Practical Screenwriting 
 
Copyright © 2020 Practical Screenwriting LLC 
 
All Rights Reserved. 
 
ISBN 978-1-64826-150-3 
 
All rights reserved. No part of this book may be 
reproduced or transmitted in any form or by any means, 
electronic, or mechanical, including photocopying or 
recording, or by an information storage and retrieval 
system, without permission in writing by the author. 
All translations of this work must be approved in 
writing by the author. Please contact Practical 
Screenwriting LLC for permission to translate and 
distribution agreements.  
 
First Edition 
 
 
 
 
 
 
2 
TABLE OF CONTENTS 
 
Introduction 
Section One: Reframing Your View of Writing 
 
Chapter One: What’s the Point of Writing? 
Chapter Two: The Biggest Mistakes Screenwriters Make 
Chapter Three: The Importance of Finishing 
 
Section Two: A Better Way to Look at Story 
 
Chapter Four: A Better Way to Look at Story 
Chapter Five: The Amateur Fear of Rules and Principles 
 
Section Three: Developing Your New Writing 
Process 
 
Chapter Six: Reframing Your View of the Writing 
Process 
 
Section Four: Common Script Mistakes 
 
Chapter Seven: Common Script Mistakes 
 
Review 

3 
 
Introduction 
 
Hello,  my  name  is  Tyler  Mowery.  If  you’re  reading this 
it’s  probably  because  you’ve  seen my videos on Youtube 
talking  about  storytelling  and  screenwriting.  Maybe 
you’ve  read  books  on  screenwriting  before.  Maybe 
you’ve  sat  in  a  film  school  classroom  or  gone  through  a 
story workshop or a screenwriting course. 
 
And  I  want  to  take  the  time  right  now  to  tell  you  that 
this  book  will  be  different  from  other  screenwriting 
books  you’ve  read  in  the  past.  You  aren’t  going  to  find 
me  simply  repeating information you’ve heard again and 
again. 
 
This  book  is  NOT  a  guide  to  the  fundamentals  of 
storytelling.  I  will  NOT  be  covering  the  basics  of 
structure,  characters,  conflict,  etc.  If  you’re  looking  for 
resources  on  that,  I  recommend  heading  over  to  my 
Youtube channel: Y ​ outube.com/TylerMowery​. 
 
This  book  is  about  the  EXTREMELY  important 
elements  of  writing  that  no  one  bothered  to  tell  me 
when  I  was  starting.  Ideas  that,  if  I’d  known,  would’ve 

4 
dramatically  improved  my  writing,  my  daily  writing 
process, and my mindset. 
 
This  book  is  more  than  just  some motivational content. 
And  it’s  more  than  just  a  few  interesting  story  tactics. 
This  book  is  my  philosophy  on  writing  and  the  writing 
process.  
 
We  all  know  that  great  writing  is  more  than  just 
knowing  story  theory.  But  what  is  it that actually makes 
a great writer? Can we actually find the answer? 
 
I believe we can. 
 
I  want  this  book  to  arm  you  with  a  new  outlook  on 
writing.  By  the  time  you  finish,  I want you to see stories 
in  a  new  way.  I  want  you  to  see  the  writing  process in a 
new  way.  And  I  want  you  to  see  yourself  and  your 
purpose as a writer in a new way. 
 
Let’s begin. 
 
 
 
 

5 
  
 
 
SECTION ONE: 
Reframing Your View of 
Writing   

6 
 
 
CHAPTER ONE 
What’s the Point of 
Writing? 
 
It’s  a  big  question,  but  it’s  likely  one  that  you  haven’t 
really  answered  yet.  You  write  because  you  like  telling 
stories.  You  like  building  worlds  and  dropping 
characters  inside  them.  You  like  when  you  get  to  share 
your world with others. These are all good things! 
 
When  I  was  about  ten  years  old  I  was  reading  three  to 
four  books  a  week.  Many  of  them  were  these  dense 
600-page  teen  fiction  novels.  I  would  walk  around  the 
fiction  section  of  my  local  library  and  would  pick  out  a 
book  with  a  cool  cover  and  interesting  title.  Then  I 
would take it home and finish it within a few days. 
 
My  parents  were  (thankfully)  very  restrictive  on  how 
much  time  I  could  spend  watching  tv  or  playing  video 
games.  And  there  was  also  one  year  where  my  family 
moved  into  a  smaller  home  in  a  much  older 

7 
neighborhood. Suddenly there were no more kids to play 
with. So I read and read and read. 
 
Stories  completely  captivated  me.  I  was  being 
transported  to  different  worlds.  I  was  meeting  new 
friends  and  watching  them  struggle  through  challenges 
and succeed. 
 
Then  I  started  writing  my  own  stories.  I  would  fill  up 
my  notebook  with  these  fantasy  stories  of  dwarves  and 
elves  going  on  action  packed  adventures,  of  space 
soldiers  fighting  sci-fi  wars,  and  of  kids  figuring  out 
town mysteries. 
 
They  were  all  terrible,  but  I  loved  them.  I  loved 
imagining  my  own  world  where  I  had  control and all of 
the  rules  were  set  by  me.  I  didn’t  write  these  stories 
because  of  some  deep  philosophical  reason.  I  didn’t 
write  them  because  I  was  on  some  sort  of  quest  for 
meaning. I wrote them simply because I loved stories. 
 
And  this  is  a  great  place  to  start.  When  I  was  young  it 
wasn’t  about  being  a  good  writer,  it  was  about 
cultivating that initial love of writing. 
 
But  now as someone who is serious about writing, I have 
more  to  think  about.  When a certain book sucked me in 
8 
for  days,  there were unseen mechanisms working behind 
the scenes that were pulling me in for hours and hours. 
 
“When I was young it wasn’t about 
being a good writer, it was about 
cultivating that initial love of writing.” 
 
What  was  it?  What  was  actually  keeping  me  engaged  in 
these  stories  without  even  realizing  it?  What keeps us all 
engaged  in  any  story?  More  importantly,  why do stories 
exist  at  all?  Why  is  it  that  across  every  single  culture 
throughout  all  of  history,  we  have  told  each  other 
stories?  Why  are  stories  so  fundamentally  ingrained  in 
who we are as human beings? 
 
The  first  thought  is  that  stories  are  a  way  for  us  to 
entertain  each  other.  They  survive  through  history 
because  we  enjoy  telling  and  hearing  them.  The  second 
thought  is  that  stories  evoke  emotion.  They  create 
excitement,  fear,  sadness,  and  happiness  as  we  learn 
about characters in stories. 
 
But  both  of  these  ideas  are  too weak. While they are our 
first thoughts, they are not the true purpose of stories. 
 
When  I  was  sitting  in  my  room  ingesting  book  after 
book  at  a  young  age,  there  was  something  deeper  going 
9 
on.  Something  I  couldn’t  see  on  the  surface.  But  it  was 
the reason I wanted a new story again and again. 
 
I  was  watching  characters  struggle  and  make  decisions. 
Every  time  a  character  had  to  make  a  choice,  it  meant 
something.  The  characters  believed  in  something.  They 
believed  that  what they were doing was important. They 
believed  it  was  worth  the  sacrifices  they  had  to  make  to 
keep going. 
 
The  stories  were  showing  me  a  way to live. When Frodo 
and  Sam  took  the  ring  to  Mordor  in  ​The  Lord  of  the 
Rings​,  they  did  it  because  they  believed  what  they  were 
doing  was  important.  When  Simba  overthrew  Scar  in 
The  Lion  King​,  he  did  it  because  he  believed  he  had  a 
destiny  and  a  responsibility  to  his  people.  When  Luke 
and  the  Rebels  fought  against  the Empire in ​Star Wars​, 
they  believed  that  it  would  create a freer, safer galaxy for 
all.  Through  all  the  twists  and  turns,  the  best  stories 
aren’t simply fun or entertaining. They are meaningful. 
 
A  story  has  a  higher  purpose  than just entertainment. A 
meaningful  story  examines  a  part  of  life.  It  can  place 
different  belief  systems  in  conflict  with  one  another.  It 
shows  characters  struggling  for  something  they  believe 
in.  Stories  with  meaning  can  impact  an  audience  and 
even change the way they live and see the world. 
10 
 
While  I  don’t  agree  with  everything  that  screenwriting 
guru  Robert  McKee  says,  McKee  is  absolutely  correct 
when he says that M ​ eaning Produces Emotion​. 
 
By  focusing  on  creating  meaning  in  a  story,  emotion  is 
produced.  Emotion  is  a side-effect of meaning. Meaning 
is  the  reason  stories  exist.  Throughout  history,  stories 
have  served  to  show  others  how  to  correctly  live. 
Archetypal  stories  like  “the  knight  who  slays the dragon 
to  save  the  fair  maiden”  or  “the  hero  who  sacrifices  his 
life  to  save  his  people”  exist  to  show  us how to live. The 
knight  was  courageous  in  the  face  of  danger.  The  hero 
put the lives of others before his own. 
 
“Through all the twists and turns, the 
best stories aren’t simply fun or 
entertaining. They are meaningful.” 
 
When  we  are  young,  these  simple,  archetypal  stories  are 
new and fresh to us. We learn from them and we want to 
take  in  as  many  as  we  can.  However, when we get older, 
the  world  becomes  more  complicated.  Beliefs  that  used 
to  make  sense in our minds now seem fuzzy and unclear. 
Perfectly  simple  belief  systems  suddenly  don’t  fit 
perfectly in the adult world. 

11 
 
The  world  becomes  filled  with  complications, 
exceptions,  and  nuance.  And  suddenly  those  stories  we 
once  loved  so  much  seem  too  simple  or  cookie  cutter 
or…  ​formulaic​.  Just  as  we  grow,  our  stories  must  grow 
with  us.  Some  of  the  greatest  stories  ever  created  take  a 
look  at  the  messiness  of  the  world  and  allow us to think 
about  what  the  different  characters  believe  and  how 
those beliefs move their actions.  
 
When  complex  characters  struggle  with  what  they 
believe,  the  audience  struggles  alongside  them.  And  this 
is  where  the  emotion  of  the  story  is  found.  Meaning 
Produces  Emotion.  The  stakes  of  the  story  are  created 
not  by  whether  or  not  the  guy will get the girl or the girl 
will  get  the  promotion.  The  stakes  of  the  story  are 
created  by  what  the  guy  believes  will  happen  if  he  gets 
the  girl  or  how  the  girl  believes  this  promotion  will 
change her life. 
 
The  meaning in the story is created by characters making 
choices and taking action because of ​what they believe​. 
 
In  ​The  Dark  Knight​,  Batman  believes  Gotham  city 
needs  someone  who  will  stand  against  corruption  and 
support  the  rule  of  law  so that the people can live safely. 

12 
The  Joker  believes  the  only  way  to  live  is  to  abandon 
rules and to accept the chaos of the world.  
 
In  ​Whiplash​,  Andrew  believes  that  greatness  should  be 
pursued  and  achieved  no  matter  the  cost.  While  his 
father believes that there is value in a normal life and that 
Andrew’s pursuit of greatness will destroy him. 
 
In  ​Snowpiercer​,  Curtis  believes  the  poor  must  rise  and 
take  what  they  need  while Wilford believes the only way 
the  system  works  is  for  everyone  to  be  in  their  proper 
place. 
 
It’s  not  simply  the  wants  of  the  characters  that conflict. 
It  is  their  beliefs  about  the  world  that  conflict.  Beliefs 
create  the  actions  and  choices  of  the  characters. 
Ultimately,  character  beliefs  create  meaning.  And 
meaning produces emotion. 
 
Meaning  is  what  separates  great  stories  from  simply  a 
fun  night  at  the  theater.  Meaning  is  what  impacts  the 
lives of people. Meaning is why stories have become such 
an integral part of the human experience. 
 
But how do you create this meaning? 
 
 
13 
Philosophy 
 
Every  good  writer is a philosopher. I believe that to write 
a  great  story,  you  must  (either  consciously  or 
unconsciously)  have  a  strong  understanding  of 
philosophy and how it affects the lives of human beings. 
 
For  those  of  you  who  don’t  know  exactly  what 
philosophy  is,  philosophy  is  the  study  of  knowledge, 
reality,  and  existence.  Philosophy  seeks  to  understand 
the  world  around  us  at  the  deepest  level.  In  a  way, 
philosophy  is  the  study  of  ​meaning​,  therefore  it  is  a 
fundamental element of good storytelling. 
 
Philosophy  asks  questions  like  “Why  are  we  here?”  “Is 
there  ultimate  purpose?”  “Is  there  a  god  above  us?” 
“How  should  we  live?”  Whether  or  not  you  realize  it, 
you  have  a  personal  philosophy.  Your  personal 
philosophy  is  the  set  of  beliefs  and  experiences  that 
govern  how  you  view  yourself,  how  you  see  the  world, 
and also how you live. 
 
What  you  believe  shapes  what  you  do​.  And  what  your 
characters  believe  will  shape  what  they  do.  This  is  why 
beliefs  are  important.  I  believe  that  to  be  a  great  writer, 
you  must  be  a  philosopher.  You  must  face  the  big 

14 
questions  of  life  head  on.  It’s  not  necessary  to  find  the 
answers, but you must struggle with the questions.  
 
This  is  the  biggest  thing  that  separates  mediocre 
stories from great ones. 
 
The  audience  will  always  be  perfectly  safe,  physically, 
when  watching  your  film,  but  their  ideas  and  personal 
philosophies should never be safe. 
 
When  you  can  challenge philosophical ideas in a story, it 
engages  the  audience  because  the  story  has  real  stakes. 
You’ve  forced  the  audience  to  think  about  the different 
beliefs  your  characters  hold.  You’ve  forced  the audience 
to  think  about  themselves  and  how  they  live. Ideas have 
consequences.  Ideas  shape  what  we  do.  And  you  can 
present  your  own  philosophical  struggle  through  your 
story. 
 
“The audience will always be perfectly 
safe, physically, when watching your 
film, but their ideas and personal 
philosophies should never be safe.” 
 
The audience doesn’t even need to be aware of their own 
personal  philosophies  and  ideas  to  engage  with  your 
15 
story  in  this  way.  This  is  usually  where  the  emotional 
reaction  comes  into  play.  The  audience  is  moved 
emotionally  because  of  the  philosophical  ideas  of  the 
story.  And  because  they  are  emotionally  moved,  the 
story can change their philosophical beliefs. 
 
As  a  writer  it  is  important  to  cultivate  a  state  of  mind 
where  you  can  think  about  big  questions  and  ​change 
your  mind  often​.  The  world  is  rarely  black  and  white  so 
your  stories  shouldn’t  be  either.  As  a  storyteller,  you 
should  be  able  to  understand  why  people  do  evil  and 
cruel  things.  People  always  view  themselves  as  the  hero 
of  their  own  story  and  it’s  your  job  to  understand  why. 
A  great  writer  is  an  independent  thinker.  I’d  challenge 
you to take that idea to its limits. 
 
What’s the most controversial thought you hold? 
 
If  it’s  something  as  trivial  as  whether  or  not  pineapple 
belongs  on  pizza,  then  you  have  some  serious  work  to 
do.  Is there a single thing you believe that the majority of 
people  around you don’t? ​What gives you the right to tell 
stories if you don’t have a single thing to say? 
 
Need somewhere to get started? Here are some questions 
to  ponder.  Maybe  you  get  a  story  idea  or  two  out  of 
them. 
16 
 
What  is  right  and  wrong?  What  is  happiness?  Can  we 
even  be  happy  for  more  than  a  moment?  Is  happiness 
even  the  point  of  life?  If  suffering  makes  us  stronger, 
should  we  seek  out  suffering?  Why  shouldn’t  we  kill 
ourselves?  Is  love  real?  Does  love  last?  Is  selfishness  evil 
or natural? Does philosophy even matter? 
 
If  you  read  through  this  part  of  the  book  and  thought, 
“What  a  load  of  garbage.  You  don’t  need  any  of  this  to 
write  a  good story.” I would ask, “Why?” And then your 
answer  to  my  question  wouldn’t  actually  tell  me  why 
philosophy  isn’t  important  to  stories,  it would give me a 
piece of your philosophical view of the world. 
 
But  philosophy  is  only  the  beginning.  If  all  we  needed 
was  philosophy,  then  we  should  just  sit  around  and 
write  philosophy  essays  instead  of  stories.  But  this  isn’t 
it. So what are we missing? 
 
Psychology 
 
If  you  don’t  understand  human  psychology and human 
behavior,  you  might  as well just write philosophy books. 
The  beauty  of  a  great  story  is  that  it  attaches  these 
philosophical  ideas  to  human  experiences. We don’t live 
up  to  our  highest  versions  of ourselves. We don’t always 
17 
follow  what  we  believe  to  be  true.  We  sometimes  lie  to 
ourselves about what we really want.  
 
Humans  are  not simply their philosophical ideas. We are 
also  our  biological  impulses,  mistakes,  emotions,  and 
experiences.  Our  brains  are  these  weird  jumbles  of 
synapses  and  pathways.  Are  we  completely  biological or 
do  we  have  souls?  ​(Oops,  philosophy  is  leaking  through 
again.)  We  can have these wonderful moments of focus, 
clarity,  and  direction  and  then  right  afterwards  the only 
thing  on our minds is eating and sex. We do not view the 
world  through  the  cold, grey lense of logical philosophy. 
We  view  the  world  through  our  experiences,  our 
emotions, and our impulses. 
 
“The beauty of a great story is that it 
attaches these philosophical ideas to 
human experiences.” 
 
We  aren’t  simply  brains  in  jars  contemplating  the  big 
questions  of  life.  And  we  aren’t  simply  animals 
following  every  single  instinct.  We’re  somewhere  in 
between.  ​And  THAT  is  what  makes  storytelling  one  of 
the most powerful tools in the world. 
 

18 
I  want  you  to  seriously  take  in  this  next  sentence, 
because  it’s  something  I  absolutely  believe  to  be  true. 
The  writer  who  studies  philosophy  and  psychology 
without  ever  reading  a  single  screenwriting  book will be 
miles  ahead  of  the  writer  who  only  reads  screenwriting 
material and never studies philosophy and psychology. 
 
There  is  philosophy  and  psychology  in  every element of 
a  story.  For  example,  some  writers  struggle  with 
dialogue.  They  can’t  seem  to  get  their  characters talking 
how  they  want.  So  they  read  a  Sorkin  script  or  two and 
hope  that they will suddenly be great at writing dialogue. 
But  I  believe  if  you  never  studied  how  to write dialogue 
and  only  studied  philosophy  and  psychology,  your 
ability  to  write  dialogue  would  dramatically  improve. 
How  would  this  happen?  Dialogue  is  less  about  how 
characters  say  specific  words  in  a  specific  order  and 
much  more  about  how  characters  think,  how  they  feel, 
and what they believe. 
 
Understanding  how  characters  think,  feel,  and believe is 
all  found  in  philosophy  and  psychology.  We  find  what 
characters  want  in  what  they  believe  about  themselves 
and  the  world.  We  find  how  they  think and feel in their 
personalities and emotions. 
 

19 
So  how  do  we wrap all these ideas about philosophy and 
psychology  and  actually  put  it  all  into  the  core  of  a 
story? 
 
Philosophical Conflict 
 
A few years ago, I was struggling with a new screenplay. I 
had  finished  it,  but  it  felt  meaningless.  I  couldn’t  figure 
out  why.  It  was  well  structured.  I liked the characters. It 
had  some  fun  dialogue  and  a  few  cool scenes. But it just 
felt  so  bland.  It  wasn’t  emotionally  moving.  It  wasn’t 
profound.  But  I  couldn’t  figure  out  what  was  wrong.  I 
thought  all  of the pieces were there. I couldn’t figure out 
what  the  problems  were.  And  if  I  couldn’t  figure  out 
what  the  problems  were,  how  was  I  going  to  be  able  to 
fix it? 
 
Then  I  found  a  video  by  Michael  Arndt,  a  screenwriter 
known  for writing ​Little Miss Sunshine​, ​Toy Story 3​, and 
Star  Wars:  The  Force  Awakens​. Arndt introduced me to 
a  concept  that  changed  my  writing  and  view  on  story 
forever; the Philosophical Conflict. 
 
You’re  probably  aware  of  the  two  main  divisions  of 
conflict  in  a  story;  the  external  conflict  and  the  internal 
conflict.  The  external  conflict  is  the  different  problems 
and  challenges  the  character  faces  in  the  world  around 
20 
them,  and  the  internal  conflict  is  the  problems  and 
challenges the character faces within themselves. 
 
But  these  two  divisions  of  conflict  are  only  the  top  two 
layers.  There  is  a  third  layer  that  actually  supports  both 
the  external  and  internal  conflict.  It  is  the Philosophical 
Conflict  and  it  is  the  most  important  type of conflict in 
your story. 
 
Why  is  it  the  most  important  type  of  conflict? Well I’m 
glad  you  asked.  It’s  because  the  ​Philosophical  Conflict 
defines  the  meaning  of  the  story.  Stories  without 
philosophical  conflict  struggle  to  deeply  impact  an 
audience. 
 
The  philosophical  conflict  creates  the  external  and 
internal  conflict.  What  a  character  believes  about  the 
world  will  define  what  they  want  and  what  they  are 
willing  to  do  to  get  it.  Their  philosophical  beliefs  create 
the  external  conflict.  The  philosophical  conflict  creates 
the  internal,  emotional  struggle  between  choices  and 
beliefs  as  the  character  pursues  what  they  want.  The 
struggle  between  different  beliefs  creates  the  internal 
conflict. 
 
I  think  it’s  a  tragedy  that  this  type  of  conflict  is  rarely 
taught  in  film  schools  or  talked  about  by  professional 
21 
writers  who, either being aware or unaware, use this type 
of  conflict  every  day  in  their  writing. The fact that story 
teachers  want  to  constantly  talk  about  external  and 
internal  conflict,  but  never philosophical conflict means 
that  they  produce  weak  writers  year  after  year.  Writers 
who don’t even have the vocabulary to correctly examine 
why a story isn’t working. 
 
I’ve  seen  it  too  many  times;  A  writer  knows  their  story 
isn’t  great,  but  they  can’t  quite  figure  out  why.  The 
characters  are  there.  The  structure  is  perfect.  The 
dialogue  is  snappy.  But  the  story  still  feels  stale  and 
unremarkable. Where did they go wrong? 
 
They  can’t figure out that their story is flat because it has 
no  meaning.  The  characters  never  have  philosophical, 
ethical,  or  moral  struggles. The story doesn’t examine an 
aspect  of  life,  it  simply  runs  characters  through  a  story 
formula  and  adds  some  witty  dialogue  and  a  few  fun 
scenes. 
 
It  has  been  amazing  watching  some  of  my  students  go 
through  the  ​Systematic  Rewriting  section  of  ​The 
Practical  Screenwriting  Course  as  well  as  talk  with  me 
and  other group members in the private Facebook group 
and having a eureka moment. They’ve been lost trying to 

22 
rewrite  their  story  and  make  it  better  for  so  long  and 
they finally found the core missing piece.  
 
When  you  understand  this,  you  start  seeing  the  code  in 
the  matrix.  You  start seeing how characters in TV shows 
and  films  hold  specific  sets  of  beliefs  that  conflict  with 
themselves and the other characters. 
 
When you finally see philosophical conflict... 
 
You  will  see  how  Rick  Sanchez  in  ​Rick  and  Morty 
struggles  with  nihilism,  narcissism,  depression,  and 
alcoholism  which  makes  him  a  dysfunctional 
powerhouse of beliefs and personal struggles. 
 
You  will  see  how  the  different  jurors  in  ​12  Angry  Men 
change  their  verdict  not  on  evidence,  but  because  other 
jurors changed what they believe. 
 
You  will  see  how  Dick  Cheney  in  ​VICE  justifies  his 
actions  by  believing  that  what  he  did  was  justified 
because he kept American lives safe. 
 
You  will  see  how  Stephen  Hawking  remains  hopeful  in 
The  Theory of Everything even when faced with ALS and 
humanity’s insignificance in the universe. 
 
23 
I  cannot  emphasize  the  philosophical  conflict  enough. 
No  single  other  concept  has  changed  the  quality  of  my 
writing  as  dramatically  as this. Knowing this has allowed 
me  to  help  myself  and  help  hundreds  of others improve 
their writing.   

24 
 
 
CHAPTER TWO 
The Biggest Mistakes 
Screenwriters Make 
 
Usually  this  is  where  we  would  talk  about  mistakes  in 
character  creation,  or  maybe common problems in story 
structure.  But  those  aren’t  the  real  problems.  Script 
problems are just symptoms of much deeper problems. 
 
And  hopefully  you’ve  noticed  that we aren’t here to just 
fix  some  dialogue  or  make  a  scene  wittier.  We’re here to 
fundamentally  shift  your  perspective  on  storytelling, 
how it works, and what its purpose is. 
 
Rather  than  looking  at  what’s  on  the  writer’s  page,  I 
want  to  take  a  look  in  their  mind.  The  problems  in  a 
writer’s  mindset  and  thought  processes  will  be  the  core 
problems  that  create  mistakes  in  their  story.  Without 
addressing  these  deeper  problems,  learning  things  like 
story  structure,  character  arcs,  and  conflict  will  not  be 
helpful. 
 

25 
So  let’s  go  through  a  few  mistakes  writers  make.  I 
understand  these  mistakes  because they are mistakes I’ve 
made.  If  you  see  yourself  making some of these mistakes 
then  that’s  great!  Realizing  it  can  set  you  on  a new path 
to strengthen your writing for the long term. 
 
 
Writing Mistake #1: They are more concerned with 
self-image than with writing. 
 
You’ve  definitely  come  across  these  types  of  writers, 
whether  in person, in class, or online. These are the types 
of  people  that  always  want  to  seem  interesting  and  act 
like  they  know  the most about writing. They also deeply 
feel  that  they  are  these  geniuses  whom  no  one  else 
understands. 
 
These  are  the  types  of  people  that  would  describe 
themselves  as  a  “maladjusted  dreamer”  or  a 
“misunderstood  creator.”  Many times this type of writer 
seems  initially  attractive.  They  seem to know a lot about 
story  and  creativity,  but  once  you  pull  back  the  layers  a 
bit,  you’ll  realize  they  have  little  to  offer  because  they 
aren’t writing​. 
 
You  rarely  see  serious  artists  of  any  kind  referring  to 
themselves  in  this  way.  It’s  not  that  artists  and  writers 
26 
shouldn’t  have  strong  opinions,  feel  misunderstood,  or 
be  self-conscious.  ​All artists and writers feel this way. It’s 
that  many  people  end  up  being talkers for attention and 
not  writers  to  make  an  impact.  It’s  important  to  know 
the difference. 
 
 
 
Writing Mistake #2: They don’t tolerate bad pages. 
 
When you’re starting out as a writer, you read all of these 
great  scripts  and watch all of these movies by writers you 
love.  You  love  these  stories  and  you  want  to  write  like 
them.  In  your  mind  you  know  that  you  can’t  simply sit 
down  and  immediately  write  like  them.  But  then  you 
start writing and you write poorly. So you get angry. You 
hate  the  pages you’ve written and you hate yourself. You 
wish you could just write like the writers you look up to. 
 
But  you’re  forgetting  that  you’re  reading  the  scripts  of 
writers  who  have  written  for  years.  Men  and  women 
who  have  honed  their  craft  by  putting  hours  and  hours 
into their work until they became ruthlessly great. 
 
So  why  are  you  comparing  your  first  draft  to  the 
finished works of these writers? 
 
27 
This  is  something  I  did.  I  would  literally  go  on  walks 
around  my  college  campus  after  writing  for  a  while.  I 
hated  my  work  and  I  wanted to give up. Why couldn’t I 
just  write  well?  Why  did  I  have  all of these great ideas in 
my  head  but  the  second  I  sat  down  to  write  them, 
everything fell apart? 
 
My  problem  was  I  wasn’t  allowing  myself  to  write  ​bad 
pages.  You  have  to  let  yourself  write  poorly  so  that  you 
can  eventually  write  well.  Don’t  skip  over  this.  I  really 
want  you  to  take  this  seriously.  Allowing  yourself  to 
write  bad  pages  is  a  superpower.  ​If  you  can  write  bad 
pages,  it  makes  it  so  much  easier  to  finish  your  script 
drafts.  If  you  can  finish  your  script  drafts,  then  you’re 
able  to see your mistakes and fix them as you write more. 
Writing garbage is the first step to writing greatness. 
 
Everyone  wants  their  first  screenplay  to  be  perfect  and 
win  an  Oscar.  But  that  is  the  mindset  of  the  amateur 
daydreamer.  And  we’re  not  here  to  daydream,  we  are 
here  to  write.  Writing  is  a  long-term  task.  It’s  not 
something  you  do for three months, become amazing at, 
and  then  move  on  to  the  next  thing.  Writing  well  takes 
years. It takes focus. And it takes dedication. 
 
Some  people  are  simply  unable  to  overcome  their 
perfectionism  and  write  bad  pages.  These  people  will, 
28 
unfortunately,  never  write  anything  good.  But  you  can 
overcome  this.  You  can write bad pages. It’s simple. You 
sit  down  and  write  and  you  don’t  let  yourself  get  in the 
way.  You  stop attaching your identity to every word you 
put  down  and  you  just  start.  It’s  fine  if  you  hate  every 
word.  It’s  fine  if  what  you’re  writing never sees the light 
of  day.  That’s  not  the point in the beginning. The point 
is  to  write.  To  get  used  to  the  habit.  To  build 
consistency.  Let’s  worry  about  the  right  things  in  the 
right order. 
 
“Allowing yourself to write bad pages is 
a superpower.” 
 
I’ve talked to a lot of my students in the course who have 
struggled  to  sit  down  and  get  bad  pages  out.  But  with 
the  lessons  they  learned  in  ​The  Practical  Screenwriting 
Course  and  a  community  around  them  in  the  private 
Facebook group, they’ve been able to push through their 
mental  blocks  and  get  their  stories  out  onto  the  page. 
I’ve done it. They’ve done it. You can do it too. 
 
 
Writing Mistake #3: They don’t write. 
 

29 
This  seems  obvious,  right?  But  when  was  the  last  time 
you  wrote?  Was  it  today?  This  week?  Have  you written 
at  all  this  month?  Writing  is  a  challenging  task,  so we as 
writers  naturally  want  to  put  it  off.  But  if  you’re  not 
writing,  you’re  not  improving.  And  if  you’re  not 
improving  then  you’re  getting  worse.  There  is  no  such 
thing as standing still. 
 
Screenwriters  want  to  reach  for  that  new  book  on 
screenwriting  to  get  the  latest  story  tactic  or  industry 
edge.  But  then  that  tactic  or  industry  edge  is  gone in six 
months,  replaced  by  a  new  book  preaching  an  “even 
better  tactic”  for  a  story.  All  the  while  the  writer  gets 
zero​ words down onto the page. 
 
What  if  the writer spent those six months simply writing 
a  draft  and  learning  from  their mistakes? Wouldn’t they 
learn  more from examining their own work than reading 
a new book on story tactics? 
 
 
Writing  Mistake  #4:  They  don’t  study  philosophy 
and psychology. 
 
Structure,  characters,  and  conflict  are  only  one  piece  of 
the  story  puzzle.  An  understanding,  both  academically 

30 
and  experientially, of philosophy and psychology is what 
separates mediocre stories from truly great ones. 
 
Any  mediocre  writer  can  give  a  story  a  set-up,  catalyst, 
debate,  fun  and  games,  dark  night  of  the  soul,  and  a 
climax.  But  creating  deeply  drawn  characters  both  in 
their  beliefs  and  in  their  actions  is  something  else 
entirely. It requires a strong understanding of the human 
mind.  It  requires  knowing  what  motivates  people  to 
view  themselves  as  doing  good  even  if  they  are  seen  by 
others  as  cruel  and  evil.  It  requires  understanding  why 
someone  is  willing  to  die  for  a  set  of  beliefs  and  why 
others will kill for those beliefs. 
 
Again,  I  would  go  as  far  as  to  say  a  writer who struggles 
with  truth  and  meaning  and  has  cultivated  a  strong 
understanding  of  the  human  psyche  will  always  write  a 
stronger,  more  honest  story  than  the  writer  who  has 
done  nothing  but  study  character  archetypes,  conflict, 
and story structure. 
 
 
 
Writing  Mistake #5: They don’t focus on creating a 
strong writing process. 
 

31 
It’s  possible  to  point  to  screenwriters  who  write  their 
stories  in  a  frenzy  and  emerge  with  a  completed draft in 
only  a  few  hours.  (That  reminds  me,  go  to 
Youtube.com/TylerMowery  if  you  want  to  watch  me  go 
from  no  idea  to a completed feature length screenplay in 
48 hours.) 
 
But  these  people  have  cultivated  a  writing  process  you 
simply  aren’t  seeing.  They  are still doing the work. They 
just  play  the  risky  game  of  keeping  it  all  in  their  head 
until  they  are ready to go. Unless you’re Aaron Sorkin or 
Taylor Sheridan, I’d avoid writing in a frenzy. 
 
You  need  to  be  able  to  develop  a  system  where  you  can 
write  each  day. You need to be able to develop a mindset 
where  you  aren’t  constantly  ruled  by  procrastination 
and  writer’s block. If you can’t actually sit down and put 
words onto the page, you can’t be a writer. It’s really that 
simple. 
 
It’s  so  frustrating  because  this  is  such  an important part 
of  writing,  but  few  talk  about  it  or  how  to  do  it 
correctly. 
 
Imagine  if  you  had  a  swim  teacher  who  sat  you  down 
beside  the  pool  and  explained  to  you  all  of the concepts 
of  swimming.  He  explained  how  to  float,  how to stroke 
32 
with  your  arms,  and  how  to  kick  with  your legs. Maybe 
he  also  taught  some  different  tactics on moving faster in 
the  water  and  how  to  breathe  correctly.  But  then  he 
walked away. 
 
And  if  you  asked  him  if he knew how to swim he would 
say,  “Oh  I  haven’t  swam  in  20  years.”  You  don’t  need 
your  swim  teacher  to  be  an  Olympic  swimmer,  but  it 
would be nice if he could swim! Hear me when I say this, 
because  it’s  extremely  important  and  if  you  can  truly 
absorb  this  piece  of  information  it  will  be  extremely 
valuable. 
 
Writing  bad  pages  is  ​always  better  than  not  writing 
anything. 
 
It’s  simple,  yes.  Yet  so  many  writers  don’t  write because 
they  are  worried  about  being  bad.  You  can’t  be  good  if 
you  can’t  accept  being  bad  for  a  while.  When  you  can 
stop  tying  your  identity  and  self-worth  to  whether  or 
not  you’re  writing  well,  then  you  can  write  more  in less 
time  because  you  will  have  defeated  one  of  the  biggest 
elements of procrastination. 
 
 
 

33 
Writing  Mistake  #6:  They  don’t  learn  how  to  take 
criticism. 
 
First  off,  I  believe  in  having  an ego. I believe in knowing 
that  you  can  improve,  knowing  that  you  can write well, 
writing  until  you write well, and defending good writing 
when you’re given bad notes. 
 
That  being  said, if you’ve written less than 5 screenplays, 
it’s  highly  unlikely  that  you’ve  written  a  masterpiece 
even  if  you  think  you  have.  And  if  you’ve  been  able  to 
separate  your  self-worth  from  your  writing  like  I  talked 
about before, then getting criticism becomes even easier. 
 
If  you  finish  your  first  screenplay  and  take  it to some of 
your  close  friends  and  they  tell  you  it’s  “pretty  good” 
then  know  that  your  friends  have  no  taste  in  what  a 
good  story  looks  like.  They  may  be  great  people,  but 
you’re done going to them for writing advice. 
 
However,  if  you  take  your  first  screenplay  to  your 
friends  and  they  politely  but  strongly  tell  you  that  it 
needs  a  lot of work, then you are part of a very lucky few 
who  have  friends  who  care  enough  to  tell  you  the truth 
about your writing. 
 

34 
This  is  something  I’ve  focused  on  cultivating  in  the 
Facebook  Group  for  ​The  Practical  Screenwriting Course 
because  I  want  the  people  inside  to  not  only  get 
constructive  feedback  from  me,  I  want  the  other 
students  to  take  what  they’ve  learned  about  rewriting  a 
story and help point out problems for others. 
 
But  remember,  if  you  have  nothing  for  yourself  and 
others  to  criticize,  your  writing  won’t  improve.  You 
need  that  bad  script  so  that  you  can  see  the  specific 
things you struggle with. Ideally the more a writer writes, 
the  better  they  are  at  receiving  criticism  and  the  better 
their stories become. 
 
 
 
Writing  Mistake  #7:  They  don’t  find  other  people 
to encourage them and hold them accountable. 
 
Just  like  with  getting  good  criticism,  accountability 
requires  a strong community. This can be two people, or 
three,  or  five,  or  hundreds  like  in  The  Practical 
Screenwriting  Facebook  Group.  But  the  idea is that you 
stay  in  this  bubble  where  you  can  see  others  pushing 
themselves,  getting  better,  sharing  their  victories,  and 
sharing  their  bad  days.  This  way  you  move  forward 
together. 
35 
 
It  is  extremely  rare  to  stick  to  a  new  habit  like  daily 
writing  without  some  sort  of  community  where  the 
members  can  push  each  other  forward.  The  problem  is 
that  we  get  used  to  failing  ourselves,  but  we  don’t  like 
failing  others.  So  when  you  bring  in  someone  else  and 
tell  them  to  hold  you  accountable,  you  have  a  much 
higher chance of actually sticking with your goals. Doing 
this  has  helped  me  finish multiple screenplays. It may be 
the  key  to  actually  applying  new  information  that  you 
learn. 
 
 
 
Maybe  you  saw  yourself  in  some  of  the  things  I  talked 
about  in  this  chapter.  If  you  did,  know  that  I  didn’t 
write  these  things  to  attack  you  or  call  you  out.  I  wrote 
them  because  I  struggled  with  these  mistakes  and 
realizing  what  I  was  doing  helped  me  become  a  much 
better writer. I hope that they can help you as well. 

36 
 
 
CHAPTER THREE 
The Importance of 
Finishing 
 
Let  me  ask  you  a  question.  How  many  terrible  movies 
have  you  seen?  I’m  sure  you’ve  seen a lot. Maybe you’ve 
even had the thought, “how did that ever get made into a 
movie?”  Yet  there is a writer who wrote that script and it 
got made into a movie. 
 
This  shows  you  an  important  truth;  ​terrible  writers  sell 
scripts  all  the  time  because  they  are  finishing  and others 
aren’t.  You  can  write  something  better.  You  know  you 
can.  You  wouldn’t  have  started  writing  if  you  didn’t 
believe  you  could  do  better.  Obviously  there  are  things 
like  connections,  location,  right  place  right  time,  blah 
blah  blah…  of  course  these  things  matter.  But  these 
writers  are  still  finishing  their  scripts.  And  if  they 
weren’t  finishing,  all  those  other things wouldn’t matter 
at all. 
 
 

37 
 
Remember Your Love of Writing 
 
Too  many  writers  get a few years into writing and forget 
why  they  want  to  do  it.  All  they  can  see  now  is  the 
struggle.  Every  day  it  seems  like  something  else  pulls 
their  attention.  They  can’t  stand  the  idea of ​still writing 
bad  pages.  They’re  so lost in the latest structural method 
or  story  beat  formula  and  they  can’t  think  straight 
anymore. 
 
I  want  you  to think back to what got you into writing in 
the  first  place.  For  me,  it  was  all those books in my local 
library.  I  wasn’t  thinking  about  finishing  a  story  or 
learning  about  all  the  different  concepts  behind  a  good 
story.  I  just  loved  stories.  And  this  love  of  stories  is 
important  to  your  ability  to  write.  You  can’t ever forget 
why  you  write  and  what  made  you  love  writing.  When 
you forget that, it’s all over. 
 
Jordan  Peele,  writer/director  of ​Get Out ​and ​Us​, said, “If 
I’m  not  having  fun,  I’m  doing  it  wrong.  If  you  get  to  a 
point  where  you  hate  what  you’re  doing.  It’s  up  to  you 
to figure out how to have fun while doing it.” 
 

38 
 “You can’t ever forget why you write and 
what made you love writing.” 
 
If  you  can’t  ever  find  your  love  of  writing  again,  you’ll 
never  be  able  to  write  things  that  are truly great. It takes 
that  core love to build on the long term writing habits. It 
takes  that  core love to push through when a story simply 
isn’t  working  the  way  you  want  it  to.  There’s  nothing 
wrong  with  finding  the  fun  in  your  story  and  focusing 
on  that.  Maybe  you love building the world. Maybe you 
love  thinking  about  how  it  will be shot. Maybe you love 
deep  character  creation.  Spend  time  on  these  parts  you 
love  when  you  need  to  be  carried  through  the  difficult 
portions  of  finishing  your  script.  It  will  be  worth  it  in 
the end. 
 
On Average Writing 
 
I’ve  been  known  to  give  blunt  story  criticism,  both  to 
those  who  ask  me  to  read  their  scripts  and  to  movies  I 
watch.  I  am  never  intentionally  insulting  and  always 
keep  the  focus  on  improving  the  story,  but  some  have 
still been put off by my criticism in the past. 
 
I’ve  had  a  lot  of  people  tell  me  that  a  movie  was  “fine” 
and  that  I  “just  need  to  loosen  up  and  learn  to  enjoy 

39 
things.”  And  honestly,  I’ve  thought  a  lot  about  this. 
What  ​is  ​the  point  of  being  critical  of  bad  or  average 
stories?  What  ​is  the  point  of  giving  blunt  criticism  of  a 
script  when  students  ask  me  for  it?  Why  not  just  enjoy 
stories? 
 
Stanley  Kubrick  is  hailed  as  one  of  the greatest directors 
of  all  time.  He  was known for his ruthless perfectionism 
and  directing  style  that  crossed  the  line  on  more  than 
one  occasion.  Kubrick  said  something  on  this  subject 
that  has  stuck  with  me.  Kubrick  said,  “Either  you  care, 
or  you  don't.  There's  no  in-between.  And  if  you  care, 
then go all of the way.” 
 
And  I  agree.  I  genuinely  want  to  live  in  a  world  where 
movies  aren’t  simply  a  fun  couple  of hours, but they are 
deeply  meaningful  as  well  as  entertaining.  I  want  to live 
in  a  world  full  of  extremely  strong  writers.  I’d  love  for 
people  500  years  from  now  to  look  back  and remember 
the  cultural  impact  of  the  stories  we  tell  today.  I  see  no 
reason to accept mediocrity and work that is “just fine”. 
 
“Either you care, or you don't. There's no 
in-between. And if you care, then go all 
of the way.” - Stanley Kubrick 
 

40 
I  can  do  more.  We  can  do  more.  And  I  believe  we 
should.  I  hope  that  the  work  I  do  on  my  Youtube 
channel,  in  this  book,  and  in  my  course  can  push 
screenwriters  in  the  right  direction.  Even  if  it’s  just  a 
little.  Because  I  care.  And  I  always  will  care.  Stories  are 
what  I  love.  I  think  about  young  me  sitting  in  my 
bedroom,  completely  lost  in  another  world.  I  hope he’d 
be proud of me. 
 
Knowing Vs Doing 
 
There’s  a  big  difference  between  knowing  something 
and  actually  being  able  to  do  it.  There’s  a  saying  I  like 
that  goes:  “In  theory,  there  is  no  difference  between 
theory and practice; but in practice, there is.” 
 
My  Youtube channel is all about theory. Helpful theory, 
I  hope.  But  still  theory.  On  my  Youtube  channel,  I’m 
teaching  story  concepts.  Ideas  you  can  take  and  add  to 
your  understanding  of  story.  I’ve  done  my  best to make 
these  theory  videos  in  the  most  practical  way  possible, 
but they are still just theory. 
 
Knowing  how  to  structure  a  story  is  great.  Knowing 
how  to  build  a  character  arc  is  helpful.  But  at  some 
point,  your  writing  will  come  down  to  you  staring  in 
front blank page and you will have to write.  
41 
 
You  won’t  be  able  to  hold  thirty  different  ideas  in  your 
head  about  how  a  story  should  start,  how  to  maintain 
pace, or how to write your dialogue. If you try to do this, 
you won’t write anything. 
 
At  that  point,  knowing  and  doing  have  become  two 
completely  different  things.  You  know  too  many 
different  theories  and  ideas,  so  you  can’t  simply  do  it. 
And  what’s  the  point  of  learning  about  writing  if  you 
can’t apply any of it? 
 
This  is  why  I’ve  built  ​The  Practical  Screenwriting 
Course​.  A  course  built  not  to  just  teach  you  more  story 
theory.  It’s  a  course  built  to  keep  you  writing 
consistently  while  constantly  improving  through 
rewriting.  This  course  isn’t  here  to  tell  you  what  to 
write.  It’s  also  not  here  to  tell  you  that  there’s  only  one 
single way to write a story. 
 
I’m  only  focused  on  getting  you  through  the  most 
difficult  problems  you  and  other  writers  face;  writer’s 
block  and  rewriting. If you can’t get yourself to sit down 
and  write  consistently,  then  no  amount  of  story  theory 
will ever help you. 
 

42 
If  you  can’t  organize  and  rewrite your drafts in a simple, 
focused  way,  then  you  will  never  be  able to fully tell the 
story  you  want  to  tell.  Your  only  focus  when  writing 
should  be  getting  your  story  out.  And  your  only  focus 
once  you  have  that  story  out,  is  improving  it  in  an 
organized,  focused  way  so  that  it  can  fully  become  the 
story you want to tell. 
 
Is Film School Worth It? 
 
“I think you’re making a colossal mistake.” 
 
Those  were  the  exact  words  my  professor  told  me  right 
before  I  dropped  out  of  film  school.  I  was  uncertain 
about  what  would  happen  when  I  dropped  out,  but  I 
had  realized  film  school  wasn’t for me. It wasn’t because 
I  felt  like  I  couldn’t  do  it.  I  had  excellent  grades  at  the 
time.  It  wasn’t  because  I  believed  I  was  already  this 
prodigious  writer  and  could  leave  these  people  in  the 
dust to win Oscars. Nothing like that at all. 
 
There’s  a  lot  of  talk  about  whether  or  not  film school is 
worth  it.  Some  people  go  to  film  school  because  they 
assume  they  need  to  go  to  college  and  they  are  also 
interested in film. Some people go to film school because 
they  swear  by  it  as  the  best  way  to  become  educated  in 

43 
film  as  well  as  to  network  with  the  next  generation  of 
filmmakers. These are legitimate reasons. 
 
Then  others  don’t  go  to  film  school,  believing that they 
can  get  an  advantage  by  just being in the industry earlier 
and  making  more  connections.  Some  believe  that  they 
can  learn  just  as  well  from  books  and  online  resources. 
Others  feel  like  it’s  not  worth  it  to  go  tens of thousands 
into  debt  for  a  film  education.  These  are  also  legitimate 
points. 
 
But  I  think  the debate over film school vs no film school 
is  missing  the  point.  And  it’s  harming  future 
screenwriters  and  filmmakers.  If  all  you  do  is  wait  for  a 
professor  to  assign  you  to  write,  then  you  don’t  have  a 
real  shot  as  a  screenwriter.  There  are  hundreds  of 
thousands  of  film  school  students  who  want  to  be 
writers  simply  waiting  for  their  professor  to  give  them 
their  next  assignment.  Outside of that, they do not write 
on  their  own.  They  don’t  improve  unless  told  to  do  so. 
And  this  is  the  real  problem.  If  you  cannot  write  when 
no  one  pushes  you  and  when  no  one  else  cares but you, 
then you will never write well. 
 
Aaron  Sorkin,  writer  of  ​The  West  Wing​,  ​The  Social 
Network​,  ​Steve  Jobs  and many more, wrote the play for ​A 
Few  Good  Men  on  cocktail  napkins  while  he  was  at 
44 
work.  No  one  was  making  him  write.  He  had  no 
assignments  to  turn  in  and  no  guarantee  anyone  would 
ever  see  it.  But  he was writing. You must adopt the same 
attitude  if  you  ever  want  to  pull  yourself  out  of  the 
crowd  of  mediocre  writers  who  only  write when they’re 
told.   

45 
  
 
 
SECTION TWO: 
A Better Way to Look 
at Story   

46 
 
 
CHAPTER FOUR 
A Better Way to Look At 
Story 
 
One  thing  I  noticed  when  I  was  learning  the 
fundamentals of writing is that many teachers like to talk 
about  core  concepts  in  a  way  that  doesn’t  seem  to 
actually  apply  to  the  writer  sitting  in  front  of  a  blank 
page. Let me explain.  
 
You  may have heard the conventional wisdom that every 
line  of  dialogue  should move the story forward and hold 
some  sort  of  emotional  weight.  I’ve  even  watched  some 
teachers  take  a  scene  and  break  down  every  single  line 
and  describe  the  exact  emotion  that  the  particular  line 
brings  to  the scene. Sure, there’s a time and place for this 
type  of  analysis,  but  what  happens when you’re actually 
sitting  in  front  of  the  blank  page?  Are  you  supposed  to 
be  thinking  about  how  every  single  line  is  emotionally 
motivated? 
 

47 
What  about when you think about structure? There’s all 
sorts  of  breakdowns,  pyramids,  and  diagrams  that 
visualize  different  ways  of  writing  a  screenplay.  What 
about  characters?  Backstory?  Arc?  Motivations? 
Foreshadowing? Formatting? 
 
What  happens  is  that  writers get bogged down with way 
too  much  information.  I’m  not  saying  this  information 
is  useless.  A  lot  of  it  is actually very helpful. I’ve listened 
to many screenwriting teachers as I’ve developed. But it’s 
important  to  find  the  difference  between  practical 
information and interesting analysis. 
 
This  was  what  I  was  confused  about.  But  after 
continuing  to  learn  and  write,  I  feel  like  I’ve  begun  to 
learn  what’s  practical  and  what  isn’t.  The  goal  of  this 
second  section  is  to  help  you  focus  the  information 
you’ve  learned  and  put  you  on  the  right  track  to  dive 
into your next screenplay. 
 
So how should you actually think about all of these story 
ideas when you’re ready to sit down and start your story? 
 
First  off,  I’m  not  talking  about  whether  or  not  you 
should  write  a  general  outline,  or  a  scene  by  scene 
outline,  or  write  a  treatment, or just start writing. Those 
are  specifics  to  your  process.  They  all  work. They are all 
48 
valid.  I’ll  leave  others  to  argue  about  which  method  is 
right. 
 
I’m  talking  about  breaking  up  a  story into its ​important 
parts  and  using  those  different  parts  to  begin  building 
your  story  in  a  way  that  you  aren’t  overwhelmed  with 
information.  
 
I  want  you  to  have  something.  It’s  a simple graphic, but 
it  is  something I’ve built that has dramatically helped my 
writing,  both  in  the  pre-writing  phase  and  the rewriting 
phase. 

49 
This  is  something  I’ve  created.  I  call  it  the  Story 
Pyramid.  Ask  my  students  inside  ​The  Practical 
Screenwriting  Course  and  they  will  tell  you  that  this 
simple  pyramid  has  helped  make  the  writing  and 
rewriting  process  much  clearer.  Let  me  explain  how  it 
works. 
 
Philosophical Conflict 
 
Remember the Philosophical Conflict?  
 
The  Philosophical  Conflict  sits  at  the  bottom  of  the 
pyramid.  This  is  the foundation of the story. Everything 
else  sits  on  top  of  it.  It  carries  the  weight  of  the  story. 
Remember:  Robert  McKee  said  that Meaning Produces 
Emotion.  And  you  inject  your  story  with  meaning 
through the competing ideas and beliefs. 
 
Characters 
 
Characters  are  the  next  level  of the pyramid. While your 
characters will have smaller conflicts over different wants 
and  goals,  they  will  also  be  struggling  philosophically. 
The  struggles  the  characters  face  won’t  simply  be about 
beating  their  rival  in  the  race  or  making  ten  million 
dollars.  They  will struggle over what it costs them to win 

50 
the  race.  What  they  have  to  sacrifice  for  the  pursuit  of 
success.  Whether  or  not  that  success  is  worth  it.  And 
whether they are pursuing victory for the right reasons.  
 
In  ​Snowpiercer​,  Curtis  sacrifices  the lives of his followers 
as  he  heads  towards  the  front  of  Wilford’s  train.  Curtis 
believes  getting  to  the  front  of  the  train  and  killing 
Wilford will create a better world for his people. 
 
In  ​Sicario​,  Kate begins to sacrifice her traditional view of 
morality  because  she  believes  that  cutting  the  cartel  off 
at  the  head  will  stop  the  flow  of  drugs  into  the  United 
States. 
 
In  ​Mulan​,  Mulan  risks  shaming  her  family  and  going 
against  tradition  because  she  believes  fighting  for  her 
people is worth it. 
 
Concept and Genre 
 
Your  concept  and  genre  will  define  some  of  the 
expectations  for  your  story.  If  you’re  writing  a  horror 
story,  the  audience  will  expect  to  be  disturbed  and 
frightened.  If  you’re  writing a comedy, the audience will 
expect a lot of jokes throughout the entire story. 
 

51 
All  genres  have  different  rules  and  expectations  that 
come  with  them.  This  doesn’t  mean  your  story must be 
forced  into  a  particular  genre,  but  the  vast  majority  of 
stories  do  fit into a genre so it’s important to understand 
how genres work. 
 
Some  stories  specifically  subvert  or  go  against  the 
expectations  of  an  audience  when  writing  a  story  in  a 
particular  genre.  But  you  can’t  break the rules of a genre 
without actually understanding how the rules work. 
 
Concepts  work  in  a  similar  way.  A  story  driven  from  a 
concept  will  usually  have  rules  within  the  universe  that 
the  story  must  obey.  If  the  audience  can’t  understand 
the  world  of  the  story,  they  will  be  frustrated  when 
characters  are  unexpectedly  saved  or  use an unexplained 
trick to get what they want. 
 
Time  travel  films  are  notorious  for  having  messy, 
undefined  rules  that  leave  audiences  scratching  their 
heads  in  frustrated  confusion.  Even  the  best  ideas  can 
suffer  if  the  writer  doesn’t  establish  the  rules  of  the 
world. 
 
The  audience  is  fine  with  an  odd  story  or  a  story  that 
breaks  the  rules  of  our  world  as  long  as  the  logic  of  the 
story  stays  intact.  For  example  in  ​Star  Wars,  characters 
52 
and  the  audience  can  hear  in  space.  We  know  that, 
because  space  is  a  vacuum,  sound  does  not  travel 
through  it.  But  because  ​Star  Wars  sets  up  the  rule 
quickly, it doesn’t take the audience out of the story. 
 
Set  up  the  rules  of  your  story and stick to them. Be fully 
aware  of  the  rules  behind  the  concept and genre of your 
story so that you can use them to your advantage. 
 
Structure 
 
Many  people  focus  on  story  structure  before  any  other 
part  of  their  story,  but there’s a good reason why I put it 
after  Philosophical  Conflict,  Characters,  and 
Concept/Genre.  Because  while  structure  is  absolutely 
important,  good  structure  can’t  save a story that doesn’t 
have a good core philosophical conflict and characters. 
 
Structure  is  nothing  but  the  organization  of  the 
momentum  of  a  story.  And  you  can  easily  have  a 
well-organized  story  that  is  shallow  and  meaningless. 
Being  good  at  organizing  a  story  doesn’t  mean  you’re 
good  at  building  a  story  worth  telling,  so  it’s  important 
to  focus  on  the  other  foundational  layers  of  the  Story 
Pyramid. 
 

53 
A  poorly  organized  story  that  is  worth  telling  can 
definitely  be  better  than  a  well  organized story that isn’t 
worth  telling.  Obviously  having  both good organization 
and  a  story  worth  telling  is  the  best  way  to  go,  but  I’m 
explaining this in regards to the level of importance. 
 
There’s  all  sorts  of  structural  methods  out  there.  If 
you’ve  watched  my  Youtube  content,  then  you  will 
know  I  enjoy  using  Dan  Harmon’s  story  circle  for  its 
versatility  and  ability  to  be  specific  when  you  want it to 
be and general when you want it to be. 
 
It  doesn’t  really  matter  what  kind  of  structural  system 
you  favor.  Many  writers  have  written  fantastic  stories 
with  something  as  simple  as  what  Aristotle  outlines  in 
Poetics​.  (Aaron  Sorkin  is  a  big  fan  of  Aristotle’s  ​Poetics​.) 
Maybe  you  like  Freytag’s  Pyramid,  a  structural  method 
seen  in  many  of  Shakespeare’s  plays.  Maybe  you  invent 
your  own  structure  like Christopher Nolan did when he 
created  his  “Hairpin Structure” for ​Memento​. Or maybe 
you  keep  it  simple  and think only in terms of beginning, 
middle, and end. 
 
All  of  these  different  systems  (and  others  I  didn’t 
mention)  work  and  have  been  used  by  writers  to  create 
great  stories.  But  you  must  remember  that  these  are 
organizational  tools,  not  the  reason  that  the  stories  are 
54 
good.  If  you  believe  structure  is  the  key  to  a good story, 
you  will fail to tell a great story. Hundreds of bad movies 
come  out  each  year  that  are  well-structured.  You  aren’t 
looking  to  write  something  well  structured.  You  are 
looking to write something meaningful and impactful. 
 
Scenes 
 
Scenes  don’t  exist  in  a  bubble.  Scenes  are 
interconnected.  Scenes are a small piece of a web. 9 times 
out  of  10,  a  problem  with  a  scene  isn’t  really  a  problem 
with that scene. It’s a problem with the larger story. 
 
Writers  try  to  rewrite  their  stories  by  fixing  a  scene here 
or  deleting  one  scene  there  and  then  they  wonder  why 
their  story  is  more  or  less  the  same.  It’s  because  they 
aren’t  fixing the philosophical conflict, characters, genre, 
and  structure.  They  are  simply  trying  to  polish  scenes. 
Polishing  scenes  should  happen  much  later,  when  you 
know  that  the  other  elements  I’ve  laid  out  are  very 
strong. 
 
Many  times,  when  you’re  focused  on  fixing  the 
philosophical  conflict  or  characters,  you  will  end  up 
completely  changing  scenes  or  deleting  dozens  of  pages 
from  your  script.  This  is  because  you  are  focused  on 

55 
fixing  the  ​core  problems  of  the  story  and  not  just 
haphazardly moving scenes around. 
 
A  scene’s  purpose  is  built  off  of  the  philosophical 
conflict  of  the  story,  the  character’s wants and goals, the 
genre,  and  the  structural  beats  of  the  story.  Changing 
around  some  dialogue  will  not  suddenly  make  your 
scene  brilliant.  When  the  more  core  elements  of  your 
story are fixed, scenes flow much more naturally and you 
will  be  able  to  see  which  scenes  are  working  and  which 
scenes are not. 
 
Dialogue, Moments, Etc. 
 
As  much as we all love dialogue, myself included, it’s like 
a  nice  paint  job  on  a  car.  Everyone  loves  a  nice,  clean 
paint  job  on  a  new  car,  but  it’s  more important that the 
engine  runs.  A  pretty  paint  job  doesn’t  mean  a  thing  if 
the  car  won’t  start.  I’m  sure  we  would  all  rather  drive  a 
car  with a chipping paint job that runs reliably than a car 
with a beautiful paint job that constantly breaks down. 
 
Just  because  you  notice  the  dialogue,  or  an  emotional 
moment,  or  the  word  choice  in  an  action  line,  that 
doesn’t  mean  it’s  really  what’s  making  the  script  work. 
Even  Aaron  Sorkin,  a  writer  who  says  he  loves  dialogue 
more  than  anything  else  in  a  story,  admits  that he needs 
56 
to think long and hard about the characters and the ideas 
behind  the  story  before  he  starts  writing  dialogue. 
Without  characters  and  ideas  driving  the story, dialogue 
can never truly shine.  
 
And  that  is  the  Story  Pyramid.  A  way  to  organize  your 
story  so  that  you  focus  on  the  foundational  elements 
first  and  then  slowly  work  your way to the top. Now do 
you  have  to  follow  this  system  to  finish  your first draft? 
Of  course  not.  Like  I  talk  about  in  ​The  Practical 
Screenwriting  Course​,  the  point  of  your  first  draft  is  to 
get  your  story  out  on  paper.  When  it  is  fully ripped out 
of  your  mind,  you  can  see  the  flaws  and  holes  as  well as 
the great parts you love. 
 
“Without characters and ideas driving 
the story, dialogue can never truly 
shine.” 
 
Also  it’s  important  to  note  that  my  story  ideas  never 
come  in  these  perfectly  built  packages that fit seamlessly 
into  this  Pyramid.  Many  times I just have a scene idea or 
maybe a couple characters. Or maybe I start with a moral 
concept  I  want  to  explore.  Once  I  have  that  shred of an 
idea, I use this pyramid to flesh it out. 
 

57 
If  you  are  subscribed  to  my  Youtube  channel,  you  may 
have  seen  the  video  where  I  documented  my  process  of 
writing  the  first  draft  of  a  screenplay  from  no  idea  to  a 
finished draft in 48 hours. 
 
In  that  video,  you  will  see  that  I  started  with  a  concept 
first.  From  there  I  started  to  think  about  the  possible 
philosophical  conflict  of  the  story,  then  moved  on  to 
building out the structure and characters. 
 
Using  this  Pyramid  isn’t  linear.  And  any  time  you  feel 
creatively  blocked,  move  onto  another  section.  It’s  not 
supposed  to  be  a  prison,  it’s  supposed  to  be  a  guide  to 
keep  you  on  the  right  track  so  you  can  skip  all  of  that 
stumbling  around  in  the  dark  and  start  your  story  off 
with the right footing. 
 
In  ​The  Practical  Screenwriting  Course​,  I  use  this  Story 
Pyramid  to  help  you  rewrite  your  stories  as  well.  I  go 
deep  into  how  you  can  use it to find and fix your story’s 
problems.  I  also  take  two Hollywood scripts and use the 
Story  Pyramid  to  rewrite  their  plots  to  make  the  stories 
much  more  compelling.  Nothing  has  helped  me 
organize  and  fix  my  own  stories  more  than  the  Story 
Pyramid.   

58 
 
 
CHAPTER FIVE 
The Amateur Fear of Rules 
and Principles 
 
Many  screenwriters  and  filmmakers  are  obsessed  with 
rule-breaking.  They  hate  story  structure  systems.  They 
love finding films that are “exceptions” to these rules and 
pointing  them  out  the  second  someone  brings  up  a 
structural format. 
 
I  understand  the  motivation  behind  this  sort  of  thing. 
The  goal  for  these  writers  is  to  be  original  and  so  they 
want  to  find  films  that  seem  to  have  a  unique  voice. 
These  writers  believe  that  story  rules  and  principles 
create  copy-and-paste  stories  for  mass  audiences.  While 
their anger is justified, it is misplaced. 
 
Structural  formats  do  not  create  copy  and  paste  stories 
for  the  masses  any  more  than  breaking  all  of  the  rules 
creates  a  deep,  meaningful,  original  story. Stories do not 
fail or succeed based on how well they break the rules. 
 

59 
Stories  fail  or  succeed  based on what I have talked about 
so  far.  Like  a  writer’s  ability  to  write  characters  who 
struggle  with  more  than  simply  wanting  something. 
Stories  fail  or  succeed  based  on  a  writer’s  ability  to  tell 
the truth. 
 
Originality  has  little  to  do  with  trying  hard  to  be 
original,  and  everything to do with telling the truth. The 
real  reason  many  storytellers  are  angered  by  mainstream 
films  is  not  because  they  are  structurally  formulaic,  but 
because  the  philosophical  ideas  within  the  film  are  safe, 
repeated, and don’t make the audience think. 
 
Writers  and  audiences  thirst  for honesty. They thirst for 
stories  that  take  a  real  look  at  how  it  is  to  be  a  human 
and  what  human  beings  struggle  with,  philosophically. 
Stories  that  are  honest  can  follow  the  most  obvious 
structural  format  and  still  be  extremely  impactful. 
Stories  that  exist to simply be flashy or “indie” and break 
all  of  the  structural  rules  will  be  interesting  only  to 
people  who  are  more  interested  in  seeming  cool  to their 
friends  than  they  are  in  actually  learning  how  to  write 
well. 
 
I  don’t  say  all  of  this  to  attack  pretentious  writers.  I  say 
this  because  I  want  to  show  you  the  correct  headspace 
for  truly  original,  impactful  writing.  Shed  your  false 
60 
belief  that  structural  formats  are  useless.  Realize  that, 
regardless  of  structural  form,  the  core  power  and 
originality  of  a story sits inside the philosophical, ethical, 
and  moral  conflict  that  the  characters  must  struggle 
through. 
 
“Originality has little to do with trying 
hard to be original, and everything to 
do with telling the truth.” 
 
As  a  writer, be honest about how you see the world. Not 
everyone  will  agree  with  your  point  of  view.  Some 
people  may  even  hate  you  for  it.  But  your  story  will  be 
impactful  because  it  will  resonate  with  those  who 
struggle in the same ways you do and see the world in the 
same  way  you  do.  And  this  is where we find connection 
through  writing.  ​Through  a  shared  realization  that 
maybe  we  aren’t  alone. That maybe there’s someone else 
out  there  who  struggles  in  the  same  way.  Someone  else 
who isn’t quite sure how to sort the world out.  
 
When  you  take  that  leap  of  honesty through your story, 
you  will connect with others. Until you do that, you will 
write  words  that  other  people  gave  you.  Write honestly. 
Until you can do that, everything else is pointless. 
 
61 
  
 
SECTION THREE: 
Developing Your New 
Writing Process   

62 
 
 
CHAPTER SIX 
Reframing Your View of 
the Writing Process 
 
This  chapter  is  full  of  quick,  but  important  lessons that 
will  help you reframe your view of the writing process. It 
will  address  some  of  the  struggles  you’ve  faced  and  give 
you a new mindset to overcome these obstacles. 
 
One  of  the  best  ways  to  begin  moving  past 
procrastination  and  writer’s  block  is  simply  to  reframe 
how  you  view  that  first  draft.  The  problem  with  first 
drafts  is  that  so  many  people  want  their  first  draft to be 
their last. 
 
They  may  say,  “yea  I’ll do some rewrites” but they don’t 
want  to.  And  they  aren’t actually approaching their first 
draft  believing  they  will  rewrite.  When  someone  talks 
about rewrites, they usually mean changing a few lines of 
dialogue and maybe cutting a scene or two. 
 

63 
But  that  isn’t  what  rewriting  is.  Rewriting  is  usually 
rebuilding  massive  portions  of  your  story  once  you’ve 
gotten  through  that  first  draft.  An  extremely  small 
portion  of  writers  get  their  story  90%  right  in  the  first 
draft.  And  usually this is by luck, or because they already 
have  source  material  to  go  off  of,  or  they  have  just 
written  an  insane  amount  of  screenplays  and  their 
practical  knowledge  of  the  process  is  so  high  that  they 
are able to get what they want quickly. 
 
But  no  one  starts  off  this  way.  If  you  really  want  to  get 
through that first draft, you must start by reframing how 
you  view  it.  Don’t  view  it  as  this  full  story  that must be 
complete  and  perfect  immediately.  View  it  as  you 
throwing  your  ideas  at  the  wall  so  you  can  organize 
them. 
 
In  the midst of that first draft, you’ll discover all kinds of 
problems,  character  issues,  logical  inconsistencies, 
research  that  must  be  done,  and  all  sorts  of other issues. 
That  first  draft  helps  you  solidify  what  will  need  to  be 
fixed  later.  And  it  helps  you  get  that  first  wide stroke of 
who  your  characters  will  be  and  what  your  story  will 
look like. 
 
Honestly,  I  don’t  think  you  should  be  showing  anyone 
the  true  first  draft  of  your  story.  That’s  only  for  you. 
64 
There  will  likely  be  so  much  that  you  already  see  as 
wrong when you get to the end of that draft that you can 
immediately  take  down  initial  notes  and  start  working 
on fixing it. 
 
Your  first  draft  is  very  far  away  from  your  finished 
script,  but  it  gives  you  something  to  play  with. 
Something  to  fix.  Something  to  build  on.  And  having 
this  rough  foundation  is  critical  to  building  this  script 
into the story you want to tell. 
 
Stop  getting  discouraged  over  your  first  draft.  Are  you 
stuck  on  a  scene?  Good.  Make  a  note  of  what  isn’t 
working.  Write  a  terrible  version  of  the  scene  that  you 
hate,  and  then  write  the  next  one.  Stuck  on  your  whole 
ending?  Good.  Write  an  ending  that  you  hate  and  keep 
moving. 
 
When  you do this, you’ll be surprised to find that there’s 
a  few  things  you  like,  or  an  idea  you  didn’t have before. 
And  then  suddenly  it  clicks.  That’s  the  reason  for  the 
first  draft.  To  show  you  where  your  story  isn’t  working 
and  to  help  spark  those  critical  good  ideas  you  never 
would have thought of otherwise. 
 

65 
So  go  ahead  and  write  that  scene  you’re dreading today. 
Write  it,  hate  it,  and  be  okay  with  yourself  because  you 
can go and change it later. 
 
Shiny Idea Syndrome 
 
Have  you  ever  noticed  that  you  get  the  best  ideas  for  a 
new  story  when  you’re  15  pages  into  the  one  you’re 
working on now? The second you realize that your pages 
aren’t  perfect,  you  start  to  think,  “well  maybe the entire 
idea  isn’t  that  good.  Maybe  I  should  just  write 
something else.” 
 
So  you  find  this  new  “great  idea”  and  write  15 pages on 
it,  until  you  don’t  like  it  anymore.  Now you’re going to 
repeat  the  cycle.  Suddenly  a  newer,  even  BETTER  idea 
will  pop  into  your  head.  You  can’t  keep  writing  on  this 
second-rate idea. You have to write this new one! 
 
This  is  Shiny  Idea  Syndrome.  The  second  you  actually 
start working on that new idea, it becomes uninteresting. 
You  want  to  run  over  to  the  next  idea,  then  the  next, 
then the next. 
 
How  do  you  fix  this?  Are  the  ideas  really  just  not  that 
great? Or is something else going on? 

66 
 
This happens for two reasons: 
1. You are a completely distracted person. 
2. You are a self-conscious person. 
 
You  aren’t  focusing  on  the  story  because  your  brain  is 
trying  to  go  in  a  million  different  directions.  Not  only 
that,  but  you aren’t focusing on the story because you’re 
focused on yourself the entire time. 
 
You’re  thinking,  “What  will  people  say  about  my 
writing?  Will  they  say  it’s  good?  Is  it  good?  Am I good? 
Am  I  ever  going  to  be  a  good  writer?  Why  am I writing 
this  idea?  There’s  probably  a better idea and I’m missing 
it. What if none of this works out at all?” 
 
All  of  these  thoughts  are completely counterproductive. 
So  what  should  you  do  instead?  The  reality  is  that 
finishing  a  bad  idea  will  teach  you  so  much  more about 
writing  and  storytelling  than  writing  15%  of  seven good 
ideas.  In  writing,  finishing  will  always  be  more  valuable 
to  you  than  being  perfect.  You  cannot  be  great  if  you 
cannot learn to finish. 
 
Writers  don’t  need  more  ideas  about  writing  in  a  3  act 
structure  or a 5 act structure. They need to know how to 

67 
finish.  ​Finishing  is  one  of  the  most  important  parts  of 
writing. Without that, nothing else matters. 
 
“You cannot be great if you  
cannot learn to finish.” 
 
Don’t  jump  from  idea  to  idea. If you have another good 
idea,  write  it  down  and  then  get  back  to  work  on  the 
story you were already working on. 
 
Unnecessary Complexity 
 
I  was  talking  to  one  of  the  students  in  the  Practical 
Screenwriting  Facebook  Group,  and  he  was  asking  me 
for  help  with  a  script  that  he  was  struggling  with.  He 
started  to  tell  me  about  his  story,  what  he  was  trying  to 
accomplish  with  it,  and what others who had read it had 
said about it. And what I learned quickly was that he was 
struggling  with  something  many  writers  struggle  with; 
Complexity.  
 
Many  times  we  try  to  sit  down  and  try  to  write 
something  deeply  complex,  because  we  believe 
complexity  is  the  key to meaning, depth, and originality. 
But  the  reality  is  that  this  is  rarely  true.  Trying  to 
incorporate  multiple  plotlines  and  a  range  of  themes  all 

68 
into  a  story  that  takes  major  influences  from  five  other 
stories will leave you frustrated, confused, and lost. 
 
Think about the films that have been the most impactful 
to  you.  The  ones  that  made  you  want  to  write.  If  you 
really  take  the  time  to  analyze  them,  are  they  really  that 
complex? Chances are they aren’t.  
 
They  may  seem  complex  on  the  surface. They may have 
twists  and  turns,  or  deal  with  intense  philosophical 
themes,  but  it’s  likely  that  they  stay  on  one  single  track 
and  don’t  deviate  from  that  for  the  entire  story.  What  I 
like to say is that a great screenplay is ​focused​. 
 
When  I  say  focused,  I  mean  that  the script realizes it has 
a  limited  amount  of  pages  to  tell  it’s story. It doesn’t try 
to  make  seven  major  claims  about  the  world.  It  doesn’t 
try  to  fit  into  four  different  genres.  It  tries  to  do  one 
thing.  If  you’re  confused  or  frustrated  with  the  story 
you’re writing now, try this: Start by organizing the story 
into its most simple, straightforward version. 
 
Once  you  have  done  that,  ask  yourself  this  question 
about  the story in front of you: Is this a compelling story 
if it’s told in its most simple, straightforward version? 
 

69 
If  so, great! Maybe that should be how your story is told! 
If  not,  then  great!  Now  you  know  that  the  core of your 
story is broken, it’s not simply how you’re telling it. 
 
Many  writers  try  to  hide  a  bad  story  behind  different 
gimmicks  and  tricks  to  keep  the  audience  guessing  so 
that  maybe  they  won’t  notice  that  the  story  is 
unengaging or nonsensical.  
 
Don’t  do this. Look your story in the face. Place it out in 
front  of  you  where  you  can  see  it  in  it’s  most 
straightforward  form  so  it  can’t  lie  to  you.  Once you’ve 
built  your  core  story,  you  can  go back and decide which 
is the best way to tell the story. 
 
Never Miss Twice 
 
You’re  going  to  have  days  when  you  don’t  feel  like 
writing. Or when you’re just completely stuck and aren’t 
sure where to go in your story. 
 
And  I’m  not  going  to  tell you that you must write those 
days. But you should never miss twice. 
 
Stephen  King  has  a  great  quote  in  his  memoir,  ​On 
Writing, he says, “Once I start work on a project, I don’t 
stop  and  I  don’t  slow  down  unless  I  absolutely  have  to. 
70 
If I don’t write every day, the characters begin to stale off 
in  my  mind---they  begin  to  seem  like  characters  instead 
of  real  people.  The  tale’s  narrative  cutting  edge  starts  to 
rust  and  I  begin  to  lose  my  hold  on  the  story’s  plot and 
pace.” 
 
I’ve  found  that this is absolutely true for me. And so one 
of  the  rules  I’ve  made  for  myself  is  to  never  miss  twice. 
Bad  days  happen,  but  when  they  do  it’s  extremely 
important  to  keep  moving  the  next  day.  If  I  miss  a  day, 
writing  becomes  an  even  more  important  priority  the 
day after. It has to get done. 
 
Don’t  try  to  be  perfect  and  write  every  single  day  from 
page  1  to  120.  Just  don’t  miss  twice.  Hold  on  to  your 
story’s  idea and don’t lose the fun of writing a new story. 
The  longer  you  let  your  story  sit,  the  harder  it  becomes 
to pick back up and bring it to the finish line. 
 
Know What to Write Next 
 
One  thing  I’ve noticed about writing daily is that I enjoy 
a writing session much more when I come into it with an 
idea of what I’m going to write. Let me explain. 
 
Sometimes  when  I  sit  down  to  write,  I  have  an  idea  of 
how  the  next 15 pages or so are going to go. Sometimes I 
71 
could  go  ahead  and  write those 15 pages. But sometimes 
I’ll  stop  earlier;  at  5,  8,  or  10.  When I do this, I leave the 
writing  session  having  an  idea  of  where  I’ll  be  starting 
the  next  day.  It  lets  my  subconscious think about where 
the story is going. 
 
It  also  lets me leave the writing session feeling excited for 
the  next  day,  rather  than  anxious  or  worried.  If  I  write 
everything  that’s  in  my  head,  I’ll  worry about where the 
story  will  go  the  next  day.  It  makes it harder to sit down 
and write in that next writing session. 
 
But if I know what those first few pages are going to be, I 
can  get into the groove quickly when I sit down to write. 
If  you  leave  every  writing  session  worried  about  what 
you’re  going  to  write  tomorrow,  it  will  be  harder  to 
write.  When  you leave your mind with a few ideas, it can 
get you excited for tomorrow. 
 
So  if  you’re  having problems sitting down to write, try it 
out.  Leave  a  few  pages  for  the  next  day.  Let  your  mind 
figure  out  where  to  go  next.  Remember,  you’re 
supposed  to  enjoy  this  process.  It’s  not  supposed  to  be 
grueling  all  the  time.  It’s  supposed  to  be  enjoyable 
(sometimes). It’s storytelling. It’s what we love to do. 
 

72 
Give  yourself  the  opportunity  to  enjoy  the  process. 
Gritting  your  teeth  and  pushing  towards  the  end goal is 
only  a  short  term  solution.  But  if  you  love  the  daily 
process, you’ll write without forcing yourself. 
 
Facing the Rewriting Monster 
 
There’s  a  great  feeling  when  you  finish  that  first  draft. 
Sure  it  has  a  lot  of  problems,  but  it’s  done.  You  got  to 
the  end.  You  conquered  the  monster.  However,  one 
thing I had to stop doing was getting attached to my first 
drafts. 
 
I  got  into  this  zone  where  I  would  want  to  keep  the 
majority  of  my  first  draft  the  same.  And why not? I had 
spent  so  much  time  and  effort  getting  this  thing  done. 
Why  tear  it  all  to  pieces?  This  was  a  serious  mental 
hurdle  that  hurt  my  writing  for  a  long  time.  The reality 
is  your  first  draft  is  probably  only  20-30%  of  your 
finished draft. 
 
The  first  draft  is  usually  a  lot  worse  than  you  think.  It 
likely  isn’t  even  close  to  the  idea  in  your  head.  Getting 
into  the  habit  of  rewriting  50%,  60%,  even  90%  of  your 
script  will  massively  help  your writing. That first draft is 
about  finishing  and  getting  pages  done.  But  once  the 
first  draft is out, the focus shifts to making decisions that 
73 
actually  make  the  story  better,  not  simply  hitting a page 
count. 
 
I  used  to  stop  myself  from  rewriting  because  I  didn’t 
want  to  admit  just how intense and time consuming it is 
to  write well. Thankfully, I’ve moved past this block and 
I hope I can help others do the same. 
 
The  rewriting  monster  must  be  faced.  Sometimes  it can 
be  a  little  easier  than  the  first  draft,  because  you  know 
what  you’re  dealing with. But it’s something you have to 
go  through  to  keep  getting  better.  Be ruthless with your 
first  draft.  Acknowledge  what  you  hate  about  it.  Be 
prepared  to  make  massive,  sweeping  changes  to  a  story 
that isn’t working. 
 
It  doesn’t  make  you  a  bad  writer.  It’s  just  part  of  the 
process.  Have  something  you  need  to  do  some  rewrites 
on?  Pull  it  out  today  and  start  working  on  that  next 
draft.   

74 
 
 
 
SECTION FOUR: 
Common Script Mistakes 

75 
 
 
CHAPTER SEVEN 
Common Script Mistakes 
 
Not  only  did  I  want  to  give  you  some  thoughts  on 
mindset,  but  I  want  to give you some practical rewriting 
advice  too.  These  are  just some of the common mistakes 
I  cover  in  the  Systematic  Rewriting  section  of  ​The 
Practical  Screenwriting  Course​.  There  I  have  more  time 
to  go  into  more  detail  and  cover  many  more  script 
mistakes. 
 
I’ve  read  a  lot  of  scripts.  I’ve read professional produced 
scripts,  professional  unproduced  scripts,  and  amateur 
scripts.  One  thing  I’ve  noticed  is  that writers of all levels 
seem  to  make  the  same  mistakes  over  and  over  again.  I 
wanted  to  write  this  to  help  writers  become more aware 
of  what  problems  they  are having and give a clear way of 
how to fix those problems. 
 
Let’s begin. 
 
 
 

76 
1. Most Scenes Don’t Have Meaningful 
Conflict 
 
A  lot  of  scripts  will  have  scenes  where  nothing  really 
changes in the characters or their relationships. No one is 
any  closer  or  farther  away  from  their  goal.  It’s  all 
stagnant. 
 
The  key  word  here  is  meaningful.  Just  because  your 
scene  has  people arguing doesn’t mean it has meaningful 
conflict.  Some  writers  confuse  dramatic  conflict  for 
arguments.  Those  are  not  the  same  thing  at  all. 
Meaningful  conflict  pushes  the  story  forward  and 
doesn’t exist just to fill pages. 
 
Solution 
 
First,  you  need  to  get  to  the  core  of  the  problem  to 
diagnose  whether  you  have  a  story  that’s  fundamentally 
broken,  or  you  just  have  a  few  scenes  that  aren’t 
working. 
 
Look  at  your  basic  idea,  what  is  the  conflict?  Look  at 
your  characters  and  their  beliefs  and  wants.  What 
serious, difficult problems have you actually mapped out 
in  front  of  them  that  will  challenge  their  beliefs?  Once 

77 
you  have  defined  the  central  conflict  of  the  story,  go 
back  through  and  take  out  every  scene  that  doesn’t deal 
with the central conflict. 
 
Sometimes you might go through this process and realize 
you  only  have  15  pages  left  or  less.  That’s  okay.  It  feels 
like  a  lot  of  work  down  the  drain,  but  it’s  an important 
lesson  that will stick with you. Don’t write scenes simply 
to fill up pages. Ever. 
 
If  you  just  have  a couple scenes that aren’t working, first 
start  by asking yourself whether or not they are necessary 
to  the  story.  If  you  can  delete  them  without  skipping  a 
beat  in  the  drama  of  your story, then delete them. But if 
you  realize  you need them, then you need to define what 
that reason is, and why they aren’t working.  
 
A scene should do one, two, or all of these things:  
1.  Reveals  information that turns the drama of the story. 
2.  Shows  a  character  action  that  turns  the  drama  of  the 
story. 
3.  Develops  a  character  in  a  way  that turns the drama of 
the story. 
 
You  need  to  define  the  reason  for  the  scene’s  existence 
then rewrite with this new understanding. 
 
78 
 
2. Conflict Is Solved Too Easily 
 
Something  that  seemed  like  it  was  going  to  be  a  big 
problem  was  solved  within  a  few  pages  of  it’s  entrance. 
The  audience  ends  up  not  caring  and  the  characters  are 
unfazed.  This  is  an  issue.  Any  conflict  that  doesn’t 
change  the  trajectory  of  the  story is unnecessary conflict 
and  either  should  be  deleted  or  should  challenge  the 
characters in a way that sends them on a new trajectory. 
 
Solution 
 
Ask  yourself  how  this  conflict  changes  the  characters. 
How  will  it  push  them?  And  how  will  it  push  them  to 
the next level where conflict will be escalated? 
 
One  of  the  best  ways  to  handle  this  is  by  thinking  of 
conflict  in  the  sense  of  costs.  A  character gets what they 
want;  they  defeat  the  army,  stop  the  school bully, or get 
away  from  the  cops,  but  it  costs  them  something.  They 
win  the  battle,  but  lose  too  many  troops.  The  school 
bully punches them in the face the day before prom with 
the  girl  of  their  dreams.  They  lose  the  cops,  but  not 
before being shot and now must hide while trying to stay 
alive. 
 
79 
When  characters  get  what  they  want,  but  pay  for  it, the 
story  keeps  moving  and  the  conflict  has  a  direct  impact 
on  where  the  story  goes.  In  a  dramatic  story,  conflict 
should  always  have  a  direct  impact  on  where  the  story 
goes. 
 
Consequently,  this  is  numbers  5  and  6  on  Dan 
Harmon’s  Story  Circle.  Number  5:  The  character  gets 
what  they  want.  And  number  6:  They pay a heavy price 
for  it.  This  can  apply  to  scenes  as  well  as  the  larger 
movements  of  your  screenplay  to  help  give  your  story 
the propulsion it needs. 
 
Unfamiliar  with  Harmon’s  Story  Circle?  Check  out  my 
Youtube channel for multiple videos on the topic. 
 
3. Unnecessarily Complicated 
 
So  many  scripts  end  up  being  a  lot  more  complicated 
than they need to be. This can happen because a concept 
is  overshadowing  a  story.  The  characters  are  taking  a 
backseat  to  this  wildly  complex  plot  that  is  confusing 
and  unfocused.  It  can also happen because there are way 
too many characters. 
 
Many  times  a  writer  may  not  even  know  how  exactly 
their  concept  works.  This  doesn’t  make  the  story  more 
80 
interesting.  It  usually  makes  the  story  more  ambiguous 
and less engaging. 
 
Solution 
 
Have  a  good  grasp  on  your  own  story  concept.  Even  if 
you  never  fully  explain  it  to  your  audience  in the script, 
you  need  to  know  exactly  how  it  works.  You  need  to 
know all of the rules. 
 
Focus  your  story.  Whether  that’s  your  concept,  the 
amount  of  characters,  or  something  else.  Pick  one 
character  to  be  your  main  character  even  if  you  have an 
ensemble  of  characters.  This  will  help  you  focus  your 
story and keep it simple. 
 
Even a film with a wild concept like Inception made sure 
to  remain  uncomplicated  at  its core. The whole concept 
is  this:  A  group  of  people  plant  an  idea  in  the  head  of a 
person  through  dreams.  That’s  it.  And  the  film  doesn’t 
waver from that. 
 
If  you  completely  lose  your  grip  on  what  your  story  is 
about,  you’re  in trouble. It’s okay to wander around and 
be  unsure  in the beginning, but once you have a finished 
story, you need to know what’s happening. 
 
81 
 
4. Coincidence and Convenience Drives 
The Script, Not Characters or the Conflict 
 
In  stories  with  this  problem,  things  just  happen  to  the 
characters,  with  little  purpose  or  direction.  It’s  fine  to 
have  a  few  moments  of  coincidence  that  hurt  the 
character,  because  that’s  believable  and  can  add  to  the 
conflict  of  the  story.  But  having  convenient  elements 
that  get  the  characters  out  of  a  tough  spot  will  bore  the 
audience. 
 
Solution 
 
Some  of  the  best  ideas  happen  when your characters are 
stuck  and  you  have  no  idea  how  to  get  them  out  of  the 
situation.  Rather  than  taking  the  easy  way  out,  give  the 
problem some thought.  
 
Focus  on  what  the  characters  you’ve  created  can  do  to 
get  themselves  out  of  a  bad  spot.  Focus  on  how  their 
actions  to  escape  a  bad  situation  change them as people. 
When  you  use  a  terrible  situation  to  reveal  more  about 
who  your  characters  are,  you  shove  the  story  forward 
while keeping your audience engaged. 
 

82 
Remember:  Coincidence  that  hurts  or  harms  your 
characters  is  much  more  acceptable.  Bad  things  happen 
that  are  out  of  our  control  all  of  the  time.  It’s  much 
easier  for  the  audience  to accept. Coincidences that help 
the characters is just lazy writing. 
 
5. Confusing Stories That End in an 
Equally Confusing Reveal 
 
A lot of writers believe that ambiguity makes their stories 
more  interesting  and  mysterious.  I’ve  found  that  this  is 
almost  always  not  true.  Ambiguity  is a delicate monster. 
Too  much  of  it  and  you  will  bore  your  audience.  Five 
pages of it and people stop reading. 
 
Ambiguity,  I’ve  found,  is  a  sign  of  an  amateur  writer. 
Mystery  is  different  from  ambiguity,  because  in  a 
mystery  the  audience  will  know  exactly  what  the 
characters  are  searching  for.  In  an  ambiguous  story,  the 
audience  simply  doesn’t  know  what’s  going  on.  How 
will  the  audience  empathize  and  engage  with  the 
characters if they have no idea what’s going on? 
 
 
 
 

83 
Solution 
 
The  biggest  solution  is  a  mindset  switch.  Too  many 
writers  are  just  subscribing  to  the  belief  that  ambiguity 
creates intrigue. And it doesn’t. When you stop believing 
this,  it  will  immediately  start  helping  you  cut  it  from 
your  story.  You  can  then  focus  on  making  sure  the 
audience  is  aware  enough  about  what’s  happening  to 
fully engage with the story. 
 
If  you’re  having  trouble  seeing  what’s overly ambiguous 
in your story and what’s just well placed exposition, then 
I  recommend  getting  someone  to  read  your  story  and 
then  ask  them  to  explain  to  you  what  happened. If they 
can’t  explain  the  main  points  of  what  happened,  then 
you  have  a  problem.  If  they  phrase  every  part  of  their 
explanation like a question then you have a problem.  
 
(Example  of  a  reader  phrasing  their  explanation  like  a 
question:  “And  so  then  he  figured  out  she  was  actually 
just in his own head the whole time, right?”) 
 
6. Story Lacks Philosophical Depth 
 
There’s  a  lot  of  surface  level  stories  that  are  focused 
entirely  on  the  external  conflict;  a  character  wants 
something  and  must  overcome  an  obstacle  to  get  what 
84 
they  want.  While  this  is  an  important  element  of 
storytelling, it lacks the depth that makes a great story. 
 
At  their  deepest  layer,  stories  deal  with  characters’ 
philosophical  beliefs.  What  do  characters  believe  about 
the  world  and  themselves  that  makes  them  want  things 
or  makes  them  do  things?  Why  does a character go after 
a  goal?  What  does the character believe about the people 
around them? 
 
These  sort  of  questions  create  the  deeper,  more 
meaningful  layer  of  the  story  and  is  really  why  we 
empathize and engage with the characters. 
 
Stories  that  lack  philosophical  or  moral  depth  end  up 
lacking  any real emotional depth because there’s no deep 
struggle  in regards to why the character wants something 
and how they relate to those around them. 
 
Solution 
 
Rather  than  starting  with  a  character’s  want  and 
obstacle,  start  by  thinking  about  what  beliefs  drive  the 
character  to  want  this  particular  thing.  How  will  those 
beliefs  come  into  conflict  with  the  beliefs  of  other 
characters?  What  would  it  mean,  on  a  philosophical 
level,  if  the  character  failed  to  get  what  they  want? 
85 
Would  the  character  believe  they  are  worthless?  Would 
it  mean  that  good  triumphs  over  evil?  Would  it  mean 
that love doesn’t exist? 
 
This  level  of  depth can connect with and challenge what 
the  audience  believes,  making  them  more  engaged  with 
the story. 
 
7. Protagonist Is A Genre Stereotype 
 
Many scripts have a protagonist that is cliche and boring. 
The  Mob  Son  who  must  prove  himself in a mob movie. 
The  Lonely  Detective  in  a  thriller.  The  Fat  Guy  who 
can’t  talk  to  girls  in  a  romantic  comedy.  The 
Hard-Working  Career  Woman  who  is  always 
overlooked.  The  Old  Agent  coming  out  of  retirement 
for  one  last  job.  These  are  not  characters.  They  are 
caricatures. And they should be avoided. 
 
Solution 
 
Build  full  characters,  not  caricatures.  Define  characters 
by  what  they  believe  and  how  those  beliefs  form  their 
actions.  Build  characters  that  are  as  unique  as  people. 
You  do  this  not  by  adding  facial  features,  or  talking 
about  what  sort  of  clothing  they  wear,  but by creating a 

86 
character  with  a  complex  belief  system  that  influences 
how they live their life. 
 
Does  this  mean  you  can’t  write  a  story  about  a  lonely 
detective  or  an  old  agent  coming out of retirement? No, 
you  can  still  write  stories  about  those  ideas.  But  you 
need  to  make  sure  those  characters  are  full  characters. 
Rust  Cohle  from  True  Detective  is  an  example  of  a 
lonely  detective  that  isn’t  cliche  because  Cohle  is  a fully 
fleshed out character, not a caricature. 
 
8. Villains Who Know They Are The Bad 
Guy 
 
The  most  boring  villains  are the ones that are aware they 
are  the  villain.  This  usually  happens  because  the  villain 
became  an  afterthought  in  the  story.  It  can  also  happen 
when  a  writer  is  trying  to  push  a  certain  message  by 
oversimplifying  the  opposition and making them easy to 
defeat. 
 
Solution 
 
The  solution  is  similar  to  the  solution  for  number  7. 
Give  your  antagonist  a  system  of beliefs that are actually 
legitimate and make sense for someone to follow. Build a 

87 
character  that legitimately believes what they are doing is 
correct.  Make  them  convincing  to  the  point  where they 
intensely  challenge  what  your  protagonist  believes.  The 
most  compelling  villain  makes  the  protagonist  and  the 
audience  question  what  they  believe  over  the  course  of 
the story. 
 
Remember,  human  beings  are  not  logical  creatures.  We 
justify  our  actions  to  ourselves  and  always  make 
ourselves  look  like  the  good  guy.  Your  villain  should  be 
no different. 
 
9. Characters Talk About What We 
Should Be Seeing 
 
I’ve  seen  a  lot  of  scripts  where  two  characters  stand  in a 
room  talking  about  events  or  other  characters.  These 
scenes  give  the  audience  an  exposition  dump  of  events 
that  the  audience  should’ve  seen.  The  characters  talk 
about  how  awesome  another  character  is  or  they  talk 
about some crazy event that just happened. 
 
Solution 
 
Show,  don’t  tell.  This  is a rule not only in screenwriting, 
but  in  all  types  of  storytelling.  It’s  much  more engaging 

88 
to  watch  or  experience  something  happen  than  hear  a 
character  talk  about what happened. When the audience 
experiences  the  event  in  the  story,  they  are  emotionally 
involved.  Without  that  emotional  involvement,  they 
disengage from the current scene. 
 
Why  not  just  write  the  more  interesting  version  of  the 
story?  Why  not  show  the  characters  dealing  with  the 
conflict  in  front  of  the  audience  rather  than  having  the 
characters  talk  about it? Screenwriters sometimes do this 
because  they have to create a story that takes place in one 
location,  so  they  have  characters  talk  about  events  that 
happened  somewhere  else  to  add  more  conflict  to  the 
story. This never works. If you’re writing something that 
has  to  take  place  in  one  location,  then create drama that 
can actually take place in that location. 
 
 
10. Style Over Substance 
 
This  is  more  obvious  in  a  final  film,  but  it  can  still 
happen  in  the  script.  Writers  can  write  in  unnecessary 
prose  or  break  script  convention  over  and  over  to  make 
themselves  seem  more  interesting  even  though  they 
don’t have much of a story. 
 
 
89 
Solution 
 
Story  should  always  be  the  focus.  Stylistic  elements  are 
only  engaging  when  they  are  built  upon  a  strong  core 
story.  It’s  fine to have your own style, but you cannot let 
that  take  away  from  the  story.  The  good  news  is  that 
your  personal  style  will  bleed  through  while  you’re 
focused on telling a good story. 
 
 
 
Now  that  you  have  a  better  understanding  of  these 
problems  and  how  to  fix  them,  apply  them  to  your 
writing.  Don’t  let  them remain something you read. Use 
the  information  and  improve.  Go  through  this  a  few 
times  if  it  helps  you.  Mistakes  are  a  part  of  the  writing 
process.  The  better  you  know  what  problem to look for 
and how to solve it, the better your writing will be. 

90 
 
 
Now What? 
 
Mindset  and  Processes,  not  Tactics  and 
Tricks. 
 
The  most  important thing I want you to take away from 
this  book  is  that  great  writing  comes  from  cultivating  a 
deeper  mindset  and  creating  a  strong  writing  process.  It 
doesn’t come from learning new tactics and tricks. 
 
While  other  screenwriters focus on how to incorporate a 
strong  midpoint  into  their  story,  focus  on 
understanding  philosophy.  While  other  screenwriters 
worry  about  whether  or  not  their  inciting  incident  is 
taking  place  on  page  10  or  page  14,  focus  on  building  a 
psychological  understanding  of  human  beings  so  that 
you can build deeper characters. 
 
While  other  screenwriters  follow  marketing  fads  and 
worry  about  what  genre  is  selling  right  at  this  second, 
focus on learning to write stories that will fundamentally 
move  the  audience  at  their  core.  While  other 
screenwriters  obsess  over  a  few  lines  of  witty  dialogue, 
91 
focus  on  constructing  a  story  with  strong  philosophical 
conflict, deeply drawn characters, and stakes. 
 
Fads  and  tactics  come  and  go.  Strong  storytelling 
remains.  It  is  always  better  to  focus  on  becoming  a 
strong  storyteller  than  to  try  and jump on a quick fad or 
popular concept. 
 
What Will You Do? 
 
Now  you’ve  gotten  to the end. Congratulations! I know 
I  covered  a  lot  and  you  may  feel  a  bit  overwhelmed.  In 
this  book  I  went  through  the  most  important  elements 
of  writing  and  how to create not only a good screenplay, 
but  a  mind  that  understands  the  world  deeply  and  can 
tell stories fully. 
 
At this point, you have two choices. 
 
Option  one,  you  can  see  this  book  as  something 
interesting  you  read one time and forget what I’ve talked 
about  inside.  Or  you  can  go  with  option  two.  You  can 
use  this  book  to  start  your  journey  from  a  struggling, 
confused writer to a laser focused storyteller. 
 
If  you  want  to  continue  your  transformation,  then  join 
me  and  hundreds  of  other  writers  in  ​The  Practical 
92 
Screenwriting  Course​.  The  course  builds  off  of  the 
information  in  this  book.  It  goes  deeper  into  actually 
building  an  environment  around  you  that  will  help you 
actually get your stories out onto the page. 
 
Not  only  that,  but  the  course  takes  the  Story  Pyramid 
and  shows  you  how  to  use  it  to  organize  your  draft  so 
that you can find and fix story problems. The course also 
teaches  you  how  to  give  and  receive  feedback  in  a  way 
that actually makes the story better. 
 
You  also  get  access  to  the  private  Facebook  Group  and 
can  immediately  join  a  community  of  writers  ready  to 
encourage you as you build your new habits. 
 
Jacob M. is one of my students. He said,  
“The  course  is  extremely  well  thought  out  and  highlights 
important  ideas  around  screenwriting  that  not  only  help 
you  write  better,  but  also  think  better,  see  things  clearer, 
and  conduct  different  tasks  better  which  is  all 
instrumental  in  making  you  a  better  writer  and 
storyteller.  In  the  last  70  days,  I’ve  written  65  of  them. 
And for the one’s I missed, I haven’t missed the day after.” 
 
 
 
 
93 
Jeremy G. is another student of mine and he said,  
“I  felt  like  I  finally  was  looking  at  a  course  that  was 
teaching  me  how  to  develop  my  thinking  so  I  could  think 
like a writer. And I had never seen that anywhere.” 

Bryan Q. said,  
“Your lessons have made me start writing everyday and at 
times  I’ve  often  used  it  as  a  form  of  motivation  to  get  me 
started.  I  feel  that  it  has  really  forced  me  to  make  a 
decision  about  writing  seriously  and  creating  that 
environment for me to really focus on my writing.” 

These  are  people  you  can  meet  inside  the  Facebook 

group.  Writers  who  have  seen  that  there  is a way to beat 
procrastination  and  writer’s  block.  And  that  writing  is 
something worth doing. 

If  you  want to learn more about the course, head over to 

PracticalScreenwriting.com. 

Stories  hold  meaning.  Stories  impact  people  and change 

cultures.  We  are  storytellers.  Our  job  is  important.  And 
we have a responsibility to do it well. 

I wish you all the best. 

Tyler Mowery 

94