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Mc39asica Vocal e Instrumental Barroca
Mc39asica Vocal e Instrumental Barroca
Es uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música por el enorme espíritu
de creación que hay en él. Surgen músicos de primerísima línea entre los que destacan:
Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti,
Georg Philipp Telemann, Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean
Philippe Rameau y Henry Purcell.
El hombre del barroco vive una época de crisis, tanto económica (recesión económica
importante, malas cosechas, mala producción…) como espiritual. En plena lucha entre la
Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada como medio de
propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto
a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales.
Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética
expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de
recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes
sonoros...
• El estilo francés. Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación
y Lully como referente. Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza:
piezas breves (unidas en la suite), de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y
simétricas, con armonías muy restringidas (aunque usadas con sutil imaginación) y una
compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas.
• El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las
ciudades italianas (Venecia, Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la
música italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos, incluidos los
franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el
continente. El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad
fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de
la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de
frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.
El resto de naciones imitaba uno u otro de estos estilos: así, en Alemania, los compositores
se adaptaban alternativamente a uno u otro, aplicando al tiempo la fuerte tradición
polifónica local: por ejemplo Telemann escribió cientos de oberturas y conciertos, mientras
Bach ejemplificó sus versiones de uno y otro estilo en su primera publicación, que incluía
el Concierto italiano (BWV 971) y la Obertura a la francesa (BWV 831).
Etapas y evolución
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico
renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las
novedades principales:
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país
que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:
La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó
incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos,
como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel
como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.
Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la
generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, G.F. Händel en
Inglaterra, J.S. Bach y G.P. Telemann en Alemania, J.P. Rameau en Francia y Domenico
Scarlatti, español de adopción.
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el
desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental
(Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de pre clasicismo. Carl Philipp
Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre de la
sonata clásica.
La música vocal
La ópera
El oratorio
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una
temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales
"versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios
solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de Händel.
Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la
Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión
de Jesucristo, con arias y corales insertados. La Pasión según san Mateo de Bach es su más
ilustre ejemplo.
La cantata
El motete
Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de
teclado) de carácter improvisatorio; como tales, suelen ser rapsódicas, cargadas de
ornamentación, de forma y compás poco definidos y de textura variable. Esas piezas
improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 o 5 voces): forma derivada del
antiguo ricercare, en ella una breve melodía llamada sujeto es presentada inicialmente en
cada una de las voces y desarrollada después en contrapunto imitativo.
La sonata
Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo,
la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para
uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual
bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o
las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa,
laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco.
Derivada de la canzona del Barroco temprano, la sonata solía dividirse en tres o cuatro
movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo-Allegro-
Adagio-Allegro.
El concierto
Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en
el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de
suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro
pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos.
Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto
grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos
violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi.
Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron difundidos
por toda Europa gracias a las publicaciones de Arcangelo Corelli; consistentes inicialmente
en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era repetido por el tutti tras ser tocado por
elconcertino, las partes solistas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta
diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto
solista virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto), fijado por
Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar aún vigente como forma musical.
Importantes centros del género instrumental concertante fueron Módena, Bolonia y
Venecia.
La suite
Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en
francés, suite). Su secuencia mínima clásica incluía:
A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas
libremente, como por ejemplo:
• Minué: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués
emparejados.
• Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B,
C, D, etc.).
Bibliografía
- A.A.V.V.: Wikipedia.