¿Qué es el arte?

El arte es toda forma de expresión de carácter creativo que poseen los seres humanos. Es la
capacidad que tiene el hombre para representar sus sentimientos, emociones y percepciones
acerca de sus vivencias y el entorno que lo rodea.

A través de las diferentes disciplinas artísticas, un individuo puede expresar lo que es y lo que
siente mediante una infinidad de formas y técnicas entre las que se destacan el uso de
recursos lingüísticos, plásticos y sonoros. En muchos países, el arte es uno de los componentes
más importantes de la cultura.

A lo largo de la historia, la palabra “arte” se ha ido expandiendo por todo el mundo en todas
sus formas. Antiguamente, solo se consideraba arte a algunas disciplinas, como la pintura, el
dibujo, el canto, la literatura y la danza. Hoy el concepto de arte abarca muchas más técnicas y
formas.

El avance de la tecnología es uno de los pilares fundamentales que permitieron la creación y el

desarrollo de nuevas formas de arte. Sin embargo, no todos los historiadores y filósofos están
de acuerdo con la definición de arte actual.

Comúnmente, el término “arte” es confundido con el de «artesano». Un artesano es aquel que

reproduce múltiples obras y las comercializa, mientras que, tradicionalmente, se considera que
el arte se basa en obras únicas e irrepetibles.

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Origen del arte

Arte origen prehistoria parietal

El hombre prehistórico pintaba escenas de su vida cotidiana y de lo que lo rodeaba.

Las primeras representaciones artísticas de las que se tiene registro datan de la prehistoria: la
Edad de Piedra (Paleolítico, Mesolítico y Neolítico) y la Edad de los Metales. Durante este
período (que se extendió desde el inicio de la evolución humana hasta el 3000 a. C.) surgieron
las primeras obras de arte.

Una de las manifestaciones artísticas de las que se tiene mayor cantidad y calidad de registro
es la pintura rupestre. Los seres humanos que habitaron en la prehistoria se caracterizaron por
tener un estilo de vida nómade y habitar en cuevas.

Se utilizaban pigmentos naturales, como la arcilla y el óxido, para realizar dibujos sobre la
piedra de las cuevas; en ellos representaron su estilo de vida y lo que observaban en el medio
que los rodeaba. Pintaron animales (leones, hienas, caballos y rinocerontes) y escenas de caza.

La mayoría de las pinturas rupestres de esta época están en cuevas dentro de los actuales
territorios de Francia y España. Estas primeras representaciones artísticas constituyeron lo que
se denomina el arte prehistórico y, en muchos casos, se caracterizaron por su sentido
figurativo y su carácter espiritual o religioso.
Sin embargo, el hallazgo de pinturas anteriores a la aparición del homo sapiens sugiere que el
arte rupestre posee una larga tradición cultural y que fue iniciado por el hombre de Neandertal
que habitó hace más de 40.000 años.

Otro registro artístico prehistórico fueron las llamadas “venus paleolíticas”, pequeñas estatuas
de figuras femeninas talladas en piedra, madera, hueso o barro que eran utilizadas en ritos de
fecundación.

Las primeras civilizaciones también elaboraron herramientas y utensilios de piedra, madera y

hueso, aunque se cree que estos tenían un fin más utilitario que artístico.

La invención de la escritura puso fin a la era prehistórica y dio comienzo al auge de las grandes
civilizaciones en Egipto y Mesopotamia que desarrollaron una vasta identidad artística.

Características del arte

Arte características:

El arte es producido en todas las culturas y sociedades.

Es dinámico. El arte está en constante transformación. Las representaciones artísticas varían

con el tiempo y según las diferentes sociedades o culturas.

Es subjetivo. El arte está formado por representaciones artísticas originales y únicas que no
pueden ser replicadas. Cada artista traduce, interpreta y representa el mundo según su propio
punto de vista.

Es universal. El arte y la capacidad de producirlo es inherente al ser humano. Las expresiones

artísticas son realizadas por individuos y grupos sin distinción de cultura, raza o género.

Es un medio de expresión. El arte se erige como el medio de expresión por excelencia para el
ser humano. A lo largo de la historia, el hombre creó y encontró diversas maneras de
transmitir y expresar emociones, opiniones, pensamientos y valores a través de los diferentes
lenguajes artísticos.

Es contemplativo. El arte no tiene un fin utilitario. Su fin es estético y es considerado una

forma de expresión que busca la belleza.

Es una actividad creativa. El arte es la actividad creativa por excelencia. A través de las
diferentes disciplinas artísticas, el ser humano utiliza su potencial y capacidades para crear.

Es multidisciplinario. El arte se vale de multiplicidad de herramientas y métodos para ser

representado. El sonido, la escritura, la pintura son algunos de los recursos más utilizados en el
arte.

Importancia del arte

El arte posee una serie de funciones clave para el desarrollo del ser humano y de las
sociedades.
En primer lugar, contribuye a la documentación y registro de la historia de las civilizaciones.
Los registros artísticos que existen de las diferentes sociedades y culturas han permitido
conocer las costumbres e identidad de tribus y comunidades. Las expresiones artísticas
funcionan como un medio para la trasmisión de valores, cultura y modos de ver el mundo.
Brindan testimonio tanto grupal como individual.

El arte es un medio para el desarrollo creativo y el canal de expresión por excelencia del ser
humano. A través de las diferentes disciplinas artísticas, el individuo transmite emociones y
sentimientos, y da a conocer su visión del mundo. Es una herramienta clave dentro de la
educación.

Además, es un canal para que el individuo pueda comunicarse consigo mismo y con los demás;
funciona como una herramienta terapéutica y de autoconocimiento.

¿Cuáles son las disciplinas artísticas?

Arte - Fotografía

La fotografía se basa en la captura de imágenes que se encuentren o no en movimiento.

El arte suele ser representado a través de diferentes disciplinas artísticas. Todos estos tipos de
arte han ido avanzando con el tiempo. Entre los más importantes se destacan:

Artes visuales

Arquitectura. Conjunto de técnicas que se utiliza para proyectar y concretar la construcción de

casas y edificios. Es un proceso que abarca el diseño de estructuras para un uso futuro, como
las escuelas, instituciones u hospitales. Siglos atrás, la arquitectura se realizaba mediante
procesos muy diferentes a los actuales, con otros materiales y métodos de construcción.

Arte corporal. Disciplina artística que utiliza al cuerpo humano como soporte. Dentro de este
tipo de arte se encuentra el maquillaje, el vestuario, los piercings y los tatuajes.

Arte digital. Disciplina artística que utiliza medios digitales y tecnológicos para la confección de
piezas. Es uno de los recursos artísticos más utilizados en los últimos años.

Cinematografía. Técnica artística mediante la cual se reproducen secuencias de imágenes lo

que crea una sensación de movimiento. La cinematografía surgió en 1895.

Dibujo. Técnica artística que se basa en la representación gráfica de cualquier tipo de

elemento. Es el tipo de arte más conocido y uno de los recursos que funciona como base para
otros tipos de arte.

Escultura. Técnica artística que se basa en la creación de obras modeladas con las manos con
varios tipos de materiales como el barro, la arcilla, la madera o el metal.

Fotografía. Técnica basada en la captura de cualquier tipo de imagen que se encuentre o no en

movimiento. Durante los últimos años esta técnica ha ido avanzando con rapidez.
Historieta. Disciplina artística que combina relatos cortos con imágenes y dibujos que se
plasman en recuadros o viñetas.

Pintura. Disciplina artística en la que se crean imágenes por medio de pigmentos de color. Es
realizada sobre una gran cantidad de superficies como la madera, el papel, el metal.

Artes escénicas

Danza. Disciplina artística en la que se utiliza el movimiento del cuerpo humano acompañado,
generalmente, de música. La mayoría de las culturas posen un tipo de danza característico.

Teatro. Disciplina artística en la cual un grupo de personas (actores y actrices), realizan una
representación de un drama literario sobre un escenario.

Artes musicales

Canto. Técnica artística que se realiza haciendo uso de la voz.

Música. Disciplina artística en la cual se utiliza cualquier tipo de instrumento musical o sonidos
para generar un ritmo. La música también incluye al canto.

Artes literarias

Poesía. Composición literaria escrita en verso o prosa que se utiliza para expresar ideas,
sentimientos y emociones.

Narrativa. Composición literaria escrita en prosa que cuenta una historia a través de un
narrador. Entre las formas más comunes están los cuentos y las novelas.

Drama. Composición literaria basada en el diálogo entre dos o más personas. A través del
diálogo se presenta una historia en la que se desarrollan las acciones de los personajes.

Arte y cultura

A menudo se encuentra el concepto de arte asociado al de cultura. El concepto de cultura es

un término amplio que abarca todas las manifestaciones individuales y colectivas de una
determinada sociedad. Es decir que la cultura incluye tanto el arte como las creencias,
tradiciones, valores y costumbres de una comunidad.

La cultura está formada por conocimientos, bienes materiales e inmateriales que transmiten la
identidad, la historia y la forma de ver el mundo de un grupo de individuos e incluye la lengua,
la religión, la vestimenta, la gastronomía, las artes visuales, los sitios históricos.

Existen diversos tipos de culturas que varían según los elementos que las componen y
construyen su identidad. La cultura es trasmitida de generación en generación y el arte es un
componente fundamental de toda cultura.
EL ARTE EN VENEZUELA

El arte en Venezuela se remonta a los conjuntos de pueblos aborígenes (Los Caribes) que
poblaron el norte de Colombia, el noreste de Venezuela y las Antillas Menores. Las influencias
de la cultura autóctona, la cultura africana traída por los esclavos y finalmente la cultura de
España aportada por los conquistadores que determinaría el arte venezolano desde el siglo XVI
hasta el Siglo XX.

El arte de Venezuela y sus artistas más importantes

La historia del arte venezolano es un tapiz fascinante que abarca diversas influencias
culturales, movimientos políticos y artistas innovadores. Desde la época precolombina hasta el
período contemporáneo, el arte venezolano ha evolucionado y transformado para reflejar la
compleja historia e identidad de la nación. Este ensayo tiene como objetivo proporcionar una
exploración en profundidad del desarrollo del arte venezolano a lo largo de la historia,
profundizando en sus diversos movimientos, estilos y artistas que han dejado su huella en el
patrimonio cultural del país.

Arte precolombino

Mucho antes de la llegada de los conquistadores españoles, los pueblos indígenas de

Venezuela crearon ricas tradiciones artísticas. Los petroglifos y el arte cerámico son los restos
más prominentes de estas culturas antiguas. La cultura Valencioid (200 a.C. - 800 d.C.), por
ejemplo, es conocida por sus intrincados diseños de cerámica, que presentan figuras
antropomórficas y zoomorfas. Estas primeras expresiones artísticas sentaron las bases para el
vibrante panorama artístico que surgiría en los siglos venideros.

Período colonial (siglos XVI-XVIII)

La conquista española en el siglo XVI trajo consigo las tradiciones y técnicas artísticas europeas
a Venezuela. La mezcla de estilos indígenas y europeos dio lugar al estilo barroco mestizo, que
llegó a definir gran parte del arte colonial venezolano. Este período vio el surgimiento del arte
religioso, ya que los artistas buscaron evangelizar a la población nativa. Las iglesias se
adornaron con impresionantes pinturas y esculturas que representaban escenas bíblicas y
santos. Los artistas destacados de esta época incluyen a Juan Pedro López, un pintor conocido
por sus obras religiosas, y Francisco José de Lerma, un escultor que creó tallas de madera para
iglesias.

Siglo XIX: La Emergencia del Neoclasicismo y el Romanticismo

El arte venezolano en el siglo XIX estuvo fuertemente influenciado por movimientos europeos
como el Neoclasicismo y el Romanticismo. La Academia de Bellas Artes de Caracas, fundada en
1818, desempeñó un papel crucial en la formación del panorama artístico del país. Bajo la
tutela de maestros como Martín Tovar y Tovar y Antonio Herrera Toro, los estudiantes fueron
entrenados en técnicas clásicas y alentados a explorar temas de nacionalismo y patriotismo.
Este período vio el surgimiento de pinturas históricas, retratos y paisajes, capturando la
esencia de la identidad venezolana.
Principios del Siglo XX: Modernismo y el Círculo de Bellas Artes

El inicio del siglo XX trajo una nueva ola de movimientos y estilos artísticos a Venezuela.
Inspirados por el Modernismo europeo, los artistas del Círculo de Bellas Artes (fundado en
1912) buscaron romper con las tradiciones académicas del pasado. Artistas como Armando
Reverón, Rafael Monasterios y Manuel Cabré abrazaron nuevas técnicas, temas y estilos,
explorando temas de naturaleza, vida urbana y la figura humana. Este período también vio el
surgimiento de artistas como Cristóbal Rojas, quien desafió las normas sociales con sus obras
oscuras y provocativas.

Mediados del Siglo XX: Abstracción y Arte Cinético

La segunda mitad del siglo XX marcó un cambio significativo en el arte venezolano, ya que los
artistas abrazaron la abstracción y la escena artística internacional. El movimiento abstracto,
liderado por artistas como Alejandro Otero, Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez, buscó redefinir la
relación entre el arte y el espectador. Los artistas venezolanos ganaron reconocimiento
internacional por sus contribuciones al movimiento de Arte Cinético, que se centró en la
interacción entre el arte y el movimiento. Este período vio el desarrollo de técnicas
innovadoras y la creación de obras icónicas que continúan inspirando a los artistas
contemporáneos.

Arte Contemporáneo: Diversidad y Comentario Social

En las últimas décadas, el arte venezolano ha continuado evolucionando, reflejando las

diversas influencias y problemáticas que enfrenta la nación. El arte de finales del siglo XX y
principios del siglo XXI se ha caracterizado por una amplia variedad de estilos, técnicas y
temas. Los artistas contemporáneos venezolanos han explorado una gama de temas,
incluyendo comentarios políticos y sociales, cuestiones ambientales y la identidad personal.

Artistas como Marisol Escobar, Yucef Merhi y Patricia van Dalen han hecho contribuciones
significativas a la escena artística global, trabajando en diversos medios, incluyendo escultura,
arte digital e instalación. Estos artistas han abordado temas como la lucha por la democracia,
el impacto de la urbanización y los desafíos que enfrentan las comunidades marginadas.

La aparición del arte callejero y el muralismo también ha desempeñado un papel significativo

en el arte contemporáneo venezolano. Artistas como Carlos Zerpa y el colectivo conocido
como Vértice han utilizado espacios públicos para interactuar con la comunidad y expresar sus
puntos de vista sobre temas sociales y políticos. Esta vibrante escena de arte callejero sirve
como una forma de resistencia y expresión creativa ante los desafíos continuos que enfrenta el
país.

La historia del arte venezolano es un rico y diverso tapiz que refleja la compleja identidad y
patrimonio cultural de la nación. Desde la época precolombina hasta nuestros días, los artistas
venezolanos han navegado por una amplia variedad de estilos y movimientos artísticos,
adaptándose e innovando dentro de la escena artística global en constante cambio. El legado
del arte venezolano sigue inspirando y desafiando a los artistas contemporáneos, mientras
exploran nuevos temas y técnicas manteniendo una conexión con la rica historia artística del
país.
A lo largo de su historia, el arte venezolano ha sido un poderoso medio de expresión,
resistencia y diálogo, trascendiendo fronteras y dejando un impacto duradero en la escena
artística internacional. A medida que la nación enfrenta desafíos políticos, sociales y
económicos continuos, la comunidad artística continuará desempeñando un papel crucial en la
formación del panorama cultural de Venezuela y en la contribución al diálogo artístico global.

Juan Lovera (1776-1841)

Un pintor conocido por sus retratos y escenas históricas, especialmente aquellas que
representan la Guerra de Independencia de Venezuela.

Juan Lovera (11 de julio de 1776, Caracas - 29 de enero de 1841, Caracas) fue un pintor
venezolano, reconocido por sus retratos y escenas históricas relacionadas con el movimiento
de independencia de su país.

Luchó por la causa de la independencia, lo que resultó en su persecución después del colapso
de la Primera República de Venezuela en 1812. Dos años después, cuando Caracas fue invadida
por el ejército de José Tomás Boves, huyó a Cumaná. Algunas cuentas dicen que permaneció
allí, enseñando arte, otras dicen que viajó por las Antillas. De cualquier manera, después de
que Venezuela se convirtió en parte de la Gran Colombia, regresó a Caracas.

Después de 1824, tuvo varios personajes notables como modelos para sus retratos, incluyendo
a José Antonio Páez, Cristóbal Mendoza, Simón Bolívar y José María Vargas. También fue un
asociado del General Francisco de Paula Avendaño (1792-1870), quien estableció el primer
taller litográfico de Venezuela en 1828.

Sus últimos años estuvieron dedicados casi por completo a la enseñanza. Uno de sus
estudiantes más destacados fue Pedro Lovera (1826-1914), quien durante mucho tiempo se
creyó que era su hijo, pero puede haber sido su sobrino. También fue profesor en la academia
de dibujo. La sociedad de arte de Caracas, fundada después de su muerte en 1841, fue en
parte inspirada como una forma de honrar su memoria.

Martín Tovar y Tovar (1827-1902)

Un destacado pintor del siglo XIX que se especializó en pinturas históricas, retratos y paisajes.

Martín Tovar y Tovar (Caracas, 10 de febrero de 1827 - Ibidem, 17 de diciembre de 1902) fue
uno de los pintores venezolanos más importantes del siglo XIX, destacándose principalmente
en los géneros del retrato y de la pintura histórica.

Recibió sus primeras lecciones de pintura de forma particular por parte de Celestino Martínez.
Luego estudió en la Academia de Dibujo con Antonio José Carranza y en el Colegio de La Paz
con Carmelo Fernández.
En 1844 adquirió, en sociedad con Carmelo Fernández, Rafael Meneses y Pedro Correa, la
litografía de los alemanes Johann Heinrich Müller y Wilhelm Stapler, convirtiéndose en uno de
los pioneros venezolanos del arte litográfico.

A partir de 1890, Martín Tovar y Tovar se interesó por el género del paisaje, especialmente por
el litoral de Macuto, por lo que se considera que su obra sirve de enlace entre el paisajismo de
los artistas viajeros y la producción del Círculo de Bellas Artes. En 1901, el lienzo de la Batalla
de Junín se desprendió del techo del Salón Elíptico. El pintor delegó la restauración de la obra
en el pintor Antonio Herrera Toro, quien la reemplazó usando los bocetos del artista como
modelos. Martín Tovar y Tovar murió en Caracas el 17 de diciembre de 1902, a los 75 años.

En 1976 se realizó un intercambio entre el Congreso Nacional y el Consejo Municipal de

Caracas de las obras de Juan Lovera y Martín Tovar y Tovar sobre el 5 de julio de 1811. La obra
de Lovera, pintada en 1837, pertenecía al Palacio Federal Legislativo y se sustituyó por la
pintura de Tovar y Tovar, que se ubicó en el Salón Elíptico. En 1983, sus restos fueron
trasladados al Panteón Nacional.

Cristóbal Rojas (1858-1890)

Un renombrado pintor conocido por sus obras oscuras y provocativas, a menudo abordando
temas de enfermedad, muerte y pobreza.

Cristóbal Rojas (15 de diciembre de 1857 - 8 de noviembre de 1890) fue uno de los pintores
venezolanos más importantes y reconocidos del siglo XIX, nacido en la ciudad de Cúa en los
Valles del Tuy, hijo de padres que trabajaban en el ámbito médico. Los estilos de Rojas
variaron considerablemente a lo largo de su vida, y demostró talentos en la pintura que
oscilaban principalmente entre el efecto dramático y obras hechas en estilo impresionista.

Comenzó sus estudios bajo la tutela de su abuelo, José Luis Rojas, quien le enseñó a dibujar y
lo motivó a mejorar. A los 13 años, su padre falleció y se vio obligado a trabajar en una fábrica
de tabaco en Cúa para ayudar a sostener a su familia. En 1878, un terremoto devastó la región
de Valles del Tuy, y los Rojas enfrentaron la pobreza. Como resultado, se trasladó a Caracas
donde continuó sus estudios de pintura, a pesar de tener que trabajar nuevamente en la
industria tabacalera para sostener a su madre y familia.

En Caracas asistió a clases de José Manuel Maucó en la Universidad Central de Venezuela.

Entre 1880 y 1882, desarrolló un gran interés por los óleos.

A principios de 1884 se trasladó a estudiar a París, donde estableció una amistad con Emilio
Boggio. En el período entre 1883 y 1890, Rojas experimentó lentamente con diferentes
tendencias y técnicas pictóricas que iban desde el postromanticismo hasta el impresionismo.

En 1890, se vio obligado a regresar a Venezuela, trayendo consigo sus últimas pinturas, un
retrato del presidente Juan Pablo Rojas Paúl y El Purgatorio, una representación del purgatorio
(ambas de 1890). Poco después de su regreso a Caracas, murió el 8 de noviembre de 1890,
alrededor de 5 semanas antes de cumplir 33 añ
Emilio Boggio (1857-1920)

Un influyente pintor impresionista cuyas obras mostraban paisajes venezolanos y la vida

cotidiana.Emilio Boggio (21 de mayo de 1857 - 7 de junio de 1920) fue un pintor impresionista
ítalo-venezolano pionero, nacido en Caracas, Venezuela. En 1864 viajó a Francia y estudió en el
Lycée Michelet de París hasta 1870. En 1873, regresó a Caracas y se dedicó al negocio familiar.
En 1877, volvió a Francia para unirse a la Académie Julian, donde recibió clases de Jean-Paul
Laurens. En 1888, obtuvo un Hors Concours (Mención Honorífica) en el Salón de la Société des
Artistes Français (Salón de Artistas Franceses) y en 1889, recibió una medalla de bronce en la
Exposición Universal de París.

Entre 1907 y 1909, residió en Italia, donde realizó una serie de paisajes marinos. En 1919, viajó
a Caracas por unos meses y expuso en la Universidad Central de Venezuela. Boggio murió en
Francia al año siguiente.

Algunas de las pinturas originales de Boggio, que son "brillantemente coloridas, luminosas,
hermosas y con su sello de estilo personal", se encuentran en la Galería Nacional de Arte de
Caracas y en el Palacio Municipal de Caracas.

En 1918 o 1919, Boggio, ya en sus sesenta años, regresó a Venezuela para realizar una
exposición de sus pinturas en Caracas. Su estancia proporcionó una excelente oportunidad a
los jóvenes artistas de Caracas, como Reverón, Cabre, Brandt, Castillo y otros, para aprender
sobre pinturas impresionistas.

Regresó a Francia en 1920 y poco después, el 6 de julio de 1920, falleció en Auvers-sur-Oise,

Francia.

Armando Reverón (1889-1954)

Un destacado pintor y escultor que contribuyó al movimiento modernista en Venezuela,

conocido por sus pinturas de paisajes y figuras humanas.

Armando Reverón (10 de mayo de 1889 - 17 de septiembre de 1954) fue un pintor y escultor
venezolano, precursor del Arte Povera y considerado uno de los más importantes del siglo XX
en América Latina. Aunque su salud mental se deterioró a lo largo de su vida, sus habilidades
artísticas permanecieron.

Comenzó sus estudios en el Colegio de los Padres Salesianos en Caracas. Su bisabuelo

materno, Ricardo Montilla, quien había estudiado en Nueva York, le enseña el dibujo natural y
despierta su vocación artística; su interés por la pintura se manifestó desde la infancia. En 1896
fue trasladado a Valencia después del fracaso del matrimonio de sus padres. Armando es
enviado a la casa de la familia Rodríguez-Zocca, quienes se encargaron de su educación
temprana.

A principios de 1940, comenzó su Período Sepia, que corresponde a un conjunto de lienzos

pintados en la costa y en el puerto de La Guaira en los que predominan los tonos marrones en
paisajes de tierra y mar. Posteriormente sufrió un período de depresión después de una crisis
psicótica que lo obligó a ser confinado en el sanatorio "San Jorge" de "José María Finol". Una
vez recuperado, trabajó en un estilo diferente.

A partir de ese momento, se refugió en un universo mágico, alrededor de objetos y muñecas

creados por él, dando a luz a la última y delirante etapa expresionista de su obra, un período
figurativo caracterizado por el uso de materiales como tiza, crayones y una fantasía teatral que
se volvía cada vez más incontrolable pero, a través de un dibujo que aspiraba a la corrección
académica, buscaba restablecer el equilibrio emocional de Reverón.

Alejandro Otero (1921-1990)

Un importante pintor y escultor abstracto que desempeñó un papel crucial en el desarrollo del
movimiento de Arte Cinético en Venezuela.

Alejandro Otero (7 de marzo de 1921 - 13 de agosto de 1990) fue un pintor, escultor, escritor y
promotor cultural venezolano, nacido en El Manteco, Bolívar. Fue miembro fundador del
grupo Los Disidentes y destacó por su obra de abstracción geométrica.

Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas entre 1939 y 1945, y
durante su carrera ganó un premio en el Primer Salón Oficial de Arte Venezolano en 1940.
Posteriormente, viajó a Nueva York y París, donde centró su trabajo en una revisión del
Cubismo en 1945, permaneciendo en París hasta 1952. También expuso sus obras figurativas
en la Unión Panamericana en Washington D.C. en 1945. En 1951, se casó con la artista
venezolana Mercedes Pardo en Londres.

En 1950, Otero viajó a los Países Bajos para buscar la obra de Piet Mondrian, artista que fue
clave para el desarrollo de su nueva serie de obras, incluyendo "Líneas de color sobre fondo
blanco".

En 1958, Otero ganó el Premio Nacional de Pintura en el Salón Oficial, y en 1959 representó a
Venezuela en la Bienal de Arte de São Paulo, recibiendo una mención honorífica. Su obra
también se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno (MoMA) en la ciudad de
Nueva York.

En los años 60, abandonó la pintura para trabajar en esculturas cívicas de gran escala, como
"Delta Solar". También produjo collages de objets trouvés, como en "Page Picture No. 1". Hacia
el final de su vida, llevó a cabo numerosas comisiones de arte público monumental en varias
ciudades estadounidenses.

Jesús Soto (1923-2005)

Un artista cinético pionero conocido por sus esculturas e instalaciones, explorando la relación
entre el movimiento y la percepción.
Jesús Rafael Soto (5 de junio de 1923 - 17 de enero de 2005) fue un artista op y cinético,
escultor y pintor venezolano, nacido en Ciudad Bolívar, Venezuela. Fue el mayor de cuatro
hijos nacidos de Emma Soto y Luis García Parra, un violinista. Desde muy joven, Soto quería
ayudar a mantener a su familia de cualquier manera posible, pero el arte era lo que más le
interesaba. Agarró la guitarra y también comenzó a recrear piezas famosas de arte que
encontraba en varios libros, revistas y almanaques.

A los 16 años, Soto comenzó su carrera artística seria cuando empezó a crear y pintar carteles
para los cines de Ciudad Bolívar.

En 1942 recibió una beca para estudiar formación artística en la Escuela de Artes Plásticas y
Artes Aplicadas en Caracas, terminando sus estudios en 1947. Una vez allí, tomó clases de
"arte puro" y del "curso de formación para instructores en la historia de la educación artística".
El director de la escuela, Antonio Edmundo Monsanto, fue fundamental para la carrera de
Soto.

Jesús Rafael Soto falleció en 2005 en París y está enterrado en el Cementerio de

Montparnasse, en París, Francia.

Carlos Cruz-Diez (1923-2019)

Un destacado artista cinético reconocido por sus contribuciones al Arte Óptico y la exploración
del color, el movimiento y el espacio.

Carlos Cruz-Diez (17 de agosto de 1923 - 27 de julio de 2019) fue un artista venezolano
considerado por algunos expertos como "uno de los mayores innovadores artísticos del siglo
XX".

Nacido en Caracas en 1923, se trasladó a Francia en 1960 después de estudiar en la Escuela de

Bellas Artes de Caracas. Sus obras abstractas se caracterizan por el uso del color y las líneas
para crear la impresión de movimiento, y se exhiben en museos como el Museo de Arte
Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Museo de Bellas Artes de Caracas.

A pesar de vivir gran parte de su vida en París, dejó su huella en su Venezuela natal,
especialmente a través de los coloridos murales que revisten las paredes y el suelo del
Aeropuerto Internacional Simón Bolívar que sirve a Caracas.

Carlos Cruz-Diez falleció en París el sábado 27 de julio de 2019. Tenía 95 años.