Preclasicismo tercera parte

La música instrumental en Europa

durante el período de la ilustración

La música instrumental en el período preclásico estuvo destinada a atraer

una amplia variedad de oyentes, con la idea de que se entendiese a
primera escucha y sobre todo para agradar a intérpretes y al público. Los
compositores se valieron de los mismos recursos desarrollados en la
música vocal para aplicarlos en la música instrumental.
La gran cantidad de nuevo repertorio escrito en éste período demuestra
que los compositores encontraron un gran público dispuesto y ansioso por
consumir nueva música. La mayoría de los consumidores en ésta época
eran aficionados de clase media y alta y los asistentes a los conciertos.

La mayor cantidad de música escrita en éste período enseguida fue

desplazada por un repertorio mas profundo desarrollado en la segunda
mitad del siglo XVIII y el gusto musical de los siglos posteriores.
Así como J.C Bach y C.P.E Bach eclipsaron a su padre, ellos fueron
eclipsados Mozart y Haydn.
Compositores como Stamitz, Sammartini, Domenico Scarlatti, tras su éxito
temporal, recién fueron reconocidos por los estudiosos del siglo XX para
que sus obras lograran revivir.

La música instrumental en la sociedad

La música instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII desempeñó un
papel social muy importante. Gran parte de la música que se escribía
estaba dirigida para aficionados en intérpretes de clase media que
interpretaban música en sus hogares para el disfrute personal, los
familiares y los amigos.
La aristocracia solía emplear músicos profesionales para acompañar en
las comidas y las fiestas. Las orquestas amateurs se propagaron cada vez
mas en éste período y muchas veces incluían algún músico profesional.
Todas las clases sociales disfrutaban de la música para la danza. Desde las
danzas escritas para las orquestas de los estratos mas altos de la sociedad
hasta las tonadas folklóricas trasmitidas por tradición oral en el
campesinado.

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 El piano

Aunque durante el siglo XVIII se siguieron fabricando claves y

clavicordios, fueron desplazados progresivamente por el piano
(originalmente llamado piano forte). Inventado por Bartolomeo Cristofori
(1655-1732), el piano que fue creado en el 1700, se diferenció del resto de
los instrumentos de teclado por su mecanismo a martillo con posibilidad
de retroceso, permitiendo apoyarse en la cuerda haciéndola resonar el
tiempo que se desee mientras se pulsa la tecla. El gran avance del piano
en los instrumentos de teclado fue la posibilidad del cambio de dinámica
(de ahí deriva su nombre) en un mismo toque, permitiendo una gran
capacidad expresiva que el clave o el clavicordio no lo permitía.
En la música de cámara que se practicaba en los hogares siempre incluía
la presencia del piano como instrumento acompañante de los otros
instrumentos o de los cantantes. Si bien fue un instrumento muy aceptado
desde un principio, su costo era muy alto y por eso solo estaba presente
los hogares de la clase aristocrática.

El cuarteto de cuerda
Otra agrupación muy usual en la música de cámara de la época era el
cuarteto de cuerda, integrado por dos violines, viola y violoncello. Si bien
el concepto de la música para cuarteto de cuerda se escribía pensando
que el primer violín expone la mayor parte del material melódico, el
segundo violín y la viola intervienen como acompañamiento o contra
canto, mientras que el cello cumple la función de bajo. Como los
compositores sabían que los intérpretes gustaban de escucharse a sí
mismo durante extensiones de varios compases, escribieron los
denominados cuartetos concertantes donde todas las voces tenían la
misma importancia.

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El discurso musical y los moldes formales en el clasicismo.

La forma Binaria

La forma binaria originada en las danzas que conformaban las suites en el

barroco, continuó utilizándose en el clasicismo.
La forma binaria originalmente se representa en dos secciones (A-B)
repitiéndose cada una de ellas dentro de un molde armónico. La primera
sección (A) inicia en tónica y se dirige a la dominante, la sección B inicia en
dominante y regresa a la tónica.
En el siglo XVIII los compositores desarrollaron otros modelos de formas
binarias.
La forma binaria equilibrada: Consistía en proponer al final de la primera
sección un nuevo material musical en la dominante que se citaba
nuevamente en la segunda sección pero en tónica, como una rima musical
que sirviese para para confirmar el regreso a la tonalidad de partida.
La forma binaria redonda: Éste modelo se basó en regresar a la tónica
repitiendo en la segunda sección el mismo material con que inició la
primera sección en tónica.

Estas dos estrategias de forma binaria fue el germen de lo que se conoció

como la forma sonata y el desarrollo de la forma ternaria.

Forma Sonata

Lo que describe este gráfico es la estructura de la forma sonata

desarrollada en el clasicismo.

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Como puede verse, el A-B-A de la fórmula se llama, en este caso,
exposición-desarrollo-recapitulación o reexposición.
La parte de la exposición contiene un primer tema en tónica, un segundo
tema en dominante y un tema conclusivo también en dominante.
La sección del desarrollo es "libre", esto es, combina libremente los
materiales presentados en la exposición y añade a veces nuevo material
propio. En esta sección la música pasa a tonalidades nuevas.
La recapitulación o reexposición repite más o menos literalmente lo que
se encontró en la exposición, con la diferencia de que ahora todos los
temas están en la tonalidad de la tónica.
Todos los allegros de sonata, cualquiera que sea la época a que
pertenezcan, conservan la forma tripartita de exposición-desarrollo-
recapitulación.
La sonata es una de las formas fundamentales debido a que además de
utilizarse para las sonata, también fue el molde estructural de muchos de
los géneros instrumentales del clasicismo como el concierto, la sinfonía o
el cuarteto de cuerda.

La música para orquesta

La sinfonía
El género orquestal mas relevante en el pre clasicismo y el clasicismo fue
la sinfonía. Como todo género musical la sinfonía tuvo sus ancestros. El
mas evidente fue la sinfonía italiana u obertura de ópera alrededor del
1700 en donde se utilizaba la estructura de tres movimientos rápido-lento
rápido. Por regla general estas piezas no tenían conexión alguna con la
ópera y podían interpretarse como piezas independientes. Las primeras
sinfonías fueron escritas por compositores activos en Milán siendo
Sammartini (1700-1775) uno de los mas relevantes en el género.
Desde Italia la sinfonía se propagó por Europa occidental. Uno de los
centros mas importantes donde se desarrolló el género fue en Mannheim
(Alemania) ya que era uno de los centros musicales mas activos a
mediados del siglo XVIII.

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 Johann Stamitz (1717-1757) adquirió fama internacional ya que la
orquesta de Mannheim que estuvo a su cargo llegó a alcanzar un gran
nivel técnico gracias a su disciplina. Una característica innovadora de la
orquesta de Mannheim fue su gran capacidad para explotar las
posibilidades del rango dinámico desde el pianissimo mas sutil hasta el
fortíssimo mas sonoro mediante un crescendo electrizante. Hasta
entonces esto no había tenido precedentes en la música orquestal.
Stamitz fue el primero en usar en sus sinfonías lo que sería el plan
standard de cuatro movimientos. Un movimiento Allegro seguido de uno
lento, luego un minueto con trío y un final muy rápido (presto).

El concierto
Si bien el género sinfónico cada vez captaba mas la atención del público y
los compositores, el concierto para solista siguió siendo popular.
El concierto para solista se establece como uno de los principales géneros
del clasicismo, perdurando hasta la actualidad. La diferencia con su
antecesor el concerto grosso es que si bien aquí también se alternan tuttis
con solos, el concertino es un solo músico que oficia de solista respaldado
por la orquesta con la que dialoga.

Guía de lectura
- La función de la música instrumental en la sociedad
- Origen y características del piano que los diferencian del Clave y el
clavicordio
- Ámbito en donde se interpretaban los cuartetos de cuerda y
característica del cuarteto concertante
- Formas binarias que dieron origen a la forma sonata
- Géneros instrumentales que utilizaron la forma sonata
- Sinfonía, escuela de Mannheim, referentes y características de la
nueva sinfonía (cantidad de movimientos y rango de dinámicas)
-Concierto, diferencia entre el concerto grosso y el concerto para
solista

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Bibliografía:

- D.J. Grout, C.V. Palisca, Historia de la música occidental 8va edición,

capítulos 22. Editorial Alianza, Madrid, 2010.

Obras de referencia:

-Boccherini, Luigi: Cuarteto de cuerda Op.2, Sib Mayor

-Bach, Carl Philip Emanuel, Sonata para clave en La menor Wq. 49/1
-Bach, Johann Christian, Concierto para clavicordio o piano forte en Mib
mayor Op.7 N°5
-Stamitz, Carl, Sinfonía en Do Mayor Op.24 N°1

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