TRABAJO FINAL DE ARTISTICA

HECHO POR:

MARIANA SALAZAR PÉREZ

INSTITUCIÓN EDUCATIVA JOSÉ ASUNCIÓN SILVA

GRADO:

11º1

2019
FICHA TÉCNICA

TITULO DE LA OBRA: Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

AUTOR: Georges Pierre Seurat

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

FECHA: 1884 –1886.

DIMENSIONES: 2.08 m x 3.08 m

ÚBICACIÓN: Instituto de Arte de Chicago (1926–1958)

BIOGRAFÍA DEL AUTOR:

Georges Seurat (París, 1859 – 1891), pintor. Recibió sus primeras clases sobre arte
gracias a su tío. Comenzó a formarse de manera formal en la materia alrededor de 1875,
año en el que comenzó a acudir a una escuela local de arte. Contaba con el escultor
Justin Lequien como profesor. En 1878 entró en la escuela de bellas artes (École des
Beaux-Arts) de París, donde recibió clases del artista Henri Lehmann. Dejó la escuela
en 1879 debido a la frustración que estar allí le provocaba y comenzó a estudiar por su
cuenta. Le gustaban mucho los grandes lienzos de Puvis de Chavannes. En abril de
1879 visitó la Cuarta exposición Impresionista y, tras ver los innovadores cuadros de
Monet y Pissarro, se decantó por el impresionismo. También estaba muy interesado en
la ciencia tras el arte y leyó bastante sobre la percepción, la teoría del color y el poder
psicológico de las líneas y las formas (utilizó ‘Optiks’ de Newton como punto de partida;
continúo estudiando las obras de Chevereul). A mediados de la década de los 80, tras
haber sido rechazado en alguna exposición y admitido en el Salon des Indépendants,
desarrolló el puntillismo o divisionismo. Continuó el trabajo de los impresionistas tanto a
través de sus experimentos con las diferentes técnicas como a través de su interés por
los temas cotidianos (se inspiraban en las calles de París, los parques, los cabarets y
locales nocturnos, etc.). Obras como ‘Bathers at Asnières’ o la que nos ocupa,
conformaron el punto álgido en su obra. Seurat falleció en 1891, supuestamente a causa
de una neumonía o una meningitis. Su compañero Paul Signac estaba convencido que
lo que realmente le había matado era la cantidad de trabajo que invertía en sus obras.
MOVIMIENTO ARTISTICO:

PUNTILLISMO: El puntillismo es una técnica artística que consiste en hacer una obra mediante
el uso de diminutos puntos. Aparece por primera vez en 1884, encabezada por el pintor
neoimpresionista Georges Seurat, al que le siguieron artistas como Henri-Edmond Cross y
Vlaho Bukovac. Este procedimiento consiste en poner puntos de colores puros en vez de
pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por
Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la
posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las
combinaciones deseadas. Otro de los más importantes artistas puntillistas fue Paul Signac,
participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la Société des Artistes
Indépendants (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.

NEOIMPRESIONISMO: Neoimpresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés

Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado
por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la
muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que
las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se
ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el
trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

Los neoimpresionistas usan en su paleta colores puros, bajo ningún concepto admiten una
mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, estos, matizados entre sí, y
aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus
graduaciones. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una
correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del
espectador, si este se coloca a la debida distancia. No hay otro medio para detener
satisfactoriamente el juego y el choque de elementos contrastantes: la justa cantidad de rojo,
por ejemplo, que se encuentra en la sombre de un verde, o el efecto de una luz naranja sobre
un color local azul o bien, a la inversa, el de una sombra azul sobre un color local anaranjado. Si
estos elementos se combinan de otra manera, y no por mezcla óptica, lo que se obtiene es un
color sucio.

RESEÑA HISTORICA DEL PERIODO EN EL QUE FUE HECHA LA OBRA:

(1884-1886)

En 1884 en París se funda la Sociedad de Artistas Independientes (‘Societé des Artistes

Indépendants’) y acoge su primera exhibición de arte contemporáneo. A su vez, la ciencia
estaba tomando terreno y cambiando la vida de la sociedad francesa gracias a la construcción
de la Torre Eiffel, de Gustave Eiffel, que hizo que la ciudad dejase de ser un lugar sombrío y
pasase a verse más moderna. Esta euforia científica hizo que todos querían explicar todo a
través de la ciencia; ejemplo de ello es Seurat, que aplicó la ciencia al arte, siendo las dos
materias totalmente opuestas a primera vista.

ANÁLISIS FORMAL:

LÍNEAS: ha desaparecido virtualmente (aunque en nuestra visión reaparezca en las formas

compositivas, como ya se dijo), mientras que el color y sus gradaciones toma la máxima
importancia. Su forma de trabajarlo es sumamente novedosa, aplicándolo en pequeños puntos
sobre el lienzo para conseguir un efecto visual concreto: aprovechar la capacidad de combinar
los colores cercanos que tiene nuestra pupila, creando así los tonos intermedios que produce
la luz natural sobre los objetos.

COLOR: Representaba puntos muy pequeños de colores puros sin mezcla que se unificaban en
la retina del espectado, así por ejemplo un azul y amarillo formarían en la retina un verde. Para
conseguir este objetivo la obra debe ser contemplada a cierta distancia.

Los colores con los que está pintado son puros, no han sido mezclados

TEXTURA: rugosa

VOLUMEN: Tampoco se percibe que las figuras tengan corporeidad o mucho volumen sino que
parecen que tienen tendencia a la simplificación y cierta geometrización como cilindro o
esfera. delimitadas por líneas.

LUZ Y SOMBRA: La parte de sombra se encuentra en el inferior de la obra (en primer plano) y
se conecta con la zona de luz (es decir, con el resto del cuadro) con las dos verticales que
forman los dos personajes que están de pie en la primera zona
PROFUNDIDAD: se construye teniendo en cuenta que la pintura ha de ser observada desde la
derecha como en ángulo oblicúo y no de frente.

RITMO: Esta composición se aleja del dinamismo, Sin embargo algunos hechos nos
desconciertan como la circunstancia de que algunos árboles más lejanos parezcan más nítidos
que los más cercanos.

CONTRASTES: el contraste como se ha dicho antes entre un primer plano sombreado y un

fondo luminoso y la propia recesión por lo general de las figuras crean el sentido de la
profundidad.

PROPORCIÓN: es estática a lo que contribuyen los esquemas constructivos especialmente

verticales de las figuras , de los troncos de los árboles y también horizontales.

CENTRO DE INTERÉS: el eje la mujer con sombrilla anaranjada y falda rosa de forma cilíndrica ;
y también abierta dejando sin cerrar sobre todo el espacio del río.

El punto de fuga se hallaría en el horizonte entre los árboles.

ANÁLISIS TEMÁTICO:

A. ¿encuentras algún Parecido Entre esta obra y otra? Escribe semejanzas y diferencias

R// la obra “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” Se parece Medianamente a la obra
"Un baño en Asnieres" las dos obras son del mismo artista y tienen la misma técnica y estilo,
las dos obras tienen a personas de perfil mirando hacia un paisaje que es el mismo (Asnieres,
París) en “un baño en Asnieres” hay muchas menos personas y es más fácil analizar todos sus
componentes.

B. ¿Consideras que el artista Sabía lo que realizo al elaborar esta obra o crees que puede ser
producto de la improvisación?

R// creo que el artista tenía ideas bases para realizar su obra pero no tenía todo
milimétricamente medido sino que fue improvisando mediante avanzaba en su obra

C. ¿piensas que la obra debería ser más real? ¿por qué?

R// No, porque es una obra en puntillismo y la cual no tiene muchas dimensiones entonces
está muy bien plasmada la idea del autor.

D. ¿Crees que la intención del artista artista se ve reflejada en la obra?

R//Sí, porque en la obra se refleja perfectamente el título, muestran a personas pasando una
tarde de un fin de semana descansando y mirando un hermoso paisaje.

E. ¿piensas que la obra debería estar exhibida en un museo? ¿por qué?

R// Sí, y lo está porque es la obra más importante de George Seurat uno de los fundadores del
Neoimpresionismo.

F. ¿cuál crees que es el mensaje que el artista trata de darnos con su obra?

R//Nos muestra un lugar donde acudían las clases trabajadoras, que no podían permitirse el
desplazamiento a litorales de mayor lujo. Para mi el mensaje que nos transmite es que la
tranquilidad y el descanso no la compra el dinero ni los lujos.
G. ¿Consideras que la técnica empleada para la elaboración de dicha obra fue la mejor? ¿hay
otras obras sobre este mismo tema y en otra técnica?

R// No me parece que haya sido la mejor técnica de todas pero sí que está muy bien elaborada
y además el artista de esta obra utilizaba esa técnica, “VERANO”, DE JOAQUÍN SOROLLA (1904)
es una obra parecida a “Tarde de Domingo en la isla de la Grande Jatte” pero las dos son
hechas en oleó sobre lienzo.

H. Respecto al tema de la obra crees qué pueda haber otra en la actualidad que haga
referencia a lo mismo?

R// no creo, porque en la actualidad la mayoría de personas en su tiempo libre se la pasan

viendo televisión o en sus celulares y no disfrutan tanto de los hermosos paisajes gratis que
nos da la tierra, entonces casi no se ven escenarios como el de esa obra

I. ¿qué concluyó al elaborar el trabajo?

R//que una obra tiene muchos componentes y una gran historia que a simple vista no se
puede apreciar, para analizar una obra de esta magnitud se necesita saber quién la pintó, por
qué la pintó y qué quería transmitir con la selección de colores, texturas y formas que usó. Y
también aprendí que para hacer una obra maestra se requiere de mucha disciplina, técnica y
creatividad.