monólogo se convertirá en uno de tus
favoritos del año —algo así como Mark Ruffalo lo
hizo en Spotlight—.
Con Molly's Game no esperes la obra
maestra del año, pero sí destacará de otras
producciones hollywoodenses. Apoyado de su
grupo de editores —Alan Baumgarten, Elliot
Graham y Josh Schaeffer—, Sorkin logra un
relato dinámico y divertido, pero sobre todo libra
a su personaje de los juicios morales y de la
redención total.
Si bien toca ver a esta femme fatale moderna
llevándose unas lecciones de tarea, la apuesta de
la cinta es exponer lo que uno es capaz de hacer
po éxito y reconocimiento. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Tienes que verla si deseas darle
seguimiento desde ahora a las cintas que
competirán en los premios Óscar.
UNA MUJER SIN FILTRO
++
ESTRENO 12 DE ENERO / 90 MINUTOS
DIRECTOR Luis Eduardo Reyes
ELENCO Fernanda Castillo, Alejandro Calva
y Roberto Sosa
A DOS AÑOS DEL ESTRENO en Chile de Sin
filtro, llega la versión mexicana. La
adaptación, además de ofrecer momentos
de comedia e incluso de desahogo, regala
pocas sorpresas en comparación de la
historia que deslumbró la taquilla del país
sudamericano.
En esta película sigues el camino de Paz
(Castillo), una mujer que encuentra casi por
coincidencia —la ayuda de un curandero—
una salida a una vida llena de autolimitación
y censura que está a punto de volverla loca.
La cinta bien podría traducirse en una
comedia con más lecciones que carcajadas
en un contexto sencillo y sin mayores
pretensiones que pasar una tarde agradable
de domingo. ALA
TADEO, ELEXPLORADOR PERDIDO 2
+++
ESTRENO 4 DE ENERO / 85 MINUTOS
DIRECTORES David Alonso y Enrique Gato
VOCES José Antonio Macías, Adrián Uribe
y Belinda
EL EXPLORADOR NATO Tadeo Jones ha
crecido, al igual que la secuela de la
franquicia que estelariza. Y es que, mientras
el héroe de la saga está en el primer año de
la universidad con la finalidad de convertirse
en todo un arqueólogo, la nueva película de
Tadeo, el explorador perdido también tomó
decisiones para lucir más profesional.
La animación supera a su antecesora
gracias a que hay más cuidado en las
texturas y en el movimiento de los
personajes —aunque se les van algunos
detallitos—. En cuanto a estructura del
guion, si bien no libra lugares comunes, tiene
muy definido su desarrollo y el sentido de
aventura para entretener a los niños. AR
ENERO 2018 37
 CINE

SOYHÉROE TOMANDO EN CUENTA QUE el manga

+++ AHORA EN CINES /
126 MINUTOS
DIRECTOR Shinsuke Sato
ELENCO Yô Ôizumi, Masami Nagasawa
y Arimura Kasumi
SINOPSIS Basado en un manga japonés,
el filme sigue al máximo antihéroe mientras el
mundo se colapsa ante un holocausto zombi. El
protagonista es completamente atípico, no tiene
inusitados arranques de valor ni un cambio de
personalidad ante el peligro: ser quien eres y no
dar tumbos de conciencia con base en las
circunstancias. Todos los elementos clave del
género están aquí.
de Kengo Hanazawa —publicado desde 2009 por
la revista Big Comic Spirit— es una verdadera
joya en cuanto a historia se refiere (además de
que se extiende sin perder un ápice de
consistencia durante los 20 volúmenes
publicados hasta la fecha), realizar una
adaptación a la pantalla grande se apreciaba
como una empresa sumamente retadora y
complicada.
Afortunadamente, el director Shinsuke Sato
no sólo sale avante de dicho reto y con mucha
dignidad, sino que le da continuidad a
planteamientos que enriquecen el concepto del
zombi, como que las criaturas mantengan
actitudes y fijaciones de cuando estaban vivas,
equilibra el horror con efectivos toques de
humor negro y agrega escenas de acción que
apuntalan el desarrollo de la cinta.
Es cierto que omite algunos rasgos que en el
manga hacían mucho más complejo al
protagonista, sin embargo conserva la esencia
del mismo para entregar un personaje atípico y
lleno de matices.
Y es que si bien la situación no es lo más
original del mundo, nada más se trata de un
treintañero algo mediocre —Hideo Suzuki,
interpretado por Yô Ôizumi— que intenta
sobrevivir a una epidemia que convierte a la
gente en cadáveres ambulantes, el protagonista
no obedece a los arquetipos clásicos. Verás que
aquí sus inseguridades son su principal defecto
¡y también su virtud!
El protagonista que se te presenta enfrenta
sus batallas con muchísimo miedo, pero aun
cargando con él intenta hacer lo correcto; eso es
justo lo que le diferencia de la serie de
estereotipos en los que, ante la desesperante

38 ENERO 2018

Los zombis no
saben lo que les
espera con esta
pandilla de tarados.
situación, parecen convertirse varias de las
personas a su alrededor. Eso es lo que le define
como ser humano y lo convierte, simplemente
en héroe.
Por si fuera poco, los efectos especiales y las
caracterizaciones combinan bastante bien lo
artesanal con lo digital, además de que tiene las
suficientes dosis de sangre y vísceras para dejar
satisfecho a todo legítimo fan de los muertos
vivientes. JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Si eres seguidor asiduo de los
zombis, esta cinta es indispensable. Sin evitar
los convencionalismos propios del subgénero,
se siente como una bocanada de aire fresco; es
divertida, interesante y por momentos hasta
reflexiva. Sin duda, hasta ahora es una de las
mejores adaptaciones en live action que se han
hecho de un anime o un manga.
STRONGER
ESTRENO 5 DE ENERO /
+++ 119 MINUTOS
DIRECTOR David Gordon Green
ELENCO Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany
y Miranda Richardson
SINOPSIS Una cinta basada en el caso real de un
sobreviviente del atentado que interrumpió el
maratón de Boston en 2013. Se trata de la vida
de Jeff Bauman, un hombre ordinario que, tras
perder las piernas por las bombas detonadas ese
día, se convirtió en un símbolo de esperanza para
todo su país.
EN 2013, A UNOS CUANTOS metros de
la meta del maratón de Boston, dos artefactos
explosivos estallaron matando a tres personas y
lastimando a casi 300 más. El atentado terrorista
perpetrado por los hermanos Tamerlán y
Dzhokhar Tsarnaév se convirtió en noticia en
todo el mundo en cuestión de horas.
El año pasado la película Patriot’s Day,
protagonizada por Mark Wahlberg, retomaba
el acontecimiento para narrar desde la ficción
lo sucedido con varias víctimas durante esa
jornada, así como las investigaciones inmediatas
posteriores y la eventual persecución y captura
de Dzhokhar.
Ahora es turno de Stronger de retomar las
historias verídicas detrás de ese trágico evento.
Su objetivo es llevarte una reflexión mucho más
introspectiva sobre lo que uno de los
sobrevivientes enfrentó a partir de ese día: Jeff
Bauman, encarnado por Jake Gyllenhaal, quien
perdió las dos piernas a causa de las bombas que
se detonaron en el sitio.
Tranquilo, eso no es un spoiler: lo ves desde
el tráiler del filme. La tragedia es tan sólo el
punto de partida para un relato mucho más
íntimo y serio sobre las muchas y muy diversas
dificultades que, de manera solitaria, deben
sortear y superar estas personas que, por el
hecho de ser sobrevivientes de un atentado o una
tragedia, desde la reacción mediática y social ya
son héroes.
Gyllenhaal encarna el lado privado, intenso,
crudo y doloroso de alguien considerado por
muchos como fuente de inspiración y quien por
dentro se siente lo más alejado de ese concepto.
Al mismo tiempo ves al protagonista tratar no
sólo de recuperarse a través de una difícil y larga
rehabilitación física y el eventual uso de prótesis,
sino de idear o imaginar qué hará de su vida en lo
profesional, laboral y personal.
Por supuesto, se trata de una historia de
superación con interesantes ingredientes extras
por medio de la actuación de Gyllenhaal, de la
peculiar historia romántica entre su personaje y
su exnovia (la Erin de Tatiana Maslany, con
quien logra una gran química), que muestra
auténticas complejidades, de curiosas y hasta
enfermizas dinámicas familiares, y de los
conflictos y reflexiones personales que enfrentó
Jeff frente a su súbita fama.
Vale la pena destacar, junto a las actuaciones
de Gyllenhaal y Maslany, los efectos visuales que
hacen desaparecer por completo ambas
extremidades inferiores del actor en escenas
claves.
Dirigida por David Gordon Green (Pineapple
Express), la cinta funciona muy bien para una
posible campaña para que Jake sea nominado a
algún premio, así que no descartes la posibilidad
de verlo destacando en la ceremonia de los Óscar.
ARTURO AGUILAR
VEREDICTO Para los que se quieran poner
intensos, reflexivos o introspectivos al salir del
cine con una historia bien contada.
ENERO 2018 39
 CINE
FATE/STAYNIGHT: EXISTEN UNIVERSOS DONDE la
magia se fusiona con la mitología, la realidad
HEAVEN’S FEELI, esconde mucho más de lo que uno encuentra a
simple vista y existen batallas secretas en las que
PRESAGE FLOWER incluso se pone en juego el destino de la misma
humanidad. En esta ocasión te hablaremos de
uno de ellos, y tiene como escenario la ciudad
ficticia de Fuyuki.
+++ ESTRENO 19 DE ENERO /
120 MINIUTOS El poblado es marco de un evento legendario
que sus habitantes apenas pueden notar. En él,
DIRECTOR Tomonori Sudou cada cierto tiempo se ponen frente a frente siete
VOCES Noriaki Sugiyama, Ayako Kawasumi poderosos magos que, luego de invocar a su
y Noriko Shitaya respectivo sirviente, van en busca del premio que
les permitirá hacer realidad su más grande deseo.
SINOPSIS La saga Fate/Stay Night continúa con Se trata de la Guerra del Santo Grial y, una vez
Heaven’s Feel. En esta ocasión la heroína es iniciada, no habrá vuelta atrás.
Sakura Matou, cuyas aventuras ayudan a revelar Dirigida por Tomonori Sudou (The Garden of
todo lo que ocurre detrás de la guerra por el Sinners: Future Gospel), el largometraje se trata
Santo Grial. de la ampliación a la pantalla grande de la nueva
40 ENERO 2018
entrega de una de las franquicias niponas más
populares del momento. Basta mencionar que
sus alcances van de lo que se denomina como
novelas visuales —han sido publicados por
Type-Moon— a los tradicionales mangas
(serializados por la revista Young Ace de
Kadokawa Shoten), pasando por los videojuegos
y, por supuesto, el anime.
Dicho lo anterior, en este nuevo episodio te
encuentras con Sakura Matou, quien desde
pequeña tuvo que someterse a complicados
ejercicios para controlar sus poderes. Ella no
tendría que estar involucrada en esta contienda,
en la que por cierto tiene mucho que ver su
hermana, Rin Tohsaka; sin embargo, por azares
del destino, termina participando.
Dicha circunstancia la convierte en una
inesperada protagonista y esto es uno de los
principales aciertos de esta animación.

El estilismo del
anime a todo lo que
da / “Soy virgencita,
riego las flores...” /
Una felicidad así
sólo puede ser
inducida por drogas
/ Un momento en la
Guerra del Santo
Grial.
Sin afectar el natural tránsito de la trama
principal, se pone mucha atención en la forma en
que la chica enfrenta por primera vez las reglas
del entorno en donde ahora tiene que
desenvolverse y va descubriendo qué hay detrás
de la historia de su familia.
Gracias a este perfil, el personaje funciona
también como la mirada de un espectador que
apenas tiene su primer acercamiento a la
franquicia completa.
No podemos dejar de mencionar que la
manufactura, cortesía de los Aniplex (Naruto) y
Ufotable (Remaining Sense of Pain), es impecable
y ofrece secuencias espectaculares en las cuales
el exceso de dramatismo, tan característico del
estilo asiático, encuentra un justo equilibrio con
una estilizada explosividad. Esto le permite a la
historia aprovechar óptimamente las
posibilidades visuales que ofrece el anime.
Es necesario destacar que las líneas
argumentales, pese a que están revestidas de
diversos términos que obedecen a la mitología
planteada por el concepto original, son
demasiado simples y en realidad funcionan más
como un pretexto para el desarrollo de la acción.
Esta misma virtud, por otro lado, resulta
envolvente y espectacular para cualquier tipo de
asistente a las salas de cine.
Se trata de un largometraje de fantasía
visualmente sofisticado con un concepto muy
bien delineado e ideal para una aventura que no
tiene mayores pretensiones que el
entretenimiento. JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Una pieza ideal para quienes
desean acercarse por primera vez a una de las
franquicias de anime más importantes de
Japón.
OLÉ, EL VIAJE DE FERDINAND
+++
AHORA EN CINES / 106 MINUTOS
DIRECTOR Carlos Saldanha
VOCES Daniel Sosa, Mariana Treviño
y Ely Recinos
LA FRASE “TOMAR al toro por los cuernos”
no podría ejemplificarse mejor en esta
animación de Blue Sky Studios —los
mismos de La era del hielo—. Y es que el
personaje principal de esta historia debe
envalentonarse para enfrentar al mundo con
el objetivo de no convertirse en lo que todos
quieren o consideran que debe ser. Déjanos
contarte a continuación:
Ferdinand es un toro que no creció para
lucirse en el ruedo; sin embargo es
confundido por una bestia peligrosa y lo
eligen para ser el animal con el que despida
su carrera el torero más famoso de España.
Con tal de defender sus intereses y
reencontrarse con su familia, el héroe saltará
bardas, olerá florecitas y se le pondrá al tú
por tú a más de uno.
Pese a tener muchos elementos en
contra, este ¡toriiiito! no se encuentra solo.
Pronto se hace de conocidos que, igual que
él, por alguna u otra razón no encajan en los
arquetipos asignados para su especie y son,
por tanto, rechazados.
Basada en el libro del escritor Munro
Leaf y el ilustrador Robert Lawson, el nuevo
trabajo del director Carlos Saldanha (Río)
mantiene tu atención gracias a su sentido de
aventura; los personajes van de escenario en
escenario, cayendo en peripecias con tal de
que Ferdinand logre su propósito.
Pese a dichas virtudes, el filme no se
salva de momentos planos que no aportan
nada a la trama y sólo alargan la duración.
Por fortuna, son pocos así.
El delineado del perfil de cada
personaje, su apariencia y los diálogos que
tienen hacen disfrutable Olé, el viaje de
Ferdinand, aunque podríamos apostar que lo
que más te encantará es el trabajo de los
actores de doblaje, en especial el de
Mariana Treviño. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Una opción para arrancar el
año en el cine con toda la familia. La cinta
no sale en hombros del ruedo, pero se
disfruta y deja mensajes muy claros sobre
la inclusión y la búsqueda de una
identidad auténtica.
ENERO 2018 41
 TV & Streaming

TOPOFTHELAKE:CHINAGIRL BBC WORLWIDE entrega seis episodios de

una televisión exquisita, confrontativa, humana
y real. Sin duda, lo más atractivo de la primera
++++ ESTRENO 5 DE ENERO /
TEMPORADA 1 EN CRACKLE
temporada de Top of the Lake fue lo
exóticamente femenina que fue.
La obsesión de la detective Robin Griffin
EPISODIOS VISTOS 1 / 60 MINUTOS (Elisabeth Moss) por encontrar a la chica
CREADA POR Jane Campion y Gerard Lee embarazada y descubrir el motivo de su
ELENCO Elisabeth Moss, Gwendoline Christie y desaparición en la inclemente Nueva Zelanda, la
Nicole Kidman relación con su madre, su pasado marcado por el
abuso, el amor que encontró en ese mismo
SINOPSIS La detective Robin Griffin vuelve a pasado y la enorme fortaleza que sostuvo al
Australia y, pese a que encontró ya un trabajo en enfrentarse sola ante el bárbaro mundo
Sydney, sus fantasmas son demasiado intrusivos masculino que engañó, hirió y mató de forma
y dolorosos. Una maleta con el cadáver de una sistemática hasta dejarla prácticamente
muchacha china llega a la ciudad; mientras trata inservible.
de resolver quién es, Robin lidia con otro dolor: el Robin padece desde la descalificación de su
de una hija que deberá encontrar sin revelar su autoridad por el hecho de ser mujer hasta el
origen ni concepción. violento rechazo de su intuición femenina,
incluso por ella misma. En una época en la que
todos los detectives son falibles, corruptos,
sádicos, enfermos sexuales y psicóticos, Robin
Griffin nos presenta la fuerza de todo lo
femenino contra un mundo echado a perder por
hombres. Y, no me malinterpreten, la serie está
lejos de ser feminista, pero muy cerca de ser real.
Las fallas y dolores de Robin son
experiencias terribles que la llenan de
compasión y que sirven para resolver el caso.
No es sólo la actuación de Moss que parece
que todo lo hace bien, sino que los diálogos
excelentemente escritos por sus creadores, en el
rudimentario acento australiano, son poesía de
la violencia y de la descomposición de las
relaciones humanas, pero una que nació con la
entropía, que no desacelera, pero que sí se
expande. Esto nos muestra Top of the Lake:
China Girl, cómo el seno del dolor es personal y

42 ENERO 2018

Elizabeth Moss y
Gwendoline Christie
/ La camaleónica
Nicole Kidman como
madre loca / La
detective Robin
Griffin otra vez
entre puro tornillo ⁄
De nuevo, Moss y
Christie jangueando
en Sydney.
de qué forma eso afecta nuestra relación con la
realidad y con la propia sociedad, que no da
tregua a la decadencia interior para obligarte a
COPYRIGHT SEE-SAW /TOTL2) HOLDING PTY LTD. 2017
pertenecer a la establecida, la de todos, a la que
nadie cuestiona.
Cuando Griffin vuelve a Australia para tratar,
inocentemente, de dejar atrás sus terribles
experiencias en Nueva Zelanda, se encuentra por
completo desequilibrada, en un sitio donde no es
aceptada y se le ve como un problema por sus
antecedentes. Todo va de bajada hasta que una
misteriosa maleta encalla en la playa Bondi: su
contenido, el cuerpo en descomposición de una
china. Robin hará de la resolución de este caso su
nueva obsesión y, a través de la muerta, intentará
resolver su propio bagaje putrefacto.
Para añadir más conflicto personal a la serie,
la detective se atormenta tratando de recuperar
a una hija abandonada al nacer, lo que en
contraste nos vuelve a mostrar toda la fortaleza y
vulnerabilidad que conviven en armonía dentro
de una investigadora perfecta.
BBC Worldwide te regala con Top of the
Lake: China Girl televisión de alta manufactura.
En el primer episodio puedes admirar unas
escenas marítimas imponentes mientras ves a la
maleta viajar por aguas de tormenta, además de
las tomas áreas de Bondi.
Se trata de un producto redondo y son sólo
seis episodios que se nos van a hacer pocos de
aquí a que la BBC nos brinde otra temporada.
CÉSAR HERNÁNDEZ
VEREDICTO Imperdible; se recomienda el
binge-watching de la primera temporada, no
para entender ésta sino para consentirte como
si estuvieras en un spa. La segunda temporada
la verás, sí o sí.
ONCE UPON A TIME, TEMPORADA 7
++
ESTRENO 16 DE ENERO / 20:00 HORAS POR SONY
EPISODIOS VISTOS 1 / 45 MINUTOS
CREADORES Edward Kitsis y Adam Horowitz
ELENCO Lana Parrilla, Robert Carlyle, Andrew
J. West y Mekia Cox
Y LA HISTORIA COMIENZA DE NUEVO. Si
has seguido Once Upon a Time desde su
primera temporada recordarás que todo
comienza cuando Henry busca a Emma para
decirle que es su mamá y que sólo ella
podrá romper la maldición en Storybrooke.
Conforme las temporadas pasan y, en
especial al final de la sexta, nos enteramos
que Henry fue quien escribió la historia y
todo termina con un final feliz.
Esta temporada comienza con un déjà
vu, pero esta vez es Lucy, la hija de Henry,
quien se escapa para buscarlo y hacerle
recordar que todo lo que está escrito en su
libro es real. IC
¡NO TE LO PONGAS!
+++
ESTRENO 24 DE ENERO / 21:00 HORAS
POR DISCOVERY HOME & HEALTH
ELENCO Olivia Peralta y Óscar Madrazo
¡NO TE LO PONGAS! estrena en México con
dos personajes clave en el mundo de la
moda: Olivia Peralta y Óscar Madrazo. Ana,
nominada por sus padres después de haber
perdido 50 kilos de peso, simplemente no se
reconoce y su identidad no termina de
definirse después de su transformación.
Una vez que alguien nomina a una
persona y ésta es elegida para participar en
el show, los conductores la sorprenden y le
proponen un cambio radical en su forma de
verse y sentirse. Si la participante está de
acuerdo en seguir las reglas que Olivia y
Óscar le dan para mejorar su apariencia y su
autoestima, ella recibe una tarjeta con 1,500
dólares (más o menos 30 mil pesos) para
renovar su guardarropa. CH
ENERO 2018 43

cómics
ANÍBAL5:
ELPRIMER CÓMIC
DE JODOROWSKY
SALE YA A LA VENTA
+++++
SINOPSIS:La historia de Aníbal 5, un agente
especial modificado artificialmente con implantes
tecnológicos, y su lucha interminable contra la
agrupación terrorista Interterror.
EL PASO DE ALEJANDRO Jodorowsky
por tierras mexicanas fue, para los nacionales, un
despertar de la conciencia; para el propio
Jodorowsky, una oportunidad única para
experimentar en terrenos artísticos nuevos para
él; y para los espectadores en general, el
advenimiento de clásicos instantáneos.
Polémico, singular, provocador, raro... en
este país el histrión chileno tuvo el primer
acercamiento con algunas disciplinas artísticas
que después le valieron reconocimientos
internacionales. A la par de una carrera frenética
en el teatro mexicano que modificó las puestas
en escena de la época, Jodorowsky tanteó
terrenos narrativos nuevos para él como el cine y
el cómic. Antes de Fando y Lis, El topo o La
montaña sagrada, fue Aníbal 5: historieta que 50
años después de terminada tiene su primera
reimpresión. O rescate.
Con ese extraño título, Aníbal 5, y con la
complicidad del ilustrador mexicano Manuel
Moro (portadista de otro clásico: Fantomas, la
amenaza elegante), en 1966 Alejandro
Jodorowsky creó una versión tropical del 007,
con peligros internacionales, tecnología de punta
y bellas mujeres en diminutos bikinis. Copiando
la fórmula, sí, pero con el objetivo de crear algo
nuevo.
Allí donde había pistolas diminutas ocultas
en plumas para escribir, Aníbal 5 las llevaba
44 ENERO 2018
implantadas en el cuerpo. Allí donde había una
corona inglesa que defender, Aníbal 5 trabajaba
para una agencia latinoamericana. Allí donde
Sean Connery regalaba al mundo un operativo
elegante y peligroso, Aníbal 5 tomaba prestado el
rostro y el físico del actor mexicano Jorge Rivero.
Los seis números que se publicaron de
Aníbal 5 retratan las aventuras de un agente
especial modificado en cyborg, un operativo de la
ALAD (Agencia Latino-Americana de Defensa),
quien constantemente debe frenar los intentos
violentos del Barón De Sader por imponer un
nuevo orden mundial, y a la agrupación
terrorista Interterror.
Pero lejos estaba Jodorowsky de
conformarse con narrar un cuento sobre la
seguridad mundial. En las páginas de Aníbal 5 el
chileno abre un debate sobre la tecnología y el
cuerpo modificado, y sobre el arte mismo:
constantes son las interrupciones y diálogos
del propio Alejandro y del dibujante para
comentar la historia que cuentan.
Esta nueva edición facsimilar busca,
por un lado, brindar al lector la oportunidad
de leer un clásico que para muchos era apenas
una referencia oscura, además de permitir
la experiencia de leerlo casi como se hizo hace
medio siglo, pues se conservan los “defectos” del
tiraje de Editorial Temporae, como los
problemas de registro y los resultados de una
impresión en papel de bajo costo.
Los textos de Mauricio Matamoros
—principal promotor de esta edición— ofrecen
algunas luces sobre la creación de Aníbal 5 y su
prematura cancelación, al parecer, por presiones
del Vaticano. Documentos valiosos en un país
cuya memoria sobre su historieta es casi nula.
Esta reedición de Aníbal 5 es una iniciativa de
la Revista Belcebú y de Editorial Samsara.
Si quieres adquirirla puedes solicitar
informes al correo samsara.editorial@gmail.
com. JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO: Debido a la realidad editorial
mexicana, pasarán años antes de que tengas
la oportunidad de adquirir este clásico si no lo
haces ahora.
WHO IS THE BLACK PANTHER?
++++
SALE 22 DE ENERO
SINOPSIS: En el corazón de África está
Wakanda, una civilización tecnológicamente
avanzada y de gran riqueza. Ahora su rey
guerrero T’Challa deberá frenar una invasión
liderada por Klaw, responsable de la muerte
del padre de Black Panther.
SI LOS CÓMICS CONTRIBUYEN a los
cambios sociales o si solamente los reflejan
es una discusión interminable, llena de
ejemplos que ilustran o contradicen una
postura u otra.
Lo cierto son los hechos. Lo cierto es la
actual insistencia de varias comunidades
minoritarias para verse representadas en las
formas de entretenimiento de consumo masivo.
El resultado: un Spider-Man negro y de
apellido latino, Miles Morales, y de un
miembro fundador de los X-Men, Iceman,
declarando abiertamente que además de
mutante, es homosexual.
Y si aceptamos que lo cierto son los
hechos, habrá que regresar a 1966 para ver
debutar al primer superhéroe afroamericano
en las páginas de Fantastic Four #52,
creación de Stan Lee y Jack Kirby. Dos
meses después vendría Bill Foster en
Avengers y los siguientes años serían
testigos de la aparición de múltiples
poderosos de color como Luke Cage, Storm,
Blade o el nuevo Nick Fury en una lista
interminable.
Pero además de la corrección política,
Lee y Kirby dotaron a su personaje con
características tan contradictorias como
atractivas, que mezclaban avance y tradición
y situaban a T’Challa —nombre civil del
héroe— como el rey de una nación africana
rica que supo conjugar la ecología con el
poderío económico y tecnológico.
Ahora, con el estreno de Black Panther,
Marvel Comics México edita Who Is the
Black Panther?, tomo recopilatorio de los
primeros seis números de la serie de 2005
del personaje, misma que actualizó para el
nuevo siglo la historia de Black Panther.
JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO: Porque es lo que EMPIRE hace
mejor, acompañarte al cine con lo que
lees aquí creando una experiencia
cinematográfica única; Who Is the Black
Panther? te da el mejor acercamiento al
personaje antes de ver la cinta.
CALL OF DUTY: WWII
+++
ESTRENO AHORA / PC, PS4, XBOX ONE
DIRECTORES Bret Robbins y Dennis Adams
ELENCO Josh Duhamel, Brett Zimmerman
y Jeff Schine
LA ÚLTIMA entrega de Call Of Duty (la 14ª)
lleva a la serie a la Segunda Guerra Mundial
(por primera vez desde World at War, de
2008). Hay, claro, una campaña cinemática
de un solo jugador que tiene éxito porque
resuena emocionalmente sin escatimar en la
acción, pero es por la versión multijugador
en línea que la mayoría lo compra, y el
equipo le ha añadido ingredientes frescos a
la receta familiar de la franquicia (incluyendo
el modo “Guerra”, que favorece el trabajo y
objetivos en equipo), mientras que el modo
cooperativo de los zombis le suma narrativa
y metas. Todo se junta para formar un
paquete que lo hace el mejor de la serie en
un buen tiempo. MC
WOLFENSTEIN II: THE NEW COLOSSUS
+++
ESTRENO AHORA / PC, PS4, XBOX ONE
DIRECTORES Fredrik Ljungdahl y Jens Matthies
ELENCO Brian Bloom, Alicja Bachleda
y Gideon Emery
EL ESCENARIO DE ESTA SECUELA de
Wolfenstein es sorprendentemente parecido
a la vida real: hay nazis en las calles de
Estados Unidos... aunque también hay
diferencias al presente trumpiano. El
episodio se desarrolla en unos años 60
alternativos donde los nazis ganaron la SGM
y se esparcieron por todo el planeta.
Comienza con B.J. Blazkowicz (Bloom)
despertando de un coma de cinco meses (a
causa de las heridas sufridas en los eventos
del último juego), dispuesto a liberar a su
país en un viaje que lo lleva de Nueva York a
Washington D.C. Hay una opción para
adoptar un acercamiento sigiloso en el
juego, pero es más efectivo sólo abrir fuego
y pintar de sangre las paredes. No es sutil,
pero vaya que es divertido. JP
Juegos
ASSASSIN’S CREED:
ORIGINS
ESTRENO AHORA
++++ FORMATOS PC, PS4, XB1
DIRECTORES Jean Guesdon y Ashraf Ismail
ELENCO Abubakar Salim y Alix Wilton Regan
SINOPSIS Egipto, año 49 a.C. Bayek (Salim), un
Medjay (un tipo de oficial de la policía) en el oasis
Siwa, va en busca de venganza y en el proceso
se topa con el Credo de los Asesinos (Assassin’s
Creed).
ASSASSIN’S CREED NOS HA
LLEVADO de la Tierra Sagrada en el siglo XII
a la Italia del Renacimiento, la Guerra
Estadounidense de Independencia, la Francia
revolucionaria y la Inglaterra victoriana. Ha sido
todo un viaje a lo largo de unos 900 años de
Historia Universal que nos presenta a algunas de
las figuras más interesantes de la humanidad
—Leonardo da Vinci, Charles Darwin y Donatien
Alphonse François (a quien conoces como el
Marqués de Sade)—.
En Origins (y la clave está en el título) nos
vamos más atrás que nunca: a Egipto, unos 50
años antes del nacimiento de Cristo. Podría
existir la tentación de llamarlo “Antiguo Egipto”
pero la gran civilización había llegado a su fin
después de que Alejandro el Grande la
conquistara en el 332 a.C. Para cuando vemos a
Bayek, el personaje principal de Origins —que no
es Ezio ni Evie Frye, pero mejor que el
deprimente Connor del III—, las pirámides ya
tienen más de 2,000 años. Este es un Egipto
incierto sobre su futuro, bajo el reinado de
Ptolomeo XIII, que enfrenta un golpe liderado
por Cleopatra, quien podría terminar con la
dinastía. Es un lugar increíble para estar: vasto,
montañoso y, pese a que Egipto es en esencia un
lugar desierto, está lleno de vida, tanto humana
como animal.
Assassin’s Creed por lo general funciona bien
en ese frente. El juego anterior, Syndicate, de
2015, fue perfectamente decente, elevado por su
recreación del Londres victoriano, pero para
Origins lo de “perfectamente decente” no iba a
funcionar. Ubisoft dejó descansar un año la
franquicia para darle al equipo tiempo de pensar
qué era un juego de Assassin’s Creed y lo que
podría ser, con la esperanza de que notemos un
salto en la calidad comparable a la mejora entre
el primero y el segundo episodio. Por desgracia,
no es así.
El principal cambio que el equipo de
desarrollo incorporó es un movimiento más
hacia un juego de rol. Ir subiendo de nivel ha sido
parte de la franquicia, pero ahora tu progreso a lo
largo del juego se topa con bloqueos. Si te vas
hacia donde el juego no quiere que vayas, la
fauna local hará que Bayek trabaje de más —y no
son sólo hipopótamos o cocodrilos: hasta la
criatura más inconsecuente puede derribarte si
ataca—. Como es estándar en los juegos de rol,
añadieron ciertas mecánicas y botines, y aunque
hay muchas cosas como para que te guste el
cambio, lo hace un tanto rutinario porque las
misiones adicionales se vuelven necesarias para
que subas de nivel y progreses.
El combate también ha sido actualizado y
requiere que te enfoques en el enemigo que
quieres atacar —puedes rodearlos si son un
grupo— para después darle con ataques leves o
duros mientras esquivas los suyos. Se parece más
a Bloodborne que, digamos, al Batman de los
juegos Arkham, y requiere más habilidad para
dominarlo por completo. El sólo tener que
aprender un par de movimientos y repetirlos
hará que te maten.
Lo que vale la pena considerar con el
reciente lanzamiento del Xbox One X es cómo se
desarrolla el juego en las diferentes consolas. Y
no hay ninguna sorpresa en ello: siendo la más
poderosa, la X lo maneja mejor, aunque los
demás lo llevan bien.
Así, aunque el juego no sea un gran salto
adelante para la serie, es mejor y un buen punto
de arranque para desarrollar el próximo. Dónde y
cuándo sea. JONATHAN PILE
VEREDICTO Un regreso triunfal para la serie.
Puede no haber cambiado tanto como se
esperaba, pero los refinamientos hicieron que
la espera valiera toda la pena.
ENERO 2018 45

gadgets
THE CREATE YOUR
OWN DROID
¿Harto de que tu mamá no te
lleve el desayuno a la cama?
SEGURO ESTE ANDROIDE hecho por ti
tampoco lo hará, pero al menos distraerás el
hambre construyéndolo y obligándolo a hacer
otras cosas por ti, aunque no sepa hacer daiquirís
o embadurnar el pan con mantequilla.
Se trata de un kit de robótica STEAM
(Sciencie, Technology, Engineering, Art and
Mathematics) para que construyas tu propia
unidad R2-D2.
El paquete viene con 30 piezas y 20 piezas
para el marco, ruedas, centro de control, sensor
de proximidad, motor y más para dar vida a tu
propio droide.
También se te provee de una app iOS o
Android para que controles la dirección y los
movimientos de tu Frankenstein.
Acéptalo, vas a estar ahí horas antes de que
esos hot cakes lleguen a ti. En caso de que no
aparezca tu desayuno, puedes entretenerte con
la misma app, que te permite ejecutar hasta 16
misiones interactivas.
Por supuesto tiene los sonidos originales de
Star Wars y tres hojas de estampitas para que
personalices tu creación, así como pilas de nueve
voltios. Para padawans de ocho añitos pá'
adelante.
$99.95 dólares en hammacher.com.
46 ENERO 2018
V GAMING PC
¿Tu cuarto de juegos necesita un
respiro? Empieza por lo más
importante.
LAS COMPUTADORAS PARA jugar no
tienen que parecer herramienta industrial del
espacio.
La V de Volta presume una carcasa de madera que
dejará confundido a tu clan de amigos. ¿Una
tornamesa? ¿O quizá se trata de un tostador
avant-garde?
Esta estación de juego retro, minuciosamente
construida a mano en nuez y bambú —o séase,
ideal para los amantes de lo orgánico y
artesanal—, guarda en su interior un procesador
i7. También cuenta con, los nada despreciables, 64
GB en RAM y 2 TB en su disco duro.
Además no ocupará mucho espacio de tu
escritorio, pues sus dimensiones son 56 x 30 x 10.
No conforme sus prestaciones ya descritas, el
fabricante te ofrece la opción de escalarla y
promete dar servicio, actualizaciones e
instalaciones gratuitas de por vida.
$1,999 dólares en volta.computer.
GOOGLE
PIXEL BUDS
Tu nuevo asistente de viaje, para
traducirte de manera simultánea.
DICEN LOS ESPAÑOLES que no
entienden la preferencia de los mexicanos de ver
películas en inglés para leer los subtítulos en
español, que así te pierdes de grandes detalles.
No será la primera ni la última vez en la que no
sepan de lo que están hablando. Joder.
Para quienes consideran que sí se desvía la
atención al estar atento a las letras en la parte
inferior de la pantalla, esta nueva joya de Google
puede ser la solución.
En octubre pasado la compañía presentó sus
nuevos teléfonos celulares —los Pixel— y se dio un
espacio para presumir sus Pixel Buds.
Se trata, ni más ni menos, de los audífonos
inteligentes de la marca, los cuales permiten al
usuario una traducción en tiempo real con 40
idiomas disponibles, así pronunciarás más
palabras y frases cuando ya te canses de pedir
agua o quieras suplicar que paren las rondas de
cerveza.
Este aparato logra su objetivo gracias a la
fusión de la inteligencia artificial de Google
Assistant y a la ejecución de la aplicación Google
Translator. De esta manera, como usuario,
escuchas en tu lengua madre lo que tu
interlocutor dice en la suya con apenas unos
segundos de diferencia. Luego, cuando quieres
expresar una oración, sólo tocas con tu dedo el
auricular derecho para que lo que digas se emita
en otro idioma por medio del altavoz de tu celular.
Sabemos que igual pronuncias como
predicador brasileño, pero aquí quien pronuncia
es tu teléfono porque, en efecto, necesitas de un
smartphone para que los Pixel Buds cumplan
íntegramente con sus funciones. Aunque tampoco
se trata de cualquier móvil: es indispensable (y
obvio) que tengas un Pixel para disfrutar de este
traductor personal.
$159 dólares en Google Store.
WHAT’S THE MATRIX?
Aquí es donde le ponemos título
alternativo y clasificamos todo lo
que verás en cartelera este mes.

sorprendente

ABRIL Y EL MUNDO
EXTRAORDINARIO
IMPLACABLE Una distopia vaporosa
Nada detiene a TOP OF THE LAKE:
Jackie Chan CHINA GIRL
Todo cabe en una maleta THE SHAPE OF WATER
LA FIESTA DE LA VIDA Sueños húmedos
Llegaron los gorrones
I AM HERO
Zombiolentos

WONDERSTRUCK
No oigo, no oigo soy
de palo.

GOODTIME
Se le hizo fácil
PERFECTOS DOWNSIZING
DESCONOCIDOS Científico descubre
Como tus diputados fórmula de Chiquitolina FRANTZ
HISTORIA DE
Más allá de la tumba
FANTASMAS
Ya te las sábanas
THE COMMUTER
Sigue siendo menos
palomera

peligroso que un chimeco

clavada
THE GREATEST
SHOWMAN LADY MACBETH
Pasen a ver al león Como Lady
C L dy Chil
Chiles, pero
p
menos cruel

RED DOG: TRUE BLUE

LA LEYENDA DEL La típica historia
perro-niño LA ALTA SOCIEDAD DARKEST HOUR
CHARRO NEGRO
Ustedes los ricos Todo lo decidía
El Charro afromexicano,
para no ofender TADEO, en el baño
EL EXPLORADOR
PERDIDO 2
Midas miedo 2

WONDER WHEEL
La Cougar y JT LA BÓVEDA
UNA MUJER SIN
Como esas llamadas
FILTRO
del banco
¿Qué no eran todas?
DETROIT
Igual pasó en Veracruz
STRONGER
¡NO TE LO PONGAS! Rodar y rodar
Para quienes parece que THE DISASTER ARTIST
se visten a oscuras Otro menso con
TERROR EN LA presupuesto
OSCURIDAD
OLÉ, EL VIAJE DE El espectro de las
LO MÁS SENCILLO FERDINAND náuseas
MOLLY’S GAME
ES COMPLICARLO La fiesta no tiene nada
FATE/ STAY NIGHT Una fichita olímpica
TODO de brava
Niña fresa jugándole Puros inventos
al vivo ONCE UPON A TIME
Puros, puros cuentos
predecible

ENERO 2018 47
48 ENERO 2018
ENERO 2018 49
 A LA DEL TORO
Guillermo del Toro muestra en su nueva película que para
ocurre con el agua, el sentimiento más poderoso no tiene forma.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
 ara Guillermo del Toro hay una solución n. Lo dice con el
convencimiento de haberlo meditado du urante muchos
días, de haberlo probado en su propia piel. Lo afirma sin
rodeos y acentuándolo con un “caón” al terminar la idea.
Para él existe una alternativa real para ccuando la cabeza
da vueltas al ver las noticias, nos enfrasccamos en dudas
sobre nosotros mismos —o los demás— o no damos con
nada por querer cambiarlo todo: el amorr. El director
tapatío encuentra la respuesta en eso qu ue no tiene forma,,
que se adapta, responde y se amolda; ésee que, como el
agua, puede ser suave y acogedor y al mismo tiempo
fuerte y poderoso.
Con ese pensamiento,
p , producto
p de uun periodo de
transformación y autocuestionamiento en la mente del
cineasta, surgió The Shape of Water, una historia de amor a la que el
adjetivo de diferente le queda simplemente chico.

AMOR(FO)
El romance que aquí te cuenta del Toro no es uno de novela en donde el
príncipe azul lucha todas las batallas para llegar con rosas a robarle un beso
a su amada, ni ella es bella hasta trastornar los ojos de todos. Tampoco se
trata de un cuento en el que la belleza se relaciona épicamente con la
fealdad y entonces surge el discurso de que lo interior es lo importante.
Con su princesa muda y su monstruo acuático, Guillermo nada un poco
más hacia lo profundo. En The Shape of Water habla de personajes que en
su humanidad tienen enojos y deseos, que en su soledad sienten curiosidad
y empatía, individuos entre los que no existe la exigencia de cambio para
reconocerse y comunicarse.
Así, sin romanticismos baratos pero con el fondo de una fábula a la que
vemos desde distintas entradas, el “Gordo” de ojos vivarachos y profundos
detrás de esos lentes que han reflejado tanto está de vuelta.
La película, situada en los tiempos de la Guerra Fría, es protagonizada
por Elisa (Sally Hawkins), una mujer muda que trabaja como asistente de
limpieza en un laboratorio secreto de los Estados Unidos y que lleva una
vida tranquila, incluso monótona, pero agradable en su espacio y forma. De
repente la chica tiene un encuentro con una criatura anfibia y descomunal
(Doug Jones) que llega al centro de experimentación donde ella labora y
con la que, paulatinamente, entabla una relación profunda a la que ni los
científicos más profesionales logran acercarse.
Pero estamos ubicados en 1962, un tiempo en donde la transformación
y la lucha por demostrar los resultados de dicha transformación para
trascender en la historia eran la moneda de cambio.
En esa época de revoluciones, que se gestaba en una olla de presión
debido a una guerra nuclear y la carrera por conquistar el espacio, también
hervían las luchas sociales, el racismo, la desigualdad, incluso la homofobia,
la injusticia, la opresión contra las mujeres y todos esos conceptos que
vienen desde mucho atrás y que, irónicamente, en la actualidad parece que
no logramos afrontar del todo ni resolver en nada. Entonces, La forma del

52 ENERO 2018
 agua —título en español de la cinta—, no puede
ser otra cosa sino una parábola de lo actual, y así
lo afirma el director que conocimos por la magia
de Cronos en 1993.
“Esta película habla de hoy. Es decir, aunque
esté situada en 1962, retrata un momento
político, espiritual, de dolor y de escepticismo,
como vivimos ahora. Habla del amor como una
alternativa real, como una alternativa de
empatía, de un abrazo. Por eso el póster es tan
bonito y tan simbólico, porque es el abrazo del
otro”, le confesó Guillermo del Toro a EMPIRE
durante su visita al Festival Internacional de
Cine de Morelia.
Aunque sus trabajos suelen llevar cierta
carga política y desde una perspectiva infantil, el
cineasta toma aquí una postura más adulta. La
historia que ahora cuenta le alcanza para
explorar “la marginación y la sexualidad, temas
"Reconocerse en que no habían sido abordados de manera tan
los ojos del otro", inmediata en ninguna de las otras películas”,
aconseja Guillermo afirma el realizador luego de apresurarse a tomar
del Toro y retrata su asiento para la entrevista, no sin antes dejar a
esa idea en un fanático contento al acceder a repetir la
escenas como esta fotografía que no salió bien en el camino.
/ La versión godín Y es que así, en su generosidad, ese cineasta
de Octavia Spencer al que dan ganas de tratar como un gran amigo al
y Sally Hawkins / que no se ve desde hace mucho —y él lo acepta
Del Toro dando sin chistar—, se enfrasca rápido para hablar de su
instrucciones al nueva producción, cuya historia acuática nos
villano de Michael muestra también un reflejo de lo que somos
Shannon. como sociedad.
“Creo que el quehacer humano es operar
desde el círculo inmediato para ver lo que está
mal en el círculo general social. Nos
preguntamos muchísimo qué tenemos que hacer
para los grandes problemas políticos y nos lo
preguntamos siempre en esa esfera tan grande
que sentimos que nos rebasa, pero es que en la
esfera inmediata esos problemas también
existen y sí se pueden solucionar.
Eso es muy bello del personaje Giles
(Richard Jenkins) porque es un ser que evita
mucho ver la realidad y, cuando se da cuenta de
que si no es por ella (Elisa, su vecina), él está solo,
le dice: ‘Tú eres lo único que tengo, ¿qué vamos a
hacer?’. Y es muy bonito ese cambio, esa
reflexión”, afirma un del Toro totalmente
apasionado. “
“ TÚ ERES LO ÚNICO QUE TENGO.
¿QUÉ VAMOS A HACER?
Es en ese consejo que hallamos una nueva
visión del jalisciense, pues tal y como recapitula:
“El laberinto del fauno es una película con mucha
carga política pero acerca de una ideología que
en aquel momento no estaba predominante: el
fascismo, y hablaba de la desobediencia, que era
importante en ese contexto. El espinazo del

ENERO 2018 53

DE
COLORES
EL SIGNIFICADO DE CADA COLOR
USADO EN THE SHAPE OF WATER
(NO APLICA PARA DALTÓNICOS)
AZUL
“El mundo de Sally y la criatura está
codificado en azules y colores fríos
para simular agua”.
VERDE
“Se le asigna al futuro, como el coche
o el laboratorio”.
ROJO
“En la vida, el amor y el cine. Cuando
se conocen, la criatura tiene una
herida; luego no hay otro rojo hasta
que abre ella la puerta para salir a la
vida o al cine”.
COLORES CÁLIDOS
“El departamento de Giles es aire,
tierra. Significa que se pueden querer
muchísimo, él y Sally, pero nunca va a
estar en el mismo universo”.
54
Shannon tiene
manita, no tiene
manita / Hawkins y
Spencer pensando
en unirse al
sindicato / Elisa y
su dios acuático en
una cita en el cine
poco usual /
Poniéndose la de
diablo hablaba de algo más etéreo: ¿Qué es un Puebla.
fantasma? Es un asunto pendiente, algo que no
se hizo. Y ésta (The Shape of Water)r habla del hoy
por hoy”.
Además, para Del Toro las películas son
biografías y, como tales, “suceden en tiempo real;
en medio de bautizos, de nacimientos, de
funerales”, por lo que la respuesta para realizar
el título que aquí nos concierne fue contestar
¿qué es lo que no había hecho todavía?, ¿qué
podía hacer diferente?, ¿de qué manera se iba a
arriesgar ahora?
Así fue que desarrolló la idea luego de
reunirse con su socio Daniel Kraus, quien le
platicó la anécdota primigenia de una mujer de
limpieza que entabla una relación con un anfibio,
a la que añadió el contraste de una historia de
amor con todo el choque de la batalla entre
países y lo que se vivió en su tiempo. Esto le
permitiría hablar desde otro nivel más adulto,
pero no por eso más serio, sino más natural,
inocentemente rebelde.
“Pensé: ‘No voy a hacer las mismas
soluciones que he hecho antes, ahora voy a
hablar de cosas que me incumben como adulto,
no de las que me formaron como niño, como
había ocurrido con las otras películas. Esas
fueron cosas que me pregunté muy seriamente
hace unos años, porque al terminar Crimson
Peak ((La cumbre escarlata) tuve un susto de
salud muy fuerte y en ese momento empezó una
pregunta muy seria en mi cabeza. Quería que
todo fuera diferente y de ahí la película”,
recuerda el creador. se vuelve tópico, se vuelve una cosa de
Y es que sabemos que los monstruos son la actualidades, de novedades. Pero si yo te planteo
familia de del Toro, que comparte con ellos casa esa misma problemática a través de la parábola,
—nomás échenle ojo a la exposición At Home la hago universal y te permito a ti, aunque estés
with Monsters—. Esa pasión y entrega opuesta a las especificidades del pensamiento o
descomunal a sus universos está aún más del lineamiento político, hablas de eso conmigo
presente en The Shape of Water que, según también y no te das ni cuenta. Ése es el poder de
aceptó el mismo Guillermo, está permeada de los la fantasía, que es lo más cercano que hay para la
recuerdos provocados por cintas como El parábola en el cine actual”, agregó.
monstruo del lago negro (Jack Arnold, 1954). Entonces, mientras nos fijamos en las
Podemos hablar de monstruos, de sus formas reacciones de un monstruo dentro de un tanque
y orígenes, de lo maravilloso que se ven en de laboratorio, la historia nos habla de actuar, de
pantalla y de los rasgos que en películas como no quedarnos estáticos ante lo que pasa y, de
ésta tienen —y sí, lo haremos porque en esta nuevo, volvemos a la solución de abrazarnos con
entrega el monstruo es simplemente empatía.
fascinante—. Pero aquí el mundo en el que viven,
esa fantasía creada por la mente que también nos LA DAMA Y EL
dio a Hellboy, el Fauno o su versión de Blade, VAGABUNDO
funciona para ofrecer una sutil pero contundente En ese vernos a nosotros mismos está el
carta. Mientras este loco nos susurra un cuento reconocernos, y no hay mejor manera de hacerlo
de hadas con buenos y malos, en realidad toca que a través de personajes que tengan hambre, se
muchas aristas de temas profundos, nos dice: “La rían, lloren, desesperen y tengan ganas de todo
fantasía siempre es política”. —como todos—. Es decir, que no sean perfectas
“Lo que es poderosísimo en la fantasía, y que criaturas listas para idealizar, sino que a pesar de
no logra ningún otro género, es que si yo te hablo ser protagonistas de una historia fantástica
de un político concreto ahorita, de un partido, de increíble, sean tan comunes como cualquiera:
situación en un municipio o en una ciudad, duerman, madruguen para trabajar, coman
huevos cocidos en la mañana y vean películas domingueras para reponerse
de un mal día —porque “las películas domingueras son las que nos salvan”,
confesó el cineasta—.
Así es Elisa, una mujer con una vida compleja. No es una princesita de
cuento: es una mujer que se masturba cada mañana y se alista para ir a
trabajar; se deja sorprender por el amor y lo vive de manera física sin
ningún problema, como es. Así la creó del Toro y así formuló una historia
de amor sin idealizaciones, sin altares ni dramas, con encuentros bellos,
con deseos reales, no importando —y nunca mejor dicho— que sea entre
hombre, mujer o quimera.
“Los lugares más solitarios que existen para quien sea son la mazmorra
o el pedestal. Si tú pones a alguien en un pedestal estás siendo de una
crueldad profunda porque no hay nadie que se pueda sostener ahí, necesita
bajar para dormir, para comer, para lo que quieras. Ponerlo en un pedestal
es un acto de sadismo ilusionado muy raro, muy proclive en el amor
romántico. Por eso la película trata de ser muy sentimental, emocional
pero no idealizando; es decir, ella es una mujer de carne y hueso y la
criatura no es un monstruo que se transforma en príncipe: es un dios
elemental del agua que come gatos y no hay problema, y los va a seguir
comiendo si los encuentra. Entonces es una fábula que libera mucho, te
permite ser”, enfatiza con una sonrisa. “
“ ELLA ES UNA MUJER DE CARNE Y HUESO Y LA CRIATURA NO ES UN
MONSTRUO QUE SE TRANSFORMA EN PRÍNCIPE
A pesar de ser “la película más optimista” que ha hecho, dicho por él
mismo, esa naturalidad con la que Elisa ve la sexualidad o con la que el

ENERO 2018 55
 agente Richard Strickland (Michael Shannon),
quien persigue incansablemente las acciones de
la especial pareja, también busca amar a su
manera, tal vez haga que el público se vea
dividido en las salas por una clasificación —que
seguramente alcanzará la C, sólo mayores de
edad—. Pero eso no preocupa a del Toro, pues en
esta ocasión se mantiene firme para que la cinta
sea lo que tenga que ser y muestre en ella lo que
tenga que mostrar, incluso llegando a un toque
surrealista muy mexicano.
(SPOILER AL ALERT!) “Me imagino que
será C, pero me da igual porque lo que tiene la
película, y es muy mexicano, es que normaliza,
abraza y tiene empatía con la comunión entre lo
cotidiano y lo extraordinario. Entonces, por
ejemplo, después de que ella tiene sexo con ese
semidios elemental del agua, al día siguiente se La ropa sucia se
va al equivalente de un cafecito con una amiga y lava en casa / En
le platica cómo fue y eso es eminentemente esta película se dan
cotidiano al lado de algo extraordinario, pues los mejores abrazos
tiene a esta criatura extraordinaria en la tina de gratis / Que no
su casa. Son cositas en donde lo extraordinario y quede huella /
lo cotidiano conviven al lado uno del otro”, Hawkins tuvo que
reafirma el también guionista. aprender lengua de
El vagabundo de esta aventura, más que señas.
deambular por las calles, se encuentra
prisionero. En esa creación, del Toro presenta un
anfibio que retuerce los ojos para volverse tierno
y mostrar coraje cuando debe. Si una “cosa”
apenas humanoide tiene la corporalidad como
para expresar su sentir, se debe a la
interpretación del actor Doug Jones, otra vez en
mancuerna con del Toro —es el Hombre Pálido
de El laberinto del fauno, te lo decimos porque
seguro no lo reconocerás— y para quien, como
para cada uno de los actores, escribió esta MUNDO ACUÁTICO
historia. Suena el piano y el ambiente se electriza gracias a las voces de Billie
“Doug es un tipazo. La mejor manera de Holiday, Madeleine Peyroux, Etta Jones, Dinah Washington, Ella
trabajar con actores, lo primero y lo ideal, es Fitzgerald y hasta Melody Gardot. También se escucha la música de
escribirles el papel a ellos, y eso pasó en este Alexandre Desplat… Estamos entrando a La forma del agua, otro mundo
caso. Se lo escribí a Sally Hawkins, se lo escribí a dentro del universo del Toro.
Michael Shannon y a Doug. En el caso de Doug Ese amigo de Frankenstein —a quien el realizador define como “una
yo ya sé lo que va a hacer, conozco sus imagen beatífica, hermosa y que ejemplifica la soledad existencial del ser
herramientas y trato de empujarlo un poquito a humano en un mundo que no entiende”—, atiende con paciencia a
otra zona. Nunca había hecho un papel cualquiera que busque llevarse un poco de su talento dibujado en una hoja
específicamente como éste, pero había hecho el de papel.
Silver Surfer, en la película de Los 4 Fantásticos y Con esa serenidad y pericia, el director tardó nueve meses en
era un dios. seleccionar las canciones para esta producción pero tres años para ver
En La forma del agua su personaje tiene una nacer a su mostrito íntegramente. Se dio a la tarea de crear un set
dignidad más que humana y le decía yo: ‘Debes excepcional en donde cada detalle está pensado, cada color calculado y cada
tener ese centro, pero con la postura de un elemento tiene un significado para contar su historia a través de lo visual de
torero; cuando te paras tienes que tener el pecho manera magistral.
para afuera, un poco de lado’. Es decir, le doy “El diseño empieza mucho antes de que llegue nadie. Empieza cuando
cosas muy específicas y luego hablamos del estoy escribiendo el guion, antes de que siquiera lleguen el diseñador o el
personaje, de su soledad, si ha estado solo toda la fotógrafo: nadie, porque necesito poderlos definir para que estén
vida o un tiempo nada más, de cómo está fuera de expresando la historia. Entonces, por ejemplo, ¿cómo digo que dos
su lugar propio, de cómo reconoce en ella la personajes se completan el uno al otro? Pues les doy la misma ventana,
esencia del agua”, comenta quien dirigirá la serie dividida en dos departamentos y uno lo hago frío y acuático y al otro lo hago
Carnival Raw. térreo, lleno de aire y sol.

56 ENERO 2018
 “Ése es un lenguaje superbásico pero estás
“É
usando color, forma, pequeños guiños: el papel
tapiz en el departamento acuático te va a evocar
las escamas de un pez, vamos a poner con
manchas de humedades la forma de una ola, el
marco de la ventana es de una forma de ola,
etcétera. Estás codificando en un término visual
la historia que estás queriendo contar”, señala
este gordo que tiene claro que la volvió a hacer:
hizo lo que quería y sin pedirle permiso a nadie.
En The Shape of Water los colores también
cuentan con su significado; por ejemplo, el rojo
es rojo por amor, por significar vida y cine. Por
otro lado, la humedad nos inunda porque es el
origen de sus protagonistas y la tierra se aparece
para hablar del día a día, de otra postura.

LA FORMA DEL CINE

Aquel que nos entregó historias de horror en la
Hora marcada, donde conoció a Alfonso Cuarón
y otros grandes cineastas, ha pulido la forma en
la que utiliza los elementos visuales y los
convierte en alimento para sus personajes,
siempre coherente para su contenido. No en
vano que sea el primer mexicano en llevarse el
León de Oro de Venecia, un festival donde la
fantasía no era lo más celebrado.
“El personaje de ella (Elisa) es acuático,
desde el principio está en el agua, lo que come
son huevos pasados por agua, sus actividades en
la tina que son específicamente detalladas
(risas)… Todo en ella es agua, tiene marcas
similares a las de él, la encontraron en el río; es
decir, hay que cuidar mucho que Doug entienda
que la reconoce, que no es amor verbal, que es un
amor de mirada. Entonces es importante cómo la
observa”, cuenta.
Esa precisión de cada personaje la logró
eligiendo meticulosamente a quienes entrarían a
este universo, como Octavia Spencer y Richard
Jenkins, quienes son los grandes aliados de Elisa
y representantes de las minorías —ella, una
mujer de raza negra y él, homosexual—. También
con Michael Shannon y su villano que al final no
es más que un humano.
Con cada uno de ellos del Toro tuvo
precisiones que se basaban en la acción, no sin
antes entregarle a cada uno una biografía de su
respectivo papel para ayudarles a construir las
bases de sus interpretaciones.
El cineasta que, entre otras cosas, quería
regresar a México y tomarse un Boing de guayaba
o mango y que silenció al monstruo del cansancio
para pararse por horas a firmar autógrafos y
tomarse fotos durante el FICM, se aleja
dejándonos su obra, su homenaje al amor y al
séptimo arte y su remedio a la soledad: pensar al
otro en medio de la magia de su cine.

THE SHAPE OF WATER ESTRENA EL 12 DE ENERO.

ENERO 2018 57
 PREDICCIONES
2018

58 ENERO 2018
 SABES CÓMO TE VA A IR
E N E L A M O R , N A DA M E J O R A
EN EL TRAB AJO Y TU SALUD
DEPENDE DE CUÁNTO BEB AS.
EMPIRE P ONE
L A M I R A DA E N E L F U T U R O
E INVOCA A TODAS L AS ARTES
ADIVINATORIAS
PARA CONOCER
Q U É N O S D E PA R A E L 2 01 8
EN CUANTO A PELÍCUL AS.
ILUSTRACIONES JORGE R. LÓPEZ

ENERO 2018 59

UCHAS SON LAS RAZONES por las que
esperabas con ansias la llegada de
2018: la principal es que ya querías
que acabara 2017. Para tu fortuna, ese
año fatídico quedó atrás y, justo
hablando de fortuna, 2018 será
venturoso también en producciones.
De lo que se sabe que viene este año
nos concentramos y consultamos a los
dioses, a los astros y a presencias
oscuras para ofrecerte lo que será lo
mejor en 2018.
READY PLAYER ONE
Predicción por Eduardo Navarrete,
deputy editor
Spielberg dirige una película, se agita la
industria. Esto puede terminar en un fracaso
terrible o en un hit, pero en cualquiera de los
casos puedo ver en mis runas que es una de las
banderas cinematográficas a seguir en 2018.
Simplemente no pasará desapercibida.
La cinta se ubica en 2044. La Tierra es un lugar
francamente incómodo e indigno para vivir
(aunque sin campañas presidenciales) en donde
la gente se ve obligada a vivir en sus autos, a
falta de casas. Pero las personas tienen un
escape llamado “Oasis”, una realidad virtual en
la que todos hacen su verdadera vida: desde ir
a la escuela y trabajar hasta salir de fiesta.
Cuando el creador de Oasis muere, deja un
reto: una especie de rally saturado con pistas y
preguntas que voltean a ver de frente a la
cultura pop. Referencias de cintas, cómics,
juguetes, programas de TV y videojuegos son

BOHEMIAN RHAPSODY
Predicción por Diego Urdaneta, redactor web
ahora coprotagónicos. Quien resuelva el reto se
queda con Oasis y, de esa manera, se convierte
en la persona más rica y famosa de todo el
Queen podría ser una de las bandas más planeta. ¿Juegas?
importantes de la historia de la música, y Freddie
Mercury uno de los mejores y más prolíficos
compositores contemporáneos. Se trata de una
vida digna de ser llevada al cine. La trama sigue
a Mercury y Queen durante 15 años hasta su
mítico concierto de Live Aid en 1985, seis años
antes de la muerte del cantante. Además, Rami
Malek está muy exacto en la caracterización y,
según los astros, también lo está en su
interpretación.
La vida que hay detrás del artista hace sentido
en muchas ocasiones con su creación. Mercury
compuso una de las canciones más
emblemáticas de la historia, Bohemian
Rhapsody, hecha sin ayuda de productores o
compositores extras y que hoy en día sigue
siendo imposible de tocar por completo en vivo.
Si el universo quiere mostrarte todo lo que hay
detrás de esos, los años más productivos de
Queen, ¿para qué resistirte?

FANTASTIC BEASTS: THE CRIMES

OF GRINDELWALD
Predicción por Isa Cisneros, directora de arte
Algunos videntes asumen que la decisión de J.K. Rowling
de hacer una saga de cinco películas sobre la precuela
de Harry Potter fue nada más para recaudar dinero.
Lo que se lee en las cartas es que estas nuevas cintas pueden
llenar algunos huecos inconclusos y saciar la curiosidad de los
fans. David Yates regresa como director, así como el elenco de
la producción anterior. Se suman Jude Law (que interpretará a
Albus Dumbledore de joven) y Johnny Depp como
Grindelwald, el mago que el destino convertirá en villano.
También descubriremos qué hizo Leta Lestrange para que
Newt se culpara y lo expulsaran de Hogwarts.

60 ENERO 2018
 LO QUE
pacific rim uprising
Dirigida por Steven S. DeKnight.
La secuela de la épica batalla entre
SALIÓ EN kaijus y jaegers que trazó Guillermo
del Toro.
LAS jungle book
Dirigida por Andy Serkis.
La historia del niño que se crió en
CARTAS la selva, pero en versión Serkis.
the new mutants
EL DESTINO ESTÁ SEGURO DE QUE SERÁ Dirigida por Josh Boone.
UN AÑO MUY PRODUCTIVO PARA LOS Cinco mutantes descubren sus
CINÉFILOS. POR ACÁ, MÁS PELÍCULAS habilidades bajo el género de terror.
QUE DEBES RASTREAR EN 2018. Será parte de la serie de los X-Men.
x-men: Fénix Oscura
Dirigida por Simon Kinberg.
Los mutantes deberán elegir entre
la vida de uno de los suyos o salvar
a toda la humanidad.
museo
Dirigida por Alonso Ruizpalacios.
Es 1985 y un grupo de criminales
se roban 140 piezas del Museo
Nacional de Antropología.
scarface
Director no confirmado.
El remake de un clasicazo, con el
protagonista ¡Diego Luna!
lady bird
Dirigida p Greta Gerwig.
La evolución
n de una adolescente
con aspiraciones artísti
the irishman
Dirigida por Martin Scorsese.
Biopic acerca de un hombre que se
vio involucrado en el asesinato de
Jimmy Hoffa.
the house that jack built
Dirigida por Lars von Trier.
La historia sigue a un asesino serial
de las grandes ligas que lleva 12
años en el negocio.
ENERO 2018 61
ISLE OF DOGS
Predicción por Giovanna Franzoni, editora web
Un chamán se me apareció en sueños para
contarme que este filme vale la pena por las
composiciones perfectas con las que Wes
Anderson se ha creado un nombre dentro del cine.
Susurró sobre el éxito que fue Fantastic Mr. Foxx y
cómo eso basta de referencia para saber que Wes
es un maestro del stop motion pero, más allá de la
estética perfectamente bien cuidada, la trama de
esta cinta plantea una problemática del futuro de
la que ya nos prevenían los brujos: ¿cómo vamos
a lidiar con la sobrepoblación de perros? En Isle of
Dogs una fiebre canina obliga a los ciudadanos de
Japón a abandonar sus mascotas en una isla. Esta
es la primera vez que Anderson utiliza recursos de
las culturas orientales para ambientar un proyecto
y los antiguos cantan diciendo que nos
sorprenderá. Bryan Cranston, Scarlett Johansson
y Edward Norton también están involucrados.
HAPPYTIME MURDERS
Predicción por César Hernández,
coordinador editorial
Es simplemente un sueño hecho realidad, una
película sólo para adultos pero que involucra
Muppets. Las creaciones de Jim Henson
conviven con seres humanos, aunque son
tratados con desprecio. Cuando empiezan a
asesinar a los miembros del programa
ochentero Happytime, un Muppet expolicía que
ahora es detective privado deberá resolver el
misterio, además de defender su caso para
que no sea mal llevado por otro detective, pero
que es humano.
Dirigida por Brian Henson, de los Henson de
toda la vida, incluye a las fabulosas Melissa
McCarthy, Elizabeth Banks y Maya Rudolph,
además del fantástico Joel McHale. Los astros
deparan cosas maravillosas a esta película.

THE NUN
Predicción por Alberto González,
community manager
Los cuarzos me mostraron el segundo spin-off
de la saga de los Expedientes Warren —mejor
conocida como The Conjuring—, el cual lleva
por nombre The Nun y está protagonizada por
Taissa Farmiga ((American Horror Storyy) y el
actor mexicano Demián Bichir, conocido por
ROMA
Predicción por Anaid Ramírez, editora
sus trabajos en Alien: Covenant y A Better Life; *La siguiente es una transcripción de una grabación realizada en una sesión espiritista en la
con esta última la magia blanca lo hizo Ciudad de México. Sólo se editaron los lamentos de ultratumba.*
convertirse en el segundo mexicano en ser Entrevistador: ¿Qué película será una de las más importantes de este año?
nominado al Óscar por Mejor actor en 2012. Medium: La nueva de Alfonso Cuarón será. El cineasta volvió a filmar en tierra azteca tras 11
La intervención de fuerzas benévolas de los años de ausencia. Al ser un drama que retrata a una familia de clase media a inicios de los 70,
estratos inferiores no permitirá que te pierdas la historia referencia al llamado Halconazo, la matanza estudiantil que ocurrió el 10 de junio de
esta espeluznante tram dirigida por Corin 1971 —de ahí que la producción cerrara durante dos días la calzada México-Tacuba, donde
Hardy, conocido por Los hijos del Diablo (The originalmente acontecieron los hechos— (...). Hay alguien más aquí no tiene rostro, pero dice
Hallow)
w con guion de James Wan y Gary que será la primera vez que Cuarón sea responsable de la fotografía de un largometraje, y
Dauberman, quien escribió el primer spin-off, compartirá ese crédito no con el experimentado Emmanuel Lubezki, como es costumbre, sino
Annabelle (2014), y su recién estrenada con Galo Olivares, a quien el cineasta define como una joven promesa.
secuela, Annabelle: Creation (2017).

ENERO 2018 63
 ANA Y BRUNO
Predicción por Ana Lucía Altamirano, colaboradora
Después de que hace 24 años obtuviera la Palma de Oro en Cannes por su
cortometraje El héroe, el director Carlos Carrera presenta un nuevo trabajo
de animación. Las cartas predicen la llegada de Ana y Bruno para el 13 de
abril, luego de su premiere en el FICM. Carrera ha abordado sus historias de
ficción con poder y realidad, y hace que no podamos esperar menos para
una película animada cuyos personajes se plantearon para un público de
todas las edades, no sólo el infantil.

SOLO: A STAR WARS STORY

Predicción por Mario P. Székely, crítico
Más de una ceja se levantó entre los fans del
universo de Star Wars cuando, en una lectura
de café turco, apareció que Alden Ehrenreich
(Hermosas criaturas, Tetro) será quien desenfunde
el blaster de Han Solo, al no tenerse gran
referencia del joven actor. Sumado a esto, como
apareció en las cartas, los directores Phil Lord
y Christopher Miller (Lego:
( la película) fueron
despedidos del set de rodaje para llamar
de emergencia a Ron Howard (Mente brillante,
Apollo XIII).
Mejores augurios provienen del conocimiento de
que Lawrence Kasdan, quien coescribiera El
Imperio contraataca y El regreso del Jedi —
además de El despertar de la Fuerza— es el
guionista de Solo, conociendo de maravilla el
lado cínico del personaje. Como cereza del pastel
también aparecerá la versión joven de Lando
Calrissian con el actor del momento: Donald
Glover ((Atlanta FX
X).

64 ENERO 2018
 ¡HA HABLADO
EL CHAMÁN!
NO SÓLO HABRÁ PELÍCULAS DURANTE 2018: TAMBIÉN HAY
SERIES EN PLANIFICACIÓN Y PRODUCCIÓN QUE ESPERAN
SER TU OBSESIÓN TODO ESTE AÑO.
Altered Carbon
Basada en la novela del mismo
nombre del autor Richard Morgan,
trata de un futuro donde es posible
almacenar la conciencia cambiando
de cuerpo cada vez que sea
necesario.
3%
La segunda temporada de la serie
muestra cómo se vive en el otro
lado, con el 3 % de la población
acomodada. Michelle tendrá que
asimilar los descubrimientos del final
de la primera temporada y ya
veremos qué bando adopta.
Lost in Space
La serie clásica de los 60,
reimpulsada con una producción
imponente a cargo de Netflix.
Mayans MC
Después de la última temporada de
los Sons of Anarchyy conoceremos
AVENGERS: INFINITY WARS
Predicción por Jesús Chavarría, colaborador
las aventuras del motor club de los
Mayans, los mexicanos (a veces
aliados y a veces enemigos) de los
Observando las conjunciones de los astros contemplamos el célebres Sons.
momento cumbre de las tres fases de un universo fílmico que, más
allá de lo bien o mal logradas de algunas de las 17 películas que lo
integran (además de varias series), ha estado muy bien planeado.
Cruel
Dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo —responsables de Intentions
dos de las mejores cintas de superhéroes que se han hecho hasta Se basa en el regreso de la malvada
ahora: Captain America: Winter Soldierr y Captain America: Civil War—, Kathryn, quien ahora vuelve para
la producción promete ser una fiesta a la que todos están invitados, mangonear a su primo y provocar
pues además de los personajes que originalmente aparecen en la desmanes en la familia. Tal como es
cinta, augura un colosal crossover que unirá a todas las franquicias su costumbre.
existentes del MCU.
Por si eso fuera poco, el I-Ching arroja que tendría el presupuesto más
grande en la historia del cine, pues se especula que costará alrededor
Life Sentence
del billoncito de dólares. Una chica que se ha librado del
Difícilmente el Universo Marvel volverá a tener un evento de esta cáncer ahora tendrá que vivir con las
magnitud, razones más que suficientes para convertirla en la cinta decisiones que tomó con la idea de
más esperada del año. que moriría. No sólo eso: el conflicto
crece cuando su esposo tiene que
dejar de tratarla como si fuera
todavía una frágil enferma.
Snowpiercer
Igual, basada en la película en que
los humanos le dimos en la madre a
la Tierra intentando acabar con el
calentamiento global. Resulta que el
experimento fracasó y el planeta
quedó congelado, y lo que queda de
la humanidad recorre la tundra en un
enorme tren llamado Snowpiercer
que se divide entre ricos y pobres.
Justo como ha sido siempre.
Castlerock
Son historias de Stephen King que
suceden en el pueblo ficticio de
Castlerock.
Cloak and
dagger
Un par de adolescentes con
superpoderes empiezan a trabajar
juntos mientras se enamoran.
Star Wars
underworld
Un cazarrecompensas y su maestro
viajan por la galaxia teniendo
aventuras mientras transportan
mercancías y se enfrentan con
entretenidas amenazas.
Titans
Por fin los Teen Titans tendrán una
serie con sus fantásticas historias,
¡pero en live action! Una de las más
grandes expectativas es el cast de
cada uno de los superhéroes.
ENERO 2018 65
66 ENERO 2018
 P E L Í CU LA
L A M E J OR TA ,
É S U P E R A A A RE SPUE S
¿ QU H A H E C H O ? L R A L O S
Q U E SE LO S V OT AN TE S P A G R E E N W AS
S E G Ú N S Ó S C A R , E S H O WE L E G A N Ó A
P R E M I O E Y , L A C I N TA QU
MY VA L L NO K A N E .
C I U D A DA HA NP
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ENERO 2018 67

LOS XIV PREMIOS DE LA
ACADEMIA POR POCO NO
SUCEDEN.
En diciembre de 1941, a menos de dos meses para la ceremonia de los
Premios de la Academia, los japoneses bombardearon Pearl Harbor y, con
ello, Estados Unidos estaba en guerra. No era el momento de hacer un
festejo de premiación sin escatimar costos. Se discutieron varias
alternativas —entre ellas, la idea de permitir que las ganancias de la venta
de boletos al público se fueran a la Cruz Roja— antes de aprobarse una
solución de menor escala. El banquete sería una cena más simple y se
prohibió la vestimenta formal, se pidieron corbatas regulares en lugar de
moño. Con esas medidas de austeridad, el 26 de febrero de 1942 los
decimocuartos Premios de la Academia se llevaron a cabo. Exactamente a
las 19:45 horas, Bob Hope subió al escenario del salón de eventos del Hotel
Biltmore, en el centro de Los Ángeles, como anfitrión del evento. Sería uno
de los Óscar más controversiales.
¿Por qué controversial? Al ver la lista de nominados de esa noche, hay
uno que sobresale: El ciudadano Kane. No sólo una buena cinta. No sólo un
gran filme. Sino “la mejor película que se ha hecho”. Al comienzo de la
noche tenía nueve nominaciones, pero terminó ganando sólo un premio: el
de Mejor Guion Original. En cambio, How Green Was my Valley, de John
Ford, fue la gran ganadora.
68 ENERO 2018
1942: Los ganadores
del Óscar, Gary
Cooper (Mejor Actor
por Sergeant York),
Joan Fontaine (Mejor
Actriz for Suspicion),
Mary Astor (Mejor
Actriz de Reparto por
The Great Lie) y
Donald Crisp (Mejor
Actor de Reparto por
How Green Was My
Valley) / Orson Welles
en Citizen Kane / El
póster para Citizen
Kane de 1941... ¡está
de pelos! / El
productor de How
Green Was My Valley
/ Darryl F. Zanuck
cotorrea con Norma
Shearer en los Óscar.
Nominada a nueve premios, se llevó cinco, entre ellos el segundo de
forma consecutiva para Ford como Mejor Director (su tercero en general) y
como Mejor película (entonces llamado La Cinematografía más
Sobresaliente). Pero desde entonces su reputación ha sido manchada y su
victoria, ridiculizada. Ahora, si acaso, se le conoce nomás como la película
que le ganó a El ciudadano Kane y a menudo se cuenta en la lista de “los
peores ganadores de Óscar” (incluyendo el décimo lugar obtenido en una
encuesta de EMPIRE en 2005).
No hubo protestas en particular esa noche. Al final de la ceremonia, el
principal tema de plática entre el público no fue el desaire a El ciudadano
Kane, sino la categoría de Mejor Actriz. Joan Fontaine (Sospecha
( ) le había
ganado a su hermana Olivia de Havilland (Si ( no amaneciera) el premio. Por
otro lado, el drama protagonizado por Bette Davis, La loba, marcó el récord
de más nominaciones, un total de nueve, sin ganar ninguna de ellas. Y fue
una buena noche para Walt Disney: ganó dos premios honorarios, pues
Dumbo y la caricatura corta Salvamento gatuno ganaron en sus categorías.
Q
ué verde era mi valle —su tñitulo en español— empezó su vida como
una cinta muy diferente. La idea original era hacer algo igual de
exitoso que Lo que el viento se llevó. La novela How Green Was my
Valley, de Richard Llewellyn (1939), fue un gran éxito cuando se
publicó, y uno de los fundadores de 20th Century Fox, Darryl F.
Zanuck, no perdió el tiempo para adueñarse de los derechos. Planeó
retomar la nostálgica historia acerca de una familia en el siglo XIX que vivía
en una aldea minera en Gales y dotarla de un aire inspirado en la Guerra
Civil Americana.
Zanuck quería el libro de Llewellyn y no arriesgaría nada; se pagaron
300 mil dólares para asegurarlo, entonces una cifra récord (más de $5
millones de dólares de dinero actual). William Wyler fue contratado como
director, el guion se inició y se hicieron planes de filmar en locación en el
sur de Gales. Pero entonces, Zanuck se encontró con un problema: la
Segunda Guerra Mundial estaba sobre el cielo del Reino Unido.
 En julio de 1940 comenzó la Batalla de Inglaterra, siendo Gales un gran
objetivo de las fuerzas aéreas Luftwaffe de Hitler. Se necesitó pensar las
cosas de nuevo y la solución de Zanuck cambió todo. Entonces programó
empezar producción cerca de Malibú en las montañas de Santa Mónica,
pero como las cordilleras cafés no podían pasar por los valles verdes de
Rhondda, se decidió que la película se filmaría en blanco y negro. Una vez
quitándole el elemento tecnicolor también se anularon los planes de algo
épico y se cortó su duración. Pero a pesar de resolver esos problemas, los de
Zanuck no terminaron. Como ya era más probable que Estados Unidos
entrara a la guerra, los accionistas de 20th Century Fox repentinamente
amenazaron con cancelar la filmación.
El cambio hacia Santa Mónica, en lugar de hacer las cosas más fáciles,
significó que tendrían que construir todo un pueblo minero galés, un
proyecto de 110 mil dólares que se llevó seis meses en terminar. Y a William
Wyler se le conocía por hacer múltiples tomas, a menudo hasta más de 50,
algo que sin duda aumentaría todavía más el costo de la producción.
Zanuck estaba ansioso. Tanto que consideró quitarle la película a Fox y
hacerla independientemente, algo muy serio en el sistema de la industria
de esa época. Al final no se llegó a eso. Conforme se retrasaba más y pasaba
el tiempo, el contrato de Wyler con Fox expiró y entonces abandonó la
producción. Justo después de eso, John Ford estuvo disponible.
Ford y Zanuck habían trabajado juntos el año anterior en Las viñas de
la ira, una cinta con temas similares a favor de la clase trabajadora y parecía
una elección perfecta. Entonces Zanuck volvió con otra propuesta para los
accionistas: Ford dirigiría y lo lograría con menos de un millón de dólares.
Eso fue todo. Los accionistas accedieron. El 10 de junio de 1941, año y
medio después de que Zanuck comprara los derechos, se inició la filmación.
Qué verde era mi valle trata de la historia de una familia minera en
Gales, los Morgan, a través de los ojos del hijo menor, Huw (McDowall).
Parece que la minería nunca fue una profesión agradable, aun en las
décadas anteriores a que Margaret Tatcher pusiera su mira en las minas de
Inglaterra. Se recortan los salarios, se despiden trabajadores y la vida se
convierte en una batalla. La hija de la familia, Angharad (Maureen O'Hara)
es orillada a darle la espalda a alguien a quien ella ama, el pastor de Walter
Pidgeon, el Sr. Gruffydd, y se casa con alguien a quien no ama pero que
tiene dinero. Y los peligros en la minería significan que los aldeanos están
eternamente a tan sólo un incendio o un derrumbe del desastre.
s una historia que baila cuidadosamente con el melodrama pero en
E la cual fluye el comentario social, a diferencia de Las viñas de la ira.
Ford era un planeador meticuloso y tenía un estilo de filmación
peculiar, editando desde la cámara para asegurar que su visión no
fuera recortada en el estudio. Hay una escena muy memorable en
Qué verde era mi valle que es un ejemplo clásico de estos dos aspectos.
Después de la boda de Angharad, ecuánimemente baja los escalones de la
iglesia y de pronto su velo sale volando como una espiral en el aire sobre su
cabeza, como si tratara de escaparse. Pero se aplaca cuando su nuevo
esposo lo sostiene y controla. Esto sugiere con obviedad cómo será su vida
con él. A menudo se cree que éste fue un accidente conveniente, pero la
verdad es que Ford trajo tres ventiladores que cambiaba de posición
constantemente hasta asegurarse de obtener el efecto deseado.
La escena continúa con Angharad yéndose en el auto justo cuando la
silueta del Sr. Gruffydd, el hombre que la amaba pero que la dejó ir, aparece
en el fondo. Está de pie, observa por un momento y luego se retira con
solemnidad. “¿Hacemos un acercamiento?”, le preguntaron a Ford después
de gritar “¡corte!”. “Dios, no”, respondió. “Si lo hacemos, lo van a usar”.
Mostrando poderosamente la melancolía y el dolor del Sr. Gruffydd en un
momento devastador de la película tan extremadamente nostálgica, esto se
convierte en una muestra de las habilidades de Ford como director.
Cuando la película se estrenó, el 28 de octubre de 1941, recibió extrañas
revisiones. Variety la llamó “un superlogro”. The Chicago Readerr dijo que
era “una experiencia cinematográfica extraordinaria” y Time aseguró que
era “un crédito del director Ford”. El público estuvo de acuerdo y lel filme
ganó más de seis millones de dólares, convirtiéndose en la que más
ENERO 2018 69
 La bella Angharad
(Maureen O’Hara) se
casa con Iestyn
Evans (Marten
Lamont), pero no lo
ama / El director
John Ford ganó uno
de sus cuatro Óscar
por How Green Was
My Valley / El póster
original; Zanuck
quería que el filme
fuera tan exitoso
como Gone With the
Wind / La mina
“galesa” basada en
Gilfach Goch,
recreada en las
montañas de Santa
Mónica.

ganancias obtuvo ese año para 20th Century Fox. Sin embargo, mientras
Ford y Zanuck disfrutaban el éxito de su película, el hombre que después se
convertiría en su más grande rival en los premios de la Academia de 1942
estaba viviendo una etapa confusa con su película.
El debut de Orson Welles, El ciudadano Kane, había ttambién
revisiones positivas, pero había cau o me menor impacto en los cines: sólo
$1.6 millones d re
res. N
No sólo porque muchos no la exhibían, pues los
dueños
du ñ se rindieron a los deseos (y amenazas) del magnate de los medios
William Randolph Hearst, de quien la película se trataba parcialmente.
Hearst había ordenado a su periódico no cubrir la cinta en lo más mínimo,
pero ello no evitó que se enfocaran en el mismo Welles; lo acusaron de
comunista y, más adelante, Welles habló del conocido intento de un
ganar, él se quedó en casa co
onvencido de que tampoco ganaría. Sólo se
enteró de su única victoria un Óscar por la radio.
Durante los sd
días se rumoraba que El ciudadano Kane se
ía m cido más. Variety la llamó “el enigma más grande en la votación”
y reportó que la culpa era de los “seis mil” miembros de los sindicatos de
extras. Su artículo terminó diciendo: “La multitud prefiere un tipo común
y corriente a un genio”. Pero el escritor y biógrafo de la revista Life, Richard
Meryman, lo resumió mejor en su libro Mank: The Wit, World, and Life of
Herman Mankiewicz: “A excepción de su premio como autor, la Academia
excomulgó a Orson Welles”.
odo esto nos dice por qué El ciudadano Kane no pudo ganar el

reportero de una publicación de Hearst de tenderle una trampa,
escondiendo a un niña de 14 años en el clóset de su cuarto de hotel y
engañando a los fotógrafos para entrar al cuarto a tomar imágenes de ella
con Welles ‘juntos’. A Welles se le advirtió a tiempo y escapó de la ciudad.
A pesar de todo, Welles fue compensado cuando se anunciaron las
nominaciones al Óscar. Siendo productor, director, actor y escritor del
guion, Welles obtuvo cuatro de las nueve nominaciones de la película. Pero
el hecho de que la película sólo ganara Mejor Guion Original, un premio
que tuvo que compartir, dice mucho. Se decía que el público siseaba cada
vez que el nombre de Orson se leía durante la noche, aunque estos reportes
se cuestionaron. Verdad o no, el cineasta no era un hombre popular en
Hollywood. El tamaño de su contrato con RKO y la rimbombancia generada
cuando fue anunciado se encargó de esto, así como su negación a respetar
las jerarquías establecidas. ¿Quién se creía que era este joven arrogante?
Si su nombre fue siseado o no, fue algo que a Welles poco le importó esa
noche. Él no estaba presente. Se encontraba en Brasil filmando una película
de antología, It´s All True. Resulta que tampoco se encontraba el hombre
con quien compartiría el premio, el escritor veterano Herman J.
Mankiewicz. Tal vez temiendo que Kane no tenía buenas posibilidades de
T
principal reconocimiento en los decimocuartos premios de la
Academia, pero ¿qué hay de Qué verde era mi valle? ¿En realidad
merece estar listada al lado de La melodía de Broadway (de los
segundos premios) o El espectáculo más grande del mundo (de los
vigésimo quintos premios) como uno de los errores más grandes de los
Óscar? En su tiempo, con seguridad no se escuchó ninguna alarma.
Hablando del premio otorgado a Zanuck por Mejor película, Walter Wanger
la llamó “una película que le ha dado gran crédito a la industria y al
Comandante Ford, que fue quien la hizo, y a ti que la produjiste”.
Al término de la década de los 40 ya nadie hablaba de El ciudadano
Kane. Consignada a los archivos de RKO, su misterio central se resumió en
el notable libro The Film Till Now como “un chiflado Freud”, y la obsesión
de Welles con los aspectos técnicos de filmación fue criticada por costarle
los temas a la película.
Pero en 1972, el año anterior a la muerte de Ford, la moderna reputación
de El ciudadano Kanee se había establecido, llegó a lo más alto de la encuesta de
10 años de Sight & Sound por segunda vez, después de también ocupar el
primer sitio en 1962. Mientras tanto, en octubre del mismo año, el Screen
Directors Guild hizo un homenaje a Ford. Él tuvo que elegir una película de

70 ENERO 2018
 O R
R
E J D E
E
O
D
M
J
O
ME
L
LLOO
LAS OTRAS PELÍCULAS COMPITIENDO POR LA
RECONOCIDA CORONA DE MEJOR PELÍCULA EN 1942.
DE CORAZON A CORAZON
Drama de ficción acerca de Edna
Gladney (Greer Garson). Una
mujer que aboga por los
derechos de los niños ilegítimos
en Texas. Dato curioso: Esta
película marca el comienzo de
cinco nominaciones
consecutivas para Mejor Actriz
de Garson.
EL DIFUNTO PROTESTA
Un boxeador (Robert
Montgomery) muere y regresa a
toda su larga carrera para mostrarla esa noche. Pudo haber elegido La la tierra en otro cuerpo con una
diligencia, Un tiro en la nochee o muchas otras que aún mantienen alta estimaa segunda oportunidad de vida.
hasta hoy en día. Pero no lo hizo y eligió... Qué verde era mi valle. Estos dos Dato curioso: El cielo puede
acontecimientos, por supuesto, no están relacionados. Las películas ya no esperar, la película de Warren
competían para entonces y ya no deben de hacerlo. Como con muchas Beatty de 1978, es una
cintas categorizadas como rivales debido a los Óscar (desde Forrest Gum mp y adaptación de la misma obra.
Tiempos violentos hasta Danza con lobos y Buenos muchachos), lo único
que tienen en común es que se estrenaron en el mismo periodo de 12 meses. SI NO AMANECIERA:
Si Qué verde era mi valle no se hubiera demorado tanto, tal vez El ciudadano Un gigoló rumano (Charles
Kane habría triunfado. O tal vez el sentimiento contra Welles propiciaría Boyer) se casa con una
un voto masivo por otra producción y la controversia que la rodea hubi ra americana (Olivia de Havilland)
caído en otro de los nominados, El sargento York o Sospecha. para obtener la visa de Estados
Con certeza, nunca existió animosidad entre Orson Welles y John Unidos. Dato curioso: Escrita en
Ford. En una entrevista del escritor de películas Kenneth Tynan para colaboración con Billy Wilder, fue
Playboy en 1967, éste le pidió a Welles que nombrara a sus directores el último libreto que escribió,
americanos favoritos. Él respondió sin expresión con gran ingenio: “Loss pero no la dirigió porque se
viejos maestros. Con esto me refiero a John Ford, John Ford y John Ford”. enfureció cuando el director
El productor de películas y biógrafo Peter Bogdanovich más tarde repitiió Mitchell Leisen borró una de las
toda la frase de Ford: “Cuando Ford hace su mejor trabajo, te das una idea escenas.
de qué está hecha la tierra. Aunque el guion sea de Madre Machree”, un
comentario chusco a costa de una muy emotiva película muda de Ford de LA LOBA
1928. Dos días después, Bogdanovich recibió una llamada telefónica. Erra Acerca de una mujer sureña que
Welles. Ford le había enviado un telegrama que decía: “Querido Orson: alguna vez fue adinerada (Bette
Gracias por el cumplido. Firma, Mother Machree”. Davis) y que pelea con su familia
Si los dos protagonistas pudieron entenderse, no hay razón por la cual para asegurar su posición
esta inventada disputa deba continuar. Es simple: Qué verde era mi vallee no económica. Dato curioso: Se
es uno de los peores ganadores a Mejor película. Y sólo porque mucha gente volvió a estrenar en 1942 en un
prefiera El ciudadano Kane esto no la hace inmediatamente un mal film me. programa doble con El
Es muy buena. Incluso un clásico. Ponerlas a competir 75 años más tarde es ciudadano Kane, ya que la RKO
una práctica inútil. intentó recuperar de esta manera
Además El halcón maltés debió haber ganado. las pérdidas de la película de
Orson Welles.
EL HALCÓN MALTÉS
Película clásica de cine negro
protagonizada
por Humphrey Bogart como un
investigador privado, Sam
Spade, que es contratado para
localizar una estatua extraviada.
Dato curioso: Esta versión fue la
tercera adaptación de la novela
de Dashiell Hammett, todas
realizadas una década después
de la otra.
UN PIE EN EL CIELO
Una biografía del predicador
William Spence (Frederic March).
Dato curioso: Al escritor del libro
original, Hartzell Spence (hijo de
William), se le acredita por
inventar el término “pin-up”,
acerca de las fotografías o
imágenes famosas por ser
llevadas por los soldados en la
guerra.
EL SARGENTO YORK:
Acerca de un héroe de la
Segunda Guerra Mundial, Alvin
York, protagonizada por Gary
Cooper, quien ganó el Óscar a
Mejor Actor. Dato curioso:
Gracias al ataque a Pearl Harbor,
fue la película que generó más
ingresos en 1941.
SOSPECHA
De Alfred Hitchcock y en la que
Lina (Joan Fontaine) se escapa
con un mujeriego millonario (Cary
Grant) sólo para descubrir que es
un impostor y que tal vez intenta
matarla. Dato curioso: Joan
Fontain ganó por Mejor Actriz y
es la única actuación ganadora
de un Óscar de una película de
Hitchcock.
ENERO 2018 71
72 ENERO 2018
 ¿ Q U É N E C E S I TA S ? ¿V E R P E L Í C U L A S E N
4 K ? ¿ H AC E R ST R E A M I N G ? ¿V E R S E R I E S ?
¿ S U R F E A R I N T E R N E T PA R A V E R V I D E O S ?
¿ J U G A R V I D E O J U E G O S ? ¿T E PA R E C E N
D E M A S I A DA S P R E G U N TA S ? ¿ P R E F E R I R Í A S
A LG U N A S R E S P U E STAS ? S I G U E L E Y E N D O .
POR MANOLO GARCÍA

73

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74 ENERO 2018
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televisores de LG, ésta utiliza el sistema
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ENERO 2018 77
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78 ENERO 2018
 ESPE

EPISODIO 2

G E O R G E LU C A S N U N C A P E N SÓ Q U E H U B I E R A V I DA F U E R A
D E L A S AG A O R I G I N A L D E STA R WA R S , P E R O L L E G Ó D I S N E Y
A D E M O ST R A R LO C O N T R A R I O C O N L A P R I M E R A E N T R E G A
D E S U A N TO LO GY, E N 2 0 1 6 .
POR JACQUELINE WAISSER ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

80 ENERO 2018
ENERO 2018 81
ESPECIAL

EPISODIO 2

espués de haber desembolsado cuatro billones de

dólares por Lucasfilm era lógico que Disney
quisiera exprimir su adquisición lo más posible,
y eso significaba expandir el universo Star Wars.
Así, la nueva presidenta de Lucasfilm, Kathleen
Kennedy, anunció que además de la tercera
trilogía se lanzarían cintas standalone; es decir,
que se sostuvieran solas sin apegarse a los
cánones de la historia oficial de la saga. Llamó a
esta división Anthology, que no es más que un
nombre sofisticado para referirse a lo que
terminan siendo spinoffs.
La idea era jugar con diferentes géneros
cinematográficos y tesituras utilizando como
escenario el cosmos de Star Wars. Así habría escritores y creada por Kennedy con la consigna
posibilidad de hacer un filme más cargado hacia de mantener la mitología, línea del tiempo y tono
la acción, el horror, la guerra o con tintes de todo lo relacionado con la marca. Ahí surgió el
cómicos según se prestara el personaje y el tema. primer borrador del guion.
Rogue One fue la primera de estas cintas unitarias. Evidentemente la aprobación de este
proyecto tuvo un trasfondo económico: generar

ENUNAGALAXIANOTANLEJANA
Con el estreno de The Force Awakens, Disney
constató que era capaz de llenar los zapatos de
George Lucas, incluso casi mejor que el propio
director. Los dos billones de dólares generados
en taquilla fueron un gran indicador de lo que
podían esperar para la siguiente película si
movían bien sus fichas.
La historia detrás de la historia cuenta que,
10 años previos a la realización de Rogue One, a
John Knoll, creativo de ILM, se le ocurrió la idea
de un spinoff al ver los créditos iniciales de A New
Hope donde se hace mención que “espías
rebeldes lograron robar los planos secretos de la
máxima arma mortal del Imperio, la Estrella de la
Muerte”. Esa simple línea se convirtió en la
premisa de la cinta: narrar los sucesos que
ocurren justo antes de que la princesa Leia reciba
dichos planos.
Bajo la nueva administración de Disney, y
aún empleado por ILM, Knoll reemprendió su
iniciativa de dar vida a tal relato. Fue así como se
integró al Story Group, una especie de incubadora
de historias de Star Wars conformada por
contenidos nuevos para alimentar la franquicia
en sus diferentes divisiones: llámese libros,
cómics, animaciones, videojuegos, juguetes,
etcétera. Pero también obedecía al deseo de dar
servicio a los fans y a la necesidad de los creativos
de Lucasfilm por seguir innovando.
LAGÉNESISDEUNAREBELIÓN
Con Anthology se abría una puerta para
experimentar como nunca antes. Al ya no tener
que restringirse a los decálogos starwarianos: las
reglas del juego se ampliaban.
Desde un principio los productores tuvieron
claro que querían hacer una obra más oscura y
atrevida, sobre todo porque el tema principal —la
guerra— lo exigía. El look and feel sería similar al
de una cinta bélica de la Segunda Guerra
Mundial. La narrativa giraría en torno a la
Alianza Rebelde, un grupo variopinto de
marginados, intentando asestarle un gran golpe
al Imperio e impedir la concreción de su estación
espacial asesina; en pocas palabras, un clásico
David contra Goliat. La improbable lideresa es
Jyn Erso, una forajida criada por Saw Gerrera,

82 ENERO 2018

cabeza de la facción radical de los rebeldes. Jyn es
secuestrada por las Fuerzas Aliadas porque la
consideran el único medio para llegar hasta
Gerrera, quien tiene cautivo a un piloto imperial
desertor con un mensaje de parte de Galen Erso,
papá de Jyn y científico responsable de diseñar
La Jyn de Felicity íntegramente la Estrella de la Muerte.
Jones / El director y Al mando del operativo urdido por la
su elenco Resistencia está Cassian Andor, cuya meta final
planificando una es localizar a Erso y matarlo para evitar que
misión suicida / Los concluya el arma mortal. Por supuesto, las cosas
Stormtroopers son el dan un giro inesperado: Jyn debe convencer a un
ajonjolí de todos los puñado de rebeldes de que su padre es bueno y
moles. que vale la pena arriesgarse en una misión suicida
para dejar en las manos correctas los planos de la
dichosa arma.
Para contar este capítulo previo a A New
Hope se utilizó un tono sombrío y en ocasiones
desesperanzador; ultimadamente, los integrantes
de esta flotilla lo han perdido todo y han tenido
que comprometer su moral para sobrevivir.
Al estilo Game of Thrones, nadie está a salvo
de la muerte, por muy protagonista que sea.
Como se constata al final —spoiler alert—,
Edwards no se tienta el corazón. Incluso señala
que escribió dos finales, uno menos desolador,
pues dudaba que Disney aceptara su propuesta
inicial. Sorpresivamente se quedó su inclemente
y oscura visión que, de manera irónica, deja un
sabor de boca esperanzador, pues sabemos que el
heroísmo de la resistencia no es en vano.
HAZQUE10HOMBRESPAREZCAN100
Según declaró Kathleen Kennedy en la revista
Wired, entre sus primeras opciones de director
estaba Gareth Edwards. Con el colmillo de esta
legendaria productora sobra preguntarse qué le
vio al cineasta inglés, que si bien tenía en su
currículum la laureada cinta independiente
Monsters y el blockbuster Godzilla, tampoco era
un creador tan relevante. La intuición —y
habilidad cazatalento— de Kennedy funcionó.
A pesar de haber estado en la fase final del
rodaje de Godzilla y muy necesitado de un
merecido descanso, Edwards no dudó en aceptar
el trabajo: el inglés era fan irredento de Star Wars
desde niño y Lucas fue su inspiración para
convertirse en director.
La filmación comenzó en total secrecía, como
es costumbre en la etapa inicial de este tipo de
proyectos. Lo único que aseguraba Edwards era
que sería algo distinto a lo que acostumbrado,
mucho más rudo y menos convencional. Su reto
era hacerlo suficientemente distinto para que
resultara novedoso, pero no tnto como para que
se alejara del universo Star Wars y se convirtiera
en otra cosa.
Conforme a la tradición, ciertas partes se
rodaron dentro de un estudio en Reino Unido,
mientras que para otras se dieron rienda suelta
con las locaciones: Islandia para Eadu, Jordania
para Jedha e Islas Maldivas para Scarif, por
mencionar algunas.
Edwards insistió en utilizar efectos físicos
por encima de digitales, dejando estos últimos
sólo para escenas muy puntuales, corrección y
realce de imagen. Lo anterior con el propósito de
emular el estilo visual de la trilogía original que,
cronológicamente, se sitúa justo al término de
Rogue One. También para preservar la calidez que
conlleva interactuar con un personaje en vivo
versus uno digital.
Así que los actores tuvieron una experiencia
más vivencial y “old school” que lo habitual para
una película de acción contemporánea. Se les dio
la oportunidad de reaccionar a los elementos
reales, como criaturas y explosiones, en vez de
estar delante de una pantalla verde.
Si bien la confidencialidad imperó durante el
rodaje, hubo un dato que se filtró y sobre el cual
capitalizó la prensa: los rumores de los roces que
Edwards estaba teniendo con el estudio. Se
especulaba que Lucasfilm estaba tan a disgusto
con el trabajo de Gareth, que habían contratado
al director Tony Gilroy para hacer reshoots e
involucrarse en la edición. Tanto Kennedy como
Edwards lo desmintieron, alegando que se
trataba de un trabajo colaborativo y que siempre
estuvo previsto tener un director auxiliar para las
tomas secundarias, una práctica bastante común
en producciones de esa magnitud.
ENERO 2018 83
ESPECIAL

EPISODIO 2

LA FUERZA ESTÁ CONMIGO Y SOY

UNOCONLAFUERZA
Como si respondiera al espíritu de los tiempos
políticamente correctos e incluyentes, se
contrató a una ecléctica mezcla de actores. De tal
suerte, en la cinta se escucha una sinfonía de
acentos. El elenco central se conformó por una
inglesa, un mexicano, dos chinos, un inglés-
pakistaní, un australiano y un danés, además de
los estadounidenses.
Resultó en especial sorpresivo y
emocionante que uno de los nuestros estuviera
incluido en la lista, y no de forma menor. Diego
Luna sería Cassian Andor, sin temor a
equivocarse, el papel de más alto perfil que haya
tenido algún compatriota mexicano en una
producción de Hollywood.
Siguiendo la fórmula de The Force Awakens,
también habría una protagonista femenina. El
papel de la aguerrida Jyn Erso fue para la inglesa
Felicity Jones.
Estos dos antihéroes organizan a su grupo de
outsiders para una misión no imposible, sino
suicida. El escuadrón lo conforman Chirrut Îmwe
(Donnie Yen), un monje de Jedha ciego que “ve”
mejor que la mayoría, y su inseparable Baze
Malbus (Jiang Wen), un mercenario cínico que ha
perdido la fe en la Fuerza. También figuran Bodhi
Rook (Riz Ahmed), el expiloto imperial y
portador del mensaje secreto de Galen Erso
(Mads Mikkelsen), quien además asiste con su
conocimiento del enemigo y sus grandes
habilidades de vuelo.
No puede existir una historia de Star Wars
sin un androide de por medio, y en este caso es
K-2SO (interpretado en motion capture por Alan
Tudyk), un droide imperial reprogramado por
Andor. Sarcástico, sin filtro, abrasivo y con humor
negro, Kaytu es la antítesis del educado y
aprensivo C-3PO. El altísimo robot no sólo ayuda
a Cassian y Jyn a robarse los planos de la Estrella
de la Muerte, sino que se roba la película entera.
En el bando de los villanos está el Director
Krennic (Ben Mendelsohn), responsable de
supervisar el proyecto de la Estrella de la Muerte.
Es él quien más le aporta ese sabor de Segunda
Guerra Mundial con su aspecto y
comportamiento de dictador fascista. Incluso, la
escena inicial, en la que Krennic arriba a Lah’mu
con sus Deathtroopers para obligar a Galen a que
regrese a trabajar para el Imperio y donde
termina escapando la pequeña Jyn, tiene
reminiscencias en tono y tensión con aquella
secuencia de Inglorious Basterds en la cual el
comandante nazi Landa interroga al lechero
francés y culmina con el escape de Shosanna.
Pero Krennic no se manda solo: desde luego
tiene que reportarle al Grand Moff Tarkin y a
Darth Vader.
Para “revivir” a este último villano setentero
no hubo problema, gracias al anonimato que da el

84 ENERO 2018
traje y a que James Earl Jones tenía aún la
disposición para prestar su voz. Sin embargo, con
Tarkin fue otra historia, dado que quien lo
interpretó, Peter Cushing, falleció en 1994. Con el
consentimiento de la familia del finado actor
inglés se decidió recrear digitalmente al
personaje, echando mano de pietaje antiguo y del
trabajo en motion capture del actor Guy Henry,
quien tiene similitudes faciales con Cushing.
Este fue uno de los pocos casos de la cinta en
los que se dependió fuertemente de efectos
digitales. El resultado fue dispar: se logró cierto
grado de realismo, pero la naturaleza virtual del
personaje se nota en los ojos con expresión de
“mirada muerta” y la textura cerosa de la piel.
Esto acarreó toda una serie de cuestionamientos
éticos en torno a las implicaciones de utilizar la
imagen de una persona muerta. Cabe señalar que
se usó la misma técnica para el cameo final de la
princesa Leia, pues a pesar de que Carrie Fisher
aún vivía entonces, se le tenía que mostrar de 19
años. La actriz noruega Ingvild Deila prestó su
cara y movimientos para lograrlo.
lograrlo
Jones y Luna en reta
de “Miradas
Magnum” / Ben
Mendelsohn en su
pose de villano / Ojos
que no ven...
Lo que diferencia a los personajes de Rogue
One con los de las trilogías y los hace más
intrigantes es que sus posturas en cuanto al bien
y el mal no son tan maniqueas. No se les puede
encasillar en las categorías de blanco y negro
puesto que han tenido que burlar su compás
moral para subsistir y luchar por su causa. Eso
incluye mentir, asesinar y traicionar.
Un ejemplo claro es Saw Gerrera, un líder
rebelde que ha llevado su ideología al extremo y
que se ha separado del resto de las fuerzas de
resistencia. Para interpretarlo se eligió a Forest
Whitaker quien, de por sí vestido de civil tiene un
físico intimidante, ya caracterizado como Saw, ni
se diga. Cuando Jyn lo enfrenta años después de
que la abandonara como adolescente
entendemos que, si bien sus formas no han sido
las más adecuadas, sus motivos llevan una buena
intención implícita.
LAS REBELIONES SE CONSTRUYEN
DEESPERANZA
Rogue One logró amasar mil millones de dólares
en la taquilla mundial. Si eso no fue un muestra
de aceptación, entonces no sabemos qué sea… al
menos en lo que a fanáticos respecta. En cuanto
a la crítica, ahí hubo menos consenso. Desde los
que opinaron que cumplió su trabajo a secas
hasta los que la tildaron de innecesaria e
irrelevante, pasando por los que la alabaron por
su originalidad sin pretensión. Las críticas
negativas señalaban que sólo era un vehículo
para hacer dinero aprovechándose de la
nostalgia de los seguidores, que los personajes no
eran tan carismáticos como Rey o Finn (y mucho
menos como Leia o Han Solo) o que nada más los
últimos 40 minutos valían la pena.
En contraparte, se elogió no haber cosificado
a Felicity Jones ni haber caído en estereotipos
femeninos. Se consideró una película “puente”
bien lograda para dar paso a A New Hope, pero
sobre todo, hizo latir con fuerza los corazoncitos
de los espectadores al ver a Darth Vader
desenfundar su sable de luz y a Leia enunciar la
palabra “hope”.
Incluso hubo interpretaciones de que en la
cinta había un mensaje velado anti-Trump. Con
el desasosiego y división de las elecciones
estadounidenses aún colgando en el aire, al
menos algunos así lo quisieron leer.
Por obvias razones no es factible contemplar
secuelas en las que participen los personajes de
Rogue One. Para aquellos que se quedaron con
ganas de saber más sobre el final está la novela
Inferno Squad, que trata sobre el intento del
Imperio por redimirse ante su derrota y pérdida
de la primera Estrella de la Muerte.
El siguiente proyecto confirmado de la
división Anthology es la película Solo: A Star
Wars Story. En fase de preproducción y sin
detalles claros, se habla de cintas sobre Boba Fett,
Obi-Wan Kenobi y Yoda.
ENERO 2018 85
 STAR WARS: THE LAST JEDI COMENZÓ CON HAN SOLO MUERTO Y
TODO PINTANDO BASTANTE MAL. EMPIRE HABLÓ CON LA INTRÉPIDA
BANDA DE HÉROES QUE DIO LA VUELTA A LAS COSAS.

POR JAMES DYER ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

86 ENERO 2018
ENERO 2018 87
ESPECIAL
EPISODIO 2
“AMÉ A CARRIE, PERO ERA
exasperante. De muchas formas era
de verdad como una hermana: ¡me
volvía loco!”, afirma Mark Hamill.
Hamill recuerda con afecto
anécdotas de “correr en la Estrella
de la Muerte, dándonos golpes y
haciéndonos bromas”. Hay un aire
nostálgico en sus recuerdos pero
termina con una sonrisa cuando
habla de sus peleas de hermanos.
“Ella era muy especial. Cuando
George nos llevó aparte y nos dijo
en Jedi que la princesa Leia era mi
hermana, fue: ‘¡Wow! ¿Eso significa
que Luke es de la realeza?’. Carrie
de inmediato ladró que no. Estaba
inamovible en ser la única. Y yo
dije: ‘Ok, sólo fue una pregunta’”.
La muerte de Fisher en
diciembre de 2016 dejó un hueco
en la familia Star Wars, sin
mencionar cuestiones narrativas
para Episode IX. Con otro guionista
y director, incluso The Last Jedi
tuvo que lidiar con su dosis de
88 ENERO 2018
problemas de continuidad. Hamill
recuerda cuando leyó el guión por
primera vez en 2015 y llamó a Rian
Johnson por lo que, él insiste, era
una gran inconsistencia.
El Luke que Johnson escribió
para Episode VIII no era el hombre
que recordamos de hace 30 años.
Cambió su atuendo tradicional por
una parka Jedi (“Había muchos
escalones en Ahch-To; las sotanas
eran imprácticas”), y Luke vivía
como ermitaño. Aunque eso no
significa que hubiera renunciado del
todo a sus derechos de realeza.
“Los príncipes William y Harry
visitaron el set un día y les dije:
‘Miren, mi padre es lord Vader, mi
madre es la reina Amidala, mi
hermana es la princesa Leia. ¿No
me convierte eso en realeza?’.
William dijo que sí pero Harry no
estaba tan seguro. Y yo pensé:
‘Maldita sea. Si ambos hubieran
dicho que sí, se lo habría
restregado a Carrie’”.
DAISY RIDLEY PASÓ SEIS MESES en un tren
con el mejor detective del mundo pero nunca
contó secretos de The Last Jedi. Ni los
interrogatorios de Hercule Poirot y las
coestrellas de Murder on the Orient Express,
Josh Gad y Judi Dench, lograron arrancarle las
respuestas. A EMPIRE, debemos decir, le fue un
poco mejor.
“Estoy… consciente de las cosas”,
concede. “Pero que te digan algo fuera de
contexto en el set no es lo mismo que cuando
es revelado propiamente. A lo que me refiero es
que te pueden decir que alguien tiene un zapato
rojo pero cuando ves el zapato rojo es… No,
espera, esa es la peor analogía del mundo.
Mira, la respuesta corta es que sí, sabía las
respuestas, pero hay muchas maneras de hacer
las preguntas”.
Y vaya que hubo preguntas. Empezamos
con Rey justo donde The Force Awakens la por un ataque de agotamiento, Ridley volvió a
dejó: con el sable de luz en la mano y el brazo meterse en su papel para conocer a Hamill
extendido. Pero, ¿a dónde fue desde allí? Tras como Rey hace con su alter ego Jedi.
involucrarse en eventos que la sobrepasaban en “Estaba muy nerviosa porque me toma un “¿QUÉ HARÍA JOHN BOYEGA?”. Ese era el
The Force Awakens (“¡La única decisión que tiempo sentirme en sincronía con gente nueva”, eslogan en la playera de Kelly Marie Tran en la
tuvo fue mantener a salvo a BB-8!”), a Rey se le nos cuenta. “No son Rey y Finn en una aventura Star Wars Celebration de 2017 —y el mantra que
concedió conquistar su propio destino. Eligió con Han Solo: de pronto es Rey en una isla con se repetía diariamente en el set—. Para la novata
buscar a Luke Skywalker y pedirle que la guiara, Luke y todo eso nuevo que está explorando”. de Star Wars, Boyega era una gran influencia:
así que también decidió qué pasa después. “Todo eso nuevo” fue algo que no contó después de todo, el chico de 25 años que era
Luego de filmar —y ver— Episode VII (“Es la culminación de eventos que son poco conocido por Attack the Block, estelarizó
(“Nunca me había visto a mí misma en una sorprendentes. ¿Es eso lo bastante vago?”) y The Force Awakens y terminó 2015 como una de
película; estaba clavada en lo terrible que yo no hubo manera de sacarle la sopa, ni siquiera las estrellas de cine más brillantes.
era”), Ridley regresó a las laderas musgosas de cuando le hicimos ojitos suplicantes de porg. “Nunca se vuelve normal. Como no lo hago
la isla Skellig Michael para los primeros días de diario y casi siempre estoy en casa pasando
rodaje de The Last Jedi. Tras sacar el rato, fue surrealista regresar a la locura de
sus entrañas en su visita anterior Star Wars. A lo que me refiero es que el otro
día fui al súper por un antojito. Eso para mí es
normalidad”, reflexiona Boyega.
Con The Last Jedi la locura comenzó de
nuevo, emparejándolo con Tran cuando el dúo se
embarca en una aventura que los lleva de las
salas de juego de Canto Bight a más allá de las
LA VICEALMIRANTE AMILYN para chicas, lo cual era muy líneas de la Primera Orden.
HOLDO (Laura Dern) es un extraño en los 70”. “Finn ve mucho de sí mismo en Rose,
contraste vibrante en la paleta Cuatro décadas después, mientras ella trata de descifrar cuál es su lugar en
otoñal de los demás insurgentes de cuando de la nada recibió una todo eso. No es una soldado, no es una piloto y
la franquicia. Su cabello violeta y llamada de Rian Johnson, Dern ni ni siquiera sabe qué puede aportar a la lucha, y
túnicas de diosa griega son un siquiera dudó. Sin guion, bosquejo eso es algo con lo que él se identifica. Rose es
homenaje a Madame Grès, la o idea de lo que iba a hacer, la una fan absoluta de Finn. Eso da un giro
modista de los 40 a quien llamaban histrión aceptó el papel de la interesante entre más cercanos se vuelven”,
“Esfinge de la moda”. almirante Holdon. ¡Era Star Wars! agregó el actor.
Pero no es sólo su estilo ¿Qué otra cosa podía pedir? Curado de la herida que le ocasionó el sable
revolucionario chic lo que hace Dern admite haber estado de Kylo Ren debido a un baño bacta, Finn no
resaltar a Holdo. La almirante es obsesionada con la franquicia de está limitado a su desgastada chamarra de vuelo
una fuerza disruptiva en la Lucas desde siempre. esta vez, ganándose un uniforme prístino y
Resistencia y una espina en el Incluso para una actriz de su regresando a los rangos enemigos, disfrazado de
costado de la general Leia Organa. calibre, convertirse en parte de este lugarteniente de la Primera Orden.
Aunque por su parte, Dern está universo fue más de lo que podía “Voy de incógnito”, nos confiesa, agregando
encantada de que la hayan dejado procesar. con un gesto teatral: “¡No le digan a nadie que
cruzar el umbral. “¡Estar en el set con Luke y soy yo!”.
“Vi Star Wars en el Cinerama Leia fue una locura! Estar en las Pasar desapercibido entre una multitud es
Dome de Hollywood cuando tenía locaciones y que Rian Johnson me una habilidad que pronto ya no poseerá ahora
10 años. Nunca había habido algo dijera: ‘Oye, Laura, ¿ya conociste a que Star Wars llegará a la entrega 11. ¿Y si se
como eso. Jamás. Y lo más Chewbacca?’; fue como: ‘¿Me vuelve demasiado reconocido como para ir por
sorprendente es que no se sentía estás tomando el pelo?'. Y luego su antojito al súper? ¿Qué haría John Boyega?
como una película de ciencia Chewbacca me dio un abrazo. “No lo sé, ¿entiendes? No lo sé”.
ficción. Era una historia muy Todo esto ha sido un sueño de
humana tanto para chicos como principio a fin”. NO TEMAS, PÁSATE AL LADO OSCURO

ENERO 2018 89
ESPECIAL
EPISODIO 2
HAY PECADOS TAN OSCUROS
que ninguna penitencia los borra.
Tortura, traición, conciertos de
Justin Bieber... El momento fatídico
de Kylo Ren fue cuando atacó con
un sable de luz al truhán más
querido de Star Wars. No hay nada
en la galaxia que pueda permitir la
salvación del hombre que asesinó a
Han Solo.
“Lo sé”, confirma Adam Driver,
con un gesto de arrepentimiento.
“¡Era Han Solo! Fue conmovedor
ser tan fan de esas películas y
procesar lo que significaba”. Kylo
Ren —Ben Solo— asesinó a su
padre clavándole un sable en las
entrañas y lanzando su cuerpo al
abismo. “Esa escena me puso los
nervios de punta pero la sensación
en el set era muy cálida, como uno
de esos momentos que te une a
alguien, aunque el acto fuera
despiadado y a sangre fría”.
Kylo dio así los últimos pasos
rumbo al Lado Oscuro, cortó con
sus lazos filiales a cambio del abrazo
de su padre sustituto, Snoke. Pero si
Return of the Jedi nos enseñó algo
es que nadie está más allá de la
redención. Para Driver, aun en su
punto más oscuro, Ren es más de lo
que sugiere su agenda del mal.
90 ENERO 2018
“Nunca pensé en él como
villano, ni siquiera cuando filmamos
la primera”, comparte, “porque, ¿qué
significa eso en realidad? La gente
no piensa en sí misma como villana.
Creen tener la razón y cuando se
sienten moralmente justificados no
hay límite de hasta dónde puedan
llegar. Eso es más peligroso y mucho
más emocionante”.
Bajo el exterior volátil de Ren,
Driver le dio al personaje una
humanidad frágil, algo que Vader
—excepto en sus últimos
momentos— nunca manifestó del
todo. El resultado es el antagonista
con más capas de Star Wars, y el
más creíble hasta ahora: un hombre
muy poderoso y temperamental a
quien se le dan los berrinches
adolescentes. ¡Vaya! Hasta
podríamos llamarlo Darth Trump.
“Darth Vader está por completo
comprometido; a mí me daba
curiosidad iniciar con alguien que
estuviera menos seguro, que
dudara de sí mismo”.
La naturaleza real de Kylo, una
historia de trasfondo que se omitió
deliberadamente del VII, se volvió
frontal en The Last Jedi. Para Ren,
tanto figurativa como literalmente,
la máscara saldrá para siempre.
“HAY ALGO DEFINITIVAMENTE psicótico sobre
Snoke”, nos explica Andy Serkis, el avatar
humano de la figura más malvada de la galaxia.
“No hay límites a la fuerza que usará para
alcanzar sus metas, pero creo que además lo
disfruta. Es un líder perfecto, que se adora a sí
mismo y es muy narcisita”. ¿Acaso te recuerda
a alguien?
Lo vimos como holograma gigante en The
Force Awakens, pero Snoke hizo su debut
corporal en Episodio VIII. Todo un contraste con
el antiguo Emperador, Snoke no se anda con
sotanas negras, prefiere una combinación de
kimono de hojas de oro y sandalias papales.
Después de todo, si vas a subyugar a millones
de mundos bajo tu mandato déspota, más vale
que te veas bien, aunque este no es un caso
donde las vestimentas hagan al hombre.
“Snoke es malditamente oscuro; es mucho
más oscuro que Palpatine”, confiesa Serkis.
“Está plagado de osteoporosis así que su
cuerpo es retorcido como un sacacorchos. Está
muy dañado, así que hay cierta vulnerabilidad
en él, pero bajo esa vulnerabilidad, existe un
odio intenso”.
A lo largo de los últimos tres años, Serkis
ha esquivado cientos de teorías acerca del
origen de Snoke, sonriendo estoicamente al
escuchar cada una.
¿Es el padre biológico de Anakin? ¿El sabio
Darth Plagueis? ¿Los restos retorcidos del
mismísimo Palpatine? Serkis, quien este año
llegó a Comic-Con con un botón que decía: “¡Tu
teoría sobre Snoke apesta!”, se las sacudió
todas.
Sin que Kylo Ren sea por completo su
“criatura” (“Snoke lo manipula contra Hux para
apretar las tuercas. Hay una crueldad muy real
en su paternalismo”) y la Resistencia huyendo,
la estrategia del Líder Supremo al fin vio sus
frutos.

ARMITAGE HUX, el general de la Primera Orden,

CON CASINOS
PALACIEGOS y
apostadores
impecablemente vestidos, la ciudad
de Canto Bight es la personificación
del lujo en Star Wars, pero bajo los
cocteles y las capas de piel de
wampa hay un lado de mala muerte
que el apostador promedio nunca
ve. El bajo mundo cantónico
alberga a criminales de todo tipo,
desde ladrones hasta asesinos,
contrabandistas y padrotes que
operan al margen del lado de la luz
y del lado oscuro.
DJ (Benicio del Toro) es uno de
esos personajes, un cibercriminal
que ofrece sus servicios para quien
quiera saltarse las reglas y tenga
los créditos para pagarle.
“Pudo salir de una rola de Bob
Dylan o de Tom Waits, o hasta de
una novela de Dostoyevsky. Tiene
algo de Dickens; siempre ha habido
figuras como él en todo tipo de
literatura”, nos dice.
Vestido por completo de negro
con un desgastado abrigo, un
bláster en el muslo y sombrero, DJ
irradia una sensación desagradable
bastante apropiada en ese mundo.
Es el tipo de figura que no parecerí
fuera de lugar en el puerto estelar
de Mos Eisley. Pero tampoco es
algo tan directo. Ladrón y canalla,
DJ es un rebelde en la gran
tradición Star Wars y, como un
slicer experto —el equivalente de
un hacker—, resulta ser el
descifrador de códigos más
eficiente de la galaxia —como un
Alan Turin interestelar—. Es un
aliado útil, especialmente si, como
Finn y Ross, planeas infiltrarte en
una base de la Primera Orden.
“Es un personaje turbio, pero
depende de cómo te le acerques”,
cuenta del Toro con una sonrisa.
“Es como un cuchillo: si lo agarras
de la hoja te cortará, pero si lo
agarras del mango puede ser muy
útil”, explica.
es lo más cercano al desprecio humano, lo cual
es evidente en cada mirada que nos echa cuando
entrevistamos a un inusualmente frío Domhnall
Gleeson. Eso es raro, y a media pregunta sobre la
política de la Primera Orden, nos cae el veinte.
“Lo siento. Pensé que estábamos aquí para
hablar de Goodbye Christopher Robin. He estado
esperando que me preguntes por Winnie The
Pooh”, nos dice con una mirada avergonzada.
Y así de rápido Hux es remplazado por un
Gleeson amable, feliz de contar de su villano.
“Mi fascinación con Hux fue crear uno de
esos papeles que los niños odian, de los que
desean que les pasen cosas malas, aunque no
puedes ser un patán siempre —eso sería un
error—. Pero en definitiva quiero que cuando un
niño la vea diga que quiere que me lastimen”.
El meticuloso oficial Hux es llamado por el
más patán de todos: el Líder Supremo Snoke.
“Debido a lo que pasó en la primera cinta, su
puesto está en peligro, y la gente toma malas
decisiones si se siente desesperada”, agrega.
“Hux y Kylo Ren compiten por poder y por la
atención de Snoke. Hux espera que Ren explote
para tomar el manto, pero sabe que es una
batalla que podría perder”.
Sólo espera a que Piglet se entere...
STAR WARS: THE LAST JEDI ESTÁ AHORA
EN CINES COMERCIALES.

ENERO 2018 91
 AUNQUE HARRISON FORD YA NO DABA PARA MÁS EN LA SAGA, MUCHOS
SENTÍAN UNA PROFUNDA PENA POR TENER QUE DECIRLE ADIÓS
AL PERSONAJE DE HAN SOLO. POR ESO, LA SEGUNDA ENTREGA
DE LA TRILOGÍA INDEPENDIENTE DE STAR WARS HA ENLOQUECIDO
A LOS FANS, TODAVÍA MÁS ALLÁ DE LO HABITUAL. Y ESO ES DECIR MUCHO.
POR SUSANA MOSCATEL ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

92 ENERO 2018
ENERO 2018 93
ESPECIAL
EPISODIO 2
asta ahora la mejor fuente de información para
los fans ha sido el director Ron Howard, quien se
está dando la divertida de su vida soltando pistas
crípticas en sus redes sociales. Interesante,
considerando que es una película que
originalmente él ni iba a dirigir.
Es la tan esperada precuela que promete
contestar muchas de las incógnitas del perfecto
chico malo del espacio: Han Solo. La segunda
cinta, que independientemente de las trilogías de
Star Wars, retoma personajes o circunstancias
de aquellos universos para llevarnos a mundos
que antes sólo podíamos imaginar.
¿PORQUÉHANSOLO?
Desde que se anunció el proyecto, después de
muchísimos rumores, la presidenta de Lucasfilm,
Kathleen Kennedy, hablaba ya de un “western
espacial”. Esto tiene mucho sentido si nos damos
cuenta que el adorable contrabandista, el
“gandalla de buenos sentimientos” que
interpretó desde entonces Harrison Ford, es
simplemente la continuidad del perfecto
antihéroe norteamericano que luego de la
Segunda Guerra Mundial se apoderó de las
pantallas de cine. Así nació el prototipo del
hombre que todos querían ser y, más grave aún,
aquel con el que todas queríamos estar —aunque
así nos iba a acabar yendo, ¿verdad, Leia?—.
Pensemos en un John Wayne, en el cine
estilo John Ford, donde los “buenos” siempre
salvan la situación y los “malos” tarde o
temprano reciben su castigo. Pensemos también
en ese hombre rudo pero encantador que al final
termina haciendo lo correcto, aunque sus
motivaciones originales no siempre fueron las
mejores. Bien, pues es muy posible que por fin
conozcamos más a fondo las motivaciones que
siempre impulsaron a ese hombre que, a pesar de
ser el aventurero peligroso, sin “nada que
perder” y siempre con un toque de humor, acaba
siendo el héroe —y besando a la princesa—.
Ese hombre que seguimos, que tan bien
interpreta Harrison Ford —lo hace una y otra vez
también como Indiana Jones—, siempre apelará
a nuestra naturaleza humana.
94 ENERO 2018
“¡A que pensaron que
había muerto!
¡Babosos! ”,
dice Han Solo /
Ron Howard y unos
funcionarios menores
del Imperio /
El director no pierde
la oportunidad de
alimentar su cuenta
de Instagram / El
Chewbacca no
envejece.
En otras palabras, Han Solo y su propia
película no es sólo una consecuencia de nuestra
historia colectiva. Es quizás un profundo deseo
de entender cómo llegamos a ser quiénes somos
y por qué anhelamos lo que anhelamos.
OK, PERO ¿QUÉ SÍ SABEMOS DE
LAHISTORIA?
Poco aún. Estos secretos parecen ser los únicos
que realmente no saben las compañías que
coleccionan nuestros datos o la NSA. Pero
Lucasfilm y Disney van soltando migajas de pan
que ponen a los fans a discutir, alucinar y gozar
semanas enteras. Todo al ritmo del perfecto reloj
de la mercadotecnia.
Por ejemplo, si le hacemos caso al Twitter
del director sabemos oficialmente lo siguiente:
habrá momentos de “peligro y desesperación”.
Algún tipo de aterrizaje forzoso y mucho polvo
—pero eso describiría cualquier cinta de Star
Wars—. Si nos dejamos guiar por la productora,
será un western espacial donde conoceremos la
historia original de uno de los personajes más
icónicos de la historia del cine. También que, de
la misma manera que lo fue Rogue One, esta cinta
ya es considerada como una más “de origen”.
Nos contarán cosas respecto a cómo es que
Han Solo se convirtió en ese hombre que
merodea por el espacio viendo cómo sacar
ventaja del prójimo y probablemente veremos su
relación con quien acabará siendo su mentor —
todo indica que ese mentor será Beckett,
interpretado por Woody Harrelson— lo que
explicaría muchos de los malos hábitos del
futuro héroe.
 Por supuesto, la amistad con su inseparable
amigo del planeta Kashyyyk, mejor conocido
como Chewbacca, tiene que ser parte de esta
narrativa. Sabemos que el Wookiee estará ahí,
sin duda. Lo que desconocemos es cómo se dará
ese encuentro y francamente es una de las cosas
que más emocionan de todo el asunto.
Hay algo más que sabemos y viene directo
del universo de Star Wars Tales, de Dark Horse
—fans de los cómics, regocíjense—. Parece un
hecho que de alguna manera u otra aparecerán
Tag & Bink. “¿Quiénes?”, nos preguntaremos los
que no somos miembros elite de la Galaxia en
cuestión: son dos personajes de naturaleza un
tanto cómica que aparecieron en cuatro de las
historietas derivadas de estos universos y que
también hicieron presencia en la pantalla chica,
después de un rato ya como personajes de culto.
Para que vean la profundidad de los datos
que emocionan a los más auténticos seguidores
de la saga, les puedo contar que estos personajes
en sí son una reinterpretación de la obra
Rosencrantz y Guildenstern han muerto, del
dramaturgo Tom Stoppard.
Quizás es demasiada información para quien
no suela ir a la Comic-Con o la D-23, pero lo que
sí puedo decirles es que no necesitan conocer
toda la mitología para gozar de lo que Howard ha
prometido que ocurrirá con ellos. Y también que
éste fue uno de los retos más importantes para el
director emergente.
Pero algo que sí causó mucha paz, nos
aseguran para los despistados, es que Tag & Bink
nada tienen que ver con los antepasados de un tal
Jar Jar Binks, por más cacofónicos que suenen
sus nombres. Respiren.
DIFERENCIAS CREATIVAS: LOS
DIRECTORES
Hollywood sabe que sólo tendrá a sus Spielbergs,
Lucas, Scorseses e incluso Eastwoods por un
rato. Ellos mismos se han dedicado a buscar
entre los más originales y talentosos directores
jóvenes a aquellos que tomarán sus lugares.
Un caso evidente es el de J.J. Abrams, quien
ya está en la cumbre y caminando solo, pero no
son muchos los reyes de los blockbusters que van
por ahí mostrando toda la extraordinaria calidad
posible. Así que cuando ven talento, muchos de
ellos brincan.
A Kathleen Kennedy le ha tocado ser la
nueva guardiana de este increíble salto de cintas
creativas y/o divertidas a las verdaderas grandes
ligas. Lo hizo como la productora y absoluta
mano derecha —cofundadora de Amblin,
nomás— con Steven Spielberg y eventualmente
dio el salto a Lucasfilm. En otras palabras, esta
mujer ha estado involucrada en muchos de los
proyectos más emblemáticos y amados de las
historias del cine. ¿Involucrada? Suele ser quien
pone verde o rojo el semáforo de producción.
Sabemos que cuando el director Garth
Edwards hizo Rogue One con Diego Luna y
Felicity Jones, desde el contrato estaba
establecido que después de la filmación habría lo
que llaman “reshoots”.
Harían varias tomas de nuevo a pesar del
tremendo costo que esto implica, simple y
sencillamente porque para que una cinta pudiese
llevar el sello de “Una historia de Star Wars” se
ENERO 2018 95
ESPECIAL

EPISODIO 2

tiene que ver, sentir y comprender de “cierta

manera”. Digamos que no es precisamente cine
de autor, a menos que ese autor, esté presente o
no, se llame George Lucas.
En el caso de los directores Phil Lord y
Christopher Miller, quienes de inicio serían los
directores de Solo, hay muchas versiones. La
razón oficial que se dio para la separación del dúo
—que ya había hecho 21 Jump Streett y la película
de Lego— era “diferencias creativas”. Algunos
medios optaron por tratar esta impactante
sorpresa —ya casi acababan de filmar— como un
despido, mientras que otros insistieron en una
decisión mutua.
El hecho que más ha trascendido por parte
de miembros de la producción y fans
especializados es que Phil y Chris realmente
veían a esta cinta como una especie de comedia.
De ahí los elementos como los ya comentados
Tag & Bink. Pero el hecho es que las entregas de
Star Wars siempre tienen elementos cómicos,
y si no explíquenme qué son esas fantásticas
discusiones entre C-3PO y R2-D2. También han
fallado terriblemente intentándolo con seres
como Jar Jar Binks.
La cinta de Han Solo, por más que fuera el
sueño de estos dos jóvenes y talentosos
directores, no podía llevar su sello personal al
grado que fuera más sólido que el de la marca. Y
ese sello es la comedia y la improvisación.
Personajes del estudio narran muchos
enfrentamientos entre Kennedy y los guionistas
—añejos creadores de estas historias— contra los
directores, quienes no querían hacer las tomas
de cierta manera y no estaban de acuerdo con
regresar a filmar meses después. Se habla mucho
de que su visión era extraordinariamente clara
respecto a lo que querían hacer. Pero esa visión
no empataba con lo que ya funcionaba.
Y por el otro lado, ¿qué necesidad de hacerla
comedia? Estamos hablando de los orígenes
oficiales de uno de los personajes más
recordables, entrañables —y difíciles de
entrevistar— del cine moderno. Es una precuela,
no un concepto original. Había que mantener ese
Halcón Milenario a flote fuese como fuese.
Así que entre que si se alejaron por gusto
propio —dudoso, considerado que ya casi habían
acabado de filmar y habían mudado a sus familias
a Londres todo el año, donde se llevaba a cabo la
producción— o si fueron despedidos, había
decisiones que tomar y escenarios que recrear.
Con esto, podrían hacer que la película se
viera como esperaban, tener a los guionistas
cuidando que ya no se hicieran improvisaciones
y que todo quedara de acuerdo a lo que un fan de
Star Wars podría esperar. Así que se volvió
imperativo encontrar a un director que pudiera,
como diríamos aquí, “poner la casa en orden”.
Ron Howard es ese hombre.
No solamente alguien que conoce todas las
características de hacer una película con todos
los elementos que un principiante debe ir
descubriendo, sino alguien que fuera
profundamente respetado por su trayectoria.

96 ENERO 2018

Un dúo memorable Según varios críticos de cine, esto podía hacer
en la historia del cine toda la diferencia entre el éxito o el fracaso de la
/ Finn gastando sus cinta, ya que los rumores volaban de tal manera
mejores bromas a que la película ya estaba siendo percibida como
Han Solo / Alden una especie de caos.
Ehrenreich, el hombre Pocos nombres como el de Ron para
que ha de convertirse organizar las cosas, hablar con el elenco y darles
en Han Solo. un poco de tranquilidad —¿se imaginan la
inquietud e incertidumbre en ese set?—.
También tendría que saber qué material
aprovechar del que se había ya filmado y dónde
había que regresar para que el presupuesto no se
reventara por completo.
Howard es sin duda un director sólido, un
nombre con una carrera que lo sustenta. Y,
además, ahí les va un giro casi poético de todo
este asunto: en 1973, George Lucas dirigió un
ahora clásico de culto llamado American Graffiti.
Su protagonista, cuatro años después, volvería a
trabajar con el director en una pequeña película
espacial que entonces sólo llamábamos Star
Wars. ¿Otro actor emblemático en Graffiti? Ron
Howard, quien ahora dirige una cinta sobre un
personaje creado por Lucas y que hasta ahora
nada más había tenido el rostro del célebre
Harrison Ford.
Por la manera en la que a Howard le gusta
aventar pistas, se nota que está feliz de, como él
mismo dijo, “prestar su voz a este universo”,
y por supuesto que se entiende. Pero nadie puede
creer que es un trabajo fácil, por más respetado
y querido que seas, llegar con un elenco que ya
había trabajado meses con otros directores
(quienes fueron gran parte de la razón por la cual
ellos fueron elegidos). Por suerte Howard cuenta
con un elenco más allá de atractivo y variado.
¿Y QUIÉNES SON?
ALDEN EHRENREICH: HAN SOLO Ya hubo un joven
Indiana Jones, pero estamos seguros que le irá
mejor al joven Han Solo si de interpretar a
Harrison Ford en sus primeros tiempos se trata.
Alden tiene algo extraordinario a su favor: ha
trabajado y es respetado por directores como
Francis Ford Coppola, Woody Allen y los
hermanos Coen. Quizá más conocido por su
personaje en Beautiful Creatures, este joven Han
Solo tiene toda la actitud para sostener nuestras
fantasías de lo que pudo haber sido este
contrabandista intergaláctico que busca su
camino en la vida. Su casting fue uno de los más
esperados y controvertidos de los últimos años,
nada más nos faltará ver cómo le va con las
escenas de acción, aunque no parece que haya
problema alguno con ellas.
EMILIA CLARKE: KIRA Esta mujer ya es una figura
de culto por su personaje Daenerys Targaryen en
Game of Thrones, pero ha demostrado que puede
hacer mucho más que eso. Ser una joven Sarah
Connor en el más reciente Terminator fue un
reto que superó con creces y sin duda tiene toda
la capacidad del mundo para generar empatía y
lágrimas en cintas como Yo antes de ti. De su
personaje en la cinta Han Solo, Kira, poco se ha
dicho. Lo que se ha filtrado de su vestuario y los
más repetidos rumores es que se trata de una
especie de princesa que, rindiéndole tributo a
Leia, será fuerte, de armas tomar y ataviada
como debe una cómoda princesa intergaláctica.
WOODY HARRELSON: BECKETT Todo antihéroe
necesita un mentor y, si se trata de actores que
nos pueden sorprender con barreras que no
creíamos que podrían cruzar, este hombre suele
lograrlo. Es una de las actuaciones más
esperadas de la cinta.
DONALD GLOVER Ya hablamos de Chewie, ¿pero
qué clase de película que nos narre la historia de
este aventurero no contaría la historia de su otra
entrañable amistad, Lando Calrissian? Sabemos
que Billy Dee Williams lo hizo espectacular en
las primeras vueltas —que ahora quedarán en el
futuro—, pero un dato que evidentemente no
teníamos en la mente es que la madre de Glover,
el Lando de ahora, es la fan número uno de Billy
Dee. Una más para el anecdotario. Sobre cómo se
conocerán él y Han no hay nada oficial, pero
muchos aseguran que seguramente tratando de
robar el mismo objeto o escapando de lo mismo.
¿QUÉPODEMOSESPERAR?
Por ahora más tweets misteriosos, pequeñas
pistas y comentarios que serán analizados hasta
destriparlos. Tal vez un tráiler en las próximas
semanas. Imágenes oficiales muy contadas y,
después de que pase un poco la euforia por The
Last Jedi, entonces sí, una gran inundación de
información y aún más secretos al respecto.
Hay reportes de que el protagonista tiene un
contrato que lo obligaría a hacer tres cintas de
Han Solo si deciden que esto debe y merece ser
trilogía, pero eso está por verse. Mientras tanto
habrá bastante del mundo imaginado por George
Lucas de aquí a la fecha programada para el
estreno: 25 de mayo de 2018.
Ah, y tal vez presenciemos la respuesta a la
pregunta que tantos fans se hacen cada vez con
más insistencia: ¿Volverá el Darth Vader más
oscuro de todos? Ya lo veremos en una galaxia
muy lejana.
ENERO 2018 97
 EN LA MENTE DE GEORGE LUCAS , ESTAS HISTORIAS TENÍAN
F UNDAMENTOS MILENARIOS Y CONSECUENCIAS
QUE NO PODÍAN SER RETRATADAS, PERO QUE ENRIQUECIERON
SU LEGAD O CREADO TAN A DETALLE.
POR MAYRA GONZÁLEZ ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

98 ENERO 2018
ENERO 2018 99
ESPECIAL
EPISODIO 2
Y de repente todo era de Star Wars y aún
ahora existe el cereal de Star Wars, la ropa
interior, los jueguetes, videojuegos, spin offs...
hay Star Wars para todos y aquellos que
crecieron con la saga ya no saben con exactitud
dónde termina la fantasía de este universo que,
ccomo laa entropía,
a, se expande sin parar.
Cierra ensa en tu juguete favorito de
niño. Aq el q e dejaron los Reyes Magos bajo el
árbol o que co n esfuerzo te dieron tus papás,
o por el cual a raste meses para comprártelo tú
mismo.
Ese juguete casi imposible de conseguir y que
tienes bien guardado en una vitrina o incluso
dentro de su caja original... si es que tu mamá no lo
regaló un mal día.
Algunos juguetes, con el tiempo, adquieren
un valor que va más allá del monetario: son
tesoros que cuentan historias. De Star Wars hay
miles de coleccionistas por todo el mundo desde
que salió la primera cinta en 1977, y este imperio
ha ido creciendo cada vez más.
La lista de los juguetes de la franquicia de
Star Wars es enorme. Cuando piensas en ellos te
vienen a la mente marcas como Kenner, Lili Ledy
o Hasbro.
Hay muchísimos tipos, desde figuras de
acción que vienen en varios tamaños y
materiales, incluso a escala o de peluche, naves,
espadas láser de plástico y más.
¿DÓNDE HAS VISTO EL NOMBRE
LILY LEDY?
Era una fábrica de juguetes mexicana que se
fundó en 1950 y que en la década de los 70
alcanzó un gran éxito, gracias en buena parte a
que trajo a México licencias de franquicias como
Star Wars, Thundercats y Transformers.
Cerró sus puertas en 1985, pero gran parte
de sus creaciones los puedes apreciar en el
Museo del Juguete Antiguo de México.
100 ENERO 2018
El universo andido de Star Wars incluye
“caricatura e nos cuentan las historias sobre
lo que pasó entre
n los episodios de la trilogía
original, la secuela y (ahora) de la historia
contada por Rogue One. Sin duda estos relatos
nos llenan de emoción porque al lado de los
personajes originales y de algunos nuevos vamos
desenmarañando más la épica historia de la
lucha entre la Alianza Rebelde contra el Imperio,
¿ya las viste?
STAR WARS: THE CLONE WARS
Habla sobre el ejército de clones que fue
“creado” para la República y su camino contra el
Conde Dooku y las fuerzas separatistas. Pudimos
ver a personajes como Anakin Skywalker,
Obi-Wan Kenobi, Ahsoka Tano y Darth Maul. Se
desarrolla entre el Episodio II: Ataque de los
clones y el Episodio III: La venganza de los Sith.
Estuvo al aire de 2008 a 2013 y su sexta
temporada salió por Netflix en 2014.
George Lucas tuvo la idea de esta serie
animada en 2002 y fue producida por Genndy
Tartakovsky (productor de Samurai Jack y Hotel
Transylvania). Lucasfilm trabajó en la animación
e incluso Lucas se involucró mucho en el
desarrollo del guion.
STAR WARS REBELS
Es una serie 3D en CGI producida por Lucasfilm
Animation que ocurre a 14 años de distancia de
Episodio III y cinco años antes de Episodio IV:
Una nueva esperanza. El estilo visual se inspiró
en el concepto de la trilogía creado por el artista
Ralph McQuarrie. Conocimos a personajes como
Ezra Bridger, Kanan (un Jedi), Hera (la piloto),
Zeb (el musculoso), Sabine (experta en
explosiones) y Chopper (droide astromecánico),
además de ver a personajes de la trilogía original,
como Bail Organa, Lando Calrissian y Darth
Vader. La temporada uno salió en 2014 y tiene 16
episodios. La segunda y tercera son de 22
episodios y, durante la Star Wars Celebration de
abril de 2017, se anunció la cuarta temporada:
saldrá el 16 de octubre, tendrá 15 episodios y será
la última de la serie.
¿Sabías que Chopper y la nave El Fantasma
aparecen en Rogue One: Una historia de Star
Wars? Además, la capitana Hera es llamada en la
base rebelde de Yavin IV; ahí es donde se ve
Chopper y El Fantasma aparece con la flota
rebelde en la batalla de Scariff.
STAR WARS: FORCES
OF DESTINY
Es una animación 2D creada por Lucasfilm
Animation que salió en el canal de YouTube de
Disney. Son cortos con una duración máxima de
tres minutos que cuentan la historia de los
 Las diversas
animaciones que
existen de Star Wars y
cómo la saga se
extendió y alcanzó
hasta los juguetes
para armar Lego.

personajes femeninos de Star Wars, como

Ahsoka Tano, Jyn Erso, Hera Syndulla, Maz
Kanata, Rey, Sabine Wren, Padmé Amidala y Leia
Organa. La serie fue anunciada en abril de 2017
en la Star Wars Celebration de Orlando. Los
primeros ocho episodios salieron al aire el 9 de
julio y ocho más se estrenaron en otoño de 2017.

Desde 19 3 h mo podido disfrutar de

videojueg b s os en la saga galáctica, y en sus
primeras o es pudimos jugar con los
personajes en consolas Arcade, en Atari o
Intellivision. Hasta la fecha han salido más de 45
y EMPIRE hace el recuento de los más nuevos y
los más famosos.

LOS + RECIENTES
PARA CONSOLAS

Disney Infinity 3.0: A comparación de la edición n

2.0, que se concentró en mostrar a personajes dee
Marvel, la versión 3.0 se concentró en los
personajes de Star Wars y salió en 2015. Fue
creado por Disney Interactive Studios y puedes
usar sables de luz y otras armas, además del
poder de la Fuerza y tiene tres sets, que
detallamos a continuación.

ENERO 2018 101

ESPECIAL
EPISODIO 2
THE TWILIGHT OF THE REPUBLIC:
basada en la trilogía original, son los eventos de
las guerras clónicas; tienes a Obi-Wan Kenobi,
Anakin Skywalker, Yoda y Ahsoka Tano, quienes
deben desactivar la fábrica de droides en
Geonosis, luchar contra el General Grievous,
Jabba the Hutt, Sebulba y Darth Maul.
RISE AGAINST THE EMPIRE: son los
eventos de la trilogía original en donde Luke,
Leia, Han y Chewbacca tienen una batalla contra
Darth Vader.
THE FORCE AWAKENS: salió en 2015
con el estreno de la película; puedes jugar con
Finn, Rey, Kylo Ren y Poe Dameron.
LEGO STAR WARS: THE FORCE
AWAKENS: es un juego de aventura que salió en
2016, quinto de Lego con la licencia de Star Wars y
creado por Warner Bros. Interactive
Entertainment. Salió en 2016 y abarca el periodo
entre El regreso del Jedi y El despertar de la Fuerza.
STAR WARS: FORCE ARENA: Salió en
2017. Es un juego de pelea entre participantes en
tiempo real que se concentra en las Guerras
Clónicas.
STAR WARS: THE FORCE
UNLEASHED: es de aventura y salió en 2008.
Abarca el periodo entre las dos trilogías en el que
debes luchar contra un nuevo protagonista
llamado Starkiller, que es el nuevo aprendiz de
Darth Vader y quien busca terminar con todos
los Jedi.
102 ENERO 2018
STAR WARS: GALAXY OF HEROES:
para iOS y Android y salió en 2015. Permite a los
jugadores interactuar con el universo de Star
Wars, crear equipos y librar batallas contra el
Rancor o elegir la cantina de Mos Eisley para
luchar contra otro jugador.
STAR WARS BATTLEFRONT I Y II:
Puedes convertirte en Stormtrooper o en piloto
de Starfighter, una nueva historia de la saga.
KINECT STAR WARS: Trajo a la vida el
mundo de Star Wars como nunca antes. Puedes
usar tus habilidades físicas para convertirte en
Jedi, tener el poder de la Fuerza en tus manos,
usar un sable de luz, etcétera.
Los Star Tour en is yland son una sección
que se encuent tro de Tomorrowland (un
espacio que se inauguró en 1955 con la misión de
dar un vistazo al futuro a través de la ciencia y
conocimientos del espacio).
Ahora cuenta con nueve atracciones,
incluyendo Star Tours; además de la tienda de
souvenirs llamada Star Traders, que ofrece
memorabilia de la saga y donde puedes crear tu
propio sable láser. Star Tours fue renovada con
“Adventures Continue”, en donde hay dos
Es un universo tan
extraordinario, y todos
querermos estar ahí /
Un Lucas que no sabe
posar, en su altruista
programa por la
educación.
famosos “Hidden Mickeys” (ratoncitos
escondidos por todo el parque) cuando viajas
hacia Coruscant.
El primero sale cuando las luces del puerto
flashean y la segunda en la ventana trasera,
cuando ya vas de regreso a casa.
También está el Jedi Training: Trials of the
Temple, donde los asistentes de todas las edades
pueden experimentar las Star Wars Stories y
reimaginar una experiencia de batalla donde
tendrás un encuentro con los villanos: ¡podrás
hasta pelear contra Darth Vader!
Star Wars: Season of the Force es una
experiencia dentro de Tomorrowland que en
2018 será de enero a marzo. Ahí encontrarás
atracciones como Star Wars: Path of the Jedi, en
la cual resumen en 10 minutos la saga completa
de Star Wars.
En el Star Wars Launch Bay harás un
recorrido por la cantina de Mos Eisley, conocerás
escenarios que fueron la inspiración para los
creadores, ¡además puedes abrazar a Chewbacca
y acercarte a Darth Vader!
Es un espacio multisensorial que te da la
bienvenida con la frase: “Hace mucho tiempo en
una galaxia muy, muy lejana…”, hay personajes
con los que puedes sacarte fotos, divertirte con
los últimos videojuegos, explorar galerías llenas
de memorabilia, réplicas auténticas de los
artefactos usados en las películas y descansar en
la cantina temática.

CON ESCOBAS COMO ESPADAS LÁSER,
HABÍA OTRAS BUENAS SOLUCIONES:
Salió en 1992, tiene 56 niveles: Han Solo,
Sí, así com lo le En 021 podremos darnos
la vuelta al L ca Mu eum of Narrative Art, en
donde adem s ontemplar la historia de la
saga y a los personajes, veremos la colección
personal de George Lucas, se proyectarán
películas diario, habrá conferencias y se
impartirán talleres. Lucas incluirá en el
inmueble sus más preciados tesoros, desde
sketches, ilustraciones, procesos creativos y
fotos. Después del recorrido podrás ir al
restaurante, al cine, a la tienda, las salas de
lectura, salones digitales, a una clase de
producción, una conferencia, talleres, a la
librería o la galería.
Será el primer museo de su clase que
ofrecerá una colección entre el arte popular, la
ilustración, el cómic y brindará una
perspectiva del mundo creativo del cine. La
construcción costará alrededor de 1.2 billones
de dólares y ahí George Lucas y su esposa,
Mellody Hobson, donarán más de 10,000 obras
de su colección privada (incluyendo pinturas
de artistas como Edgar Degas y Pierre-Auguste
Renoir), así como ilustraciones, memorabilia
de películas, ¡y claro, la máscara original de
Darth Vader! El museo se ubicará en en el
Salió en 1999 y compites en carreras de
CUANDO YA TE CANSABAS DE JUGAR
Exposition Park al sur de Los Ángeles, cerca de la
Universidad de Southern California, en donde
Lucas estudió cine. El arquitecto chino Ma
Yansong, fundador de MAD Architects, será el
creador de este lugar que tiene como objetivo
servir de inspiración a las nuevas generaciones.
SUPER STAR WARS No estand
una de las fra
ito contento con haber creado
icias más exitosas y millonarias
en la historia,
i LLucas se ha involucrado en temas
Luke, Leia y Chewie luchan contra de desarrollo escolar y ha mantenido un perfil
Darth Vader. bajo en sus acciones filantrópicas.
Inspirado por sus propias experiencias
STAR WARS: decepcionantes en la escuela, George decidió
TIE FIGHTER explorar formas de aplicar toda su experiencia y
recursos para apoyar y buscar mejoras en la
Te daba educación.
experiencia de El cineasta, convencido de que la educación
vuelo en naves es la única clave para la supervivencia de la raza
como un X-Wing o humana, creó la George Lucas Educational
un TIE Fighter; Foundation, una institución que se dedica a
salió en 1994. transformar la educación desde el kinder hasta
sexto de primaria, siempre con la visión de
ayudar a los estudiantes para desarrollar su
potencial completo.
Ha trabajado durante 25 años para que
LEGO STAR millones de visitantes en el sitio web y redes
WARS: THE sociales puedan ver historias que inspiren a la
comunidad de maestros que se apasionen por la
COMPLETE SAGA educación. Ha unido fuerzas con profesores,
Es de 2007: pasaba padres de familia, estudiantes, administradores,
por las seis hombres y mujeres de negocios y líderes en las
películas hasta la comunidades para ayudar a crear nuevas
explosión de la estrategias de aprendizaje.
segunda Estrella Dan tips a los profesores sobre cómo
de la Muerte. manejar algunos temas:
Cómo manejar el uso del celular en clase.
Usos académicos del social media.
La compasión como herramienta en el
salón de clases.
Aprovechar el poder de los juegos.
Historias de otros padres de familia y
maestros.
Mejores prácticas para resolver conflictos.
Puedes encontrar recursos que te ayuden a
JEDI KNIGHT II: JEDI OUTCAST
implementar proyectos exitosos de aprendizaje
basados en la comprensión social y emocional.
Luchabas contra el Imperio en modo Desde 1991 la fundación se concentró en
multijugador; es de 2002. documentar los ejemplos de las escuelas y
profesores que lo hacían muy bien a través de lo
que él sabe hacer mejor: películas.
Así surgió el documental Learn & Live,
narrado por Robin Williams. “Todos los que
hacemos cintas somos una especie de maestros,
profesores con voces fuertes, pero nunca
podremos ser capaces de igualar el poder que
tiene un profesor cuando le susurra al oído a un
STAR WARS: EPISODE I RACE estudiante”, ha dicho Lucas al respecto.
pods, como en La amenaza fantasma.
ENERO 2018 103
 STAR WARS ESTALLÓ EN LA CULTURA POP DE 1977 Y EN POCO TIEMPO
LA GENTE SE APROPIÓ DE LOS PERSONAJES, LAS FRASES,
EL VESTUARIO Y LAS ESCENAS.
POR MARIO P. SZÉKELY ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

104 ENERO 2018

ENERO 2018 105
 IMITAR LA RESPIRACIÓN FORZADA DE Darth Vader,
escuchar el tema del Imperio Galáctico cuando el equipo de béisbol
favorito salta al campo e incluso invocar en una despedida “Que la Fuerza te
acompañe”, son parte de nuestra vida diaria. Ni hablar del centenar de
ocasiones en las que aplica decir en medio de una conversación: “¡Luke, soy
tu padre!”.
Y mientras el presidente Ronald Reagan bautizó a su sistema de
defensa antimisil espacial ‘Star Wars’ ante la desaprobación de Lucas, el
productor años después vio con buenos ojos que los fans crearan pequeños
videos en homenaje a escenas de la saga o creando historias que exploraran
con comedia, acción, drama y hasta musical a sus personajes favoritos. Con
la irrupción del internet y el video digital, Lucasfilm incluso creó un premio
anual para las mejores producciones de los aficionados.
Entre los nuevos talentos premiados está el caso del californiano Mark
Rubio, quien hizo una parodia de la teleserie Cops usando Stormtroopers
en su cortometraje Troops (1997).
Spaceballs
El ingenioso director, escritor y productor Mel Brooks consiguió la primera
gran parodia de la trilogía de Lucas cuando, en 1987, estrenó su cinta
protagonizada por Bill Pullman y Daphne Zuniga como los equivalentes a
Luke y Leia. El chaparro y simpático Rick Moranis hacía una especie de
Darth Vader mientras John Candy era el perro espacial semejante a
Chewie. Brooks trascendió como Yogurt, símil a Yoda que invoca, en vez de
la Fuerza, a “the Schwartz” (“la Plata” o “el Varo”; el dinero pues).
106 ENERO 2018
Saturday Night Live (NBC)
Bill Murray canta en un bar setentero una canción para borrachos de media
noche, resultando que la tonada es el tema de Star Wars.
Robot Chicken
El show de comedia producido por Seth Green presenta a personajes
animados cuadro por cuadro, donde el Emperador recibe la llamada de
Darth Vader para avisarle que un simpl campesino destruyó la Estrella de la
Muerte.
How I Met your Mother
“Los únicos personajes que no han visto Star Wars son los personajes de
Star Wars”, advierte un alarmado Marshall (Jason Segel) a su mejor amigo
Ted (Josh Radnor), cuando éste le revela que su novia nunca ha visto una
película de la saga.
Family Guy
Además de las referencias que el creador de la serie animada para
televisión Seth MacFarlane ha salpicado a lo largo de 16 temporadas, como
cuando el personaje de Peter Griffin citó una frase de Jabba y su cuerpo se
convirtió en la criatura panzona. Family Guy ha tenido tres especiales de la
trilogía clásica de Star Wars.
That 70’s Show
Donna (Laura Prepon) le da el mejor regalo de su vida a su novio Eric
 Spaceballs, la única
y más original
parodia de Star
Wars, creada por
Mel Brooks, con Bill
Pullman, John
Candy y Rick
Moranis /
No sólo Ross Geller
agradeció que
Rachel se disfrazara
de princesa Leia en
cautiverio /
That 70's Show
tenía que parodiar a
la saga.

(Topher Grace), cuando se caracteriza de la princesa Leia y le dice: “Mis Friends

defensas están hasta abajo, puedes hacer lo que quieras conmigo”.
Los Muppets
En 1980, a unos meses de que se estrenara El Imperio contraataca, Mark
Hamill fue invitado a participar en el show de alto rating encabezado por la
rana René. R2-D2, C-3PO y Chewbacca acompañaron a Luke, mientras que
a él lo asediaba Piggy (con voz de Frank Oz, quien en Star Wars hizo a
Yoda), caracterizada como Leia.
Clerks
Cuando Kevin Smith estrenó Clerks en 1994, su comedia en blanco y negro
ubicada en un minisúper, mostró su gran pasión por Star Wars dentro de la
vida diaria. En pleno corazón del filme, el cajero y dos clientes discuten si
los empleados de la Estrella de la Muerte son víctimas del Imperio por
haberse prestado a trabajar para ellos en la plomería y construcción de la
nueva Estrella de la Muerte.
Los Simpson
Mark Hamill le da voz a la versión animada de Luke, quien es invitado a una
convención de fans a la que Homero lleva a Bart y Lisa. El papá Simpson
acaba cargando a Skywalker en medio de un zafarrancho.
Toy Story 2
Tras un duelo en un elevador a alta velocidad, el malvado emperador Zurg
le revela al héroe espacial Buzz Lightyear: “¡Yo soy tu padre!”.
Ross (David Schwimmer) le sugiere a su novia, Rachel (Jennifer Aniston),
que le gustaría que se vistiera como la princesa Leia en su bikini de metal de
El regreso del Jedi.
ESTE ES EL PRINCIPIO: LOS REFERENTES
El héroe estaba solo. Éste recibió su sable de luz, se embarcó a las estrellas y
regresó con el fuego para revivir a una generación presa del cinismo.
Eran los años 70 y la desilusión tras la guerra de Vietnam, sin héroes
romantizados como la Segunda Guerra Mundial, además del terrorismo en
los Juegos Olímpicos y una guerra fría que partía al planeta en dos, hacían
mella en la niñez y juventud de Estados Unidos.
Habría que voltear al cielo. A punto de cumplir sus tres décadas de vida,
George Lucas tenía un duelo a muerte con la máquina de escribir, hazaña
que le duraría casi cuatro años mientras sus dedos escribían por primera
vez nombres como Luke Starkiller y princesa Leia.
La sensación de estar en un lugar apartado de la acción del mundo se
respiraría en el paisaje del plantea Tatooine, con sus dunas desérticas
caminadas por su héroe granjero, Luke Skywalker.
La relación tirante con su padre, quien lo educaba para siempre apostar
por lo seguro y no entendía su fascinación por las artes, llevó a Lucas a
esbozar la personalidad de Darth Vader; pero sobre todo su rechazo a las
instituciones y a un gobierno traidor, como el de Nixon, llevaron a que ese
personaje oscuro representara la opresión y corrupción a vencer. La
esperanza y la ensoñación eran los tesoros de la aventura y una idea clara

ENERO 2018 107

 de presentarle a los niños que la vida podría leerse y resumirse entre una
guerra entre el bien y el mal. Así se erigió la Rebelión ante el Imperio
Galáctico.
Siempre hay algo de cinismo ante los soñadores y así nació Han Solo
para cuestionar a Luke y de paso predicar que la vida debe limitarse a lo
práctico y comprobable. Lucas entendió que su héroe podría perderse de
un momento a otro y por ello le colocó un mentor y luego otro. Obi-Wan
Kenobi y Yoda trajeron una filosofía con sabor a enseñanzas del oriente que
apuesta más por una conexión cósmica.
La máquina es el enemigo si oprime al espíritu y lo desea controlar. El
designio malvado del Emperador era semejante al de Hitler cuando, usando
al medio controló al senado y luego militarizó al país. Los Stormtroopers
del Imperio portan el ADN de tropas de asalto nazis.
Lucas aprendió además del poder de las máscaras. Fascinado por los
mitos universales que Joseph Campbell había comparado en su libro de la
década de los 40, El héroe de los mil rostros, George se dio cuenta del poder
de los arquetipos y que su rostro cambia según la cultura, pero siempre será
el mismo monomito que se repite una y otra vez, donde una comunidad
elige a uno de los suyos para salir a aventurarse y regresar con el fuego que
se perdió, cual moderno Prometeo con toques del rey Arturo.
Lucas se dio cuenta que ya no había sitio en la Tierra para su aventura y
decidió transportar todo a una “galaxia muy, muy lejana”. Su amor por la
Era de Oro de Hollywood se plasma de secuencia a secuencia, desde
Ben-Hurr (1957) de Wyler hasta Lawrence de Arabia (1962) de Lean, dando
especial atención a La fortaleza escondida (1958) de Kurosawa.
Lo que comenzó llamándose The Star Wars: The Adventures of Luke
Starkiller evolucionó a Star Wars, teniendo una narrativa que arrancaba
siempre en medio de la acción, como aquellos seriales de Flash Gordon de la
infancia de Lucas. Incluso el autor copió la entrada con títulos cruzando la
pantalla donde se le explicaba al público los eventos previos a la aventura
que estaba por ver.
Los caballeros Jedi, practicantes de la Fuerza, tenían un código
personal como los Samurai en Japón. Aquellos que usaran el mismo poder 11 millones de dólares costó la 4.05 mil millones de dólares
para el mal serían llamados Sith. original Star Wars (1977). Recaudó pagó Disney a George Lucas en el
Otra dualidad que se desplegaría desde la primera Star Wars, y por el 307 mdd tan sólo en Estados Unidos. 2012 por la franquicia de Star Wars.
resto de la trilogía y precuelas, es esta forma de complementarse entre el
héroe y la heroína. Yin y Yang manifestados entre Leia y Luke como 6 premios Óscar y uno especial 61 millones de hits tuvo el
hermanos, Leia y Han Solo como pareja y Amidala y Anakin Skywalker más fueron entregados a Star Wars comercial de Volkswagen para el
como esposos y padres de sus gemelos son la exploración de Lucas por en la ceremonia de 1978. Super Tazón 2012 en YouTube, donde
definir un universo donde la unión entre lo masculino y femenino hacen un niño quiere usar la Fuerza para
que todo trascienda. 7.5 mil millones de dólares manipular sus electrodomésticos y
El universo puede transformarse por un conjunto de decisiones han recaudado los siete episodios de entorno.
personales. Lucas supo que los arquetipos que griegos y romanos la saga de Star Wars al momento.
vislumbraron en el héroe, mentor, guardián del umbral, sombra, aliados de 8 mil dólares cuesta la réplica
la aventura, etcétera, no sólo eran distintos personajes que Star Wars 2.08 mil millones de dólares tamaño natural y licenciada de Darth
podría desarrollar para contarse, sino que cada una de esas maneras de ser recolectó El despertar de la Vader o Boba Fett, así como la
proyectarían distintos momentos en la vida personal de cada personaje. Fuerza alrededor del mundo. Fue la versión de Han Solo en carbonita.
Anakin Skywalker nace, por ejemplo, como el elegido a ser el héroe y lo más taquillera en la historia de EU.
consigue por un rato para luego corromperse por su anhelo de controlar al 15 es la posición que ocupa
universo y hasta a la misma muerte, cayendo y volviéndose el arquetipo de 205 dólares por la figura de Luke Star Wars en la lista del conservatorio
la sombra. En su viaje es aliado de otros, buenos y malos, como también es Skywalker producida en 1977 por AFI de las Mejores 100 películas de
quien está cuidando la puerta de sabiduría para que su hijo Luke aprenda a Kenner con sable de luz replegable. todos los tiempos.
ser caballero Jedi.
Lucas también usó la metáfora de la música, diciendo que sus dos 107 números editados de Recaudación por venta de
trilogías (1977-1983 y 1999-2005) eran como una sinfonía repitiéndose, con Marvel COmics entre 1977 y 1986 mercancía de 1977 hasta 2017: 33.5
notas que resuenan como poema melódico, donde héroes como Anakin y fue la primera serie de historietas mil millones de dólares
Luke se enfrentan a situaciones similares, pero toman decisiones distintas, sobre los personajes y tramas de la aproximadamente.
con consecuencias opuestas. trilogía clásica y aventuras aledañas.
De ahí parte de la fascinación a Star Wars, poseyendo el llamado a la De 1991 al 2014, la también casa de Día de Star Wars fundado por
aventura para quien desea usar al cine como puerto al infinito y reuniendo Spider-Man había creado más de 100 los fans: 4 de mayo, “May the Fourth”
una experiencia colectiva que ha hecho que muchos digan que Lucas títulos distintos sobre el universo por la pronunciación en inglés de May
inventó un mito generacional. De eso ya podemos estar seguros en este expandido de Star Wars. the Force be with you.
momento de la historia.

108 ENERO 2018

 Una de las figuras
icónicas de la
cinematografía
universal / Varios
referentes de la
tragedia griega son
proyectados en las
historias de Star
Wars / Cada
personaje significa
algo / Tres tipos de
droides.

¿SABÍAS QUE...?
Aunque no lo creas hay mucho más trivia de la saga, además de la que está
ante tus ojos:
La escuela de Star Wars
Un miembro del departamento de arte de la trilogía clásica, Joe Johnston,
aprendió la magia del cine en los talleres de ILM y estudió después
Dirección de Cine en la Universidad del Sur de California. Dirigió The
Rocketeer, Parque Jurásico 3 y Capitán América.
El nominado al Óscar, David Fincher (Alien 3, Red social), empezó
como asistente de cámara en El regreso del Jedi dentro del staff de ILM.
El nuevo R2-D2
Para El despertar de la fuerza (2015), el director J.J. Abrams pidió que se
construyera un auténtico droide BB-8 que pudiera moverse en los
escenarios a control remoto, a pesar de que su cabeza de media luna
está sujeta a una esfera, cual pelota, que gira.
El poder del mito
El museo Smithsonian en Washington, y decenas más en Estados Unidos y
todo el mundo, han desplegado exposiciones alusivas a Star Wars para
motivar al visitante a enfrentar las referencias ante otros mitos y culturas
ancestrales con las que tiene similitudes.
Legado de princesa
Para el último adiós a Carrie Fisher y su madre, la también leyenda Debbie
Reynolds (Cantando bajo la lluvia), R2-D2 estuvo presente junto a
centenas de fans en la cripta de Forest Lawn Memorial Park.
La hija de Fisher, Billie Lourd, apareció en The Last Jedi (2017) como
Kaydel Ko, miembro de la Resistencia que lidera la general Leia Organa.
Premio a los Yoda de nuestro mundo
Apasionado por la educación, George Lucas creó la Fundación GLEF para
asistir a primaras y secundarias en Estados Unidos a implementar la
tecnología educativa, buscando que maestros y alumnos usaran sus
computadoras, video y cámaras, para cooperar con profesionales fuera de
sus escuelas. Cada año esta organización da premios de mejores maestros
para incentivar la innovación. También, desde 1983, un póster muestra a
Yoda bajo la leyenda “READ” (“Lee”) y se despliega en las librerías públicas
como parte de un esfuerzo en conjunto para motivar la lectura en niños y
adolescentes.
La Tierra de STAR WARS
Los estudios Disney están construyendo para 2019 dos tierras dedicadas al
universo Star Wars para visitar en sus parques de Disneyland. Allí los fans
podrán vestirse como los personajes, tener misiones para resolver e incluso
dormir en ellas, rodeados de toda la experiencia de criaturas y droides de
esa galaxia que ya no nos resulta tan lejana en absoluto por estar inmersos,
queriendo o no, en su universo.

ENERO 2018 109

 ¡NADA QUE TEMER, FANS DE STAR WARS ! TODO INDICA QUE LA FUERZA
NOS ACOMPAÑARÁ MUCHOS AÑOS MÁS: DE ACUERDO A REPORTES
QUE SE DIFUNDEN EN LA I NDUSTRIA, DISNEY TIENE PLANES A FUTURO
PARA LA SAGA DE LA GUERRA DE LAS GALAXIAS HASTA EL 2030.
POR ÓSCAR URIEL ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

110 ENERO 2018

ENERO 2018 111
ESPECC IAL

EPISODIO 2

-Qui-GonJinn
FUE EN 2012 CUANDO SE ANUNCIÓ que Walt
Disney Pictures adquiría Lucasfilm por una
cantidad que rondaba los cuatro billones de
dólares. ¿Qué pasaría con tan preciado legado en
manos de los calculadores ejecutivos de la
empresa del ratón Mickey? Hasta este momento
podemos calificar los resultados como eficientes
y eficaces.
Vayamos por partes. En ese entonces, el
escepticismo rodeaba el anuncio. Finalmente
Robert Allen Iger, presidente de la compañía,
habría operado tres franquicias por demás
rentables de forma simultánea: Pixar, Marvel y
ahora Lucasfilm.
Sin embargo, los celosos fans de la saga
temían que no se custodiara el legado tal y como
lo habría visionado Lucas durante años, pero
seamos honestos: el lapso acontecido entre
El regreso del Jedii (1983) y Episodio I: La
amenaza fantasma (1999) distanció al creador de
sus espectadores, además de que los resultados
de las cintas de origen de la historia (teniendo
como arco narrativo a Darth Vader) habían
desilusionado hasta a los más devotos seguidores
de la aventura.
La última entrega de la franquicia estrenó en
2005 con el decepcionante Episodio III: La
venganza de los Sith, por lo que la incertidumbre
enturbiaba el estreno alrededor de Episodio VII:
El despertar de la Fuerza en 2015. Sin embargo,
nadie contaba con el rigor y temple de Kathleen
Kennedy, productora de sendos éxitos como La
lista de Schindlerr y El sexto sentido, entre otros
sonados triunfos de taquilla desde hace varios
años, quien fue elegida por el propio George
Lucas para custodiar la sucesión una vez que
Disney compró Lucasfilm.
Kennedy no ha titubeado un momento desde
que fue nombrada presidenta de la compañía.
Desde prescindir de directores como Josh Trank
((Rogue Onee), Phil Lord o Chris Miller (la
precuela de Han Solo) previo o durante el rodaje
de las respectivas cintas, hasta modificar por
completo el planteamiento de una producción,
como hizo al cambiar a Colin Trevorrow por p J.J.

112 ENERO 2018


Abrams como realizador de Episodio IX, cuando
arrancó dicha producción.
Kennedy se ha mostrado tenaz y severa
cuando se trata de conservar el espíritu de Lucas.
A decir de versiones oficiales, los argumentos de
los enfrentamientos entre Kennedy y los
directores se debía a “diferencias creativas” con
el grupo de productores. Ante estos actos nos
queda claro a todos que la única figura estrella en
el universo de La guerra de las galaxias es la
misma mitología.
De repente este grupo de jóvenes directores
descubre la fama, reconocimiento y riqueza de
manera muy rápida, lo que los lleva a creerse su
propio estatus de celebridad. Esto hasta que se
topan con una figura autoritaria como la que
resulta Kennedy.
“Hoy en día hay un sentimiento de alivio en
la compañía. Por primera vez tenemos la
oportunidad de darnos un respiro y
Los nuevos viejos de
las precuelas /
J. J. Abrams leyéndole
su contrato a R2-D2 /
Del cine al videojuego /
Kathleen Kennedy
y George Lucas
riéndose millonarios /
Bob Iger
y sus guarros.
EL FUTURO DE LA SAGA:
¿UN PROGRAMA
DE TELEVISIÓN?
Varios sitios de internet y algunos insiders
insisten en que Disney y LucasFilm diseñan un
serial televisivo titulado Star Wars: Underworld
preguntarnos qué es lo que sigue y hacia dónde que estrenaría a finales de 2018. La
vamos. Fue el estreno de Rogue One lo que nos proliferación de contenido en plataformas
permite decir esto, porque sabíamos que la digitales seguro es un impulsor detrás de esa
trilogía tenía vida propia pero desconocíamos idea. No hay nada confirmado oficialmente,
qué sucedería con estas historias particulares sólo que se rodaría entre los filmes de Han
dentro de la mitología. No queríamos confundir Solo y Episodio IX. Recordemos que en 2005
a la audiencia. un proyecto televisivo dirigido por Lucas fue
“Es un gran alivio ver cómo el público aceptó cancelado por cuestión de presupuesto.
Rogue One sabiendo a la perfección que estamos
creando historias dentro de la línea del tiempo
de Star Wars y que no necesariamente tienen
una conexión directa con la saga original. Desde
un punto de vista creativo, esto resulta muy
liberador”, declaró Kathleen semanas después
de corroborarse el éxito en taquilla de la película
de 2016.
Por su parte, Robert Iger, en representación
de Disney, ha manifestado en público los planes
que se tienen hoy por hoy para extender el
legado de Lucas durante un montón de años
ENERO 2018 113
ESPECIAL

EPISODIO 2

¿HEMOS LLEGADO AL FINAL DE

más. Es en verdad impresionante la manera en
que dichas planeaciones se extienden a lo largo
de décadas.
respectivamente—. Parece que la historia se
localiza diez años antes del Episodio IV: Una
nueva esperanza.
Estreno: 25 de mayo de 2018.
STAR WARS
REBELS?
Rebels ha llegado a su conclusión con la
cuarta temporada (constituida por 15
episodios); sin embargo, Dave Filoni,
productor ejecutivo de la serie animada, ha
insinuado que se está desarrollando una idea
que tendrá como ancla los sucesos

AGENDA TENTATIVA STAR WARS: EPISODE IX

Colin Trevorrow tenía la aprobación de Steven
presentados en Rogue One y que será
transmitida por el canal DisneyXD.

STAR WARS A Spielberg después de Jurassic World, misma que

sedujo a los ejecutivos de Disney y Lucasfilm. Sin

PARTIR DE AHORA: embargo, todo indica que desde un principio el

SOLO:ASTAR WARS STORY
No sabemos con precisión cuánto del trabajo de
los directores Phil Lord y Christopher Miller
haya quedado en el corte final. Ron Howard
entró al rescate de la complicada producción, la
cual se vio seriamente afectada por los
constantes enfrentamientos entre los directores
y la productora Kathleen Kennedy, quien contó
con el respaldo de los guionistas del filme,
Lawrence y Jon Kasdan —padre e hijo,
director se enfrentó a las ideas predeterminadas
de la productora, a pesar de que Trevorrow
trabajaba y colaboraba de manera muy activa en
el guion.
Quedó claro que no basta con ser buen
director para ingresar en la franquicia.
El realizador fue reemplazado por J.J. Abrams,
quien tuvo el cometido de inaugurar esta nueva
trilogía con La guerra de las galaxias: El
despertar de la Fuerza.
Se desconoce la línea argumental de esta
trama, pero seguro estará ligada a los

114 ENERO 2018

 Atardecer con Rey en
La Roqueta /
El Admiral Ackbar
subastando su
memorabilia /
Lando Calrissian
tratando de dilucidar el
misterio de la trenza
rubia de Boba Fett /
Ron Howard al fin Solo
/ Todos quieren
manejar, pero sólo uno
es Han Solo.

acontecimmientos que sucedieron y nos

impactaro on en el Episodio VIII
Será eel capítulo que cierre el arco narrativo
de Rey, Fiinn y Poe.
Estreno: 20 de diciembre de 2019.

ASTAR WARS STORY: BOBAFETT

(título provisional).
A pesar dee que el estatus de esta entrega está
pendientee, los productores insisten en que la
cinta, basaada en este popular cazarrecompensas,
es un hechho.
En unn principio, el mismo Josh Trank
—directorr de la fabulosa Chronicle y de la última
versión dee Fantastic Four— estaba unido al
proyecto, sin embargo abandonó la misión hace
un tiempo o.
Según n algunos rumores, todavía es factible
que esta cinta llegue a cines en 2020.

ASTAR WARS STORY: CAPÍTULO SINTÍTULO

De acuerd do a información no oficial, se están
trabajanddo tres ideas simultáneas de filmes
independientes de la saga.
Ademmás de la cinta de Boba Fett, parece que
los producctores están interesados en abordar de
cerca la figgura de Obi-Wan Kenobi; de hecho,
Ewan McG Gregor ha manifestado su interés de
participarr en ella si es que se llegara a considerar
rodarla.
Otra ttemática a explorar es la figura de Yoda,
un rumor que ha cobrado relevancia durante los
últimos mmeses.
¿Habrrá más películas después de concluida
esta últim
ma trilogía?
Podemos contar con eso. Kathleen Kennedy
y Bob Iger han trazado un mapa que
probablemente abarcará un período que nos
llevará hasta 2030.

Herencia de las galaxias

Por si andabas con el pendiente, a partir de hoy
podrás ir tranquilo por la vida, luego de saber que
tus nietos podrán asistir a una función de
medianoche para ver un nuevo capítulo en la
franquicia de Star Wars.
“Estamos empezando a visualizar lo que
sucederá con la saga a partir del Episodio IXX Lo
que podría acontecer en una década y media de
películas de Star Wars. Cuando compramos
Lucasfilm el plan era realizar tres cintas:
Episodios VII, VIII y IX
X Ese era nuestro
proyecto inicial, pero ahora tenemos otros”,
aseguró la presidenta de Disney, Anne Sweeney,
quien cree en la inmortalidad... o ya tiene listos y
preparados a varios de sus clones.

ENERO 2018 115

 LA FRANQUICIA QUE LOGRÓ MOMENTOS INOLVIDABLES,
INCLUSO PARA QUIENES NUNCA HAN VISTO LAS PELÍCULAS.
POR MANOLO GARCÍA ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

116 ENERO 2018

ENERO 2018 117
ESPECIAL

EPISODIO 2

darthvader
Y
luke
COMO SÍMBOLOS
CULTURALES
El conflicto primordial de Star Wars tiene la pelea de un héroe esperanzado
contra un villano que encarna todo lo malo. La particularidad aquí es la
relación entre ambos personajes.
Puedes no saber nada de esta saga galáctica pero, probablemente, “Luke,
I’m your father” sea una frase que toda la humanidad conoce. Muchos
consideran esta línea de Episode V: The Empire Strikes Back como uno de
los giros más grandes en la historia del cine y, claro, se ha vuelto una
referencia que se puede encontrar plasmada en todos lados, desde memes y
ropa, hasta tazas —incluso sustituyendo a la clásica “World’s Best Dad”—.
Sin embargo, ésta fue una prueba para separar a los warsies de los fans
casuales, pues la línea original es “No. I’m your father”, a pesar de que se
haya guardado en el imaginario colectivo con esa pequeña variación simple
y llanamente para hacer una referencia directa a la cinta. Así de relevante es
la relación de Luke Skywalker y Darth Vader en la cultura popular.
Y claro, no podemos olvidar que este plot twist es la prueba de que,
incluso con las trilogías precuelas, el orden real para verlas debe seguir
siendo aquél en que fueron lanzadas. Verlas cronológicamente sólo causará
que el público nuevo de la saga se pierda este gran conflicto.
La importancia de la revelación final sobre el parentesco entre estas dos
figuras recae en el camino del héroe. La primera vez que vemos a Luke es un
pobre huérfano que sabe que su destino es más grande que nada más

118 ENERO 2018

 quedarse en el negocio de los tíos, la granja. Su
identidad, más allá de ser un caballero Jedi o
alguna otra profesión galáctica, se centra en
conocer su propia historia familiar.
El hecho de que Luke sea hijo de Anakin
Skywalker es un gran dolor de cabeza para el
héroe de Star Wars, pero es también la pieza final
de la saga (por lo menos, de la trilogía original).
En su enfrentamiento con el Emperador
Palpatine, lo que cambia todo no es el uso de la
Fuerza, sino que Luke puede querer al villano
porque él es su familia y ni siquiera todo el poder
del Lado Oscuro eliminaría el deseo de tener una
relación padre-hijo.
No es una coincidencia que Luke sea un joven
“rebelde” que está en contra de todo lo que su
padre cree. Todos hemos estado ahí. El choque
generacional es parte de la vida y es algo que
nunca cambiará, pero en el caso particular de los
Skywalker también es un ejemplo de que el
conflicto se puede resolver al final. Es la
esperanza de todos los que tienen problemas con
una figura paternal. El momento en que Darth
Vader prefiere salvar a su hijo, olvidando sus
propias creencias, es una resolución de conflicto
tan humana y tan común que cualquiera se puede
sentir identificado.
Al final, siempre existirán este tipo de
relaciones padre-hijo en la cultura. Lo hemos
visto repetirse todo el tiempo en el cine, hace
poco en The Lego Ninjago Movie, que tiene en el
centro de la trama al héroe, Lloyd, intentando
tener una relación con su padre, Garmadon,
quien —cabe señalar— también se trata de su
Hijo de tigre, pintito / archinémesis.
Incluso los Lego se Para más instancias de la importancia
sorprenden del cultural de la frase “I’m your father” basta sólo
parentesco entre Luke con revisar toda la mercancía disponible para el
y Darth Vader / Los Día del Padre, incluyendo la hilarantemente
hermanitos reigual tierna serie de libros infantiles de Jeffrey Brown
llevándole la contra a que incluyen Darth Vader and son y Goodnight
su papá. Darth Vader.
En conclusión, esta relación de héroe-villano
ya es parte de la historia y difícilmente será
olvidada, incluso en la galaxia más lejana.

EXPERIMENTO: SHADOWS OF
THE EMPIRE
El universo extendido siempre ha sido algo de
suma importancia para Star Wars, pues se trata
de una historia tan grande que no puede ser
contenida sólo en películas.
Shadows of the Empire fue un muy ambicioso
experimento de llevar a la franquicia más lejos
que ninguna otra, metiéndose en nuevos
formatos, como cómics, videojuegos y novelas.

ENERO 2018 119

ESPECIAL

EPISODIO 2

Star Wars siempre ha sido una máquina de

mercancía y, aunque el proyecto multimedia
Shadows podría parecer sólo un esfuerzo por
vender más, fue el primer paso a la expansión real
de la trama.
Y claro, un ejemplo más de que su huella en la
cultura pop es considerable. Nadie conoce el
negocio de las secuelas, precuelas e “intercuelas”
tan bien como esta saga.
La idea era llenar el espacio entre The
Empire Strikes Back y The Return of the Jedi,
una temporalidad que no había sido explorada
antes. En 1994 la asociación entre Lucasfilm y
Bantam Books originó este pequeño universo y
sólo tardó dos años en salir a la luz.
En primera instancia, la finalidad del
proyecto era explicar algunos elementos que se
quedaron en el aire en Episode V, continuando las
tramas de Luke, Leia, Vader y demás. De esta
forma, la novela presentó a un nuevo héroe de
nombre Dash Rendar, quien es misteriosamente
muy parecido a Han Solo, personaje que en esta
historia sigue congelado en carbonita. El
videojuego que fue lanzado para PC y Nintendo
64 siguió la misma historia.
Pero en la parte de los cómics la historia se
fue al otro lado y contó la perspectiva de los
bounty hunters, en particular la de Boba Fett. De
igual forma, aquí se contaron algunas historias
referentes a Vader y su asistente, Jix.
No sería parte de Star Wars si no tuviera su
propia línea de juguetes Kenner, tarjetas
intercambiables Tops y hasta su propio
soundtrack original. Como dicen en internet
sobre este proyecto: existió absolutamente de
todo, “menos la película”.
Aunque en realidad nunca contó algo que
cambiara la conclusión de Return of the Jedi, la
historia de Shadows of the Empire es una que
quedará guardada en el corazón de los fans que se
acercaron a otros medios para tener “el espectro
completo” de su saga predilecta.
La mala noticia es que, posterior a la compra No sólo tú jugabas
de Lucasfilm por Disney, se decidió que todo lo con la escoba,
que no fueran películas o la serie de Clone Wars también ellos / Otra
dejaría de ser regla, convirtiéndose en parte del adaptación en cómic
universo Legends (que no es oficialmente de la aventura de los
canónico). Skywalker / Cholo
El impacto de Shadows fue tan grande que en chut first / Reviviendo
la reedición de 1997 de A New Hope se agregó la las escenas favoritas
nave de Rendar y droides ASP de esta historia. en las consolas.
También han existido referencias en las series
animadas Clone Wars y Star Wars Rebels, pero
deben ser considerados meramente easter eggs,
pues no hay confirmación alguna de que sean
parte del universo oficial.
Así fue como algo que inició como un intento
de vender más mercancía se convirtió en el

120 ENERO 2018

proyecto Star Wars más grande desde su inicio. El tamaño de este
experimento fue tan notable que aún es cuestionable cómo se invirtió tanto
en una innovación así, pero como decía antes, se ahorraron el presupuesto
de una cinta. Justo es lo que le vuelve un éxito económico y, más relevante,
un ejemplo a seguir para la mayoría de las campañas de marketing de los
blockbusters hollywoodenses que vemos en la actualidad.

LATINOS EN STAR WARS

Aunque sucede en una galaxia muy lejana, hace mucho tiempo, Star Wars no
siempre ha sido una saga que se caracterice por ser diversa. Aunque no lo
parezca, en fechas recientes se han hecho esfuerzos para que talentos
latinos sean parte de ella.
Hace un par de años se sumó al guatemalteco Oscar Isaac, quien no sólo
fue un caso de “llenar la cuota de diversidad” en The Force Awakens, sino
que se le dio un rol protagónico en la forma de Poe Dameron. De igual forma
podríamos considerar a la actriz nacida en México, Lupita Nyong’o, quien
interpretó a Maz Kanata en Episode VII: aunque es un personaje 100 por
ciento digital, el motion capture fue interpretado por ella. Ambos actores
estuvieron de vuelta en Episode VIII- The Last Jedi, igual que el
puertorriqueño Benicio del Toro, quien debutó en la saga con el papel de DJ.
Aclaremos que no fueron los primeros. Antes de Isaac, Jimmy Smits fue
parte de la trilogía precuela en el papel de Bail Organa. Aunque el actor es de
origen estadounidense —su madre era de Puerto Rico y su padre de
Surinam—, ha hecho una carrera de interpretar personajes latinos y eso lo
convierte en uno de los primeros representantes de dicha cultura en la
franquicia Star Wars.
Y claro, el mexicano Diego Luna en Rogue One: A Star Wars Story,
donde se robó la atención de todos con su marcado acento en el rol del
capitán Cassian Andor.
Son estos los actores que están cambiando el panorama en Hollywood,
donde los protagónicos siempre eran en particular estadounidenses y los
personajes de otras razas quedaban relegados.
Luna e Isaac son el ejemplo de que se ha dado un paso crucial hacia
adelante en la industria del cine; una que, según un estudio de la Annenberg
School for Communications and Journalism de USC, tiene a los latinos
como la raza menos representada en roles de televisión y cine.
De más de 11 mil personajes con diálogos, en el estudio sólo el 5.8 % eran
hispánicos o latinos. Eso sin tomar en cuenta que más del 17 % de la
población de Estados Unidos es latina.
Pero volviendo al caso de Luna y el capitán Andor, lo que se logró aquí
fue histórico. Los mexicanos, con mucha frecuencia son considerados nada
más para tener papeles de narcotraficantes, violadores o criminales y, en
Star Wars, un mexicano es un héroe tan grande que incluso se sacrifica por
el bien común.
Esto marcó un precedente que esperamos continúe en el cine de
Hollywood. Poco después del estreno de Rogue One, Diego Luna le dijo a El
País: “Mi presencia en esta película demuestra que nos escucharon. Cada
que compramos una entrada estamos diciéndole a la industria cómo
queremos vernos reflejados”.
Y es cierto: cada vez observamos más la importancia de la
representación y diversidad en los medios. Las distintas razas y culturas
comienzan a tomar lugares centrales, alejadas de los clásicos estereotipos
insultantes. Queda esperar que se convierta en el nuevo estándar y que se
esparza con la Fuerza.
Ahora, si lo que quieres es reír un poco con memes de influencia latina
en Star Wars, incluyendo al droide mexicano “Arturito” y a “Han Cholo”,
echa un vistazo al hashtag #EstarGuars.

ENERO 2018 121

 COMO TODO LO QUE NOS ENCANTA, STAR WARS
NO ES PERFECTA, Y NO SE TRATA SÓLO DE STORMTROOPERS
TORPES: HAY ERRORES DE LOS QUE NADIE QUIERE NI HABLAR.
POR JORGE SALVADOR JURADO ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

122 ENERO 2018

ENERO 2018 123
ESP

TAR WARS S ES QUIZÁ LO MEJOR que le ha Hope, al soldado asesinado por Darth Vader que
pasado a la industria del entretenimiento. Casi flexiona la pierna para ayudar a los
todo en ella es entrañable: desde sus inolvidablesidab Stormtroopers a levantarlo en The Empire
personajes —ya sean humanos (digámosl sless así)
así), Strikes Back k o al Ewok que deja ver los ojos del
criaturas o droides—, pasando por la hiisto oria de actor
or que
ue lo interpreta en Return of the Jedi,
una “familia real” gracias a los designioss de los además
má de vaarios detalles de la trama que se
midiclorianos, siguiendo por una orden or ccontr
n adicen n o le restan solidez a la historia.
místico-guerrera con un poco de trrasfo fonndo L que
Lo que sigu
gue ahora es el recuerdo de algunos
católico-budista-celta-new w age. detalle
ta les q
que
u van de lol enttendible a lo lamentable,
Hasta el aspecto económic mico, dentro ro d
del cu
cual p es en de
pues determiinaados caasos, a pesar de no poder
el mismo filme se vuelve una na obra
bra de culto al califi arlos como eerroress, tiienen una cercanía
califica
tiempo que una marca comercial altam amentee muy grande
gr d con on los
lo hhorrorres.
rentable, sin perder ni unaa pizc
pizca de la emoción
emo ón

LOS PERSONAJES DEL

original: la que, en el caadaa vez más llejano 1977,
causaba que al terminaar lla funciión n de La a guuerra
rr
de las galaxias, los otroora niños
padres comprarles una “espada
n os exxigieran
espada láser”.
l .
n a sus
Una parte importante de su en ncan ntoo son suss
ingenuidades y sus errores, los cuales al s suelen n
disculparse debido a tanta maravilla que no os
regala, pero que cada tanto regresan a to orturarar la
memoria, como aquel gazapo fundacional i del
Episode IV V cuando uno de los Stormtroopers se
golpea la cabeza mientras su equipo busca a los
fugitivos Luke Skywalker, Han Solo, Chewbacca
y Leia Organa, quienes se ocultan en el triturador
de desechos.
La plataforma YouTube está llena de tops y
demás conteos que dan cuenta de los detalles de
continuidad y errores técnicos de las dos
trilogías, del Episode VIII y de Rogue One. Puedes
buscar los sables de luz polvorientos de A New
CÓMIC ORIGINAL
Com
C mo tod
todos sab
ben, en 197
1975 George Lucas le pidió
a Ralph
R McQuarrie
M que ilustrara el guion
gal
aláctico
o que buscaba llevar al cine. El artista fue
el responnsabble de diseñar el aspecto visual de la
m
mayoría d
de los personajes, mismos que al
llevarse a la realidad cinematográfica resultaron
tener comprensibles cambios. “Una cosa es la
que sueñas y otra la que puedo darte”.
Con la cinta en plena producción, la gente de
Fox —el único estudio que decidió confiar en la
locura de Lucas— pensaba que sólo una buena
campaña de marketing podría venderla, en ese
entonces, extraña película: la campaña
publicitaria podría comenzar con un cómic bajo
un acuerdo con Marvel Comics. Howard

124 ENERO 2018

 Chaykin, yay en esos añ años un n reconocido
reco c de seguidores de Star Wars hizo imposible que se
dibujante
dib te de
d cómic
c icss, fue llam mado
ma ccomo m retransmitiera o se lanzara en formatos caseros,
ilu a
ilustrador de la sagga. Adem
Ad máss se le pidió
p dió un cacartel lo cual, por fortuna, de paso logró que Lucas y
paraa promoc
rom cionarr el filme
film en la CoComic-C
ic-Con de compañía enmendaran por un tiempo el camino
San
an Diiego de 11976,
76 titulado
a “Star
Star WWarrs Corp. de las secuelas y optaran por un mayor apego al
Poster 1”. En éll vemos
Post m s el aaspecto
cto casi
c si fifinaal de la concepto épico-heróico original, pues ese
estéticaa dee A New w Hope
H e, con o algunos
alguno ccam mbios en alejamiento del concepto principal fue la causa
el casco
co dee Vadeer, cierta
ci rta duureza en llos rasgos de del fracaso del especial. Como si aquellos
los actorees y lass n
naves noo del
el todoo co
omo las primeros espectadores necesitaran la fantasía
conocem mos;; pero
p digamo
d os que
q es fi fiel.. guerrera con causa y no fortalecer los valores
Lo verdaderamente desconcer
d rtante, aunque familiares. Me explico...
comprensible, es el resultado final de la serie de La historia es ssencilla
c a: ttraataa de los peligros
cómics, que comenzaron su publicación en 1977 que enfrentan Cheewbaacca
acca y Han
H n Solo
Solo cuando
y terminaron 107 números después, en 1986, buscan visitar Kashyyyk
shyyyk, eel plane
planeta
n n
natal de
cuando Marvel perdió la licencia. Los primeros Chewie, paraa celebrar
c lebrar ell Día de la Vida,
Vid algo así
seis números adaptan el Episodio IV V con guion como la Navid dad-Acción
d Acci n de Gr Gracias
G c as Wookiee,
Woo en
de Roy Thomas y lápices del propio Howard medio de la persecución
secuución por p part
rte de las tropas
Chaykin. Si puedes googlearlo, échale un ojo a un imperiales.
Luke bastante más mayor que Mark Hamill, a la Los cazadores de d anécdotas
anécd tas dee la saga
frondosa Leia, al militarizado Han Solo y al encontrarán aquí algu unas
as jo
oyas, como la primera
simiesco Chewbacca, más cercano al Yeti que al aparición de Boba Fett en tal vez la historia más
entrañable guerrero-perro-faldero que importante que protagoniza. También se
conocimos al final. presentan los aborrecibles padres de Chewbacca:
Itchy y Malla,a y al hermano Lumpy, de quienes

STAR WARS HOLIDAY después se supo que sus verdaderos nombres son
Attichitcuk, Mallatobuck y Lumpawarrump,

SPECIAL respectivamente. El programa incluye a varios

Antes de The Empire Strikes Back, antese de
de
Return of the Jedi, fue Star Wars Holiday Special.
No tienes que imaginar Star Wars, el Musical:
ya existe. Era 1978 cuando el primer spin-off de
la saga vio la luz. Señor Lucas, lamentamos
informarle que su hijo es tarado. El programa de
más de hora y media de duración fue dirigido por
Steve Binder, famoso por sus éxitos en especiales
musicales de TV, y se transmitió por única
ocasión el 17 de noviembre de aquel año en los
canales CBS (estadounidense) y CTV
(canadiense). La pésima crítica y la baja
aceptación por parte de las nacientes legiones
personajes y actores principales además de Solo
y Chewbacca, como Luke Skywalker, C-3PO,
R2-D2, Darth Vader y la princesa Leia, a quien
podemos oír cantar; además cuenta con música
de John Williams y de otros compositores de
menor talento, presenta una de las primeras
animaciones de Star Wars y un tema de Jefferson
Starship.
Lamentablemente el Holiday Special comete
el pecado de restarle importancia a la trama y la
lucha de los rebeldes contra el Imperio para dar
paso a una serie de números musicales,
participaciones de celebridades y rutinas de
comedia y acrobacia que promueven los “buenos

Desde el inicio hubo

cambios y
contrariedades con
la historia, los
personajes y sus
detalles / Eran
tiempos en los que
era tan caro filmar
que a veces mejor
seguín con la
escena aunque
hubiera uno que
otro errorcillo / La
familia de
Chewbacca es
como la tuya:
impresentable.

ENERO 2018 125

ESP

valores” y de paso arruinan para siempre la

historia del origen de Chewbacca.
CARAVAN OF COURAGE: suficientement
uficientemente
n
su estaancci
ssólido ni siquiera para justificar
ciaa en ell final de la saga, y pretender
Donde había un lugar extraño y fascinante,
como la cantina de Mos Eisley en Tatoo
fasci
Ta oin ne, los
los
AN EWOK ADVENTURE Y seguir contando
an la historia de la República
contra el Imperio a través de estos peluches le
autores de este desastre ponen algo pa
Villa del Grinch; donde habíía cria
parecido
iaturas
tu
ur s
e idoo a laa OTROS HORRORES restó grandeza a lo logrado con la trilogía. Es
decir, se sabe que Lucas deseaba demostrar que
maravillosas como Greedo, las sustit
sustituyen
yen po
por L ave
La a entura fílmica de Star Wars se pensaba hasta los más pequeños tienen una función en la
maquillaje, pelucas de colores,
es traje
ajes co
con concluida con el Episode VII y sin una claridad de
concl gran obra social que es la libertad, pero pese a la
brillantina y efectos de video
ide ded música
ús a di
disco
disco; hacia dónde llevar un negocio tan redituable se
ha proclama, su ayuda para derrotar a un Imperio
donde había una princesaa rebe
rebelde que tomaba
t m ba las dio paso a contar una historia ubicada en Endor militar capaz de matar con la mente y tener
armas y era fiel a un ideal a pesarr de la y est
estelarizada por los lindos ositos que armas que destruyen planetas fue
destrucción de su hogar, tenemoss a una derrotaron al Imperio. Así nació The Ewok narrativamente complicado.
celebridad que ahora promueve laa paz p z por medi
m dio Adventure, título con el que se conoció en un Los Ewoks originales eran insoportables
del canto. primer momento este filme. estéticamente hablando, inexpresivos, que no
¿Podría ser peor? En 1979, el libro infantil Era clara la intención de Lucas de llevar el movían la boca la hablar, y si se le suman en sus
The Wookiee Storybook insistió en el tema, universo extendido de Star Wars hacia un nueva aventuras a villanos que no generan
tratando de poner el festejo Wookiee Día de la público infantil, por ello escogió la historia de un miedo, por lo general monstruos de los bosques
Vida como una fuente de inspiración familiar; y par de chicos varados en Endor que deberán de los que cualquier Jedi derrotaba en segundos,
en la tira de periódicos The Kashyyyk Depths, del encontrar a sus padres secuestrados por el además de un reparto que sólo sabe ofrecer
mismo año, con un tomo de mayor acción, monstruo Gorax. La película se desarrolla antes actuaciones planas, es no sólo comprensible,
ofreció una aventura de Han, Luke, Leia y de los eventos de Return of the Jedi. sino hasta loable, el que estas obras no
Chewie en Kashyyyk para el Día de la Vida. Tal fue el esfuerzo de llegar a los bolsillos de pertenezcan al canon oficial de Stars Wars.
Insisto, ¿podría ser peor? los padres de familia que la cinta tuvo una
En 2005, en la cuestionable Revenge of the
Sith, Lucas trata de lavarle la cara al desastre
secuela en 1985 llamada Ewoks: The Battle for
Endor y una serie animada titulada simplement nte JAR JAR BINKS Y LA ERA
Wookiee causado por el Holiday Special al poner
a esta raza guerrera a enfrentar valientemente al
Ewoks, con una segunda temporada ada que
su nombre por The All New Ewoks y lleg
q camb
egó
c bió
gó h
hasta ta DIGITAL DE STAR WARS
Imperio al lado de los Jedi y las tropas de la 1986. Por si fuera poco, en 1985 5 tam
también n see la
lanzó
zó Pa el cine
Para c e hol
hollywoodense ninguna otra década
República, pero a pesar de la tecnología y la la animación Droids, de apenas una tempo emp raada aportó
ap ort tantos
t avances a la “magia” como la
sofisticación en los paisajes sobrevive aún la de 13 capítulos, con estel
elares de R2-D2 D2 y C-3PO.
C PO décaada de lo
dé los años 70. Nunca antes los efectos
misma sensación que al mirar a los Ewoks: Si bien en estas ob
braas Luccass no dej
deja de lado
ado especiale
espe les fue
ueron aliados que aportaban
imaginar a salvajes con resorteras contra los los valores de producciión,n, el ideal
i e que lo llevó
llevó a c dibilidad a la narrativa como en aquellos
credib
marines estadounidenses. incluir a los Ewoks en Return of the Jedi
Jedi no fue a s y para
años, par comp
co probarlo sólo hay que

126 ENERO 2018


¡Aaaaaaaay, los Ewooooks!
¡Estúpidas ternuritas! /
Los Wookiees ya existían
en la Edad Media /
Qui-Gon Jinn le pide
decentemente a Jar Jar
Binks que cierre la boca /
Un diputado o senador de
otra galaxia, ¿a quién se
parece de los que
conoces?
mencionar Star Wars e Industriall Lightght & Magic
M gic.
Para A New Hope, John Dykstra, Den Denn
nnis Muren
M
Mureen,
Richard Edlund, Joe Johnston, Phil Tippett
Tippettt y
otros especialistas supieron desarrollar
esarro ar sistemas
si emas
que mezclaban la animación, el maquillquiillaje,
je,
e la
las
maquetas, las computadoras, los títerress, el sto op
motion, el montaje y una larga lista de recursos sos
cinematográficos a favor de una historia.
Para esta franquicia, la vida antes del croma
era el paraíso. Con estos antecedentes, el mundo
se cimbró cuando en 1999 se anunció The
Phantom Menace. Con los ojos puestos en los
billetes, Lucas descuidó aspectos fundamentales
de la continuidad de la saga y dio paso a un sinfín
de traspiés lamentables, tanto de la hechura de
las cintas como del relato. En la trilogía original,
cronológicamente posterior a la segunda,
¿alguien se dio cuenta que R2-D2 puede volar?
¿O que el supuesto contrabandista Chewbacca,
en apariencia un vividor al lado de Han Solo,
había defendido previamente a la República?
Estos traslapes de continuidad van acompañados a
de un largo etcétera de sinsentidos, pero lo o peo
eor
fue el uso CGI y el diseño de los personajes
aj s. El
nuevo juguete digital de Lucas nunca
un loggró ó
igualar la grandeza de los anteeriores
ores effectoss
especiales que habían envejeccid do conn tanta
dignidad. Si bien algunos paisajajes y bat
batallas sonn
espectaculares, por desgracia las fallas en el
guion y la pobre aportación de lo os recu
ecurso
ursos
digitales en momentos clave, com mo el duelo
uelo en
Mustafar, le restaron suficientnte caliddad
d a lla
segunda trilogía.
Además, ¿qué necesidad había de po onerr
como protagonista a una criatura medi dio
jamaiquina-afroamericana-torpe? Su nombr ombre ese
Jar Jar Binks y desde que lo conocimos lo
aprendimos a odiar. ¿Y qué decir de Boss Nass?
La torpeza en la animación fue capaz de casi
echar a perder diseños fabulosos, como el de
Sebulba y el General Grievous.
Por fortuna para los odiadores de Jar Jar, en
la novela Aftermath: Empire’s End nos enteramos
de qu
que, tras su torpe actuación como senador al
ayudar indirectamente a la creación del Imperio,
ayud
Jar Jar regresa con los gunganos, donde es
Ja
rep
epudiado y termina sus días como payaso
callejero.
ll
Pero lo peor del CGI cobró una víctima
mayor de Star Wars: la primera trilogía. Claro
que ésta tenía fallas y aspectos que pudieron
enmendarse o mejorarse, como el Exogorth,
aquel gusano oculto en un asteroide que casi
devora la nave de nuestros héroes en The Empire
Strikes Back, el cual siempre tuvo cierto parecido
a un títere de calcetín, aunque por desgracia
Lucas se dedicó a modificar escenas que, si bien
no eran perfectas, casi lo eran.
Lo guardamos para el final: la fallida
sustitución de Darth Vader por Anakin (Hayden
Christensen) en los fantasmas del final de The
Return of the Jedi, eliminando a Darth Vader, y
vestido como el Obi-Wan de la vieja trilogía,
siendo que nunca vistió así en las cintas.
ENERO 2018 127
 ALERTA:
SPOILERS

DALE REWIND A TU CORAZÓN

128 ENERO 2018

 LAGUÍADE
EMPIRE
PARAVER
EN CASA
WAR FOR
THE PLANET
OF THE APES
El realizador Matt Reeves
te lleva a través de su monísima
obra épica.

POR DAN JOLIN

EL
VEREDICTO DE
Lo que dijimos: “Gracias a
la evocativa historia y a los
antropoides más realistas
que encontrarás fuera de
un zoológico, esta entrega
WAR FOR THE es la más fuerte”.
PLANET OF THE
APES Extras notables:
++++ Comentario de Reeves,
escenas eliminadas y
featurettes.
00:05:07
LO QUE VE DIOS ___ Nos deja caer en la
guerra que señala el título de la cinta: en plena
batalla entre hombres y simios, en una colina
desde una perspectiva cenital. “Quería un ángulo
que mostrara la violencia, casi desde el punto de
vista indiferente de Dios”, confiesa Reeves. “He
visto muchas películas de guerra y The Thin Red
Line de verdad me afectó por la pequeñez de las
figuras contra el paisaje”.

ENERO 2018 129

 00:06:25
___ Cuando El Coronel
(Woody Harrelson) ataca la base de los simios, la
tragedia recae en la familia de César (Andy
Serkis). “¡Es la fortaleza escondida de César!”,
reclama Reeves. “Fue tomada literalmente de The
Hidden Fortress, de Akira Kurosawa, donde
esconden a la princesa tras una cascada. Tenía
sentido que, dado el conocimiento de los simios
de esta zona, se replegaran en el bosque”.
00:26:28
HOLA, SIMIO MALO __
_ Reeves describe al
adorable chimpancé de Steve Zahn como la
encarnación de una “revelación enorme” —que
hay otros simios inteligentes además de la tribu
de César—. “Siempre pensé que Steve era muy
gracioso, pero también muy real y asentado”,
apunta Reeves. “Hablamos por Skype y, al leer la
escena donde César y Bad Ape hablan sobre sus
hijos, ¡me hizo llorar! ¡Por Skype!”.
01:02:40
HELLO, DOLLY __
_ Otro guiño a War es la
muñeca de Nova. En la cinta del 68 una muñeca
es la prueba de que los humanos alguna vez
hablaron. Aquí, la mona transmite el virus mutado
que deja sin habla a El Coronel. “Mark y yo vimos
de nuevo toda la saga y, si había pequeños
detalles que resonaran, los escribíamos en
tarjetas. La muñeca fue uno. Creímos divertido
que representara el fin de la expresión humana”.
130 ENERO 2018
00:13:33
DE VUELTA A LA PLAYA ___ Tras rescatar
a una niña muda (Amiah Miller), los simios
recorren la playa a caballo en una imagen que, a
manera de tributo, es igual a la original Planet of
the Apes de 1968, aunque se supone que sería
más sombría porque Reeves escogió Vancouver
Island en temporada de lluvias. “Pero ese día
estaba supersoleado. Nos consternó, pero luego
nos dimos cuenta de lo hermosa que era”, dice.
00:34:02
BUENA NOVA ___ Cuando Bad Ape le da un
escudo de Chevy Nova a una niña, los fans de
Apes de inmediato reconocen la referencia al
personaje Nova, de Linda Harrison, de la saga
inicial. “La idea era que no fuera literalmente
Nova, eso no funciona en la línea de tiempo, pero
ella es la respuesta para quienes se preguntan
por qué estaban esos humanos en la original”,
señala Reeves.
01:21:55
BAJO LA NIEVE ___ Al término de la batalla
climática, una avalancha arrasa con el victorioso
Ejército del Norte, sólo los simios que trepan
árboles sobreviven. “Para mí es una épica bíblica
pero darwiniana”, profundiza Reeves. “Es nuestra
partición del Mar Rojo y una prueba darwiniana”.
Algunos espectadores, sin embargo, esperaban
que el ejército fuera más mono. “Es gracioso,
pero no habría tenido sentido”.
00:25:54
EN EL FRÍO INVIERNO ___ César llega al
punto moral más bajo cuando mata al gorila
traidor Winter (Aleks Paunovic). “La historia que
Mark (Bomback, coguionista) y yo queríamos
contar era la que llevó a César a tales extremos, y
enraizarlo en una historia bélica. La cuestión de la
empatía en la guerra, cómo ‘deshumanizas’ a tus
enemigos. Queríamos herirlo tan profundamente
que perdiera su habilidad de ver con claridad”.
00:37:31
MIERDA SOBRE EL HOMBRE ___ “Todos
bromeaban con que algo así tenía que estar en
una película de Apes”, cuenta Reeves. “Así que lo
hicimos”. Sí, por fin vemos a un chimpancé
arrojar popó; en este caso, a un guardia humano.
Ocurre durante la sección que Reeves llama “El
gran escape de los simios”. “Es de mis partes
favoritas. Después de la increíble intensidad,
tienes una sensación de esperanza, de alivio”.
01:40:31
HORA DE MORIR ___ Tras llevar a sus simios
a “Tierra Prometida”, César por fin sucumbe a su
herida mortal. “El punto era llevarnos por el arco
del personaje que comenzó como un don nadie y
se convirtió en una figura mítica”, concluye
Reeves. “Después de eso, no hay a dónde ir”.
WAR FOR THE PLANET OF THE APES ESTÁ DISPONIBLE
EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA DIGITAL.
 BUENA TARDE | MALA TARDE
RILLO POR JOHN NUGENT

VESTUARIO
VESTUARI
El traje de huesos cruzados (en Captain America: Civil War).
r Es el personaje He tenido que usar uniforme de policía dos veces y simplemente no me
con el que mis hijos se identifican más. Ponerme ese traje era genial. Nadie gustan. Siempre que tengo puesto uno, me siento raro y me cuesta
tenía que ver mi cara y era fantástico usarlo. meterme en el personaje. No podría ser policía en la vida real.

AUDICIÓN
Audicioné para The Pacific con Steven Spielberg Hace muchos años hice una prueba de pantalla
y Tom Hanks. Actuamos e improvisamos durante para una nueva serie de tele llamada CSI. Desde
40 minutos y me perdí en el proceso. Fue muy que empezó supe que no obtendría el papel.
orgánico y fenomenal. De hecho, Steven me Estuve terrible. Salí corriendo y literalmente me
abrazó cuando me fui. Una semana después me eché a llorar. Creí que mi carrera estaba
llamaron para decir que tomarían a alguien más. terminada. Todo pasa por algo, lo tengo claro,
Ni modo, así es la vida de un actor. pero ese día nunca se me va a olvidar.

CONSEJO/DIRECCIÓN
En cierto momento me sentí muy deprimido luego de que cancelaran una Al inicio de mi carrera estaba en una telenovela llamada Guiding Light y un
serie en la que trabajaba. Kevin Huvane, una de las cabezas de mi agencia, día me dieron diálogos que no entendía. Un director me comentó: “Te diré
me dijo: “No hay reglas para el éxito, excepto que no puedes rendirte”. algo, hijo: ‘He estado dirigiendo durante 18 años y tú no tienes lo que se
Simpe doy ese consejo a los actores jóvenes. necesita para esto’”. Desde entonces nunca he vuelto a oír hablar de él.

LOCACIÓN
Probablemente Marruecos, Cuando hice The Grey
junto al mar. Era exótico y estaba en Smithers, en
hermoso. Estaba haciendo Columbia Británica, y era
una película llamada invierno con temperaturas
Intersections (ahora bajo cero. Han sido las
Collision) que tenía como condiciones más brutales en
productor a Luc Besson. las que he estado y, sin
¡Un lugar realmente embargo, es quizá mi
hermoso! película favorita.
MOME
Hice una cinta llamada Disconnect con Jason No esta
aba trabajando. Me rechazaron en una agencia,
Bateman, Alexander Skarsgård y Andrea Riseborough h. una de nivel medio. Fue en Nueva York, era invierno y era
Nos aceptaron en el Festival de Cine de Venecia y al el punto más bajo de mi vida. Una semana después me
final de la proyección recibimos una ovación de pie de e llamaron para hacer un piloto y estaba de vuelta en mi
16 minutos. Nunca había experimentado un tipo de camino. Siempre estás a una llamada telefónica de que
alabanza por algo de lo que estuviera tan orgulloso. tu vida cambie. Curioso, ¿no?

ENERO 2018 131

 OBRAS
MAESTRAS
DE EMPIRE
PRESENTA:
BREAKFASTAT HAY DÍAS DEPRESIVOS, “cuando
engordas o llueve mucho. Te pones triste y eso es
periodista Truman Capote en 1958, casi 10 años
antes de que éste publicara su célebre A sangre

TIFFANY’S
1961
BLAKE EDWARDS
Cuando uno se asume como es
resulta muy difícil que otorgue
concesiones cuando de los
demás se trata. Incluso esa idea
de la otredad palidece ante la
propia y excepcional existencia
como “espíritu libre y salvaje”.
POR ANAID RAMÍREZ
todo”. Pero si estás en un día rojo, ahí sí ten
cuidado: “Son horribles. De repente uno tiene
miedo y no sabe por qué”, explica la protagonista
de Breakfast at Tiffany’s, la icónica Holly
Golightly de Audrey Hepburn.
Es por eso que, en la escena de apertura de
dicha cinta, ves a la socialité tomando café y
comiendo un pan danés frente a las vitrinas de
Tiffany’s. Minutos más tarde, ya en su
departamento, la chica le cuenta a su nuevo
vecino, el escritor y gigoló Paul Varjak (George
Peppard) la razón por la que la famosa joyería de
la 5th Avenue de Nueva York es su aliciente para
los días rojos: “Me calma los nervios. Es tan
silencioso y soberbio. Allí no puede ocurrir nada
malo”.
El director Blake Edwards te introduce así
en la vida de Holly, una chica que “no le
pertenece a nadie”, “un espíritu libre y salvaje”;
una mujer que salió del puño y letra del
fría (1966).
El autor se dio su tiempo para estar al tanto
de lo que ocurría con la versión cinematográfica
de su novela. La actriz en la que de inmediato
pensó para encarnar a su protagonista fue
Marilyn Monroe, pero ella desistió ante el
comentario de su consejera y act coaching Paula
Strasberg, quien le dijo que no debería
“interpretar a una dama de la noche”.
Y es que Holly no era un personaje sencillo,
considerando sobre todo la época —inicios de los
60— en la que se presentó. La chica es
prácticamente una escort que no se cohibe a la
hora de mostrar y decir sus verdaderas
intenciones, hace lo que sea por conseguir dinero
(le dan 50 dólares “por ir al baño”), le pagan por
decir mensajes cifrados a un narcotraficante
encarcelado en Sing Sing, es una cazafortunas
que puede estar hoy con uno de los solteros más
codiciados de Estados Unidos y mañana con el

132 ENERO 2018


futuro presidente de Brasil mientras pasa la
noche con el apuesto y pobretón Varjak.
En contra de los deseos de Capote
—“Paramount me traicionó en todos los sentidos
y eligió a Audrey”, dijo en su momento— y
apenas dos años después de haber encarnado a la
hermana Luke en The Nun’s Story, Hepburn se
quedó con el protagónico y no sólo logró su
cuarta nominación a los Premios de la Academia,
además consiguió que ahora pensemos en ella
como la única capaz de dar vida a Holly.
Encarnando a una joven de 19 años cuando
ella en realidad ya tenía 31, Hepburn se convirtió
en la actriz mejor pagada de Hollywood en su
tiempo —se llevó alrededor de 750 mil dólares
por la cinta— y, de paso, en un referente cultural
y de la moda.
¡Y cómo no! El famoso vestido negro que
porta en cuatro momentos de la cinta fue
diseñado por la casa Givenchy para ella en
exclusiva. Tal fue el impacto de la prenda que,
en 2006, se subastó y Christie’s Auction House
la compró por la modesta cantidad de 800 mil
dólares aproximadamente, convirtiéndose en
uno de los objetos de memorabilia de una
película más caros de la historia. La producción
significó también la mejor publicidad gratuita
para la Tiffany’s.
Pero, ante todo, la actriz de sangre azul fue la
catarsis de muchas mujeres de aquél tiempo que
deseaban la libertad sexual y económica de su
personaje.
La señorita Golightly vivió una infancia
complicada y con carencias, robaba comida y
tuvo que casarse en plena adolescencia para
asegurar alimento y techo para ella y su
hermano. Luego de que un agente
hollywoodense la descubriera, su perspectiva
cambió y decidió valerse por ella misma, aunque
su método fuera cuestionable para muchos.
La cinta pone sobre la mesa la desventaja de
género en la que se encuentra el personaje
principal. Al conocer a Varjak, Holly se
encuentra con una versión masculina de ella
misma, alguien que busca dinero “fácil”, y lo
acepta como si fuera parte de la familia, pero no
pierde de vista que no se encuentran en la misma
posición: “Algunas situaciones pueden arruinarle
la reputación a una muchacha. Quedaré expuesta
en todos los lugares de la ciudad”, reflexiona la
chica mientras va con su vecino en un taxi, en
una de las últimas escenas de la producción.
Así como sus personajes, este filme no está
exento de imperfecciones, como el inquilino
asiático que no deja de molestar a Holly, Mr.
Yunioshi (Mickey Rooney) causó controversia
décadas después del estreno del filme, pues para
muchos es una versión caricaturizada de las
personas de oriente, incluso ofensiva.
Sí, el desenlace que tiene este clásico del cine
podría parecer una traición a su protagonista,
pero no olvides que la transformación es el
riesgo que corre un personaje al ser el centro de
una historia, y aquí la despistada señorita Holly,
la que quema sombreros con su cigarro, guarda
los tenis en el refrigerador y olvida que dejó el
teléfono dentro de una maleta, termina por
enamorarse.
Es en ese momento cuando Edwards te
regala una de las declaraciones de amor más
bellas de Hollywood. Un poco meloso, sí, pero te
retamos a no suspirar mientras Hepburn y
Peppard se abrazan con tal fuerza que casi le
sacan al aire al pobre gato-sin-nombre y la mano
de la actriz porta un anillo que es cortesía de una
caja de cereal.
Si tienes días depresivos o rojos, Breakfast at
Tiffany’s es el diamante que el cine te ofrece
como medicina para calmarte los nervios.
DIEZ REGLAS DE
EMPIRE PARA
ENERO 2018
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Los inicios siempre están llenos de
esperanza. Las expectativas al iniciar
algo son muy altas y en el cine ni se
diga. Para iniciar el 2018 aquí te
dejamos algunas reglas para
comienzos en la cinematografía.
1. Hay películas que empiezan
con un prólogo antes de los créditos;
a eso llamo yo empezar desde el
principio.
2. Las relaciones empiezan
siempre bonito en el cine, hasta de una
golpiza puede empezar una bonita y
muy masculina amistad.
3. El inicio de la primavera
siempre es esplendoroso, el del verano
brillante, el del otoño romántico y el del
invierno, tormentoso y horrible.
4. ¿Cómo inicia un beso? Un
acercamiento incómodo y accidental.
Una mirada. Un choque eléctrico.
5. En el inicio de año los
propósitos son motor de cambio,
impulsan al protagonista a mejorar;
siempre para restregárselo a alguien.
6. Para iniciar una pelea basta
con ver feo a alguien, sobre todo si eres
de fuera: “¿Qué le ves a mi chica,
forastero?”. Te la ganaste.
7. Esa verdad que creen
millones, por la que matan y por la que
dan su vida, inició con una mentira.
8. Como lo dijo el filósofo chino
Laozi: un viaje de mil millas inicia con
un solo paso.
9. Hay películas que inician con
la muerte de alguien y otras con un
nacimiento. Y si llegas tarde al cine te
perderás ambos.
10. Hay inicios musicales
icónicos de películas como las de
James Bond, Mission: Impossible
y cuando empiezan las fanfarrias
de la obertura de Star Wars. Hay un
llanto alegre que inicia sólo con una
lágrima furtiva.
ENERO 2018 133
 MIRÓN DE OFICIO
EL EXTRAÑO ENCANTO
DE LOS OCHENTA
Seguro muchas personas tienen
sus propias décadas favoritas
pero si estamos juntos aquí
leyendo esto, tenemos en común
la apreciación por los 80.
POR DANIEL KRAUZE
NO ES CASUALIDAD QUE TANTO It
como Stranger Things, una de las películas y
series que más acapararon nuestra atención en
2017, ocurran durante la misma década, casi
durante el mismo año.
Gran parte de su encanto deriva
precisamente de que nos remontan a una década
p ocurre, tiene algo de aquel Castle Rock y la
en particular: los 80, la era del mullet y el
permanente, donde las marquesinas anunciaban
p camaradería que había entre Corey Feldman,
134 ENERO 2018
el estreno de la primera Terminator de James
Cameron y en los walkmans se escuchaba el
último sencillo de Duran Duran.
Cualquiera que haya visto cinco minutos de
Stranger Things sabe que está llena de
referencias relativas al cine, la música y a la
cultura popular de ese tiempo, referencias que
van desde un guiño hasta la copia más descarada
de aquel estilo (los últimos capítulos de la
segunda temporada están claramente inspirados
en Aliens, también de James Cameron, y en
The Warriors, de Walter Hill).
Los 80, vaya, no son sólo la ambientación
sino la esencia de la serie. El caso de Itt es
apenitas distinto. La película, dirigida por Andy
Muschietti, se inspira en algunos clásicos de esa
década, como Stand by Me, en sí una cinta que
recordaba con nostalgia los 50 desde los 80.
La textura del pueblo de Derry, donde It
amistad de los chicos tiene mucho de la vulgar
Will Wheaton, Jerry O’Connell y River Phoenix.
A pesar de esto, Itt es un artefacto que parece
menos deliberadamente nostálgico que Stranger
Things, si bien es cierto que la sección infantil de
la novela de Stephen King ocurre en la década de
los 50, de modo que Muschietti y sus guionistas
tomaron una decisión consciente al trasladar la
infancia de los personajes a los 80.
Eligieron, vaya, filmar a los chicos en esas
fechas y no 30 años antes, como ocurre en el libro.
La decisión rindió dividendos, como prueba el
exitazo de Itt en taquilla. ¿Por qué? ¿De dónde
viene la fascinación que provocan esos años
apenas previos a la caída del Muro de Berlín,
donde la Guerra Fría seguía vigente?
Resulta demasiado fácil adjudicarle el éxito
de Stranger Things e Itt a la Generación X, a la que
pertenezco y que crecimos mayormente en esos
años 80. De contar sólo con nuestro apoyo, ni la
serie ni la película serían el fenómeno que fueron.
Decenas de artículos, por no decir las redes
sociales, confirman que Stranger Things tiene

una amplia base de seguidores millennials. Los
80 no sólo atraen a quienes los vivimos. Los
espectadores que nacieron después de 1990
también se sienten atraídos por ese tiempo.
Partamos de una base obvia pero, en este
caso, necesaria: tendemos a añorar o desear vivir
en épocas distintas y acaso mejores a la que
atravesamos en este instante.
Y sí, es posible que, por lo menos dentro
del cine palomero, los 80 hayan sido una época
mejor –o más variada– que ésta. En aquel
entonces, el cine comercial empezaba a estar
poblado de secuelas, pero también estaba repleto
de películas basadas en guiones originales.
Ese fue el caso de Back to the Future, Indiana
Jones, The Karate Kid, The Goonies, Gremlins y
The Terminator, por nombrar algunas. En ese
sentido es entendible extrañar el cine de esos
años. No obstante, presiento que no vemos
Stranger Things para recordar las producciones
de esa época, sino para transportarnos a la época
en sí. Lo que en verdad nos atrae es esa realidad
fueron el último momento antes de que el mundo
se conectara vía internet, cuando los amigos (o, al
menos, los de Stranger Things) s se comunicaban
por walkie talkie y se reunían a andar en bicicleta.
Podría ser eso, el internet y sus tremendos
cambios llegaron implacables inmediatamente
después de esa década.
El mundo que nos presenta, sobre todo la
primera temporada, es mayormente análogo, casi
rústico de tan alejado de la tecnología. Cuando los
chicos se juntan es para jugar Dungeons and
Dragons, no para prender el X-Box, conectarse en
línea y poner Call of Duty ni mucho menos para
encerrarse en su cuarto a snapchatear.
El resultado es una amistad caracterizada
por una cercanía física que Stranger Things
registra de forma alegre y contagiosa. El arcade
donde abre la segunda temporada de la serie
parece, literalmente, una arcadia: un sitio
perdido en los pliegues del tiempo, enorme,
infinito y divino, donde chicos de todas las edades
Stranger Things /
Back to the Future /
Goonies /
It.
Todas se observan
desde acá con el
perdón y el deseo
que sólo la nostalgia
puede brindarnos.
compartían el mismo espacio para, ahí sí, jugar
videojuegos. No sé si un lugar así existió jamás en
un pueblo como Hawkins, pero me basta verlo
para querer que haya existido.
Finalmente está el contexto geopolítico que
rodea a la serie. ¿Cómo no echar de menos una
época en la que occidente parecía acechado por
un solo enemigo, identificable, distante y
extranjero?
Al igual que el Upside Down de donde vienen
los monstruos que acechan a Hawkins, el bloque
comunista parecía una dimensión paralela, pero
distinta a la nuestra. Por más que nos amenazara,
su mundo no era el nuestro.
Qué diferencia con el 2017, donde los países
se resquebrajan desde adentro, consumidos no
por agentes extraños sino por cánceres íntimos
pero visibles.
Vista así, Stranger Things no es una serie de
suspenso y horror, sino una fábula irresistible de
una era donde el mal estaba lejos, pero muy lejos,
de nuestra puerta.
ENERO 2018 135
 ELCRÍTICO EMPIRE
WONDER WHEEL
WOODY ALLEN, 2017
Nuestro crítico analiza una cinta
cada edición y te explica lo que
pocos pudieron ver.
POR ÓSCAR URIEL
DIRECTORES TAN PROLÍFICOS como
Woody Allen, casi no hay. El octagenario cineasta
nos ha tratado de persuadir con casi una película
al año en las últimas décadas, una constancia
deslumbrante considerando las dificultades que
implica armar un proyecto cinematográfico,
incluso para un autor con el prestigio como del
que goza Allen.
Es necesario reconocer que algunos de sus
títulos son mejores que otros dentro de este
último periodo, pero antes de proseguir tengo
que confesarles que están ante un devoto
aficionado al trabajo de Allen desde que vi por
136 ENERO 2018
primera ocasión Annie Hall, en una función
casera proyectada en formato VHS cuando era
apenas un niño, así que mis apreciaciones
pueden resultar un tanto íntimas al respecto.
Después de esta acotación me permito señalar
que su última filmografía ha dividido opiniones y
también podríamos repartirla en dos secciones:
las cintas relativas a decepciones, en donde
denotamos reiteraciones de situaciones ya vistas
en trabajos pasados —Irrational Man y Cafe
Society, entre otras—, o agudos y certeros
ejercicios en la exploración de géneros —Blue
Jasmine—. Wonder Wheel pertenece a este
último apartado.
Con Blue Jasmine Allen exploró en el
realismo norteamericano a través de su lectura
de Un tranvía llamado Deseo y teniendo a una
soberbia Cate Blanchett como su Blanche
DuBois, la protagonista.
En Wonder Wheel el director escudriña en el
realismo kitchen sink británico, movimiento
escénico inglés en boga durante la década de los
50 y principios de los 60 que tuvo como principal
exponente a John Osborne. Dicho estilo se
fundamentaba sobre todo en el retrato
descarnado de la clase media baja británica en
una situación por demás cotidiana, que
frecuentemente derivaba en una tragedia. En
Wonder Wheel Allen encuentra una perfecta
heroína en Kate Winslet, quien personifica a
Ginny, actriz fracasada que se ha convertido en
mesera y esposa de Humpty (Jim Belushi),
mecánico que trabaja horas extras para medio
sobrevivir.
La pareja posee un carrusel en un entablado
de Coney Island y, además, Ginny trabaja como
mesera en un restaurante de medio pelo. Ella
también se ocupa de su hijo Richie (un
espléndido Jack Gore), pequeño con tendencias
pirómanas y cuyas travesuras se han
transformado en un dolor de cabeza para la
pareja. La coyuntura ideal para crear un drama
doméstico con remate siniestro.
A la escena entran dos detonadores
considerables: Caroline (Juno Temple), la hija de
Humpty que llega a vivir a la casa de la familia
debido a una situación particular con su pareja, y
Mickey (Justin Timberlake), dramaturgo en
 Juno Temple muy
atenta a las
indicaciones de
Woody Allen.
ciernes —como guiño al público— quien labora
como salvavidas en la playa cercana. La puesta
en escena es claramente teatral; sin embargo,
Allen emplea la cinematografía de Vittorio
Storaro como instrumento preciso en su
propuesta. Storaro trabaja con una intensa
paleta de colores como procedimiento para
acentuar los estados de ánimo de la
antiheroína y de esa manera crear un ritmo
particular en la anécdota. Como en la gran
mayoría de sus historias, Allen coloca a su
protagonista en una disyuntiva moral que
pondrá a prueba el carácter de Ginny.
Por su parte, Winslet nos regala la que
quizá sea su mejor interpretación después de
Revolutionary Road d como una egoísta
protagonista perdida en sus propias fantasías,
en las que algún día será rescatada de su
enorme miseria.
Es muy posible que lo presentado en
Wonder Wheel ya lo hayamos visto antes en
alguna otra cinta del director neoyorquino;
pero este ejercicio resulta en una disfrutable
experiencia cinematográfica que concluye por
avalar la noción de que Woody Allen
permanece vigente en nuestros días y con sus
prácticamente todas sus películas.
Q
QUERIDOS
REYES
MAGOS
Fernando Ruiz y Adolfo Torres
Portillo pidieron en su carta, la
primera animación mexicana.
POR ANAID RAMÍREZ
APENAS UNOS MESES ANTES de que
Felipe Cazals estrenara Las Poquianchis, su
versión de la red de prostitución que
encabezaron las hermanas González
Valenzuela, otra producción pasó a la historia
en 1976. Con un tono más familiar, incluso
doctrinal, los directores y productores
Fernando Ruiz y Adolfo Torres Portillo
encontraron en su zapato la primera cinta
animada de México: Los tres Reyes Magos.
Sí, parece que llegamos tarde a la fiesta,
sobre todo considerando que Disney estrenó su
primer largometraje (Blanca
( Nieves y los siete
enanos)
s en 1937. Sin embargo, ya había manos
de artistas mexicanos trabajando en ese rubro
como manufactura para otras compañías
internacionales. El problema —como
siempre— es que no había suficientes recursos
propios como para apostar por una producción
nacional de ese género, hasta que llegaron los
años 70.
Irónicamente, la que es considerada la
peor década para la industria fílmica nacional
fue un momento glorioso para la animacion.
Los tres Reyes Magos —que no le pide nada a las
series de Hanna Barbera— se produjo y estrenó
en esa época.
Fernando Ruiz, quien había estado en
Disney aprendiendo técnicas de animación, fue
el asignado por Rodolfo Echeverría, hermano
de Luis Echeverría, para consolidar este
proyecto al lado de Torres Portillo. Con ellos la
parte de animación estaba más que cubierta,
pero la producción igualmente tenía bases
sólidas en la parte argumentativa. La escritora
Rosario Castellanos y el dramaturgo Emilio
Carballido marcaron el punto de partida para
un guion que armaron en conjunto Torres
Portillo y Carballido.
Y luego, manos a la obra; en entrevistas,
Ruiz ha declarado que prácticamente tenían a
un animador por cada uno o tres personajes:
uno sólo hacía a la virgen María, otro
únicamente a los animales y otro más al
demonio a grandes rasgos. Esto permitió
otorgarle a cada figura un movimiento único, lo
cual percibes en el faldeo de la ropa de María
cuando baila con José, por ejemplo.
Terminadas las animaciones de esta cinta
filmada en 35 mm se dieron a la tarea de
comenzar a darle voces a los personajes. Entre
los actores que participaron en esa labor se
encontraban José Lavat, Alberto Gavira, Víctor
Alcocer y Azucena Rodríguez.
El filme se terminó en 1974 y estrenó el 1 de
julio de 1976. No sabemos si su retraso y la
nueva fecha de estreno se debió a cuestiones
logísticas para evitar la competencia o por las
elecciones federales, que se realizaron tres días
después del debut de la histórica cinta.
ENERO 2018 137
138 ENERO 2018
 EN 2007 LOS ESPAÑOLES lo volvieron a

HISTORIA hacer. Ese año Juan Antonio Bayona debutó con

El orfanato, pero quienes [Rec]onfirmaron
E ] que
los ibéricos se pintan solos para horrorizarte con
sus imágenes en movimiento fueron los

DE UNA
directores Jaume Balagueró y Paco Plaza.
El duo de cineastas logró que su falso
documental se convirtiera en una referencia
mundial. Tal fue el esparcimiento del virus
zombi de [Rec]] que incluso los gringos —como

TOMA
cada éxito fílmico de habla no inglesa— hicieron
su propia versión: la incipiente Cuarentena,
dirigida en 2008 por John Erick Dowdle.
Filmada en un edificio histórico de la
Rambla de Catalunya, en Barcelona, la película
de muertos vivientes más icónica de los dosmiles
guarda su mejor momento para la escena final y

[REC] en el último nivel del inmueble. La corredera de

los personajes aún no infectados, que van de un
piso al siguiente para evitar ser contagiados, te
POR ANAID RAMÍREZ acorrala en un departamento con ático.
En ese sitio se encuentran la reportera
Ángela (Manuela Velasco) y su camarógrafo,
Á
Pablo (Pablo Rosso): son los únicos dentro de la
torre que todavía están en ayuno de... brains.
Mientras buscan la llave maestra y su última
esperanza para salir del sitio hallan una serie de
escritos y grabaciones de audios que les dan
pistas acerca del origen de esa tragedia.
Sin embargo, su mayor descubrimiento es el
paciente cero o, en este caso, poseído cero —por
tratarse de una premisa que fusiona la ciencia
con la religión—: la niña Medeiros. Con su andar
lento y torpe, la flaquísima y enfurecida
monstruo hace de su aparición el momento más
emocionante y recordado de [Rec].
“Tuvimos la gran suerte de contar con Javier
Botet, quien es un actor con un físico
privilegiado, con una laxitud en las
articulaciones y una manera de moverse, que es
inquietante en sí mismo”, le contó Plaza a
EMPIRE en su visita al 10º Mórbido Film Fest.
La causante de todo el caos de [Rec]] apenas
estuvo a cuadro unos minutos y le fueron
suficientes para insertarse en tus pesadillas. “La
niña Medeiros es una creación de Jaume y mía,
pero en gran medida también de Javier; él hizo
una aproximación al papel. Modificamos cosas
del guion a partir del actor para que sacara todo
lo que podía aportar al personaje”, añadió.
Sumando eso, Velasco y Rosso llegaron a tal
momento con los nervios más rígidos que los
muertitos que caían en el edificio. Filmaron sin
haber leído antes el guion, por lo que no sabían el
destino que tendría cada uno en la producción.
Además, la escena se rodó en completa
A
penumbra; es decir, las imágenes que ves en
modo visión nocturna en serio se grabaron así.
La tensión y adrenalina se reflejaron en lo
que veían tus ojos en la sala de cine y lo que ello
te hizo sentir. No hubo escapatoria al virus ni
forma de olvidar a la Medeiros.

[REC] ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

ENERO 2018 139


TOP 5 EMPIRE: BANQUETES,
ALMUERZOS Y BOCADILLOS
No todas las listas son para el
súper. Aquí, un cinéfilo te regala su
top five de temas ultraespecíficos.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
LA COMIDA ES ALGO que nutre, fascina,
seduce, enamora, enferma, desencanta y que te
engorda, pero que, además, es necesario para
vivir. Por la manera en el que el cine retrata la
obsesión por la comida podrás darte una idea de
lo enfermito que estás, o del hambre que tienes.
THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE &
HER LOVER
PETER GREENAWAY, 1989
A Greenaway siempre le ha gustado que veamos
sus películas con un retortijón. Esta vez no es
diferente, ¿por qué se encuentra esta cinta hasta
arriba de nuestro ranking? Independientemente
de las referencias dantescas y tatcherianas, la
película muestra un restaurante que es el
universo en el que la cocina es el purgatorio; el
estacionamiento, la Tierra; el baño de mujeres, el
cielo, y el salón, el infierno, y quien manda ahí es
el diablo, un ladrón desgraciado e infeliz que
descubre que su mujer tiene un amante (que
140 ENERO 2018
siendo clavado, según yo, vendría siendo Dante),
lo aniquila sin piedad. Ella, con ayuda del
cocinero, que se supone es Dios, elabora una
venganza terrible: le entrega el cadáver de su
amante y le pide que lo cocine para dárselo a
comer al maldito. “Prueba el pene, Albert. Es una
delicia y tú sabes dónde ha estado”.
THE GOLD RUSH
CHARLES CHAPLIN, 1925
En el tercer largometraje de Chaplin, éste
muestra a Charlot como un buscador de oro
solitario que pasa las de Caín, el cual trata de
convertirse en un minero consagrado. En su vía
crucis, el pequeño vagabundo padece el peor de
los fríos y la más hiriente de las hambres, la cual
es tal que lo obliga a cocinar uno de sus zapatos y
compartirlo con su compañero de cabaña. La
manera en la que Charlot come el zapato es
extraordinaria y de lo mejor de la película. El
personaje imagina también un banquete e
improvisa un baile con panes y un par de
tenedores; ésa es la mejor escena del filme y la
que la trajo hasta acá.
THE MEANING OF LIFE
TERRY JONES, TERRY GILLIAM, 1983
Ésta es una de las fabulosas películas que llevó a
cabo el ensamble de comedia más perfecto de la
Una rata en la cocina
y el crocante amante
de una esposa de la
mafia, y hay mucho
más en este top 5.
historia. Esta peli está compuesta por viñetas en
las que se explora el sentido de la vida, desde
cómo los católicos cuidan y celebran cada
esperma teniendo hijos a lo loco, que luego
tienen que andar regalando; una crítica a la vida
corporativa, una clase de sexo y la fabulosa
canción de la galaxia. Además de lo anterior, uno
de los sketches, en el que se refiere a los excesos
burgueses, un sujeto impresionantemente obeso
llega a un restaurante donde se retaca de comida,
misma que vomita escandalosamente para seguir
comiendo. Llena y llena cubetas de vómito para
al final explotar. Buena para verse con un
chamorro al horno enfrente.
RATATOUILLE
BRAD BIRD, JAN PINKAVA, 2007
Independientemente de la cantidad de roedores
que se pasean por las cocinas de París, la historia
y su ejecución son fascinantes. No es difícil
imaginar todo lo que tiene que pasar una pobre
rata que quiere cocinar para los humanos,
cuando nosotros lo último que queremos cerca
de nuestras viandas es un pulguiento y asqueroso
roedor. Aparte de la historia en la que Remy, la
rata, le salva el pellejo y la carrera a un joven
chef, está la del villano, el interesante e
implacable Anton Ego, quien no es que sea un
villano con maldad en su corazón, sino que es

uno como lo sería un árbitro de futbol. La
profesión de Anton Ego es la de crítico culinario
con un paladar demasiado exigente. La trama es
evidente, cuando hay que convencer a Ego de que
el restaurante del humano vale la pena, la rata
toma el control y, en un arranque de ingenio y
creatividad máxima, cocina un Ratatouille con el
que provoca la escena que trajo esta animación
de Disney a este ranking de rechupete: en cuanto
el platillo estimula las papilas gustativas del
malvado Anton, quien encuentra un portal
dimensional que lo lleva a su niñez, al plato que
lo marcó de pequeño y cuyo sabor había perdido
en la amargura de su oficio. Por esa escena vale la
pena ver a una rata en la cocina, y, aunque ya no
se ve al Señor Ego contraer gastroenteritis, es
delicioso cómo el sabor es un recuerdo también y
puede ser maravilloso.
9 1/2 WEEKS
ADRIAN LYNE, 1986
Muchos podrían decir que esta producción no
tiene desperdicio, un drama psicoerótico, con
una Kim Basinger perfecta y con Mickey Rourke
antes del terrible accidente, o lo que le haya
pasado en la jeta. La trama nos presenta algo que,
aunque no parezca, pasa demasiado en
Michoacán: una chica se enamora de un apuesto
y misterioso hombre que la seduce con maestría,
pero que se encuentra emocionalmente ausente.
Ella, Elizabeth, contempla la posibilidad de una
relación con el extraño hombre, pero él no le
permite acceso a su vida, no revela nada de su
pasado y parece solamente existir para los
inflamantes encuentros sexuales, que lo dejan a
uno con hambre y deseo. A pesar de lo anterior,
la cinta sí tiene bastante desperdicio, en un
egoísta derroche, muy ochentas, de energía
eléctrica y de comida en buen estado; los
amantes tienen una sesión de “adivina a qué
sabe”, frente al refrigerador abierto, magnífico
recurso atmosférico del director, que delimita las
siluetas de Rourke y Basinger mientras se baten,
literal, probando alimentos y sensualmente
echándoselos encima sin escatimar en crema
batida, juguito de naranja y hasta claras de
huevo. No hay abuelita que pueda resistir esa
escena de desperdicio imperialista, pero
tampoco no existe nieto que no se autoerotice
con la escena que, sin duda alguna, dejó una
enorme mancha de catsup en nuestros
corazones.
FERNANDO RIVERA
CALDERÓN
LA GARGANTA MECÁNICA
De Kinski a Spacey: el talento de los monstruos
Hasta antes del escándalo que lo que era trabajar con él llamado Mi
extirpó como a un tumor de Hollywood enemigo íntimo, en el que Kinski se
y sobre todo de la exitosa serie House la pasa denostando y criticando al
of Cards, Kevin Spacey me parecía director que le ofreció los mejores
uno de los mejores actores de esta papeles de su vida. Sin embargo, eso
época. Varias de las películas que no fue todo, poco más de 20 años
protagoniza, como Sospechosos después de su muerte, su
comunes y Belleza americana, hija Pola Kinski, reveló
MI
se cuentan entre mis que su progenitor
RECOMENDACIÓN
favoritas de la vida; sin había abusado de
Días de gracia (Everardo
embargo, ahora ya no ella durante 14
Gout, 2011) Con una
sé qué pensar. Es decir, años. Kinski era un
fotografía impresionante de
lo sigo considerando un monstruo de verdad
Luis Sansans y, quizá, la
gran actor, pero ya no y por ello, quizá, su
mejor actuación de
me siento feliz de decirlo, mejor interpretación
Tenoch Huerta.
ni tengo ganas de ver sus fue la que hizo de
películas. la película Nosferatu,
Cuando admiras a alguien, el vampiro. No veíamos ni
esa persona se vuelve como tu admirábamos al actor: tanto Herzog
amigo imaginario, y en la amistad la como el público quedamos fascinados
admiración es fundamental a diferencia por documentar la vida del monstruo
del amor. Te puedes enamorar de la en diversas situaciones.
peor persona del mundo, pero no de Tal vez lo mismo sucedía con Kevin
tener un amigo a quien no admires. Spacey y su papel en la serie House of
Cuando ese amigo te decepciona, o Cards. ¿Qué nos seducía realmente?
defrauda al mundo, o resulta que como ¿La actuación del personaje o
ser humano era un gran monstruo, asomarnos a la perversión real de un
pues tienes dos opciones: o te vuelves hombre enfermo?
como esa persona para mantener viva No considero que haya manera de
la admiración o básicamente deja de hacer que el talento exima de ninguna
ser tu amigo. manera el crimen de un artista, pero
El tema lleva años en mi cabeza ¿qué hacemos con el arte? ¿Los
desde que Mia Farrow señaló a borramos del mapa como lo ha hecho
Woody Allen de haber abusado de la doble moral hollywoodense con
su hija Dylan, pero luego su hijo Spacey, Weinstein y muchos más, o
Moses acusó a Mia de abuso y de salvamos esas obras y separamos
manipular a su hermana para acusar al intérprete del personaje (si es que
a su padre. Allen sigue nadando de a eso fuera posible), o no lo hacemos y
muertito entre las acusaciones, pero reflexionamos cada vez que miremos
aunque sea querido y protegido por Belleza americana que estamos viendo
el gremio cinematográfico y muchos a un abusador sexual haciendo un
lo consideremos un genio absoluto, papel excepcional de un tipo que
la duda sembrada sobre su actuar no reprime sus impulsos sexuales ante
deja de inquietarnos. una adolescente virgen? 
Otro caso difícil es el de Klaus Ver un filme dejó de ser un acto
Kinski, actor fetiche de Werner Herzog inocente. Ahora nos preocupa saber
y protagonista de obras maestras si el actor no es violador o pedófilo
como Fitzcarraldo, Nosferatu, el e, incluso, nos interesa la filiación
vampiro y Aguirre, la ira de Dios. El tipo política del director de la producción.
era una tormenta viviente y Herzog, Los tiempos cambian, pero también la
incluso, realizó un documental sobre lo manera de ver el cine.
ENERO 2018 141
 LAÚLTIMAESCENA
POR EDUARDO NAVARRETE
Hay finales que se van contigo,
te siguen y no permiten que la
cinta termine jamás. Aquí se
revisan finales que se quedan
para siempre en ti.
CITIZEN KANE
ORSON WELLES 1941
142 ENERO 2018
CUANDO FREDERIC REMINGTON llegó a
Cuba en 1897 con la misión de cubrir la guerra
entre España y Estados Unidos, y se dio cuenta
que no había tal conflicto, telegrafió a William
Randolph Hearst con el objetivo de solicitar
permiso para regresar. Hearst respondió: “Tú
haz las imágenes y yo hago la guerra”.
50 años más tarde aparecería en escena el
prodigio de Orson Welles. Nadie le entendió a la
radio como él. Y gracias a ello, en muy poco
tiempo, Welles y su equipo teatral se mudarían a
Hollywood con el reto de hacer una producción
inspirada en Hearst, el magnate de los medios
impresos sensacionalistas. 1939 era una
auténtica ebullición en Hollywood: Samuel
Goldwyn filmaba Wuthering Heights. MGM
lanzaba El mago de Ozz y Lo que el viento se llevó.
Pero lo que la gente en realidad quería ver era la
megaproducción de un joven neoyorquino de 24
años, Orson Welles, a quien RKO acababa de
fichar y le daba completa libertad creativa, algo
inusitado, incluso para los grandes de la época.
Citizen Kane aborda la necia búsqueda del
poder a costa —o a partir— de los huecos básicos
en el alma, esos para los cuales no existe cuenta
bancaria que sufrague los costos.
Probablemente por eso tuvo tal impacto,
porque un imberbe recién desempacado en
Hollywood tomó la producción, la dirección, el
guion y el protagónico de una afrenta a uno de
los detentores más emblemáticos de poder en la
época. Y jugó a hablar en serio.
Hay una pista reveladora al respecto en el
minuto 13:45 de la cinta. Hablar de un caballo al
que se apostó y no ganó, pero, por encima de
todo, no saber cuál era la carrera, refiere una
perfecta alegoría de lo que le pasó a Kane.
“Rosebud”, en realidad, no explica misterio
alguno; sin embargo, sirve como un suspiro para
subrayar que nada puede ni debe ser explicado.
Al menos no de manera burda.
En un bodegón inmenso, como sólo el ego
puede tenerlo, aparecen los involucrados del
seguimiento de la investigación, haciéndose una
sola pregunta: “¿Qué hemos estado haciendo?”.
La respuesta: “Jugando con un rompecabezas”.
Luego se sugiere lo que verás al final: si tan
sólo tuviéramos acceso a la pieza que falta, esa
que pudiera sugerir el significado de Rosebud, el
rompecabezas estaría completo.
Kane tuvo lo que quiso y lo perdió. Por eso es
que Rosebud trasciende una posesión material.
Y, sí, una palabra no va a explicar la vida de un
hombre, pero puede ofrecer un indicio de su más
grave omisión.
El trineo es el indicio, pero de ninguna
manera el significado. Rosebud, más bien, hace
las veces de sinécdoque, se comporta como una
parte del todo: la pieza del rompecabezas que por
sí misma es el rompecabezas.
Y hay algo aún más sutil. Rosebud, susurrada
al inicio de la cinta a modo de lamento, parece
apuntar a un estado de impotencia. Esa que lo
cubre a uno tan bien cuando es enfrentado con la
impermanencia. Voltear a ver aquello en lo que
fue invertida tu vida, debe tener su dosis de
dramatismo.
Sufrimos porque nos identificamos con
aquello que no somos y nos tratamos de apropiar
de aquello que no puede poseerse.
Todos tendremos nuestro momento
Rosebud. Un pequeño juicio final como el que
Kane ilustra y que podría servir para, finalmente,
por las buenas o las malas, soltar cualquier apego
que haya por esta vida (y por lo que sea).
ENERO 2018 143
 Jon Watts,
Michael Keaton
y Tom Holland
despejando
algunas telarañas.
EL REY DE LOS REGRESOS
El director Jon Watts te confía
cómo hizo que Spider-Man
volviera a ser grandioso.
POR CHRIS HEWITT
PENSARÍAS QUE DESPUÉS de cinco
intentos previos, hacer una nueva película de
Spider-Man sería fácil.
Te consigues un actor, lo metes en un traje
de licra rojo y azul trucutú, haces que se cuelgue
de un lado a otro y ganas una tonelada de dinero.
Pero para Jon Watts, el director de Spider-Man:
Homecoming, la cinta que integró a su amigable
héroe del barrio en el Universo Cinemático
Marvel, eso nunca sería suficiente. Después de la
pobre recepción de las cintas de Marc Webb del
“Sorprendente” Hombre Araña, Watts llegó con
un plan para llevar a Spider-Man a su antigua
gloria. Y tuvo éxito con la mejor película de
Spidey desde Spider-Man 2, de 2004. Así lo logró.
QUE PETER PARKER SEA IMBERBE
144 ENERO 2018
Un verdadero adolescente, no un tipo de veinti-
tantos fingiendo la voz como los casos de Tobey
Maguire y Andrew Garfield. Así que Tom Holland
tenía 19 cuando le dieron el papel, y era sólo tres
años mayor que Peter Parker en Homecoming,
porque lo que Watts quería era basar gran parte
del filme en Parker como estudiante de prepa
—raro, tímido, con pocos amigos—. “Era fácil en-
tenderlo porque en prepa yo era bastante tímido.
Era muy bueno en matemáticas y ciencias, pero
no hablaba porque tenía voz de pito y no quería ni
mirarme en un espejo. Quería mostrar mucho de
esa sensación en la historia”, dice Watts.
QUE REFLEJE EL MUNDO REAL
Watts rodeó a Peter de un grupo de personajes
memorables e hizo algo refrescante: mostró a
algunos que habían aparecido en los cómics, como
el bully Flash Thompson, y la futura esposa de
Peter, Mary Jane Watson, y eligió a los actores
sin fijarse en su color, así que Tony Revolori y
Zendaya se quedaron con esos papeles. “Quería
que pareciera como es el mundo actual.
Le mostraba a la gente fotos de chicos
neoyorquinos y les decía que así debía verse la
producción, que eso era lo normal”, comenta.
MANTÉN A SPIDEY FUERA
DE MANHATTAN
Las cintas anteriores de Spider-Man lo han
mostrando colgándose de sus puntos icónicos.
Watts no quería eso, sino llevárselo a los subur-
bios de Nueva York para una secuencia clave de
acción y luego a Washington D.C. para otra en
el monumento a Lincoln. “Si eres neoyorquino
no te la pasas en Times Square o en Wall Street.
Esos son destinos turísticos sobre todo. Yo quería
tenerlo en las afueras, mostrarlo en lugares que no
hubieras visto antes. No deseaba que se pareciera
a las otras películas”.
ENCUÉNTRALE EL CHISTE
“Los cómics son muy graciosos”, agrega Watts.
“En retrospectiva, mucho sobre crecer es chisto-
so”. Se ha sugerido bastante que Thor: Ragnarok
podría ser la primera comedia de Marvel Studios,
pero Homecoming g tiene una serie de chistes
brillantes, incluyendo los discursos grabados que
les echa el Capitán América a los aburridos prepa-
¿Creeías te
tener
ratorianos. Eso nos lleva a la segunda parte de los
sufici ntes
créditos finales, donde el Capi le da un discurso
referennciass del
a la audiencia sobre las virtudes de ser paciente.
cine y TV?
“Fue una de las últimas cosas que filmamos. Me POR CÉSAR HER
RNÁNDEZ
Z
preocupaba que fuera muy molesto, pero a todos
les encantó”, nos asegura.

BUSCA EL GIRO
La noche del estreno, Watts se metió a varios cines
que pasaban la película. Su meta era escuchar la
reacción de la audiencia en un momento particu-
lar: cuando se revela que el villano volador Vulture
(Michael Keaton) es el padre de Liz (Laura Har-
rier), la chica que le gusta a Peter y a quien llevará
al baile escolar. “Escuchabas a las audiencias
sorprendiéndose”, sonríe con alivio. El giro ocurre
cuando The Vulture descifra la identidad secreta
de Peter mientras los lleva al baile. “Quería que
la escena más intensa de la película fuera cuando
van al baile”, recalca Watts. “Hay más ángulos en
esa escena que en cualquiera otra. Quería hacer
algo tipo Hitchcock”.

CÉNTRATE EN SPIDER-MAN
Al principio del desarrollo de Spider-Man:
Homecoming g se anunció que Robert Downey Jr.
aparecería como Tony Stark, lo cual tiene sentido
considerando que es él quien recluta a Peter para Ahora a sabemos,
sa a un año de
d su
pelear en su bando en Captain America: Civil War. fallecimiento, que Carrie Fisher siempre re
Sin embargo, lejos de la película de equipo que fue princesa; primero de Hollywood,
Hol y
muchos esperaban, hay poco Stark en ella, con luego de Alderaan y, al final, de nuestr estros
Downey Jr. a veces escuchado sólo por teléfono. corazones. Sus papás eran reyes de la
“Podrías hacer que se unan para resolver un pro- farándula y ella heredó confianza y
blema, pero quería que fuera más honesto sobre el talento. Con estas dos armas convenció
punto en el que estaba su relación en ese momen- al adusto Geo
George g Lucas de darle el
to. Esa es una de las cosas que hace que la secuen- papel de la princesa Leia Organa.
cia donde Peter está enterrado bajo los escombros Con sólo 19 años, Carrie mostró que
sea tan visceral: nadie llega a ayudarlo”. su genética era prodigiosa:
i i : su belleza
aún adolescente enamoró a la cámara
TERMINA FUERTE de Lucas y después a los miles de
La cinta acaba con el que quizá sea su mejor millones que disfrutamos su legado.
chiste, un momento tipo “qué demonios” en Además de ser hermosa,
donde la tía May (Marisa Tomei) descubre a Peter la chiquilla era rebeldonaona, ave
aventada
t
en traje de Spider-Man. Pero antes de que pueda y no le mandaba
m decir las cosas a única que valí valía en ese lado de la
completar la primera palabra altisonante del nadie. Eso fue algo de lo que q e ayudó a galaxia, así que Carrie se quitó tó el sostén
UCM, Watts corta a créditos y a “Blitzkrieg Bop”, Lucas,, ya que el personaje tenía que ser y, llegado el momento o de
d actuar, lo hizo
de The Ramones, justo a la mitad de “fuck”. “No bello y tierno pero a la vez liderar una con todo el entu ntusiasmo de su juvent ventud.
puede editarse a sí misma, así que nosotros lo rebelión y derrotar a un imperio Lo
o único
ú que no correspespondía con on
hicimos”, ríe. “Tuvimos que cortarle un poco para construido por la maldad. s juventud era que sus pechos no
su
que el puente de la música sonara como que ella Ahora hay suficientes bases pa para combatían an lla gravedad artific ficial de la
terminaba la palabra”. “entender” cómo funcionan nan las
l cosas esta
stación espacial en la a que se
en el espacio, pero ro en 1976 el joven encontraba, o sea a, se caían y reb
ebotaban
SPIDER-MAN: HOMECOMING ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, George Lucas
Luc tuvo que intuirr e iinventar en las tomas de acción.
BLU-RAY Y DESCARGA. unn montón
m de cosas;; alalgunas sirven Eso distraía
di al dire
rector que,
como referencincia y otras son una empe pecinado en su idea de que n no había
pendeja
dejada que nadie, ni el más ñoño, b
bras en el es espacio, envolvió la l parte
Nuestra humilde opinión: notó nunca. superior or del pequeño cuer erpo de Cararrie
“Los personajes y Cuando el equipo de vestuario rio con
on cinta adhesiva (sí h hay duck ttape en
EL escenarios son familiares, presenta a Carrie por primer era vez, el espacio), con lo q que al fin p
pudo
VEREDICTO DE pero ésta es una mezcla con el personaje de Leia eia en el vestid do actuar, aunque a veces le a apretaban
divertida que hace que se blanco, con el peina nado de adelitlita y todo, tanto la cinta a que Fishe er apenas podí día
sientan frescos de nuevo”. Lucas observó vó bien a su actactriz y se dio respirar y le l daba miedo
mi hasta rom mperse
THE BIG SICK cuenta que
qu algo no est estaba bien. una cos stilla.
++++ Extras notables: Tienes E el brassier
Era ere de Carrie, el director A las cos
Así sas, nos enteram mos que en
algunas featurettes, p
pidió que see llo quitara, según él no el espacio n no sólo pasan me eteoritossy
escenas borradas y Jon había brasieres
br en el espacio. Carrie estrellasas fugaces, sino que e segura ay
Watts hablando de sus recla
clamó pero la palabra de Lucas era a lla defininitivamente no hay b brasieres
es.
sombreros.

ENERO 2018 145

 SOBREDOSIS
DE TV
Las aventuras continuas de
nuestro maratonista: dicen por
ahí que ya se ha devorado box
sets completitos.

este mes: —la Carnicera (Kathy Bates), una fantasma

AMERICAN Roanoke con cuchillo de, obvio, carnicero y un

ejército de espíritus de zombis venidos del

HORROR STORY: Nuevo Mundo—.

Hablamos de horror a velocidad de la luz:

ROANOKE cada episodio viene precargado con seis sustos

POR SIMON CROOK
ILUSTRACIÓN PETER STRAIN
DESPUÉS DE FANTASMAS,
MANICOMIOS, brujas, espectáculos
anormales, asambleas legislativas y hoteles
encantados, la sexta temporada de la serie de
antología American Horror Story fue promovida
por su director, Ryan Murphy, como un
renacimiento radical. Sonaba como un truco de
prelanzamiento. En algunos aspectos, es lo de
siempre. Manteniendo la tradición de la serie, la
sexta temporada
p está inspirada
p en eventos
verdaderos —en este caso, la colonia Roanoke del
Nuevo Mundo que se evaporó misteriosamente
en los 50—. Lo que sorprende es el formato: la
serie se desarrolla como una parodia de
Paranormal Witness que da en el clavo.
En la Carolina del Norte de entonces, la
pareja de esposos Shelby y Matt Miller (Sarah
Paulson y Cuba Gooding Jr.) se está
estableciendo en su nuevo y encantador hogar,
que es tan acogedor como un matadero. Cuando
la cuñada Lee (Angela Bassett) va a visitarlos, los
tres son víctimas de una guerra supernatural sin
tregua. La narrativa va y viene rebotando entre
las cabezas parlantes de las víctimas (André
Holland, Lily Rabe, Adina Porter) y sus
contrapartes que recrean los acontecimientos.
El primer episodio pega en el suelo con un grito:
hay un ataque fantasmal en una tina caliente,
llueven dientes del cielo y hay homicidas
hombres-puercos (los puerco-tauros son los
monstruos recurrentes de la serie). En el
capítulo dos emerge el villano del bosque
que te hacen brincar y tres revelaciones. Justo
cuando piensas que sabes hacia dónde se dirige,
la serie arroja enfermeras psicofantasmales o un
clan caníbal. Es como ver que una historia de
fantasmas tamaño fogata se convierte en un
incendio forestal, pero la serie se toma su tiempo
para desarrollar su mitología. “Capítulo Cuatro”,
el episodio “explicador”, liga sus horrores
azarosos con una leyenda pagana
sorprendentemente coherente
que involucra druidas, lunas
azules y un culto con
sacrificios humanos (el mayor
misterio de la serie, el acento de Bates, nunca es
explicado. ¿De dónde es ella? ¿Derby? ¿Dublín?
¿Dundee? ¿Dartford? ¿Todos esos sitios?).
El estilo de falso documental hace q que la
sientas en tu cara con la sangre salpicando, pero
lo que la hace vandálica son los robos
descarados: Amityville, Hostel, Blair Witch,
Poltergeist, Texas Chainsaw y muchas otras son
despojadas. Esta es una caja de horror
excelentemente desvergonzada. Cuando los
Millers escapan abruptamente faltando cinco
episodios te quedas preguntándote cómo puede
seguir la trama.
La solución hace que mi cabeza rote como
lechuza en trompo. En el irreal mundo real, la
serie tuvo tal éxito de ratings para el canal que
lanzó otra de seguimiento. “¡Como un Big
Brother con sustos!”, grita el productor mientras
los actores interpretando la recreación y las
víctimas originales son mudados a la casa
embrujada real, esperando capturar a los
espíritus malignos Roanoke en cámara. En otras
palabras, a mitad de la temporada la serie suelta
una metabomba de varias toneladas y es una
locura total. Sin embargo, a esta altura estoy
experimentando un raro delirio aural. ¿Qué son
esos horribles sonidos como masticando?
Resulta que es el sonido de una serie comiéndose
a sí misma hasta la muerte.
Después
p de p
ponerse contra la esquina,
q , no
hay a dónde ir sino de frente contra la pared,
duplicando los mismos sustos anteriores desde
un nuevo punto de vista. Cuba Gooding Jr. es
genial como un actor con el ego inflado que se
burla de sí mismo, pero la serie colapsa en una
mezcolanza sin forma de escóndete y asústate,
cruelmente alargada durante cuatro episodios.
Para cuando llega el final, Adina Porter, la
única sobreviviente, es llevada a un despegue de
crímenes auténticos, una parodia de Oprah y
luego de Ghost Hunters, lo que significa que
ahora estamos en una serie dentro de una serie.
¿Te duele la cabeza? A mí también, después de 10
episodios.
Si sigues un clímax con otro clímax con otro
clímax, terminas con un anticlímax, que es justo
adonde llega el epílogo. Su audacia termina como
una metatontería, pero eso sí: no podrás acusar a
la serie de que se fue a la segura.
AMERICAN HORROR STORY: ROANOKE DISPONIBLE YA
EN DVD Y BLU-RAY.

146 ENERO 2018

 Te lo dice un experto
Cada mes le pedimos a una
autoridad en su ramo sus tres
más grandes recomendaciones
para que tú no te gastes.
SERGIO RODRÍGUEZ DURÁN
DIRECTOR EDITORIAL
MEN’S HEALTH MÉXICO
ME PARECE QUE EL DEPORTE ha
sido uno de los principales combustibles del
cine. Juntos han inspirado a millones de
personas, incluyéndome. Esta temática hoy
forma parte de mi trabajo.
ROCKY (1976)
Toda la saga relata la historia de un tipo
que logró sobreponerse a los pronósticos.
¿Cómo? A través de prepararse como
nunca nadie lo había hecho en la historia
del cine.
RUDY (1993)
Sobre futbol americano colegial. El guion
de Angelo Pizzo es acerca del amor por
un deporte, sus exigencias y la lucha por
lograr lo que quiere. No es una película
deportiva, sino una analogía de la vida.
REMEMBER THE TITANS (2000)
Más allá de la fama, el triunfo o la
capacidad atlética están la camaradería,
la amistad y los valores. Además, sin
pretenderlo, menciona el tema de la
inmortalidad.
MIS
ENTREVISTAS
HARRISON FORD
Mario P. Székely recuerda sus
mejores charlas con directores
y actores de cine.
POR MARIO P. SZÉKELY
ES ALGO COMÚN EN SANTA
MÓNICA, California. Transitar la avenida
Centinela en automóvil y a unos metros sobre
tu cabeza sentir la sombra de las avionetas que
descienden en el aeropuerto local. Aparcada
ahí yace la aeronave que Harrison Ford pilota,
mientras que en el vecindario es común verlo
caminar al lado de su hijo, yendo al banco o a
comer en un restaurante cuya mesa del fondo
es su favorita.
Y mientras que Ford siempre luce sobrio,
reservado e incluso con mirada penetrante a la
“no me interesa detenerme”, siempre porta
consigo el carisma que lo ha llevado a ser uno
de los héroes más queridos del cine, con Han
Solo e Indiana Jones.
Con algo de mala fama por sus respuestas
cortantes, Harrison Ford me puso a temblar en
el otoño de 1999 cuando por primera vez lo
entrevisté con pretexto del filme Juegos del
destino. El siempre filoso David Letterman, en
su programa Late Night (NBC), no le había
sacado ni una sonrisa la noche anterior a mi
cita con el actor de entonces 57 años. Un
montón de preguntas garabateadas se sumaron
más a mi libreta y la esperanza de no salir con
una patada en el trasero de su suite del Four
Seasons de Beverly Hills. Ahí estaba yo, siendo
presentado como este periodista para el diario
Reforma, con la plena responsabilidad de que
no se me iban a doblar las piernas a mis 27
años.
Un firme saludo de mano y luego un
silencio de expectativa colmó la habitación.
Busqué romper el hielo diciendo que “aún la
gente en Cuernavaca, México, hablaba de su
estadía ahí cuando había filmado Peligro
inminente (1994)”.
“¿Son historias buenas o malas sobre mí?”,
me preguntó Ford esbozando su primer
sonrisa. La paz de un confesionario se hizo
alrededor nuestro. Éramos dos personas
platicando de cine, aunque una llevara el
estómago plagado de hormigas.
“Siempre busco elegir un proyecto que me
ofrezca un personaje con el que yo pueda
conectarme de manera emocional.
Creo que en una película el flujo de
emociones es de lo más importante, y si siento
que puedo involucrarme con el corazón del
personaje, entonces descubro que podré
conectarme favorablemente con el público”,
me dijo al preguntarle sobre su estilo de elegir
proyectos.
Al apuntarle sobre su recién arete colocado
e inspirado por su hijo pequeño para verse
“más cool”, Ford reveló su lado paternal,
confesando que le daba tristeza no haber
estado presente en la vida de sus hijos mayores.
“Este mundo es locamente acelerado y hay
muchas distracciones que pueden quitarte la
atención de los que quieres”.
Al fin pude traerle la analogía de si ser
carpintero (oficio que hizo antes de ser actor
famoso) era similar a la de hacer cine: “¡Claro
que sí! La verdad es que tú no vas a vivir en esa
casa que estás construyendo, sino otra persona.
Así que cuando terminas de hacer la película,
pones las flores en una base, la llave en la
puerta y te retiras de ahí diciéndole al dueño
«ahora es tuya»”.
La entrevista concluyó. La puerta se abrió
y el sentido de nostalgia inundó todo. Harrison
Ford quedaba ahí sentado sobre un legado
irrepetible. Por espacio de unos minutos fui su
copiloto... y eso para mí había sido más que
bastante.
ENERO 2018 147
 1

MYMOVIE
¿En qué cinta dices: “No puedo matar a mi
amigo. Maten a mi amigo…”?
Sneakers. Es un diálogo maravilloso, ¿no crees?
Phil Alden Robinson es gran escritor.
Correcto.

2 En Parting Shots, de Michael Winner, ¿a

MASTERMIND
qué se dedica tu personaje?
Es chef.
Correcto.

3 Un tráiler de The F Word, de Gordon

Ramsay, mostraba uno de tus personajes.

SIR BEN KINGSLEY ¿A cuál?

Tiene un Óscar en su vitrina y es un caballero
inglés pero, ¿podrá Gandhi con nuestro test?
Averígualo.
POR IAN FREER
No he visto el programa así que voy a adivinar.
¿Don Logan, de Sexy Beast?
t
Correcto.
4 ¿Cuál de tus películas tiene el eslogan:
“Los hombres no pueden resistírsele, la
humanidad podría no sobrevivir a ella”?
Species.
Correcto.

5 ¿Cómo se llama tu personaje en The Love

Guru?

148 ENERO 2018


Tugginmypudha. ¿Cómo salió eso? Creo que
Mike Myers es fenomenal, quería trabajar con él
y hacer comedia porque había hecho varios
filmes oscuros, lo cual es estresante. Se me abrió
esta oportunidad y la aproveché.
Correcto.
6 ¿Cuántos premios Óscar ganó Gandhi?
i
Ocho.
Correcto.
7 En The Sopranos, Christopher y Carmine
tratan de reclutarte para estelarizar una
película slasher. ¿Cómo se llama ese filme?
No me acuerdo. No hay forma de responder esto
porque cortaron esa parte del guion, si no, sí lo
recordaría.
La respuesta correcta es Cleaver.
8 Al final de Dave tu personaje —el vicepres-
idente— se convierte en presidente, pero
¿es el número 44, 45 o 46 de los Estados
Unidos?
¡Es una pregunta ruín! No me acuerdo, así que
diré que el 45.
Correcto.
9 Debutaste en películas 10 años antes de
hacer Gandhi. ¿Cómo se llamó la primera?
Fear is the Key.
Correcto.
10 En Schindler’s List, Itzhak Stern le da a
Schindler un anillo al final. ¿Qué inscrip-
ción tenía?
“Aquel que salva al mundo, salva al mundo
entero”.
Correcto.
BENKINGSLEYOBTIENEUN9
“¡Fue divertido! Pero me gusta sacar 10. Tengo
una memoria muy afilada. Hazme preguntas
sobre citas y diálogos y verás que logro una
calificación perfecta”.
BEN KINGSLEY APARECE EN WAR MACHINE, QUE
ESTÁ DISPONIBLE EN NETFLIX.
EL PÓDIUM
Con base en los box offices obteni-
dos hasta el cierre de esta edición,
EMPIRE sube al medallero a:
1º COCO
1,059.23 MILLONES DE
PESOS EN MÉXICO
283.8 MILLONES DE DÓLARES
A NIVEL MUNDIAL
En territorio nacional, la animación de
Disney y Pixar se consolidó como el
filme más taquillero en la historia del
cine mexicano desde su día 20 de
exhibición, fecha en la que ya había
acumulado 842 mdp; el récord lo tenía,
desde 2012, Avengers, con 827. Al día
11 de su exhibición en China ya había
conseguido alrededor de 80.5 mdd.
2º THOR: RAGNAROK
394.6 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
818.5 MILLONES DE
DÓLARES MUNDIALMENTE
A estas alturas ya sabemos quiénes, de
entre el equipo Marvel y el de DC,
dominan la taquilla. La nueva entrega de
Thor lleva, al cierre de la edición, cinco
semanas de exhibición, aunque no ha
sido suficiente para alcanzar durante
esos días las enormes cifras de
Avengers. Después de Estados Unidos
(278.5 mdd), China fue el país donde
más dinero recaudó: 111.4 mdd.
3º JUSTICE LEAGUE
414.1 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
570.3 MILLONES DE DÓLARES
MUNDIALMENTE
No siempre la unión hace la fuerza. Ni
con la reunión de los villanos o de los
héroes DC han logrado cintas que
satisfagan a fans y neófitos de los
cómics, y esto sólo se refleja con una
pésima taquilla. Si habrá razón para que
Justice League sea inolvidable es
porque pinta para convertirse en el gran
fracaso de DCUE: en sus primeros días
de exhibición en Estados Unidos sólo
recaudó 93.8 mdd.
ENERO 2018 149
 EL ESTILO DE UN DIRECTOR
KATHRYN BIGELOW
Revisemos distintas cintas,
épocas y géneros de un director
para encontrar su magia.
POR SUSANA MOSCATEL
ANTES DE HABLAR DEL ESTILO de
la directora Kathryn Bigelow tenemos que sacar
dos temas del camino: primero, que es la única
mujer que ha ganado un Óscar como directora en
la historia. Eso no es sintomático de que los
hombres sean mejores directores, sino una clara
señal de lo extraordinaria que es ella para
siquiera poder ser directora en un contexto
como ése. No es que esté sola, pero según
distintos reportes de la industria, sólo siete por
ciento de las cintas con distribución el año
pasado tenían una mujer en la silla de dirección.
Por supuesto, esto no quiere decir que no haya
talento, pero en el contexto de #MeToo, donde
tantas mujeres dejaron claro que se han sentido
como objetos desechables en Hollywood, queda
más claro que nunca que hay que estar hecha de
algo fuera de lo normal para sobrepasar todos
esos obstáculos que vienen con su mundo.
Lo otro que hay que olvidar, aunque cueste,
fue su breve matrimonio con James Cameron en
1989. Es una de esas historias que podrían ser
filmes en sí, culminando una noche de premios
de la Academia, donde ella se quedó con las
estatuillas de dirección y Mejor película por una
150 ENERO 2018
pequeña cinta llamada The Hurt Locker, que sólo
tenía a Avatarr como contrincante.
Bien, pues ya superadas las dos cosas más
obvias de Kathryn Bigelow, digamos lo que más
nos gusta de ella: nunca hace lo que uno
imaginaría. Hace películas de impacto social y, sí,
en géneros relacionados con los hombres.
Suspenso. Hablamos de la intensidad como
una de las características de Bigelow como
directora. Sabe perfecto cómo dejarnos sin
aliento cuando así lo desea. Ya sea un joven
soldado decidiendo la mejor manera de
desactivar una bomba, un asaltabancos surfista
disfrazado de expresidente o un motociclista
buscando su rumbo en la vida. Cada una de estas
cintas (The Hurt Locker, Point Break y The
Loveless)
s ocurrió en diferente década, pero todas
tenían en común algo: la necesidad de sus
personajes de existir intensamente en un
momento que tal vez sería su último.
Quizás uno de los mejores ejemplos para
entender la visión y capacidad de transportarnos
de la directora es su cinta Strange Days (1995),
donde un joven Ralph Fiennes es un expolicía
traficante de recuerdos. Las fantasías de vivir
experiencias extremas que de otro modo nunca
se tendrían son la razón de la historia. Y también
de uno de los tráilers más perturbadores e
interesantes de la última década del siglo pasado.
La intensidad de vivir situaciones de impacto a
través de ojos ajenos es una de las cosas que más
distinguen su trabajo.
Entre documental y ficción, en diversas
ocasiones la directora de 66 años ha proclamado
su pasión por fusionar el drama con el
documento histórico. Sin duda, sus más
recientes cintas han hecho justo eso. Por
supuesto está la multigalardonada y ya referida
Hurt Locker (guerra de Irak), Zero Dark Thirty
(La captura de Osama bin Laden) y ahora Detroit
(narra la toma violenta de las calles y las terribles
represalias durante 1967 en la ciudad que lleva el
nombre de la trama). Es en estos casos donde la
directora ha recibido tanto sus mejores críticas
como el desdén de muchos que consideran su
visión un tanto unilateral y manipuladora. Eso,
probablemente, tiene algo de cierto, sobre todo
con su reciente Detroitt y el evidente intento por
recordarnos que la agresión policiaca contra los
afroamericanos ha estado presente siempre (y
continúa). Tema, sin duda, imposible de negar,
pero con demasiadas aristas como para dejar
contentos a todos.
Tal vez una de las cosas más interesantes
respecto al trabajo de Bigelow durante las
últimas cuatro décadas es que, aunque ha
decidido hacer pocas cintas, todas tienen un
toque de existencialismo característico de su
momento. Y su ritmo muy particular, que
muchas veces depende de pausas muy profundas,
mientras que otras lo hacen en movimientos que
contagian la sensación de peligro de alguna
manera u otra.
Nada de esto tiene que ver, como decíamos al
principio, con el hecho de que sea mujer. Se le ha
escuchado decir: “No puedo cambiar mi género y
me rehúso a dejar de hacer películas”. Por tanto,
su trabajo es mucho más importante que el
hecho de que haya surgido de la incansable
visión de una mujer.
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cristianos.
ANAID RAMÍREZ

Juan de los muertos,

¿DE QUÉ VA?

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PONLE PAUSA
disponible en DVD y Blu-Ray.
todo un Oh Dae-su, de Oldboy.

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Shaun of the Dead pero con moros y
infectados son una bola de disidentes.
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¿POR QUÉ LA RECOMIENDO?

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El virus zombi invade Cuba y los locales creen que los

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 MIS FAVORITAS
EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco movies
favoritas. Algunos aplican la presidencial y no
las recuerdan; otros las tienen muy presentes.

ELEGIDAS POR
De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud
cinematográfica del pacientito.

OWEN WILSON
POR STAFF

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A J O L A DIREC v o z a l auto má
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a la h o ra de ele ic e s u s cinco mencion narr dicha cinta para esta sección. Se
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eja cuan todos EL PADRINO (1972)
2 trata de unaa obra
o ejemplar del cine negro,
o se refl e seguro
cine. Es a y u n a s q u DIRIGIDA POR Francisa Ford Coppola tanto por la téécn
nica de Polanski como por la
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favorita pre”, ad actuación magis stra
ral de Jack Nicholson.
an siem EMPIRE DICE En el e conteo de EMPIRE de
mencion las mejores 100 películas
pelíículas d
de la historia ocupa
el privilegiado
rivile primer
e lugar. Lo mere
merece por su
estilo, sustancia y brutales
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actuaciones

DRUGSTORE
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COWBOY (1989)
DIRIGIDAAPPOR Gus Van Sant
EMPIRE
RE DICE
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James
mes Fogle, se trata de uno de los retratos
más honestos que el cine ha hecho acerca
má
del mundo de las drogas.
THE LIFE OF OTHERS (2006)
DIRIGIDA POR Florian Henckel von
Donnersmarck
EMPIRE DICE La producción alemana que ANIMAL HOUSE (1978)
9
ganó el Óscar a Mejor película extranjera en DIRIGIDA POR John oh Landis
2007 y, además, fue la ópera prima de von EMPIRE DICE Un clásico en el que te
Donnersmarck. La historia es un thriller que te toparás con un montón de bromas de mal DIAGNÓSTICO Si bien le gustan las
sitúa en la Berlín del Este de 1984. gusto, escatológicas y bobas, pero que te cintas que abordan temas escabrosos,
harán reír como no imaginas. también reconoce una buena comedia.
No sorprende que las películas que
eligió destacan, entre otras cosas, por
sus memorables actuaciones; así que
no dudamos que muchas de ellas lo
hayan influido cuando decidió
convertirse en actor.

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