CINEMA NOVO cinemanovistas, é fã do soviético
Serguei Eisenstein (1898-1948), diretor
Movimento de renovação da linguagem
cinematográfica brasileira, que ocorre
nos anos 1960 e início dos 1970,
marcado pelo realismo e pela crítica às
injustiças sociais ao retratar o
sofrimento de brasileiros que tentam
sobreviver num país desigual. Seus
filmes se caracterizam pela concepção
de cinema autoral e pelo baixo
orçamento de produção. Os diretores
que compõem o movimento buscam
imprimir uma linguagem própria e
marcar diferença em relação ao cinema
feito até então no Brasil.
O movimento tem seus primórdios no
fim dos anos 1950, quando um grupo
de jovens se reúne no Rio de Janeiro
para discutir os problemas do cinema
brasileiro e ver os filmes uns dos outros
em cineclubes. Na década seguinte,
são lançados os longas que fazem do
cinema novo um dos movimentos mais
marcantes da cultura brasileira.
Uma espécie de marco inaugural
é Cinco Vezes Favela (1962), dirigido
por um grupo que conta com diretores
de cinema como Joaquim Pedro de
Andrade (1932-1988), Cacá Diegues
(1940) e Leon Hirszman (1937-1987).
Na sequência, são realizados filmes
como Os Cafajestes (1962), de Ruy
Guerra (1931), Vidas Secas (1963),
de Nelson Pereira dos Santos (1928-
2018), e Deus e o Diabo na Terra do
Sol (1964), de Glauber Rocha (1939-
1981), entre outros.
Parte desses filmes contém a chamada
Eztetyka da Fome, que Glauber torna
pública em 1965. Um dos mais notórios
integrantes do movimento, o diretor
defende que o homem latino-americano
precisa comunicar sua miséria e reagir
a ela de forma violenta, algo que o
cinema novo faz por meio de
personagens que comem terra e
raízes, que roubam e matam para
comer. Segundo ele, o homem
colonizado é um escravo enquanto não
ergue as armas. Glauber, como outros
de O Encouraçado Potemkin (1925),
clássico do cinema mudo sobre uma
revolta de marinheiros.
Cacá Diegues define o clima da época
como um delírio de fazer filmes
decisivos, a fim de mudar a história do
cinema, a realidade brasileira, o
mundo. O planeta fervilha com guerras
de descolonização na Ásia e na África
– como a Guerra da Argélia (1954-
1962) – e com o embate ideológico da
Guerra Fria – Cuba faz sua revolução
em 1959. O Brasil vive uma novidade,
um governo de esquerda: João Goulart
(1961-1964), deposto em 1964 por um
golpe civil-militar que inaugura uma
ditadura de 20 anos.
O “delírio” pode ser grandioso, mas se
concretiza com simplicidade, por meio
de filmes anti-industriais, sem estúdios
nem grandes orçamentos. É uma
crítica às produções da Companhia
Cinematográfica Vera Cruz (São Paulo)
e da Atlântida Cinematográfica (Rio de
Janeiro), especialmente às
chanchadas, filmes de caráter
humorístico, popular, muitas vezes
parodiando o cinema dos Estados
Unidos. A meta é lutar contra o que se
considera uma colonização cultural
sofrida pelo Brasil, fazendo filmes que
sensibilizem o público para os
problemas do país. Filmes modernos e
contemporâneos aos cinemas novos de
outros países.
Diegues afirma que a nouvelle
vague francesa e o pós-neorrealismo
italiano dão uma pista do que os
cinemanovistas buscam: uma política
de grupo que os fortalece e um modo
viável de fazer cinema, com filmagens
fora dos estúdios, luz natural e outros
recursos, de acordo com suas
intenções cinematográficas. Como
defende Glauber, o princípio é ter “uma
câmera na mão e uma ideia na
cabeça”. Ao optar por esse estilo, o
cinema novo introduz elementos da
moderna tecnologia audiovisual no
Brasil, como negativos de maior
sensibilidade e câmeras leves.
Sobra voluntarismo, mas falta
distribuição. Os filmes têm pouca
exibição nos cinemas brasileiros, mas
começam a ser vistos e premiados no
exterior. Isso atrai a atenção da crítica
europeia, interessada no então
chamado terceiro mundo e aberta ao
cinema de autor. Entre 1960 e 1972, o
cinema novo ganha 45 prêmios
internacionais, inclusive em Cannes.
Num festival na Itália, Gustavo Dahl
(1938-2011) declara que sua geração
não quer saber de cinema, e sim ouvir
a voz do homem. Esse conceito, que
Glauber destaca como síntese do
movimento, é também apontado como
uma utopia e um erro, já que os
cineastas não têm origem popular e
não vivem em meio ao povo.
Com o passar do tempo e com o
reconhecimento, o movimento
consegue apoio de órgãos públicos de
fomento, mesmo durante o regime
militar. Mas não desperta o interesse
do grande público. Acredita-se que a
burguesia e a classe média não gostam
do Brasil ali retratado, e que só
estudantes e intelectuais com a mesma
ARTE DA PERFORMANCE
A performance art ou performance
artística é uma modalidade de
manifestação artística interdisciplinar
que surgiu na Europa e nos EUA na
década de 1960. O termo descreve
uma arte que é viva, mas que opera
fora das convenções tradicionais de
teatro ou música. Os primeiros
exemplos representaram um desafio
para as formas de arte ortodoxas e
para as normas culturais, criando uma
experiência de arte efêmera, que não
pode ser capturada ou comprada. Suas
origens estão ligadas aos movimentos
de vanguarda (Dadaísmo, Futurismo,
cultura política dos realizadores veem
os filmes. Sem acesso ao público, as
possibilidades de combater o
imperialismo cultural e desalienar o
povo ficam limitadas.
Com a decretação do Ato Institucional
nº 5 (AI-5), em 1968, e o
endurecimento da ditadura, fazer
cinema revolucionário se torna
perigoso, inviável. Glauber parte para o
exílio, o movimento arrefece e acaba
não se beneficiando da criação, em
1969, da Embrafilme, dedicada a
fomentar a produção e distribuição de
filmes – embora a existência dessa
empresa pública seja considerada um
legado das batalhas do movimento.
O cinema novo é uma época de
produção intensa de filmes e ideias, em
que a ordem é fazer política por meio
do cinema, à margem do sistema e de
suas engrenagens comerciais,
contrariando quase tudo que se faz no
cinema brasileiro e propondo um olhar
novo e autoral sobre a realidade. Não
cativa o grande público, mas marca
época e se torna o movimento
cinematográfico brasileiro mais
importante e reconhecido no mundo.
Bauhaus, etc.) do início do século XX.
Difere do happening por ser mais
cuidadosamente elaborada e não
envolver necessariamente a
participação dos espectadores. Em
geral, segue um "roteiro" previamente
definido, podendo ser reproduzida em
outros momentos ou locais. É realizada
para uma platéia quase sempre restrita
ou mesmo ausente e, assim, depende
de registros - através de fotografias,
vídeos e/ou memoriais descritivos -
para se tornar conhecida do público.
Arte performática é o termo geral
utilizado para descrever uma variedade
de atividades, incluindo happenings,
arte do corpo, ações, eventos, e não-
matriz do teatro. Dentre as primeiras
performances podemos mencionar a de
Yves Klein, realizada em 1960 e
apresentações do grupo Fluxus, no
mesmo período. Numa de
suas performances, Joseph Beuys
passou horas sozinho na Galeria
comentava detalhes sobre as obras
expostas. Em alguns momentos, as
performances de outros artistas tiveram
ligação direta com as obras das artes
do corpo (body art), especialmente
através dos Ativistas de Viena, no final
da década de 1960.
LAND ART
A Land Art faz parte da arte conceitual,
um movimento de vanguarda que
surgiu nos Estados Unidos e na Europa
no fim dos Anos 60 e meados de 1970.
Uma das principais características da
arte conceitual era de que a ideia ou o
conceito, propriamente dito, eram mais
importantes do que a aparência ou
perfeição da obra.
O termo "arte conceitual" foi utilizado
pela primeira vez por Henry Flynt, um
filósofo, escritor e artista americano
ligado a vanguarda de Nova York. Flynt
afirmava que os conceitos eram a
matéria da arte, a própria ideia ou o
significado seria a linguagem.
Dentro da arte conceitual, a execução
das obras não tinham tanta relevância
quanto o próprio sentido dela, também
não haviam exigências para que as
obras fossem criadas pelos próprios
artistas, muitas vezes, a execução do
trabalho era destinada a outras
pessoas, que tinham mais habilidades.
No final, o que importava era
elaboração do projeto, sua concepção
e não a materialização.
Foi dentro desse contexto que surgiu a
Land Art, um movimento artístico que
além se aprimorar da base conceitual,
também trabalhou a ideia de
intitulada Le saut dans le vide e as
Schmela, em Düsseldorf, com o rosto
coberto de mel e folhas de ouro,
carregando nos braços uma lebre
morta, a quem
apropriação dos espaços naturais. Isso
porque, durante esse período, surgiram
muitos movimentos que defendiam a
preservação da natureza, dos
ecossistemas, e valorizavam a
conscientização.
Somado a isso, os artistas da época
também consideravam a necessidade
de romper com os padrões tradicionais
que limitavam as obras de arte aos
museus, e de popularizar o acesso à
arte, para garantir novas experiências
ao espectador.
Características da Land Art
A Land Art, ou Earthwork (Arte da
Terra) tem como principal característica
a integração com o meio ambiente. Os
artistas que fazem parte desse
movimento utilizam os espaços e
paisagens naturais como “sua própria
tela”, todos os elementos da natureza
servem como parte do processo
criativo ou se integravam a própria obra
final.
Uma dos fatores para essa escolha era
a de que os artistas da época
buscavam outras alternativas que não
a comercial. A ideia era romper com o
sistema tradicional, em que para se ter
acesso a uma obra de arte as pessoas
precisavam ir às galerias ou museus e
tornar as paisagens, algo tão comum
no cotidiano, o próprio espaço da arte.
Eles também tinham a intenção de
chamar a atenção para a natureza em
si, e mostrá-la como uma potência.
Quem se dedicava a essa estética
utilizava madeiras, folhas, areia, rocha,
galhos, rios, lagos, se aproveitavam
das paisagens.
Como a natureza era o local escolhido
para realizar esse tipo de arte, as obras
podem surgir em desertos, montanhas,
mares, lagos, lagoas, praias, canyons,
campos, planícies, planaltos, todos
esses lugares podiam ser utilizados
para esse fazer artístico. Como a Land
Art é realizada em espaços exteriores e
tem dimensões proporcionais ao
espaço natural, a menos que as
pessoas visitem o local onde elas
foram construídas, só é possível
conhecê-las dentro de um museu
através de fotografias.
Às vezes, a Land Art também pode se
apresentar em galerias quando
incorporadas a algumas matérias-
primas naturais do próprio espaço, nas
instalações e até mesmo integrada às
esculturas de um museu.
Entre as principais características da
Land Art, estão:
 Influência do movimento
minimalista e da arte conceitual;
 Integração à natureza e ao meio
ambiente;
 Valorização da natureza;
 Utilização de recursos naturais;
 Crítica à arte comercial
tradicional;
 Rompimento com os espaços
tradicionais, como a galeria e o
museu;
 Obra, natureza e espectador
deviam estar em interação.
Principais nomes do movimento
Sem dúvidas, quando se fala em Land
Art um dos nomes que mais despontam
é o de Robert Smithson. Seu trabalho
“Spiral Jetty” ou quebra-mar em espiral,
de 1970, alcançou grande
reconhecimento. A obra consiste em
uma estrada feita de terra e pedras de
basalto negro, localizada no Great Salt
Lake, em Utah, nos Estados Unidos.
Apesar de ser muito conhecido, esse
trabalho passou grande parte do tempo
submerso embaixo d’água, o que só
reforça um dos pontos essenciais da
Land Art, a efemeridade. O desgaste
dos materiais pela chuva, vento, neve,
erosão, também acrescenta valor às
obras.
As criações de Christo Vladimirov e
Jeanne-Claude Denat também ganham
esse aspecto efêmero. Christo era um
escutor e designer búlgaro já Jeanne-
Claude era uma escultora marroquina,
ambos nasceram em 1935 e juntos
formaram um casal de artistas que
ficaram famosos por obras de land art.
Eles envolviam e empacotavam vários
objetos, a ponto de moldarem a sua
forma temporariamente. Uma das
obras mais famosas da dupla foi a
“WrappedReichstag” de 1995, em que
eles embrulharam o edifício do
parlamento alemão em um tecido
imenso.
Richard Long também se destacou na
Land Art. O escultor e pintor inglês foi
um dos mais influentes do movimento.
Long gostava de trabalhar com formas
geométricas, como círculos, espirais e
linhas, além disso, ele se tornou muito
conhecido por suas esculturas de
pedras. Outros nomes como o de
Nancy Holt e Michael Heizer também
surgem com destaque nesse
movimento.
Land Art no Brasil
A Land Art não teve a mesma
popularização no Brasil como nos
Estados Unidos e na Europa, ao
menos, não com as mesmas
definições. Mas é possível identificar
alguns desdobramentos um tanto
distantes do sentido original da
earthwork.

As experiências não necessariamente

estavam integradas às paisagens, mas
buscavam evidenciar os ambientes
naturais. Em um trabalho, conhecido
como Projeto Fronteiras, desenvolvido
em 1999, artistas como Angelo
Venosa, Carlos Farjado, Eliane Prolik e
tantos outros fizeram algumas
intervenções em países do Mercosul
que faziam fronteiras com o Brasil.

A iniciativa originou vários outros

projetos que propunham experiências
com o meio ambiente e também novas
intervenções no espaço urbano.
Embora não cumprissem os mesmos
princípios da Land Art, muitas obras
buscaram a valorização dos espaços
naturais e a continuidade da arte
conceitual.