Tg ery Cellier ture Mel Mei(e] (4D. 4El Greco, E/ entierro del Conde Orgaz, 1586-1588. Iglesia de Santo Tomé (Toledo) Oleo sobre tela, 4,80 x 3,60 m.DESCRIPCION: Este gran cuadro esté dividido en dos grandes zonas: zona celestial y una terrenal. ORIGEN DEL CUADRO: Encargo: Andrés Nufiez de Madrid (Parroco de Santo Tomé) realiza a El Greco en 1586 para que pinte un lienzo que iba a ir situado en una capilla lateral de la citada iglesia parroquial. Tema:_milagro que en 1323 ocurrié en aquella iglesia cuando se iba a enterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, sefior de Orgaz: bajan del cielo San Agustin y San Esteban y lo entierran ellos mismos con sus propias manos. Fin: informar al visitante el hecho extraordinario que ocurrié en ese lugar, a la vez que le recuerde que ciertas virtudes como la caridad o el rezo a los santos son razones de peso para poder alcanzar la vida eterna, motivo por otra parte de que se produjese el milagro. Antecedentes: Las razones de que este encargo se realizase en 1586 habria que buscarse el pleito que afios atras mantuvo el parroco Nufiez con los vecinos de Orgaz al negarse éstos a continuar beneficiando a la iglesia de Santo Tomé, tal y como lo habia dejado escrito su seftor antes de morir; este pleito es ganado por Nufiez, quien a partir de ese momento decide levantar una capilla sobre la tumba, encargar un epitafio al humanista Alvar Gomez de Castro con el fin de recordar de una manera més directa al fiel la necesidad de la caridad para lograr la salvacién, y encargar de la misma forma un lienzo que rememorare el hecho milagroso y la lectura que se ha de extraer de él. Realizacion: EI Greco tiene que representar una pintura conforme al contrato y encargo de Nufiez, pero ademas el pintor tiene otras fuentes como son la obra de Pedro de Alcocer o de Hierénymo Roman de donde extraer elementos 0 inspirarse.ANALISIS FORMAL DE LA OBRA: El estilo Manierista: nace de la crisis, de una parte el ambiente de optimismo, equilibrio y confianza del Humanismo, se ve amenazado con los problemas econdémicos, politicos y religiosos; la presencia de grandes maestros en el Arte, jovenes limitados a un papel de seguidores que pronto reinterpretaran , y al proceso altamente intelectualizado con el que se quiere realizar las representaciones artisticas, sientan las bases del desarrollo de este nuevo estilo. Estas caracteristicas del nuevo Arte que podemos observar en la obra que estamos comentando seran: Luces de apariencia artificial: - Fenémeno que indica la artificiosidad e intelectualidad que se aplica en la obra. - La parte celestial tiene una luz didfana que no emana de una fuente en concreto. -En parte terrenal parecen el cuerpo del sefior de Orgaz y los santos mas iluminados que el resto asi como las caras de los personajes representados. -Esta iluminacién no pertenece a la observacion natural, si hubiese sido asi las antorchas que portan algunos individuos hubiesen modificado la luminosidad del cuadro creando unos contrastes entre luces y sombras. -El Greco por tanto utiliza este recurso de una forma artificial que inquieta al espectador y le hace atraer la mirada hacia unas escenas determinadas.El alargamiento de las figuras: - Recurso ampliamente utilizado por el pintor en todos sus lienzos hasta tal punto que éste se ha tomado como caracteristico de su obra. Este recurso lo tomara de Miguel Angel tras su paso por Roma y en segundo lugar de Tintoretto y Parmigianino de la escuela Veneciana. - Consiste en el alargamiento voluntario de las formas buscando en ello una belleza de las formas a través de la estilizacion de éstas. - Existe por tanto una inspiracién goticista, pero también una intencionalidad de poner en cuestién unas reglas y modelos nacidos en el Alto Renacimiento y que a la altura del siglo XVI son considerados como caducos. -Es por este motivo que los tratadistas se haran eco de la nueva situacién argumentando que el cuerpo no se puede medir objetivamente, y ha de ser el ojo y no las reglas las que marquen la composicién de una figura. -El Greco conoce la obra de Miguel Angel tras su estancia en Roma, conoce a los demas manieristas, y también sabemos que en su biblioteca se guardaban algunos tratados al respecto en donde anoto su conformidad con estos postulados. Asi no es de extraiiar la estilizacion de las figuras que aparece en la obra que comentamos. Figuras cortadas: - Es otro de los recursos manieristas ,impensable dentro del Renacimiento (que postula la armonia, el equilibrio, la composicién dentro de la obra). -EI Manierismo al romper con las normas no tiene en cuenta, buscando asi unos efectos mayores en el cuadro. -Ejemplo de todo ello lo podemos encontrar en las figuras recortadas que aparecen en los laterales del lienzo.Figuras serpentinatas: - Otro de los recursos manieristas . -Consiste en la elaboracién de figuras retorcidas que buscan extrafios escorzos. Esta idea nace de Miguel Angel que quiere con ello imprimir en la figura una expresién no alcanzada anteriormente, idea que pronto es aceptada y desarrollada por los manieristas. - Ejemplo de ello lo podemos encontrar en la figura del angel que conduce el alma del sefior de Orgaz al cielo y en menor medida en la posicién de otros angeles de la escena celestial. Estudio anatémico de los cuerpos: - Caracteristica de influencia Miguelangelesca, que veia en los estudios y representacion anatémicas de los cuerpos una forma de poder representar la belleza. -Esta circunstancia la podemos observar en los desnudos que aparecen en la parte celestial de la obra. * Predominio del color en la composicién frente a la linea: = Se sale de la influencia de Miguel Angel pero que la acerca a las obras del Manierismo Veneciano (Tintoretto y de Tiziano). - Esta circunstancia la podemos observar en los colores vistosos y llamativos que se utilizan en su obra que llaman poderosamente la atencion trasmitiendo una emocidn al contemplador como puede ser las casullas de los santos, las caras recortadas en fondo negro de los personajes, la utilizacién de los blancos y en general el colorido de la parte celestial. -El predominio del color alcanzard su impronta més alta en la representacion del alma del difunto, en donde ésta queda resumida en unas pinceladas de color en donde ha desaparecido totalmente la linea. -En definitiva podemos concluir que en la “lucha” que se da en la época entre los pintores y tratadistas que defienden la importancia de la linea (Miguel Angel y escuela manierista romana) y los que postulan el color (Tiziano y la escuela manierista Veneciana), El Greco tomard partido claro por éstos tiltimos.Un cierto “Horro vacui” en la composicién: -Otra de las caracteristicas del Manierismo, que trata de llenar todo el espacio pictérico. - Ejemplo de ello lo podemos ver sobre todo en la parte celestial en donde aparecen un sin fin de personajes que llenan por completo la escena. El movimiento: - Caracteristica manierista , nace de la importancia que Miguel Angel le da en la representacién de las figuras ya que el movimiento sera una caracteristica de la belleza. ~ El Greco lo utilizara en muchas de sus obras, si bien en esta no sea algo caracteristico a excepcién de las aposturas de algunos angeles que denotan movimiento. Como conclusién de la clasificacion de El Grec - Podemos situar a El Greco como un pintor manierista influenciado por Miguel Angel por un lado y por la escuela veneciana por otro, si bien él funde todas estas tendencias llegando a crear un estilo personal y propio que ha hecho que algunos estudiosos del tema no se atrevan a inscribir a El Greco en el Manierismo y recurran a hablar de un estilo excesivamente personal dificil de clasificacién, otros que hablan de la tradicién bizantina en el manierismo . - En cualquier caso las influencias manieristas son determinantes, como lo son también el hecho de que él mismo se considerase representante de un arte liberal frente los que consideraban la pintura como un oficio manual, polémica tipica del Manierismo cuya prueba estaria en los pleitos que el pintor llevé a cabo a lo largo de toda su trayectoria pictérica. - Esta obra se produce en una fase final de su carrera en donde ha recogido las influencias bizantinas de sus comienzos (pintura religiosa), romanas, venecianas, escurialenses en donde se hace eco del sentir Contrarreformista.ANALISIS ICONOGRAFICO DE LA OBRA: - La intencidn del cuadro era pintar el milagro aludido anteriormente. Para ello el artista pintara el entierro tal y como se le ha mandado, pero también una visidn divina del mundo celestial a donde ira el alma del difunto. - En esta vision divina se representa el cielo. Un cielo dominado por la figura central de Jesucristo Resucitado (vestiduras de blanco) que sentado en un trono juzga como rey del universo a todas las almas. En este sentido hay quien observa una relacién entre este Cristo y las figuras de los pantocrator medievales. = Cristo como Sefior del mundo ha de juzgar esta nueva alma del difunto que sube hacia él. Por eso con la mano derecha sefiala hacia San Pedro (portador de las llaves del cielo tal y como lo atestigua su atributo pictérico), indicandole que ha de abrir las puertas para esta alma que sube. - Bajo la figura central aparece la Virgen Maria (vestida de rojo y azul como lo demanda la tradicin; rojo porque es coparticipe de la Pasién de Cristo y azul como color de la esperanza en el cielo). - Maria esta en disposicién de acoger el alma que sube “ayudando” por medio de un gesto a que ese alma se eleve. Esta posicién de la Virgen como intercesora ante su Hijo, en el papel de Madre sera uno de los argumentos contrarreformistas mas utilizados en el Barroco unos afios después, ya que con el fin de contrarrestar las doctrinas protestantes, se hard hincapié en la funcién de quien recibe un culto de hiperdulia.PLANO CELESTIAL: -aparecen toda una serie de personajes que miran adorantemente a Dios que se reconocen a través de sus atributos. A LA DERECHA DEL CUADRO: -Primera fila: - San Juan el Bautista: vestimenta de piel de camello, que quien por ser “el primero entre los hijos nacidos de mujer” (como dice el Evangelio) se encuentra en un primer lugar. -Junto a él dos martires: San Pablo Apostol (con la espada de su martirio) y Santiago el Mayor patrono de Espafia, con indumentaria que asemeja la de un peregrino y con la concha. - Segunda fila: -Santo Tomas (titular de la parroquia y reconocible por la escuadra de arquitecto) - el resto de los apdstoles al lado de Felipe II, lo cual no deja de ser un sorprendente lugar. -En tercera fila: - Serie de santos sin identificar que forman el coro celestial alrededor de la Figura de Cristo. -Bajo ellos, en la esquina derecha de la parte celestial de la composicién, si se pueden identificar a Maria Magdalena (cabellos despeinados) ya San Sebastian con las saetas de su martirio, ambos santos con una devocién particular en el lugar. ALA IZQUIERDA DEL CUADRO: - qparecen diversas figuras del Antiguo Testamento como el rey David con su arpa, Moisés con las Tablas de la Ley 0 Noé al lado de su arca.PLANO TERRENAL -Cuerpo inerte del noble difunto que es recogido por San Agustin con su vestimenta de obispo y San Esteban, diacono de la Iglesia y primer martir. - En las casullas y estolas de ambos personajes decora El Greco algunos personajes biblicos y otras escenas; ropajes por demés contemporaneos al autor del cuadro, pero no asia los de la época de las dos figuras retratadas. -Ala derecha: -este entierro asisten anacrénicamente el parroco que encarga el cuadro que preside las exequias leyendo el ritual de los oficios y otros clérigos de su entorno. -Ala izquierda: - un fraile franciscano, otro agustino y un fraile dominico. -Fila del centro: - serie de personajes contempordneos de El Greco, y el mismo Greco que nos mira de frente, invitando a entrar al espectador en el misterio y milagro que estd ocurriendo, de la misma manera que hace el nifo del primer plano hijo de El Greco sefialando con su dedo al personaje central.TRANSICION: -Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es ascendida ayudada por un angel. - Muchos angeles aparecen por toda la composicidn distribuyéndose seguin las jerarquias propuestas por San Agustin. De esta forma los angeles serian los mas cercanos a los personajes vives y por tanto més parecidos a los mortals, los serafines y querubines alrededor de los personajes espirituales, representados como pequefios amorcillos y finalmente tronos, potestades y poderes al lado de Cristo en Majestad, entidades sin forma, por lo que el pintor los detalla a base de colores difuminados que rodean la Figura de Jestis. Representacion en general: - El artista nos relata el milagro pero ademas nos da una lecci6n teoldgica del cielo. -Explica que las almas al morir se desprenden del cuerpo y se dirigen a la otra vida. -Estas serdn juzgadas por Dios en la persona de su Hijo, determinando a quién se les abre el cielo o quiénes son condenados para toda Ia eternidad. -De la misma manera Ia Virgen y los angeles conforme a sus distintas jerarquias, sirven de intermediarios, “ayudando” al alma a elevarse y poder integrase en el Cielo al lado de todas aquellas personas que a lo largo de !a Historia se han hecho merecedoras de El.EL BARROCO Manifestacion artisticas y culturales que nacen a finales del siglo XVI en Roma y se extienden por Europa y América durante el siglo XVII y primera mitad del XVIII. -Mas que un estilo es un conjunto de tendencias, a veces opuestas. Contexto histérico -Religidn- Division de Europa en dos que repercuten en el arte: -Catolicismo de la Contrarreforma en paises mediterraneos (Francia, Espafia-Flandes, Italia) y en Europa Central (sur de Alemania, Austria, Hungria, Bohemia y Polonia) -Protestantismo de los paises del Norte (Inglaterra, Escocia, Suiza, Escandinavia, Holanda, norte de Alemania. -Economia: Impacto de los descubrimientos geograficos: desarrollo de un capitalismo comercial. Crecimiento de una burguesia poderosa (ejemplo: la nueva Republica de Holanda). Erosién del sistema feudal (nobleza e Iglesia mantienen propiedad de Ia tierra). -Ciencias_y Filosofia: Desarrollo cientifico y filoséfico: Copérnico, Kepler, Galileo, Descartes y Newton. Se sientan las bases del método cientifico. Filosofia: empirismo insular (Inglaterra) y racionalismo continental (en Francia, Descartes y la duda metddica). La conjuncién de ambas corrientes hace surgir la llustracién s. XVIII. -Politico: afirmacién de los Estados modernos. Se desarrolla el parlamento en Holanda e Inglaterra. Sin embargo en Europa impera el absolutismo y su centralizacion.ARTE BARROCO. -Clientes: Iglesia, monarquia y burguesia. -En zona protestante: economia capitalista comercial. Los artistas compiten por colocar su obra en el mercado cuyo gusto es marcado por la burguesia. -En los paises catdlicos y monarquicos: Iglesia de la Contrarreforma y la Monarquia absoluta utiliza el arte como expresién de su gloria y autoridad. -Situacién del artista: -aparecen las Academias : se preocupan por su formacién y elevacién social (promoviendo su prestigio y riqueza) pero ellas imponen un gusto oficial y obligan al artista a comprometerse con el programa de exaltacién del poder (constrifiendo su independencia) - Es un arte urbano: -La ciudad es el espacio ideal para que el poder despliegue su propaganda a fieles o sUbditos. Espacio idéneo: la plaza. En este periodo se consolida la ciudad-capital: centro de la corte y aparato administrativo -Ciudad barroca: gusto por vida al aire libre y amor al teatro: ceremonias y fiestas. Vida cortesana: proclamacién, coronacién, bodas, pompas funebres. Fiestas catdlicas: procesiones de Semana Santa, actos de culto a la Virgen. -Es un estilo integrador de las artes: -La obra del artista se concibe de un modo unitario, -Arquitectura: instrumento integrador de todas las artes (plasticas e industriales ~ tapices, muebles, orfebreria). Espacio que tiene mucho de escénico y teatral. -£1 arte barroco apela a los sentidos con el fin de conmover, emocionar y persuadir a las masas. Utiliza diferentes recursos que hacen que mas que un estilo sea una sensibilidad y una cultura de la imagen yARTES PLASTICAS BARROCAS -Sentido escenografico. El prestigio del teatro es grande en el gusto de la gente. -Temas:_mitoldgicos o religiosos segtin las demandas de los clientes. Retratos (individuales 0 colectivos) van ganando importancia y en ellos se marcan con fuerza los distintivos de la profesién o poder. -Se utiliza la fantasia o la realidad para acercarse a los espectadores. Fantasia: cielos abiertos, glorias, visiones y éxtasis de santos. -Realidad: temas de vida cotidiana en los que se evidencian las calidades de la materia (epidermis, telas, cabellos, el gesto expresivo de las figuras) -El interés por la comunicacién con un publico tan diverso (minorias ilustradas o gente comun) explica esta variedad. -Talleres: se convierten en prestigiosos centros de formacion artistica. -Artesanos: especializados en partes concretas de las obras. -Maestro: da el toque final y pone la firma prestigiosa. - Auge del comercio de objetos artisticos y del coleccionismo entre los burgueses y nobles. -Pintura barroca: -se avanza en el arte pictérico que se reduce a su esencia: la luz y el color (fundamentos de toda la pintura posterior). -Se consolidan los gustos y estilos nacionales que dan origen a escuelas del barroco.ESCUELA ITALIANA - Tiene dos tendencias: -Naturalismo sobrio y popular de la Contrarreforma (Caravaggio) -Clasicismo de la Iglesia triunfante (hermanos Caracci) NATURALISMO DE CARAVAGGIO -Miguel Angel Merisi (1573-1610) Artista revolucionario que inicia una de las tendencias pictéricas més importantes del barroco: el tenebrismo (influye en las escuelas francesa, espafiola y holandesa).. -Temperamento rebelde, pendenciero, de conducta desordenada. -Llega muy joven a Roma y pronto llama la atencién por lo que es protegido por mecenas de la aristocracia progresista de Roma (pero tuvo problemas con los eclesiasticos rigurosos y el Papado). -Espiritu de la Contrarreforma. Comparte la visién de los Ejercicios espirituales de Ignacio de Loyola. Temas: fuerte realismo popular. Esto influye en la eleccién de modelos (seres pobres, sencillos y humildes, elegidos entre el pueblo). Esta tendencia se llama naturalismo porque toma modelos del natural. Con su obra de tema religioso La muerte de /a Virgen causa revuelo porque toma como modelo una mujer que se arrojé al Tiber luego de ser abandonada por un prestigioso noble. “Técnica: leo. -Composiciones: escenas con fuertes contrastes luminosos dotados de gran misterio que se hacen mas complejas con el paso del tiempo, incorporando diagonales y aspas. -Luz: de diversos puntos. De sétano o de claraboya. lluminan la escena, se fija en rostros y manos y acentua la expresividad y el dramatismo de las figuras. Color: se aplica en funcién de la luz con grandes valores tonales y consigue un sentido de belleza cargado de un naturalismo atrevido y crudo que con frecuencia no coincide con el gusto de la Iglesia.BARROCO ITALIANO Caravaggio, La vocacion de San Mateo 1599-1600. Iglesia de San Luis de los Franceses (Roma) Gleo sobre lienzo, 322 x 340 cm.La vocaci6n de san Mateo ( Vocazione di san Matteo) -Caravaggio consigue el prestigio con esta obra. -Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde atin se conserva. - Historia de la obra: - Una década antes, el cardenal Matteu Contreil (en italiano, Matteo Contarelli) habia dejado fondos e instrucciones especificas para la decoracién de una capilla basada en temas de su santo patrén. - La decoracién de la cipula se empezé con frescos del artista manierista de la época, uno de los mas populares por entonces en Roma, Cavalier D'Arpino, anterior patrén de Caravaggio. Pero éste estaba ocupado. - Entonces el mecenas y cardenal Francesco Del Monte, patron de Caravaggio intervino para que éste consiguiera su primer gran encargo eclesiastico. . - Se le ordenan tres pinturas: La Vocacién, E/ martirio y La inspiracién de san Mateo. Estas representan un cambio decisivo del manierismo idealizante del que d’Arpino fue el Ultimo gran practicante, y el arte nuevo, mas naturalista representado por Caravaggio. - La Vocacién fue una de las primeras pinturas religiosas, expuestas al ptiblico, en la que se daba una representacién realista.Primer encargo monumental. Esta obra esta dominada por una intensa accién dramatica, tiene una composicién muy estudiada y obtiene, con gran economia de medios, unos resultados espléndidos. Tema: historia que se narra en el Evangelio segtin san Mateo (Mateo 9:9): Jesus vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo: «Sigueme», y Mateo se levanto y le siguio. Composici6n: Dos planos paralelos: el superior, ocupado sdlo por una ventana, y el inferior, en el que se representa el momento preciso en el que Cristo apuntando a san Mateo lo llama al apostolado. -El santo esta sentado frente a una tabla con un grupo de personas, vestidas como los contemporaneos de Caravaggio, como en una escena de taberna. -Personajes plebeyos que visten como en la época del pintor (con plumas). -Es realista, sin ninguna idealizacion. Transmite la percepcidn del artista de la actualidad de la escena, su participacion intima en el acontecimiento representado, mientras que de forma totalmente anti-histérica se ponen justamente a Cristo y al mismo san Pedro, envueltos en una tunica atemporal.el brillo y la ventana con lienzo parece que situa la tabla puertas adentro. Cristo trae la luz verdadera a este espacio oscuro de los recaudadores de impuestos. Para acentuar la tensi6n dramatica de la imagen y focalizar la atencién sobre el grupo de los protagonistas, recurre a sumergir la escena en una penumbra cortada por rayos de luz blanca, que hace emerger los gestos, las manos, 0 parte de la ropa, y deja casi invisible el resto. Luz diagonal de derecha a izquierda. Fondo neutro: se acentua el espacio oscuro con rayo diagonal. Esta pintura refleja asi la colisi6n entre dos mundos: el poder ineluctable de la fe inmortal y el ambiente mundano de Levi, que se inclina sobre su dinero, ignorando a Jesus. Este le atraviesa con un rayo de luz, haciendo, aparentemente sin esfuerzo, un gesto con la mano que ejerce una gravedad sublime, sin necesidad de lucir musculosidad. Los pies desnudos de Jestis son simplicidad clasica, en contraste con los recaudadores emperifollados; estando descalzo puede simbolizar igualmente santidad, como si estuviera en suelo sagrado.tualidad El gesto de Cristo lo repite san Pedro, simbolo de la iglesia Catélica que media entre el mundo divino y el humano, lo cual es muy coherente con la época de la Contrarreforma, y es a su vez repetido por Mateo. Es la representacién simbdlica de la salvacion, que pasa a través de la repeticion de los gestos instituidos por Cristo (los sacramentos) y reiterados, en el tiempo, por la Iglesia. - Caravaggio hace la crénica del momento en que la rutina diaria queda interrumpida por lo milagroso. Alrededor del hombre que se convertira en Mateo hay otros espectadores, que no lo perciben o que permanecen indiferentes.ESCUELA ESPANOLA Contexto histérico: Situacién de crisis en lo politico, econémico y social en el siglo XVI y XVII. Significa el fin de la hegemonja espafiola. Ejemplo: guerra de los Treinta Afios (1618-1648) que marca el inicio de las pérdidas territoriales espajiolas de las Provincias Unidas del Norte. -Por crisis de desarrolla una sociedad parasitaria de mentalidad antilaboral cuyo modelo es la nobleza y la Iglesia que viven de rentas. Masa de desocupados, vagabundos, picaros y aventureros. - Actividad literaria y artistica: riqueza excepcional. SIGLO DE ORO. El pueblo trata de evadirse de las dificultades a través de la creacién literaria y artistica Arte barroco espafiol Clientes: conventos e iglesias (piden las imagenes de devocién de la Contrarreforma), corte y algunos nobles. -Centros artisticos: Sevilla (que va perdiendo fuerza) y Madrid (capital de la corte). -Talleres: sometidos al gremio. Artistas son simples artesanos hasta finales del siglo XVI cuando la pintura se eleva como arte liberal. Alli los artistas ya no pagan impuestos por sus obras y la pintura se considera una creacion. -Es una pintura REALISTA. Esta eleccion se relaciona intimamente con el espiritu proselitista de la Contrarreforma. -Técnica: dleo sobre lienzo en cuadros de gran formato.-Dos tendencias: en primeras décadas domina el naturalismo tenebrista (influencia italiana) con composiciones sencillas y con cierta tendencia al estatismo, -Al avanzar el siglo la influencia flamenca de Rubens y la difusion de una orientacién colorista y triunfal de la Iglesia romana provoca un cambio pasando a un barroco mas dindmico, teatral y con un colorido mas luminoso. - lconografia: preferentemente religiosa y vinculada a la Contrarreforma (apegada a textos sagrados). - Iconologia: Esta pintura religiosa y realista es también simbolica. Obras cargadas de simbolos (pueblo acostumbrado a los juegos de palabras, al teatro). Julian Gallego ha estudiado estos simbolos en la pintura de Velazquez: - mesa: destaca la majestad y significa la justicia. - sill6n: rango de la persona ~ cortina: subraya la realeza. - caballos: son tronos ambulantes de los reyes. Al paso significan solemnidad y son usados por las reinas, en corveta significan poder y son para principes y reyes. - espejo: explica el conacimiento, la verdad. - manzana: pecado. - rosa: amor. - violeta: modestia. ~ azucena: pureza ~ calavera: significa la muerte. Tipico en temas de Vanitas que explican cémo nos igualamos todos ante la muerte.DIEGO VELAZQUEZ -Nace en Sevilla en 1599 y muere en Madrid en 1660. -Llega ala corte gracias a la proteccion del conde-duque de Olivares. Se establece alli en 1623. -Velazquez se convierte en pintor del rey en su primer afio en Madrid, siendo el rey su principal cliente y amigo. Como premio a su fidelidad el rey le concede la Orden de Santiago que significa su ennoblecimiento. -El Ultimo acontecimiento en el que participa es la entrevista entre Felipe IV y Luis XIV que se realiza en 1660 para entregar a la infanta Maria Teresa como esposa. Cuando regresa a Madrid esta agotado por el viaje, muriendo el 6 de agosto de ese afio. -Primeras obras realizadas en Sevilla: linea tenebrista. -Rubens llega a Madrid en 1928 y Velazquez viaja a Italia en 1629. Esto influye en la evolucion de su pintura estudiando el desnudo y diferentes posturas. En 1649 hace su segundo viaje a Italia y regresa a Madrid en 1651 por las presiones del rey que no queria que nadie lo retratara en su ausencia. Una de sus ultimas obras es Las Meninas (1656).-Cambios estéticos en su pintura: comienzos tenebristas. Luego libera la pintura del dibujo marcado, del volumen, de los valores escultdricos y la convierte en arte visual donde lo importante es la luz y el color. Sus composiciones son equilibradas. En ellas los personajes presentan gestos y actitudes naturales, como si hubieran sido captados en una instantanea, pero que es fruto de una elaboracién cuidada y de un continuo estudio y retoques. -Velazquez capta el espacio y las armonias de luz y color hasta conseguir la profundidad sin apoyos lineales 0 geométricos, por medio de la perspectiva aérea (que tiene en cuenta las capas de aire que existen entre el espectador y los objetos). -De cada objeto o persona obtiene la impresién caracteristica. Camén Azar: “Sabemos que Veldzquez afrontaba directamente sus obras sin la previa preparacién dibujistica... Este es el secreto del impresionismo velazquefio: hacer que el color no disimule el dibujo, sino que lo haga brotar precisando a golpes de luz los mds delicados relieves.”BARROCO ESPANOL Diego Velazquez, Las Meninas, 1656. Museo del Prado (Madrid) Oleo sobre lienzo, 318 x 276 cm.-Plantea la conciencia moderna del hombre por primera vez, desde lo filos6fico y reflexivo. - Mundo de la realidad (fuera del cuadro) y el de la ilusién (dentro del cuadro). Qué vemos cuando vemos un cuadro? Realidad o ilusién? Depende de nuestro punto de vista. -Fernando Gallego explica que el arte es ilusién, y que este pintor ha logrado romper la linea que separa ficcién y realidad. -Forma parte de los cuadros “acertijo”, cuya accién dramatica sdlo se puede completar a través de la visién del espectador. -Es uno de los Ultimos cuadros de Velazquez: lo termin6 de pintar en 1656 y muere en 1660. -Pertenecié a la coleccién del rey Felipe IV, en el Alcdzar de Madrid. Estaba colgada en el despacho del rey, en el pasaje a su dormitorio, Es una obra reservada para la intimidad. -No sabemos qué motivé el nacimiento de este cuadro, no existe documento de encargo. Tal vez pudo haber sido una sugerencia del propio autor. -Gran intimidad entre el rey Felipe IV y el pintor. ‘A qué genero pertenece esta obra? -1) cuadro de aparato politico (estan los personajes reales). Pero, y el pintor, el perro, enanos, bufones? Es una escena intima, interviene la realeza pero no esta toda la simbologia del tipico cuadro de aparato politico.-2) retrato colectivo. Pero, qué hace Velazquez, los personajes de atras? No hay espacios para un retrato de la hija del rey o para un cuadro colectivo. -3) Género de escena de conversacién: es un género que practicamente no existe en la historia del arte espafiol. Es muy utilizado por los flamencos, acostumbrados a representar escenas domésticas. Incluyen muchos personajes que estan en accion dramatica: comunicacién 0 conversacion. Es una obra inusual del arte espafiol. -Este cuadro pertenece al ultimo perfodo del pintor, luego de su Ultimo viaje a Italia. Tenia 57 afios. Si bien pidié volver, no se lo permiten. Vuelve a pintar en la corte del rey. - El contexto espafiol en ese momento era complejo: es el momento de decadencia del Imperio Espajiol. Felipe IV se habia casado con su sobrina Dofia Mariana de Austria, 30 afios menor. La hija de ambos, la Infanta Margarita, es la que aparece en el cuadro. - Nombre “Las Meninas”: Las meninas eran nifias nobles que acompajfian a la infanta y forman parte del cortejo de su casa. En 1666 en el inventario del Alcazar se inscribe como “Retrato de la Emperatriz con sus damas y enana”. Hasta entrado el siglo XIX no se le llamaba asi al cuadro. Aparece como “Las Meninas” en el primer catalogo del Museo del Prado. Existia desconcierto acerca de qué era lo que representaba el cuadro para nombrarlo.-Personajes: -Velazquez -Infanta Margarita: va a ser emperatriz de Austria. En este cuadro cuenta con 6 afios de edad. Para su padre tuvo mucha importancia. Cuando nacié fue prometida en matrimonio al emperador Leopoldo en Viena para mantener unido al Imperio de los Austria. A los 15 afios fue para Viena y muere a los 22. No tuvo hijos. Fue el personaje que mas pinté Velazquez, para mantener informada a Viena de que estaba creciendo hermosa y lozana. -Rey y reina en el espejo -Meninas: Marfa Agustina Sarmiento (izquierda) alcanzando el jarro con agua. Era hija del conde de Salvatierra. Isabel de Velazco a la derecha. -Martin: formaba parte del séquito de la casa del rey y no de la infanta. -Enano-buf6n Nicolasillo: se lo muestra pateando al perro. A los bufones en los presupuestos se los cataloga como “hombre de placer”. Su funcién dentro de la corte era catartica, para dar equilibrio. Era a los Unicos a los que se les permitia decir la verdad. Su deformidad los hacia diferentes al resto. -Enana: Mari Barbola, de origen aleman. Nos mira. -José Neto Velasquez: aposentador de la reina, en la puerta. -Guardadamas: Dofia Marcela de Ulloa Ausencias: Por qué no est4 Maria Teresa de Austria? También es hija de Felipe IV con Isabel de Borbén. Se sabe que estaba en la corte, tenia 17 afios y gozaba de buena salud. A ella la casan con Luis XIV. Se dice que era opinadora, en cuestiones que las mujeres no podian participar. Los historiadores afirman que Margarita era de caracter mas apacible. Si bien se han realizado rayos X para ver si habia sido borrada, no se ha encontrado nada.Escenario: -Esto es un momento. -La habitacién denota austeridad, solo se ven cuadros. Era el cuarto bajo del Alcazar y habia sido asignado al principe Baltasar Carlos que murid. Se asigna el cuarto como taller del pintor de la corte. Estamos en el taller de Velazquez, por eso la austeridad. -COMPOSICION: -Si bien vive en un mundo barroco, Velazquez es un gran pintor clasico. -La obra sigue las 3 reglas basica que establecié Ledn Battista Alberti : -Un cuadro de muchos personajes, no debe superar a los 10. En el cuadro hay 9 y dos en un espejo. -La perspectiva: ubicacién espacial que le corresponde a cada uno de los sujetos dentro del espacio, proporcionado entre todos. -“El principio econdémico de la composicién” o “ley del vacio”: adecuada ubicacién de los personajes en relacion al espacio vacio. Casi todos los personajes estan de la mitad del cuadro para abajo. El 50% del lienzo no es nada. Esa es la clave: la forma en que consiguié distribuir ese espacio vacio. -Velazquez sigue las reglas clasicas pero las renueva, aplicdndolas a su tiempo.LALUZ -Es el resultado de toda la experiencia acumulada de su estadia en Roma -Muchas cartas del pintor hacen referencia a la pasion de Velézquez por Caravaggio (espacio donde irrumpen las luces y se generan espacios de penumbra y oscuridad total: “Tenebrismo”). -Toma la solucién optica de Caravaggio para resolver la luz de las Meninas: diagonal de luz. Espacio de luz al frente y penumbra al fondo. -Diferencia con Caravaggio: -Caravaggio focaliza los rostros del grupo, todos en gestos y acciones diferentes, casi frontalmente. -Veldzquez: coloca al grupo en total luminosidad, pareciera que tuviera una horizontal de luz (de frontalidad). Leva la luz hacia el fondo, en diagonal, creando una profundidad de planos. Convierte la diagonal en una diagonal de luz en profundidad. -Hay 3 focos de luz independiente en la obra: -Lera: gran bafio diagonal de la ventana superior derecha, que convierte a las meninas en el eje de accién dramatica al iluminarlas. Se expande a los personajes que rodean ese eje. -2nda: diagonal en profundidad: la segunda ventana que lanza el reflejo perpendicular al otro. -3era: la diagonal que genera la apertura de la puerta de atrés. Abre la tela al infinito. Entra luz desde atras y proyecta luz hacia planos de adelante. Por qué plantea esa composicién tan compleja? La caja escénica teatral. En todos los teatros para que los planos estén iluminados (para que el espectador pueda ver al personaje y tener una sensacidn tridimensional) la luz va de derecha a izquierda, de izquierda a derecha y de arriba abajo.Realidad o Virtualidad? El gran elemento: el espejo. La clave de esta realidad o virtualidad que plantea desde el punto de vista filosdfico la obra. Reyes reflejados: qué significan? -Que estan parados adelante y mirando a la infanta -Que es el reflejo lo que el pintor esta pintando... Qué pinta Veldzquez? A los reyes oa las meninas? O llegaron los reyes y el pintor los mira, porque llega el perro y entra el aposentador. O sale? No sabemos si los reyes estn 0 no estan. Capaz que estén , pero no posando. Uega el rey, perro , la menina le alcanza a la infanta un cuenco con agua en un pequefio receso? Con todas estas interrogantes Veldzquez nos plantea la esencia virtual, de ilusion que tienen las obras de arte. Las Meninas rompen la separaci6n entre realidad e ilusién. Pero dentro de la ilusién el pintor crea otra ilusion en el espejo. No somos nosotros lo que estamos al otro lado del cuadro? Esta es la modernidad del planteamiento de Veld4zquez. Se plantea una dialéctica especulativa: todos podemos darle una interpretacién y asi cambia la realidad.Acciones dramaticas: eje de la infanta y su corte y el pintor. Es uno de los cuadros mas vanidosos. El Unico co-protagonista de Margarita es el pintor, quien esta mirandonos. Asi el eje dramatico pasa hacia afuera del cuadro. Lo que ocurre tenemos que descubrirlo nosotros. Velazquez resume en Las Meninas los afios de experiencia genial de toda su vida como pintor y nos plantea la esencia de la pintura: lo real tridimensional y lo no real bidimensional. Velazquez tiene una cruz en el pecho. Es el simbolo de la Cruz de Santiago, de la cofradia més importante noble. Por 12 afios intenté obtenerlo para ser ennoblecido. Lo obtuvo en 1659, cuando ya habia terminado de pintar la obra. Se cree que se agregé después, segtin la leyenda por un emocionado rey. En 1984 se realizd una limpieza en su restauracion. Se afirmo que la cruz fue pintada por Velazquez pero luego de finalizar el cuadro. Paleta de Velazquez es austera, de pocos colores y con pintura barata. Se encuentra llena de grumos, lo hizo adrede para levantar su paleta austera.NEOCLASICISMO CONTEXTO HISTORICO Y SOCIOLOGIA - Eje de los acontecimientos: Francia. Paris: capital politica y cultural. -El siglo XVIII; Ilustracién. Fundamento ideoldgico de los movimientos revolucionarios que recorren Europa y América a fines de siglo y el siguiente. Se cuestionan los valores tradicionales (poderes de la Monarquia y la Iglesia). -2da mitad de siglo XVIII: independencia de EEUU, Revolucién Francesa, Imperio napolednico, guerra de independencia espafiola. -Napoleén: defiende los valores del antiguo Imperio Romano. Hace un Arte del Imperio. Foco artistico: deja de ser Roma para ser Londres y sobre todo Paris. Washington DC: neoclasicismo como simbolo de la independencia. -En el Siglo de la Ilustracién se encuentran las raices de lo que se conoce como. Arte Moderno. Produccion historiografica de Winkelman (Historia del Arte y de la Antigiiedad). Se dan a conocer hallazgos de Pompeya y Herculano: despiertan admiracién por las ruinas clasicas. Grecia se convierte en el ideal moral y politico. -Por influencia de ilustrados se cambia la percepcién del arte y se genera una nueva actitud del artista con respecto a lo que se entiende como estilo. Arte busca una referencia estética: buen gusto y razon. -“Estilo”: significa ahora una concepcidn del arte, una técnica en el sentido mas elevado de la palabra. Se cuestionan el renacimiento, barroco y rococé ya que estuvo al servicio del Antiguo Régimen (Iglesia, Monarquia y aristocracia).-Se sienten como “ciudadanos libres de una nueva Atenas”. Entonces el arte debe estar al servicio de las ideas civicas como en la antigua Grecia. -En el estilo neoclasico se buscard un arte clasico y racional que encarne esta nueva concepcion y funcidn. -Se vuelve a la Antigiiedad para reinterpretarla, adaptarla al gusto y a las nuevas funciones de la época. Dos espacios que influyen sobre las corrientes artisticas: -Academias: papel importante en el siglo XVIII. Profesores académicos (no maestros) dictan y orientan sobre qué artistas del pasado hay que estudiar y cuales son los caminos artisticos a seguir. Estaban bajo patronazgo real. Controlaban las titulaciones de los artistas, los acabados de las obras e imponian el “buen gusto” (los valores estéticos oficiales). Todas las artes se encuentran sometidas a su control, a la norma establecida. Asi, se orienta el gusto de los clientes. Consiguen aumentar el prestigio social de los artistas, pero coartan su libertad creativa. -Salones: donde hombres y mujeres ilustrados e influyentes debaten y sancionan con sus opiniones los caminos a seguir en el arte. Ejemplos: Salén de Mme. de Sevigné, marquesa de Chatelet.“No soy un capuchino; confieso, empero, que sacrificaria con gusto el placer de ver hermosas desnudeces si pudiera precipitar el momento en que la pintura y la escultura, mas decentes y mas morales, pensaran en contribuir, con las demas bellas artes, a inspirar la virtud y a depurar las costumbres. Me parece que he visto bastantes tetas y nalgas; estos objetos atractivos contratarian la emocion del alma por la confusién que producen los sentidos.” “El objetivo del arte — en cierto sentido, el mismo que atribuia Aristoteles al teatro- provocar en los espectadores una catarsis, una vivencia intensa que ejerce un efecto liberados en el que la sufre. La pintura debe producir emociones que purifiquen la conciencia y conduzcan al individuo a buscar el bien y, por tanto, tiene un fin moral.” Denis DIDEROT, Pensamientos sobre pintura, 1777.JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) -Fue quien llevo la pintura neoclasica a su maximo esplendor. -Estudié en la école des Beaux-Arts de Paris. Gano el Prix de Roma en 1774 donde permaneci6 desde ese afio hasta 1781. Profundamente influido por el mundo antiguo y por sus interpretaciones modernas. -Hartt comenta que cuando tom6 contacto con el arte clasico en su propia tierra dijo que se sentia como si hubiera sido operado de cataratas. “Esta afirmacién no s6lo expresaba vivamente la claridad exigida por la visidn neoclasica, en contraste con la claridad y suavidad del rococo, sino que también aludia a aquel estilo voluptuoso como si se tratara de una enfermedad que requiriera una extirpacién quirurgica.” F. Hartt, Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Ed. Akal, Madrid, 1989, p. 920. -David estuvo un aiio pintando ojos, pies, orejas y manos de las mas bonitas estatuas. Para 1781 consolid6 el estilo. -En 1783, a los 35 afios, fue elegido como miembro de la Academia, a la que pronto comenzé a detestar. -Participa en la Revolucion Francesa formando parte de los Estados Generales, votando la decapitacién de Louis XIV (al que habia hecho retratos), amigo de Robespierre. En 1793 tuvo la satisfaccién de ver a la Academia disuelta y reemplazada por una sociedad de artistas revolucionarios. Se convirtid en el pintor oficial de la Revolucion. Estilo austero.-Fue encargado de disefiar trajes y decorados para exposiciones propagandisticas como el Festival al Ser Supremo, en el que Robespierre oficid constituyéndose como sumo sacerdote. “Estos hombres consideraron que vivian en unos tiempos heroicos y que los acontecimientos de aquellos afios eran tan dignos de la atencion del pintor como los episodios de Ia historia griega y romana” E. Gombrich, Historia de! Arte, Op. Cit. P. 485. -Un giro en la Revolucion lleva un afio después a Robespierre a la guillotina, terminando David unos meses en prisién. Una vez en libertad, apoya a Napoleon Bonaparte, creyendo que la Revolucion sdlo se salvaria con el orden que sdlo Bonaparte seria capaz de imponer. -Hauser explica la concepcién de la Revolucién sobre el arte: “ se convierte en una confesién de fe politica y entonces por vez primera se encarece de manera bien expresiva que el arte no debe ser un ‘mero adorno de /a estructura social’, sino una parte imporantes de sus fundamentos. Debe ser no un pasatiempo ni un estimulante para los nervios, ni un privilegio de ricos y ociosos, sino que debe instruir y perfeccionar, espolear a la accion y dar el ejemplo. Debe ser puro, verdadero, inspirado e inspirador, debe contribuir a Ia felicidad del publico en general y convertirse en posesion de toda Ia nacion”. A. Hauser, Historia social de la literatura y el arte, Ed. Guadarrama, Madrid, p. 327. -“Con la restauracion de la monarquia el ya maduro pintor, que una vez cambi6 su chaqueta republicana por Napoleon, no pudo cambiarla otra vez y pasé el resto de sus afios en el exilio en Bruselas” F. Hartt, Op. Cit., p. 922.Jacques Louis David, E/ Juramento de los Horacios, 1784. Museo del Prado (Madrid) Gleo sobre lienzo, 327 x 427 cm.Los temas se extraian de la antigiiedad, con historias edificantes que renovaran la corrupta sociedad del Antiguo Régimen. Debemos tener presente que la Revolucion Francesa tendria lugar tan sélo cinco afios después. -David retoma la polémica de Diderot contra el hedonismo y por una finalidad moral y social del arte, pero restringe y precisa el ambito de la moral, que no es ya obediencia a la naturaleza oa la tradicidn de la costumbre, sino que debe ser virtud civil, conciencia del deber del ciudadano con respecto al estado. Guilio Carlo Argan, Los tedricos del Neoclasicismo, Ed. Akal, Espafia, 1987, p.77. -“Fue designado el cuadro mas bello del siglo, y la hazafia de David fue considerada como realmente revolucionaria. La obra parecié a los contempordneos el hecho mas nuevo y audaz que podian imaginarse y de la realizacién mas completa del ideal clasicista”. Hauser, Op. Cit., p. 325. - Poussin, artista del siglo XVII, era tenido por la generacién neoclasica como el gran modelo de lo que debia ser la pintura: basada en el dibujo, en la perfeccién de la linea, con luz homogénea y blanca, con composiciones equilibradas sobre estructuras geométricas... Estas técnicas son las que traduce a un lenguaje moderno el propio David. - David en el Juramento pone de relieve la doble estructura: unidad de lugar, tiempo e historia por un lado, por otro, reparto en tres actos de la narracién. Estos tres actos 0 momentos estan marcados fisicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo.Historia: antigua Roma esta en lucha con la ciudad de Alba, en el siglo Vil a.C. La guerra sera resuelta mediante el combate singular de tres campeones romanos y tres campeones albanos. Los designados son los tres hermanos de la familia de Horacio, por la parte romana, y los tres hermanos de los Curiati, por parte de Alba. Sin embargo, el caso est4 complicado por el hecho de que estas dos familias estan ligadas por sendos matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. -As{ pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaracién de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevardn ala lucha, y la desesperacién de las mujeres, que se apartan del ritmo histérico para llorar en su privacidad. -La pintura neocldsica tiene por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio ptiblico, el de la guerra 0 el trabajo. El espacio femenino seré siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas. -Dos temas: 1) los ciudadanos guerreros (hijos de Horacio) juran dar su vida por Roma. Tema Heroico. 2) las mujeres y los ninos, Tema Patetic -Los franceses tomaron este momento como ejemplo de patriotismo republicano, el juramento de los tres hermanos sobre las espadas sostenidas en el aire por su anciano padre parece que fue una invenci{on de David. -El anciano, el pater familias, ciudadano. Ha decidido hacer prevalecer por encima del amor a la familia y el deber hacia la patria. Es la Unica figura aislada. Su condicién de padre ciudadano es Unica. El debe resolver la antitesis entre el sentimiento y deber. Lo hace volviendo la espalda a las mujeres y tendiendo la espada a sus hijos. -En los guerreros se expresa la voluntad heroica.ROMANTICISMO CONTEXTO HISTORICO Y SOCIOLOGIA -No tiene limites cronoldgicos ni espaciales precisos ya que mas que un estilo es una actitud. Desde mediados del siglo XVIII (auge del neoclasicismo) aparece un estilo prerromantico que exalta las ruinas y presenta una vision idilica y subjetiva de los mismos. . -El Romanticismo, tras Waterloo y el congreso de Viena surge impulsado 0 impulsando los nacionalismos y la independencia de los pueblos sometidos. -Auge del Romanticismo: primera mitad del siglo XIX. -Delacroix mantuvo la tradicion de la historia y se comprometio con su tiempo. -Los romanticos entendieron que en el lienzo se puede manifestar la voluntad creadora,. Si el siglo XIX representa una lucha a favor de las libertades, la pintura nos ofrece un relato duradero de las luchas. -Los tedricos se preguntaban: es el fin de la bella pintura? La Revolucion de 1830, cuyo manifiesto es La libertad guiando al pueblo, significa la trasposicién directa y viva de la vida al lienzo. Espiritu de rebeldia (participan en revoluciones). -A lo largo del siglo XIX se quiebran los principios tradicionales del artista, cliente y espectador. Se revisan 0 abandonan viejas formulas. -Renacimiento: artista es considerado genio. -Barroco: artista aumenta su encumbramiento social (fama, titulos) sirviendo a Iglesia y a la corte. “Siglo XIX: romanticos comienzan a dejar de estar al servicio de un gobierno y pone su obra ala defensa de una idea.-Temas: romanticos dotaron de vida a los grandes temas, tomaron la historia en sus aspectos épicos y dramaticos. Temas de historia medieval con dramatismo. -El movimiento romantico supone una ruptura con el orden anterior y con una jerarquia de valores culturales y sociales en nombre de una libertad auténtica, y constituye la esencia de la modernidad. La pintura vuelve la mirada a los paisajes, a los objetos comunes, a las escenas de la vida cotidiana. Las caracteristicas mas importantes del romanticismo son; -El movimiento que se opone al aspecto de serenidad clasica. iva frente a la frialdad del Neoclasicismo. -La exaltacion de la libertad frente a las reglas de la academia. -La variedad, mds que unidad de composicién. -La imaginaci6n y el sentimiento, frente a la razon. Técnicas: -Adelanto de la quimica repercute en la pintura. -Lienzo sigue siendo el principal soporte del dleo. - Cambio del sistema de los neoclasicos empleando el color como recurso emotivo, con el color consiguen las formas. Las lineas de contorno se desvanecen en ricas y expresivas pinceladas, originando los valores cromaticos o pictéricos.PINTURA NEOCLASICA Pretende expresar valores universales y eternos. Se identifica con la razon. Temas mitoldgicos, de historia antigua y retratos heroizados. Importancia del dibujo. Colores suaves, con débiles contrastes. Las figuras se modelan con el claroscuro tradicional para resaltar el volumen. Equilibrio compositivo, orden, armonia, movimiento contenido. Inspiracion en el lenguaje figurativo clasico o renacentista. Tighe como objetivo basico poner de manifiesto la propia sensibilidad del artista. Se identifica con los sentimientos y la pasién. La naturaleza no es solo vista sino sentida. Temas de historia medieval, de la historia del momento con preferencia por la exaltaci6n de las libertades, las revoluciones, los desastres, temas orientales cargados de exotismo, paisajes subjetivos, retratos, etc Importancia del color, de la mancha. Colores fuertes, oscuros. Modelado por luz y color. Contrastes entre luces y sombras. Teatralidad. Desequilibrio, desenfreno pasional, movimiento exaltado, imaginacion, confusion, etc. Inspiracién en el lenguaje barroco. Composiciones dinamicas, lineas clirvac gectnc dramaAticncEUGENE DELACROIX (1799-1863) - Fue considerado por sus contempordneos como el prototipo del artista romantico por sus temas y sus modos de expresion. - Raramente partié de la realidad circundante y, cuando lo hizo, como en La Libertad guiando al pueblo, fue para crear una alegoria. - La imaginacién y el exotismo son sus constantes. Sus contempordneos percibieron sobre todo su ruptura técnica y estilistica con respecto a las normas académicas. - Aporté a la pintura francesa un nuevo tratamiento del color y un elemento de libertad y pasién expresivas que, a la larga, se revelarian fundamentales.os Eugéne Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1830 Museo del Louvre Oleo sobre lienzo, 4,22 x 3,52 m.Tema: relata un acontecimiento contemporaneo El 28 de julio de 1830 los revolucionarios liberales franceses derrocaban al rey Carlos X y provocaban la coronacién de Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués (monarca constitucional). Este episodio serd el protagonista del cuadro mas famoso de Delacroix, la Libertad guiando al pueblo, obra con cierta dosis de alegoria que recoge un hecho contemporaneo. Segun Argan tiene un significado politico ambiguo: la mujer que ondea la bandera tricolor sobre las barricadas es al mismo tiempo Libertad y Francia. Y, quién combate por la libertad? Gente de pueblo e intelectuales burgueses. ANALISIS FORMAL - En la composicién el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esa inestabilidad nace y se desarrolla “in crescendo” el movimiento de la composicion. - Las figuras forman una masa ascendente que culmina en la figura de la Libertad agitando la bandera. - Enel primer plano: muertos. - Las figuras se mueven avanzando en direccion al espectador. - Se perfilan a contraluz sobre el fondo encendido y humeante. - Destacan mas las figuras en primer plano con respecto al confusionismo de figuras que hay detras. - Utiliza pinceladas sueltas y destaca la luz y el color con preferencia por los tonos calidos.