Arte y Comunicación

¿Qué es el arte?
Como arte denominamos un conjunto de disciplinas o producciones del ser humano de fines
estéticos y simbólicos a partir de un conjunto determinado de criterios, reglas y técnicas. Se
considera como una actividad creadora consciente.
“El arte no solo es oficio: El individuo que hace arte, posee una intencionalidad estética y conoce
el poder significativo y cultural de la obra que realiza”
¿Cuáles son las finalidades del arte?
 El arte no tiene una función práctica, pero tiene muchas finalidades …
 Expresar emociones y sentimientos…
 Recrea, representar e interpretar la realidad de manera libre
 Cuestionar y denunciar temas inherentes a la sociedad
 Transformar significaciones y conceptos culturales
 El arte permite denunciar la inconformidad del artista con la realidad
 Causar emoción, reflexión, deleite o choque en el espectador
Características del arte
 Es dinámico. El arte está en constante transformación. Las representaciones artísticas
varían con el tiempo y según las diferentes sociedades o culturas.
 Es subjetivo. El arte está formado por representaciones artísticas originales y únicas que
no pueden ser replicadas. Cada artista traduce, interpreta y representa el mundo según su
propio punto de vista.
 Es universal. El arte y la capacidad de producirlo es inherente al ser humano. Las
expresiones artísticas son realizadas por individuos y grupos sin distinción de cultura,
raza o género.
 Es un medio de expresión. El arte se erige como el medio de expresión por excelencia
para el ser humano. A lo largo de la historia, el hombre creó y encontró diversas maneras
de transmitir y expresar emociones, opiniones, pensamientos y valores a través de los
diferentes lenguajes artísticos.
 Es contemplativo. El arte no tiene un fin utilitario. Su fin es estético y es considerado una
forma de expresión que busca la belleza.
 Es una actividad creativa. El arte es la actividad creativa por excelencia. A través de las
diferentes disciplinas artísticas, el ser humano utiliza su potencial y capacidades para
crear.
 Es multidisciplinario. El arte se vale de multiplicidad de herramientas y métodos para ser
representado. El sonido, la escritura, la pintura son algunos de los recursos más utilizados
en el arte.
¿Qué es el arte? – Ciencia, Arte y Conocimiento (unl.edu.ar)
Evolución del concepto de Arte
El concepto del arte está condicionado por el contexto sociohistórico y, por lo tanto, varía,
transformándose continuamente. Se trata de un término que no es universalmente comprensible
ni históricamente inmutable. El concepto que tenemos hoy en día del arte proviene
temporalmente de la modernidad y geográficamente del Occidente.

En la antigüedad (sociedad grecorromana):

El arte se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno
productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir un objeto,
para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para efectuar mediciones
agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la
hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía,
que venía de la inspiración, no estaba catalogada como arte. Todo aquello que venía de la
inspiración divina, se le llamaba “Mousike”.
Así, Aristóteles, por ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a producir
cosas de un modo racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un
método y un orden». Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de
hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un
sentido general, es la capacidad creadora del ser humano. Casiodoro destacó en el arte su aspecto
productivo, conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar, conmover y
complacer.
Llegan a la conclusión de que las artes son miméticas, es decir, que imitan a la realidad.
En la Edad Media:
El valor del arte tiene una conexión básica con la religión y, en cierto modo, con lo pedagógico.
La necesidad de vincular la creación artística a la exposición y expresión de las Sagradas
Escrituras, determinan un valor que aún no está necesariamente relacionado con lo económico.
El arte es una posición de una destreza de carácter manual o mental. Se institucionaliza la
distinción entre lo que se denominaba “artes liberales” (gramática, lógica, retórica, aritmética,
geometría, astronomía y música) y “artes mecánicas” O “artes vulgares” (artesanía, pintura,
escultura), señalando una clara diferenciación entre las artes intelectuales y aquellas basadas en
el oficio manual retribuido y realizado mediante el esfuerzo físico.
En el Renacimiento:
Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y
las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces
un tipo de filosofía o incluso de profecía para lo que fue determinante la publicación en 1549 de
la traducción italiana de la Poética de Aristóteles. En este cambio intervino considerablemente la
progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos
prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron
un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un
medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el
coleccionismo. Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los de
Leon Battista Alberti(De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o
Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica,
pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de decorum, el tratamiento del artista para
adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el
primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y
lo que llamó “renacer de las artes”.

Tema 2
Metodología para el estudio del arte Comprender el arte
El arte es un concepto construido y modificado a través del tiempo y el contexto en que se
desarrolla. En la actualidad el concepto de arte es amplio, no obstante, hay objetos que son arte y
otros que no lo son, hay obras de arte que se han acumulado en las distintas capas históricas y
que son parte de la tradición artística.
La mirada del hombre las revisa y sus interpretaciones varían, se enriquecen con nuevas lecturas,
y pueden aportar significaciones diversas. “Ver algo como arte requiere algo que el ojo no puede
captar: una atmósfera de teoría artística, un conocimiento de la historia del arte: un mundo del
arte” ( Arthur Danto, 1984, p. 478)
¿Qué necesito conocer para comprender el arte?
Conocer los elementos formales: artificios, formas y modelos de representación artística
El artificio
Los artificios son mecanismos, convenciones gráficas, recursos que determinan el objeto o la
búsqueda representativa. La obra de arte como producto cultural posee significados que están
estructurados dentro de un lenguaje plástico , elementos formales y significativos (Artificios:
Procedimiento o medio ingenioso para conseguir, encubrir o simular algo.)
La composición visual:
La composición es la colocación y ordenamiento de los elementos que integran una obra de arte,
considerando las relaciones existentes entre ellos, y con la intención de generar efectos y
significados en la misma. Esta organización es en atención a elementos como equilibrio visual,
proporciones, simetría, luz, color entre otros.
• Una obra de arte, cualquiera que esta sea, contiene una organización de los diversos elementos
en el total del diseño o estructura, estos se relacionan entre sí y a su vez con la totalidad de la
obra de arte, lo que le proporciona coherencia formal y significado a la obra.
• La Perspectiva: Es el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se
aparecen a la vista. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio
que retrocede.
Tipos de perspectiva:
Perspectiva lineal: Consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos
convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.
Perspectiva aérea: Perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a
los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que
da una impresión muy real de la distancia.
La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica es el método con el cual se produce una sensación
de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean
más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana. (en este caso
mediante la gradación del color, así como la nitidez a medida que se van alejando los elementos
en el plano.)

El Equilibrio visual:
Todas las composiciones plásticas quedan determinadas por la relación entre sus pesos o fuerzas
visuales, que son las formas y colores que atraen la vista con cierta intensidad.(Centro de interés)
•Se llaman composiciones estáticas a aquellas cuyos elementos visuales se disponen a ambos
lados de un eje, de manera que los dos campos atraigan la vista por igual, el equilibrio es
simétrico o estable, y el efecto es de orden y descanso.
•Se llaman composiciones dinámicas cuando cada uno de los campos a los lados del eje tiene una
fuerza visual diferente, el equilibrio es asimétrico o inestable, y el efecto es de flexibilidad y
vitalidad.
•Se llaman composiciones en desequilibrio, si las figuras se sitúan a un lado del eje imaginario
formando un solo peso visual y la composición presenta un grado máximo de inestabilidad.
Formas:
En una obra de arte pueden existir varias formas, es necesario extraer la forma de mayor
predominio
Formas figurativas: Representan objetos o escenas reconocibles de la realidad y pueden tener un
mayor o menor grado de parecido con ella.
Formas Abstractas: No posee un referente objetual. No representan la realidad y no se identifican
con ella. El arte abstracto es aquel que no representa temas convencionales, ni intenta copiar ni
imitar modelos o formas reales. Utiliza manchas de color, formas geométricas, signos, lineas.
Formas Simbólicas: Son aquellas representaciones que de una u otra manera representan,
simbolizan, sustituyen e interpretan el mundo y la realidad humana. Generadas en un entorno y
tiempo particular, representan o proyectan la relación que tiene un grupo social o un individuo
con el mundo; cómo lo ve, lo percibe, lo interpreta. Hay que entender que a lo largo de la
Historia se han configurado a la par de creencias, religiones, cosmovisiones, ideologías y reflejan
aspectos múltiples desde estéticos hasta económicos; sociales y de género; psicológicos y
emocionales.
Formas estilísticas: El estilo de una obra artística es lo que permite identificar cuál es la manera
particular que tienen cada artista y cada época de hacer arte. A través del estilo se expresan las
diferentes formas posibles de relacionar los elementos que componen cualquier forma de
expresión artística.
Formas Indexicales: Índice por ser huella de la luz que reflejan los cuerpos (fotograMa). El
dispositivo fotográfico es productor de signos que guardan una relación existencial con una
porción del universo físico. Es el rastro físico que deja una acción, un gesto o la impronta de la
expresión creadora.
Formas cerradas: lo representado está formado por líneas que aíslan los elementos de una obra
y permiten ver los elementos por separado.
Formas abiertas: son aquellas en las que las pinceladas se extienden y penetran en la forma.
Líneas:
Es el elemento más simple de representación gráfica; está formada por la unión de varios puntos
en sucesión; Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también, la más
dinámica y variada: Define contornos, hace conexiones, separa o establece distancias.
Líneas verticales: Nos sugieren elevación física o espiritual, equilibrio, actividad, vida,
masculinidad, solidez, por ejemplo, asociamos solidez a las construcciones que se elevan sobre el
suelo.
Líneas horizontales: Simbolizan tranquilidad, reposo, seguridad, estabilidad. La justificación la
encontramos porque es sobre planos horizontales en donde nos movemos y sobre los que
descansamos.
Líneas oblicuas: Simbolizan falta de equilibrio o inestabilidad, acción, movimiento. Las líneas
oblicuas ascendentes hacia la derecha expresan dinamismo, mientras que las descendentes hacia
la izquierda expresan caída.
Líneas curvas: Representan movimiento, sensibilidad, vibración, sensualidad, suavidad,
feminidad, indecisión, intranquilidad. Si la curva es cerrada simboliza encierro, confort, y si es
abierta, evasión.
Color:
Cuando hablamos de color, nos referimos a una impresión producida en nuestros órganos
visuales (ojos), e interpretada por nuestros centros nerviosos (cerebro), por un tono de luz
específico del espectro cromático.
Todos los colores están contenidos en el espectro de la luz visible, pero en distintas longitudes de
onda que nuestra percepción puede captar por separado, e identificar como colores específicos.
• Estilos y Movimientos artísticos
Algunos Artificios de la tradición artística
• La Perspectiva
Es el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista.
La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
• El Sfumatto
Esfumado Sfumato viene del italiano "fumo" (humo)
• Es la técnica que desarrolla Leonardo da Vinci y que consiste en difuminar contornos.
Difuminar significa eliminar el borde bien delimitado, volviéndolo borroso, nublado, como visto
a través del humo, y para esto se utilizan finísimas capas de pintura que se transparentan y se
aplican una sobre otra, llamadas “veladuras”. Sobre esas veladuras luego se hacen retoques muy
delicados.
• Al dejar difuminados los contornos, los bordes, fundiendo también luces y sombras, se alcanza
un mayor realismo, una mayor profundidad, y una belleza nunca antes lograda por la suavidad de
los gestos en los retratados.
• El Claroscuro – Tenebrismo
Claroscuro: Es un juego entre las luces y sombras creando un contraste en la obra. Este
movimiento surgió en el siglo XVI, y alcanzó gran uso durante el arte Barroco. Como la luz y las
sombras resaltan tanto en cada pintura, se crea una sensación de volumen con sus colores
oscuros, que le da al observador distintas sensaciones dependiendo de donde le refleja la luz.
Tenebrismo: Este movimiento comenzó un poco después del claroscuro en el siglo XVII. El
tenebrismo sigue formando parte del claroscuro, pero llevado al extremo, da una sensación de
inquietud, drama, una serie de sentimientos encontrados que causan una mayor tensión. Estas
obras resaltan por su gran oscuridad y alto contraste, una característica muy importante en el arte
Barroco.
• Escorzo
El escorzo es un recurso de la pintura, del dibujo y de la fotografía que se utiliza para dar la
sensación de profundidad o perspectiva y volumen. Se utiliza para hacer referencia a un cuerpo
no simplificado en posición oblicua o perpendicular al nivel visual.
Hay escorzo cuando en el diseño de un objeto se produce una contracción proyectiva. Por
ejemplo, en el cuadro de Mantegna del Cristo yacente, las piernas se acortan y deforman para
hacernos entender que está en perspectiva.
El escorzo es un artificio visual que contradice nuestra imagen mental.
• Movimiento
El movimiento en una imagen estática.
Futurismo= Dinamismo-Velocidad