CORRIENTES ARTÍTICAS

1. LA ARQUITECTURA DEL HIERRO Y EL ACERO

La arquitectura del hierro y el acero es un estilo arquitectónico que se desarrolló en
el siglo XIX y se caracteriza por el uso de estos materiales en la construcción de
edificios y estructuras. Este estilo arquitectónico fue posible gracias a los avances
tecnológicos de la Revolución Industrial, que permitieron la producción a gran
escala de hierro y acero.
La arquitectura del hierro y el acero se caracteriza por su apariencia industrial y su
capacidad para crear estructuras de gran altura y resistencia. Los edificios
construidos con estos materiales a menudo tienen una apariencia esbelta y elegante,
gracias a la capacidad del hierro y el acero para soportar cargas sin necesidad de
muros de carga pesados.
Algunos de los edificios más
famosos construidos en el estilo de
la arquitectura del hierro y el acero
incluyen la Torre Eiffel en París, el
Edificio Chrysler en Nueva York y
el Crystal Palace en Londres. Estos
edificios utilizan elementos
estructurales de hierro y acero
como vigas, columnas y arcos para
crear formas y diseños complejos.
Además de los edificios, la
arquitectura del hierro y el acero también se utilizó en la construcción de puentes y
otras estructuras de ingeniería. Los puentes colgantes y de vigas utilizan el hierro y
el acero para crear estructuras fuertes y estables que pueden soportar grandes cargas.
En resumen, la arquitectura del hierro y el acero es un estilo arquitectónico que se
caracteriza por el uso de estos materiales en la construcción de edificios y
estructuras.
Escuela de Chicago.(Louis Sullivan)
La Escuela de Chicago fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en la
ciudad de Chicago a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Este
movimiento se caracterizó por su enfoque en la funcionalidad y la forma, en lugar
de la ornamentación excesiva, lo que llevó a la creación de algunos de los primeros
rascacielos de la historia. Entre los arquitectos más destacados de la Escuela de
Chicago se encuentra Louis Sullivan, un arquitecto estadounidense conocido por su
diseño de rascacielos.
Sullivan creía que la forma de un edificio debía estar determinada por su función, y
que la ornamentación debía ser una parte integral del diseño, en lugar de un simple
adorno. Sus edificios se caracterizan por su diseño de "ventana grande", en el que
las ventanas abarcan la mayor parte de la fachada del edificio, lo que permite una
mayor cantidad de luz natural en el interior. También utilizó materiales modernos
como el acero y el hormigón armado para crear edificios altos y
resistentes.Rascacielos.
 Uno de los ejemplos más destacados del
trabajo de Sullivan es el Edificio Carson,
Pirie, Scott and Company, en Chicago. Este
edificio, construido en 1899, es conocido por
su fachada ornamentada y su diseño
innovador. Utilizó detalles ornamentales
como hojas de acanto y motivos florales para
embellecer la fachada, pero de una manera
sutil y elegante que no distrae de la forma general del edificio.
2. PRIMERASVANGUARDIAS
Las primeras vanguardias surgieron en Europa a finales del siglo XIX y principios
del siglo XX, en un momento de importantes cambios políticos, sociales y
culturales. Estas corrientes artísticas se caracterizaron por su afán de renovación y
experimentación, y tuvieron un impacto significativo en la cultura y el arte del siglo
XX.
Entre las primeras vanguardias se encuentran el Simbolismo, el Modernismo, el
Futurismo, el Cubismo, el Expresionismo y el Surrealismo, entre otros movimientos
artísticos y literarios. Cada uno de estos movimientos tenía sus propias
características y objetivos estéticos, pero todos compartían una actitud de rebeldía
frente a las formas artísticas tradicionales..
FAUVISMO.
El Fauvismo fue un movimiento artístico que surgió en Francia a finales del siglo
XIX y principios del siglo XX, siendo uno de
los precursores de las vanguardias. Los
fauvistas se caracterizaron por el uso de
colores intensos y vibrantes, así como por la
aplicación de técnicas expresivas que se
alejaban de las tradiciones académicas del arte.
El término "Fauvismo" proviene del francés
"fauve", que significa "fiera" o "salvaje", en
alusión a la audacia y a la fuerza expresiva de
sus obras. Los fauvistas eran artistas que
buscaban representar la realidad de una manera más personal y subjetiva, utilizando
el color como elemento fundamental de la obra.
Entre los principales exponentes del Fauvismo se encuentran Henri Matisse, André
Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlamin.
 Henri Matisse.
fue uno de los artistas más importantes del Fauvismo y uno de los precursores de las
vanguardias del siglo XX. Nació en Francia y comenzó su formación como abogado,
pero pronto se interesó por el arte y comenzó a estudiar pintura en la Academia
Julian de ParíMatisse se caracterizó por su uso
audaz del color y su técnica expresiva y libre.
En su obra, la forma y el color adquirían una
importancia fundamental, y utilizaba tonos
brillantes y saturados para crear composiciones
vibrantes y llenas de vida.A lo largo de su
carrera, Matisse experimentó con diferentes
técnicas y estilos, y su obra evolucionó desde el
Fauvismo hasta el Modernismo. Entre sus obras
más famosas se encuentran "La danza" y "La
música", dos paneles decorativos encargados
para la casa del coleccionista ruso Sergei Shchukin. Matisse también se dedicó a
otras disciplinas artísticas como la escultura, el grabado y el diseño de interiores, y
fue un referente para muchos otros artistas del siglo XX. Su obra tuvo un gran
impacto en la cultura y el arte de su época, y sigue siendo valorada y estudiada hoy
en día.
 André Derain (1880-1954).
fue un pintor francés y uno de los principales
representantes del Fauvismo. Junto a Henri
Matisse, fue uno de los creadores de este
movimiento artístico que se caracterizó por el
uso de colores brillantes y saturados. Derain se
interesó por el arte desde muy joven y estudió
en la Academia Julian de París. Su estilo
evolucionó a lo largo de su carrera, pero
siempre mantuvo una actitud audaz y
experimental en sus obras. Además del
Fauvismo, Derain también se interesó por otras
corrientes artísticas como el Cubismo y el
Surrealismo. Entre sus obras más famosas se
encuentran "El puerto de Collioure", "Retrato
de Matisse" y "Bañistas", que destacan por su técnica expresiva y su uso del color.
También se dedicó a otras disciplinas artísticas como la escultura y el diseño de
interiores. Derain tuvo un papel importante en el desarrollo del arte del siglo XX y
fue un referente para muchos otros artistas de su época. Su obra sigue siendo
valorada y estudiada hoy en día como un ejemplo de la experimentación y la
innovación en el arte.
 Maurice de Vlaminck (1876-1958)
fue un pintor francés y uno de los principales representantes del Fauvismo. Junto a
André Derain y Henri Matisse, fue uno de los creadores de este movimiento artístico
que se caracterizó por el uso audaz y expresivo del color. Además de la pintura,
Vlaminck también se dedicó a la escritura y publicó varias novelas y ensayos a lo
largo de su vida. Sus escritos reflejan su interés por la literatura y su amor por la
naturaleza, que se plasmaba en muchas de sus obras pictóricas.
A lo largo de su carrera, Vlaminck experimentó con diferentes técnicas y estilos, y su
obra evolucionó hacia una mayor abstracción y simplicidad formal. Sin embargo,
siempre mantuvo su interés por la
expresividad y el color, que se
convirtieron en características
fundamentales de su estilo.Hoy en día,
la obra de Vlaminck sigue siendo
valorada y estudiada como un ejemplo
de la creatividad y la innovación en el
arte del siglo XX. Su legado artístico ha
dejado una huella importante en la
cultura y la historia del arte, y continúa
inspirando a artistas y aficionados en
todo el mundo.
EXPRESIONISMO.

El expresionismo es un movimiento artístico que

surgió en Alemania a principios del siglo XX y
se caracterizó por una fuerte carga emocional y
una expresividad exagerada y dramática en la
representación de la realidad. Este movimiento se
manifestó en diferentes disciplinas artísticas,
incluyendo la pintura, la escultura, la literatura,
la música y el cine.En la pintura, el
expresionismo se caracterizó por el uso de
colores intensos y
contrastantes, formas exageradas y distorsionadas, y
una representación subjetiva de la realidad. Los
artistas expresionistas buscaban reflejar sus
emociones y experiencias personales en sus obras, y
utilizaban la figura humana como medio para
expresar sentimientos y estados de ánimo.Entre los
artistas más representativos del expresionismo se
encuentran Edvard Munch, Vincent van Gogh, Ernst
Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Franz Marc. Cada
uno de ellos desarrolló un estilo propio y único, pero
todos compartían la preocupación por la expresividad
y la representación de la realidad de una manera
subjetiva.
 Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) fue un pintor y
grabador alemán, y
uno de los
principales
representantes del
movimiento artístico
conocido como
Expresionismo. Kirchner estudió en la
Academia de Bellas Artes de Múnich, pero se
sintió insatisfecho con las enseñanzas
académicas y se unió a un grupo de artistas
que buscaban nuevas formas de expresión en
el arte. Junto a otros
artistas fundó el grupo
"Die Brücke" (El
Puente), que se
convirtió en uno de
los referentes del Expresionismo alemán. Las obras de
Kirchner se caracterizan por un estilo audaz y expresivo,
en el que utiliza pinceladas fuertes y colores vibrantes
para crear efectos emocionales y psicológicos. Sus
pinturas suelen mostrar figuras humanas en situaciones
cotidianas, como en la ciudad, en el campo o en la playa.
Además de la pintura, Kirchner también se dedicó al
grabado y la escultura. Su obra abarca una amplia
variedad de temas, desde retratos y paisajes hasta escenas eróticas y violentas.
 Emil Nolde (1867-1956)
fue un pintor y grabador alemán, y uno de los principales exponentes del
expresionismo. Su obra se caracteriza por
el uso audaz y expresivo del color y la
exploración de temas religiosos,
folclóricos y de la naturaleza. Nolde
comenzó su carrera como maestro de
escuela, pero a los 31 años decidió
dedicarse por completo a la pintura. Tras
estudiar en Múnich y París, se instaló en la
región de Schleswig-Holstein, donde
encontró la inspiración para su obra en la
naturaleza y en la vida de los campesinos
locales. Las pinturas de Nolde se destacan
por el uso intenso del color, en el que logra
efectos de luminosidad y profundidad, así como por el tratamiento expresivo y a
menudo grotesco de las figuras humanas y animales. También exploró temas
religiosos y místicos, a menudo representando figuras divinas o sagradas en
composiciones de gran dramatismo y emotividad. Durante la época del régimen
nazi en Alemania, Nolde fue considerado un artista "degenerado" por su estilo
 expresionista y su pertenencia a la comunidad artística de la llamada "Brücke". A
pesar de ello, continuó trabajando y produciendo obras de gran calidad hasta su
muerte en 1956.
 Wassily Kandinsky (1866-1944)
Fue un pintor ruso considerado uno de los principales exponentes del arte
abstracto. Es conocido por su teoría del color y la forma en el arte, y por sus
obras llenas de energía y movimiento. Kandinsky comenzó su carrera como
abogado y profesor de derecho en Moscú, pero después de un viaje a París en
1896, decidió dedicarse a la pintura. Estudió en varias academias de arte en
Munich, donde se asoció con otros artistas que buscaban nuevas formas de
expresión en el arte. En 1910, Kandinsky publicó "Sobre lo espiritual en el arte",
un manifiesto en el que explica su teoría del arte abstracto y su relación con lo
espiritual. Según Kandinsky,
el arte debía ser una
expresión directa de la
emoción y la espiritualidad
del artista, y el color y la
forma debían utilizarse para
crear una experiencia
emocional en el espectador.
Las pinturas de Kandinsky se
caracterizan por una
explosión de color y
movimiento, con formas geométricas y líneas curvas que parecen vibrar y danzar
en la superficie de la tela. A menudo, utilizaba formas abstractas para evocar
sentimientos y emociones, sin representar objetos o figuras reconocibles.

 Franz Marc (1880-1916)

fue un pintor alemán y uno de los principales
exponentes del movimiento expresionista
alemán. Es conocido por sus vibrantes pinturas de
animales y su uso audaz del color para expresar emociones y estados de ánimo.
Marc estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde
conoció a otros artistas que se convertirían en miembros
fundadores del grupo "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul), del
que Marc fue uno de los líderes. El grupo buscaba nuevas
formas de expresión en el arte, inspirados en la cultura popular,
la naturaleza y las tradiciones de Oriente y África.
 CUBISMO.
El Cubismo es un movimiento artístico que surgió a principios del siglo XX,
desarrollado principalmente por los artistas Pablo Picasso y Georges Braque. Este
estilo revolucionó la forma en que se representaba la realidad en el arte,
descomponiendo los objetos en formas geométricas y presentándolos desde
múltiples perspectivas. El
cubismo se caracteriza por la
utilización de formas
geométricas para representar
objetos y figuras humanas. Los
artistas cubistas descomponían
los objetos en planos y facetas
geométricas, creando una
representación tridimensional
de la figura en un plano
bidimensional. El cubismo se
dividió en dos etapas
principales: el cubismo
analítico y el cubismo sintético.
En la primera, los artistas
creaban composiciones
abstractas a partir de la
fragmentación de la realidad en
formas geométricas, lo que
producía una imagen compleja y difícil de reconocer para el espectador. En la
segunda, los artistas incorporaban elementos más reconocibles en sus obras,
como letras, recortes de periódicos y otros objetos, lo que creaba un efecto más
claro y legible.
 Pablo Picasso (1881-1973)
 fue un pintor, dibujante y escultor español que es
considerado uno de los artistas más influyentes
del siglo XX. Es conocido por su estilo innovador
y su gran capacidad para experimentar con
diferentes técnicas y estilos artísticos.Picasso
comenzó su carrera artística en Barcelona y más
tarde se trasladó a París, donde se unió al grupo
de artistas que lideraban el movimiento del
cubismo. Junto a Georges Braque, Picasso

desarrolló el cubismo analítico y el

cubismo sintético, dos corrientes que
revolucionaron la forma de entender el
arte y la representación de la realidad.
El cubismo de Picasso se caracteriza
por la fragmentación de las formas y la
representación de objetos desde múltiples perspectivas, lo que creaba una
sensación de dinamismo y movimiento en la obra. También utilizó una paleta de
colores limitada y la técnica del collage para crear obras más complejas y ricas en
texturas y formas. A lo largo de su carrera, Picasso exploró diferentes estilos
artísticos, desde el surrealismo hasta el expresionismo y el arte abstracto. Sus
obras también abarcan una gran variedad de temas, desde retratos hasta paisajes y
naturalezas muertas.
Entre las obras más famosas de Picasso se
encuentran "" (1907), considerada una de
las obras más importantes del arte
moderno, y "Guernica" (1937), un mural
que representa el bombardeo de la ciudad
española de Guernica durante la Guerra
Civil Española.
 Georges Braque (1882-1963)
fue un pintor y escultor francés que fue
uno de los fundadores del movimiento
cubista,
junto a
Pablo Picasso. Braque y Picasso colaboraron
durante varios años en el desarrollo del cubismo,
un movimiento que revolucionó la forma de
representar la realidad en la pintura y la escultura.
Braque comenzó su carrera artística como un pintor
impresionista, pero más tarde se interesó por la
geometría y la perspectiva, lo que lo llevó a
colaborar con Picasso en la creación del cubismo.
El cubismo de Braque se caracteriza por la
fragmentación de las formas y la representación de
los objetos desde múltiples perspectivas, lo que creaba una sensación de
movimiento y profundidad en la obra. Braque también utilizó una paleta de
 colores limitada y la técnica del collage para crear obras más complejas y ricas en
texturas y formas. Después de la Primera Guerra Mundial, Braque se alejó del
cubismo y comenzó a explorar otros estilos, como el fauvismo y el surrealismo
 Juan Gris (1887-1927).
fue un pintor y escultor español que fue uno de los principales exponentes del
movimiento cubista. Gris comenzó su carrera artística en Madrid, pero más tarde
se trasladó a París, donde se unió al círculo de artistas que lideraban el
movimiento cubista, como Pablo Picasso y Georges Braque.La obra de Gris se
caracteriza por su habilidad para combinar las
formas geométricas y los colores de una manera
armónica y equilibrada. A diferencia de Picasso y
Braque, Gris no fragmentaba las formas en sus
obras, sino que las utilizaba para crear una
sensación de profundidad y perspectiva. También
utilizó una paleta de colores limitada y una técnica
de construcción de la obra que involucraba la
superposición de formas y objetos.
 FUTURISMO.
El futurismo fue un movimiento artístico y literario
que surgió en Italia a principios del siglo XX. Fue
fundado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien escribió el
"Manifiesto del Futurismo" en 1909, en el que se proponía una nueva forma de
arte y literatura que celebraba la velocidad,
la tecnología y la modernidad de la vida
urbana.El futurismo se caracterizó por su
interés en la máquina, la velocidad, el
movimiento y la energía de la vida
moderna. Los artistas futuristas buscaron
representar estos temas en sus obras a
través de la fragmentación de las formas y
la experimentación con la perspectiva y el color.Uno de los artistas más
destacados del movimiento fue el italiano
Umberto Boccioni, quien creó una serie de
esculturas futuristas que buscaban capturar la
sensación de movimiento y energía de la vida
moderna. También se destacaron artistas como
Giacomo Balla, Carlo Carrà y Gino Severini,
quienes experimentaron con la representación de
la velocidad y el movimiento en sus obras.
 Umberto Boccioni (1882-1916)
fue un pintor y escultor italiano, considerado uno
de los principales exponentes del movimiento
futurista. Nació en Reggio Calabria, pero más tarde se trasladó a
Milán para estudiar arte. Fue uno de los fundadores del
movimiento futurista, junto con Filippo Tommaso Marinetti, y
participó activamente en la organización de exposiciones y
eventos del movimiento. La obra de Boccioni se caracteriza por
 su enfoque en la representación del movimiento y la energía. Sus pinturas y
esculturas experimentaron con la fragmentación de
las formas y la superposición de elementos para
crear una sensación de dinamismo y
movimiento. También se interesó por la fusión
del arte y la tecnología, y buscó representar la
modernidad y la velocidad
 Giacomo Balla (1871-1958) fue un pintor y
escultor italiano, conocido por ser uno de los
exponentes más importantes del movimiento
futurista en Italia. Nació en Turín, Italia, y
estudió arte en la Academia Albertina de Bellas
Artes de esa ciudad. La obra de Balla se
caracteriza por su enfoque en
la representación de la
velocidad, la energía y el movimiento. En sus pinturas,
utilizó técnicas de fragmentación y superposición para crear
una sensación de dinamismo y fluidez en la imagen.
También se interesó por la fusión del arte y la tecnología, y
experimentó con la creación de objetos artísticos útiles,
como lámparas y ropa. Balla es conocido por su famosa obra "Dinamismo de un
perro con correa", en la que representa a un perro en movimiento, utilizando la
técnica de la fragmentación y superposición de formas para crear una sensación
de movimiento. Esta obra se ha convertido en un icono del movimiento futurista
y ha influido en muchos artistas posteriores.
LA PINTURA METAFÍSICA.
La Pintura Metafísica fue un movimiento artístico italiano que se desarrolló
durante la década de 1910 y principios de
1920. Los artistas asociados con este
movimiento, como Giorgio de Chirico, Carlo
Carrà y Giorgio Morandi, se centraron en la
exploración de temas filosóficos y
metafísicos en su arte. El movimiento fue
iniciado por Giorgio de Chirico en 1910,
cuando comenzó a experimentar con la
representación de paisajes urbanos y
arquitectónicos que parecían tener un
significado simbólico o misterioso. Sus obras
a menudo presentaban escenarios vacíos,
iluminados por una luz extraña y poco
natural, y con elementos inesperados yuxtapuestos, como estatuas clásicas o
maniquíes. Los artistas de la Pintura Metafísica buscaban crear una sensación de
enigma y misterio en sus obras, y utilizaban técnicas de perspectiva inusual y
simbolismo para lograrlo. También se interesaban por la exploración de la psique
humana y la representación de los sueños y la fantasía.
3. ARTES TOTALITARIOS
No existe un término "artes totalitarios" en el contexto del arte. Sin embargo, se
puede entender que se refiere a las obras de arte producidas en regímenes
totalitarios, que imponen un control absoluto del Estado sobre la sociedad y la
cultura. En regímenes totalitarios, el arte suele ser utilizado como una
herramienta de propaganda para promover la ideología del Estado y mantener el
control sobre la sociedad. Los artistas son a menudo censurados o forzados a
seguir las directrices del Estado, lo que puede limitar su creatividad y libertad
artística. Un ejemplo de arte totalitario es el arte producido en la Unión
Soviética durante el régimen comunista de Stalin-
REALISMO SOCIALISTA.
El Realismo Socialista es un movimiento artístico y literario que surgió en la
Unión Soviética en la década de 1930 y se extendió a otros países socialistas
como China y Cuba. Fue promovido por el
Partido Comunista y se convirtió en el estilo
oficial del arte en los países socialistas. El
Realismo Socialista se caracteriza por su
representación idealizada de la realidad, que
se utiliza para promover la ideología
comunista. Las obras de arte y la literatura
que se ajustan a los estándares del Realismo
Socialista deben ser realistas en cuanto a la
forma, pero también deben transmitir los
valores del comunismo, como el trabajo en equipo, la lealtad al Estado y la
lucha contra el capitalismo. Las obras de arte del Realismo Socialista suelen ser
grandes murales y esculturas monumentales que celebran la lucha del
proletariado contra la burguesía. También se utilizan para representar la figura
del líder del partido comunista como un héroe del pueblo. El Realismo
Socialista fue un medio eficaz para
difundir la propaganda del Partido
Comunista y para promover la ideología
comunista entre la población. Sin
embargo, también limitó la libertad
artística y literaria, y llevó a la creación
de obras de arte que a menudo eran de
mala calidad y carecían de originalidad.
Después de la caída del Muro de Berlín
y el colapso de la Unión Soviética en la
década de 1990, el Realismo Socialista
perdió su estatus oficial
En la antigua URSS, el Realismo
Socialista fue el estilo oficial del arte y
la literatura. Algunos ejemplos de
pintura y escultura que siguen este estilo son:
 En la actual Corea del Norte, el Realismo Socialista sigue siendo el estilo oficial
del arte y la literatura, y se utiliza para promover la ideología del Estado.
Algunos ejemplos de pintura y escultura que siguen este estilo son:

ARTE NAZI
 El arte nazi se refiere a las obras de arte
creadas durante el Tercer Reich de Alemania
(1933-1945), bajo el régimen de Adolf Hitler
y el Partido Nazi. El arte nazi se caracterizó
por su estética idealizada, representando una
visión de la Alemania aria que buscaba
glorificar la raza, la cultura y la historia
alemana. El arte nazi se dividió en dos
categorías principales: el arte oficial y el arte
degenerado. El arte oficial incluía obras
creadas por artistas afiliados al Partido Nazi
que reflejaban la ideología nazi y se
utilizaban para promover la propaganda
política del régimen. El arte degenerado, por
otro lado, se refería a obras de artistas que
eran considerados "enemigos del Estado"
por el régimen nazi y fueron prohibidas y perseguidas. Algunos ejemplos de arte nazi
incluyen las obras de Arno Breker, un escultor que creó esculturas idealizadas de figuras
humanas arios, y las pinturas de Adolf Ziegler, un pintor que retrató mujeres arias
desnudas. El arte nazi también incluyó obras de arquitectura, como el estadio olímpico
de Berlín, que se construyó para los Juegos Olímpicos de Verano de 1936. Este estadio
se convirtió en un símbolo del poder y la grandeza del régimen nazi. El arte nazi es
considerado por muchos como una forma de propaganda política, y la mayoría de las
obras creadas durante este período son consideradas de poco valor artístico. Sin
embargo, el arte nazi sigue siendo objeto de estudio para comprender cómo el arte y la
cultura pueden ser utilizados como herramientas políticas.

4. ARTE ENTRE GUERRAS

DADAÍSMO.

El dadaísmo fue un movimiento artístico y literario que surgió en Europa en el contexto

de la Primera Guerra Mundial, a
principios del siglo XX. El
movimiento surgió como una
respuesta a la guerra y a la sociedad
burguesa y conservadora de la época,
y buscaba desafiar las convenciones
artísticas y culturales a través de la
provocación, el absurdo y la
subversión. Los dadaístas rechazaban
los valores tradicionales de la cultura y
la sociedad, y se burlaban de ellos
mediante la creación de obras de arte y
literatura que desafiaban las normas
convencionales de la estética y el
lenguaje. Utilizaban técnicas como el collage, el montaje, el automatismo y la
performance para crear obras que eran desconcertantes, irracionales y a menudo
violentas o grotescas.
 Marcel Duchamp.
es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Duchamp es
conocido por su obra desafiante y provocadora, que desafió las convenciones
tradicionales del arte y la cultura de su época. Entre sus obras más famosas se
encuentra "La Fuente", un urinario de porcelana que Duchamp compró en una
tienda de suministros de fontanería y que firmó con el seudónimo "R. Mutt".
Duchamp presentó la obra en una exposición de la Sociedad de Artistas
Independientes de Nueva York en 1917, lo que desencadenó un escándalo y una
polémica sobre qué podía ser considerado arte. Otras obras importantes de
Duchamp incluyen "", una obra de arte conceptual que representa un acto sexual
y que Duchamp trabajó en ella durante más de una década, y "Rueda de
bicicleta", una rueda de bicicleta montada en un taburete que Duchamp presentó
como obra de arte en 1913.
SURREALISMO.
El surrealismo es un movimiento artístico y literario que se desarrolló a partir de
la década de 1920, principalmente en Europa. Fue liderado por el poeta y escritor
francés André Breton, y se caracterizó por su interés en los sueños, lo irracional y
lo subconsciente como una fuente de inspiración artística. Los artistas y
escritores surrealistas buscaban explorar
el mundo interior del ser humano a
través de una serie de técnicas que
permitían el acceso al subconsciente. La
escritura automática, la creación de
collages y la utilización de imágenes
oníricas eran algunas de las técnicas
utilizadas para crear obras surrealistas.
Entre los artistas surrealistas más
destacados se encuentran Salvador Dalí,
René Magritte, Max Ernst, Joan Miró,
André Masson y Leonora Carrington.
 Salvador Dalí
es uno de los artistas surrealistas más reconocidos
y emblemáticos del siglo XX. Nacido en Figueras,
España en 1904, Dalí comenzó a pintar desde muy
joven y se adentró en el movimiento surrealista en
la década de 1920.
Su obra se caracteriza por la utilización de
imágenes oníricas y simbólicas, que a menudo
desafían la lógica y las convenciones sociales.
Entre sus obras más conocidas se encuentran "La
persistencia de la memoria" (1931), que presenta
relojes blandos y derretidos en un paisaje surreal, y
"La tentación de San Antonio" (1946), que representa la lucha del santo contra
sus propios demonios.
 Frida Kahlo es una de las
artistas más reconocidas e
icónicas del siglo XX. Nacida
en Coyoacán, México, en
1907, Kahlo comenzó a pintar
desde joven, pero su carrera
artística se vio interrumpida
por un grave accidente de
autobús en 1925, que la dejó
con lesiones permanentes y
dolor crónico. A pesar de su
sufrimiento físico y
emocional, Kahlo continuó
pintando, utilizando su arte
como una forma de expresar
su dolor y su lucha personal.
Su obra se caracteriza por la utilización de imágenes surrealistas y simbólicas, a
menudo inspiradas en su propia vida y sus experiencias. Entre las obras más
conocidas de Kahlo se encuentran "Las dos Fridas" (1939), que representa dos
versiones de ella misma sentadas una al lado de la otra unidas por el corazón, y
"Autorretrato con collar de espinas y colibrí" (1940), que presenta a Kahlo con un
collar de espinas y un colibrí muerto.
Además de su obra como pintora, Kahlo también fue una figura política y
socialmente activa en su época, luchando por los derechos de las mujeres y los
pueblos indígenas de México. Frida Kahlo falleció en 1954, pero su legado y su
influencia en el arte y la cultura continúan siendo evidentes hoy en día. Su vida y
obra han sido objeto de numerosas exposiciones, libros y películas, y su imagen
se ha convertido en un icono popular y un símbolo de la resistencia y la lucha por
la igualdad.
BIBLIOGRAFÍA
https://www.todocuadros.es/estilos-arte/fauvismo/
https://totenart.com/noticias/fauvismo-y-la-importancia-del-color/
https://arte.laguia2000.com/pintura/barcas-en-el-puerto-de-collioure-de-derain
https://es.wahooart.com/@@/7ZCTE8-Maurice-De-Vlaminck-El-Sena-en-Chatou.
https://www.historiarte.es/la-pubertad-de-edvard-munch/
https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ernst_Ludwig_Kirchner_-_Artistin_
%28Marzella%29.jpg
https://historia-arte.com/artistas/emil-nolde.
http://blogarteehistoria.blogspot.com/2009/05/comentario-amarillo-rojo-y-azul.html
https://www.arteiconografia.com/2013/07/algunos-circulos.html
https://www.todocuadros.es/estilos-arte/cubismo/
https://historia-arte.com/artistas/pablo-picasso
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gris.htm
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/7707/Umberto%20Boccioni
https://historia-arte.com/artistas/giacomo-balla
https://portalpaula.org/es/el-arte-de-los-totalitarismos-lart-dels-totalitarismes/
https://historia-arte.com/movimientos/realismo-social
https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20200326/nazismo-arte-cultura-arma/
477704252_0.html
https://www.salvador-dali.org/es/dali/bio-dali/
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kahlo.htm