Diseño industrial

Diseño industrial es la disciplina orientada a la creación y desarrollo de los productos industriales. El diseñador industrial
trabaja en un proceso de adaptación de los productos, a las necesidades físicas y psíquicas de los usuarios y grupos de
usuarios.

El diseño industrial sintetiza conocimientos, métodos, técnicas, creatividad y tiene como meta la concepción de objetos de
producción industrial, atendiendo a sus funciones, sus cualidades estructurales, formales y estético-simbólicas, así como
todos los valores y aspectos que hacen a su producción, comercialización y utilización, teniendo al ser humano como
usuario. Es una actividad creativa, que establece las cualidades polifacéticas de objetos, de procesos, de servicios y de sus
sistemas en ciclos vitales enteros. Por lo tanto, el diseño es el factor central de la humanización innovadora de tecnologías
y el factor crucial del intercambio económico y cultural.

El diseñador industrial desarrolla diversos objetos tales como joyería, indumentaria, juguetes, muebles, luminarias,
vehículos, accesorios de cómputo y etc.

Historia

Dibujo de un proyecto de vehículo. Los diseñadores industriales desarrollan nuevos conceptos en productos y optimizan
las prestaciones, funcionamiento, producción, sustentabilidad, venta y distribución, entre otras cualidades.

Silla diseñada por Charles Rennie Mackintosh. El Arts and Crafts fue un movimiento que se opuso a la más temprana
producción industrial de muebles por considerarla de mala calidad y con desiquilibrio entre forma, función y decoración.

La concepción de la forma de los objetos y la determinación de sus atributos, es una actividad realizada por el hombre
desde los orígenes de la especie humana. Estos objetos han tenido siempre como intención ser extensiones de nuestros
cuerpos y nuestras mentes. Un ejemplo común es el del desarrollo de la silla, pues anterior a ésta se encuentra la roca, el
tronco o un montículo, pero ahora el derivado es una silla, y más aún, una silla ergonómica. Y así, muchos objetos se han
desarrollado dependiendo en gran parte de su función. A lo largo de la historia esta actividad de configuración (diseño) y
construcción de los objetos estuvieron a cargo de la misma persona. Hasta el siglo XIX, en general, ambas actividades
estuvieron a cargo de la misma persona: el artesano.

La revolución industrial comenzó a gestarse en Inglaterra a mediados del siglo XVIII y con la introducción sistemática de
la máquina en el proceso de producción, comienza la mecanización del trabajo, en reemplazo del trabajo manual. Este
nuevo sistema de producción separó las tareas de concepción de las de construcción. En un principio los creadores fueron
artistas y artesanos con inventiva que tuvieron éxito debido a las favorables circunstancias económicas del momento y al
uso de la máquina de vapor y electricidad.

Durante la primera mitad del siglo XIX los objetos fabricados por el nuevo sistema de producción no se caracterizaban
precisamente por la calidad del diseño, lo que provocó cuestionamientos y críticas que hicieron eclosión con motivo de la
Gran Exposición Internacional de 1851 en Londres. Allí se expusieron los avances de la tecnología de la época y todo lo
que la técnica permitía producir, desde locomotoras y telares mecánicos hasta objetos de la vida cotidiana. La calidad de
los objetos expuestos, que imitaban el aspecto de los hechos a mano, en general era mala. La producción industrial
sacrificaba calidad y terminación por cantidad.

En el contexto de la crítica a la producción industrial, Henry Cole, un especialista en artes decorativas inició un
movimiento para conciliar arte con industria. Editó una revista mensual llamada Journal of Design and Manufacturers
que fue la primera publicación sobre diseño aplicado a la industria. El cuestionamiento de la producción industrial fue
seguido por otras personalidades como John Ruskin y William Morris, ambos, inspiradores del movimiento Arts and
Crafts.

El movimiento Arts and Crafts, planteó un retorno a la producción artesanal y al espíritu medieval como alternativa válida
para recuperar el equilibrio entre artes y oficios. El movimiento intentó resucitar la artesanía y el diseño en la Inglaterra
victoriana. Se caracterizó por materializar la unidad de la forma, la función y la decoración, un equilibrio que había sido
roto como consecuencia del nuevo sistema de fabricación industrial. Al principio rechazó el uso de la máquina, y las
formas tendieron a ser rústicas, simples y elegantes, en general sin ornamentación. La forma no ocultaba su función y en
cambio evidenciaba su construcción, dejando a la vista clavos y clavijas formando diseños en las superficies de los
muebles. La segunda generación de diseñadores del movimiento fue más superadora y aceptó plenamente la ayuda de la
máquina. Si bien el Arts and Crafts logró revivir la artesanía, no pudo hacer lo mismo con el diseño aplicado a la
industria, aunque el movimiento fue un paso significativo hacia la abstracción de la forma y el funcionalismo en el diseño
industrial.

Se considera que la primera institución que impartió las bases del diseño industrial fue la Bauhaus (casa de construcción),
una escuela alemana de arte, diseño y arquitectura fundada en 1919 bajo la dirección de Walter Gropius, dicha escuela fue
clausurada en 1933 por las autoridades prusianas (en manos del partido Nazi).

En la actualidad el diseño industrial se ha extendido por casi todo el mundo, con educación a nivel universitario. La
mayoría de los países cuentan con organizaciones oficiales que promocionan el diseño. Las escuelas más importantes en la
actualidad son las de Milán, y toda Italia, en general.

El proceso de diseñar un producto incluye además de los diseñadores industriales, ingenieros de producto, plásticos,
metalurgia, eléctricos, electrónicos, sistemas, industriales y todos aquellos que sean requeridos acorde con los requisitos
específicos del producto, así como de la empresa que ha de producir el artículo industrial.

Las actuales sociedades postmodernas se encuentran sumergidas en una inmensa cantidad de objetos consecuencia de la
producción industrial seriada, desde sencillos empaques hasta automóviles. Estos objetos son estudiados y analizados por
diseñadores industriales, quienes sintetizan la información proporcionada por estudios de mercado, de funciones,
anatómicos, culturales, etcétera, para poder desarrollar y diseñar productos adecuados al mercado y sus expectativas.

La protección del diseño industrial

El diseño industrial en su imagen más vasta se detalla a continuación: El derecho de los creadores de un diseño
industrial, a ser los únicos en producirlo, venderlo,... se protege de dos formas: el derecho de autor y la propiedad
industrial. Según la política de cada país, ambas protecciones pueden acumularse o no. Así en España se permite la
acumulación mientras que en Francia no.

La protección como propiedad industrial

Es una protección más completa, pero de duración más reducida, pues según los convenios internacionales, como por
ejemplo el Tratado sobre los Aspectos de Propiedad Intelectual relacionados con el Comercio (ADPIC) la duración
mínima es de 10 años. La mayor parte de los países ofrece una duración máxima de 25 años.

Para que un diseño industrial pueda ser protegido mediante propiedad industrial ha de cumplir una serie de requisitos,
estando fijada por el ADPIC las condiciones de los requisitos. Así se suele pedir novedad y carácter singular. El primero
de los requisitos es que no exista nada igual, mientras que el segundo establece que no exista nada parecido.
Para la mayor parte de las legislaciones, el diseño no debe poseer una función técnica, sino que su objetivo debe ser
únicamente la estética. En el caso de poseer una función técnica, se protegerá mediante una patente o un modelo de
utilidad.

Otro requisito no tan generalmente aceptado es el de visibilidad, es decir, que la parte donde se aporta el diseño se vea en
el uso normal del producto.

La protección como derecho de autor

Para que un diseño industrial sea protegido mediante el derecho de autor debe cumplir el requisito fundamental de
originalidad.

El deber de un diseñador industrial es el de satisfacer a cabalidad las necesidades de un usuario. La duración de esta
protección suele durar toda la vida del creador del diseño industrial protegido, más una cantidad de años variable según la
legislación. Normalmente es de 60-70 años.

Profesión

En Iberoamerica: Actualmente el título universitario en España de un Diseñador Industrial es el de Ingeniero en Diseño

Industrial, o bien el de Diplomado en Diseño de Productos, ambos de 3 años de duración más un proyecto final de carrera,
como cualquier ingenieria en españa (PFC).

En las universidades argentinas de Buenos Aires, La Plata, Córdoba, Mar del Plata y Mendoza, el título del egresado es
Diseñador Industrial a nivel de licenciado, (con diferentes orientaciones, como productos, textil e indumentaria en el caso
de la UNMDP),con una duracion de 5 años. En Colombia existe la carrera en facultades de diseño, y donde en general, la
visión depende de la escuela en donde se realice la carrera, formalista o esteticista como la universidad Nacional, Jorge
tadeo Lozano, La Javeriana, El Bosque, La autonoma, entre otras. En México el título es Licenciado en Diseño Industrial
o Ingeniero en Diseño Industrial, algunas de las universidades que imparten esta carrera son: la Universidad Nacional
Autónoma de México, Universidad Autónoma Metropolitana y la Universidad Iberoamericana. En Costa Rica se imparte
Ingeniería en Diseño Industrial en el Instituto Tecnológico de Costa Rica, con énfasis en Diseño de Productos o diseño de
Comunicación Visual y Diseño de Productos en la Universidad Veritas.

En general en los paises, el diseño industrial es una profesion muy bien pagada, y las personas que estudian diseño
industrial tienen altas probabilidades de obtener un empleo. Ya que, claro está, el diseñador industrial crea las formas de
objetos cotidianos: desde las cosas mas pequeñas y simples hasta los objetos mas sofisticados que la mente humana pueda
llegar a imaginar.

Disciplinas y ciencias afines

 Dibujo

 Ergonomía

 Morfología (diseño)

 Tecnología
 LISTA DE MOVIMIENTOS Y DISEÑADORES
INDUTRIALES
Arts and Crafts (1851-1914)
El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en
1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX.
Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta,
activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales,
renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron
Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles
Rennie Mackintosh, Frank Lloyd Wright, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los
artistas del movimiento prerrafaelita.

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano
sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el
arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo
un arte decorativo.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las
artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para
referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art
decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada objeto deberia tener o retomar algo del pasado
pero dandole un sentido elegante.

 William Benson
 Walter Crane
 William R. Lethaby
 Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) *
 Arthur Heygate Mackmurdo
 William Morris (1834-1896) *
 Charles Voysey
 Philip Webb
 Simon Ortiz

Art Nouveau (1880-1905) -Modernismo (arte)

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo
XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y
Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o
Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la
misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.Se distingue por su creatividad, el
gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres.

Un arte nuevo
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los
estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que
predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y
así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre
estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en
democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda
la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva. El modernismo no sólo
se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A
menudo los artistas modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres
de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al
edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en
arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.).

Características formales

Las características que en general permiten reconocer al modernismo decorativo propiamente dicho son:

 La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los
vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

 El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una
derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo que a veces se le suele
confundir con el modernismo.

 Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación
estrictamente realista de éstos.

 Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con
un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.

 Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en
algunos casos.

 La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas
culturas lejanas o antiguas.

 La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en
contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en
el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el
elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.

Historia del Modernismo

El modernismo tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se
encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugène Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun
cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son
ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista de sus movimientos orgánicos, los colores y la gracia
de sus formas. La primera señal evidente del movimiento modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un
conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883 del diseñador y arquitecto
Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Se puede aducir también la
tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría
de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.

La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades
europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo
fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos
se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín,
Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento
hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –
aprovechándolo más allá de su función arquitectónica- así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular –
vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño
modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más
simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños
industriales luego derivaría en el Art Decó.

 Wiener Werkstätte
 Charles Robert Ashbee
 Louis Majorelle
 Henry van de Velde

De Stijl (1917-1928)
De Stijl o Die Stijl ("El Estilo") era un movimiento y una revista formado en Holanda en 1917.

El Movimiento

 Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van
Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños
gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las
pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales
de De Stijl.

 Cuando vio pinturas cubistas por primera vez en 1910, Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional
hacia un estilo simbólico. Influenciado por Van Gogh, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años
siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del cubismo hacia una
abstracción geométrica pura. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y
van Doesburg eran difícilmente distinguibles (cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea
diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es:
podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del
lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal.
A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos
absoluta certeza de quién es el autor). Además de su restringido vocabulario visual, los artistas De Stijl buscaron
una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.

 Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar
la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible,
pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción
mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924,
Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría
del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la
construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en
Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX.
Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones
puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial.
Mondrian escribió que el arte "desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio". La tecnología
y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño
gráfico diferentes.

 Le Corbusier (1887-1965)
 Eileen Gray
 Gerrit Rietveld
  Mart Stam
 Theo van Doesburg (1883-1931)
 Robert van't Hoff

Bauhaus (1920-1930)
El movimiento Bauhaus proveyó la base metodológica para la educación en diseño en el siglo XX. Este movimiento
también fue el origen de la tipografía moderna y desarrolló un estilo de diseño único, que incorporaba “ nuevos”
materiales, como el concreto, vidrio y acero, evitando la ornamentación. Bauhaus fue un instituto educativo de
considerable fuerza, muy conocida por sus ideas y por la importante concentración de figuras que se dieron entre sus
integrantes y estudiantes.

Los orígenes del movimiento Bauhaus se establecen en la creencia que una reforma de la educación artística sería vital por
motivos económicos para los alemanes. Ya que los alemanes tenían menor disponibilidad de materia prima que Estados
Unidos o Gran Bretaña y basaron su fuerza de trabajo en su habilidad de exportar bienes sofisticados y de alta calidad. En
ese caso, los diseñadores son muy necesarios y solo un tipo de educación artística podría cubrir estas necesidades. Luego
de la Primera Guerra Mundial, Walter Gropius sugiere el re-establecimiento de la Escuela de Artes y Oficios en el
pequeño pueblo de Weimar. La mayor base ideológica fue enfocada en desarrollar artistas entrenados para trabajar en la
industria.

 Peter Behrens (1868–1940)

 Max Bill (1908-1994)

 Marianne Brandt (1893–1983)

 Marcel Breuer (1902-1981)

 Walter Adolph Gropius (1883-1969)

 Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969)

 Gerd Alfred Müller (1932-1991)

 László Moholy-Nagy (1895-1946)

 Wilhelm Wagenfeld (1900-1990)

Art Deco y Streamline moderne (1925-1950)

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década
de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e
industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset,
Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes
decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en
París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la
retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de
mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

El streamline moderne, también llamado simplemente Streamline o Streamlining (en español llamado estilo
aerodinámico o aerodinamismo) fue una rama del estilo Art Decó tardío que tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se
caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y
ventanas de portillo.

El streamline surge en el contexto histórico de la crisis que se produjo en los Estados Unidos debido a la depresión de
finales de la década de 1920 y comienzos de 1930. Con el objetivo de captar interés en los consumidores y compradores,
se apeló a un cambio formal del estilo predominante en el área de la arquitectura y el diseño. Se propuso un cambio
formal acorde al nuevo mundo que estaba surgiendo. El nuevo enfoque tuvo la influencia del futurismo, que glorificaba la
velocidad y estaba basado en investigaciones técnico-científicas orientadas a lograr superficies que ofrecieran menor
resistencia al avance para aplicaciones ingenieriles.

La aerodinámica se aplicó en los más diversos ámbitos del diseño y la arquitectura, desde casas, hoteles, autos y hasta en
objetos que no tenían requerimientos diseño aerodinámico como sacapuntas de lápices. En el área del diseño industrial se
popularizó gracias a diseñadores como Norman Bel Gedes. El estilo se extendió tanto en los Estados Unidos que ha
llegado a ser considerado como sinónimo de diseño industrial estadounidense de las décadas de 1930 y 1940.

En la arquitectura, el streamlining fue el primero en incorporar la luz eléctrica en la estructura arquitectónica. El foyer del
Strand Palace Hotel (1930), conservado de la demolición del Victoria and Albert Museum en 1969, marcó uno de los
primeros usos de la luz interior del vidrio arquitectónico, y casualmente fue el primer interior Streamline Moderne
conservado en un museo. A pesar de que el estilo se usó principalemnte en edificios comerciales, existen algunas
residencias con este estilo. La Casa de Lydecker en Los Ángeles, construido por Howard Lydecker, es un ejemplo de
diseño streamline en arquitectura residencial.

 Alvar Aalto

 Maurice Ascalon (1913-2003)

 Norman Bel Geddes (1893-1958)

 Hugo Blomberg (1897-?)

 George Carwardine

 Donald Deskey

 Henry Dreyfuss (1904-1972)

 Charles and Ray Eames (1907-1978) and (1912-1988)

 Buckminster Fuller (1895-1983)

 Jean Heiberg

 Poul Henningsen

 Gerard Kiljan (1891-1968)

 Raymond Loewy (1893-1986)

 Ralph Lysell (1907-1987)

  Marcello Nizzoli

 Ferdinand Porsche

 Viktor Schreckengost (1906-)

 Walter Dorwin Teague (1883-1960)

 Gösta Thames (1916-)

 Russel Wright (1904-1976)

 Harold van Doren

Modernismo tardío (1950-1975) [editar]

 Hans Gugelot (1920-1965)

 Dieter Rams

 Arne Jacobsen (1902-1971)

 Gino Valle

Pop (1960-1980) [editar]

 Harry Bertoia

 Anna Castelli-Ferrieri

 Joe Colombo

 Niels Diffrient

 Tom Dixon

 Frank Gehry

 Arata Isozaki

 Isamu Kenmochi

 Shiro Kuramata

 Olivier Mourgue
  Gio Ponti

 Karim Rashid

 Eero Saarinen (1910-1961)

 Riki Watanabe

 Syd Mead

 Isamu Noguchi

Postmodernismo (1980-) [editar]

 Ron Arad (1951-)

 Brad Ascalon (1977-)

 Mario Bellini (1935-)

 Antonio Citterio (1950-)

 Luigi Colani

 Maurizio Corbi

 Michele De Lucchi (1951- )

 Michael Graves (1934- )

 Konstantin Grcic (1965- )

 Hans Hollein

 Jonathan Ive (1967- )

 Lisa Krohn

 Shiro Kuramata (1943-1991)

 Javier Mariscal (1950- )

 Jasper Morrison (1959- )

 Alessandro Mendini (1931-)

 Carlos Riart

 Richard Sapper

 Borek Sípek (1949 - )

 Philippe Starck (1949 - )

 Ettore Sottsass (1917 - 2007)

 George Sowden

 Mattheo Thun (1952 - )

 Masanori Umeda ( )

 Robert Venturi ( )

 Marco Zanuso (1916 - )

 James Dyson (1947 - )

 Trevor Baylis (1937 - )

 Sigvard Bernadotte (1907 - )

 Nick Butler (1942 - )

 Norman Foster (1935 - )

 Naoto Fukasawa (1956 - )

 Giorgetto Giugiaro (1938 - )

 Kenneth Grange (1929 - )

 Geoff Hollington (1949 - )

 Knud Holscher (1930 - )

 Ross Lovegrove (1958 - )

 Erik Magnussen (1940 - )

  Alberto Meda (1945 - )

 Brett Lovelady (1962 - )

Para ser clasificados [editar]

 Egmont Arens (1888-1966)

 Harley J. Earl (1893-1969)

 Virgil Exner (1909-1973)

 Victor Papanek (1927-1999)

 Brooks Stevens (1911-1995)

 Eva Zeisel (1906- )

 Bruno Munari (1907-1998)

 Robert Davol Budlong (1902-1955)

 Verner Panton (1926-1998)

 Robin Day (1915- )

 Hartmut Esslinger (1944- )

 Tapio Wirkkala (1915-1985)

 Jakob Jensen (1926 - )

 Olof Bäckström (1922 - )

 Oskar Barnack (1879 - 1936)

 Alexander Graham Bell (1847 - 1922)

 Emil Berliner (1851 - 1929)

 László Bíró (1899 - 1985)

 Acton Bjørn (1910 - 1992)

 Diego Reyes Franco (1980 - )

 Gino Colombini (1915 - )

 Kenji Ekuan (1929 - )

 David Mellor (1930 - )

 Herman Miller (1923 - )

 Roberto Sambonet (1924 - 1995)

 Douglas Scott (1913 - 1990)

 Massimo Vignelli (1931 - )

 Jean Pierre Fournier (1971 - )

 babak amirebrahimi 1980 2009