Escultor de origen rumano que desarrolló su actividad en Francia.

Está considerado
como uno de los grandes escultores del siglo XX y su obra ha influido profundamente
en los nuevos conceptos de la forma en escultura, pintura y diseñ o industrial. Brancusi
nació en Pestisani Gorj, en el seno de una numerosa familia campesina. Estudió arte en
Craiova y Bucarest, en 1904 viajó a París, donde conoció a Auguste Rodin, y en 1909-
1910 trabajó con Amedeo Modigliani. Las primeras obras de Brancusi muestran la
influencia de Rodin y de los impresionistas, pero a partir de 1908 se percibe una
rá pida evolució n hacia un estilo má s personal. Inspirá ndose en la escultura
prehistó rica y en la africana, trabajó intentando mostrar al desnudo la naturaleza
subyacente de la imagen mediante una simplificació n extrema de la forma. En su obra
predominan dos formas simples, el huevo y el cilindro alargado. Un ejemplo del
primero es La musa dormida (1906, Museo de Arte, Bucarest), en la que la figura es
representada simplemente a través de una estilizada cabeza ovoide. Pá jaro en el
espacio (1919, Museo de Arte Moderno, Nueva York, y en muchas de sus otras
versiones) es un cilindro largo y estilizado de metal pulido, cuyas líneas recuerdan la
curva del ala de un pá jaro. En este caso Brancusi sintetizó la forma orgá nica hasta el
punto de convertirla en algo abstracto en su totalidad, logrando una representació n
má s conceptual que real. Trabajó en metal, piedra y madera. Murió en París el 16 de
marzo de 1957. Al concentrarse en la forma pura, Brancusi liberó a la escultura del
realismo del siglo XIX y preparó el terreno para los escultores abstractos del siglo XX.

Carlos Prada: el escultor que inmortalizó el 11 de Abril

"Las balas dejaron un profundo silencio", reflexiona el artista. La obra mide cuatro
metros y tiene siete figuras que representan a los caidos. La comenzó en 2005 y la
culminó al añ o siguiente
Má s que un homenaje, la obra simboliza los sentimientos y el coraje del pueblo
venezolano. En el Puente Laguno reposa con presencia eterna y conmemorativa la
escultura de bronce de Carlos Prada.

Es el autor del monumento a los caídos del Puente Llaguno. El artista refiere como
motivació n para crear la escultura la importancia que tuvieron los sucesos acaecidos
en el centro de Caracas durante esa fecha histó rica. A su juicio: “las balas dejaron un
profundo silencio”.

Prada, realizador de la obra escultó rica titulada Entre el grito y el silencio, consideró
que “luego de todos los caídos a manos de francotiradores y de la Policía
Metropolitana (PM), se despertó la conciencia de ese pueblo heroico que no estaba
dispuesto a perder su libertad en manos de la dictadura”.

La pieza, fundida en bronce y de má s de cuatro metros de altura, está conformada por

siete figuras que representan los caídos, la piedad, el grito, el dolor, el llanto, la
angustia y la impotencia, refirió la Agencia Bolivariana de Venezuela.

El nombre de la obra simboliza lo que vivió el pueblo venezolano y las personas que se
mantuvieron cerca de las inmediaciones del Palacio de Miraflores protegiendo el
despacho del Presidente de la Repú blica, Hugo Chá vez Frías.

“El grito representa la algarabía, la confusió n, la batalla que suscitaron los disparos de
los efectivos de la PM contra el pueblo, mientras que el silencio alude a la muerte y el
sufrimiento por los caídos” expone Prada.

El artista plá stico comenzó a realizar la obra en diciembre de 2005 y fue develada el
11 de abril de 2006 por el ex vicepresidente de la Repú blica, José Vicente Rangel, y por
el actual canciller, Nicolá s Maduro, quien para ese momento presidía la Asamblea
Nacional.

Su biografía

Carlos Prada nació en 1944 en Cumaná , estado Sucre. En 1962 recibe el Certificado de
Arte Puro (Menció n Escultura) de la Escuela de Artes Plá sticas Cristó bal Rojas de
Caracas.

Entre 1966 y 1967, gana el Premio Nacional de Escultura en el XXVII Saló n Oficial de
Arte Venezolano y en el Primer Premio Internacional de Escultura Renault Prix D'
Achat, en Madurodan, Holanda, respectivamente.

Sus obras han sido presentadas en innumerables museos, galerías de arte y

universidades de Venezuela, como en la Universidad Simó n Bolívar (USB) y la
Universidad Pedagó gica Experimental Libertador.

Igualmente, en el Museo de Maracay en el estado Aragua; Museo El Palmar, en el

estado Falcó n; Museo de Arte Contemporá neo de Caracas y de Porlamar; en la
Federació n Venezolana de Maestros y en la Ciudad Deportiva Horacio Estévez, en
Yaracuy, así como en varias muestras particulares dentro del territorio nacional y en
el exterior.
RNV

Escultura en Madera
La madera es un material muy apreciado por los escultores, sus características físicas
y los buenos resultados la escultura en madera es una de las má s practicadas por los
escultures.

Hay muchos tipos de escultura de madera y segú n tus calidades que la escultura en su
color natural puede ser dejar o en la pintura contraria sí mismo en policromado
conveniente a cada textura.

Dejan el noble de madera llamado en su color natural. Son la nuez, él clavan, él tienen,
cedro, caoba y otras.

Los grabados en madera por lo menos cinco añ os antes de ejecutar el trabajo, en el

invierno se divierten el recurso cuando la savia está en las raíces y esta manera que
obtiene que ella es bien seca y sin dar lugar a la descomposició n de la materia.

Los á rboles presentan para la escultura en madera los troncos de la exhibició n con
los diá metros má s o limitado menos y ése las fuerzas a eso junta las piezas a veces de
diferente y apropiados convertidos a realizan el trabajo.

Los pedazos se unen con los oídos y se pegan a veces con una cola especial. Si la
escultura en madera tiene acabamiento del policromía, las reuniones se pueden
disfrazar menos, puesto que la pintura cubrirá el material de terraplenado, si no son
necesarias hacer un trabajo de artista verdadero. Las esculturas de madera se aligeran
a veces que hacen su hueco interior.

Escultura en Bronce

La escultura en bronce que es quizá s es má s duradero material pero al mismo tiempo

es el má s difícil trabajar y necesita la ayuda otras técnicas pues el fango modeló uno o
stuccoes. Se ha utilizado principalmente para la escultura urbana del monumento de
personajes, de fuentes, del etc.

La técnica má s excepcional del trabajo en la escultura en bronce es la “cera perdida

denominada”, consistiendo en haciendo el molde en cera y cubriéndolo del fango o de
otra sustancia refractaria.

Una vez que sea seco se derrame el bronce filtrado que está fundiendo la cera y está
ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de los orificios practicados en el
fango. El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas, por medio de diversas
técnicas del trabajo.
É stos son tipos de escultura en bronce :

• Repujado: consiste en las placas o las barras llamativas del hierro, de frío o de
caliente, para darlo a las formas que el artista busca.

Cuando uno es placas también se utiliza la palabra peligrosa que envía al movimiento
que ocurre al batir, manualmente,

• Soldadura autógena eléctrica : es utilizada que funde un electrodo del hierro en las
superficies que se desean para unir, por el trabajo del paso de la corriente eléctrica.

Se caracteriza está escultura en bronce para realizar un só lido y una unió n

extremadamente rígida. Esto permite para unir los objetos diversos del hierro (hierro
de desecho, pedazos preformados por medio del método anterior, etc.).

Soldadura autógena : del este tipo de autó gena permite para generar una escultura
en bronce por la contribució n, técnica similar a qué prá cticas con la arcilla.

La fuerza de la autó gena es de menor importancia quién ésa obtenida por la autó gena
eléctrica, pero tiene la ventaja para permitir la má s creació n plá stica del trabajo.

Miguel Martino, escultor de origen argentino que vive en El Salvador. Trabaja la

madera a partir del aparente desperdicio; natural, industrial y humano, con sus
evidentes marcas impregnadas. Reconoce en el material, ademá s de su obvia
funcionalidad interpretativa, su origen divino de á rbol significante y vital.

El proceso comienza cuando encuentra á rboles o troncos destruidos, es importante

para Miguel Martino construir con maderas recuperadas, esto tiene un sentido
especial en la expresió n de sus esculturas.

Corta y huele las maderas, así comienza a descubrir su interior: color, vetas, dureza,
textura y especialmente su perfume, tan especial y diferenciador de las especies.

Uniendo trosos se va armando una estructura monolítica (lo que Miguel llama la
construcció n), que luego será tallada para permitir ver esa forma que el persigue.

Ciertas partes necesitan ir muy lijadas, mientras otras tendrá n el acabado rú stico del
corte de la sierra o hacha. Si hay una figura que prevalece, el busca de rescatar esas
marcas de la destrucció n: quemados, cortes, carcomido de animales etc.
Para el acabado final, aparte de tratar la madera contra insectos aplica un pulimento
especial a base de aceites , ceras y lustres con esto busca preservar el material y
resaltar su belleza.

Trasladar luego la pieza al lugar deseado requiere de toda una logística.

Al emplazar la escultura en el espacio físico que compartirá con el pú blico comienza

una nueva lectura de la obra, la que cada quién le dará con su propia interpretació n.

Teñir la madera

Es prá ctica comú n acondicionar el color de las maderas, bien para "subir" el tono del
color, resaltar el veteado o para simular maderas mejores partiendo de maderas
baratas. Para lograr un teñ ido apropiado de la madera, esta no puede haber estado
sometida con anterioridad a procedimientos que hubieran sellado sus poros, los tintes
deben ser absorbidos por el material a fin de penetrar su superficie y adherirse
apropiadamente. Una madera barnizada o ya teñ ida con tintes comerciales como los
de base de poliuretanos debe lijarse hasta eliminar la capa sellada y luego volverse a
teñ ir.
Si aprieta aquí podra ver muestras de diferentes maderas.

Tenga en cuenta que:

1. Los tintes deben ser esparcidos muy bien por la superficie para que el color
quede parejo, por eso lo mejor es preparar una pequeñ a mota de tela de
algodó n que se toma entre los dedos. Esta mota se pone en contacto
ligeramente con el tinte y se frota por la superficie a teñ ir, preferentemente
formando círculos. Una vez agotado el tinte absorbido se recarga la mota con
tinte nuevo hasta cubrir toda el á rea sin repasar parte alguna de manera que se
forme una capa continua.
2. Para lograr el tono deseado pueden utilizarse mas de una capa de tinte,
siempre que sea absorbido por el material. En todos los casos debe dejarse
secar completamente una capa antes de poner la pró xima.
3. No todas las partes de una misma madera se tiñ en a igual intensidad, cuando
las fibras son paralelas a la superficie como en las caras y bordes de una tabla,
el color del tinte se adquiere en algunos casos mas, y en otros menos, que en
los bordes de corte transversal donde las fibras son perpendiculares a la
superficie de trabajo. Esto hace que algunas partes deban recibir mas capas de
tinte que otras.
4. La madera absorbe muy rá pidamente el tinte, por lo que si ha empezado a teñ ir
una superficie debe continuar hasta el final. Si interrumpe el trabajo aunque
 sea por unos minutos, el borde de unió n de ambos procesos de teñ ido quedará
marcado en la madera al solaparse.
5. Un teñ ido muy "profundo" puede hacer desvanecerse las vetas de la madera
que en muchos casos son deseables.
6. Las lacas y barnicen no son perfectamente transparentes y en general
oscurecen un tanto la madera terminada (generalmente a color á mbar) por lo
que el teñ ido previo debe dejar una "reserva" de color al acabado final.
7. Si ha usado un tinte a base de agua debe esperar un completo secado del tinte
antes de proceder a barnizar o laquear con productos hidró fugos o afectados
por la humedad, poliuretanos, barnices al aceite, goma laca etc.

Casi todos los tintes comerciales para madera son mezclas de algú n pigmento en
estado coloidal en una base de agua, de aceite o polimérica, por lo que resulta muy
simple preparar tintes para "acomodar" el color de la madera previo al barnizado, a
continuació n se dan algunos modos de preparació n de tintes con materiales al alcance
de todos.

Tinte al vinagre
Este tinte puede dar a la madera un color á mbar-rojizo como el de la caoba. Puede
conservarse indefinidamente en un recipiente cerrado. Su color es muy estable al
tiempo.
Modo de preparación
Consiga un buen nú mero de piezas menudas de acero tal como clavos o tornillos que
estén bien corroídos como aquellos que quedaron olvidados en el patio por bastante
tiempo.
Pó ngalos durante unos días en vinagre en un recipiente de vidrio (puede usar la
propia botella de vinagre). El á cido acético desprenderá el oxido de hierro y el vinagre
tomará su color cuando se agita. Ya tenemos el tinte.
Es evidente que el tono final del tinte dependerá de la relació n entre la cantidad de
ó xido de hierro y la cantidad de vinagre. Durante el uso debe agitarse de tiempo en
tiempo.

Tinte a base de pinturas

Con este método puede prepararse un tinte de cualquier color, desde alguno para dar
el color casi rojo de algunas maderas, o el azulado de otras hasta el negro del ébano.
Modo de preparación
El procedimiento es muy simple, tome una pintura base de aceite para exteriores
(pigmentos mas estables) del color apropiado a su propó sito y dilú yala fuertemente
con queroseno hasta obtener un tinte algo translú cido que le parezca conveniente,
pruebe en un trozo de madera nueva con una o varias manos si cumple con sus
expectativas, o en su defecto agregue mas pintura o queroseno a la mezcla hasta
lograrlo. Tenga en cuenta que el tinte no debe "pintar" la madera, debe ser absorbido,
por lo que aun después de teñ ida, las vetas y tonos de la madera deben conservarse.

L a madera como un medio

Como medio artístico contemporá neo, la madera se utiliza en los estilos tradicionales
y modernos, y es un medio excelente para la nueva técnica . La madera se utiliza en las
formas de la escultura , artesanía y decoració n incluida chip talla , la quema de madera
y marquetería . Madera ofrece una fascinació n, la belleza y la complejidad en el grano,
que a menudo se muestra incluso cuando el medio está pintado. La madera es
utilizada por los carpinteros para crear muchos artículos ú tiles, tales como armarios,
muebles e instrumentos musicales. Los artistas utilizan la madera para la escultura
porque es abundante y barato en comparació n a otros medios como la piedra o el
bronce. Es de alguna manera má s fá cil de forma que las sustancias má s difícil, pero un
artista debe desarrollar habilidades específicas para tallar correctamente. Madera no
duran tanto como otros medios de comunicació n la escultura, ya que pueden verse
afectados por la podredumbre del agua, la pudrició n seca, la invasió n de insectos y el
fuego.
Importante pintor y escultor del siglo XX. De acuerdo con algunos historiadores del arte
venezolano, la obra de Narváez transformó de manera definitiva la forma de ver la
escultura en Venezuela. Fueron sus padres José Lorenzo Narváez, ebanista, maestro de
obras y restaurador de obras religiosas y Vicenta Emilia Rivera, nativa de Porlamar. Sus
primeros estudios formales de pintura los realizó durante los años de 1920, en la Academia
de Bellas Artes de Caracas. En 1928 se marchó a París, para estudiar en la Academia de
Julian, lugar en el que entró en contacto con el movimiento artístico de Montparnasse.
Entre los pintores de la llamada "Escuela de París" que influyeron en Narváez durante este
tiempo figuran: Raoul Dufy; Chaime Soutine y su violencia en las formas y en la manera de
presentar el mensaje plástico; Amadeo Modigliani, en la pureza lineal de sus grandes
planos; Moisés Kisling, en la sensualidad de las curvas y de la materia y en la forma de
trabajar el objeto para hacerlo atractivo, cálido y humano.

A su regreso a Venezuela en 1931, Narváez se encontró con el hecho que su propuesta

artística rompía con los esquemas estéticos vigentes hasta ese momento. No obstante,
Narváez no hizo concesiones de ningún orden, creando por primera vez en el país un
lenguaje escultórico propio, asociado a las raíces nacionales, exaltando y valorando además
la belleza de sus elementos étnicos. Esto le valió que poco a poco, su obra recibiera el
reconocimiento general. En 1934, se le encargó la realización de la fuente de Parque
Carabobo en Caracas; entre 1937 y 1939, por recomendación del arquitecto Carlos Raúl
Villanueva, realizó varias obras de relieve para las fachadas de los museos de Bellas Artes
y de Ciencias Naturales de Caracas. En 1939, viajó a Nueva York para decorar el Pabellón
de Venezuela en la Feria Mundial de esa ciudad. En 1943, realizó una de sus obras más
emblemáticas: Las Toninas; fuente ubicada en la plaza O'Leary de El Silencio.

En 1948, obtuvo el Premio Nacional de Pintura en el Salón IX Oficial de Arte Venezolano.

Entre los años 1949 y 1952, ejecutó varias obras para la Ciudad Universitaria de Caracas,
incluyendo los frescos para la capilla de la Universidad. En 1952 realizó la escultura
ecuestre del general Rafael Urdaneta ubicada en la plaza La Candelaria de Caracas. Un año
después fue nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas. En
1954, representó a Venezuela en la Bienal de Venecia, Italia. En definitiva, con Narváez se
inició una manera totalmente diferente de ver la escultura en Venezuela. En tal sentido, es
el primer escultor venezolano en romper todas las reglas académicas existentes. Además
fue el pionero en la utilización de la rica variedad de maderas del país y el primero también
en hacerlo en gran escala, con las piedras nativas: sobretodo con las de Cumarebo y Araya.

En 1979 participó junto a Héctor Poleo a Venezuela, en los segundos encuentros

internacionales de Arte Contemporáneo, celebrados en el Grand Palais de París. Ese mismo
año, se inauguró en Porlamar el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, para el
cual el artista donó una serie de obras (35 esculturas, 11 pinturas y varias serigrafías). En
1981 ejecutó para la empresa LAGOVEN, S.A. la escultura monumental Gran Volumen
para la planta Amuay y, en 1982 terminó una de sus últimas obras, la escultura Armonía de
Volúmenes y Espacio, realizada para la C.A. Metro de Caracas.