10 tipos de Danza Clásica:

Ballet cortesano

El ballet cortesano es un género de ballet cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI en la
corte de Francia y que comprende poesía, música vocal e instrumental, coreografía yescenografía.
Bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos, y algunos bailarines profesionales, el
ballet cortesano está constituido por una serie de intermedios (entrées) en el curso de los cuales
los intérpretes van bailando por turno. La última «entrée» es interpretada por todo el conjunto de
los bailarines.
El Ballet des Polonais, fue uno de los primeros ballet, hecho representar por Catalina de Médici en
el Louvre, para recibir a los embajadores polacos llegados a anunciar a su hijo el duque de Anjou
(futuro Enrique III) su elección al trono de Polonia. Otro de los primeros y más célebres ballets fue
el Ballet comique de la Reine (1582) al que siguió una abundante producción de ballets durante el
reinado de Luis XIII. Olvidado hasta después de la Fronda, el ballet volvió a renacer llegando a su
apogeo durante el reinado de Luis XIV que, poco a poco, lo convirtió en objeto de propaganda
política con la ayuda de Richelieu, poniendo de relieve el poderío de Francia y de su
monarquía. Isaac de Benserade sería, por entonces, el poeta principal.
Cuando en 1670, Luis XIV decidió no subvencionar más ballets, éste recibió un golpe mortal, pero
dio paso al nacimiento de dos géneros nuevos protagonizados principalmente por Lully: la ópera-
ballet y la comedia-ballet.

Se puede consulta una amplia lista de los ballets de corte en Cronología del ballet cortesano
francés (1573-1671).

Ballet de acción

El ballet de acción o ballet-pantomima es un espectáculo coreográfico narrativo, cuyo argumento

se desarrolla con ayuda de la danza y de la pantomima. Empezó a representarse en el siglo XVIII al
socaire de la ópera-ballet y de la comedia-ballet que el trio Lully— Molière —y Pierre
Beauchamp habían puesto en escena por toda Europa durante el reinado de Luis XIV.
Después de haber triunfado en los teatros de la Feria y en la Opéra-comique de París el ballet-
pantomima se extendió por toda Europa hacia la mitad de siglo: Londres, Viena, San Petersburgo y
diversas ciudades italianas en las que, los ballets-pantomima son dirigidos por los
maestros: Gasparo Angiolini y Jean-Georges Noverre. Éste último, verdadero teórico de la danza,
le dio el nombre de ballet de acción, mucho más adecuado que el de ballet-pantomima. En sus
escritos Lettres sur la danse (edición de 1807) afirma: "Me atrevo a decir, sin falso pudor, que yo
resucité el arte de la pantomima; que estaba enterrado bajo las ruinas de la antigüedad". Sus
discípulos enseñaron esta nueva forma de ballet más próximo a las preocupaciones
cotidianas. Maximilien yPierre Gardel impusieron este género que perduró hasta el siglo XX, en
especial a través del ballet romántico.

Los tres géneros

En 1760 Noverre definió tres géneros de danza (y de bailarines): la danza noble o danza seria y
heroica que conlleva, en sí misma, el carácter de la tragedia. La mixta o semi-seria a la que se
denomina comúnmente demi-caractére, que es la comedia noble o alta comedia y la danza
grotesca (o danza cómica) conocida, erróneamente como pantomima lo que, en realidad, no es
dado que no tiene diálogo, aunque se basa en el género cómico, alegre y placentero.
En 1817 ante la confusión que reinaba en la Ópera de París entre los tres géneros, el conde de
Pradel fijó un conjunto de medidas para que el ballet tuviera más rigor. Al año siguiente, los
maestros de ballet Pierre Gardel y Louis Milon escribieron lo siguiente:
 La danza noble exige una altura elevada, bien proporcionada y, sobre todo, una fisonomía
noble. Su género abarca todos los movimientos musicales conocidos con los nombres
siguientes:zarabanda, pasacalle, el adagio a 3 y 4 tiempos, la loure (danza bailada al son
de la gaita), el minuet, la chacona a 2 y 3 tiempos, el aire marcial a 2 tiempos, como las
marchas, la giga, lagavota cercana al movimientos de la chacona a 2 tiempos y, en
general, todos los grandes caracteres, como los faunos, tártaros, poloneses, furias, etc.
 La danza demi-caractère exige una altura mediana, una figura esbelta y graciosa, y una
fisonomía agradable. Su representación contiene los movimientos musicales siguientes: el
romance, la siciliana la musette galante, el minuet gracioso, el andante, la pastoral,
la giga la gavota y todos los caracteres de céfiros, sílfides, trovadores, pastores, griegos,
romanos, etc.
 La danza cómica exige una talla no muy alta y más fuerte que fina, una fisonomía jovial,
sonriente y expresiva, los movimientos musicales basados en: la musette campestre y
pastoril, el minuet cómico y grotesco, 4 tiempos, 3/8-6/8 y 12/8 tiempos, el tambourin,
contradanzas francesas, allemandes y, en general, todos los caracteres cómicos del
género.
También es recomendable leer el libro de "Ballet Shoes" de Noel Streatfield para saber un poco
más del ballet

Ballet romántico

El ballet romántico aparece a principios del siglo XIX sustituyendo al ballet de acción del que Jean-
Georges Noverre fue el gran teórico. El período del ballet romántico duró unos treinta años;
de1815 a 1845-1850.
El romanticismo apareció a finales del siglo XVIII en Alemania (Johann Wolfgang von Goethe y
Friedrich Schiller) , y en Gran Bretaña Walter Scott y Lord Byron extendiéndose por toda Europa a
principios del siglo XIX llegando a Francia durante la Restauración, con autores como: Madame de
Staël, Chateaubriand o Lamartine. En música, Beethoven fue uno de los primeros.
Una nueva era comienza y la danza no se queda al margen: todos los artistas sueñan con un arte
revolucionario que aleje los demonios del Antiguo Régimen, con un nuevo aire, lírico, exótico,
mágico, sensual.
Un discípulo de Noverre, Charles Didelot, de paso por París en 1815, representó Flore et
Zéphire en la Ópera de París, los bailarines Albert y Geneviève Gosselin flotaban sobre el
escenario, estando suspendidos por hilos de acero. Fue un descubrimiento para el público que,
por primera vez, contemplaba una danza aérea, etérea, Madame Gosselin ya había innovado la
danza dos años antes bailando sobre la punta de los pies, aunque anteriormente realizado por la
bailarína italiana Amalia Bugnoli, pero en realidad no se sabe con certeza el invento de esta
inovación técnica dentro de la danza académica.
El ballet romántico abandonó, progresivamente, los mitos de la Grecia antigua para basarse en
la Mitología nórdica poblada de elfos ondinas y trolls. Es el reinado de la bailarina, pálida y etérea,
encarnando la nostalgia y la melancolía, vestida con vaporosas muselinas y coronada de flores del
campo. El bailarín queda en Francia reducido a su cometido de porteur (portador) poniendo de
relieve la gracia a la delicadeza de su pareja.
El primer gran ballet romántico fue La Sílfide, estrenada en la Ópera de París el 12 de
marzo de 1832 por Filippo Taglioni y representada por su hija Marie. Es la apoteosis del ballet
blanco, que triunfará durante treinta años. Este ballet, el ballet blanco todavía perdura en
nuestros tiempos, por ejemplo con el ballet de El lago de los cisnes.

Ópera-ballet

(Redirigido desde Opéra-ballet)

La ópera-ballet (o ballet á entrées) es un género lírico practicado en Francia en el siglo XVIII,
basado en el ballet cortesano.
Traspasando la tragedia lírica, de la que provienen sus principios, la ópera-ballet, es un puro
divertimento. Puede componerse de un prólogo (facultativo) y de varios actos (o entrées) en los
que las intrigas, generalmente simplificadas, y los sentimientos amorosos son independientes los
unos de los otros, pero unidos por un tema común. Un lugar preponderante lo ocupan los
intermedios danzados cuyo pretexto se ve reforzado por la acción.
Basado en el ballet cortesano, la ópera-ballet se distingue de la tragedia lírica porque reduce al
máximo la acción cantada a favor de la danza.
Una de las primeras óperas-ballet fue compuesta por André Campra: La Europa galante (1689). El
éxito de la misma fue copiado por varios autores, el más conocido de ellos Rameau con Las Indias
galantes que describían las aventuras amorosas en distintos países exóticos
(Turquía, Persia, Imperio inca, América del Norte…) y que constituyeron, a la vez, una de sus obras
maestras, con la música más completa en este género. La música es suntuosa. Pero Rameau
compuso varias obras más de este género: Les Fêtes d’Hébé, Les Fêtes de Polymnie, Le Temple de
la Gloire, Les fêtes de l’Hymen et de l’Amour, Les Surprises de l’Amour.
Louis de Cahusac, el mejor libretista de Rameau y uno de los principales poetas de las óperas-
ballet, puso en escena personajes contemporáneos, soslayando a los héroes mitológicos tan
apreciados por la tragedia musical. Mezclando comedia y fantasía, diversos decorados y trajes
(que se cambiaban en cada entrée), la ópera-ballet es, también, narrativa, y la acción dramática
puede, en ocasiones, tomar la forma de verdaderos ballets pantomima.

Danza española

(Redirigido desde Ballet español)

Danza española puede referirse a varias expresiones de la danza que se suelen considerar
particularmente españolas:
 El concepto de baile español o ballet español, que se diferencia del ballet clásico y suele
identificarse habitualmente con el baile flamenco, aunque propiamente no se identifica de
forma estricta con él:
 bailarines como Vicente Escudero -que fue también tratadista, estableciendo el Decálogo
del buen bailarín-, Antonio El Bailarín, etc. o bailarinas como Mariemma;
 composiciones musicales como El sombrero de tres picos o El amor brujo de Manuel de
Falla -responsable junto con Federico García Lorca del Concurso de Cante Jondo de
Granada de 1922-;1
 obras cinematográficas como El amor brujo o Los Tarantos (1962), de Francisco Rovira
Beleta, El amor brujo o Bodas de sangre, ambas de Carlos Saura, etc.
 Otros bailes populares españoles con la consideración de danza folclórica más o menos
extendidos por distintas zonas del territorio (bailes regionales): jota, danzas
vascas, sardana, muñeira, paloteo, isa canaria,2 etc.
 Particularmente, algunos de estos bailes tradicionales son habitualmente considerados
como ramas de la danza clásica española, sobre todo:
 el bolero, en su forma denominada la escuela bolera;3
  el fandango (baile);
 las seguidillas (la seguidilla es un tipo de estrofa y la seguiriya uno de los palos del
flamenco);
 la crotacología o arte de tocar las castañuelas o palillos, habitualmente mientras se baila;4
 el zapateado.
 Alguna clasificación distingue:5
 las danzas regionales, que incluyen bailes antiguos como el fandango o modernos como
las sevillanas;
 la danza flamenca;
 la danza española clásica o escuela bolera;
 la danza española neoclásica o renacimiento de la danza española a finales del siglo XIX.
Véanse también: Música de España, Cultura de España, Etnografía de España, Folclore de
España y Música folclórica de España
 Otras formas de danza española no relacionadas con la tradición folclórica o flamenca:
 Danza contemporánea en España (danza moderna o danza contemporánea).
 Baile juvenil en España (baile juvenil: rock, música disco, hip hop, bakalao, etc.) a veces
ligados a alguna subcultura juvenil otribu urbana; pero que en alguna ocasión incluyen
ritmos tradicionales españoles o hispanoamericanos (rumba en sus
formasflamenca y catalana).
 Baile de salón en España (baile de salón) concepto que engloba a algunos bailes
españoles (más bien los recientes -del siglo XIX-, como el pasodoble, las sevillanas, o
el chotis; o los modificados, como el bolero moderno), otros bailes
hispanoamericanos (muchos de ellos cantes de ida y vuelta, originados por el contacto
transatlántco: tango, cumbia, milonga, salsa, merengue, etc.) y otros bailes
europeos (polca, vals, etc.) brasileños (samba) o estadounidenses (fox trot, swing, rock,
etc.).
 Distintas compañías de danza:
 El Ballet Español de Cuba, fundado por Alicia Alonso.
 El Ballet Nacional de España, fundado por Antonio Gades, especializado en danza española
y baile flamenco.
 La Compañía Nacional de Danza de España o Ballet Nacional de España Clásico, fundada
por Víctor Ullate.
 Algunas composiciones musicales:
 12 Danzas españolas, de Enrique Granados (entre 1892 y 1900).
 Algunas obras plásticas:
 La Danza Española (Degas), escultura de Edgar Degas (hacia 1885), conservada en
el Ackland Museum (Chapel Hill, Carolina del Norte, Estados Unidos).

Flamenco

El flamenco es un estilo español de música y danza que se originó en Andalucía en el siglo XVIII,
que tiene como base la música y la danza andaluza. Hay controversia sobre su origen, ya que
aunque existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas puede ser comprobada de forma
histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia a la etnia gitana, esto no es aplicable a su
origen; no obstante, nadie duda de su aportación a las bases del flamenco. La tesis más extendida
es que sólo ese mestizaje cultural que se dio en Andalucía (musulmanes, cristianos, judíos, gitanos,
etc.) propició el origen de este género, ya que gitanos, cristianos, musulmanes y judíos hay en
muchas partes del mundo y sin embargo, flamenco solo hay en Andalucía. Por lo tanto el flamenco
es un patrimonio auténtico y genuinamente de todos los andaluces sin distinción de etnias y
religión.
El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco. En los últimos años, la
popularidad del flamenco en Iberoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá y El
Salvador han surgido diversas agrupaciones y academias de flamenco. En Japón el flamenco es tan
popular que en ese país hay más academias de flamenco que en España.2 3 En noviembre
de 2010 la Unesco declaró al flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.4

Etimología
La palabra flamenco, referida al género artístico que se conoce bajo ese nombre, se remonta a
mediados del siglo XIX. No hay certeza de su etimología, por lo que se han planteado varias
hipótesis:
 Por paralelismo con el ave zancuda del mismo nombre: Algunas hipótesis relacionan el
origen del nombre del género flamenco con lasaves zancudas del mismo nombre. Una de
ellas dice que el flamenco recibe esa denominación porque el aspecto y el lenguaje
corporal de sus intérpretes recuerda a dichas aves. Marius Schneider, en cambio, defiende
que el origen del término puede estar en el nombre de estas aves, pero no en su parecido
con el estilo de losbailaores sino en que el modo de mi, que es el predominante en el
repertorio flamenco, se relaciona en la simbología medieval, entre otros animales, con
el flamenco.5
 Por ser la música de los "fellah min gueir ard", los campesinos moriscos sin tierra:
Según Blas Infante, el término "flamenco" proviene de la expresión andalusí fellah min
gueir ard (‫)أرض غير من فالح‬, que significa "campesino sin tierra". Según él,
muchos moriscos se integraron en las comunidades gitanas, con las que compartían su
carácter de minoría étnica al margen de la cultura dominante. Infante supone que en ese
caldo de cultivo debió surgir el cante flamenco, como manifestación del dolor que ese
pueblo sentía por la aniquilación de su cultura.6 Sin embargo, Blas Infante no aporta
fuente histórica documental alguna que avale esta hipótesis y, teniendo en cuenta la
férrea defensa que hizo a lo largo de su vida de una reforma agraria en Andalucía, que
paliase la mísera situación del jornalero andaluz de su época, esta interpretación parece
más ideológica y política que histórica o musicológica. No obstante, el Padre García
Barrioso, también considera que el origen de la palabra flamenco pudiera estar en la
expresión árabe usada en Marruecos fellah-mangu, que significa "los cantos de los
campesinos".7Asimismo, Luis Antonio de Vega aporta las expresiones felahikum y felah-
enkum, que tienen el mismo significado.8
 Porque su origen está en Flandes: Otro número de hipótesis vinculan el origen del término
con Flandes. Según Felipe Pedrell el flamenco llegó a España desde esas tierras en la época
deCarlos V, de ahí su nombre.9 Algunos añaden que en los bailes que se organizaron para
dar la bienvenida a dicho monarca se jaleaba con el grito de ¡Báilale al flamenco! Sin
embargo el término "flamenco" vinculado a la música y al baile surgió a mediados del siglo
XIX, varios siglos después de ese hecho.
 Porque a los gitanos se les conoce también como flamencos: En 1881 Demófilo, en el
primer estudio sobre el flamenco, argumentó que este género debe su nombre a que sus
principales cultivadores, los gitanos, eran conocidos frecuentemente en Andalucía bajo
dicha denominación.10 En 1841 George Borrow en su libro Los Zíncali: Los gitanos de
España ya había recogido esta denominación popular, lo que refuerza la argumentación de
Demófilo.
Gitanos o egiptanos es el nombre dado en España tanto en el pasado como en el presente a los
que en inglés llamamos gypsies, aunque también se les conoce como "castellanos nuevos",
"germanos" y "flamencos"; [...] El nombre de "flamencos", con el que al presente son conocidos en
diferentes partes de España,[...]11
No se tiene certeza del motivo por el que los gitanos eran llamados "flamencos", sin embargo hay
numerosas noticias que apuntan hacia un origen jergal, situando al término "flamenco" dentro del
léxico propio de la germanía. Esta teoría sostiene que "flamenco" deriva de flamancia, palabra que
proviene de "flama" y que en germanía se refiere al temperamento fogoso de los gitanos. En el
mismo sentido el diccionario de la Real Academia Española dice que "flamenco" significa
coloquialmente "chulo o insolente", siendo un ejemplo de ello la locución "ponerse
flamenco".12 En un significado similar, el término "flamenco" es usado como sinónimo de
"cuchillo" y de "gresca" o "algazara" por Juan Ignacio González del Castillo, en su sainete El
soldado fanfarrón (ca. 1785). No obstante, Serafín Estébanez Calderón que en sus Escenas
andaluzas (1847) aporta las primeras descripciones de situaciones flamencas, no utilizó ese
nombre para calificarlas.

Ballet clásico

El ballet clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet, y adhiere a la técnica tradicional de
ballet. Hay variaciones según el lugar de origen, como el ballet ruso, el ballet francés o el ballet
italiano. Entre sus características distintivas están el uso de las puntas, sus gráciles, fluidos y
precisos movimientos, y sus cualidades etéreas.

Características
Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y
las medias, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta que
sus huesos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las zapatillas
de punta; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas ocasiones de punta
para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de los tobillos y de los pies deben
ser lo suficientemente fuertes para ir en pointe (en punta).
El ballet clásico está basado en pasos, posiciones y formas de cargar el cuerpo que se originaron
fundamentalmente en el siglo XVIII con el trabajo deJean-Georges Noverre.
A pesar de que en todo el mundo se comparte una misma base, hay variaciones regionales, y
diversas escuelas, como el método de Agrippina Vagánova o el de Nicolai Legat (rusos ambos) o el
de Enrico Cecchetti (italiano).
En la actualidad se ha ido diversificando el ballet desde las técnicas y la soltura a la hora de
bailarlo, siendo estas primeras la herramienta principal con la que se forma a un bailarín, la técnica
proporciona la base del baile, para que con ella el bailarín sea libre de poder expresar lo que a el le
plazca. La barra al piso es una técnica innovadora, ya que los trabajos que realizara el ejecutante
en barra de ballet, (de pie) los realizara en el piso, jugando de esta manera con la gravedad, siendo
esta una manera eficaz de trabajar el cuerpo pues los huesos de la columna se alinean desde la
cabeza hasta el coxis, permitiendo también una mejor conciencia del trabajo corporal.
Danzas de Indonesia
Tradiciones dancísticas de los grupos étnicos que habitan en las distintas islas del archipiélago
indonesio. Estas formas provienen de tres contextos: el hogar y el pueblo, el centro cortesano, y
los núcleos de religiones globales y animistas. La representación es una ofrenda a los ojos de las
personas vivas, los antepasados y los siempre presentes espíritus del mundo. La danza tradicional
indonesia es espiritual; las numerosas danzas guerreras que contienen no se refieren al bien que
derrota al mal, sino a las relaciones dinámicas entre las fuerza físicas y metafísicas imprescindibles
para la supervivencia del cosmos.
Culturalmente, no existe distinción entre la danza y el teatro; las danzas cortas ejecutadas para
entretener a los invitados o turistas emanan de los dramas dancísticos. El movimiento de la danza
es muscular pero minucioso: cambios laterales del peso del cuerpo, fuertes pero mantenidos; los
brazos extendidos y las rodillas dobladas enmarcados por la gentil delicadeza de los movimientos
del cuello, muñecas y dedos. Desde los festivales de los templos balineses a los ritos funerarios en
el Kalimantan Central, los bailarines ejecutan el mismo movimiento básico: el cuerpo baja sobre
rodillas giradas hacia fuera mientras los brazos flotan a la altura de los hombros. Este cuerpo
humano que baila es un simbolismo del microcosmos del universo; los miembros superiores e
inferiores se asocian respectivamente a las fuerzas benevolentes y destructivas necesarias en la
vida. El movimiento varía según el sexo: las piernas de los hombres se estiran hacia arriba y hacia
fuera y las manos suben por encima de la cabeza. Los movimientos femeninos son más
circunspectos, los pies se mantienen cerca del suelo y los brazos permanecen por debajo de los
hombros, expresando la energía a través de los movimientos de las muñecas. Rara vez bailan
juntos hombres y mujeres.

Las Danzas de Java y Bali

En Java, las danzas en los ritos comunitarios para purificar a los pueblos o para celebrar
iniciaciones o ceremonias de boda, son ofrecidas, a menudo, al espíritu guardián para asegurar el
bienestar: en el tayuban, profesionales femeninas cantan y bailan por turnos con los invitados
masculinos; jathilan es una lucha de equipos de jinetes, tradicionalmente masculinos. Las danzas
de trance suelen utilizar máscaras que se cree están penetradas de fuerzas poderosas. En Bali, los
seguidores del Barong, el guardián leonino del pueblo que se mantiene en el templo, suelen llevar
a cabo hazañas de invulnerabilidad durante el trance. La danza barong-rangda era un peligroso rito
de exorcismo hasta que, en los años treinta, el pintor alemán Walter Spies la convirtió en un
drama bailado para turistas. Como los coros del exorcista sanghyang, la danza de trance se
convirtió en la danza Kecak que acompaña a la danza ramayana inspirada en los antiguos relatos
épicos.

Las cortes y los templos

La danza cortesana es una forma refinada y elaborada del baile del pueblo. Los gestos detallados
de manos invitan a una comparación con la danza india, pero a pesar de los lazos comerciales
mantenidos con la India entre los años 600 y 1500, estas danzas representan logros estéticos
locales y no importados. Es cierto que la cultura india influyó en las cortes javanesas: sus
repertorios incluían dramas danzados (wayang wong), que representaban historias indias épicas,
en versiones javanesas, como el Mahabharata y el Ramayana; pero también las historias
javanesas, como damar wulan, se usan en la danza de ópera (langendriya).
Salvo los bailarines que representan monos y demonios, los danzantes cortesanos actúan sin
máscaras, a excepción de las interpretaciones de las danzas dramáticas sobre las aventuras
amorosas del príncipe Pañji en las cortes del oeste de Java, Ciberon y en la de Kasunanan en Java
Central. Las cortes de Yogyakarta excluyen las máscaras porque su utilización pertenece a
costumbres villanas que se consideran vulgares. Los bailarines de wayang wong imitan a los
muñecos de cuero del teatro de sombras (wayang kulit). Los bailarines de golek menak procuran
moverse como los muñecos de madera del teatro wayang golek. Desde el siglo XVI, las
representaciones en la corte javanesa han estado influidas por el islam. Las historias de golek
menak proceden de la épica islámica Hikayat Amir Hamzah. Las danzas bedhaya aluden a historias
tanto indias como islámicas. Estas elaboradas coreografías, ejecutadas por un máximo de nueve
mujeres, estuvieron, hasta 1945, reservadas para los sultanes. Son danzas abstractas y difíciles, de
una naturaleza tan introspectiva, como extrovertida es la danza Bharatanatya. Con una duración
de hasta dos horas, requieren una ejecución fluida y sostenida del movimiento a través de
elaboradas formaciones asimétricas, sobre una música cuyos lentos ritmos siguen el latido del
corazón humano.
Durante el siglo XV, las tradiciones hindo-budistas de la corte de Java se extendieron a Bali y se
desarrollaron de forma paralela a la danza indígena. La aportación más antigua es el gambuh, que
representa historias Pañji, sin máscaras. ElRamayana, en contraste, era interpretado con máscaras
(wayang wong) hasta que las academias de danza desarrollaron el ballet ramayana en los años
sesenta. Las danzas dramáticas enmascaradas (topeng) representan historias de las crónicas
balinesas. En Bali, la división entre las danzas del pueblo y de la corte es menos marcada que en
Java debido al contacto cercano de las cortes y de los pueblos y por la importancia de la danza
como una ofrenda en el templo. Las danzas en Bali derivan de la danza dramática de
entretenimiento o de las danzas rituales abstractas, pero siempre son ofrecidas a los dioses. La
danza lelong, creada en el siglo XIX por el regente Sukawati para tres bailarinas, se baila hoy en los
festivales del templo. El rejang y el mendet son danzas rituales, tan abstractas como la danza
javanesa cortesana bedhaya, pero lleva la forma más simple de procesiones a los altares en los
patios del templo. Las danzas baris demuestran el valor de los guerreros y también se ejecutan
para el placer de los dioses y de la comunidad humana.

Danzas clásicas de la India

Están consideradas como una de las formas de arte más desarrolladas de la cultura india.
La enorme área geográfica del subcontinente indio contiene una gran diversidad de tierras, climas,
personas, culturas y lenguas, y esta diversidad se ve reflejada en sus muchos estilos de danza, que
van desde lo clásico hasta lo folclórico y lo contemporáneo.
La tradición clásica es una forma de arte antigua y sofisticada que se extiende a lo largo de varios
cientos de años. Tiene su origen en los templos y es ejecutada por los devadasis (bailarines del
templo). Los estilos clásicos han estado relacionados con la mitología, la filosofía, las creencias
espirituales de la cultura hindú y, en tiempos más recientes, con la tradición islámica. La danza
clásica tiene sus raíces en el Natyasastra, el texto más antiguo que se conoce sobre dramaturgia,
atribuido a Bharata, que en realidad actuó más como buscador y compilador de trabajos muy
antiguos, que como el inventor del género dramático. Según las hipótesis más aceptadas, la fecha
del Natyasastra se sitúa entre los siglos III o IV d.C.; este tratado sánscrito define el drama como
continente de la palabra, el mimo, la danza y la música, y establece los principios que marcarán la
técnica y la estética.
Desde el siglo II al VIII d.C. hubo una marcada diversificación. Gradualmente, la danza se fue
disociando del drama y nacieron los distintos estilos clásicos, que reflejaban la tradiciones
particulares de la región en la cual surgieron. Sin embargo, todos los estilos clásicos comparten los
elementos básicos del nritta (danza pura), el nritya (expresión) y elnatya (elemento dramático).
Dentro del natya, el abhinaya (expresión del contenido dramático a través de la pantomima y el
gesto) adquiere formas diferentes en los distintos estilos, siendo algunos más exagerados que
otros. Los temas del abhinaya también varían, pero cada estilo hace hincapié en la enseñanza
del navarasa o los nueve estados de ánimo o sentimientos: el amor, el desprecio, el pesar, la ira, el
miedo, el valor, el disgusto, la admiración y la paz. Estos estados de ánimo se encuentran
clasificados en el Natyasastra y se describen los medios de expresarlos a través de los
movimientos de los ojos, las cejas, el cuello, las manos y el cuerpo. También existen dos categorías
de movimientos que todos los bailarines deben poder realizar independientemente de su sexo:
el tandava es el aspecto masculino y vigoroso de la danza y el lasyarepresenta el lado elegante y
femenino. Todos los estilos se ejecutan con los pies descalzos, aunque hay algunos de ellos utilizan
los ghungroos (cascabeles en los tobillos) para aumentar el ritmo de sus pasos. Los mudras (gestos
con las manos), los estilizados movimientos de la cara y los ojos y los complejos esquemas rítmicos
constituyen otras características de esta danza.
Aunque las variantes regionales han desarrollado su propia técnica y presentación distintiva, han
continuado con las mismas reglas básicas y normas que aparecen en el Natyasastra. Existen
diferencias de estilo que le dan a cada uno su propia cualidad única. Las principales variedades
son: Bharatanatyam, desarrollado en los templos de Tamil Nadu, en el sur de la India. Contiene un
estimulante flujo de percusión. El espacio y el movimiento se perciben a lo largo de precisas líneas
geométricas, acentuados por un frágil trabajo de pies.
Kathak: tiene su origen en los cuentos tradicionales del norte de la India. Más tarde floreció en las
cortes hindú y mogol, donde se convirtió en la sutil y sofisticada forma de hoy. El estilo está
caracterizado por el complejo trabajo de pies, los giros rápidos y las súbitas posturas.
Odissi: proviene del este de la India. Sus líricas y fluidas líneas están puntuadas por pausas en las
cuales los bailarines adoptan poses esculturales, representaciones que todavía se pueden ver en
las paredes de algunos templos.
Manipuri: es un estilo elegante y suave que proviene de Manipur, en el noroeste de la India. Los
bailarines utilizan pequeños pasos y saltos bajos, y las mujeres llevan rígidas y largas faldas. Las
leyendas sobre Krishna conforman los temas desarrollados en las actuaciones.
Kathakali: surgido en Kerala, en el suroeste de la India. Este estilo vigoroso, dramático y exigente
tiene mucho que ver con las tradiciones sobre artes marciales. Utiliza una mímica, un maquillaje y
un vestuario estilizado para representar a los personajes de los mitos y leyendas.
Mohini Attam: también proviene de Kerala. Es una danza bailada por mujeres vestidas de blanco y
oro. Tiene el sabor del bharatanatyam y del kathakali con dosis de danzas folclóricas locales, en
particular el kaikottikali.
Kuchipudi: recibe su nombre del pueblo de Kuchipudi, en el estado meridional de Andhra Pradesh.
Comparte muchos elementos comunes con el bharatanatyam y es vibrante e intenso. Está
compuesto por bailes individuales y danzas dramáticas muy evolucionadas.
Las formas clásicas tienen muchos nexos de unión con la danza folclórica. En todo el
subcontinente indio existe una inmensa variedad de bailes folclóricos: danzas sociales para
celebrar fiestas y otras ocasiones especiales como matrimonios, danzas maritales, danzas para
mujeres y danzas para hombres. Los bailarines suelen cantar mientras bailan, y el
acompañamiento de tambores es indispensable. Quizás las danzas folklóricas más conocidas sean
las enérgicas y vigorosas bhangra del Punjab, y el garba y el dandia ras (danza de los pasos) de
Gujarat.
A lo largo de los siglos, las danzas de la India han estado sometidas a distintas influencias que han
ejercido un gran impacto en su desarrollo. Desde el siglo XII al XVIII d.C., el imperio Mogol floreció
y más tarde decayó en las regiones del norte. Bajo el patronazgo de los emperadores, las artes,
especialmente la música y la pintura, fueron alentadas en las cortes. El kathak evolucionó de la
tradición de cuenta cuentos a la forma sutil y compleja de hoy. Con la llegada del Imperio
Británico, la danza, entre otras artes, sufrió un eclipse temporal, especialmente en las ciudades y
pueblos donde se había establecido el protectorado inglés. Debido a la imposición de la
escolarización inglesa y de los valores victorianos, la danza dejó de fomentarse, especialmente
entre la clase media. Gradualmente cayó en desgracia y losdevadasis fueron expulsados de los
templos. Sin embargo, en la primera mitad del siglo XX, personalidades como Rabindranath
Tagore, Rukmini Arundale y Uday Shankar lucharon incansablemente para revivir la rica herencia
de la danza clásica india. Estas personas realizaron un gran esfuerzo para proporcionar mayor
relieve a la danza y pusieron las bases para el espectacular renacimiento de esta forma de arte una
vez que la India recuperó su independencia en 1947. A partir de entonces han surgido un número
cada vez mayor de bailarines, maestros, alumnos y compañías de danza india, al igual que escuelas
en la India, Gran Bretaña, Norteamérica y Australia.
Así como se ha continuado con las tradiciones folclóricas y la danza clásica, en los últimos
cincuenta años se ha desarrollado la danza contemporánea y cinematográfica. Esta última se ha
convertido en una forma popular de arte y coreógrafos como Mrinalini Sarabhai, Manjusri Chaki-
Sircar, Chandralekha y Kumudini Lakhia han desarrollado un nuevo lenguaje, creando obras
modernas basadas en la tradición clásica y, algunas veces, en temas de actualidad.
En Gran Bretaña existe una larga tradición de danza india. Uday Shankar trabajó con Anna Pavlova
en la década de 1920. Las giras de Ram Gopal en la década de 1950 continuaron con las realizadas
por compañías británicas a partir de 1970. Shobana Jeyasingh ha abierto un nuevo campo al
trabajar con compositores y coreógrafos occidentales como Michael Nyman y Richard Alston, y
con compañías de teatro y coreógrafos indios contemporáneos. Jeyasingh ha creado formas
innovadoras y desafiantes para transmitir el clasicismo indio al gran público.

Danza Macabra

El tema alegórico en arte, literatura, teatro y música se caracteriza por la representación del
esqueleto humano como símbolo de la muerte. Basado en la creencia popular, fomentada por las
plagas y guerras de los siglos XIV y XV, de que la muerte, en forma de esqueleto, surge de las
tumbas y tienta a los que tienen vida con el fin de que se unan ella. El tema, extremadamente
convincente, se sustenta en la idea de la inevitabilidad de la muerte, así como en su poder
igualador frente a todos los hombres, desde el Papa hasta el mendigo, pasando por toda la escala
social. Es también una amonestación de la necesidad del arrepentimiento.
El ejemplo más conocido de la danza macabra o danse macabre o también Totentanz es el
representado en frescos de iglesias, capillas y cementerios de Francia, Alemania y Suiza, pero el
más famoso es el realizado en el año 1424, destruido en la actualidad, que se encontró en la
iglesia de los Santos Inocentes de París. En el año 1485 el grabador parisino Huy Marchant publicó
unos grabados y unos versos de una danza macabra (1485) que circularon por toda Europa y que
ayudaron a consagrar el tema como género; igualmente, forma parte del argumento de la obra de
ChaucerCuentos de Pardoner y de la obra de Lydgate La caída del príncipe (c. 1430). El motivo se
proyecta en la obra de August Strindberg, Edgar Allan Poe y Charles Baudelaire. La danza de la
muerte fue también pintada en muchos frescos de iglesias e inspiró un famoso grupo de 51
dibujos realizados entre 1523 y 1535 del pintor alemán Hans Holbein el Joven. Los frescos más
tempranos sobre el tema de la danza macabra son los de la iglesia de Kermaria en Bretaña, Francia
(c. 1540-1560). En Inglaterra, sobreviven ejemplos en el Priorato de Hexham, Northumberland, así
como en la parroquia de Newark-on-Trent; en 1549 se perdieron los frescos de la catedral de Saint
Paul, en Londres.
La danza macabra también se puede referir a los comentarios versificados de las representaciones
escultóricas y pictóricas sobre el tema. En España se conserva una Danza general (siglo XV) de
autor anónimo, y parece ser que de origen francés. A través de una forma dialogada la muerte
invita a personajes de distinta condición a participar en su danza. Existe también una versión
catalana. Más adelante, el tema influyó en la literatura, sobre todo en el teatro, como en la trilogía
de Gil Vicente Las barcas, en los autos de Calderón de la Barca y en los Sueños de Quevedo.
En los siglos posteriores la danza de la muerte continuó inspirando a algunos poetas como el
alemán Johann Wolfgang von Goethe y el estadounidense de origen inglés Wystan Hugh Auden. La
música también ha tratado este tema, como lo ejemplifican la obra Totentanz del compositor
húngaro Franz Liszt o el poema sinfónico titulado Danza macabra (1874) del compositor francés
Camille Saint-Saëns. En el siglo XX destaca la Danza de los muertos (1938) de Honegger, oratorio
para orquesta, tres solos, coros y recitativo.