Elementos de

diseño para
proyectos multimedia
 Elementos de diseño para proyectos multimedia
Contenidos Pág.
INTRODUCCIÓN 3

MAPA CONCEPTUAL 4

1. EL COLOR 5
1.1 El Arcoíris 5

2. MODELOS RGB Y CMYK 7

2.1 Modelo RGB 7
2.2 Uso del modelo RGB 7
2.3 Modelo CMYK 8
2.4 Uso del modelo CMYK 8
2.5 CMYK y la impresión offset 8

3. TEORÍA DEL COLOR 9

3.1 Antecedentes 9
3.2 Fundamentos 9
3.3 Colores primarios 9
3.4 Colores secundarios 9
3.5 Colores terciarios 9

4. CONCEPTO GRÁFICO 10
4.1 El concepto gráfico 10
4.2 Teoría de la imagen 10
4.3 Percepción 11
4.4 Clasificaciones de la imagen 11
4.5 El Ícono 11
4.6 Elementos que componen la imagen 12

5. ELEMENTOS DE DISEÑO 14
5.1 Connotativa: Concepto Gráfico 14
5.2 Denotativo- Formas 14
5.3 Leyes de Gestalt 15

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 Elementos de diseño para proyectos multimedia
Contenidos Pág.
5.4 Ícono 15

6. DESCRIPCIÓN TÉCNICAS DE ESCENA 16

6.1 Planos 16
6.2 Plano general 16
6.3 Plano medio 16
6.4 Primer plano 16
6.5 Plano Americano 16
6.6 Plano aberrante 16
6.7 Movimiento de cámara 17
6.8 Tiempo cinematográfico 17
6.9 Ley de los Tercios 17

7. UBICACIÓN DE ELEMENTOS EN EL PLANO 20

7.1 Fotografía básica digital 20
7.2 La cámara y sus partes 20
7.3 Tipos de cámaras 21

8. TÉCNICAS DE CREATIVIDAD 25
8.1 ¿Qué es la creatividad? 25
8.2 Cualidades creativas 25
8.3 Pensamientos creativos 25
8.4 Técnicas creativas para generar ideas 26

9. TIPOGRAFÍA 28
9.1 Dinamismo 28
9.2 Diagramación 29

GLOSARIO 30
BIBLIOGRAFÍA 31
CREATIVE COMMONS 32
CRÉDITOS 33

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 Introducción
Un diseñador gráfico se ve inmerso constantemente en la producción de diferentes
piezas, para las cuales es importante tener una fundamentación alrededor de cómo
usar el color, la teoría que lo rige, los elementos de la imagen y su composición, así
como la descripción técnica de escenas.

La buena combinación de estos elementos nos da pie a que podamos de forma

sencilla y clara, justificar nuestras piezas gráficas frente al cliente. Su uso se
convierte en obligatorio ya que sin la apropiación de estos conceptos nuestros
trabajos quedarían sin un piso o una explicación convincente.

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 Mapa Mapa
Conceptual
Conceptual
Elementos de Diseño
para Proyectos Multimedia
Teoría
Color Incluye Incluye
del Color
Espectro Se clasifican
Se divide Gama
Arcoiris Cromática Fría Colores Primarios
Modelo Modelo
RGB CMYK Gama Cálida Colores Secundarios
Colores Terciarios
Por medio
Elementos Basado en
de Diseño
Ícono Descripción
Se compone Contiene Técnicas de
de Requiere
Escena
Se define
Técnicas de
Leyes de creatividad Requiere Planos
Gestalt Ley de Tercios Contiene Concepto
Denotación/
Forma Ubicación de Plano
Primer Plano Presenta Tipos
General
elementos en
Pensamiento Creativo Proporciona el plano Incluye Plano Ambiente Tipos Tipos Plano
Medio
Cualidades Creativas Se clasifican Concepto
en Gráfico
Tiene Cámara y
sus partes Basado en Teoría de Imagen
Fotografía Básica Qué es
Ofrece Percepción
Tipos de Cámaras Clasificación Concepto Ícono
Clasificación Clasificación Imagen
Desarrollo de contenidos
1. El color
Cualidad variable de los objetos, es el
aspecto más llamativo de una imagen,
ayuda a comprender lo que se ve y provee
información adicional acerca de los objetos
que se contemplan.
El color es un atributo que se percibe de los
objetos cuando hay luz. Todo el mundo que
nos rodea es de colores; siempre y cuando
haya luz. (Fotonostra, 2017).
Figura 1: Gráfico del color
Fuente: Fotonostra (2017)
La luz está constituida por ondas
electromagnéticas que se propagan a unos
300.000 km por segundo. Esa luz no viaja en
línea recta sino en forma de ondas. Es lo que
se conoce como el carácter ondulatorio de
la luz.
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Cada una de esas ondas tiene una longitud
de onda diferente que es lo que produce los
distintos tipos de luz, como la luz infrarroja,
la luz ultravioleta o el espectro visible.
El espectro visible es aquel en el que la
longitud de la onda está comprendida entre
los 380 y los 770 nanómetros, ya que el ojo
humano sólo es capaz de percibir ese tipo
de luz.
Figura 2: Espectro visible
Fuente: Fotonostra (2017)
Cada una de esas ondas tiene una longitud
de onda diferente que es lo que produce los
distintos tipos de luz, como la luz infrarroja,
la luz ultravioleta o el espectro visible.
El espectro visible es aquel en el que la
longitud de la onda está comprendida entre
los 380 y los 770 nanómetros, ya que el ojo
humano sólo es capaz de percibir ese tipo
de luz.
La percepción de la forma, de la profundidad
o de la textura de los objetos, está
estrechamente ligada a la percepción de los
colores de los mismos. (Fotonostra, 2017)
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1.1 El Arcoiris
El arcoíris tiene todos los colores del
espectro solar. Podemos verlos porque las
gotas de agua actúan a modo de prisma y
descomponen los rayos de luz en ondas,
permitiéndonos ver los colores.
Esta teoría fue demostrada por Isaac
Newton, quien; a pesar de descomponer la
luz, nunca llegó a comprender el por qué.
Figura 3: El arcoiris
Fuente: Fotonostra (2017)
1.2 Propiedades del color
El arcoíris tiene todos los colores del
espectro solar. Podemos verlos porque las
gotas de agua actúan a modo de prisma y
descomponen los rayos de luz en ondas,
permitiéndonos ver los colores.
Esta teoría fue demostrada por Isaac
Newton, quien; a pesar de descomponer la
luz, nunca llegó a comprender el por qué.
5
 Figura 4: Propiedades del color Figura 6: Saturación

Fuente: Fotonostra (2017)

La saturación de los colores, cambia a

medida que ese color tiene más o menos
cantidad de gris. A mayor cantidad de gris,
más pálido y menos saturación.

La luminosidad es la cantidad de luz

reflejada por una superficie en comparación
Fuente: Fotonostra (2017) con la reflejada por una superficie blanca en
iguales condiciones de iluminación.

Figura 5: El tono Figura 7: Luminosidad

Fuente: Fotonostra (2017)

Fuente: Fotonostra (2017)

Hace referencia al recorrido que hace un

color en el círculo cromático adquiriendo
matices, como por ejemplo el rojo
anaranjado o el amarillo verdoso.

La saturación representa la intensidad

cromática o pureza de un color. En otras
palabras, es la claridad u oscuridad de un
color, está determinado por la cantidad de
luz que un color tiene.

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2. Modos de color:
RGB y CMYK
2.1 Modelo RGB
Los colores luz, son denominados aditivos.
El color se crea mediante la mezcla de la luz
visible emitida por diferentes fuentes de
color. Los colores primarios son rojo (red),
verde (green) y azul (blue). La suma de estos
tres en intensidades idénticas produce
blanco.
Combinando dos colores primarios aditivos
en igual cantidad, se producen los colores
secundarios: cian, magenta y amarillo.
Figura 8: Modos de color
Fuente: Fotonostra (2017)
2.2 Uso del modelo RGB
Es usado para la percepción, representación
y visualización de imágenes en sistemas
electrónicos como monitores y pantallas de
televisión.
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Figura 9: Modelo RGB
Fuente: Fotonostra (2017)
Con la información antes estudiada, se da
el valor de los colores impresión (CMYK), y
hay otros igual de importantes, que son los
colores luz o RGB nombrada por el sistema
en inglés: red, green, blue; veamos la gráfica
de tres colores primarios luz así: (SENA,
blackboard, 2017).
Figura 10: Colores luz RGB
Fuente: SENA (2017)
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Isaac Newton demostró que un prisma
descompone la luz en el espectro de colores
por medio de la refracción.
Figura 11: Teoría del color
Fuente: Astromia (2017)
Esta banda de colores recibe el nombre de
espectro visible, el rango de longitud de
ondas visible por el ojo humano.
Cuando la luz choca contra la superficie de
un objeto, absorbe diferentes longitudes de
ondas, otras rebotan. Las ondas rebotadas
determinan el color del objeto. Son
percibidas gracias a unas células llamadas
conos. (Edwards, Wikipedia, Cortes,
Donoso, Burbano, 2017)
7
 Figura 12: Banda de colores
Fuente: SENA (2017)
2.3 Modelo CMYK
Se denominan colores sustractivos. Se mezclan pinturas, pigmentos
o tintas que sustraen o absorben las longitudes de onda y rebotan
la onda del color. Los colores primarios son: cian, magenta, amarillo
y negro.
La suma de dos pigmentos o tintas primarias da como resultado los
colores secundarios rojo, verde y azul.
2.4 Uso del modelo CMYK
Figura 13: Uso del modelo CMYK
Fuente: SENA (2017)
Es usado para la representación de imágenes en medios impresos.
Los colores se obtienen mediante la reflexión de la luz solar en
mezclas de pigmentos (tintas, óleos, acuarelas, etc.).
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El color resulta de la superposición de gotas de tinta
semitransparente. A cada valor se le asigna un porcentaje de 0%
a 100%.
2.5 CMYK y la impresión offset
En la impresión offset se utiliza el modo CMYK en donde su
abreviatura responde a las siguientes palabras, C: Cian M:
Magenta Y: Yellow y K: Key, que usualmente se confunde con el
negro, pero responde a la plancha de color negro que contiene
la mayor cantidad de información en sombras y las tres restantes
se alinean con base en la negra para lograr un “full” color. El color
negro se obtiene de la combinación de los otros tres pero en un
100%, por tal motivo se deja una plancha sola para ayudar a lograr
esos tonos oscuros de un diseño.
Nota: el modelo de color principal es el RGB, puesto que la luz
determina el color de los pigmentos.
Figura 14: Porcentaje de color
Fuente: SENA (2017)
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3. Teoría del color
3.1 Antecedentes
Para un buen entendimiento de la teoría
del color, conozca unos antecedentes
primordiales, Newton descubre que la luz
blanca al cruzar un prisma se divide en el
arcoíris o colores visibles y a su vez que no se
pueden dividir más, concluye que cada color
vibra en un diferente ancho dentro de las
ondas electromagnéticas. Toda esta teoría
permite a futuros personajes continuar con
la teoría del color; la siguiente ilustración,
data del año 1809, trata sobre la Teoría
del Color del científico alemán Johann
Wolfgangvon Goethe, quien escribió varios
artículos y libros sobre ciencias naturales,
buscando entender cómo funcionaba
el color. Goethe llegó a resolver varias
premisas con diferentes ilustraciones.
3.2 Fundamentos
El color es uno de los elementos de diseño
más importantes en el proceso de creación
de cualquier pieza gráfica; realmente, no
hay elemento más importante que otro,
es una buena combinación entre todos los
factores, donde cada uno aporta algo, quería
hacer esa aclaración. Para comprender esta
temática, debe regresar al kínder del diseño
y entender algunos conceptos mínimos de
la teoría del color. (Edwards, Wikipedia,
Cortes, Donoso,Burbano, 2017)
Primero, es necesario definir qué es la teoría
del color: en pocas palabras es un juego de
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normas que permiten entender, combinar,
utilizar y acercarse a los colores de la mejor
Los colores también despiertan respuestas
emocionales específicas en las personas.
forma posible. Este primer concepto es La gama cromática fría a la que pertenece
donde debe saber y comprender que el azul y sus derivados, son relajantes,
hay tres colores primarios. (senaintro. tranquilizantes, expresan soledad y lejanía.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
Por otro lado, la gama cálida a la que
La teoría del color es un grupo de reglas pertenecen el amarillo, el rojo y sus
básicas en la mezcla de colores para derivados, son colores excitantes, expresan
conseguir el efecto deseado al combinarlos. dinamismos, proximidad, fuerza, alegría y
evocan al fuego y al sol. (Vix, 2010).
Los colores se clasifican en primarios,
secundarios y terciarios. El círculo cromático es el modelo de
combinación de color utilizado en el arte.
3.3 Colores primarios
Figura 15: Primer círculo cormátio realizado en
Son aquellos establecidos científicamente 1776 por Moses Harris.
como los originantes de las combinaciones
cromáticas más extensas y satisfactorias.
Estos son: amarillo, azul y rojo.
3.4 Colores secundarios
Se obtienen mezclando los primarios entre
si en la misma proporción. Son el violeta,
naranja y verde.
3.5 Colores terciarios
Son el rojo violáceo, rojo anaranjado,
amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul
verdoso y azul violáceo.
Las cualidades del color son: tono (nombre
especifico), valor (grado de brillantez
o luminosidad) y saturación (grado de
pureza). Fuente: Wikipedia (2017)
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4. Concepto gráfico
Dentro de la destreza y deberes en la
profesión de los diseñadores gráficos,
debemos siempre responder a un
requerimiento de piezas visuales diseñadas,
ya sea, por un individuo, o por un grupo
de personas; esta acción se desarrolla
entre conceptos teóricos y habilidades
prácticas que al juntar estos dos elementos
básicos, nos permite presentar trabajos
competitivos para el creciente mercado
de consumo, siendo este el motivo del
origen de esta profesión, que junto con el
postmodernismo nos hereda una fuerte
tendencia al consumo y a convertir piezas
artísticas en modelos gráficos publicitarios.
Figura 16: Robert Raushenberg
Fuente: Vanityfair (2017)
Los ejemplos más relevantes de esta
migración de saberes y destrezas los vemos
reflejados en Robert Rauschenberg, artista
americano que dentro de la corriente
del pop art a mediados del siglo pasado,
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dio a conocer varias piezas artísticas que
reflejaban un interés por sembrar un
conocimiento popular en sus desarrollos
artísticos. (senaintro.blackboard.com/
bbcswebdav, 2017)
4.1 El concepto gráfico
El concepto gráfico se remite a extraer la
idea básica de forma clara, explícita, y con
el volumen necesario de información para
transmitir el mensaje original que se quiera
comunicar, si erramos al momento de
plasmar nuestro diseño, ya sea añadiendo
códigos erráticos o incorporando
información adicional innecesaria, entre
otros errores, el mensaje notoriamente
será entendido de otra forma. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017).
Figura 17: Diseño y su efectividad
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
4.2 Teoría de la imagen
Para entender el concepto en el diseño
gráfico, debemos comprender varios
elementos que rodean el mundo visual y
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perceptivo del ser humano, las imágenes
son de suma importancia y de necesario
uso para dar a comprender un concepto
que constituye un tipo de lenguaje y es
conveniente, comenzar por cómo éstas son
percibidas.
La percepción que se entiende por recibir
información a través de los sentidos, ya
sea: imágenes, sonidos, audios, imágenes
en movimiento, videos, colores, etc., que a
través de nuestro cerebro es procesada y nos
da un entendimiento de algo en especial que
se encuentra en un ambiente o contexto,
en un documento anterior comprendimos
que era contexto y aquí necesitamos
relacionarlo con este nuevo elemento del
diseño que es la percepción. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
4.3 Percepción
Es importante denotar, que hay dos
elementos indispensables en el proceso
de percepción, uno es el estímulo o fuente
(contexto) y pertenece al mundo exterior y el
segundo es la percepción, esta comprende
un proceso interno del ser humano, esto
quiere decir que hay emisores y receptores
de información.
En el caso que nos atañe, debemos
comprender básicamente la percepción
visual que corresponde a los elementos
que podemos sentir a través de nuestros
receptores principales: los ojos, que nos
permiten, con un conocimiento previo darle
un valor y hacer un juicio de lo percibido,
este juicio varía según cada persona, ya que
10
el entorno modifica sustancialmente este
juicio definitivo, eso quiere decir, que lo
mismo que entendemos aquí en Colombia
con alguna imagen, no será comprendido
en China o cualquier otro país, inclusive,
entre regiones podemos encontrar una
diferencia de percepción de algunos
elementos visuales, esto es contexto.
Para comprender un poco más el tema, se
presentan dos ejemplos:
1. Cuando digo la palabra “verde”,
puede significar algo y dependiendo en
donde estemos contextualizados, darle
una cantidad de representaciones. Si
estuviéramos en Medellín, Colombia,
estaríamos definitivamente haciendo
referencia a un equipo de fútbol, y si
estuviéramos en Bogotá, podríamos
hacer referencia a un partido político o
simplemente darle la connotación de una
fruta como la manzana, o del color de la
esperanza, es así como podemos interpretar
una sola palabra en varias posibilidades
dependiendo de nuestro contexto.
2. Cambiemos un poco de color y veamos el
significado del rojo, si nos encontráramos en
China, el significado sería de buena suerte,
felicidad, fama, fuerza, entre otros; pero si
nos encontráramos en Rusia, el significado
varía radicalmente pues la connotación es
puramente relacionada con el comunismo.
Como he comentado anteriormente, estos
significados pueden variar dependiendo
de a quién le preguntemos, por esto, es
tan importante reconocer contextos y
percepciones.
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4.4 Clasificaciones de la imagen
Para continuar entendiendo que la imagen
comprende una teoría compleja y realmente
extensa, veamos otro punto importante,
específicamente, debemos comprender
que la imagen tiene una clasificación que se
caracteriza por 6 elementos de la siguiente
forma:
1. Realidad: qué tan real es la imagen,
esto puede llegar a ser fácil de percibir e
interpretar.
2. Estructura simple: la percepción humana
está fundamentada en este principio, eso
quiere decir que el ser humano identifica
qué tan sencilla o compleja es la imagen
que observamos. (senaintro.blackboard.
com/bbcswebdav, 2017)
3. Materialidad de la imagen: hace
referencia a cómo está concebida la
imagen, puede ser: mental, creada, natural
o registrada.
4. Definición estructural: depende del tipo
de estructura propio en la imagen.
5. Comprensión del sentido: pueden ser
construidas o no construidas, siendo las
no construidas puramente naturales y las
construidas suponen una intencionalidad.
6. Generalización: cuando nos
encontramos en presencia o en ausencia de
la imagen.
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Para poder hacer una “radiografía” general
de la teoría de la imagen, necesariamente
debemos comprender el siguiente concepto:
Ícono; proveniente del término ruso Ikona
que hace referencia a la representación
gráfica de algo, debe tener una semejanza
con el elemento representado y uno de
los referentes más claros son las señales
de tránsito, que con pocas líneas y algunas
curvas, hacen que se convierta en un
símbolo legible por casi cualquier persona
sobre la faz de la tierra.
No obstante, hay particularidades en
algunas señales dependiendo del contexto,
este, debe ser un concepto claro, ya que
puede variar el tipo de ícono y también su
representación según el ámbito en que nos
encontremos.
Figura 18: Ejemplo de íconos
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
4.5 El ícono
El ícono es una simbolización o una
abstracción gráfica de algo real, es el insumo
de un diseñador, independientemente que
tan complejo o abstraído sea. Nuestros
antepasados pintaban en las rocas íconos
representando la caza, hábitos, y otros
pormenores del día a día para comunicárselo
al resto de la “tribu”, es así que el hombre
empezó a comunicarse con gráficos hasta
11
nuestros días, pero, ¿cómo hacer para que
el público objetivo comprenda un logo o
una señal? pues bueno, desarrollando una
buena estrategia de comunicación, esto
incluye varios pasos: (senaintro.blackboard.
com/bbcswebdav, 2017)
1. Abstracción de lo que se desea representar.
2. Dibujo o boceto.
3. Retroalimentación de un tercero (cliente).
4. Recomposición de lo retroalimentado.
5. Se puede repetir los pasos 2, 3 y 4 hasta
plena satisfacción.
El icono es la materia prima de los logotipos,
y a su vez los logos son el insumo de las
diferentes piezas gráficas, eso quiere decir,
que si logramos desarrollar un logo con
éxito, lo más seguro es que de ahí llevemos
el proceso de imagen corporativa de una
empresa con éxito, desarrollando, volantes,
membretes, tarjetas personales, páginas
web, aplicaciones multimedia e incluso
videos corporativos.
Figura 19: El ícono
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
Por eso es tan importante el buen uso de
las herramientas para generar un logo y
de ahí en adelante podemos enriquecer
el proceso, siempre he dicho que el buen
desarrollo de la imagen corporativa de un
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empresa es la puerta a elaborar el proceso
completo, desde que cumplamos y nuestro
trabajo sea óptimo.
4.6 Elementos que componen la
imagen
• El Punto
Es el elemento mínimo de una composición
en una imagen, pero para comprenderlo no
lo veamos como “punto” sino como el lugar
de más atracción en una composición, por
ejemplo: un fondo blanco con el logo de
una empresa en algún lugar de la imagen
(inferior derecha), se llama la atención a
ese elemento, a esto se le conoce como
centro de atención, es por esto que el
punto se compone de: ubicación, contraste,
referencia frente a otros elementos. Observe
la imagen 20 como un sencillo ejemplo de
punto.
Figura 20: Ejemplo de punto
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
Esto no quiere decir que solo se pueda
tener un punto de atracción en las
composiciones, se pueden usar varios
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puntos, guardando reglas mínimas de
jerarquías y diagramación. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
• El Color
No está sujeto a la forma, pero es una
particularidad de cada elemento, se rige
por la luminosidad, que tan claro u oscuro
sea el color o que tan saturado e iluminado
se muestre, importante profundizar en la
teoría del color para poder comprender a
cabalidad este elemento. En el proceso de
formación se verá en un solo tema.
• El Contraste
El contraste se puede dar de varias formas
en la imagen; por color: blanco y negro es
el ejemplo más común, también se puede
utilizar cualquier combinación desde
que sean colores opuestos en el círculo
cromático, cumple con contraste.
Por tamaño: grande y pequeño es la forma
de contrastar los elementos. Por forma: se
puede usar una línea curva y contrastar con
una recta.
• La forma
Aquí es donde se concibe el elemento en
sí, pues es la consecución de puntos que
forman líneas y estas a su vez determinan
la figura, que es percibida por nuestros
ojos e interpretada por el cerebro. Una
cosa une a la otra tanto conceptualmente
como morfológicamente. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
12
• El Balance
El balance está directamente relacionado
con el equilibrio y los elementos que tienen
estabilidad o inestabilidad en una pieza
gráfica, generalmente las piezas que se
encuentran visualmente inestables denotan
movimiento y todo lo contrario con las que
mantienen el equilibrio.
• La Línea
A nivel de composición se conoce como
la unión de dos puntos, pero es de aclarar
que no se debe pensar en una línea real,
imaginemos ese mismo logo con fondo
blanco y un elemento adicional en algún
lugar, nuestro cerebro por ende une los dos
puntos (línea punteada) y genera una línea
imaginaria.
Figrua 21: Ejemplo de la línea
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
• El Plano
Es el elemento que soporta a los otros, como
un horizonte que genera una ambientación
del espacio total y va directamente
relacionado con la profundidad.
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• La Textura de la misma, mantiene un equilibrio
visual y es parte primordial de las formas
¿De qué material está hecha nuestra forma? geométricas.
Es así que logramos darle un acabado real a
nuestros elementos y no solo se percibe por Figura 23: Ejemplo de simetría
los ojos, sino que también entra a jugar el
sentido del tacto.
• La Escala
Es la capacidad de cada elemento en
nuestra composición, de ser transformado
en su tamaño original sin perder la
proporción original, se utiliza mucho en
arquitectura y creación de mapas, ya que
se asume que las medidas fueron reducidas
propiciamente para dar una interpretación
real y proporcionada de las medidas Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
originales. (senaintro.blackboard.com/
bbcswebdav, 2017)
Figura 22: Ejemplo de escala
Fuente: Juan Pablo Donoso (2017)
• La Simetría
Es mantener la misma cantidad de
elementos de un lado de la composición
como del opuesto con respecto del centro
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 13
5. Elementos de diseño 5.2 Denotativo: forma
Son las características físicas, plásticas que componen la imagen.
El uso de los elementos del diseño para un fin comercial está Las podemos clasificar en los siguientes aspectos:
determinado por la manera en que es percibida la imagen. Existe
una manera connotativa, que se refiere al concepto de la imagen, y Figura 26: Concepto denotativo
una manera denotativa, que se refiere a sus características formales.
Ambas experiencias son complementarias.
5.1 Connotativa: concepto gráfico
Es el contenido de la imagen, la representación mental de la
realidad, es decir, el procesamiento y entendimiento de la imagen
dependiendo de su contexto y de la experiencia del usuario.
(senaintro.blackboard.com/bbcswebdav, 2017).

Figura 24: Concepto connotativo

Fuente: SENA (2017)

Figura 25: Concepto gráfico

Fuente: SENA (2017)

Fuente: SENA (2017)

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5.3 Leyes de Gestalt
La Gestalt pertenece a la rama de la psicología, cuya función principal
es comprender como los seres humanos entendemos y reaccionamos
frente a una gráfica o una imagen. (senaintro.blackboard.com/
bbcswebdav, 2017)
5.4 Ícono
Una simbolización o una abstracción gráfica de algo real, que
dentro de un contexto expresan un significado.
Uno de los referentes más claros es el de las señales de tránsito.

Figura 27: Leyes de Gestalt Figura 28: Ejemplos de íconos

Fuente: SENA (2017)

Fuente: SENA (2017)

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6. Descripción subcategorías. (senaintro.blackboard.
com/bbcswebdav, 2017)
6.6 Plano aberrante

técnicas de escena 6.2 Plano general

6.1 Planos
En el lenguaje audiovisual, el plano es la
perspectiva de los personajes, objetos y
elementos de las imágenes tal como los
capta el observador desde un lugar y un
ángulo determinados.
El punto focal de una imagen está
determinado según el peso del elemento
plástico visual que es señalado por el
encuadre de la imagen; para expresar una
idea, concepto o realidad se debe tener
en cuenta que esta pueda ser contada y
expresada de una mejor forma con los
conocimientos adecuados de la imagen, ya
que podemos expresar a través del lente,
situaciones especificas de personajes y
situaciones por medio del movimiento de
cámara, ángulos, tiempos cinematográficos
y la ley de tercios.
De acuerdo con el tamaño, los planos se
dividen en tres categorías esenciales: plano
general, plano medio y primer plano.
Los términos suelen emplearse en relación
con la figura humana. En cualquier caso,
lo esencial es la parte de la figura que
aparezca en cuadro; así un plano general
suele incluir los pies del sujeto, un plano
medio llega hasta por debajo de la cintura
y un primer plano un poco más debajo de
los hombros. Estas clasificaciones tienen
Es de carácter informativo y sirve para
describir acciones físicas. Su tamaño puede
variar desde una figura de cuerpo entero,
hasta una toma de la tierra hecha desde un
satélite. Actúa como el gran plano maestro,
estableciendo el escenario donde se
desarrolla la acción.
6.3 Plano medio
Va de la cintura hacia arriba hasta llegar a la
cabeza, revela lo suficiente del rostro como
para interesar al espectador en lo que dice o
piensa el actor, este plano admite dos o más
personas en la toma.
6.4 Primer plano (close up)
En el caso de la figura humana, recogería el
rostro y los hombros.
Este tipo de plano, al igual que el plano
detalle y el primerísimo primer plano, se
corresponde con una distancia íntima,
ya que sirve para mostrar confidencia e
intimidad respecto al personaje.
6.5 Plano americano
Este plano surgió en el Cine Western, cuando
los directores ampliaron el plano medio
hasta la rodilla para poder ver la acción del
actor al desenfundar el revólver. Se utiliza
mucho en el cine americano.
En este tipo de plano predominan los
encuadres “raros”, en diagonal. Se utiliza para
poner al espectador nervioso e indicarle
que va a suceder algo o que algo no está
bien, son típicos en las películas de terror
y ciencia ficción. (senaintro.blackboard.
com/bbcswebdav, 2017)
Para una mayor comprensión del tema ver
el siguiente video: https://www.youtube.
com/watch?v=aG0Gj7WgeIE
• Normal
El ángulo de la cámara es paralelo al suelo.
Figura 29: Ejemplo de ángulo normal
Fuente: SENA, (2017)
• Picado
La cámara se sitúa por encima del objeto
o sujeto, de manera que este se vea desde
arriba, haciendo ver las personas u objetos
con sensación de pequeñez.
Figura 30: Ejemplo de picado
Fuente: SENA, (2017)

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• Contrapicado
Opuesto al picado, hace ver los objetos o
personas con sensación de grandeza.
Figura 31: Ejemplo de contrapicado
Fuente: SENA (2017)
• Nadir o supina o contrapicado
perfecto
La cámara se sitúa completamente por
debajo del personaje, en un ángulo
perpendicular al suelo.
Figura 32: Ejemplo de contrapicado perfecto
Fuente: SENA, (2017)
• Cenital o picado perfecto o vuelo
de pájaro
La cámara se sitúa completamente por
encima del personaje, en un ángulo también
perpendicular.
Figura 33: Ejemplo de contrapicado perfecto o
vuelo de pájaro
Fuente: SENA (2017)
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6.7 Movimientos de cámara
• Panorámica
Consiste en la rotación de la cámara
sobre su propio eje, bien sea de derecha a
izquierda o de abajo hacia arriba. Se utiliza
para describir un espacio, acompañar uno o
varios personajes.
Figura 34: Ejemplo de panorámica
Fuente: SENA (2017)
• Travelling
En el travelling se desplaza toda la cámara
hacia adelante o atrás, se utiliza para hacer
acompañamiento de los actores durante un
gran recorrido o recorrer escenarios. (Por
lo general la cámara se encuentra sobre un
riel).
Figura 35:Ejemplo de travelling
Fuente: SENA (2017)
• Grúa
La grúa permite el desplazamiento
simultáneo en las tres dimensiones del
espacio. Esto posibilita un movimiento
ininterrumpido de la cámara.
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Figura 36: Ejemplo de grúa
Fuente: SENA, (2017)
• Zoom
Permite acercarse al objeto sin desplazar
la cámara, se mueve el lente. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
Figura 37: Ejemplo de zoom
Fuente: SENA, (2017)
6.8 Tiempo cinematográfico
Una acción puede reproducirse respetando
su duración real, sin ningún corte ni
transición, como es el caso en el plano-
secuencia.
Sin embargo, en el cine el tiempo real se
acorta, se alarga y además puede tomar un
nuevo orden.
Así, con el montaje se puede crear una
estructura temporal distinta, se rompe el
hilo contemporáneo del relato.
• Corte
En el corte dos imágenes distintas se
empalman pasando de la una a la otra
directamente. Es la transición más sencilla.
17
 Figura 38: Ejemplo de corte El encadenado es una transición suave que
suele utilizarse para sugerir que a pesar de
haber transcurrido cierto tiempo entre dos
secuencias, existe un nexo o una fuerte
conexión narrativa entra ambas escenas.
(En multimedia también se conoce como
Fuente: SENA (2017) una transición en alfa).
• Fundido Figura 40: Ejemplo de encadenado
En el fundido a negro, la imagen se oscurece
progresivamente en la pantalla hasta un
negro total.
La toma siguiente comienza en la oscuridad
y se ilumina gradualmente hasta alcanzar Fuente: SENA (2017)
el brillo normal. (En multimedia también se
le llama a esto un alfa a negro). (senaintro. • Barrido
blackboard.com/bbcswebdav, 2017) El Barrido es un procedimiento de transición
que se realiza en la fase de registro cuando
Figura 39:Ejemplo de fundido la escena se acaba.
La cámara se desplaza con una panorámica
tan veloz, que sólo se aprecian manchas
fugaces en la pantalla.
Con el barrido se trata de mostrar lo que
ocurre en el mismo momento pero en otro
lugar.
Figura 41: Ejemplo de barrido
Fuente: SENA (2017)
• Encadenado
El encadenado consiste en el
desvanecimiento de una imagen que se
sobreimpresiona con la progresiva aparición Fuente: SENA (2017)
de la siguiente.
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• Desenfoque
En el desenfoque la última imagen se va
desdibujando progresivamente, a medida
que la siguiente, inicialmente desenfocada,
se perfila poco a poco hasta adquirir toda
su nitidez.
Este desenfoque se utiliza mucho para
introducir un recuerdo del pasado o un
acontecimiento onírico o fantástico o
imaginado.
Figura 42: Ejemplo de desenfoque
Fuente: SENA (2017)
• Cortinilla
La cortinilla hace que la nueva escena entre
a la pantalla lateralmente, desde arriba o
desde abajo, “empujando” materialmente a
la anterior.
Usando otro tipo de cortinillas, la imagen
aparece desde el centro, expandiéndose
rápidamente en forma de círculo, estrella
etc.
Este efecto se reserva más que todo
para comerciales y eventos publicitarios.
(senaintro.blackboard.com/
bbcswebdav, 2017)
18
 Figura 43: Ejemplo de cortinilla Figura 45: Ejemplo 2 ley de tercios Figura 47: Ejemplo 4 ley de tercios

Fuente: SENA (2017)

6.9 Ley de tercios Fuente: SENA (2017) Fuente: SENA (2017)

Es una norma estándar de la composición
utilizada por fotógrafos, cineastas,
diseñadores y pintores. La regla de los tercios
consiste en dividir la imagen en tres tercios
imaginarios, se hace de la siguiente manera:
trazando dos líneas de forma horizontal
y vertical que dividan la imagen en nueve
partes iguales, los lugares donde se cortan
las líneas dan lugar a cuatro puntos focales
A,B,C,D.
Cada uno de los cuatro puntos de
intersección se llama punto fuerte,
cuando se esté diseñando o tomando una
fotografía, es ideal situar el punto de interés
en uno de los cuatro puntos mencionados
anteriormente, antes de ponerlo en el
centro de la imagen.
Figura 46: Ejemplo 3 ley de tercios
Esta regla es una gran guía, ya que nos
aseguramos que la composición sea
correcta y agradable a la vista pero no aplica
para todas las ocasiones, se pueden crear
otras composiciones rompiendo la regla de
tercios.
Figura 48: Ejemplo 5 ley de tercios

Los cuatro puntos de intersección de estas

líneas fijan los puntos adecuados para situar
las zonas de interés de la imagen, alejándolas
del centro de la imagen, ya que este se
considera una zona pasiva. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
Fuente: SENA (2017) Fuente: SENA (2017)
Figura 44: Ejemplo ley de tercios
Se debe tener precaución de no saturar
los cuatro puntos fuertes, ya que la
composición quedaría muy recargada y
crearía una confusión en el espectador,
lo ideal es tener dos puntos de interés
(primario y secundario) en la imagen, por lo
que es recomendable ubicarlos en puntos
opuestos de la imagen.
Fuente: SENA (2017)

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7. Ubicación de elementos en el
plano
7.1 Fotografía básica digital
Historia de la fotografía
El origen de la fotografía se da con lo que se conoce como “cámara
oscura”, que en principio consistía en una habitación oscura que
tenía un pequeño orificio en una de las paredes, a través de este
se proyectaba una imagen de lo que estaba en el exterior. Con el
tiempo la cámara oscura evolucionó y pasó a ser una pequeña caja, a
la que además se le agregó un lente óptico con el que se obtenía una
imagen más clara.
El funcionamiento básico de la fotografía se da a partir de la
combinación de dos técnicas: la primera es el uso de sustancias
sensibles a la luz y la segunda, el uso de la cámara oscura.
Desde el siglo XVII encontramos referencia de las bases de la
fotografía, una de ellas es del famoso pintor e inventor Leonardo Da
Vinci, que da una definición muy clara de cómo funcionaba la cámara
oscura, describiéndola de esta manera: “cuando las imágenes de los
objetos iluminados penetran por un agujerito en un aposento muy
oscuro, recibiréis esas imágenes en el interior de dicho aposento…
aparecerán reducidas de tamaño. Se presentarán en una situación
invertida…”.
A pesar de los múltiples acercamientos que se hicieron a la fotografía,
es solo hasta el siglo XIX en el año 1816, que nace la fotografía como
se conoce hoy en día: a manos del inventor francés Nicéphore
Niépce, que le dio el nombre de Heliograbado. Posteriormente,
varios inventores experimentaron con esta idea utilizando diferentes
materiales y procesos hasta perfeccionar la técnica. En 1889 George
Eastman realizó la primera película flexible y transparente en formato
de nitrato de celulosa, la cual marcó el comienzo de la fotografía
moderna.
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Es hasta siglo XXI que la tecnología digital se populariza en el ámbito
de la fotografía. La base de la fotografía digital se fundamenta
en la capacidad que tiene el silicio para reaccionar ante la luz,
generando impulsos eléctricos transformando las imágenes (luz)
en información digital. A pesar de este descubrimiento fueron
necesarios muchos esfuerzos para que esta tecnología fuera
rentable y llegara a tener el uso que tiene en la actualidad.
En este proceso fue de vital influencia la aparición de los primeros
computadores Macintosh en 1984 y la aparición del formato JPEG
(Join Photographers Experts Group), que en la actualidad es el
estándar para almacenamiento de imágenes.
Otro suceso importante para el tratamiento de imágenes sucede
cuando Adobe lanza la versión 1.0 de Photoshop en 1990. Durante
toda esta década la fotografía digital avanzó en muchos aspectos:
la calidad, el diseño de los aparatos y los precios que fueron más
accesibles y lograron popularizar la fotografía.
7.2 La cámara y sus partes
La cámara fotográfica es una caja oscura que deja pasar luz
durante un tiempo determinado para que la imagen enfocada
mediante el objetivo o lente, sea registrada por un sensor digital
o una película.
Objetivo o lente: es el objeto por medio del cual se enfoca la
escena y se dirigen los rayos de luz hacia el sensor digital ubicado
en el extremo opuesto.
El sensor digital: capta la imagen. La diferencia entre una cámara
digital y una analógica es que la digital posee un sensor digital y
la analógica tiene una película sensible a la luz por medio de la
cual se registran las imágenes.
Diafragma: se encarga de graduar la abertura por medio de la
cual se ajusta la cantidad de luz que entra a la cámara.
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 20
Obturador: está ubicado entre el objetivo y el sensor, es el que
controla el tiempo que el sensor está expuesto a la luz.
Visor: en las cámaras digitales es una pantalla y en las analógicas es
un lente pequeño, que permite ver la imagen que está capturando
la cámara.
Tarjeta de memoria: es el soporte donde se almacenan las
fotografías.
Batería: es la fuente de poder de la cámara. Puede ser de dos tipos:
alcalina o de litio.
Figura 49: Cámara fotográfica
Fuente: Garichicharita (2017)
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7.3 Tipos de cámaras
Las cámaras digitales se diferencian principalmente por el
tamaño, el sensor y por sus funcionalidades.
Cámaras compactas: son sencillas de manejar, su tamaño es
pequeño y su sensor también. Son cámaras para aficionados.
Tienen funciones predeterminadas para tomar fotos.
Cámaras Intermedias o Bridge: tienen un sensor ligeramente
más grande que las compactas por lo que cuentan con mejor
calidad y nitidez en las fotos. Disponen de mejores lentes e
incorporan un zoom. También son cámaras para aficionados.
Cámaras réflex o DSLR: tienen un sensor mayor que las anteriores
y por lo tanto la nitidez y la calidad de las fotos es notablemente
superior. Permiten el cambio de objetivos o lentes, tienen un visor
réflex y tienen funcionalidades para controlar con exactitud cómo
se desea tomar la foto. Las cámaras réflex tienen varios modelos
que van desde las aficionadas hasta las profesionales.
Cámaras de medio formato: tienen un sensor más grande que
las réflex. Son usadas únicamente para trabajos profesionales y
científicos donde se requieren fotos con mucha más calidad,
definición y nitidez. (senaintro.blackboard.com/bbcswebdav,
2017)
• Conceptos básicos de la fotografía
Sujetar apropiadamente la cámara es muy importante al
momento de tomar una foto, esta debe estar segura sobre las
manos y colgada del cuello con una correa gruesa para evitar
caídas si se llegase a resbalar de las manos.
La mano derecha debe ir sobre los controles de la cámara. El dedo
pulgar maneja los botones cercanos a la pantalla, el dedo índice
se coloca sobre el obturador y los dedos restantes se flexionan
para empuñar el cuerpo de la cámara.
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 21
La mano izquierda, con la palma hacia arriba sostiene el objetivo y
es la que le da estabilidad a la cámara, además con ésta se ajusta el
nivel del zoom.
• Exposición o apertura del diafragma
Dependiendo de la cámara, los tiempos de exposición varían
desde segundos (para condiciones de luz muy malas) a milésimas
de segundo (para fotografías muy rápidas). Suele expresarse en
fraccionarios cuando la exposición es menor a un segundo. Por
ejemplo 1/60, equivale a un sesentavo de segundo.

El diafragma es la parte del objetivo que controla el rayo de luz que Figura 50: Profundidad de campo, la apertura del diafragma
entra en la cámara. Funciona abriéndose y cerrándose para permitir
que entre más o menos luz. Se llama apertura de diafragma a lo
abierto o cerrado que esté y se representa con la letra f. El menor
número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor
apertura.

Cada objetivo o lente tiene una apertura de diafragma máxima. De

tal forma, si se trata de objetivos con distancia focal fija, la apertura
máxima es fija. La apertura de diafragma máxima está indicada en
los objetivos. Se debe tener en cuenta que: A mayor apertura de
diafragma se obtiene una menor profundidad de campo. (senaintro. Fuente: Thewebfoto (2017)
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
• Distancia focal
• Distancia focal (zoom)
Hace referencia a la distancia entre el centro óptico de la lente y el
Para controlar la entrada de luz a la cámara se debe variar bien sea la foco. El foco es el punto donde se concentran los rayos de la luz,
velocidad o la apertura del diafragma. Las distintas combinaciones haciendo que la imagen se vea definida y nítida. Suele ser la parte
entre velocidad de obturación y apertura darán las claves para el de la foto de mayor relevancia.
correcto manejo de una cámara en modo manual.
Figura 51: Distancia focal
La apertura del diafragma incide directamente sobre la nitidez de
una imagen final y sobre la profundidad de campo. La velocidad
se refiere al tiempo que el obturador está abierto, de manera que
controla la cantidad de luz que entra a la cámara.

• Tiempo de exposición
El obturador se compone de una cortina que se abre en el momento
de disparar y que controla el tiempo en que el rayo de luz penetra en
la cámara y alcanza el sensor digital. Ese tiempo durante el cual la luz
entra a la cámara se denomina “tiempo de exposición”.
Fuente: dzoom.org (2017)

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Los objetivos de las cámaras tienen una
distancia focal fija o variable dependiendo
del tipo objetivo. Cuando se varía la
distancia focal se obtiene un menor o
mayor acercamiento. A esto se le conoce
como ZOOM.
A mayor distancia focal (es decir más
zoom), se obtiene una menor profundidad
de campo. La imagen a continuación
ejemplifica diferentes distancias focales
e indica la profundidad de campo que se
obtiene con cada una de ellas.
• Imagen digital
Hay dos tipos básicos de imágenes en
dos dimensiones (2D) generadas por un
ordenador y son las imágenes de mapa de
bits y las imágenes vectoriales. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
• Imágenes en mapa de bits
Es la imagen que está compuesta por
pequeños puntos o pixeles con información
de color y luminancia; en conjunto
componen la imagen digital. La imagen de
bits generalmente es más grande (en peso)
que la vectorial, dado que debe almacenar
más información y si se modifica su tamaño,
su peso aumentará de igual forma.
• Imágenes vectoriales
Las imágenes que están compuestas por
líneas, figuras planas y textos, se pueden
guardar como imágenes vectoriales que se
forman utilizando vectores. Las imágenes
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de tipo vectorial se construyen usando
trazos geométricos controlados por cálculos
y fórmulas matemáticas que toman como
referencia una parte de la imagen para
construir el resto. A estos trazos se les llama
vectores.
Las ventajas de las imágenes vectoriales
son su peso y la capacidad de conservar
su calidad independiente de su tamaño.
Se puede modificar su tamaño, ya sea
para agrandar o disminuir y su calidad
no se perderá. Su principal desventaja
es que carecen de realismo y no llegan a
representar una imagen fotográfica.
• El pixel
Es la unidad mínima básica de una imagen
digital. Su tono de color se consigue
combinando el rojo, verde y azul. Las
características del pixel son:
1. Tienen forma cuadrada.
2. Tienen una posición relativa dependiendo
del resto de píxeles que conforman la
imagen.
3. Tienen una profundidad de color que es
expresada en bits.
A diferencia de las vectoriales, las imágenes
que produce una cámara fotográfica
están conformadas por píxeles. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017).
• Megapíxel
Corresponde a un millón de puntos o
pixeles. La resolución de los sensores se
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mide en megapíxeles y es el número de
éstos, que tendrá una imagen proveniente
de un sensor.
Podría decirse que en cuanto más
megapíxeles existan, mayor será la calidad
de la imagen obtenida, pero ésta también
depende de los lentes que se utilicen e
incluso, éstos son más importantes que el
mismo sensor.
• Guía práctica para tomar una
fotografía
Cuando de realizar una fotografía se trata,
muchas son las variables que intervienen al
momento de construir la escena y siempre
que sea posible, es importante definir
algunos conceptos antes de iniciar el
trabajo.
La siguiente guía brinda unos elementos
básicos que son importantes para
decidir y, que aunque no representan
una obligatoriedad, pueden dar pautas
importantes para lograr los objetivos que
se desean en una fotografía. Lo primero es
construir la escena.
• El tema
Elegir la idea principal de lo que se quiere
retratar, es importante porque permite
una planeación de los elementos que se
desea intervengan en la escena, y hará más
claro centrar la idea de lo que se quiere
comunicar con la fotografía. Para ello, se
debe buscar el concepto de la foto y todo
aquello que se necesite para tal fin. Ubicar
23
paisajes, personas u objetos.
• Los colores
Por medio de estos se transmiten
sensaciones, si se tiene definido el tema,
lo siguiente es pensar en qué colores se
necesitan en la fotografía y buscar la gama
que se adecue al concepto que se va a
manejar. Ya se sabe que los colores están
clasificados en cálidos y fríos y la información
que se tiene de la teoría del color, será clave
para ubicar las tonalidades a manejar para
que el trabajo de retoque digital sea menos
exigente en cuanto al color.
• Las texturas
En este punto, además de conocer las
características de los objetos o de la escena
a fotografiar, es importante también
manejar la luz, pues ésta es la que hará
que se destaquen o reafirmen detalles o
características dentro de la composición.
• El encuadre
Aquí entran en juego dos aspectos claves:
decidir desde qué punto y a qué distancia
se tomará la fotografía.
Para ello se toman en cuenta otros
factores importantes que intervienen en la
composición:
- Los personajes: son los protagonistas de
la foto que no necesariamente deben ser
seres vivos. Se les identifica como unidades
que se destacan dentro de un entorno.
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- Planos: éstos se clasifican según la Esto hace posible que se corrijan detalles y
distancia y la cantidad de elementos que se que se realicen las tomas que sean necesarias
consideren dentro del encuadre. hasta obtener la toma ideal. (senaintro.
blackboard.com/bbcswebdav, 2017)
- Enfoque: el enfoque determina en qué
plano de la escena se centrará la atención;
en el primer plano, en el segundo, etc.
Cuanto más alejados estén los objetos del
plano de enfoque, más borrosos se verán.
- Medición de la luz: la forma más práctica
es el modo de medición puntual. Se debe
medir sobre una superficie que esté dentro
de la iluminación media en la escena y que
sea de un color medio, (ni muy claro ni muy
oscuro) y medir sobre él (mover la cámara
si es necesario), para que toda el área de
medición sea ocupada por la superficie en
cuestión.
- Re-enfoque: cuando ya se tiene definida la
apertura del diafragma, se conoce cuál será
la profundidad de campo que se tendrá,
solo hasta este momento se sabrá que
tan nítidas o borrosas se verán las siluetas
dentro de la composición.
- Obturar: consiste en la acción de presionar
el disparador para capturar la imagen.
Se realiza después de haber revisado
detalles como velocidad, diafragmas,
profundidad de campo.
- Ajustes: sólo con la fotografía digital es
posible revisar inmediatamente como ha 8. Técnicas de
quedado la fotografía que se acaba de
tomar. creatividad
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 24
8.1 ¿Qué es la creatividad?
La creatividad es una capacidad inherente
al ser humano para crear ideas o cosas
nuevas. Representa el acto de inventar
cualquier cosa nueva y una cierta voluntad
de re-inventar o transformar la realidad ya
conocida.
Utilizamos las técnicas creativas como
una parte del conjunto de métodos que
nos ayudan a desarrollar el proceso de
generación de ideas creativas.
8.2 Cualidades creativas
Figura 52:Creatividad
Fuente: Slideshare (2017)
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¿Qué es una técnica creativa?
Las técnicas creativas son el conjunto de
métodos o sistemas que nos ayudan a
desarrollar el proceso de generación de
ideas creativas. (Slideshare, 2017)
Figura 53: Técnica creativa
Fuente: Slideshare, (2017)
8.3 Pensamiento creativo
Figura 54: Pensamiento creativo
Fuente: Slideshare, (2017)
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¿Cómo favorecer la creación de
ideas?
1. Utilizar ideas locas como trampolín.
2. La cantidad como vía para llegar a la
calidad. Cuantas más ideas se generen,
existen más posibilidades de que se cree
una buena.
3. No dejar de hacerse preguntas.
4. Probar nuevas combinaciones.
5. Romper con la rutina. Cambiar de hábitos
y costumbres.
Por ejemplo:
Figura 55: Ejemplo de ideas
ir al trabajo por otro camino
cambiar la silla con otro compañero
Fuente: Slideshare (2017)
6. Reinterpretar el problema.
7. Pensamiento lateral.
8. Buscar alternativas, huir del pensamiento
lineal y común.
9. Desafiar las ideas preconcebidas.
10. Observación, curiosidad y
experimentación.
25
11. Tomar riesgos.
12. Ser original, no tener miedo al fracaso.
8.4 Técnicas creativas para la
generación de ideas
1. Mapas mentales (Tony
Buzan,1965)
A raíz de un producto situado en el centro,
van surgiendo diferentes ideas que forman
capas conceptuales, a partir de las cuales
también surgirá el próximo nivel.
Figura 56: Mapas mentales
Fuente: Slideshare (2017)
2. Técnica de las consecuencias
Amplía el argumento de venta preguntando:
• ¿A dónde podría llevar esto?
• ¿Cuál es la verdadera ventaja para el
público objetivo?
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• ¿Qué pasaría si no tuviera el producto?
Ejemplo: Eurocamp, ¿Qué pasa si se va a un
sitio soleado de vacaciones, con su perro?
3. Lista de preguntas (Rudyard
Kipling, 1902)
A raíz de las preguntas más básicas irán
surgiendo otras diferentes que le ayudarán
a analizar el producto, los objetivos o el
argumento de venta.
¿Qué? ¿Cómo?
¿Por qué? ¿Dónde?
¿Cuándo? ¿Quién?
4. Invertir suposiciones
(“Teaching your child to think” de Edward de
Bono)
Hay que identificar tantas suposiciones
como sea posible. Podemos usar “insights”
o recurrir a los “tipicos tópicos”, y darles la
vuelta. Aunque en un principio parezcan un
sin sentido, se pueden utilizar como ideas
trampolín o soluciones laterales.
5.Reformulación
(Basado en “La técnica de las dos palabras” de
Arthur B. Van Gundy, en el libro “Techniques
of Structured Problem Solbing”, 1988).
Buscar palabras alternativas permite ver
diferentes connotaciones que estimularán
la asociación de ideas, desarrollando
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así la imaginación. Ejemplo: “decir a los
destinatarios que trabajamos mucho para
asegurarnos que son felices” – Las palabras
clave son “trabajar” y “feliz”. Se cambian las
palabras clave por alternativas o sinónimos.
Algunos resultados podrían ser “nos
esforzamos por alegrarte”, “trabajamos para
que estés contento”, “nos matamos para que
estés eufórico”… (Slideshare, 2017)
6. Estimulación aleatoria, libre
asociación, conexiones forzadas
Hacer una lista de conceptos, imágenes,
objetos o cualquier cosa seleccionada al
azar para establecer una conexión con
el problema. Esto ayudará a abordar el
problema desde otra perspectiva poco
convencional y a analizarlo desde otro
punto de vista.
7. Anticipación
Primero se piensa individualmente, después
se presentan las ideas parcialmente. De
esta manera, el compañero terminará su
idea incompleta, y se podrá observar hasta
donde puede llevarla.
Así es posible conocer diferentes finales o
soluciones de una idea propia, que en un
principio no se habían pensado.
8. Análisis morfológico
Consiste en identificar el mayor número
posible de aspectos que puedan formar
26
parte de la solución, para después
mezclarlos y combinarlos.
Lo primero es crear una matriz morfológica:
Dibuje una cuadrícula, por ejemplo de
10x10. Después, sobre cada columna
escriba el nombre de un elemento que se
corresponda con alguna solución al briefing
creativo.
Rellene los cuadros de cada columna con
imágenes o pensamientos relacionados
que se le ocurran.
Cuando haya completado las columnas con
las ideas, ya puede empezar a combinar las
imágenes para que den lugar a una idea.
(Zwicky, 1969)
9. Brainstorming
Cada miembro del grupo aporta unas
ideas y luego, los demás, comienzan a
desarrollarlas. De esta manera, al compartir
y aprovechar las ideas de los demás, los
miembros del grupo se nutren de las
mismas y hacen observaciones del resto de
compañeros. (Osborn, 1938)
10. Los seis sombreros del
pensamiento
Cada participante se pone un sombrero
de color y debe realizar aportes al tema en
cuestión, asociadas al significado del color
de su sombrero.
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Esta técnica nos permite analizar problemas 4. El coordinador se encarga de ir cerrando
complejos. el problema tras las distintas respuestas
cruzadas que se han ido obteniendo.
Blanco – objetividad.
Negro – crítica, factores negativos. 12. Método 635 (Warfield)
Amarillo – optimismo, factores positivos.
Verde – creatividad, propone ideas. Al finalizar el tiempo, cada uno pasará su
Azul – coordina el equipo. hoja al compañero de al lado y se repetirá
Rojo – Sentimientos y emociones. el proceso, después de haber leído las ideas
(Bono, 1983) de los participantes anteriores, las cuales
les servirán como una nueva fuente de
Figura 57: Los sombreros del pensamiento inspiración.
Al completar el ciclo de 6 intervenciones
de 5 minutos, se tendrán 18 ideas en cada
Fuente: Slidesahre, (2017) hoja, es decir 108 ideas en solo 30 minutos.
(Slideshare, 2017)
11. Método Delphi o panel
Método práctico para el análisis y la
resolución de problemas abiertos.
Se realiza por un grupo de expertos
dirigidos por un coordinador. A poder ser,
procedentes de diferentes campos, con el
fin de obtener una visión más amplia del
problema. (Rand Corporation, 2017)
Etapas:
1. Exposición del problema al grupo de
expertos.
2. Las soluciones aportadas por cada
experto se remiten al coordinador, quien las
va pasando a los demás de forma anónima.
3. Cada experto aportará nuevas respuestas
a esas soluciones.
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 27
9. Tipografía
Su uso y apropiado manejo en piezas de
diseño es relevante, ya que su correcta
utilización nos lleva a tener una experiencia
de lectura agradable, legible para el público
objetivo, sin que ejerza algún esfuerzo su
correcta interpretación.
Estos fueron los elementos básicos de diseño
más representativos, entre más se conozcan
y se apliquen a las composiciones será más
fácil acostumbrarse a ellos. Las prácticas de
diseño harán que se logren apropiar estos
conocimientos.
9.1 Dinamismo de la imagen y su
representación
En la representación de la imagen, se
pueden encontrar múltiples y variadas
formas de mostrar y transmitir lo que se
quiere, la imagen se compone de elementos
básicos morfológicos, anteriormente vistos,
no es simplemente percepción, contexto
y significado, por esto a continuación se
evidencia como a través de elementos
visuales, se puede transmitir la sensación
de movimiento a las creaciones, algunos
conceptos adicionales de composición de
imagen pueden ser:
• Las repeticiones
Cuando se duplica un elemento en la
imagen, se puede lograr armonía, se
puede hacer que las personas perciban
movimiento en la imagen, y determinar
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el peso visual de nuestra composición.
La repetición hace parte de los principios
básicos de la animación.
Figura 58: Las repeticiones
Fuente: SENA (2017)
• La secuencia
Es la consecución de elementos que
permiten generar encadenamiento,
movimiento, sincronía modularidad y
generan dinamismo en nuestras imágenes.
Figura 59: La secuencia
Fuente: SENA (2017)
• El ritmo
Al incorporar ritmo en una imagen,
cumplimos con este principio dinamizador,
un ejemplo son las ondas o los puntos que
varían en tamaño de pequeño a mayor, esto
nos permite percibir movimiento.
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Figura 60: El ritmo
Fuente: Juan Pablo Donoso, (2017)
• La tensión
Es donde interviene la fuerza y la dirección,
cuando se ejerce tensión gráfica se
encuentra como si el elemento fuera
a ponerse en movimiento y a dejar su
quietud, llamando fuertemente la atención.
(SENA, blackboard, 2017).
Figura 61: La tensión

Fuente: Juan Pablo Donoso, (2017)
• La profundidad
Este dinamizador nos permite visualizar
cualquier elemento en un espacio real y
tridimensional; (alto, ancho y profundo),
representando algunos más “cercanos” o
“lejanos” en un punto de fuga, se debe tener
en cuenta que al hablar de profundidad,
28
se pueden incorporar palabras como,
isometría, sombra, volumen, espacio,
tridimensional y textura entre otros. El
estudio de la profundidad se conoce como
perspectiva.
La invitación es a que se tengan referencias
gráficas, pero no debe olvidarse que no es
cuestión de copiar modelos sino de dar
vida a nuestras ideas. (SENA, blackboard,
2017).

• El equilibrio

Se debe tener el mismo peso de un lado de

la composición como del otro con respecto
al centro de la misma, esto genera un
contrapeso similar, es un concepto muy afín
a la simetría.
9.2 Diagramación
Este tema debe ser tratado como el
objetivo de este escrito, llegar a hacer una
diagramación interesante será la meta final,
a continuación se evidencia cómo se puede
definir diagramación.

La diagramación es el oficio principal de

todo diseñador, en ella radica la importancia
de aplicar los conceptos básicos de
diseño, ordenando espacios, elementos
visuales y manteniendo jerarquías entre
nuestra información. Todo esto para que la
comunicación sea efectiva y transfiramos el
mensaje deseado por nuestro cliente a un
público objetivo específico con una estética
apropiada.

El proceso de diseño debe radicar en

la creación misma de nuevas ideas
innovadoras, que no se queden en
propuestas repetidas y ya utilizadas sino
que por demás, verdaderamente incorpore
métodos creativos con ingenio.

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 Glosario
Circulo Cromático: El círculo cromático es una
representación visual de los colores primarios, rojo, amarillo
y azul, y su combinación para crear todos los demás colores
visibles. Ayuda a las personas a comprender las relaciones
entre los colores para el arte y la planificación del diseño,
por ejemplo las combinaciones de colores.
http://www.chromaflo.com/es-ES/Liderazgo-Industrial/
Teor%C3%ADa-Del-Color/C%C3%ADrculo-Crom%C3%A1tico.aspx
Contraste: El contraste se define como la diferencia
relativa en la intensidad entre un punto de una imagen.
Un ejemplo simple es el contraste entre un objeto de brillo
constante sobre un fondo de un brillo constante.
https://es.wikipedia.org/wiki/Contraste
Espectro: Un espectro es una imagen o representación
que puede presentarse en fenómenos o investigaciones
científicas, o bien, asociada a un escenario sobrenatural o
imaginario.
http://www.definicionabc.com/general/espectro.php
Lenguaje Audiovisual: Lenguaje audiovisual es
toda aquella comunicación que transmitimos a través
de los sentidos de la vista y del oído. El tema audiovisual
es considerada un arte en la publicidad, el periodismo, la
televisión, el cine y ahora incluso en la web.
https://es.wikipedia.org/wiki/Lenguaje_audiovisual
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Percepción: Es la acción y efecto de percibir. En este sentido,
el término percepción hace alusión a las impresiones que puede
percibir un individuo de un objeto a través de los sentidos (vista,
olfato tacto, auditivo y gusto).
https://www.significados.com/percepcion/
Punto focal: Llamamos punto focal, en las cámaras
fotográficas y otros instrumentos ópticos, al lugar del espacio
en el que convergen, tras haber atravesado el objetivo, los rayos
luminosos procedentes de un punto determinado del objeto o
sujeto que se está enfocando.
http://www.fotonostra.com/glosario/puntofocal.htm
Saturación: En la teoría del color, la saturación, colorido o
pureza es la intensidad de un matiz específico. Se basa en la
pureza del color; un color muy saturado tiene un color vivo e
intenso, mientras que un color menos saturado parece más
descolorido y gris. Sin saturación, un color se convierte en un
tono de gris.
Simetría: Como simetría se denomina la correspondencia
exacta que se verifica en la forma, el tamaño y la posición de
las partes de un objeto considerado como un todo. La palabra
proviene del latín symmetrĭa, y esta a su vez del griego συμμετρíα
(symmetría).
SENA - Servicio Nacional de Aprendizaje 30
 Bibliografía
Cháves, N. (1988). La imagen corporativa. Teoría y metodología
de la identificación institucional. Barcelona: Gustavo Gili.
Donis A. Dondis (1976). La Sintaxis de la Imagen. Introducción al
alfabeto visual. Editorial Gustavo Gili.
Arnheim, R. (1980). Arte y percepción visual. Psicología del ojo
creador. Madrid: Alianza Editorial.
Satué, E. (1988). El diseño gráfico. Desde los orígenes a nuestros
días. Madrid: Alianza Ed.
Michael Bierut (2001). Fundamentos del diseño gráfico. Buenos
Aires: Ediciones Infinito.
Frascara, Jorge (2000). Diseño gráfico para la gente:
Comunicaciones de masa y cambio social. Buenos Aires:
Ediciones Infinito.
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http://es.wikipedia.org/wiki/Lenguaje_visual;
http://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o_gr%C3%A1fico
Bibliografía
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Audiovisuales. Universidad Autónoma de las Américas 2000.
OMEGA
Fotografía Básica. (2017) Guía para fotógrafos, Langford. Ed.
Omega.
Buzan, Tony. (1965) El Libro de los Mapas mentales. España.
Ediciones Urano.
Edward de Bono. (1983). Teaching your child to think. Penguin
Books.
Arthur B. Van Gundy. (1988). Techniques of Structured Problem
Solbing. Cap. La técnica de las dos palabras.
Fritz Zwicky. (1969). Análisis Morfológico. California.
Alex Gaickney Osborn. (1938). Brainstorming. New York.
Edward de Bono. (1983). Los seis sombreros del pensamiento.
Argentina. Granica.
 Creative Creative
Commons
Commons
 Créditos
Créditos
PROGRAMA Producción de
Multimedia
NOMBRE DEL OBJETO Elementos de Diseño para
Proyectos Multimedia
EXPERTO TEMÁTICO Diana Paola Zapata Barrero
Erika Pérez Barrera
DISEÑADORES GRÁFICOS Caren Xiomara Carvajal Pérez
Julián Alberto Camargo Fonseca
Luis Carlos Reyes Parada
PROGRAMADORAS Nilda Inés Camargo Suescún
Nancy Astrid Barón López
Milady Tatiana Villamil Castellanos
GUIONISTA Dolly Esperanza Parra Lozano
PRODUCTOR DE MEDIOS AUDIOVISUALES Jheison Edimer Muñoz Ramírez
ASESORA PEDAGÓGICA Janet Lucía Villalba Triana
LÍDER DE L A LÍNEA DE PRODUCCIÓN Zulma Yurany Vianchá Rodríguez