Preparació

n y
selección
de
imágenes
gráficas
Unidad 2 Clase
1

Msc. Dr. Luis Jaime Argüello

LA COMPOSICIÓN

Aunque las reglas

que vamos a ver
no son principios
matemáticos, si las
empleamos
notaremos como la
imagen obtenida
provoca cuando la
observamos
sensaciones de
mayor intensidad.
Los principales medios con
que cuenta el fotógrafo
para interpretar un tema
se reducen a:
Encuadre y selección de
las partes de la escena.
Enfoque total o selectivo.

Elección del ángulo de la

toma y perspectiva.
Y , en ciertas ocasiones,

además:
Colocación de los

elementos de la imagen.
Elección del tipo, número y

dirección de
las fuentes luminosas.


COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

Igual que a un pintor, la capacidad de percepción

y selección del fotógrafo le hará escoger los

componentes que más le agraden, existen ó informen.

Según la experiencia, gusto y consideración del sujeto,

el fotógrafo elegirá el punto de vista, la cámara, la óptica,

el tipo de película y la iluminación.

 Al encuadrar se excluye de
la imagen cualquier zona
o detalle que interfiera o
sea extraña al sujeto
principal. A veces puede
colocarse el sujeto en
relación con el entorno,
en el que los muebles y
elementos decorativos
se disponen en orden a
lograr el mejor resultado.
 Las imágenes como las palabras, deben ordenarse de
alguna forma si se pretende una comunicación eficaz.
 La composición es elemental, ayuda a comunicar el
significado de la imagen con tanta efectividad como sea
posible y de esta forma ayuda a obtener una respuesta
emocional del espectador.
 Existen dos tipos de composición: la simétrica
y la asimétrica.
 La primera es aquella cuyos elementos están
dispuestos de igual forma arriba que abajo;
a la derecha que a la izquierda. Da la
impresión de fuerza, equilibrio y estabilidad.
 La composición asimétrica presenta una
estructura irregular, ágil y dinámica muy
utilizada actualmente por la nueva
generación de fotógrafos y diseñadores
gráficos.
 COMPOSICIÓN SIMÉTRICA:
Muchos de los temas que se
fotografían habitualmente
tienen uno o varios planos de
simetría. Personas, animales,
objetos, incluso la linea del
horizonte pueden actuar en tal
sentido.
La imagen resulta agradable si
los motivos situados a ambos
lados del eje de simetría tienen
el mismo "peso visual" .
La composición simétrica es
sencilla, solemne y formal; pero
fría y demasiado mecánica.
 COMPOSICIÓN ASIMÉTRICA:
Son numerosas las variantes que
pueden incluirse en este apartado.
Se las conoce con el nombre de las
formas de letras o figuras que
adoptan. Las más utilizadas son la
triangular y las realizadas en
forma de S, L, o C., que parece ser
que son las que más a gusto
recorre nuestra vista.


 COMPOSICIÓN CON LINEAS:

Las líneas pueden estar presentes
en la imagen o existir
implícitamente uniendo sus
elementos constituyentes.
En una composición, las líneas
pueden actuar: haciendo penetrar
nuestra visión en la fotografía,
guiando nuestra mirada por la
imagen hasta el centro de interés,
o haciendo salir nuestra mirada de
 REGLA DE LOS TERCIOS:
Es la norma más clásica en la composición,
tanto en pintura como en fotografía.


Se basa en dividir el formato rectangular en tres

bandas iguales, tanto vertical como
horizontalmente. Existen variantes más complejas
basadas en la utilización de la sección áurea
clásica, pero sus resultados son similares.
Las dos líneas verticales u horizontales, con que
imaginariamente dividimos el encuadre,
determinan la posición principal de los elementos
alargados (horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro
puntos de intersección de estas líneas se sitúan los
puntos de interés de la imagen.


 No es necesario ocupar todas las lineas ni los

puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el
elemento principal.
De esta regla se desprende la conocida norma
en fotografía de paisajes, de no situar nunca el
horizonte en el centro del fotograma.
 

 EL EQUILIBRIO:
 Una fotografía resulta tanto más agradable, cuanto
más equilibrada sea la situación de los
elementos que la componen.

La distribución de los elementos ha de hacerse

posicionando los objetos según su "peso visual",
* Zona de menor peso
conforme los colocaríamos en una balanza cuyo visual.
centro coincidiese con el del fotograma. Según * Zona de mayor peso
esto, los elementos de mayor masa visual se visual.
colocarán más al centro, y los más ligeros hacia
los márgenes.

El concepto de "peso visual" se toma en un

sentido de mancha o masa, y también como el
del volumen y el peso que intuitivamente
asociamos a cada elemento.
 El equilibrio también se extiende a las
composiciones verticales, por ello
inconscientemente, la foto nos resulta más
natural si situamos los objetos más pesados
más abajo que los ligeros.

Recurriendo al símil de la balanza, si buscamos

una composición simétrica y equilibrada habrá
que imaginar la escena como una balanza de
dos platillos y distribuir los elementos en
consecuencia. Si perseguimos un equilibrio
asimétrico los distribuiremos imaginando una
 EL RITMO:
 El ritmo es el resultado de la repetición
de líneas, formas, volúmenes, tonos y
colores. La repetición de un motivo
aumenta la armonía de una escena. El
ritmo permite además unir los
diferentes elementos de la escena
para conferirles unidad y fluidez.

Las composiciones con ritmo

excesivamente rígido, como las olas,
cartones de huevos, campos de dunas,
terrenos de cultivo, etc., conviene
romperlas con algún pequeño objeto
discordante que atenúe su rigidez y
proporcione un centro de interés.

EL CENTRO DE INTERÉS
Antes de realizar una
fotografía deberíamos
preguntarnos que es lo
que pretendemos captar
en ella. En cualquier
motivo siempre existe
un elemento que atrae
más intensamente
nuestra atención y que
constituye el centro de
interés, entorno a él, ha
de basarse todo intento
de composición.
 Para establecer el encuadre en función del centro de
interés hemos de tener en cuanta las siguientes
normas:

1. Cuando en una escena hay dos o tres motivos

con la misma fuerza que el principal, se establece
un competencia entre ellos que genera confusión
en el observador y perjudica la fotografía.

2. La situación, y el tratamiento que demos al

centro de interés es, posiblemente, lo más decisivo
en la composición fotográfica.

3. Por lo general, lo más sencillo y efectivo para

resaltar su importancia es situarlo en el fotograma
conforme a la conocida regla de los tercios.

4. Si una persona o animal se fotografía de perfil,

se debe dejar siempre más espacio por delante de
su cara que por detrás.
 5. De igual forma, al fotografiar objetos móviles, es
muy importante captar los entrando en la foto y
nunca saliendo.

6. El fondo tiene una importancia decisiva a la hora

de valorar el punto de interés, y por lo general,
nunca debe competir con el motivo principal. Para
ello podemos recurrir a un fondo de tonalidad
opuesta para resaltar el objeto principal (objetos
claros sobre fondos oscuros y viceversa) o, si está
 EL ÁNGULO DE TOMA
 Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie,
con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal
perpendicular al suelo. El tema se puede captar así sin
distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero se
obtienen imágenes estandarizadas y poco originales.
 Cuando optamos por un punto de vista elevado (vista de
pájaro), podemos excluir la línea del horizonte y utilizar
el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy
originales pero, por lo general, el sujeto principal queda
poco destacado sobre el fondo y, si se fotografían
personas, saldrán con la cabeza enorme y
distorsionada.
Si fotografiamos a nivel del suelo y hacia arriba (vista
de hormiga), el horizonte e incluso el suelo pueden no
aparecer en la foto. El sujeto, principal resalta mucho
más que en el caso anterior, pero pueden aparecer
luces parásitas si se utiliza iluminación cenital.
En retrato destaca demasiado la mandíbula y los
agujeros de la nariz, por lo que está totalmente
desaconsejado.
 Todos los defectos y deformaciones producidas la variar el
ángulo de la toma, pueden exagerarse
intencionadamente utilizando objetivos de corta
distancia focal (granangulares).
También pueden amortiguarse las distorsiones e incluso
suprimirse, empleando cámaras de gran formato y
efectuando descentramientos del objetivo o del
respaldo.
LA FORMA Y EL VOLUMEN
Muchas veces la forma es el aspecto más
importante de una fotografía. Nos basta
con la silueta o el perfil de un objeto para
reconocerlo.
La cámara, a diferencia de nuestra vista,
ve en un sólo plano, por lo que si
queremos destacar la forma de un objeto
habrá que conseguir que llame
fuertemente la atención.
El perfil de un rostro curtido, las ramas secas
y retorcidas de un árbol contra el cielo, el
cuello de un cisne, el radiador de un
Càdillac, etc., son formas que atraen
poderosamente nuestra atención.
 Para conseguir tomas impactantes de objetos
con formas atractivas conviene tener en
cuenta las siguientes recomendaciones:
1. Abstraer las formas del objeto principal,
eliminando al máximo los detalles (por
ejemplo realizando un contraluz que destaque
únicamente su silueta.
2. Acercarnos al encuadrar, de forma que
aislemos la formas de un sólo elemento del
motivo.
3. Utilizar un fondo lo más uniforme posible y
que no distraiga la atención.
 4. Buscar el máximo contraste de tono entre la
forma principal y el fondo.
5. Utilizar al máximo las normas de
composición, ritmo y equilibrio para destacar
la forma.
 Si observamos fotografías de objetos corrientes en sus
perspectivas habituales, nos resulta fácil deducir el
volumen que tienen, pero si el ángulo de toma es
rebuscado, o los objetos son poco corrientes, nos
resulta muy difícil captarlo. A veces se puede
solucionar esto introduciendo objetos conocidos
que actúen como referencia de tamaño.
Un método excelente para resaltar las formas
consiste en utilizar algún elemento de la imagen
para enmarcar el motivo. Si aprovechamos el arco
de entrada a algún monumento para enmarcar el
sujeto principal, tanto si disparamos de dentro a
fuera, como al revés, el tema principal quedará
rodeado con un tono opuesto que realza la fuerza
del motivo. Cuando este marco es negro la
expresividad es mayor pues nos causa la sensación
de estar inmersos en la escena.
En cualquier caso, para que un objeto
tridimensional captado en una copia bidimensional,
tenga corporeidad y ofrezca sensación de volumen,
además de su forma habrá que captar también su
sombreado (tono) y los detalles de su superficie
(textura).
 6.- TONO Y CONTRASTE
Se entiende por TONO a la brillantez visual de una zona de una imagen que puede
distinguirse de otras partes más claras o más oscuras.
El blanco, el negro y toda la gama de grises constituyen su GAMA TONAL.
Cada tono está íntimamente relacionado con el color y con la luz.
Un trozo de carbón situado bajo una luz intensa, puede tener un tono más claro
que un huevo colocado en una sobra muy oscura.
En muchas ocasiones, la gama de tonos de la escena es superior a la que puede
captar la película. Mientras que en un paisaje iluminado por un sol intenso, la
relación de luminosidades puede exceder la proporción 1000:1, en una copia
perfectamente realizada nunca sobrepasa el rango 60:1.
En el caso de las diapositivas, el intervalo tonal que aceptan es algo mayor pero
todavía distan mucho de la gama tonal real.
Este problema se puede resolver haciendo que concuerden los tonos de luces y
sombras, tanto en el motivo como en la copia, y comprimiendo la escala tonal
intermedia.
Rembrandt ya utilizaba este método en su pintura al dar un gran valor a las luces y
a las sombras, en detrimento de los tonos medios.


 Se entiende por CONTRASTE a la diferencia de tonos que hay entre
las distintas zonas de la imagen. Una imagen resulta visible
gracias a su diferencia de contraste respecto a los valores de los
tonos que la rodean.
El INTERVALO DE LUMINOSIDADES, equivale al contraste máximo
entre las zonas de una fotografía, sean o no contiguas.
Si imaginamos una escala de grises de nueve densidades
incluyendo desde el blanco = 9, hasta el negro = 1, una escena
que cuente únicamente con los tonos 1y 9 (blancos y negros),
tendría el mismo contraste que la que incluye además los grises
intermedios. Sin embargo, subjetivamente, el contraste nos
parece mayor en el primer caso.
 En cualquier caso, fotos con poco contraste, con carencia de tonos
intensamente negros o copias sin blancos limpios, producen
siempre sensación de bajo contraste.
 7.- LA TEXTURA
 La textura consiste en la repetición de un motivo a lo largo de
 una superficie; esta repetición puede ser de las formas o los
motivos
 que componen el objeto, o las formas y su relieve... en cuyo caso,
la
 luz debe incidir de forma lateral para que se aprecie ese
“volumen”
 gracias a las sombras que arroja.
 Por textura se entiende la estructura de la capa superficial de un
material.
 Una foto con una la textura muy resaltada, confiere realismo a la
imagen porque estimula nuestro sentido del tacto.
La textura, junto con el tono y la forma, transforman los
motivos planos en imágenes con fuerte sensación
tridimensional.
Entre todos los factores que pueden resaltar la textura, el más
importante es, con mucha diferencia, la iluminación.
La mayor parte de los objetos iluminados con luz dura, intensa
y rasante, desvelan una textura imperceptible por cualquier
otro método. Esto es fundamental en fotografía forense,
arqueológica, numismática, etc.
 

La lectura de la
imagen
En nuestra cultura
occidental, el sistema
de lectura de una
imagen, cuando los
elementos están en un
mismo plano, es
siempre de izquierda a
derecha y de arriba
abajo. Una vez el ojo
ha hecho estos
desplazamientos,
Una imagen compuesta
de forma optima es
aquella que permite al
ojo caminar de
elemento en elemento,
con un cierto orden,
para analizar todo el
sujeto. En primer lugar
y siguiendo las líneas
dominantes sobre el
elemento principal ,
permite ver el motivo
fundamental,
 y después, los
 En una composición
 equilibrada, todos los factores se
determinan entre sí de tal
forma que no parece posible
ningún cambio y la totalidad
manifiesta el carácter de
necesidad de todas las
partes”.
 El peso de un elemento
aumenta proporcionalmente a
su distancia del centro de
equilibrio. Un elemento
grande pesará más que uno
pequeño, un tono brillante
más que uno oscuro y un
elemento situado en la parte
derecha o arriba pesa más
que uno colocado a la
izquierda o parte inferior de la
imagen.
Estas consideraciones
son básicas si
queremos obtener un
perfecto equilibrio, ya
que una imagen mal
equilibrada es
generalmente
rechazada por el
observador y, por lo
tanto, su misión de
comunicar puede
quedar anulada.
 ILUMINACIÓN
 La luz es la base de las
fotografías. No debemos
o lvidar que la palabra
“fotografía” significa
“escribir o dibujar con
luz”. Es por eso que una
vez compuestos los
elementos en el área, el
siguiente punto es la
iluminación, esto se
refiere al uso de la luz
artificial (bombillos, flash,
lámparas, etc.). Cuando
trabajamos sin luz
artificial, debemos
adecuar el objeto a la
fuente de luz.
Por lo tanto, vamos a
dividir la iluminación
en natural o artificial.
Según su naturaleza
física; en exterior,
interior o mixta. En
razón de la
distribución de los
haces de luz es
concentrada o difusa.
Es directa o indirecta
atendiendo a la
incidencia sobre el
sujeto. Es contrastada
 TEMPERATURA DE COLOR
 Un procedimiento adecuado de
describir el color de una luz es por
su temperatura en grados Kelvins
(K). Si un metal se calienta emite
una luz de todas las longitudes. Al
calentarlo adquiere un tono rojo
oscuro, después naranja, y sigue
recorriendo todo el espectro,
hasta transformarse en blanco
azulada.
 Los materiales blanco y negro
pueden emplearse a cualquier
temperatura de color y los
negativos o positivos de color
pueden corregirse mediante
filtros.
 La luz de día tiene una temperatura
de 5.500 °K igual que los flashes
electrónicos, las luces de vídeo o
de tungsteno tienen 3.200 °K.
Mientras mayor es la temperatura
de color el espectro es más
azulado y mientras menor es más
amarillo.
 La mayoría de las películas se
fabrican para luz natural (5.000 –
 Te rm o co lo rím e tro

La llamada luz de día tiene un valor de

5.500 ºK, el mismo que los flashes
electrónicos. Esta es la que
consideramos luz blanca. Entre los
2.000 y los 4.000 ºK las luces son ya
algo rojizas o amarillentas y entre
ellas se encuentran casi todas las
bombillas halógenas y de
incandescencia, y más abajo, con
coloraciones aún más rojizas, se
encuentran las velas, el fuego, etc.
En días claros y soleados, si
fotografiamos al mediodía un objeto
a la sombra, veremos que las
fotografías nos salen ligeramente
azuladas, esto es debido a la elevada
temperatura de color del cielo azul,
hasta 12.000 ºK.
Al utilizar película normal para luz de día, DL ó
"DAYLIGTH", si fotografiamos a la luz de una
bombilla casera obtendremos fotografías
anaranjadas por más que a nosotros nos
siga pareciendo que esa luz es blanca. Esta
película tiene equilibrados los colores
químicamente para dar blanco con luz de
5.500º K.
Para solucionar esto, el fotógrafo lo que
hace es utilizar filtros azules, de
distintas densidades, para aumentar
la temperatura de color de la fuente
luminosa, o de color ámbar para
disminuirla.
De esta manera, para fotografiar a la
luz de una bombilla se utiliza un filtro
azul, aunque muchas veces la
tonalidad cálida que ofrece esa
iluminación, puede ser muy adecuada
para ciertos temas.
POSICIONES DE LA FUENTE DE LUZ PRINCIPAL

Lateral a 90°, lateral a 45°,



frontal, cenital y de contraluz.

Lateral a 90 grados.
Esta iluminación
proyecta sombras
muy marcadas.
Realza las texturas de
la ropa y el cabello,
pero al mismo tiempo,
reduce el rostro a dos
mitades.
Se usa para crear efectos
dramáticos en rostros u
objetos. Para reducir el
contraste se utilizan
pantallas de reflexión o
Lateral a 45 grados:
Es la más utilizada
tanto en luz natural
como artificial. Es el
tipo de iluminación que
da más
tridimencionalidad a
los sujetos; realza
también la textura de
los objetos, aunque no
tanto como la lateral a
90°.
 Frontal: Tiene en realidad
dos formas cuyos
resultados son diferentes:
posición frontal baja, que
aplana completamente la
imagen del sujeto y que no
resalta la textura, por lo que
no se recomienda como
fuente principal de
iluminación salvo en los casos
en que precisamente se
desee ese efecto, y posición
frontal alta, que produce
pequeñas sombras siendo
ideal para retratos de
personas con arrugas,
mujeres y niños.
 Aplana completamente la
imagen del sujeto y no resalta
la textura por lo que no es
recomendable para la
 Cenital: Corresponde a la
del sol en su punto más
alto, produce sombras
cortas.
 Cuando la fotografía se
efectúa en exteriores, con
luz natural, produce
sombras en los ojos, por lo
que no es recomendable
para este tipo de
fotografías. Se usa mucho
para la fotografía
publicitaria de objetos de
vidrio (envases, licores) y
fotografía aérea.
 No es recomendable para
fotos de personas porque
produce sombras en los
 Contraluz: Está en
el lado opuesto al
sujeto.
 Produce mucho
contraste y
dramatismo, es útil
cuando se desea
obtener siluetas o
dar a la fotografía
cierto aire de
grafismo.
 Hemos indicado que el fotógrafo
utiliza otras fuentes de luz
simultáneas que llamaremos
secundarias. Estas se emplean,
entre otras cosas, para rebajar el
contraste que supondría el uso
de una sola luz, la principal.
Muchas veces, visualmente,
tenemos la sensación de que
con una sola luz principal es
suficiente para tomar la
fotografía, ya que
aparentemente no se nota
mucho el contraste, pero esto es
debido a que el ojo humano se
acomoda rápidamente a los
diferentes niveles de luz que
tiene ante sí; no obstante, hay
que recordar que la película no
posee esta particularidad, por lo
que es necesario, mediante
otras fuentes de luz menos
intensa, iluminar las partes
LUZ DURA
La luz dura procede de fuentes pequeñas y
alejadas, como el sol y las bombillas o
flashes directos. La distancia y el tamaño
determinan el grado de dureza. la luz dura
es idónea para destacar la textura, la forma
y el color; y proporciona el mayor grado de
contraste.
LUZ SEMIDIFUSA
La iluminación
semidifusa procede de
fuentes más grandes
y/o próximas al objeto
y, aunque produce
sombras definidas, ya
no tienen los borde
nítidos. La luz
semidifusa destaca el
volumen y la textura,
pero sin sombras
negras y vacías y sin
el elevado contraste
de la luz dura. El color
resulta más apagado.

 LUZ SUAVE
La luz suave es tan difusa que no
proyecta apenas sombras. La fuente
luminosa ha de ser muy extensa
como un cielo cubierto, o rebotarse
sobre una superficie muy grande y
próxima, como el techo, pantallas
reflectoras, etc. Esta iluminación es
la menos espectacular de todas
pero la más agradable y fácil de
controlar, además de proporciona
un contraste ideal para
reproducción impresa.
 ILUMINACION EN EL EXTERIOR
 Nuestra fuente natural de luz es el sol la cual es
utilizada constantemente por los fotógrafos. En
nuestro país los contrastes que produce el sol
son muy fuertes, las mejores horas para
fotografiar en exteriores son de 8:00 a.m. a
11:00 a.m. y de 3:00p.m. a 6:00 p.m.
 No fotografiamos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. porque
el contraste es muy fuerte y la luz cenital aplana
las sombras dejando a los objetos sin relieve.
 Cuando el día está nublado la iluminación es mucho
más suave lo que hace que sea ideal, en la
mayoría de los casos, para cierto tipo de
fotografías, de ahí que resulte el favorito para
muchos fotógrafos de exteriores.
 La luz natural es rica en
posibilidades, pero a veces
imprevisible e imposible de
controlar. No obstante,
siempre hay formas de prever
las condiciones naturales o
de sacarles partido. A veces
todo se reduce a esperar: a
que cambie el ángulo de la
luz, a que las nubes oculten
el sol y difundan las sombras
o a otro día más prometedor.
En otras ocasiones basta con
moverse para proteger al
sujeto de la luz directa y sus
sombras duras o para
mejorar el ángulo con que el
sol ilumina la escena.
Cuando la luz es muy
contrastada, podemos usar
pantallas que reflejen luz, en
este caso usamos un anime
blanco. Este método es muy
bueno cuando fotografiamos
rostros, medios cuerpos u
objetos pequeños.
Igualmente podemos usar el
flash para rebajar los
contrastes en zonas
pequeñas.
 8. CONSEJOS FINALES 
 En fotografía artística la calidad de la composición tiene
muchísimo más valor que la técnica. Cinco minutos
destinados a planificar la composición de un sólo tema
es preferible a fotografiar cinco temas en un minuto. 
 La mejor forma de aprender es estudiando las obras de
grandes maestros, hojeando libros o participando en
algún club de fotografía artística.  
 Siempre que sea posible, antes de fotografiar un objeto
hay que mirarlo desde todos sus ángulos, estudiar las
posibilidades de iluminación y meditar bien la
composición, encuadre, etc.
 Fotografíe si puede sólo a la luz del amanecer y
atardecer. 
 Con niebla o lluvia se obtienen fotos maravillosas. 
 Busque situaciones insólitas y humorísticas con los
elementos de la imagen. 
 En ciudades obtenga buenas fotos al ocaso mezclando luz
artificial y natural. 
 Las fotos de paisajes, preferiblemente horizontales.