“El Negocio de la Música”

Secretos y estrategias.
Michael Hernández
¨Intro¨
Después de haber escrito el libro “Sé un
Artista Independiente Exitoso” he recibido
muchos comentarios positivos, en realidad
bastantes, por lo cual estoy muy agradecido,
pero a la misma vez también he recibido
algunos comentarios como “No puedes hablar
de ser un artista independiente exitoso si tú no
has tenido éxito” “Hablando de tener éxito y
aun tú no eres famoso” “Como vas a darnos un
buen consejo de ser un artista exitoso cuando
tú no lo eres” La verdad es que me da mucha
risa y a la vez tristeza escuchar este tipo de
comentarios. Si analizamos los comentarios nos
daremos cuenta de que todos se concentran en
una sola definición (ERRÓNEA DE HECHO) y es
que todos creen que ser un Artista Exitoso
significa ser “Famoso”.
En este libro te darás cuenta que para un
artista (Compositor, intérprete, productor)
llegar a ser exitoso siempre va a necesitar del
conocimiento y de los consejos de otras
personas bajo su sombra, que nadie conoce,
que quizás nunca han aparecido en televisión,
pero tienen un título o diploma en la pared de
su casa que dice “Fundamentos del Negocio
de la Música, Berklee Online”, además de
haber ayudado en la carrera musical de cientos
y cientos de otros artistas, que hoy en Día,
están generando miles de dólares con sus
canciones, que quizás también sean
cantautores, que tienen sus propios
lanzamientos como solistas y que han generado
ingresos y recuperado lo invertido aunque
todavía no sean súper famosos, que reciben
muchos mensajes diariamente de otros artistas
consultando y aclarando dudas sobre el negocio,
a lo mejor han logrado rescatar la carrera
artística de algunos cantantes famosos,
evitando el robo y la perdida de regalías,
logrando así la recuperación de los derechos de
autor de otros artistas, quizás sean youtubers y
tengan ya más de 100 Mil suscriptores en sus
canales y creciendo, que hayan creado más de
650 videos en los últimos 5 años, entre los
cuales más del 80% sean todos orientados a
apoyar a los creadores de contenido, Músicos,
Productores, Managers, Influencers, etc. O que
quizás alguno de ellos se llame Michael
Hernández jajaja fue bastante obvio, ¿cierto?”.
Bueno quizás no tenga 1 Millón de seguidores
(por ahora) pero sí sé que en muchas de mis
canciones (las cuales han alcanzado más de
100K Vistas orgánicas) he recibido mensajes
como los siguientes:

Disculpen que suene un poco arrogante, pero

era necesario que les compartiera algunas cosas
sobre mí y a lo que me dedico (que de hecho,
actualmente vivo de esto) Gracias a Dios, te
aseguro que no vas a perder el tiempo al leer
esta joya de libro. En fin, el éxito se mide por
la calidad y el corazón con el que haces las
cosas, y comentarios como esos y los más de
800 otros comentarios que no coloqué en este
libro, son para mí más que un éxito.
Este libro es como la continuación de mi
primer libro “Sé un artista independiente
exitoso” para que los que leyeron el primero,
con este, puedan ampliar aún más, el nivel de
conocimiento hacia el universo del negocio de la
música y manejar todos los ámbitos de su
carrera artística o de sus artistas totalmente
independiente. Y para los que no han leído el
primero, de igual forma, este libro será como
una inyección que les catapultará hacia una
atmósfera donde podrán mirar con sus propios
ojos qué hacer para lograrlo.
Aprenderás a cómo vivir de la música aunque
no seas muy conocido por la prensa y los
fanáticos de la música, Los términos que
conocerás en este libro, si los pones en práctica
te harán sonar como todo un profesional de la
materia, cuando hables del tema.
Vas a terminar con todos los conocimientos y
herramientas necesarios para formar tu propia
empresa de distribución digital, Conocerás las
mejores estrategias para mercadear tu música
como artista o la de tus artistas como manager.
También, y no menos importante, sabrás cómo
funcionan las sociedades de gestión colectivas
(BMI, ASCAP, ETC), SoundExchange entre otros
puntos muy importantes para tu carrera. En fin,
siempre que alguien te escuche hablar sobre
música, va a reconocer que sabes de lo que
estás hablando, y verás cómo empezarás a ver
tus resultados económicos crecer y crecer sin
límite.
 Capítulo I – El Negocio de la Música
”Historia del negocio”
La historia de la industria musical es
relativamente nueva, en realidad no tiene más
de 100 años, pero a pesar de los pocos años
que tiene, ha sufrido muchos cambios gracias al
avance y al crecimiento de la tecnología.
Quizás te escuche preguntar ¿Y porque debe
importarme la historia del negocio de la
música? si es así, permíteme responderte que
si tocas en una banda, eres cantante solista,
eres mánager de artistas eres promotor musical
o trabajas en un estudio de grabación, entonces
eres dueño de un Negocio Musical. Razón
suficiente para que te interese. ¿Cierto?
Así que aunque no te guste, los cambios y
acontecimientos históricos que han venido
sucediendo durante este siglo en el negocio de
la música afectan de manera significativa el
grado de éxito que puedes tener con tu música
o con tu negocio musical. Lo primero que debes
hacer para dar tu próximo paso como artista o
empresario de la música es saber qué ha
pasado en todo este tiempo y cómo encajas tú
en esta nueva era del negocio.
Si has estado tocando puertas aquí y allá,
tratando de sacar a flote tu carrera y aun así
sientes que tu música sigue sin ser descubierta,
entonces vas a encontrar muchas respuestas en
este breve resumen sobre la historia del negocio
de la música.
Bien… La historia de la industria musical
está dividida en 6 etapas.
Cada etapa similar, pero diferentes en cuanto
a los procesos que se dieron en los cambios de
los hábitos de consumo de la música, por parte
de los fanáticos. Entender esto te va a ayudar a
comprender porque ha evolucionado de esta
manera la industria y porqué estamos donde
estamos.

Etapa 1 - El Nacimiento de la industria

Musical
En los días anteriores a la música grabada, la
industria musical era algo muy diferente a como
es hoy en día. La industria estaba centrada
alrededor de la música en papel, o partituras,
como nosotros la conocemos, lo cual era la
manera en cómo la música se distribuía en
aquel tiempo al público.
Por lo tanto, la única manera en la que tú
podrías escuchar música era comprando las
partituras y tocándolas en tu casa ya fuese con
el piano o el arpa, los dos instrumentos más
populares de esa época, por lo que
originalmente, la industria musical promovía la
canción, no al artista.
Imagínate eso, si alguien quería escuchar
música, la única forma para lograrlo era
reuniéndose con sus familiares y amigos donde
músicos pudieran ejecutar sus instrumentos al
son de la lectura musical en las partituras. La
música solo se apreciaba si era tocada en vivo
por algún músico, así que si en tu círculo de
amigos no procuraban que por lo menos uno
fuera músico, se pasaba la noche sin música,
súper aburrido ¿Cierto? Lamentablemente esa
era la única forma porque no existía ningún tipo
de aparatos electrónicos en el siglo 18.
Para finales del siglo 19 el centro de la
industria se encontraba en el distrito de Tin
Pan Alley, en Nueva York, en las oficinas de
las compañías editoras de esa época que
agrupaban a los compositores que producían
música en papel para el consumo de sus
clientes, mayoritariamente músicos.
Cuando los Player Pianos (también conocidos
como Pianola) salieron al mercado, las
compañías editoras crearon un sistema que
ahora llamamos “promoción” para tener sus
canciones incluidas en los rollos de los player
pianos, un mecanismo que hacía que los pianos
se tocaran por sí solos. Hoy en día, esos pianos
siguen existiendo, aunque claro, con un
mecanismo digital basado en Linux o Windows
para la auto-ejecución de las canciones. El
punto es que la Promoción como actividad
pronto se convirtió en una parte esencial de la
industria musical.
Luego las nuevas tecnologías para la
distribución de la música cambiaron el enfoque
de la industria, de la canción al artista.
El primer tocadiscos, el gramófono, se
introdujo en 1890 y por primera vez en la vida
de las personas, ahora era posible consumir y
disfrutar de la música a conveniencia sin la
necesidad de tener a alguien que supiera leer
partituras. En los años 20’s se introdujo la
radio, y la distribución musical creció
rápidamente haciendo que canciones y artistas
populares se extendieran en el consciente de las
audiencias de manera rápida.
Cabe destacar que para 1920, también
aparecieron las primeras películas con sonido, lo
cual fue otra forma de diseminación musical.
En 1932, se abrió la primera tienda musical, la
George Song Shop en Johnstown, PA y para
1941, se abrió la que sería la primera tienda en
cadena, la Tower Records.
Durante éste período, empresarios de todo el
mundo comenzaron a reconocer las
oportunidades de la industria musical, mientras
que 200 casas discográficas se crearon en USA
y las tiendas de discos comenzaron a abrir en
cada pueblo. Millones de personas de una sola
generación vivieron los cambios tecnológicos
que en tan pocos años trajeron nuevos formatos
de diseminación musical como el vinyl, la tienda
de discos y los medios y sistemas
promocionales, como la radio y las películas.
Algo muy importante que no se puede olvidar
decir es que en esa misma época el enfoque de
los negocios de las empresas de la industria era
vender los aparatos reproductores no la música,
la música era utilizada como a las mujeres hoy
en día, solo para vender el producto. (Sin
ánimo de ofender, es lamentable)
Años después, estas mismas empresas
cambiaron su enfoque y comenzaron a
dedicarse a la creación de ídolos y estrellas de
rock y entonces vender la imagen. Y así
funcionaba la industria musical de aquella
época.
Etapa 2 – La Industria Musical Original
La industria original como la conocemos hoy
en día realmente comenzó en el período que
duró de los años 50’s a los 80’s. Si, esa misma
industria fabricadora de súper estrellas, ídolos y
celebridades. Básicamente, el concepto de
Celebridad de la Música (O “Rockstar”, como lo
conocemos de manera contemporánea) no
existía antes de ésta época, y fueron las
mismas empresas de la industria musical
quienes se encargaron de crear ídolos y
celebridades en el afán de vender aparatos
reproductores de música.
 No tenían ni idea de lo que habían creado y
del potencial monetario que tendría esta nueva
figura económica en el futuro.
Durante esta época, el negocio de la música
experimentó crecimientos inesperados. Las
ventas y ganancias dentro de la industria
llamaron la atención de Wall Street, lo cual llegó
a ser uno de los momentos clave en la historia
musical.
A continuación vamos a ver una vista
panorámica de cómo era manejada la industria
musical en este tiempo.
●Durante casi 50 años, la manera en cómo
se manejaba la industria era siempre la
misma. El artista (generalmente después
de enviar su cassette demo) era firmado
para un contrato discográfico por una
casa disquera.
●La disquera asignaba un A&R (Artist and
Repertoire; Ejecutivo cazatalentos de una
casa disquera) para que fuese el enlace
entre el artista y el mánager de producto
de la compañía discográfica para los
lanzamientos musicales.
 ●En el principio, el A&R asignaba también a
un productor, quien era responsable de
realizar el disco, aunque esto se convirtió
eventualmente en una decisión mutua
con el paso de los años.
●Muchas veces el productor era parte del
staff de la disquera, mientras que en
otros casos, el A&R también servía doble
trabajo como productor.
La estructura se miraba de la siguiente
manera:
En los primeros años de la industria del disco,
los artistas tenían poco control sobre el
producto final, mayormente eran los
productores quienes tenían el dominio
completo. Mientras la industria iba
desarrollándose esto cambió, y cada vez más
artistas demandaban control.
Después de que la canción o el álbum se
grababan, la casa disquera manufacturaba el
vinyl (y después, el cassette y el CD) y lo
distribuía a sus tiendas dedicadas al menudeo a
través de la propia red de distribución de la
casa disquera o a través de otros distribuidores
independientes (mayoristas), quienes ponían el
producto en cada tienda de discos,
restaurantes, tiendas departamentales y
cualquier otro lugar en donde se pudiese rentar
espacio.
Las casas disqueras también eran
responsables del marketing y promoción del
disco, lo cual giraba alrededor de la radio. Todos
los artistas dependen únicamente de la radio
para poder vender sus discos.
Dice Rupert Perry, alto ejecutivo de EMI
Music: “Otro punto importante es saber cómo
la gente consumía contenido en esos días, lo
que era que la gente escuchaba su música en la
radio, enteramente. Luego, los japoneses
vinieron con la radio de transistor, la cual era
portátil. De repente, la portabilidad significaba
que el consumidor no tenía que estar sentado
en su casa frente a la radio. Y ese fue el
comienzo de algo más desde el punto de vista
de la distribución. Tú puedes ver todas las cosas
que han cambiado, pero de pronto, ves a la
radio de transistor y te pones a pensar; ¡Rayos!
La portabilidad era tan importante.” El tiempo
de rotación en radio era crucial para el éxito de
un disco y ello resultó en la creación de grandes
departamentos de promoción dentro de las
casas discográficas dedicadas a obtener rotación
en radio a como diera lugar.
El artista realizaba promoción ocasional en la
radio, pero generalmente, no había mucha
comunicación entre el artista y el fan.
La gran suerte era que en esa época la
comunicación entre el artista y el fan no era tan
necesaria durante esa época, gracias a la gran
influencia que tenía la radio.
Es importante saber que debido a prácticas
deshonestas por parte de las casas discográficas
se desarrollaron tecnologías maravillosas como
por ejemplo: para poder exagerar las posiciones
en los charts, las casas discográficas pagaban a
las tiendas de música una cantidad de dinero
para reportar intencionalmente que un disco
estaba vendiendo, aún y cuando no. Tiempo
después, ésta práctica se puso a prueba con la
implementación de la tecnología SoundScan, la
cual computaba los datos de ventas de álbumes
vía el escaneo del código de barra. ¿Por qué
alguien llevaría a cabo una práctica como la
anterior basada en la mentira? Fácil, para elevar
el “valor percibido” de un artista o un álbum y
hacerlo ver bien con la finalidad de que vendiera
más.
Otra práctica deshonesta de esa época era lo
que llamaban El Síndrome de Platino. Para
exagerar las ventas las casas discográficas
enviaban enormes cantidades de discos para
simular que se estaban vendiendo hasta en pre
ventas y así lograr el premio de Disco de Platino
para engañar a la gente y vender más.
Bien para finalizar esta segunda etapa,
debemos entender claramente que en esta
época:
●La casa discográfica es todopoderosa y tiene
el poder de crear ídolos, celebridades y estrellas
de rock.
●El artista está aislado de los fans y no
mantiene comunicación con su público.
●La radio es la clave de los hits.
●Los artistas tenían la oportunidad de lanzar
múltiples álbumes para poder desarrollar su
carrera a largo plazo.
●Es un mundo de singles.
●Pero el álbum hace más dinero.
 
Etapa 3 – La Época Corporativa
En la siguiente etapa del negocio de la música,
se produjo un nivel impresionante de ganancias
nunca antes visto en la historia de la industria
musical, que es muy dudoso que alguna vez
volvamos a ver un crecimiento con éste
precedente. Con la llegada del CD en 1982, las
compañías discográficas experimentaron un
crecimiento en sus ganancias de varias
maneras. Debido a que la tecnología para crear
CD’s era cara en un principio, las discográficas
aumentaron el precio de cada disco al mismo
tiempo que disminuían la regalía al artista, con
el supuesto argumento de que se trataba de un
“gasto de tecnología”. Mientras que el precio al
menudeo del disco nunca bajó aún y cuando la
tecnología se amortizó y se hizo barata, los
artistas eventualmente se dieron cuenta de la
situación y no les pareció. Quizás lo mejor que
pudo haberles sucedido a las casas discográficas
en ese tiempo fue la habilidad de vender todo
su catálogo de artistas a un público dispuesto a
cambiar de vinilo a CDs y comprar una copia del
álbum que ellos ya tenían en vinilo.
 Los consumidores compraron el nuevo formato
de CD que ahora contenía mejor calidad de
sonido para suplementar sus nuevas colecciones
de CDs, y de esa manera, proveyeron recursos
financieros a las discográficas que tenían
enormes volúmenes de catálogo. Una
oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si
tomamos en cuenta que los mayores costos de
la producción de un álbum se encuentran en la
promoción, pues entonces estamos hablando de
que las discográficas  tenían un ahorro de
alrededor del 60% al 70%, debido a lo que
mencionábamos antes; la música de catálogo ya
había tenido su época de promoción en los años
anteriores; ya no había necesidad de volver a
promocionar a esos artistas con éste nuevo
formato.
Ahora resultaba que las compañías
discográficas tenían, con el formato de CD, un
excelente negocio que arrojaba ganancias por
donde quiera, lo cual atrajo inmediatamente la
atención de Wall Street. Mientras que en los
años anteriores, la industria del disco había sido
considerada por Wall Street como un ente sin
mucho interés de entre todas las ramificaciones
de la industria del entretenimiento, ahora
resultaba que eran los consentidos de los
inversionistas, y fue en ésta época en la que
comenzaron las grandes fusiones:
●Columbia Records fue comprada por Sony (Y
eventualmente convirtiéndose en Sony Music).
●Warner Bros. Records fue comprada por Time
Inc. Convirtiéndose de esa manera en Time
Warner.
●Universal Music fue comprada por Matsushita
y después ambos comprados por Vivendi.
●EMI fue comprada por Thorn Industries.
●Polygram ya era operada por Philips, y la
MBG era operada por Bertelsmann AG.
●Las 6 grandes compañías discográficas ahora
estaban bajo control de un conglomerado.
 
La llegada de MTV
Durante ésta etapa, otro acontecimiento
inesperado que ayudó al crecimiento de la
industria llegó en un nuevo formato de
diseminación musical a través de la televisión
llamado MTV. De un día a otro, la música ahora
estaba en la televisión, y un nuevo nivel de
exposición incrementó las ventas de nuevo. MTV
de pronto tenía el poder de “crear” un hit, al
igual que la radio en su tiempo, por el simple
acto de poner un video musical en rotación
constante. Con la llegada de MTV, de pronto la
imagen llegó a ser más importante que la
habilidad musical. Si no te mirabas atractivo/a,
no tenías rotación en MTV; y si no tenías
rotación en MTV, tus probabilidades de hacerla
en grande en la industria musical simplemente
se desvanecían.
La habilidad musical, o talento, dejó de ser el
componente necesario a ser un componente
más, ahora que la imagen era lo que las
discográficas más buscaban.
El alcohol y la edad para tomar
Sé que te preguntas ¿y qué tiene que ver esto
con la industria? déjame explicarte lo que
provocó las leyes para tomar alcohol y conducir
en esta época en los estados unidos
Antes de 1972, la edad legal para tomar tenía
un rango de 18 a 21 años, dependiendo del
territorio en donde se estuviese, pero la guerra
en Vietnam trajo consigo el argumento de que
“Si tengo edad legal para pelear por mi país,
entonces debería tener edad legal para tomar”.
Entonces muchos de los otros estados de
Estados Unidos acordaron de que si una
persona tenía la edad suficiente para votar y
pelear por su país, entonces también debería
tener la  edad legal para tomar, por lo cual se
bajó el rango a 18 años.
¿Qué significó esto? La situación de pronto
abrió la oportunidad para que abrieran en masa
nuevos locales de esparcimiento, como son los
bares, restaurantes, antros, clubes, boliches (el
sinónimo de club nocturno en Argentina y otras
partes de América Latina) y salas de concierto,
ya que con el pase de ésta ley, de pronto se
incrementó la demanda de alcohol en tal
medida que había que acomodar a éste enorme
mercado de consumidores, al mismo tiempo que
había que atraerlos con entretenimiento en
vivo.
Esto significó un acontecimiento enorme para
la industria musical, ya que la situación le
ofrecía la oportunidad a cualquier músico
mediocre de tocar en cualquier lugar y
desarrollar sus habilidades artísticas y
musicales, de la misma manera en como lo
hicieron los Beatles en Hamburgo en 1962.
Los Beatles dedicaron no sólo uno o dos años
de tocar 8 horas diarias 7 días a la semana.
Dedicaron 10 años. ¿En qué clase de artista
crees que pudieras convertirte si te tomaras una
preparación de 10 años tocando diariamente 8
horas? Experimentando con sonidos nuevos,
con toda clase de géneros, imagen, estilos,
ejecución en el escenario, etc. La respuesta es
obvia; terminarás convirtiéndote en un artista
legendario de clase mundial. Precisamente
como Los Beatles.
Desafortunadamente, también era fácil caer
en la trampa de tocar en clubes nocturnos por
siempre, debido a que el dinero que se pagaba
en esa época era tan bueno, pero aquellos con
la suficiente ambición tomaron sus días tocando
covers en clubes nocturnos por lo que eran y
continuaron adelante con sus vidas artísticas
después de aprender lo que necesitaban
tocando constantemente frente a grandes
audiencias. Y así fue como los años 70’s
experimentaron un crecimiento sin precedentes
en la historia de la industria musical, creando
muchos de los artistas clásicos que han
influenciado casi toda la música que
escuchamos hoy en día.

Etapa 4 – La Era de la Música Digital

El día en el que el primer archivo de mp3 fue
compartido, ese fue el primer día de la nueva
era de la industria musical (En algún momento
alrededor de 1994). Aunque nadie lo sabía en
su momento, esto significó el inicio del glorioso
mundo de la era digital de la música.
Estas son palabras de Rupert Perry;
“Si regresamos un poco a la época del internet
en 1993, la gente que estaba involucrada en el
negocio de contenidos simplemente no tenía
idea de cuán monumental sería éste cambio.
Tener cualquier forma de contenido disponible
en tu computadora era totalmente una nueva
forma de distribución que al principio nos
excitó, pero a la que al mismo tiempo temimos.
La diferencia estaba en que ahora, la disquera
ya no tenía ningún control sobre la distribución.
Nadie de los que comerciaban con contenidos,
como la televisión, el cine y la música, tenían ya
ese control, porque antes, ellos decidían a
dónde iba el contenido, quién podía consumirlo
y de qué manera. Con el internet, todo eso se
fue por la ventana de manera instantánea.”

Las redes P2P

Las redes Peer-to-peer (P2P) fueron la
segunda tecnología que cambió la industria
musical durante ésta época.  En una red P2P,
cada computadora conectada al sistema puede
proveer y recibir archivos sin la necesidad de un
servidor central, con el ancho de banda y
procesamiento distribuidos alrededor de todos
los miembros de la red. En otras palabras, los
archivos viven en múltiples computadoras
interconectadas, con cada usuario con la
capacidad de descargar un archivo. Napster fue
el primer sistema masivo de distribución de
archivos mediante red P2P.
Napster se especializaba directamente en
música, y como resultado de su enorme
popularidad, ofrecía una enorme selección de
música para descargar. Poco después de su
creación, la compañía fue demandada
legalmente por varios actores de la industria
musical. Entre ellos, artistas (Metallica, Dr. Dre,
Madonna, etc.), casas discográficas (A&M), y la
misma industria musical representada por la
RIAA (Recording Industry Association of
America).
¿Cómo no iban a protestar? Si artistas como
Metallica ganan alrededor de $4 dólares por
cada disco que venden (Cuando el estándar en
la industria es menos de $0.50 centavos para el
resto de los artistas). Todos ellos alegaban
agravio a los derechos de propiedad intelectual
y eventualmente, Napster fue apagado en julio
del 2001.
En su momento de gloria, Napster llegó a
tener 26.4 millones de usuarios en todo el
mundo. La vieja industria musical falló en
apreciar la oportunidad de tener 26 millones de
potenciales clientes con quienes hacer negocio.
En otras palabras Metallica, Dr. Dre, Madonna,
la industria, etc. fueron unos tontos. Se dieron
cuenta del error años después, cuando ya era
demasiado tarde y lo pagaron muy caro.
Mp3.com, otro servicio similar que inició en
1999, fue demandado por Universal Music
Group por violaciones al copyright, lo cual obligó
a éste servicio a pagar $200 millones de dólares
y quedar fuera del negocio.
En su momento gloria, mp3.com descargaba
más de 4 millones de archivos de audio por día
a más de 800 mil usuarios y tenían una base de
clientes de 25 millones de usuarios registrados.
La compañía fue eventualmente comprada por
Roxio y renombrada Napster, y hoy como
servicio, provee descargas pagadas y un
servicio de suscripción para la reproducción en
streaming (Reproducción en tiempo real).
La RIAA persiguió agresivamente a los
usuarios que utilizaran éstos servicios, a pesar
de los reclamos del público y la industria
musical. Eventualmente este organismo tuvo
que dejar de perseguir personas cuando se
dieron cuenta que gastaban millones en
servicios legales sólo para recuperar cantidades
pequeñas, sin mencionar el daño que le hicieron
a la reputación de la industria demandando por
igual a abuelitas y a jovencitos adolescentes de
pueblos pequeños por cometer el delito de bajar
canciones desde sus computadoras.
La Piratería
 Otra disrupción mayor en la tradicional
industria musical llegó como resultado del
lanzamiento al mercado del quemador de CDs, y
su impacto no se puede subestimar.
En los días del vinyl, la maquila no autorizada
de discos casi no era del conocimiento público
debido a los altos costos de operación que ésta
actividad requería. Maquilar un vinyl requería
equipo grande, especializado y costoso, lo cual
hacía de ella una actividad fuera del alcance de
la gente, e incluso del más entusiasta. Cuando
el CD llegó al mercado, los primeros
quemadores de CDs solamente se encontraban
en estudios profesionales de masterización
debido a sus enormes costos (el equipo rondaba
entre los $250mil dólares, y cada CD virgen (en
blanco) rondaba los $200 dólares). Claramente,
la economía del proceso hacía posible mantener
a los piratas fuera del negocio.
Desde luego el cassette cuando fue lanzado en
1964, significó una espina en la industria
musical porque esa época cualquiera podía
conseguir un cassette en blanco con $1 dólar y
apretar el botón de “rec” al momento de
escuchar un hit en la radio. Con esta estrategia
cualquiera podía montar un negocio y vender
los cassettes a la gente quedándose con toda la
regalía que le genere la venta del cassette sin
autorización, de manera ilegal (en otras
palabras robando el dinero de los dueños del
contenido vendido en el cassette)
Cuando el quemador de discos apareció en
casi cada computadora, y el precio de los discos
en blanco cayó a $1 dólar, la práctica entre los
usuarios de compartir música digital se volvió
imparable, y para entonces, la industria ya nada
podía hacer. Y así fue como inició la época
digital de la industria musical.
Etapa 5 – La Música Digital Comienza a
Monetizarse
Así que siendo más que obvio, a menos que la
industria musical no se adaptara al nuevo
ambiente, pronto desaparecería.

Irónicamente, fue la industria de la

computación la que de alguna manera salvó la
música, ya que con el paso del tiempo las
formas antiguas para escuchar o reproducir
música fueron muriendo.
 Entonces empieza a suceder que diferentes
servicios de música digital presentaban
alternativas a las casas discográficas para hacer
negocio con las descargas pagadas, finalmente
fue iTunes de Apple Computer quien hizo
disponible un nuevo modelo de negocio que
funcionó, aunque básicamente un sistema
cerrado, ya que inicialmente, iTunes requería de
un iPod para poder funcionar. iTunes fue un
ganador entre los consumidores por su facilidad
de uso y por el iPod como nuevo accesorio de
moda e identidad personal. Ahora, la industria
finalmente podía monetizar sus ofertas
digitales. Pero a un precio de $0.99 por track,
por lo que no había mucha ganancia atractiva
pero si más posibilidades de venta.
●iTunes fue lanzado en enero del 2001, y
fue un éxito instantáneo, seguido por
consecuentes actualizaciones.
●Ya en los últimos meses del 2001, iPod
support se implementó, lo cual inició un
efecto de bola de nieve en la nueva
economía digital de la música.
●En el 2003, la tienda iTunes Store se
introdujo, y tanto el consumidor como
 Apple nunca miraron atrás. Desde
entonces, películas, programas de
televisión, vídeos musicales, podcasts,
aplicaciones y videojuegos se han
añadido al extenso catálogo de la tienda
de Apple.
●Gracias al intenso tira y jala con las
discográficas En abril del 2009, la tienda
iTunes tuvo que implementar una nueva
estructura de precios. Las canciones
ahora estarían en $0.69, $0.99 y $1.29.
Mientras que iTunes es el monstruo
indiscutible de la industria musical digital, otros
competidores han nacido. Desde Amazonmp3
hasta el nuevo Napster, existen hoy en día
numerosos lugares en dónde se puede comprar
música digital.
En todo esto el único tipo de servicio de
música digital que las discográficas apoyan, es
el servicio de suscripción o streaming, el
cual significa que tú pagas una cuota mensual
para poder tener acceso a escuchar tanta
música como tú quieras en lo que dure ese
tiempo y sin limitaciones.
 La música es transmitida vía online en tiempo
real, lo que se conoce como “Streaming”, por
lo que tú no eres dueño de ella, pero ya que la
música se encuentra disponible de manera
inmediata a cualquier hora, realmente no hay
necesidad de tenerla guardada en tu
computadora, teléfono o reproductor. Mientras
que los servicios de suscripción como Rhapsody,
Spotify o Napster se están poniendo de moda,
sus números son pequeños comparados con la
descarga directa de música como iTunes.
Hoy en día Las discográficas están esperando
que el modelo de suscripción o “Streaming”
finalmente gane más atracción en el
consumidor, debido a que es muy jugosa la idea
de ganar un flujo de ingreso mensual como
resultado de su contrato de licencia con el
servicio. Debo decir que a los artistas no les
parece mucho, ya que el dinero recolectado por
las casas discográficas no se reparte de manera
equivalente. Y esa es la otra cara de la
industria.
Los editores de música (agencias dedicadas
a explotar los derechos de las canciones)
también dudan de éste modelo, pues para ellos
ya de por sí existen costos altos de
administración. Pero con todo eso, el modelo de
suscripción o streaming no ha alcanzado su
masa crítica aún. Eso estaría por verse en los
próximos años.
La música digital monetizada trajo consigo
otro cambio grande: el retorno de los singles,
tal y como se manejaba la industria en los 50’s
y 60’s. En vez de estar forzados a comprar un
álbum con 10 canciones para poder escuchar
una o dos que sí les agrada, los consumidores
ahora pueden nuevamente comprar las
canciones que ellos quieran, tal y como se
acostumbraba en años anteriores.
La llegada del contrato de 360 grados
Las discográficas crearon un tipo de contrato
que lo llamaron “360 Grados” Para compensar
las ganancias pérdidas por consecuencia de los
nuevos cambios tecnológicos.
El contrato de 360 grados significa que tú
compartes con la casa disquera un porcentaje
de tus ingresos como artista, de fuentes que
van más allá de las ventas del disco, lo cual
incluye shows en vivo, mercancías y publishing
(El dinero que te pagan por tener una canción
en comerciales, películas y telenovelas). La casa
disquera se convierte en tu manager (a veces) y
comparte en todo lo que el artista haga. En
otras palabras “perteneces totalmente en
cuerpo y alma al sello”
Quizás te surge la pregunta de por qué un
artista querría permitirle a una casa disquera un
acuerdo de ésta naturaleza.
El punto es de que si el área de experiencia de
una disquera es en vender discos (lo cual no
está haciendo nada bien), entonces ¿Qué tipo
de experiencia tiene la disquera en manejar tu
carrera? Además, un artista que está generando
ingresos por otro tipo de conceptos diferentes a
la de la venta de discos, “o sea streamings y
descargas digitales” ¿Por qué tendría necesidad
de firmar un contrato con una empresa que está
teniendo dificultades con su negocio medular,
que es la venta de discos?
Entonces si ésta es la única forma de hacer
negocios con una discográfica hoy en día, es
otra razón por la cual un artista independiente
debería ignorar éstos acuerdos en la mayoría de
los casos. Y también es una razón de peso por
la cual el artista, músico y/o banda
independiente de hoy en día debería
reconsiderar el enfoque de su carrera, dejando
atrás de una vez por todas la manera de buscar
llamar la atención de éstas empresas y
comenzar a enfocarse en conectar con aquella
persona que importa: El Fan.
Al mismo tiempo, el management tradicional
se está volviendo cada vez más poderoso,
debido a que el manager ahora tiene que tomar
más decisiones para el artista. Con la influencia
de las casas discográficas, ahora es
responsabilidad del artista y su manager
encontrar nuevas fuentes de ingreso, negociar
con patrocinadores potenciales y hacer acuerdos
con distribuidores digitales, entre otras cosas.
Con muchas de las ventas y el marketing ahora
en manos de los artistas, la figura del manager
ahora tiene responsabilidades más que en otras
épocas anteriores, y su guía e impacto han
llegado a ser más valorados por el artista.
Etapa 6 – El Inicio de la Comunicación
Artista/Fan
Con la evolución de la tecnología, ya no se
necesita un intermediario entre el artista y el
fan, ahora puede haber una comunicación
directa y en el nivel en el que ellos deseen,
desde la creación, la promoción, el marketing y
las ventas.
Pero quedarse en total contacto con el fan
puede ser tan elusivo a veces como estar en
contacto con amigos o familia. Los verdaderos
fans, así como los amigos y la familia, requieren
comunicación regular, así lo conozca o
desconozca el artista.
Ésta nueva etapa de la industria musical, o
mejor llamada, la Nueva Industria Musical,
permite que los artistas se promocionen
directamente con sus fans:
●Si ellos pueden alcanzar a sus fans, entonces
pueden hacerles consciente de sus productos
(música nueva, mercancía nueva, boletos de
conciertos, tarifas y cotizaciones por eventos en
vivo).
●Si los artistas pueden alcanzar a sus fans
directamente, entonces también pueden
venderle directamente (aunque lo más correcto
sería ponerlo como “invitarles a que vean una
oferta.”)
●Más importante aún, en ésta nueva época en
la que vivimos, los artistas tienen el poder de
dialogar con sus fans para que sean ellos
mismos quienes les ayuden a su artista favorito
con las ventas y la mercadotecnia.

Recuerda, fan = cliente y luego Pregúntate;

● ¿Qué desea el cliente?
● ¿Qué se le notifique cuando el artista vaya a
su pueblo? Anote su calendario de actividades
en su página y pregunte a qué ciudad debería
ir.
● ¿Qué canción desea el cliente que el artista
haga cover? Haga una lista de canciones
potenciales y haga una encuesta para sus fans.
● ¿Quiere el cliente un paquete especial en la
cotización de sus servicios? Discútelo con él
directamente.
Se fueron para siempre aquellos días en los
que una aparición en MTV podía lanzar en gran
éxito a un artista. Es cierto, las estructuras
antiguas de la vieja industria musical aún
existen (casas discográficas, tiendas de música,
radio terrestre, canales de música, etc.) y de
cierta manera pueden beneficiar al artista
independiente. Pero toma en cuenta que dichas
estructuras nunca volverán a ser el factor
determinante para el éxito de un artista. De
hecho, si lo analizas bien, NUNCA lo fueron.
Asegúrate de medir bien qué % de tu
presupuesto vas a gastar en giras de medios.
Hoy en día, con las herramientas y la
tecnología actual, ahora puedes desarrollar tu
audiencia en una manera más eficiente y
hacerte de una carrera con una base pequeña
de fans y/o clientes potenciales. De hecho, la
misión y propósito de Latin Music Wire es
explorar las miles de maneras en las que un
artista puede exponerse y desarrollarse en ésta
nueva industria musical y de manera
independiente, todo con la meta principal de
establecer una conexión directa con el fan.
Muy bien…Eso es todo sobre la historia.
Quería decirte que además de los estudios que
he realizado sobre el negocio de la música, en la
universidad de “Berklee Online” y parte de ellos
en Vonkelement, también he leído algunos
artículos y estudios sobre la historia de la
industria. Así que tengo que mencionar la
fuente:
 Siller, K., “Historia rápida de la industria
musical”
Espero que te haya servido de mucho, tanto
como a mí.
”Generadores de Ingresos en la Música”
Sé que el primer tema nos ha llenado la
cabeza de mucho conocimiento sobre el
negocio, así que cae como anillo al dedo saber
de qué forma es que la música o el contenido
digital genera ingresos y cuáles son las
diferentes estrategias y formas que un artista,
productor, manager digital o influencer puede
utilizar para generar ingresos con lo que hace.
Como conocimos durante la lectura de la
historia, la única forma en que la música
generaba ingresos era a través de la venta de
las partituras, los rollos para el Pianola, los
vinilos, los cassettes, las radios, los cds y los
eventos en vivo. Era un único formato de
negocio, “La Venta de un Producto” que de
alguna forma aún sigue vigente este modelo de
negocio en la actualidad.
Entonces podemos iniciar con este primer
generador de ingresos tradicional que es:
 ●La Venta de un producto (Cds,
Descargas y Mercancías)
●La Reproducción en Tiempo Real
(Streaming)
●Ejecución en vivo (Live Performance)
conciertos.
●Regalías de Ejecución
●Regalías de Licencias Mecánicas
Es fácil saber que los ingresos que estos
modelos de negocio generan vienen en primer
lugar del bolsillo de algún consumidor, vamos a
desglosar cada uno de estos modelos de
negocio brevemente para conocer más.
Los Ingresos de la Venta de Cds, Descargas
y Mercancías, se genera de cada persona que
está interesado en dar una porción de su dinero
de acuerdo al valor del producto para adquirirlo.
Por ejemplo; Si quieres obtener el nuevo álbum
de Bruno Mars, en formato físico, tienes que
comprarlo, pagando con tu dinero en el mismo
momento en que lo quieres. Si quieres
descargarlo para escucharlo en tus dispositivos
de manera offline (sin internet) tienes que
comprar una suscripción en tu servicio de
streaming favorito o comprar el archivo de
audio de manera individual por el costo que
tenga el mismo, el cual normalmente es de
$0.99 a $1.29 dólares. En itunes y demás.
La Mercancía; es un modelo de negocio muy
sutil y a la vez súper efectivo en todo el sentido
de la palabra, ya que además de generarte
ingresos por medio de las ventas de tu
mercancía (merch) a la misma vez te brinda
promoción, la cual es uno de los discos
principales de la columna vertebral del éxito de
tu carrera.
Puedes crear diferentes tipos de mercancía de
acuerdo a lo que estés vendiendo en ese
momento. Puede ser tshirts, gorras, libretas,
covers de celulares (móviles) y lo que se te
ocurra, cualquier cosa que puedas personalizar,
se puede convertir en tu mercancía. Puedes
aprovechar cualquier tipo de evento que tengas,
en el cual vayan personas interesadas en
comprar tu merch.
La reproducción en tiempo real
(streaming)
¿Recuerdas que en los inicios de la industria el
generador de ingresos principal era las ventas
de vinilos y luego cds? Pues Actualmente es el
Streaming.
Un streaming es básicamente cuando
reproduces una canción online (en línea, por
medio del internet) a diferencia de cuando
descargas la canción, que puedes escucharla
offline (sin internet) el streaming se genera a
través de la plataforma x que te provea el
servicio de streaming, entre ellas están
Youtube, Spotify, Apple Music, deezer, etc.
Estas plataformas de streaming te pagan por
cada stream que reciba tu canción dependiendo
del tipo de usuario que escuche y muy
importante, la zona geográfica en que esté este
usuario. Cada plataforma debe pagarte por cada
stream a diferencia de Youtube (si el usuario no
es youtube premium) para Youtube normal
pagarte, el usuario debió haber visto un anuncio
en la página de youtube donde se reprodujo tu
video.
Cada una de estas plataformas que mencioné
te paga alrededor de 0.0001 y 0.0078 por cada
1 stream.
Ejecución en vivo (Live Performance)
conciertos.
 Este generador de ingresos lo conocemos
todos ya que es uno de los primeros de la
historia de la industria musical. Las casas
disqueras se beneficiaban mucho de los
ingresos generados en los conciertos de sus
artistas.
Para los Fanáticos poder entrar a un concierto
o evento realizado por el artista tiene que
comprar un ticket de entrada y a raíz de esa
venta es que se genera el dinero para costear
todos los gastos del evento incluido el pago al
artista invitado. Sé que todos ya sabíamos esto
que acabo de escribir, pero por protocolo de
acuerdo a este libro no puedo dejar de
mencionarlo, así que, gracias por tu paciencia y
amabilidad.
Regalías de Ejecución
Como autor, tienes derecho a recolectar
regalías editoriales por el uso de tu canción.
Una de las fuentes de ingreso de este tipo son
las regalías de ejecución, que corresponden al
compositor y al editor cuando una canción:
Suena en la radio
Se interpreta en público
 Suena en un restaurante, bar, etc.
Como autor, debes registrarte en una entidad
que recauda regalías de ejecución. Estas
entidades son llamadas entidades de gestión de
derechos de autor (performing rights
organizations, o PRO’s).
En USA hay tres entidades principales que
son;
BMI - SESAC - ASCAP
En general, cada país tiene al menos una
entidad de gestión de derechos de autor. Busca
en tu território cuáles son tus opciones.
El trabajo de estas sociedades es hacer un
seguimiento en emisoras de radio y salas de
conciertos del uso de tu canción. Cada vez que
tu canción suena en público genera una regalía
de ejecución para la composición, y como autor
te corresponde dicha regalía de ejecución.
También puedes ganar regalías de ejecución
tocando tus canciones en directo. Las salas
deberían pagar cuotas a las sociedades de
gestión para cubrir esas regalías y cada entidad
te da una forma de registrar tus repertorios en
directo. ¡Cuando estés de gira lleva registro de
las salas en que tocas y de tus set-lists para
declarar esos conciertos cuando vuelvas a casa!
Una peculiaridad de las regalías de ejecución es
que solo son para los autores y sus editores, las
entidades de derechos no pagan nada a los
músicos que tocan en la grabación.
Si estás registrado en BMI desde la app móvil
de BMI puedes registrar manualmente el lugar
del evento donde estás presentando en vivo si
eres el dueño de la composición o donde se
vaya a presentar el artista que interpreta tu
canción y BMI te recolectarán las regalías que te
corresponde por cada evento en vivo que
registres.
Regalías Mecánicas
Cuando tu composición se reproduce en
cualquier soporte te corresponde un tipo
diferente de regalía llamado regalía mecánica.
Esto son regalías que las entidades como
ASCAP y BMI y otras en general no recaudan.
Habrás oído hablar de regalías mecánicas
referidas a la fabricación de formatos físicos
como CD, vinilo y cassettes. Pero los formatos
digitales también generan regalías mecánicas.
Cuando alguien reproduce tu música en un
servicio como Spotify o Apple Music, o cuando
compran una descarga en una tienda como
iTunes, tu composición técnicamente está
siendo reproducida. Sí, incluso aunque, en el
caso del streaming, sea una reproducción
temporal.
Estas regalías mecánicas son reportadas por
las plataformas de streaming y descarga a las
entidades de recaudación de regalías en el país
o territorio donde se efectúa la reproducción o
descarga.
En Estados Unidos tenemos Harry Fox Agency;
pero casi cada país tiene una agencia similar
para recaudar regalías mecánicas. Solo en USA
esas regalías mecánicas de descargas se juntan
con los ingresos de la grabación fonográfica. Así
que serán pagadas a través de tu distribuidor de
música. Pero esto no se aplica al streaming
interactivo; en todos los países, las regalías
mecánicas generadas por el streaming
interactivo se pagan a las sociedades de
recaudación.
”Tus Derechos como compositor e intérprete”
 Tanto el compositor como el intérprete tienen
el derecho de recibir regalías por su trabajo y/o
creación intelectual. Por esto es importante
saber que si haces tus propias canciones
aunque estés firmado con alguna empresa los
derechos como creador de la obra intelectual
deben ser pagados a ti.
Es muy importante saber con esto que si
firmaste un contrato y en ese contrato dice que
en el reparto de ingresos también va incluida la
regalía que recibirás como compositor pues
entonces la empresa que te firme también se
encargará de recolectar dichos ingresos, pero
sino, entonces el autor tiene que recolectar a
través de una Sociedad de Gestión Colectiva
(BMI, ASCAP, ETC).
Profundizando un poco más en lo que es la
obra intelectual, Comprender cuánto se paga
realmente a los compositores puede ser
complicado. Las sociedades de colecciones
tienen fórmulas muy específicas para sus
licencias y las regalías que cobran. Las tarifas
de licencia varían según la configuración y las
circunstancias: se le pagará a diferentes tarifas
o ganará diferentes cantidades si su música se
reproduce en un partido de fútbol en lugar de
una pista de patinaje, en una máquina de discos
en lugar de en un club privado, etc. Incluso,
estas tasas de regalías tienden a ser
renegociadas regularmente, y hasta variar de
un país a otro.
Pero comprender de qué manera se les paga a
los compositores es más sencillo. A
continuación, explicaremos los principales tipos
de regalías.

                               

Regalías de Rendimiento
"Performance" tiene un amplio significado en
el mundo de la música. En este contexto,
significa la transmisión de una canción en un
lugar público o la presentación pública de una
canción. Los establecimientos y las empresas
que usan música pagan tarifas para usar esa
música. Esto significa que cada vez que su
canción se toca en un concierto, ya sea por
usted, el compositor o como una versión de otra
persona, o como una versión grabada a través
del sistema de altavoces en un restaurante, en
un juego deportivo o en un ascensor, te deben
regalías de rendimiento. 
Las regalías de rendimiento pueden
generarse a partir de:
● Televisión
● Radio
● Lugares en vivo
● Restaurantes
● Bares
● Servicios de música en ascensores
● Supermercados
● Tiendas de ropa
● Gimnasios / clubes de salud
● Jukeboxes
● Radio por Internet / transmisión no
interactiva (por ejemplo, Pandora)
● Servicios de transmisión interactiva en línea
(por ejemplo, Apple Music o Spotify)
 ● Radio terrestre (su estación de FM favorita)
Las regalías de rendimiento recaudan los
royalties a través de: organizaciones de
derechos de ejecución (PRO) en Norteamérica u
organizaciones de gestión colectiva (CMO) a
nivel internacional. En general, el compositor se
afilia y registra sus trabajos con la sociedad del
territorio en el que residen y donde es más
probable que se interpreten sus canciones.
Estas sociedades de recaudación generalmente
recaudarán tanto la parte del escritor como la
parte del editor de las regalías de rendimiento y
pagarán al compositor y al editor del disco
respectivamente.
Los medios que generan regalías
mecánicas incluyen:
● Ventas récord (vinilo, CD)
● Descargas digitales
● Secuencias interactivas en línea (por
ejemplo, Spotify)
● Tonos de llamada
● Canciones grabadas
● Bandas sonoras de películas
 A continuación el costo de las descargas físicas
y digitales permanentes.

PLATAFORMAS DE STREAMING INTERACTIVO.

Es una parte complicada esto de la publicación

que no siempre se puede explicar de una
manera fácil y ejecutable. Lo que debe debes
entender es lo siguiente: como creador, es muy
importante saber que una canción obtiene
diferentes tasas de regalías dependiendo de una
serie de factores. Si te aseguras de que tus
canciones se distribuyen en la mayor cantidad
de plataformas posible y en los países donde un
stream genera mayor ingreso y estás
promocionando tu marca y aumentando tu base
de seguidores, estás en una mejor posición para
tener éxito que si dejas que las empresas se
encargan por sí solas.
Micro-Sync y Regalías de video de
contenido generado por el usuario
Una forma menos discutida de regalías que las
canciones pueden ganar se conoce como
regalías de micro sincronización. Estas regalías
se refieren a los ingresos obtenidos por el uso
de su música sincronizada con una imagen en
movimiento en usos más pequeños o masivos
en contenido generado por el usuario (UGC),
como en plataformas como YouTube, Vimeo y
TikTok.
Si decide compartir su música en una
plataforma de video, ya sea como video
musical, versión instrumental, video lírico, lo
que quiera, es importante que investigue si la
plataforma paga el uso de su música y cómo lo
hace. . Examine todos sus requisitos para que
sea plenamente consciente del potencial y las
limitaciones para obtener ingresos.
En YouTube, por ejemplo, los videos se
dividen en tres tipos de contenido: el
componente visual, el componente de audio y la
composición. El componente de composición
genera regalías mecánicas y de rendimiento
para compositores y editores. La monetización
en estas plataformas es bastante diferente de la
de otros proveedores de servicios digitales
(DSP).
 
 ¿Por qué es un negocio?
Recuerda que estamos en el primer capítulo el
cual trata sobre el negocio de la música, por eso
la pregunta.
Decidí colocar este corto punto pero
importante porque muchos artistas
independientes no han logrado mayor éxito en
su carrera artística por no haber adoptado el
término negocio. Si, así es, si eres cantante
también eres un producto y si eres un producto
atraes el comercio y por consiguiente atraerás
dinero, el cual servirá para sustentar tu carrera
y seguir trabajando en nuevos proyectos.
No te vayas a confundir con mi idea, lo que
quiero dejar entendido es que en parte es un
negocio, y digo esto porque podemos cometer
el grandísimo error de hacerlo solo por el
dinero.
Aquí viene una de mis palabras favoritas
“Balance” y con eso termino este pequeño
punto. Si logras hacer el balance te aseguro
mucho éxito.
Cuando miras tu carrera como negocio tu
mente se va a abrir a nuevas ideas y
estrategias para moverte adelante. Eso también
atraerá algo muy importante. “Organización”
”Cuidado con los contratos que firmas”
Como dije en un video, “Creo que tendré
problemas con algunas casas disqueras”
Sabemos que casi todos los artistas
independientes quieren ser firmados por un
Major Label pero muchos de estos Major Labels
en muchos de los casos tienden a abusar un
poco con los artistas en los contratos. Debido a
la falta de conocimiento en la materia, muchos
artistas firman sin saber que significa muchas
de las cosas que incluía el contrato, para esto
siempre recomiendo que si van a firmar un
contrato lo hagan con alguien que le asesore
sobre el tema, (si necesitas un asesor aquí
estaré disponible. Para agendar una cita sigue
este link  → https://www.mhmusik.com/book-
online) en fin te ofrecen repartos de ingresos
muy pequeños quedándose ellos con la mayor
parte. 
En muchos de los casos suelen ofrecer 40%
para el artista y así por el estilo, claro es
importante saber que todo depende del tipo de
contrato que tengas porque si lo que ellos te
ofrecen vale la pena pues es posible que un
40% sea una muy buena oferta cuando la
empresa te está pagando todo, hasta vestuario,
vehículos, viajes, hoteles, guardaespaldas,
apartamento, comida, etc.
Las empresas que trabajan 100% en el
negocio, conocen a la perfección todas las
posibilidades de ingresos que un artista como
producto es capaz de generar. Por esta razón
muchas aprovechan la mina de oro.
Un artista independiente debe estudiar sobre
el negocio de la música y conocer el mundo de
las regalías y la capacidad económica que puede
alcanzar su talento para que así pueda firmar un
contrato justo y que no le engañen. Y esta es
una de las razones por la que escribí este
segundo libro.

¿Por qué deberías empaparte del tema?

¿Alguna vez te has preguntado porque muchos
de los artistas famosos ya conocidos por el
mundo, terminan finalizando su contrato con la
compañía x que le haya firmado para manejar
ellos mismos su propia carrera junto a su
equipo de trabajo? Podemos mencionar a Daddy
Yankee, Ozuna, dentro de la música sacra esta
Redimi2, Alex Zurdo, Funky, entre otros.
Bueno, si no te lo has preguntado, es bueno
que empieces a hacerlo y la razón principal es
porque al llegar al punto en tu carrera donde ya
se sostiene por sí sola, te darás cuenta que todo
puede marchar sin necesidad de un sello
discográfico mayoritario que te firme, aunque es
muy importante saber que la firma de un sello
discográfico mayoritario podría ser la salvación
de tu carrera en algún punto de tu vida.
La razón principal por la que debes empaparte
del tema es porque no hay otro ser humano
más que tú, que conozca a la perfección el nivel
de valor que tiene tu trabajo. Por ende debes
conocer cómo funciona todo el engranaje de la
industria, la distribución, la publicidad, todos los
medios que hacen que tu trabajo genere dinero,
en especial lo que por ley te pertenece recibir
como como compositor e intérprete. Tener un
estimado en tu mente sobre cómo se debería
ver tus ganancias te puede salvar la vida de un
posible engaño por parte de alguna compañía
en el futuro.
No podemos dejar de mencionar que no todas
las compañías son engañosas por eso todo el
tiempo he mencionado “Lee bien el contrato”
cuando tienes los conocimientos que vas a
aprender en este libro y luego lees un contrato,
será como que estás leyendo un libro de primer
grado y lo comprendes todo, podrás ver si hay
algo oculto que no te conviene (permíteme
aclarar, eso no significa que te están
engañando, esto es solo negocios) por eso es
que debes saber sobre el tema.
Los dueños de compañías discográficas deben
conocer todo este asunto a la perfección, con
mucha más urgencia que los artistas, ya que
ellos se van a encargar de trabajar con todo el
manejo del producto (Artista). Por favor, no
olviden ser transparentes y claros con los
artistas y sobre todo hacer un negocio justo con
ellos, ya que al final del día, todos serán
beneficiados mutuamente, lo importante es que
nadie pierda.
Capítulo 2 – Se Puede Vivir De La Música
Sin Ser Famoso
”El Producto y La Empresa”
En el primer capítulo nos referimos en varias
ocasiones al artista como un producto, y es
porque en cierto modo eso es lo que es cuando
hablamos de negocios. Por eso los cazatalentos
van como león rugiente buscando a quien
devorar (en el buen sentido). Un producto,
como todo producto, necesita una empresa que
lo administre, lo distribuya, lo mueva, lo
actualice, saque la mejor versión de él. No se
puede auto-vender, esto no es posible, siempre
va a necesitar de un proceso y equipo detrás
que lo mueva. Allí es donde entra en escena el
equipo de trabajo y/o la compañía que lo firma.
Ellos se encargan de facilitar el camino para que
el producto pueda lograr su cometido.
La empresa es muy importante para un artista
(aclarando nuevamente que un artista puede
ser su propio jefe, o sea, también puede ser la
empresa) como dice un libro muy famoso “Más
valen dos que uno, porque obtienen más fruto
de su esfuerzo. Si caen, el uno levanta al otro.
¡Ay del que cae y no tiene quien lo levante!”   El
equipo de trabajo será el ojo extra que verá
más allá de lo que el producto pueda ver y
viceversa.
La función de la empresa es hacer que el
producto circule, se mueva, evolucione y se
explote. La función del producto es Servir.
Utilizo la palabra servir porque de eso se
trata, tan simple como decir “Si no sirves, no
sirves” Podemos traducir esto a la calidad y
habilidad con la que el producto desempeña su
papel en la tarima, en eventos, en la radio, en
televisión, en las redes sociales, en los videos
musicales, etc. En otras palabras “debes hacer
bien”.
“Se brinda un servicio”
Un artista, además de ser un producto,
también brinda un servicio y ambas cosas se
sirven a cambio de un activo que justifica los
costos y gastos más ganancias (Justo y Obvio)
Así que como se habrán dado cuenta, no he
dicho un artista famoso solo dije un artista
porque para crecer (económicamente hablando)
a través de la música solo necesitas ser un
artista mejor dicho Un Producto o Servicio
que es con lo que todos los negocios hacen
negocios y se sustentan. No hay que ser famoso
para vivir de la música, solo hay que tener algo
que ofrecer.
Creer que si no tienes fama no vendes, es una
distracción muy grande que no te dejará
avanzar. Un ejemplo práctico es el siguiente; En
el pueblo donde vivo hay una tienda de ropa
que se llama “La Canchita” esta tienda no la
conoce nadie más en el resto del mundo,
únicamente la gente de mi pueblo (si eres de mi
ciudad sabrás de qué tienda hablo) sin embargo
es la tienda que más vende de todo el pueblo.
Es claro que no tiene la fama que tiene por
ejemplo la marca “louis vuitton” y que no
genera lo mismo, pero tanto la dueña como el
equipo de trabajo de la tienda, viven de la
tienda. ¿Entendemos a qué me refiero? Solo
basta con brindar un buen servicio y paso a
paso irás generando lo suficiente. La palabra
clave es “Paciencia”.
 En el pasado era técnicamente imposible para
un artista poder vivir de la música si no tenía
renombre, ya que los servicios en la música
eran muy limitados pero hoy en día con los
avances tecnológicos, cada año que pasa hay
más posibilidades para vivir de la música sin
necesariamente ser famoso.
“Cómo lograrlo en esta era”
Estamos en la era que más rápido está
creciendo la industria de la música, cada día se
suman más y más cantantes al mundo. De igual
forma los servicios y herramientas que
mantienen la música a flote van en constante
crecimiento y cambio. Lo importante es, que
uno como artista o sello debe ir avanzando de
igual manera y en muchos de los casos debería
ir delante.
La clave para ser un artista que sobrevive en
cada nueva era o cada nuevo siglo que inicia, es
estar dispuesto al cambio, ser flexible al
cambio, siempre estar actualizado de lo nuevo,
interesarse por saber cuál es la nueva
herramienta de spotify o cual es el nuevo
sistema de recolección de regalías etc.
aprovecho para recomendarte mi canal de tips y
tutoriales “Mh Musik Tips” donde me mantengo
actualizando a los artistas, etc.
Ser estratégico y utilizar los medios sociales
es un buen punto de partida. La nueva
generación de consumidores exige una
velocidad de contenido alarmante, cuando haces
una canción muy buena, de inmediato los
consumidores quieren más, porque ya tienen en
sus manos el poder de información inmediata en
sus dispositivos. Se aburren muy fácil y rápido,
esto exige un nivel y velocidad casi imposible
para un artista. Esto obliga a que el equipo de
trabajo o el artista mismo tengan que crear una
estrategia de publicación ajustada a la nueva
década que quizás en la próxima década (2030
para ser más exacto) no funcione, pero en esta
sí.
Actualiza tu estilo musical, escucha bien, dije
actualiza, no cambia. Muchos artistas del siglo
pasado y antepasado no han querido
actualizarse y otros se han ido al otro extremo,
en vez de actualizar han cambiado y ahí es
donde cometen el error de que su música de
momento deja de gustar. Ten mucho cuidado
que no te ocurra lo mismo, como artista o como
compañía.
 La disciplina es la clave principal para
mantener tu carrera a flote en esta nueva
década, muchos tenemos el sueño de escribir
un hit mundial y echarnos a dormir pensando
que como ya es un hit voy a vivir el resto de mi
vida de esas regalías, pero sabemos que no es
así, un hit demanda otro hit tras él. Así que no
importa tu edad, puedes mantenerte mientras
vida tengas en la tierra lanzando un hit tras otro
durante décadas. Pero para lograr esto tienes
que tener una vida muy balanceada y
disciplinada, cuidándote del uso de drogas y
mantener tu rutina de salud. Hemos visto
fracasar a muchos artistas. Justo ayer escuche
la noticia de un nuevo exponente de música
urbana, quien empezaba a explotar su carrera
con millones de visitas en youtube, lo acaban de
asesinar a balazos, no somos Dios para juzgar
pero, ¿y si por causa de su estilo de vida atrajo
esa tragedia? No digo que ese sea su caso, pero
sabemos que ha sido el caso de muchos.
Mantente activo y a la vanguardia.
“Presentación, Imagen y Calidad”
Perfecciona tu presentación, mantén tu
imagen actualizada y no lances nada que no sea
de calidad, son los tres consejos que te voy a
dar para que te vendas de manera atractiva y
prometedora.
Dentro de tu presentación esta:
Primero lo que proyectas cuando te paras en
una tarima o cuando grabas una canción.
Mantener tu repertorio al día, adaptado al
presente hará que tu música nunca pase de
moda.
Ensaya lo más que puedas, mientras más
bueno sea lo que vendes más consumidores
tendrás. En mi pueblo también hay una señora
que vende helados hechos en casa (“Limbel”
como dicen en Puerto Rico) tiene su negocio en
su casita, súper humilde, pero te sorprendería
saber que vienen personas de todo el país a
comprar sus helados, incluso muchos famosos
vienen solo al negocio de doña Ivone, es todo
un éxito sus helados. Y personalmente cuando
pruebas sus helados no te arrepientes, son una
delicia.
Tu imagen
Mantente a la moda, recuerda que eres un
producto y lamentablemente las personas
compran por los ojos, claro, sin comprometer
los buenos valores, vístete a la moda.
Daddy Yankee tiene 43 años de edad, nació el
3 de Febrero de 1977, Shakira tiene 43 años, de
hecho nació el mismo día que yo solo que 13
años antes, el 2 de Febrero de 1977 y para
colmo y gran casualidad, nació al siguiente día
de haber nacido Daddy Yankee en el mismo año
y Jennifer López tiene 50 años de edad. Todos
tienen más de 4 décadas, Jennifer tiene 5
décadas más sin embargo parecen como si
nacieron ayer.
Una de las cosas que más ha influido para que
se miren como se miran actualmente es que no
han descuidado su imagen como producto y
esto conlleva a un cuidado de su cuerpo y salud
óptimo por eso los tres mencionados
anteriormente parecen como si nunca
envejecieran. Porque cuidar tu imagen, cuando
eres un artista, es muy importante pero no es lo
más importante (digo esto porque me preocupa
transmitir un mensaje errado) hay otras cosas
que son más importantes y siempre es lo que
no se ve a simple vista. Tu carácter, tu
disciplina y tu integridad, son los que
mantendrán el éxito que puedas lograr.
 Calidad
Aquí entra en escena el verbo “Invertir” y
más cuando lo conjugamos, Yo invierto, tu
invierte, el invierte, ella invierte, nosotros
invertimos, ellos invierten y ustedes invierten,
Disculpa mi exageración pero esto se trata de
invertir y mientras más inversiones y/o
aportaciones tenemos, más posibilidades de
aumentar nuestra calidad y por consiguiente
mejor calidad de éxito.
Así es, hay diferentes niveles de calidad en el
éxito, la vida no se acaba cuando llegas al éxito,
para decirlo mejor, el éxito no es el último nivel
de vida que puede alcanzar un hombre o mujer.
Cuando entras al éxito entonces empiezan los
niveles, me explico; No es lo mismo pegar un
dembow, donde la música sea un asco  y las
letras ni se diga y tener “éxito” entre comillas.
Ese tipo de éxito se esfuma en dos o tres
meses, el dembowsero (sin ánimo de ofender,
Dios bendiga a los dembowseros) no vuelve a
sonar jamás a menos que pegue otro dembow
por los próximos 3 meses, carente de calidad
igual que el primero, si no pega uno, queda en
el olvido. No es lo mismo a que si el artista
pegó una tremenda canción súper elaborada
profesionalmente hablando, la calidad de
sonido, la producción y arreglos musicales, las
líricas. Una canción así puede durar años
sonando y siempre va a ser un clásico. La
diferencia entre estos dos casos es el nivel de
Calidad (sin ofender a los que hacen dembow).
Si trabajas con clase, tu proyección va a ser
mundial por largos años.
¿Cómo mido mi éxito?
Coloqué esta pregunta intencionalmente,
aunque esté mal elaborada, porque el éxito no
se mide, y tampoco se define por cuantos
seguidores tienes, o cuantas reproducciones
hayas alcanzado.
Nadie puede medir su éxito, porque el éxito
tiene una fecha específica para ser medido y
solo se puede medir una vez en la vida y esa
fecha es al final de tus días, cuando estés en tu
lecho de muerte, allí es donde debes hacerte la
pregunta, ¿tuve éxito o no? porque
simplemente la vida es una carrera y en una
carrera quien tiene éxito es quien llega a la
meta intacto.
 En mi caso estoy trabajando en la música
digital desde mis 17 años empecé desde cero
me ha costado muchos años aprender un
poquito y todavía me falta mucho, he cometido
muchos errores en cuanto al manejo de mi
carrera como artista, me he descuidado mucho,
inicie solo sin ayuda ni explicación de nadie en
la parte del manejo digital, regalías etc. Me
descuide del artista y empecé a estudiar sobre
el Negocio de la Música. Mientras iba
aprendiendo me empecé a ilusionar con la idea
de crear un canal mediante el cual muchos otros
artistas independientes en busca de lo mismo
que yo he buscado, puedan empaparse y
aprender a manejar sus carreras de la manera
correcta a nivel digital. Empecé a crear videos
en mi canal principal Michael Hernández el cual
ya va sobre el 100 k suscriptores de los cuales
quizás el 25% siguen activos, ahora he dividido
mi contenido, he creado mi segundo canal Mh
Musik tips para continuar con los tutoriales y
tips para artistas y creadores de contenido. Lo
que quiero decir es que a pesar de tener tantos
suscriptores en mi canal principal y que solo el
25% está activo, hoy en día puedo decir que
vivo de lo que hago en la música. Las regalías
que recibo de algunas de mis canciones, los
ingresos que obtengo por mi canal de youtube
más los trabajos que hago a diario a otros
artistas como yo para ayudarles a seguir
adelante en su carrera, ayuda a sostener mi
casa y a seguir adelante económicamente.
Actualmente no tengo la necesidad de tener que
trabajar para otra empresa, soy mi propio jefe,
aunque trabajo en mi iglesia local, no necesito
trabajar en ese sentido, lo hago por amor y
agradecimiento a Dios. Los 100k suscriptores no
significan que soy famoso o que ya soy un
hombre de éxito, en realidad ya les confesé que
de esos 100k son muy pocos los que aún siguen
activos, pero, el nivel de mi contenido y
conocimiento atrae cientos de artistas a quienes
puedo bendecir y a la misma vez ser bendecido.
Todo eso se lo debo a Dios, porque nada de lo
que he logrado lo hubiese podido lograr sin Él.
Para concluir, a todas estas, no puedo decir
que por estas razones que he explicado
anteriormente soy un hombre de éxito, esto es
simplemente mi peregrinaje en la vida. Voy
cosechando lo que siembro.
Sí se puede vivir de la música sin ser famoso.
 Como explique al inicio de este capítulo, si te
organizas y trabajas con disciplina, se puede.
“Recibiendo tu dinero”
Una vez ya estás organizado a nivel digital y
protegido todas tus regalías, estarás listo para
empezar a recibir el dinero que tu música o tu
contenido empiece a generar, para esto vas a
necesitar tener una cuenta bancaria ya sea,
digital o tradicional. Una de las más comunes es
paypal.com.
La mayoría de las plataformas con las que
estarás trabajando te envían los pagos a través
de la mencionada arriba o una transferencia
bancaria.
Asegurarte que tu canal de Youtube este
monetizado, seas artista o compañía, para que
te envíe los pagos a través de western union o
transferencia bancaria.
Las plataformas digitales normalmente a
través de paypal o transferencia bancaria.
Las sociedades de gestión colectiva, te pagan
por medio de cheques o transferencias
bancarias (estas son las que recolectan las
regalías del compositor).
 Sound Exchange te va a pagar a través de una
transferencia bancaria.
Es importante que sepas que para recibir tu
dinero por medio de estos medios va a
depender mucho el país en el que te
encuentres, porque hay países que no soportan
estos medios, como cuba, Venezuela, entre
otros. Existen trucos que más adelante puedes
investigar.

Capítulo 3 –Estrategias para conseguir un

mayor alcance en cada lanzamiento
“Análisis de Mercado”
Cuando vas a lanzar un nuevo proyecto debes
preparar un plan de lanzamiento, dentro de ese
plan lo primero que vas a hacer es un Análisis
de Mercado.
Al igual que todas las empresas antes de
lanzar un producto se hace un análisis para
comparar las posibilidades de venta y saber qué
tipo de plan elaborar. De igual forma en la
música debes saber al público que te estás
dirigiendo con tu música. Haz tu investigación,
pregúntate ¿qué es lo que está sonando ahora?
¿Cuál es la tendencia? ¿Habrá algún tema
político o social del cual se está hablando
mucho? ¿Es navidad? ¿Día del amor? ¿Cuál es
mi público objetivo?
Cuando recopiles esta información, estarás
aún más preparado para empezar con la
estrategia de tu nuevo lanzamiento.
“Contenido de Promoción”
En el análisis definirás tu objetivo, cuando
tienes tu objetivo claro entonces es hora de
empezar a crear tu contenido de promoción.
En esta parte es donde vas a producir todas
las ideas de tu mente para  explotar tu
producto. Muchos artistas no aprovechan al
máximo la parte de crear contenido pero si
supieran que cada contenido diferente que
crean para una sola canción es un contenido
más que podemos poner a producir, o sea, a
generar dinero, si nuestro lanzamiento está
protegido correctamente. No es lo mismo tener
únicamente un video musical colgado en
Youtube, que tener un video musical, un video
lyric, un video spectrum (audio), la pista de la
canción versión karaoke, una versión acapella o
a guitarra, un preview de 30 segundos, algunos
fanáticos haciendo versiones, un video
challenge y hasta un video hablando de la
canción, como fue inspirada las letras, etc. Todo
esto suma ingresos, puede triplicar o
cuadruplicar las ganancias y esto ayudará
mucho para recuperar el dinero invertido.
Empieza creando el contenido mencionado
previamente por orden de complejidad.
OPCIONES DE CONTENIDO A CREAR
1- Preview de 30 segundos
2- Video Spectrum (Audio Oficial)
3- Challenges (GiveAways) / Sorteos
4- Video vlog hablando sobre el proyecto
5- Video Lyric
6- Video Musical
7- Video Reacción
8- Video Karaoke (pista)
9- Versión Acústica casera
“Alcance orgánico y pagado”
Qué bueno que hablaremos de esta parte, la
cual es muy pero muy importante conocer para
tener buenos argumentos a la hora de tomar
una decisión en cuanto a cómo haremos la
inversión de promoción de nuestros
lanzamientos.
El alcance orgánico como ya la mayoría
entiende, es todo aquel tipo de alcance que un
lanzamiento logra sin depender de un impulso
pagado. En otras palabras todas las visitas que
obtengas originalmente provenientes de tus
fanáticos o de alguna mención o compartida que
alguna persona haya realizado.
En Youtube por ejemplo, cuando subes un
video y a las personas le sale el video en su
buscador o en la barra de recomendaciones
cuando están buscando algún contenido similar
al tuyo, las notificaciones de tu canal, entre
otras cosas. Eso es orgánico, cuando las
personas se enamoran de tu video y empiezan a
compartirlo como locos, todo eso es orgánico.
Sinceramente es lo que todos queremos que
nos suceda ¿cierto? Esto puede ser posible
definitivamente los grandes hits que conocemos
hoy día, se hicieron grandes hits por este mismo
fenómeno llamado, “Viralización” de ahí cuando
decimos “Se hizo viral”.
 Muchos exponentes, managers, etc. Están
equivocados cuando piensan que una canción se
viralizó cuando el 70% de las visitas obtenidas
vinieron de una campaña pagada. Un video
puede tener 50 Millones de visitas en 2 meses y
no necesariamente significa que se haya
viralizado, porque como dije anteriormente, si
más del 50% de esas visitas vinieron de una
campaña de promoción pagada, entonces no
significa que se haya hecho viral. Porque un
contenido se viraliza cuando el porcentaje
mayor de las visitas obtenidas vinieron
orgánicamente.
En cuanto a los royalties (Ganancias
económicas que pertenecen a los dueños de los
derechos de autor.) Cuando las visitas son
orgánicas  las ganancias son más puras, lo que
quiero decir es que las ganancias que genera tu
contenido son más grandes cuando las visitas
no vienen de un sistema de promoción pagada.
Por ejemplo cuando promocionas tu video en
Youtube utilizando el único y verdadero método
de promoción en youtube que recomiendo,
(www.mhmusik.com/youtube-services que
viene siendo el mismo sistema de google) tu
contenido genera 80% menos de lo que
generaría con esas visitas obtenidas si fueran
orgánicas. (Esto ya lo hemos comprobado)
Incluso para alcanzar las 4,000 horas de
visualización en youtube y poder monetizar tu
canal, no te es válido si las visitas vienen de
promoción pagada.
Me imagino, querido lector, que tras leer lo
que acabas de leer, te estás preguntando,
“¿Entonces me conviene o no me conviene
invertir en promoción?” y la respuesta a eso la
vas a encontrar en el próximo punto, el cual es
“El Alcance Pagado.”
El alcance pagado es simple de definir. (Y
para buen lector, pocas palabras bastan.) Pues
es eso mismo, todo aquel tipo de alcance que
logras gracias al impulso de alguna campaña
pagada, ya sea en Youtube, facebook,
instagram, páginas webs, etc. Es fácil saber lo
que es este punto, pero lo que es importante
saber sobre esto es que invertir en publicidad
para tu contenido juega un papel muy
importante por las siguientes razones:
Lo primero es que pagar por promoción es
simplemente dar un empujoncito extra,
impulsar, es como cuando hay un límite que no
puedes alcanzar pero la única forma de llegar
allí es dando ese impulso. Digo esto porque ese
impulso puede ser clave para el éxito, ya que al
dar ese impulso extra estas exponiendo tu
producto a un nuevo horizonte, un nuevo
terreno en el cual puede llamar la atención de
una persona o de millones de personas más,
que quizás nunca se habían interesado por tu
producto porque nunca se habían topado con él.
Esto puede provocar dos cosas; Primero que
las personas se interesen y empiezan a explorar
más de ti y por ende terminan convirtiéndose
en visitas orgánicas, ya que la única visita
pagada que vas a tener por parte de x persona
va a ser la primera impresión, o sea, la que
ocasionó que esa persona vaya por más de tu
contenido y termine regalándote más de 2
visitas las cuales no serán dentro del sistema de
promoción sino por voluntad propia haciendo
varios clicks en tus videos, y esto, amigo mío,
te llevará al éxito y a nuevos seguidores.
Segundo; Posicionar tu video. El sistema de
búsqueda de youtube y google va a colocar tu
video en una buena posición dentro de las
palabras claves relacionadas y la zona
geográfica a dónde orientaste tu campaña
(Recomiendo altamente que siempre que
promociones tengas la posibilidad de escoger en
cuáles ciudades o países orientar tu promo. Esto
lo puedes hacer en la promo que tenemos en
www.mhmusik.com/youtube-services al igual
que google ads)
Estratégicamente deberías primero revisar las
estadísticas de tu canal y mirar en cuales zonas
geográficas está ubicada la mayoría de tus
fanáticos activos orgánicamente para dirigir tu
promo justo a esa misma zona, y sé que quizás
te vas a preguntar ¿y por qué no mejor lo dirijo
a donde no tengo fanáticos? o ¿a un nuevo
horizonte donde podrían enamorarse de mi
proyecto? La verdad es que tiene mucha lógica
lo que dices, pero tú campaña va a tener más
éxito si lo diriges donde sabes que ya tienes tu
fanaticada, porque, tu proyecto puede pasar de
boca en boca entre vecinos que entre
desconocidos, eso es uno, y dos, tendrás mas
click en la llamada a la acción la cual te
asegurará más reproducciones orgánicas.
Para no dejarte con la duda, no puedo
continuar sin decirte que también puedes
orientar tu promo hacia un nuevo horizonte
(como digo yo) te puede dar resultados y sé
que uno de nuestros objetivos debería ser llegar
a donde no he llegado, descuida, la buena
noticia es que puedes hacer más de una
campaña, con diferentes objetivos, mi punto es
que te conviene más no dejar fuera del plan, el
objetivo de zona de más auge. Nunca olvides
que no puedes esperar muchos resultados
orgánicos ni económicos con una campaña
orientada hacia un nuevo horizonte a menos
que des el golpe de suerte…
Y esta es la palabra clave para ambos tipos de
alcance (El Orgánico y el Pagado) la palabra es
que para ambos el factor principal siempre será,
como decimos nosotros, “Suerte” no importa si
pagaste miles de dólares en campaña o si no lo
pagaste, porque para hacer un proyecto viral
pagando campaña, vas a necesitar esa conexión
entre los consumidores y tu producto musical.
Para finalizar este punto, puedes realizar el
mismo tipo de estrategia de zona geográfica
para spotify.
“Creación de Campañas Publicitarias”
Permíteme explicarte brevemente como
deberías crear la campaña de promoción para
un nuevo lanzamiento. Antes de continuar
tienes que tener claro en tu mente que es
importante que no esperes recuperar el dinero
que invertirás en x o y campaña. Te digo esto,
no para desalentarte, más bien, para prepararte
mentalmente, porque hay una alta probabilidad
de que no generes más de lo que invertiste a
raíz de x promoción. Recuerda cuál es el
objetivo de la promoción pagada, el cual nunca
debe ser el generar ingresos. Claro está, esa
campaña pagada puede desencadenar una
viralización y entonces si vas a generar mucho
más de lo que inviertas.
Platiquemos un poco sobre los puntos
importantes que no se pueden quedar, a la hora
de preparar el plan de promoción de un video
musical. Recuerda que es la misma estrategia
no importa el tipo de plataforma que utilices
para promocionar, ya sea Facebook, Instagram,
Youtube, Spotify, etc.
Primero; si no es el primer lanzamiento,
deberías echarle un vistazo al analytics del
canal y ver de dónde vienen la mayoría de tus
espectadores. Esto te dará una idea de cuál
puede ser tu primera zona geográfica a la cual
dirigir la campaña. Si es tu primer lanzamiento
entonces empieza con el segundo paso.
 Segundo; deberías hacer un análisis del
contenido. Con esto me refiero al estilo y al
público el cual crees que estará más
simpatizado con el tema. De ahí van a surgir
palabras claves para tu campaña y en especial
la zona geográfica principal a la que vas a dirigir
tu campaña.
Tercero; Identifica cuales artistas
(preferiblemente populares) se asemejan a tu
estilo. Al hacer esto tendrás otro objetivo al cual
apuntar en tu campaña. Utiliza el nombre del
artista como palabra clave en tu campaña.
Cuarto: No olvides el tipo de contenido que
estás promocionando, el cual es “MÚSICA” ahí
tienes tu palabra clave principal y más
importante. “Música” como palabra clave es de
las palabras claves que más posiciona tu
contenido, así que no la puedes olvidar.
Quinto; muy importante que tu video cumpla
con la ley COPPA de lo contrario no será
aprobado para promocionar. Ejemplo; si
contiene desnudos, sustancias narcóticas,
violencia, seres humanos con poca ropa, no
cuentes con la promoción.
 Sexto; es muy importante que no olvides la
llamada a la acción, porque la llamada a la
acción es la que te va a asegurar las ganancias
y el crecimiento de tu comunidad.
La llamada a la acción se trata del enlace
extra que agregas en especie de botón, en el
cual los espectadores pueden hacer click e ir a
la página principal de tu canal o mejor aún, a
escuchar tu canción en Spotify.
Dato importante; la fecha de duración es
clave, siempre obtendrás mejores resultados,
mientras más tiempo le permitas a la campaña
correr. Ejemplo; muchos artistas quieren que en
un día su video alcance 100,000 visitas, pero si
no eres famoso, no cuentes con eso. De la única
forma que alcanzaras 100,000 visitas el primer
día, orgánicamente, será cuando ya seas
famoso. Pero ese no es el punto, lo que quiero
explicarte es que el algoritmo de google es
neuronal, o sea que aprende por sí solo, como si
fuera una persona, entonces cuando le permites
a una campaña correr por más de 2 semanas,
con el paso del tiempo el algoritmo aprende del
comportamiento de la promoción e impulsa y
orienta de la manera más conveniente para tu
video.
 Así que para finalizar este punto, ten en
cuenta cada detalle cuando estés programando
tu campaña.
“Retos y Sorteos”
Una de las herramientas más importantes
para el músico/banda moderno son las Redes
Sociales. Lamentablemente los artistas de la
vieja escuela han perdido mucho dinero porque
en su tiempo no existía el mundo de la música
digital ni las redes sociales, por causa de esto,
muchos terminaron automáticamente fuera del
sistema y otros automáticamente
desorganizados en la parte digital y la
recolección de ingresos.
Hoy en día las redes sociales están llenas de
RETOS y SORTEOS, las dos palabras más
sonadas en el mundo de las redes. Como
estrategia son lo máximo y deberíamos
utilizarlas más a menudo para promocionar
nuestras canciones de manera orgánica.
Puedes utilizar cualquier tipo de Sorteo (Give
Away) puedes regalar algo, un disco gratis, un
dispositivo inteligente y hasta dinero, a cambio
de que escuchen tu nuevo sencillo y lo
compartan, a cambio de que te sigan o
suscriban, a cambio de quien haga el mejor
cover de tu canción, entre otro número infinito
de ideas que puedes desarrollar con un Sorteo.
Cuando haces un sorteo la gente lo comparte
como pan caliente, es una estrategia que llama
mucho a la atención de todo el mundo, porque
la mente humana piensa mucho en lo que va a
conseguir, en el premio.
Ahora, los Retos; tienen un ingrediente
especial aunque no parezca atractivo, lo hace
súper atractivo y uno no sabe ni cómo.
Terminas haciéndolo sin darte cuenta, jajajaja.
¿A quién le ha pasado? entonces es una llave a
tu disposición, por cada canción que saques,
invéntate un reto y pon a los pocos o muchos
seguidores que tengas a interactuar contigo,
con tu contenido, utilizando un reto como
enganche. No pierdes nada probando.
En Tiktok por ejemplo;
Tenemos muchos artistas que se han hecho
conocidos porque una canción se le hizo viral en
TikTok. ¿Cuál es la magia de Tiktok? la magia
de Tiktok es que está hecha a base de retos y
comedia, los dos nichos más grandes del
mundo.
 En TikTok a las personas no les importa quien
hizo la canción y ni siquiera como se llama la
canción, el primer interés de ellos es cumplir
con un reto o hacer un TikTok que de mucha
risa, y si tu canción llena esos requisitos, te
salvaste jajajaja. Así que ahí tienes una
estrategia más para tu próxima canción, piensa
en eso y es posible que tu próximo tema sea  el
próximo hit de TikTok.
Y para finalizar este capítulo, quiero
compartirte la columna vertebral de la
existencia de tu carrera artística, y es nada más
y nada menos que la PERSISTENCIA. Muchos se
confunden con querer alcanzar el éxito con una
sola canción en su repertorio, pero ese es un
grave error, la clave es tener un gran
repertorio, así que cuando lances un sencillo,
empieza a programar el próximo y cuando
lances este, programa el otro, y así
sucesivamente.  Sin cansarte y cuando menos
te lo esperes vas a despertar una mañana y te
vas a dar cuenta de que tienes una comunidad
esperando a que lances el próximo.
 Capítulo 4 – Códigos y Términos
fundamentales para el manejo de  tu
música a nivel legal y digital.
“Lista de nombres y definiciones”
Composición: Es el proceso como resultado
del cual el compositor crea una obra musical.
Copyright: Es la propiedad intelectual de una
obra por parte de una persona o un grupo.
Propiedad Intelectual: Es el derecho que le
corresponde a una persona como creador de
una obra.
Grabación: Conjunto de imágenes o sonidos
grabados.
Regalías de Ejecución: Son los derechos que
como autor te pertenecen por el uso de tu
canción, por ejemplo cuando tu canción suena
en la radio, se interpreta en público o en un
restaurant.
Entidad de Gestión Colectiva: Es la entidad
que recauda regalías de ejecución como por
ejemplo BMI, ASCAP y SESAC.
Regalías mecánicas: Son los derechos que
te corresponden cuando tu composición se
reproduce en cualquier soporte. Estos
derechos se te pagan a través del
distribuidor que utilices.
Editor o Editora Musical: es la empresa que
se ocupa de que los compositores y autores de
canciones reciban honorarios cuando sus obras
son usadas comercialmente.  Se hace A través
de un acuerdo llamado contrato de edición, un
autor o compositor "asigna" el copyright de sus
obras a una compañía editora. A partir de ahí, la
editora licencia dichas composiciones, ayuda a
controlar dónde se usan, recauda regalías o
royalties, y distribuye estas a los autores,
quedándose con un porcentaje de las mismas
como pago por sus servicios.
Licencias de sincronización: es cuando se
usa tu música en otros medios como una
película o un programa de TV.
ISRC: (El Código Estándar Internacional
de Grabación) es un código estándar de
carácter internacional para identificar
únicamente grabaciones de audio y videos
musicales.
UPC: El Código Universal de Producto
(UPC) es una simbología de código de barras
que se utiliza ampliamente en los Estados
Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva
Zelanda, Europa y otros países para rastrear
artículos comerciales en las tiendas.
ISWC: (International Standard Musical Work
Code, o Código internacional normalizado para
obras musicales) identifica una obra musical
como creación única intangible. Refleja el
resultado de la creación intangible de una o
varias personas, independientemente de su
estatus con respecto a los derechos de autor, de
las modalidades de reparto y de los contratos
que la rigen.
IPI: El número IPI/CAE es una identificación
internacional de nueve dígitos asignado a
autores y editores para identificar los titulares
de los derechos. Este número lo puedes
encontrar en el panel de control de la entidad
de gestión colectiva que utilices, ya sea ASCAP
o BMI.
SXID: Es el Número de Identificación de
Sound Exchange. El número que identifica una
canción en el sistema de Sound Exchange.
Catálogo: Un catálogo musical o catálogo
temático es una serie de obras de un
determinado compositor, archivo u otros
documentos musicales, en el que se ordenan y
enumeran las obras de acuerdo con distintos
criterios. Puede seguirse un orden cronológico,
en función de la fecha de composición (o de
estreno), según el tipo de composición o ambos
criterios. También sirve para ordenar las obras
presentes en colecciones bibliotecarias o
particulares.
Su finalidad es ordenar cada una de las obras
de una forma adecuada dando todos los datos
posibles, como la fecha de composición y
publicación, ubicación del manuscrito en caso de
existir, colección a la que pertenece, lugar y
fecha del estreno, etc.

Capítulo 5 – Todo lo que necesitas saber

sobre Sound Exchange.
“¿Qué es y para qué funciona?”
SoundExchange es una organización sin fines
de lucro de gestión de derechos colectivos. Es la
única organización designada por el Congreso
de los EE. UU. Para recopilar y distribuir regalías
de rendimiento digital para grabaciones de
sonido.
Sound Exchange recolecta las regalías que le
pertenece al cantante intérprete
(independientemente de que este sea el
compositor o no lo sea) y miembros de la banda
que ejecuta una canción en una grabación.  En
otras palabras, Aunque hagas un cover de
cualquier canción en el mundo, deberías
registrarlo en Sound Exchange porque hay más
regalías que te pertenecen allí que posiblemente
no las estés cobrando porque no tienes tus
canciones registradas en Sound Exchange al
igual que en BMI y demás.

¿Cómo Registro mi catálogo?

En Sound Exchange te van a pedir que les

envíes tu catálogo de canciones, así que te
recomiendo que vuelvas a mirar el último
término que definimos en el capítulo 4 de este
libro, para que entiendas bien que es un
catálogo.
 Con los términos que aprendimos en el
capítulo 4 de este libro será suficiente para ti
saber cómo llenar correctamente tu catálogo de
canciones. Además puedes mirar este video
instructivo que preparé en mi canal
principal https://www.youtube.com/watch?
v=Km7dSl6uAoA 
¿Cuánto y cómo me pagan?
En Sound Exchange los artistas que
interpretan la grabación de sonido, vocalistas, El
Sello Discográfico y el resto de la banda son
pagados de la siguiente manera:
Artista principal: 45%
El Sello discográfico: 50% (El sello
discográfico en este caso es el dueño de los
derechos de autor de la canción)
Vocalistas: 5%
El Resto de la banda: Se divide el 5% para los
miembros en partes iguales.
Todo ese proceso de reparto lo hace Sound
Exchange automáticamente. Está bajo la
responsabilidad de los músicos crear sus propias
cuentas de Sound Exchange.
 Una vez hayas generado ingresos en tu cuenta
de Sound Exchange, ellos te pagaran tus
ganancias a tu cuenta de banco en USA, así que
deberías tener eso preparado para cuando
tengas que cobrar. Necesitarás el Número de
Ruta del banco, la cuenta de banco y una foto
de uno de los cheques del banco donde se
refleje tu nombre. Eso es todo.
Capítulo 6 – Lo que necesitas saber sobre
las sociedades de gestión colectiva (BMI,
ASCAP, SGAE y SACM)
¿Qué es una sociedad de gestión colectiva
de derechos de autor?

Es una entidad que se encarga de que los

autores y editores cobren por el uso de su
música recaudando uno de los tipos más
importantes de ingresos editoriales: las regalías
por ejecución.
Estas regalías por ejecución son pagadas por
las emisoras de radios, las salas, y las cadenas
de TV a las Sociedades de Gestión Colectiva
de los Derechos de Autor como SGAE,
SACM, ASCAP, o BMI que después reparten el
dinero entre sus autores y editores afiliados.
Para no confundirnos, estas son las regalías
que se deben pagar a los compositores por la
ejecución de la obra intelectual intangible. De
las regalías por ejecución del máster
(Grabación), se encarga Sound Exchange.
¿Para quienes están dirigidos sus servicios?

Los servicios de este tipo de sociedad, están

dirigidos a Autores, editores, compositores y
letristas.
¿Qué tipos de lanzamientos puedo registrar?

En cualquiera de estas sociedades (BMI,

ASCAP, SGAE o SACM) puedes registrar tus
obras intelectuales siempre y cuando seas el
compositor de la misma, ya sea de la música o
de las letras.
Se registra la obra intelectual intangible, por
esta razón no es necesario cargar ningún tipo
de archivo a sus plataformas.
 ¿Check list de lo que necesito para
registrarme?

Cuando vayas a registrarte en una de estas

sociedades vas a necesitar los siguientes datos
❏Nombre completo
❏Núm. de Cédula o Seguro de Salud o Social
Security Number
❏Dirección física Completa
❏Número de Apt
❏Código postal
❏Fecha de Nacimiento
❏Correo electrónico
❏Núm. de teléfono
Para ver video tutorial con los pasos a seguir
entra a este
enlace https://www.youtube.com/watch?
v=_2s4Wpr8rAM
¿Check list de lo que necesito para registrar
una obra?
 ❏Nombre del Artista
❏Título de la obra
❏Duración de la grabación de audio de la obra
❏El número IPI del productor o compositor de
la música (en caso de que no hayas sido tú)
Para ver video tutorial con los pasos a seguir
entra a este
enlace https://www.youtube.com/watch?
v=jB_BpUG5wYA&t=89s
¿Cuánto y cómo me pagan?

El reparto de ingresos por parte de la

composición a través de las sociedades
mencionadas en este capítulo compone del
200% siendo este el total absoluto, de ahí se
reparten los titulares de acuerdo al trato que
hayan realizado en mutuo acuerdo. Esta parte
se controla por el usuario al momento de
registrar la obra en su panel de control en la
cuenta del usuario.
Hice un video muy bueno hablando sobre
cómo dividir las regalías entre productores y
artistas. Pueden mirarlo
aquí https://www.youtube.com/watch?
v=ZT5cQKCKEWw&t=24s
Una vez hayas recibido tu primer pago (el cual
viene dividido en cuartos de año, o sea cada 3
meses) la empresa se encarga de depositar tus
ganancias en la cuenta de banco de USA o del
país correspondiente que hayas agregado.
Normalmente es en dólar Estadounidense.
{Si aún no tienes tu registro en BMI o ASCAP,
recuerda que puedes solicitar la creación de tu
cuenta contactando a www.mhmusik.com al
correo electrónico support@mhmusik.com
Y para finalizar este tema, quiero recordarte el
regalo que te prometí en las primeras páginas
de este libro, no lo olvides. Te está esperando
en el capítulo 7. Lo menciono aquí porque la vas
a necesitar cuando vayas a registrar tus obras
en la Sociedad de Gestión Colectiva que te
hayas inscrito. Hablaremos más sobre esto.

Capítulo 7 –  Split - Sheet (Hoja de

Reparto)
¿Qué es y para qué sirve?
 La “Split-Sheet” (en español “Hoja de
Reparto”) es un documento legal en el que
contempla el porcentaje que cada artista va a
cobrar por las regalías que genere una canción.
Este documento es muy necesario para
cuando vayas a hacer una colaboración con otro
artista o tu productor de música. Como hemos
aprendido en este material completo, cada
compositor merece su parte de las regalías y
esto incluye también al productor musical, ya
que es compositor de la música.
Si haces un featuring y el invitado especial
escribe su parte de la canción entonces ambos
son coautores y por ende, también le pertenece
una parte de las regalías por la composición.
Ahora, no deberías preocuparte por esto, ya
que cada parte involucrada en la composición
de una canción es responsable de tener sus
cuentas en orden para recibir dichas regalías, y
como conversamos en el capítulo 6 esto se hace
registrándose en unas de las Sociedades de
Gestión Colectiva mencionadas anteriormente
en el capítulo.
 Si aún no tienes tu registro en una de estas
sociedades, recuerda que puedes solicitar la
creación de tu cuenta, contactando a
www.mhmusik.com al correo electrónico
support@mhmusik.com
Esta hoja de reparto sirve para certificar
legalmente lo que se acordó entre autores, para
evitar malos entendidos y posibles problemas
legales en el futuro. Cada autor deberá guardar
una copia del documento en un lugar seguro
para consultar en caso de que se necesite en un
futuro.
¿Quiénes deberían utilizarla?

Si eres el Artista que va a interpretar la

canción pero no eres el compositor de las letras,
no deberías registrar la obra en BMI o ASCAP,
más bien, deberías reclamar la ejecución del
máster en Sound Exchange como Artista
principal. Si este es tu caso, es probable que no
necesites una Hoja de Reparto para el
lanzamiento en cuestión, quizás en el próximo
lanzamiento que hayas sido tú, el letrista.
 Si eres el Productor (con esto me refiero a si
hiciste los arreglos musicales de dicha
grabación) necesitas hacer el registro del tema
en tu cuenta de BMI o ASCAP. Esto significa que
casi todo el tiempo vas a necesitar tener tu
copia de la Hoja de Reparto lista todo el tiempo.
En fin, siempre que hagas una colaboración
vas a necesitarla, ya seas, productor o canta
autor.

¿Dónde encontrar tu ID de compositor?

El ID de compositor es el código IPI (que

encontrarás en el panel de control de tu cuenta,
ya sea en BMI o ASCAP. Normalmente puedes
encontrar este código en el catálogo de obras
registradas en tu cuenta.
Aquí tienes tu regalo (el código de descuento
para que descargues la Hoja de Reparto
totalmente gratis) Este es el código >
Laindustria2020 < y aquí está la Hoja de
Reparto https://www.mhmusik.com/product-
page/hoja-de-reparto-split-sheet
 Palabras finales
Felicidades has llegado a la etapa final de mi
libro y quiero darte las gracias por sacar de tu
tiempo tan preciado para leerlo e invertir en tu
carrera o negocio. Quiero animarte a que leas
las siguientes páginas ya que en ellas sabrás lo
que continúa en esta travesía.
Nunca estuvo en mis planes hacer videos para
youtube sobre la industria musical y mucho
menos escribir un libro sobre el tema. La verdad
es que estoy sorprendido de ver lo que está
pasando con mi carrera, todo el tiempo mi
sueño ha sido ser un cantautor reconocido, pero
por cosas de la vida (lo cual creo que Dios tiene
que ver con esto) he pasado de ser artista a ser
un emprendedor empresario en el mundo
digital.
Debido a la demanda de Artistas y Empresas
como tú, querido lector, he tenido que dividir mi
carrera artística de mi empresa y es complicado
hacer eso a la misma vez. Esto ha provocado
que mi carrera artística no esté sólida como tal
y el crecimiento es 150% la empresa y 50% el
artista.
 Por el momento sigo trabajando algunas
canciones porque es mi pasión pero tengo que
dedicar más tiempo a atender los negocios y los
servicios con artistas independientes y cada vez
crece y crece.
He recibido muchos malos comentarios con
respecto a mi carrera artística, comentarios que
siendo sincero, me han desanimado en muchas
ocasiones, pero el punto está en no rendirse,
esa es la clave. Mi situación es especial por lo
que ya comenté en este punto y con todo esto
lo que quiero decirte es que no te compares con
ningún otro artista, porque tú eres único, tu
música por igual y tu crecimiento como artista
marcha a un ritmo especial y diferente a los
demás, quizás yo no llegue nunca a ser un
cantante famoso, pero sí sé que por mis
consejos y herramientas muchos otros lo
llegaran a ser y tú puedes ser el próximo.

¡Gracias!
Gracias por confiar en mí y mis conocimientos.
Si te gusto este libro y lo has encontrado útil,
Me sentiría muy agradecido si dejas tu opinión
en Amazon. Tu opinión me ayudará a seguir
escribiendo ebooks relacionados con este tema.
Tu apoyo es muy importante.
Leeré todas las opiniones para hacer este libro
mejor. Puedes dejar tu opinión en la página de
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scroll hacia abajo en el apartado de “Opiniones
de clientes”-”Escribir mi opinión”- en Amazon.es
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Soy Michael Hernández y te invito a que me
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[POST-CRÉDITOS]
 Al finalizar este libro, estaré iniciando de
inmediato con la preparación de un taller
completo para crear tu propia compañía de
distribución digital sin depender de un
agregador. Así es, totalmente
independiente. Quédate atento a mis redes
sociales y canal de youtube para que no te
lo pierdas cuando esté listo.
Si te interesa algún tipo de asesoría sobre
el tema, por favor agenda una cita online
conmigo a través de este enlace
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la conversación se llevará a cabo a través
de la app de zoom.
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etc conmigo sobre el tema, por favor
contáctanos a support@mhmusik.com

- FIN-