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Este ebook tiene copyright de Agustín Duarte y todos los derechos reservados. Si querés empelar alguno de los
textos podés solicitarlo a través del mail: info@soyaudio.com
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Introducción
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Cuando termina un recital y la banda se baja del escenario o también
cuando escucho sus canciones en la red o nos ponemos a conversar acerca de
cómo fue el proceso de producción, grabación y mezcla, el 90% de las bandas
comenta el hecho común de haberse quedado sin presupuesto o de no haber
conseguido sonar como ellos querían.
Voy a intentar ir desglosando paso a paso cuáles son los problemas o las
cuestiones que deben tener en cuenta las bandas desde el momento en que
están en la sala de ensayo pensando en grabar la canción, hasta el momento
en que tienen la mezcla terminada y están listos para la distribución.
¡Allí vamos!
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1. ¿Por qué debería ir a un estudio de grabación? ¿Cuál es la
finalidad de ir a un estudio de grabación para grabar las
canciones?
Pero no te estreses. Vamos a ir viendo, paso a paso, todo lo que tiene que
tener en cuenta la banda a la hora de ir a un estudio de grabación.
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2. ¿Cuándo es el momento de ir a un estudio de grabación?
Y no nos olvidemos de que el presupuesto con el que cuenta una banda hoy
no es ni el 5% de lo que se gastaba hace treinta años (un primer disco de banda
como fue Appetite for Destruction de Guns and Roses costó aproximadamente
USD 370.000).
Las estructuras de los temas, la instrumentación, los solos, los coros, todo
tiene que estar definido antes de entrar al estudio.
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No me malinterpreten: la música es algo dinámico y creativo pero ir a un
estudio con muchas cosas abiertas y sin definir va a dar como conclusión
mayor cantidad de horas necesarias adentro del estudio, lo que impacta en el
presupuesto, que es justamente lo que las bandas usualmente no tienen. En
general, terminan grabando menor cantidad de temas de los que se habían
propuesto o peor aun, terminan con grabaciones incompletas que duermen en un
disco rígido hasta que consiguen mayor presupuesto.
Lo que yo aconsejo es no tener que utilizar más de tres tomas por tema.
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3. Grabar un demo
Grabar un demo es una de las cosas que más fuertemente aconsejo a las
bandas.
Hay muchas salas de ensayo que por un extra muy pequeño te graban el
ensayo en multi pista y allí uno puede experimentar con las canciones.
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sonido que van a entregar (si el preset se llama 80´s dry ya sabemos qué nos
espera...).
Esto nos puede ayudar a tomar decisiones respecto del sonido que estamos
buscando, ya sea para alquilar instrumentos y/o amplificadores de guitarra y bajo o
para transmitírselo al profesional con el que la banda va a trabajar en el estudio de
grabación.
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4. Uso del metrónomo: ¿sí o no?
Aquí les voy a contar las ventajas técnicas que tiene grabar con un
metrónomo y cómo hacerlo puede abaratar CONSIDERABLEMENTE el costo de la
grabación de un disco.
Los humanos tenemos variaciones, digámosle naturales del tempo, que sin
una referencia constante suele hacerse mayor.
Quiero remarcar una vez más que no estamos hablando de la precisión del
baterista, en este caso, o de cualquier otro músico con respecto al metrónomo.
Estamos hablando de las ventajas técnicas, las posibilidades creativas y de las
opciones que nos abre y de cómo esto nos puede ayudar a abaratar costos.
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Al no usar un metrónomo cancelamos definitivamente la posibilidad de
incluir en nuestras canciones, pistas, o una máquina de ritmo.
Las computadoras tienen un ritmo constante. A no ser que les digamos que
hagan lo contrario, no lo bajan ni se pierden.
Eso es un plus, porque la banda estará precisa como un reloj y podrá lucirse
en el estudio.
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5. ¿Cómo puede el metrónomo ayudarnos a ahorrar dinero?
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¡Estarían ensayando con la batería final del disco!
Con esa batería editada a la perfección (aclaro que esto sería fuera del
estudio de grabación; hay estudiantes de la carrera de sonido que realizan este tipo
de trabajos con muchísimo gusto y a un precio muy razonable e infinitamente
menor del que pagamos en un estudio de grabación ) ya no necesitaríamos volver
al mismo estudio con su sala excelente de acústica y sus ocho canales con ocho
buenos preamplificadores y ocho buenos micrófonos.
Todo esto está habilitado, en gran parte, por el uso del metrónomo.
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6. Buscar referencias
Tanto técnica como artísticamente, este es un buen ejercicio: hace que los
músicos tengan un norte, puedan investigar cómo consiguió tal o cual referente su
sonido y, lo más importante, comiencen a relacionarse e interactuar con equipos y
profesionales que los van a ayudar a llegar a ese destino y así terminar de elegir el
perfil del estudio que van a utilizar para grabar.
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7. Comenzando a elegir el estudio donde grabar
Es en esta etapa, que las bandas se tienen que plantear en qué momento
están y elegir cuál es la mejor opción para ellos (que no siempre es la más cara).
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en un estudio premium. Rodeate de profesionales que sepan interpretar lo
que estás buscando.
Dicho esto, vamos a ir desmenuzando la filosofía que yo uso cada vez que
me preguntan qué estudio elegir o dónde grabar.
De nuevo, es más fácil para los profesionales que trabajan en los estudios de
grabación y para los ingenieros de mezcla conseguir el sonido que la banda está
buscando si se tiene un punto de partida sólido.
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Instrumentos acústicos vs instrumentos amplificados
Por lo general, los estudios consagrados (que lamentablemente son los más
caros) cuentan con este tipo de salas (acompañados de una gran consola y gran
surtido de micrófonos).
b) Lo otro que hay que tener en cuenta es que si se erra el enfoque de cómo
se graba un instrumento, volviendo al ejemplo anterior, grabar algo con tres
micrófonos cuando el planteo necesario era de close miking o viceversa, no tiene
arreglo. Todo lo que viene luego, es una bola de nieve de parches y más parches
para intentar corregir ese error.
Dicho esto, si sos una banda de pop moderno, vas a necesitar un sonido
bien procesado y bien nítido de la batería. Esto se consigue teniendo grabaciones
de los cuerpos de la batería bien aislados entre sí, para luego poder reemplazarlos
con muestras. Probablemente, no necesites la toma de ambiente de los mismos.
En estos casos, yo optaría por elegir un estudio con una sala normal, ni muy
grande ni muy chica, que me permita grabar tanta cantidad de canales como
cuerpos tenga la batería… y no mucho más (después hablaremos de los
micrófonos). Aquí, la acústica nos tendrá sin cuidado.
Otra opción es que queramos emular el sonido de las bandas indies que
están siendo muy populares en estos días. Estas, a decir verdad, se las ingenian con
lo que tienen a mano. Muchas graban en estudios con salas muy chicas (garajes
directamente) y con pocos micrófonos, cuatro o cinco, no más, con lo que casi
cualquier estudio nos vendría bien.
Espero que ya puedan empezar a ver cómo el tomar las opciones correctas,
ayuda a conseguir paso a paso, el sonido que buscamos sin gastar en lo que no
necesitamos.
Por otro lado, si lo que van a grabar son secciones de guitarras criollas,
españolas, acústicas o la voz misma del cantante, no es necesario una sala muy
grande, con una sala chica que tenga difusores o amortiguadores acústicos que
permitan que no haya eco en las tomas, alcanza y sobra.
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instrumentos de esa manera, la sala del estudio debe tener un tamaño que les
permita entrar a todos y grabar con comodidad.
Como decía antes, no puedo ir pasando uno por uno todos los micrófonos que
existen para cada instrumento pero aquí la idea es saber cuál es el perfil y el sonido
que está buscando la banda.
A lo que voy es que hay estudios que se promocionan por tener micrófonos
vintages, de cinta, que obviamente salen bastantes miles de dólares, pero la
pregunta es ¿el sonido que tenés en la cabeza, lo necesita?
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Volviendo al punto anterior ¿ese estudio tiene también un gran preamplificador
y una sala con una acústica hermosa?
Si vamos a un estudio que tiene una consola medio pelo a grabar una batería y
nos dicen, “tenemos dos preamplificadores excelentes, usémoslos para el bombo y
el redoblante”… paso, gracias.
Ahora, si voy a grabar con una buena consola, que tiene en todos sus canales
buenos “pres” y encima el estudio tiene otros preamplificadores a disposición, que
son distintos y no mejores, bueno, ahí sí me gustaría probarlos o si ya estoy
familiarizado con lo que me van a entregar, usarlos. Son elementos que van a dar
color pero no van a sumar calidad.
El mundo de los preamplificadores puede ser engañoso para los músicos que
no están todo el tiempo usándolos. Si la diferencia entre el pre “A” y el “B” es
sutil, vayan siempre por la opción más barata.
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aceptable y enseguida se empieza a escuchar ese “hiss”, ese ruido a aire que sale
por los monitores. Eso queda grabado y en la mezcla es imposible de sacar sin
comprometer la definición del instrumento que se está mezclando (para sacar ese
ruido se toca muchísimo el timbre del instrumento).
Shure sm 57
Shure sm 58
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Shure Beta 52
Es un mic que viene en el kit para baterías que vende shure, con lo que es
muy, muy común y económico y consiguen un sonido súper decente.
Shure sm 7b
Shure sm 81
Lo van a ver, por lo general, en las fotos de los bateristas arriba del
escenario, son micrófonos muy comunes de encontrar en los estudios y son
utilizados para overheads de batería, hihats, violines, guitarras acústicas y algunos
hasta los utilizan para amplificadores de guitarras muy pequeños.
AKG D-112
Es la competidor de AKG para el Shure beta 52. Elegir entre uno u otro ya es
una cuestión de gustos y tienen las mismas aplicaciones.
Electrovoice RE20
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Senheisser MD 421
Creo que debe ser el micrófono que más veces vi usar en el mismo
instrumento, los toms, no son excesivamente comunes de encontrar pero si estás
planeando grabar baterías y hay tres de estos, ya sabés que tenés cubiertos los
toms.
Shure beta 58
AKG 414
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Newman u87
Coles 4038
Este es uno que no se ve todos los días, pero si ya tenés identificado que
estás buscando sonido de micrófono de cinta, deberías buscar este micrófono.
Este mic está muy de moda y la verdad es que suena bastante bien.
Backline
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grabar: el backline es un elemento que realmente nos puede hacer la diferencia a la
hora de inclinarnos por un estudio u otro.
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algo, los encargados de repararlo o reemplazarlo van a estar a pasos de donde está
la banda.
Alquilando instrumentos
Ir a grabar contando con este set up, les va a dar un mensaje muy claro a los
ingenieros de grabación y luego de mezcla de cuál es el sonido que se pretende.
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el sonido de ese instrumento para el sonido de la banda y busquen alternativas. Si
no encuentran ninguna que les satisfaga, alquilen el instrumento.
Los doctors
¿Escucharon hablar alguna vez de los “doctors” (drum doctor, guitar doctor, key
doctor)? Son profesionales que pueden ser contratados para sesiones de
grabación, encargados de asesorar a la banda para conseguir el sonido que está
buscando. Por lo general, están presentes durante toda la sesión de grabación,
prestándole atención a las condiciones de los instrumentos, afinación, sonido, etc.
Muchos de ellos llevan los instrumentos y los equipos necesarios para conseguir el
sonido buscado.
Por ejemplo, si sabemos qué sonido de batería buscamos, contamos con el set
completo, pero no queremos el mismo sonido de redoblante durante tal o cual
tema, o no tenemos ni idea acerca de la afinación del instrumento o de su tensión,
para esto podrá servirnos el doctor.
En el caso de los drum doctors, entre toma y toma, entran a la sala a medir
tensiones, afinar parches y, por lo general, cuentan con un surtido de cuerpos de
batería para probar colores y sonidos.
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Estos profesionales son los que pueden ayudarnos a llevar nuestro sonido a
otro nivel, y si consideramos el valor del asesoramiento, el transporte hasta el
estudio y la utilización de los equipos e instrumentos, no son una opción a
descartar de plano.
Hasta aquí vimos los puntos fundamentales que tiene que considerar una
banda antes de pisar un estudio de grabación.
Sin embargo, no quiero dejar de decir algo en lo que creo ciegamente: los
grandes discos surgen de grandes equipos de trabajo.
Quien se encarga de casi todos los aspectos que estamos hablando aquí, es
el productor musical.
El productor conoce los estudios porque son su oficina. Sabe qué tienen,
qué no y en qué condiciones (muchas veces antes de cerrar con un estudio se van
a visitarlo a ver las instalaciones).
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Los productores conocen cuál es la cadena de equipos para conseguir un
sonido determinado y si no la conocen, son los encargados de averiguarlo o buscar
a alguien que lo sepa hacer.
Por supuesto, acceder a productores de renombre para las bandas que están
arrancando es imposible. Pueden llegar a cobrar un monto similar a la totalidad del
valor del estudio de grabación, la mezcla y el mastering. Muchos eligen con qué
bandas trabajar, que por lo general no suelen ser las que graban un primer disco.
Todos los estudios tienen técnicos capaces y son asignados por grilla para
cubrir los horarios en los que el estudio graba.
Pero por mejor buena voluntad que tenga dicho técnico, no conoce a la
banda, ni la acompañó en el proceso de encontrar el sonido que buscaba.
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8. La mezcla
Lo que quiero decir con esto es que todos los ingenieros de mezcla somos
distintos.
Luego de leer y conocer todos los aspectos de lo que venimos hablando ¿les
parece que todas las bandas tienen las mismas necesidades como para
agruparlas en un valor determinado?
¿Requiere lo mismo grabar y mezclar una banda de pop que una de heavy
metal?
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Entonces, ¿por qué darle su material, sus canciones a gente que las va a
tratar como un paquete más?
Esto es igual que con los productores, los grandes ingenieros de mezcla
cobran un número que las bandas autogestionadas no tienen.
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Por otro lado, existen muchos excelentes profesionales en el mercado que
están dispuestos a encontrarse con la banda, tener una conversación acerca del
proceso e inclusive dar una muestra de cómo quedará su trabajo si se los elige
para encarar la mezcla.
Hoy en día, importa más el profesional que está mezclando que los medios
que utiliza ya que, afortunadamente, con la llegada de los VST, la brecha entre los
que tenían tal o cual equipo y los que no, se redujo prácticamente a cero.
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9. Mastering
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Repito, es muy importante incorporar una visión crítica y con fundamentos a
la hora de escuchar nuestro material.
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Conclusión
Como pueden ver, las cuestiones que tiene que atender una banda a la hora
de grabar sus discos y realizar sus producciones son varias. La idea de este ebook
no es que entren en pánico ni se sientan abrumados por la cantidad de opciones y
decisiones a tomar sino más bien “prestarles” una filosofía de trabajo, una manera
de pensar el proceso de grabación que en cualquier situación les permita tener el
mejor resultado con los recursos con los que dispongan.
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Investigar y explorar cadenas de audio (micrófonos, equipos, tipos y
modelos de instrumentos) de nuestras referencias.
Mezclar.
Por otro lado, pueden leer mis tutoriales, que pueden ayudarlos a entender
los procesos del audio para conseguir sonidos específicos (compresión,
ecualización, principios básicos acerca del sonido, etc.) o inclusive cómo exportar y
presentar el material al equipo de trabajo que los acompaña y asesora.
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También voy desarrollando cursos sobre temas específicos y “a la carta” para
trabajar sobre temas puntuales que pueden surgir al momento de realizar una
producción.
Espero que este ebook les sirva para ponerse manos a la obra con sus
canciones. La gran conclusión que realmente me gustaría trasmitirles es que
siempre es posible realizar producciones de calidad.
¡Un abrazo!
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