COLECCIONA LOS DISEOS DE ANDY CHERNIAVSKY

Coca-Cola ligth es marca registrada de The Coca-Cola Company.

Australie Neon Parc Austria Heike Curtze / Ernst Hilger / Christine Knig / Krinzinger / Mario Mauroner / Raum Mit Licht / Steinek / Elisabeth & Klaus Thoman / Hubert Winter Belgium A.L.I.C.E. / Aeroplastics / Aliceday / Anyspace / Baronian-Francey / Base-Alpha / Bodson-Emelinckx / Crown / Patrick De Brock / Dependance / Deweer / Geukens & De Vil / Gladstone / Hoet Bekaert / Hopstreet / Xavier Hufkens / Jamar / Rodolphe Janssen / Elaine Levy / Maruani & Noirhomme / Greta Meert / Meessen De Clercq / Mulier Mulier / Nomad / Nathalie Obadia / Office Baroque / Tatjana Pieters / Elisa Platteau & Cie / Almine Rech / Sebastien Ricou / Andr Simoens / Stephane Simoens / Sorry Were Closed / Micheline Szwajcer / Transit / Triangle Bleu / Twig / Van De Weghe / Van Der Mieden / Tim Van Laere / Samuel Vanhoegaerden / Axel Vervoordt / VidalCuglietta / Nadja Vilenne / Waldburger / De Zwarte Panter Brazil Leme Czech Republic Hunt Kastner Denmark Martin Asbaek / Avlskarl / Larm / David Risley France Galerie 1900-2000 / Jean Brolly / Bernard Ceysson / Chez Valentin / Cortex Athletico / Laurent Godin / Alain Gutharc / Jeanne Bucher Jaeger Bucher / Fabienne Leclerc / Lelong / Magnin-A / Marion Meyer / Nathalie Obadia / Perrotin / Almine Rech / Michel Rein / Pietro Sparta / Daniel Templon / Torri / Georges-Philippe & Nathalie Vallois / Aline Vidal / Xippas Germany 401 Contemporary / Anita Beckers / Bourouina / Conrads / Cruise&Callas / Michael Janssen / Andrae Kaufmann / Koal / Kwadrat / Gebr. Lehmann / Loock / Peres Projects / PSM / Florent Tosin / Tanja Wagner / Wentrup / Zink Greece Bernier/Eliades India Maskara / Seven Art Limited Iceland i8 Italy Cardi Black Box / Continua / Monica De Cardenas / Fama / Fluxia / Galleria Cardi / Gentili / Invernizzi / Noire Contemporary Art / Prometeo / Tucci Russo / Mimmo Scognamiglio / Jerome Zodo Japan Art Statements / Yumiko Chiba Luxembourg Bernard Ceysson / Nosbaum & Reding Portugal Filomena Soares Slovenia Skuc Spain ADN / Max Estrella / Marlborough Fine Art / Senda / Michel Soskine / Toni Tapies / Sweden Niklas Belenius / Christian Larsen Switzerland Annex 14 / Blancpain / Susanna Kulli / Lelong / Patricia Low / Mai 36 / Saks / Skopia The Netherlands Paul Andriesse / Ellen De Bruijne / Grimm / Motive / Gabriel Rolt / Martin Van Zomeren United Arab Emirates Isabelle Van Den Eynde United Kingdom Hannah Barry / Pilar Corrias / Carl Freedman / Ibid / Simon Lee / Marlborough Fine Art / Other Criteria / The Paragon Press / Karsten Schubert / Wilkinson / Works Projects United States Of America Cherry & Martin / Clearing / CRG / Luis De Jesus / Fitzroy / Honor Fraser / Gladstone / Christopher Grimes / Inman / Lelong / M+B / Marlborough Fine Art / Mc Caffrey / Patrick Painter / Eleven Rivington FIRST CALL / Belgium D+T France Gaudel De Stampa Germany Soy Capitan / Chert / Krome / Tanya Leighton / Harris Lieberman Ireland Mothers Tankstation Italy Norma Mangione Romania Plan B Sweden Johan Berggren United States Of America Exile / Alex Zachary (index December 2011)

30th contemporary art fair Thu 19 - Sun 22 April 2012

Brussels Expo - www.artbrussels.be
Preview & Vernissage Wed 18 April (by invitation Only)

Editorial
Arte en tiempos de crisis
En 2010 comenz la construccin de la franquicia ms grande de la Fundacin Guggenheim, un museo de arte contemporneo en Abu Dhabi, la capital de los Emiratos rabes Unidos, ciudad smbolo de innovacin, riqueza y lujo. sta sera desde 2013 la sede de un proyecto que la Sociedad Estatal de Inversiones para el Desarrollo del Turismo (TDIC) de dicho pas haba encomendado al arquitecto norteamericano Frank Gehry. Hoy, se ha retrasado la finalizacin del espacio cultural hasta 2015, segn las autoridades, por una revisin de la estrategia de adquisiciones del proyecto. Pero muchos apuntan a la falta de liquidez como central de la decisin. En 2008 Estados Unidos fue el foco de una crisis econmica que se gener dentro de sus fronteras, pero que repercuti a nivel global. Tres aos ms tarde, los mercados mundiales nuevamente se resienten y pases como Portugal, Espaa, Grecia, Francia y Alemania, entre otros, deben enfrentar el temido fantasma de la bancarrota. Los prstamos y la reduccin de recursos de ciertas carteras son algunas de las probables soluciones que tomarn los mismos gobiernos. Mientras la poblacin reduce ciertos gastos, la pregunta obligada es si las artes tambin se vern perjudicadas. Al parecer, y tomando en cuenta la experiencia de aos anteriores, la respuesta parece ser afirmativa. Y ya hay algunos indicios, como es el caso del Guggenheim Abu Dhabi. Para financiar sus proyectos, la institucin patrocinadora de la construccin del espacio depende no slo del petrleo sino tambin de los prstamos de bancos, razn por la cual los rumores de la paralizacin apuntan a problemas financieros. La TDIC ha declarado, incluso, que devolver el dinero que los contratistas ya haban invertido, aunque asegura que no lo cancelar. Tambin otras instancias del mundo de las artes visuales estn sufriendo las consecuencias de una crisis qu an no explota. La construccin de una sede del Guggenheim en Guadalajara, Mxico, acab porque los problemas econmicos no permitieron al gobierno mexicano tomar las decisiones en el momento adecuado. En la misma lnea, la Feria de Arte Contemporneo de Lisboa, celebrada en noviembre de 2011, vio reducido el nmero de galeras participantes. Las espaolas, por ejemplo, disminuyeron en un 50% en relacin a otros aos y pases como Brasil, Corea o Mozambique tampoco se hicieron presentes. Qu suceder si la crisis se agudiza en los prximos meses? La economa suele tambalearse, por tanto, es una coyuntura que la mayora de los actores del arte contemporneo han vivido. Sin embargo, es un tema de debate pues varios quedan en el camino. Hace casi un ao, por ejemplo, el Instituto Cervantes (Espaa) y el Goethe-Institut (Alemania) presentaron un documento con nuevas alternativas para que artistas, coleccionistas, comisarios, galeristas, responsables de ferias y otros espacios puedan doblarle la mano a la recesin. Algunas de las ideas que las instituciones plantean para momentos como el actual es que los actores se coordinen en la organizacin de la actividad local, teniendo una buena red internacional. En este sentido, la International Federation of Art Councils and Culture Agencies propone que, a pesar de que haya que recortar presupuestos, es tarea de las autoridades de cultura orientar y entregar herramientas para minimizar los efectos. Sin embargo, los expertos tambin ven en situaciones como sta una oportunidad, pues obligan a quienes estn en el circuito a desarrollar la creatividad para sobrevivir y continuar sus proyectos. A la vez, ante la restriccin de gastos los consumidores podran considerar comprar cosas que antes no hacan, sobre todo si se considera que los precios en el mercado del arte tienden a bajar. As que no nos quedemos con el sabor amargo de la crisis, pues no todo son nmeros rojos. En noviembre pasado, por ejemplo, Christies vendi una pieza de Roy Linchtenstein por 28 millones de euros, revalorizando la obra en casi un 2.700%. Esto se suma a otros casos como el aumento de recursos para la ampliacin del MoMA de San Francisco o la consolidacin de Miami como lder iberoamericano del mercado del arte. Entonces, tal como en otras ocasiones lo que suceda con el arte en tiempos de crisis es parte de un ciclo para el que hay que estar preparados, sin perder la confianza de que siempre habr un espacio para el contemporneo, independiente de su vulnerabilidad.

Ana Mara Matthei

Directora

Ricardo Duch
Director

Cristbal Duch
Director Comercial

Catalina Papic
Directora de Arte

Proyectos Culturales

Camila Duch

Simona Spinola
Escritora / Italia

Manuel Munive
Crtico / Per

Cecilia Bay
Crtica / Bolivia

Julio Sapollnik
Crtico / Argentino

Josefina Valds
Licenciada en Letras

Roco Casas Bulnes

Escritora

Fernanda Reyes
Colaboradora / Mexico

Fran Gabler
Periodista

Francisca Medina
Historiadora del arte

Juan Jose Santos

Crtico de arte

Art in Times of Crisis

In 2010 began the construction of the largest Guggenheim franchise, a contemporary art museum in Abu Dhabi, the capital of the United Arab Emirates, a city worldwide associated to innovation, wealth and luxury. This would be, from 2013, the location of a project that the State Investment Company for Tourism Development (TDIC) of that country had commissioned to the prominent American architect Frank Gehry. Today, the completion of the cultural space has been delayed until 2015, according to authorities, due to a review of its project procurement strategy. However, many point to the lack of liquidity as an important factor in making this decision. In 2008 the United States was the focus of an economic crisis that was generated within their borders, but that had global repercussions. Three years later, global markets suffer again and countries like Portugal, Spain, Greece, France and Germany, to name a few, must face the dreaded specter of bankruptcy. Loans together with the reduction of resources for certain areas are some possible solutions to be taken by governments. While the population reduces certain costs, the obvious question is whether the arts will also be affected. Apparently, considering the experience of previous years, the answer seems to be affirmative. And there are already some signs, such as the case of Guggenheim-Abu Dhabi. To finance its projects, the sponsoring institution of the construction of the space depends not only of oil incomes but also of bank loans, which is why the delay rumors point to financial problems. The TDIC even said that they will return the money that the contractors had already invested, but they assure that the project has not been canceled. There are also other instances of the visual arts world that are suffering the consequences of a crisis that has not completely exploded yet. The construction of a Guggenheim Museum in Guadalajara, Mexico, was terminated because the economic problems didnt allow the Mexican government to make decisions at the right time. In this same sense, for the Lisbon Contemporary Art Fair, celebrated in November 2011, the number of participating galleries was reduced. The Spanish ones, for example, decreased by 50% compared to previous years, and countries like Brazil, Korea and Mozambique were absent. What would happen if this emerging crisis deepens in the coming months? Economy is usually unstable; therefore, this is a situation with which most actors of contemporary art have lived. However, it is a constant debate topic because many cant last out. For example, almost a year ago, Cervantes Institute (Spain) and the GoetheInstitut (Germany) presented a document with new alternatives for artists, collectors, curators, gallery owners, fairs and exhibition spaces responsible ones, and other agents in this area, to undergo the recession. Some of the ideas that these institutions propose for times like the present one is that all actors must be coordinated in the organization of local activity, also creating a good international network. In this sense, the International Federation of Art Councils and Culture Agencies suggests that, despite having to cut budgets, it is the cultural governmental institutions responsibility to guide and give the tools to minimize the effects. However, experts also believe that these situations like this one can open up news opportunities because they force those in the circuit to develop their creativity to survive and to continue their projects. At the same time, the spending restrictions could mean that consumers consider buying things that did not contemplate previously, especially considering that the art market prices tend to drop. So lets not keep our eyes focused in the crisis bitter taste, because no everything is in red numbers. Last November, for example, Christie's auction house sold a piece by Roy Linchtenstein for 28 million Euros, revaluing the work by nearly 2700%. This adds up to other cases such as the increase of resources for the expansion of the San Francisco MoMA, or the consolidation of Miami as the Ibero-American leader in the art market. So, such as it has happened before whatever occurs with art in times of crisis, this is part of a cycle for which we must be prepared, without losing the confidence that there will always be a space for contemporary, no matter how vulnerable it is.

Anglica Navarro O.
Editora

Yuriko Takahashi V.
Periodista

Camila Jofr F.
Diseadora Grfica

Paola Mosso
Periodista

Lorna Toselli
Periodista

Ernesto Muoz
Crtico / Chile

Mara De Giovanni
Colaboradora / Argentina

Anna Astor Blanco

Colaboradora / Puerto Rico

Denise Lira
Colaboradora / EE.UU

lvaro de Benito
Crtico / Espaa

Elisa Montesinos
Periodista

Ignacio del Solar

Asesor

Gabriel Nuez
Asesor Comunicacional

Jorge Azcar
Asesor de Diseo

Paulina Seplveda
Ventas

Contemporary International Art Magazine

Ed. 46 January / February

Ed. 51 November / December

Ed. 52 January / February (2012)

Next Fairs

MIA January 13-16 Miami Art Palm Beach January 19-23 Palm Beach

American International Fine Art Fair (AIFAF) February 3-12 Palm Beach Naples International Art & Antique Fair (NIAAF) February 23-28 Naples

Arco Madrid February 15-19 Madrid Art Madrid February 15-19 Madrid

JustMad February 16-19 Madrid

Subscriptions | Foreign countries: annual subscription for US$200 (includes shipping costs) | Six deluxe annual editions | (56.2) 955 32 61

w w w.ar teallimite.com

12 . 13

Sumario
REPRESENTANTES INTERNACIONALES Alfredo Ginocchio (Mxico) Leonel Matheu (Miami, EE.UU.) Julio Sapollnik (Argentina) jsapollnik@gmail.com Elisa Montesinos (Nueva York, EE.UU.) emontesius@gmail.com Manuel Munive (Per) manuelmunive@yahoo.es ASESORES Ignacio del Solar Gabriel Nez REPRESENTANTE LEGAL Orlando Caldern TRADUCCIN INGLS Soledad Contardo Anglica Navarro SUSCRIPCIONES 56-2-955 3261 marketing@arteallimite.com IMPRESIN Maval, Editora e Imprenta DIRECCIONES Chile / Camino Agua del Carrizal 9497. Lo Barnechea, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD 56-2-955 3261 info@arteallimite.com Paulina Seplveda / (56-9) 9. 349 69 82 venta@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Lmite Ltda.

Summary

ERNESTO NETO
Por favor, tocar
Please do touch

18

BERNARD ROIG
Un (auto) retrato de la sociedad
A (self) portrait of society

30

Xie Dongming
El trazo libre y expresivo de China
The free and expressive brushstroke of China

38

Davis Birks
El deber ser y la ineludible realidad
The ought to be and the unavoidable reality

46

IMAGEN PORTADA

Ernesto Neto, Vista de la instalacin Anthropodino, comisionada por Park Avenue Armory (NY) para Wade Thompson Drill Hall, 2009, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables. Foto: Jean Vong

Christiane Baumgartner
Artesana en la era de las pantallas
An Artisan in an era of screens

50

58

Andy Cherniavsky
Coca- cola light de Vanguardia Coca- Cola light Avant-garde

Omar Chacn
Un viaje al color
A trip to color

62

68

Antoni Muntadas
Creer en el arte
Believing in art

Allora & Calzadilla

Los enfants terrible del arte contemporneo
The enfants terribles of contemporary art

82

82

Jill Greenberg
Gnero lisiado
Disabled Gender

Cildo Meireles
El rapto del instante
The kidnapping of the moment

90

102

Fernando Navarro Vejo

Metforas visuales
Visual Metaphors

Alex ten Napel

Retratos al agua
Water portraits

108

116

Valeria Ghezzi
Cosmopolita y raigal
Cosmopolitan and rooted

Manuela Viera-Gallo
Artillera plstica
Artistic artillery

122

Naples International Pavilion Naples, FL USA +1 239 949 5411

Tickets and information at: www.artfairnaples.com

The 2nd annual Art Naples is a dynamic event in beautiful Southwest Florida featuring international contemporary art dealers presenting paintings, sculpture, photography, design, fine art glass, video and installations.

18 . 19

Brasil | Brazil Escultura | Sculpture

Ernesto Neto
Por favor, tocar | Please do touch
Al contrario de lo que ocurre con la mayora de las obras expuestas en museos y galeras, las esculturas de Ernesto Neto son un llamado a vivirlas a travs de los sentidos. Es una invitacin colectiva a perder el tiempo y ganar una sociedad hipercultural que respete la diversidad global. Unlike what happens with most of the works exhibited in museums and galleries, Ernesto Neto's sculptures are a call to live them through the senses. It is a collective invitation to loose time and to gain a hipercultural society that respects the global diversity.
Por M. Anglica Navarro Ovalle . periodista Fotografas cortesa de Ernesto Neto, Galera Fortes Vilaa (So Paulo) y Tanya Bonakdar Gallery (Nueva York)

"

Estimado Ernesto Neto, Hoy ser el ltimo da que dormir sobre tu trabajo, porque he estado durmiendo aqu casi todos los das durante mi hora de almuerzo, por media hora El hombre al que estaba dirigida esta carta es un artista brasileo llamado Ernesto Neto (1964) y el trabajo al que la autora alude es una escultura. Se preguntar usted cmo alguien puede tomar una siesta sobre una escultura. A sus pies? S, la situacin puede parecer un tanto extraa, pero no si uno se adentra un poco ms en su trabajo: por cuestiones que tienen ms que ver con el azar que con una idea premeditada, desde fines de los 90 Neto construye esculturas gigantes con gnero, espuma, pelotas, redes tejidas a crochet y otros materiales, cuya intencin primera y su fin ltimo es despertar los sentidos del pblico: que la gente observe los colores y formas, que toque, camine sobre sus peculiares superficies, se cuelgue. O que duerma, como aquella mujer que hace algunos aos aloj en una instalacin de Neto en Nueva York. Tambin que huela, pues muchas de sus estructuras las rellena con especias como lavanda o camomilla. A veces pocas genera sonidos, nunca msica envasada. Nunca ha hecho una degustacin, pero ms que nada por asuntos prcticos. Todo ello es el resultado de una investigacin cuya constante es la espontaneidad. En Neto rpidamente se evidencia, adems, la herencia del neoconcretismo brasilero, un movimiento liderado en los 60 por Amilcar de Castro, Ferreira Gullar y Lygia Clark, entre otros, que defenda

"

Dear Ernesto Neto, Today is going be the last day that I am going to sleep in your work, because I have been sleeping here almost every day during my lunch time, for half an hour The man to whom this letter was directed to is a Brazilian artist called Ernesto Neto (1964) and the work to which the author refers to is a sculpture. You would wonder how anyone can take a nap on a sculpture. At its feet? Yes, the situation may seem a bit strange, but not if one explores a little deeper into his work: for reasons that have more to do with chance than with a deliberate thought, from the late '90s Neto builds giant sculptures made of fabric, foam, balls, crochet nets and other materials, that intend at the first place and ultimately to awaken the senses of the audience: they persuade people to observe colors and shapes, to touch, to walk on their particular surfaces, to hang. Or to sleep, like the woman that a few years ago stayed over in one of Netos installation in New York. They are also meant to be smelled, because many of the structures are filled with spices such as lavender or chamomile. Sometimes not often he generates sounds, but never canned music. He has never done a tasting, but more than anything, because of practical issues. All this is the result of an investigation whose constant is spontaneity. Moreover, in Netos work the legacy of Brazilian neoconcretism a movement from the '60s led by Amilcar de Castro, Ferreira Gullar and Lygia Clark, among others, which defended the artist's experimenta-

Vista de la instalacin Lviathan Thot, 35 Festival d automne Paris, Panthon, 2006, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables

Vista de la instalacin Dengo, Museu de Arte Moderna de So Paulo, 2009, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables

la experimentacin del artista y la incorporacin del espectador. Slo quiero hacer lo que venga a m reflexiona con el tpico ritmo relajado de los cariocas. Tocar es parte de la esencia de la escultura. La pintura es ilusin, la escultura es realidad. Entonces esto [apelar a los sentidos] ha sido parte de la escultura desde siempre. Por eso Ernesto resalta el rol de las manos en su quehacer. El arte viene de la cabeza y va a las manos. El mundo lo hemos con ellas, dice Neto. Las manos tambin son la fuente del sentido que ms experiencias vive con su trabajo: el tacto. El trabajo de Ernesto Neto est enraizado en la cultura y sus contrastes. Sus esculturas multisensoriales esconden reflexiones acerca de dos estilos de vida diferentes que l llama sexy o sensual. El modo sexy es de aqullos que estn al da, que ejecutan, son eficientes, producen, estn ocupados. Lo sensual, por su parte, tiene que ver con la flexibilidad, la soltura y el movimiento, con el perder el tiempo. Entonces, identificas tu trabajo con esta cosa ms sensual. Claro! Tambin es sexy, pero pienso que es ms sensual. Es ms sobre la relacin con la naturaleza y una relacin diferente con el tiempo: en mi trabajo, el tiempo no es dinero, es lo contrario, uno pierde el tiempo. Quiero que las personas duerman sobre mis piezas, que se olviden del mundo, y finalmente, que se den ms tiempo para disfrutar. Le una descripcin que asocia tu trabajo a un inters por la historia cultural, fsica y antropolgica. Me interesa esto ltimo, que tiene que ver con lo que hablbamos antes: Hay una especie de visin global sobre el hombre contemporneo? Cules son sus conclusiones sobre el hombre contemporneo? La cultura es lo que nos separa y la naturaleza lo que nos unifica. Hablamos de la naturaleza como si fuera una tercera persona y nosotros somos naturaleza, no es algo que est fuera. Es nuestro cuerpo el que hace que nuestras mentes reflexionen. Esto es algo comn para todos, y es mucho ms interesante para m que lo que es particular de cada individuo. Aunque mi trabajo es muy personal, hay algo muy colectivo de l. Sientes que nosotros, como humanos, actuamos separados de la naturaleza? Ese es el drama que tenemos! Hay esta conciencia que nos hace pensar que la naturaleza es algo ajeno a nosotros. Es tu trabajo una manera de regresar a esa naturaleza? Me gustara que pudiramos conectarnos ms con la naturaleza. Y, polticamente hablando, me gustara que pensramos en nosotros como naturaleza, porque entonces seremos capaces de comprender este planeta y comenzar a vivir mejor en l. Por ejemplo, ahora conversamos a travs de un computador, y este aparato es cultura. Nosotros controlamos la naturaleza e hicimos estos aparatos, y no por eso la naturaleza no existe en l. Est dentro de ese computador porque ste es matemticas, fsica, qumica. As que este objeto cultural es naturaleza. Hay tanto egocentrismo en hombre por la cultura Incluso Dios es culturaYo no estoy tan seguro de eso. Usas el trmino hiperculturalismo. Es esa una forma de unificar la separacin entre las culturas? S, y es una crtica al multiculturalismo. Existe esta cosa loca de que cuando te haces rico, quieres tenerlo todo, quieres una corona. Ya no quieres ser moderno sino postmoderno, el modernismo es aburrido para los ricos. Esta exacerbacin de la cultura me hizo pensar en el postmodernismo. Tcnicamente, ste se trata de la libertad individual; todo es posible para todos, mientras que el modernismo era universalista. Pero finalmente, el modernismo aunque tenga problemas contiene una utopa, un deseo de construir una sociedad; mientras que el postmodernismo es pura merda: has lo que quieras y a nadie le importan los otros.

tion and the incorporation of the spectator is quickly evident. "I just want to do whatever comes to me he says with the Brazilians characteristic relaxed rhythms. Touching is part of the essence of sculpture. Painting is illusion, sculpture is reality. So this [appealing to the senses] has been part of the sculpture for ages. That is why Ernesto highlights the role of hands in his work. Art comes from the head and goes to the hands. We made the world with them, he says. And hands are also the source of the sense that lives more experiences with his work: touch. Ernesto Neto's work is rooted in culture and its contrasts. His multisensory sculptures hide reflections on two different lifestyles he calls sexy and sensual. The sexy mode is of those who are updated, efficient, productive, and of those who are occupied. The sensual manner, on the other hand, has more to do with flexibility, ease and movement, with wasting time. So, you identify your work more with this sensual thing. Yeah! It is even sexy too, but I think it is more sensual. It is more about the relationship with nature, which has different relationship with time: in my work time is not money, it is the opposite, you loose time. I want people to sleep on it, to forget about the world, and in the end, to have more time to enjoy. I read a description that associates your work to cultural, physics and anthropology history. I am interested in the last one and this has to do with what you were talking before: Is there a global view about contemporary human being? What are your conclusions about contemporary man kind? Culture is what separates us and nature is what unifies us. We talk about nature as if it was a third person and we are nature, it is not something out of us. Our body is what makes our minds reflect. This is common to everybody, and it this is much more interesting for me than what is particular to each individual. Even though my work is very personal, there is something very collective about it. Do you feel that we, human beings, act a little bit separated to nature? Thats the drama that we have! There is this consciousness that makes us think that nature is weird to us. Is your work a way to go back to nature? I would like to be able to connect ourselves more to nature. And, politically speaking, I would like us to think of ourselves as nature, because then we will be able to understand this planet and begin to live in it better. For example, we are now talking through this computer and this device is culture. We control nature and we made these devices, but it doesnt mean that nature doesnt exist in it. Nature is inside of this computer because it is all mathematics, physics, chemistry. So this cultural object is nature. There is such an egocentrism in the human being about culture Now even God is culture I am not so sure. You use the term hiperculturalism. Is this a way to unify this separation between cultures? Yes, and this is a criticism to the multiculturalism. There is this crazy thing that when you get rich you want to have everything, you want a crown. One doesnt want modernism anymore; modernism is boring for the rich. This exacerbation of the culture made me think of postmodernism. Technically it is about individual freedom, for everybody everything is possible; while modernism was very universalistic. But at the end of the day modernism even if it has its problems has an utopia, a desire of build a society; whilst postmodernism is pure merda: do what ever you want and nobody cares about the others.

O Bicho SusPenso na PaisaGen. Vista de Hipercultura locura en el vrtigo del mundo, 2011, crochet con cuerdas de polipropileno, pelotas de polipropileno y piedras, 7.35 m x 44.65 m x 21.45 m

Vista de la instalacin Dengo, Museu de Arte Moderna de So Paulo, 2009, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables

Vista de la instalacin Dengo, Museu de Arte Moderna de So Paulo, 2009, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables

El postmodernismo se relaciona al multiculturalismo, que se asocia con la arrogancia en Europa, con el poder negro, el feminismo y todos los ismos que dividen la sociedade, especialmente la americana. Debemos aceptar a los otros porque son culturas diferentes: sta es una cultura gay, sta feminista, sta es una cultura africana, sta es brasilera. Por tanto, si hablamos por ejemplo de Brasil, es distinto de Chile. Ro de Janeiro es distinto a So Paulo. Pero las personas de Ipanema son diferentes a las del centro de la ciudad. Un grupo de Ipanema es distinto al otro, y dentro de ellos hay subgrupos. Y entre tres personas, tambin hay diferencias. Con el multiculturalismo hay una destilacin que termina con el individuo. Entonces, ya no hay cultura porque sta es lo que nos une y no lo que nos separa; estamos creando cosas que nos separan y no algo que nos una. Esa es mi crtica y por eso propongo la idea de hipercultura locura: la locura es algo que ya no tomamos en cuenta. Pero, cmo podemos pensar en el ser humano sin considerar la posibilidad de volverse loco? Somos inestables, eso es algo normal. Ser estable es raro, da miedo. El hiperculturalismo sera la cultura global real, porque el multiculturalismo habla de aceptar a otros, pero en verdad est dividiendo el mundo en muchas partes.

Postmodernism relates to multiculturalism, which is associated to the arrogance in Europe, the black power, feminism and all these isms that especially the Americans divide in. We have to accept the others because they are different cultures: this is a gay culture, this is a feminist this is a, this is African culture, this is Brazilian. So, if we talk about Brazil, it is different than Chile, for example. Rio de Janeiro is different than So Paulo. But people from Ipanema are different from people that live down town. This group from Ipanema is also different from this other one and inside them, there are subgroups. And then between three people there are also many differences. So, in multiculturalism you go into a distillation and in the end there is just the individual. Then you have no culture anymore, because culture is what puts us together and not what separates us; now we are create things that separate us and not something that unifies us. That is my criticism and that is why I propose this idea of hiperculture craziness: craziness is something that we do not contemplate now. But, how can we think about the human being without considering the possibility of becoming crazy? We are unstable, that is something normal. To be stable is weird, it is scary. Then, hiperculturalism would be a real global culture, because once again the multiculturalism tells us to accept the others, but inside of the world you are dividing it in many parts.

Vista de la instalacin The Edges of the World en Hawyard Gallery de Southbank Centre, Londres, 2010, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables

Hablaste de utopa. Jessica Morgan, curadora de tu muestra en Faena Art Center (Buenos Aires), describi tu trabajo como una mirada analtica con una propuesta casi utpica. Tiene el hiperculturalismo algo que ver con lo que ella propone? No s qu quiso decir ella con eso, tendrs que preguntrselo dice entre risas. Pero si lees sobre mi trabajo y sobre mi manera de pensar, podrs decir Oh, Ernesto tiene ideas utpicas. Cree en la congregacin humana. Y s, quiero juntar a todos en esta cultura. Si vas a la playa, es casi como esta utopa: todo el mundo est al lado del otro y no hay guerra, no hay problemas. Sin embargo, en el concepto de utopa, al mismo tiempo, es un poco molesto. No entiendo el concepto completamente. Se refiere a algo ideal pero que no puede existir Exacto, por supuesto que el universalismo es algo utpico, pero finalmente lo prefiero. Pienso que no es exactamente eso sino algo que parece utopa, porque la palabra misma destruye la utopa. Trata de simplificar las cosas o de mantenerlas entre la historia del trmino. Soy una persona que hace trabajos pblicos. El pblico me interesa. No pienso que son idiotas a los que hay que tomarles el pelo y hacerlos sentir como idiotas. Pienso que la vida es muy difcil para los seres humanos

You talked about utopia. Jessica Morgan, curator of your show at Faena Art Center in Buenos Aires, described your work as "an analytical look with an almost utopian proposal." Does hyperculturalism have anything to do with that? I dont know what she wants to say with that, youll have to ask her he laughs. But, if you read my work and my way of thinking, you can say Oh, Ernesto has some utopist ideas. He believes in human congregation. And yes, I want to put everybody together in this culture. If you go to the beach, it is almost this utopia: everybody is next to each other and there is no war, no problems. But in the concept of utopia, at the same time, it is a little bit annoying. I dont understand the concept completely. It refers to something ideal but that could not exist Exactly! Of course universalism is something utopist and at the end of the day I prefer that. I think that it is not exactly that but something that looks like utopia, because the word itself destroys the utopia. It tries to simplify things or to hold them between its histories. I am someone that does public works. I care about the public. I dont think they are idiots that you have to tease them and make them feel like idiots. I think human beings have a very difficult time in life, so we

Vista de la instalacin Anthropodino, comisionada por Park Avenue Armory (NY) para Wade Thompson Drill Hall, 2009, instalacin de medios mixtos, dimensiones variables. Foto: Jean Vong

y que debemos apoyarnos mutuamente, y eso es lo que quiero. Podra pasar mi tiempo haciendo esculturas para coleccionistas, pero eso sera una idea postmodernista. O podra hacer lo contrario, porque no me interesa hacer algo inteligente, no quiero probar que soy inteligente, quiero que las personas digan disfrut, me encantaron estas esculturas. Es por eso que hago estos trabajos gigantes y totalmente pblicos. Quiero que la gente est ah, que se renan unos con otros. De eso trata mi trabajo, de comprometer a la gente, apunta Neto. As, este hombre, que aprendi a coser con su abuela y que ha hecho de su obra un trabajo en equipo que se urde da a da en su estudio de Ro de Janeiro, est lleno de proyectos. Hipercultura Locura en el Vrtigo del Mundo, estar hasta mediados de enero en Faena Art Center de Buenos Aires, tiene una retrospectiva La lengua de Ernesto instalada en Monterrey, Mxico, y durante 2012 tiene planeadas exposiciones en dos galeras y un museo. Adems pretende hacer ms piezas relacionadas con Bicho suspendido en el paisaje, la obra protagonista de su exhibicin en Faena. Pero antes de todo eso, quiere tomarse unas vacaciones porque, como l dijo, este ltimo proyecto tom seis meses de mi alma.

need to hold each other sometimes, and that is what I want. I could spend my time doing sculptures for collectors, but this would be a postmodernist idea. Or I could do the opposite, because I am not interested in doing something intelligent, I dont want to prove that I am intelligent, I want people to say, I enjoyed, I love these sculptures. That is why I do this gigantic and totally public work. I really want people to be there, to meet each other. That is what my work is about: to engage with other people, says Neto. Thereby, this man, who learned to sew thanks to his grandmother and who has made his art a team work that is woven everyday in his studio in Rio de Janeiro, is full of projects. Hyperculture Crazyness in the Worlds Vertigo will be until mid-January at Faena Art Center in Buenos Aires, he has a retrospective Ernestos language installed in Monterrey, Mexico, and during 2012 he has planned exhibitions in two galleries and a museum. He also aims to make more pieces related to Bug Suspended in the Landscape, the protagonist piece of his show at Faena. But before all that, he wants to take a vacation because, as he said, this latest project took six months of my soul.

The Armory Show

Piers 92 & 94
Theaster Gates is the 2012 Artist Commission

March 811, 2012 New York City www.thearmoryshow.com

Theaster Gates, Memento 1, 2011, 48 diameter, decommissioned fire hoses and wood. Courtesy of Kavi Gupta CHICAGO I BERLIN

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Espaa | Spain Artista multi-media | Multi-media artist

Bernard Roig
Un (auto) retrato de la sociedad | A (self) portrait of society

L'Uomo della Luce, 2007, resina de polister y polvo de mrmol, luces fluorescentes, figura a tamao real.

Black hole, 2009, Tcnica mixta sobre panel de aluminio lacado, 47.5 x 77 x 1.5 cm.

Esculturas e imgenes en movimiento, inmersas en un espacio que atrae por su luminosidad, conforman la puesta en escena con la que Bernard Roig retrata la incomunicacin del hombre contemporneo y con la que, a la vez, nos invita a emprender un viaje interior.
Por Yuriko Takahashi, periodista Fotografas cortesa de Bernard Roig y de Galerie Bernd Klser, Munich.

Sculpture and moving images, immersed in a space that is attractive for its luminosity, make up the staging that Bernard Roig uses to portray the non-communication of the contemporary man and that, at the same time, invites us to take an interior journey.

as imgenes aparecen por todas partes. Estamos en una era en que tenemos acceso a mucha informacin de manera instantnea y la tecnologa parece haber logrado mantenernos ms conectados. En este contexto, y con una mirada ms crtica que condescendiente respecto del aporte de la conectividad, se sita el mallorqun Bernard Roig (1965), con una reflexin acerca de la sociedad desde lo que mejor saber hacer: arte. Hombres robustos de pie, sentados, de espalda, de frente; mirando imgenes de ellos mismos o simplemente con la mirada perdida. Ver estas esculturas blancas, cerrar los ojos, debido al exceso de luz que hay en el espacio, y embarcarse en un viaje interior, es la intencin detrs de la obra de Bernard. Frente a esculturas que no tienen un rostro reconocible, tal vez cada espectador podra reflexionar acerca de temas de la persona humana, identificndose con esos rostros incgnitos o cuestionndose cul es el suyo. Son estas esculturas un retrato del hombre contemporneo? Cmo es ese hombre contemporneo? Hay algo de Bernard Roig en eso retratos? Sabemos desde Plinio El Viejo y su Historia Natural que el origen de una imagen es la proyeccin de una sombra en la pared. Por ello la pintura nace bajo el signo de una ausencia. Una imagen es la presencia de una ausencia. Es la hija del alfarero Butades, en Corinto, la que cerca con un trazo la sombra de su amado antes de la partida y crea la figura que lo sustituye; hace presente lo ausente y desafa la muerte porque la imagen la conjura. Por eso, hoy, estar delante de una imagen es, tambin, estar delante de un espejo que nos devuelve nuestro propio rostro, que no es ms que un semblante perforado y sin garantas. Todas mis esculturas son alguien. Estn sacadas de moldes de personas de mi entorno ms ntimo, pero que una vez positivadas y dispuestas en el espacio para ser mostradas se convierten en espejos para construir soledad, para construir la soledad del que las mira. El llamado hombre contemporneo no tiene rostro o, en cualquier caso, si lo tiene lo lleva cubierto por mil mscaras. Nos relacionamos si es que nos relacionamos slo con mscaras. Nos ponemos una diferente en cada momento del da en funcin de lo que estemos representando ya que el mundo entero es un escenario y slo veremos nuestro verdadero rostro en el ltimo acto. Entonces comprenderemos, de una vez por todas, que cuando hemos respirado slo la muerte ha entrado por nuestros pulmones. Puedo confirmar que todos mis trabajos son, como no podra ser de otra manera, lo que se llama autorretratos.

mages appear everywhere. We live in a time where we have access to a lot of information instantaneously and where technology seems to have kept us more connected. In this context, and with a view that is more critical than patronizing regarding the contribution of connectivity, is where we find the Mallorcan Bernard Roig (1965), with a reflection on society from what he does the best: art. Sturdy men standing, sitting, facing away, facing forward: looking at images of them or simply with a lost look. Seeing these white sculptures, closing ones eyes, due to the excess of light shinning in the space, and take an interior journey, is the intention behind Bernards work. In front of sculptures without a recognizable face, maybe each spectator could reflect about issues of the human person, identifying themselves with these unknown faces or questioning themselves about which one is theirs. Are these sculptures a portrait of the contemporary man? How is that contemporary man? Is there a little of Bernard Roig in those portraits? We know that since Pliny the Elder and his Natural History that the origin of an image is the projection of a shadow on a wall. That is why painting is born under the sign of an absence. An image is the presence of absence. The daughter of the potter Butades, in Corinth, who traces the shadow of her beloved before his departure and creates a figure that replaces him; makes the absent be present and defies death because the image averts it. This is why, today, being in front of an image is, also, being in front of a mirror that throws us back our own face, that is nothing more than a perforated face with nothing guaranteed. All my sculptures are someone. They have been made from moulds of the people from my closest circle, but once they have been converted to positive and distributed into the space where they will be shown they become mirrors to build solitude, to construct the solitude of the person observing it. The so called contemporary man does not have a face or, in any case, if he does have one, it is covered by thousands of masks. We relate if we relate at all only with the masks on. We use a different one at each moment of the day according to what we are representing since the whole world is a stage and we will only see our real faces during the final act. So we will understand, once and for all, that when we would have breathed, only death will enter our lungs. I can confirm that all my works are and they couldnt be any different what is called self portraits.

Practice to suck the light, 2011, resina de polister y polvo de mrmol, bombilla, figura a tamao real

Esperma Infinito, 2010, resina de polister y polvo de mrmol, luces fluorescentes, 120 cm. x 90 cm. x 45 cm.

A qu se debe que sus esculturas sean blancas? Son blancas por dos razones: una, para que ganen ligereza visual y abandonen su carcter afirmativo y estatuario y sean simplemente imgenes; y otra, para que me ayuden a detener el instante. Todo el Fausto de Goethe se reduce a una sola frase: Detente instante! Eres tan hermoso Entonces uno comprende que el instante es blanco. No hay ninguna duda. Y con toda seguridad es blanco porque la luz detenida se ha coagulado. Entonces podemos afirmar que el ojo se ha sumergido en un vaso de leche y en ese vaso de leche reconocemos la anunciacin de una forma de conocimiento donde los significados todava no han copulado. De qu forma las esculturas dialogan con los otros medios de expresin que utiliza en su trabajo? Fundamentalmente, y en primer trmino, dialogan con el espacio que ocupan, ya que con su presencia activan el lugar. Se disponen en funcin de la arquitectura y sus elementos; los suelos, las esquinas, las columnas y la luz. La idea es que esa presencia en el espacio sea capaz de crear el vaco para que as los lmites de la obra sean los del espacio que la contiene. Entonces en esa rea se dan las connotaciones de un vaco que se amplifica y que, saturndose de tensiones, encarna un lugar reconocible slo en la nebulosa del sueo. Puedo decir que una vez situada la figura en el espacio aparecen otros elementos que ayudan a sostener la narracin, que bien pueden ser dibujos, sonidos o proyecciones de imgenes en movimiento. Por ltimo, aparece el espectador que con su mirada fertilizar el sentido de todo lo que est ocurriendo. Es l quien activa el relato porque no hay mirada que no modifique con su presencia aquello que mira. Se podra decir que la luz que hay en sus obras intensifica la soledad de las esculturas que ilumina? El exceso de luz de algunos de mis trabajos te obligan a cerrar los ojos, con lo cual, presumo, te conduce a ver con ms claridad, como Tiresias. Evita que el ojo se acomode a la imagen. Pero volviendo a tu pregunta, a m lo que me interesa es la soledad del espectador, no la de las esculturas. Hablo de esa soledad porque puedo obligarle a cerrar los ojos, lo que implica una amputacin momentnea de su presencia para desviarle a otro lugar. Normalmente hacemos de la mirada un ejercicio de creencia, ya que nos da datos objetivos del mundo. Pero un exceso

What is the reason for your sculptures being white? They are white for two reasons: one, so that they become visually light and abandon their positive statuary character in order to be simply images; the other, to help me stop the moment. All of Goethes Faust is resumed in one single sentence: Stop, moment! You are so beautiful Right then one can understand that the moment is white. There is no doubt about it. And with all certainty it is white because the light that was stopped has coagulated. Then we can confirm that the eye has submerged in a glass of milk and in that glass of milk we recognize the annunciation of a way of knowledge where the meanings have not yet copulated. In which way do the sculptures dialogue with the other ways of expression that you use in your work? Basically, and in first place, they dialogue with the space that they use, because they activate the place with their presence. They are at the disposal of the architecture and its elements: the floors, the corners, the columns and light. The idea is that that presence in the space can be capable of creating the void so that in that way the limits of the work are the ones of the space containing them. Thus, in that area the connotations are given of a void that grows, and that saturated by tension, it incarnates a place recognizable only in the clouds of dreams. I can say that once the figure has been situated in the space, other elements appear that help sustain the narration, and which could very well be drawings, sounds or projections of moving images. Finally, the spectator appears, who with his look, will fertilize the sense of everything that is going on. It is him who activates the tale, because there is no look that would not modify with his presence, whatever he looks at. Could we say that the light in your works intensifies the loneliness of the sculptures it illuminates? The excess of light in some of my works forces you to close your eyes, something which I presume, leads you to see with more clarity, like Tiresias. It does not allow the eye to adjust to the image. But going back to your question, what I am interested in is the solitude of the spectator, not of the sculptures. I talk about that solitude because I can make them close their eyes, which implies a momentary cutting off of his presence to detour him to another place. Normally, looking is an exercise of belief, because it gives us objective facts of the world.

Blow Up (second illusion), 2011, resina de polister, acero, serigrafa digital, luces fluorescentes, 105 cm. x 72 cm. x 25 cm (edicin de 5).

de luz que cancele esa mirada nos tambalea y nos dirige a un territorio donde podremos fecundar una experiencia imprevista. No olvido que Edipo se arranca los ojos para escapar a la turbulencia del deseo. Quizs, hoy ms que nunca, en un mundo saturado de imgenes y aprisionados por una iconsfera asfixiante debemos reflexionar acerca del estatuto de la imagen con los ojos cerrados. Como sabes, el ritmo cardaco garantiza que nuestra presencia en el mundo an se cumpla. La regulacin del ritmo cardaco est dirigida por el estmulo de luz que recibe la retina, que es el lugar donde se forman las imgenes. Eso confirma que las imgenes nacen penetradas de luz y al ritmo de la soledad de nuestro corazn Mientras palpite. A pesar de cuestionar ese bombardeo de informacin e imgenes, estas ltimas igualmente han servido como influencia para su trabajo. De hecho, en el ltimo tiempo, el cine ha jugado un papel protagnico en la elaboracin de sus obras. Tengo entendido que una de sus influencias ha sido Blowup del cineasta Michelangelo Antonioni, la cual se refiere precisamente a la soledad del hombre e incluso a la incomunicacin del mismo. Qu importancia ha tenido el cine en su formacin como artista? El cine ha tenido para m una influencia crucial en los diez ltimos aos, ms que el arte o la literatura. De hecho, muchos de los ltimos trabajos nacen de pelculas como Nostalghia de Tarkowski, Pierrot le fou de Godard o Blow-up de Antonioni, que ha dado para una exposicin y un ciclo entero de imgenes. En Blow-up se propone una reflexin, inicialmente muy bsica: Qu vemos, exactamente, cuando vemos algo? Lo que nos lleva a confirmar el carcter ilusorio de nuestra experiencia. Est claro que lo que vemos no es lo que hay, debido a que nuestra mirada est preada de nuestra memoria. El ojo nunca es inocente; vemos porque hemos visto, dependemos de ese inconsciente ptico que a la vez depende de nuestra memoria ocular, y ese inconsciente es, precisamente, lo que el ojo recuerda de lo que la memoria olvida. En su obra es posible apreciar el trabajo directo con cortometrajes e imgenes. De qu manera usted cree que ellos aportan a aquello que quiere transmitir? No aportan, son aquello que quiero mostrar. No son complementos, sino que precipitan lo que quiero contar, precipitan la narracin. Como hablbamos antes, no hay separacin entre los medios; las esculturas, los videos, los sonidos, las esquinas, todo apunta a la misma unidad de experiencia. Este es un momento muy frtil porque todo est disponible para todos durante todo el tiempo. Slo se trata de escoger lo que uno puede necesitar y, bajo ese rumor, tratar de desarrollar un trabajo. No se trata de dar respuestas ni de plantear interrogantes con el trabajo, porque sabemos de la imposibilidad del decir, de la bancarrota de la palabra. Slo podemos hablar desde la imposibilidad del habla. Como dice Guido, el director de cine interpretado por Marcello Mastroianni que se ha quedado sin ideas en 8 de Fellini: No tengo nada que decir, pero os aseguro que os lo dir.

But an excess of light that could cancel that look shakes us and directs us to a territory where we could experience something unexpected. I cannot forget that Oedipus ripped his eyes out in order to escape the turbulence of desire. Maybe, today more than ever, in a world saturated by images and imprisoned by an asphyxiating iconosphere we must reflect about the statute of the image with our eyes shut. As you know, the cardiac rhythm guarantees that our presence in this world still continues. The regulation of the cardiac rhythm is ruled by a light stimulus that the retina receives, which is the place where images are formed. That confirms that images are born penetrated by light and to the rhythm of the solitude in our heartAs long as it beats. Although questioning that bombardment of information and images, the latter have still been influences for his works. In fact, in most recent times, cinema has played a protagonist role in the elaboration of his creations. I understand that one of your influences has been Blowup of the filmmaker Michelangelo Antonioni, which is precisely about mans solitude and even about his non communication. How important has cinema been in your formation as an artist? Cinema has been a crucial influence for me over the last ten years, more than art or literature. In fact, many of the most recent works are born of the influence of movies like Nostalghia of Tarkowski, Pierrot le fou of Godard or Blow-up of Antonioni, that have resulted in an exhibition and a whole cycle of images. In Blow-up he proposes a reflection, initially very basic: What do we see, exactly, when we see something? Something which confirms the illusory character of our experience. It is clear that what we see is not what it is, due to the fact that our look is influenced by our memory. The eye is never innocent; we see because we have seen, we depend on the optical subconscious that at the same time depends on our ocular memory, and that subconscious is, precisely, what the eye remembers of what memory forgets. In his work it is possible to appreciate the direct work with short movies and images. In which way do you think they contribute to what you want to convey? They do not contribute; they are what I want to show. They are not complements, but rather, they filter what I want to tell, they filter the narration. As we mentioned earlier, there is no separation of the medias; sculptures, videos, sounds, corners, everything points to the same unity of experience. This is a very fertile moment because everything is available for everybody all the time. It is just a matter of picking what one might need, and under that rumour, trying to develop a work. It is not about giving answers or about proposing questionings with the work, because we know about the impossibility of speech. As said by Guido, the film director interpreted by Marcello Mastroianni- who has run out of ideas in Fellinis 8 : I have nothing to say, but I can assure you that I will tell you it.

Blow Up (study for the first illusion), 2011, resina de polister, acero, serigrafa digital, luces fluorescentes, 105 cm. x 172 cm. x 25 cm (edicin de 5).

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China | China Pintura | Painting

Xie Dongming
El trazo libre y expresivo de China | The free and expressive brushstroke of China
Busca la pureza de la naturaleza y de quienes viven rodeados de ella, y la plasma con una expresin cromtica intensa. Con ello, Xie Dongming transciende la realidad y deja sus inquietudes espirituales en sus brillantes colores. He looks for the purity of nature and of those who live surrounded by it, and he captures it through an intense chromatic expression. Doing so, Xie Dongming transcends reality and leaves his spiritual concerns in his brilliant colors.

Por Paola Mosso . periodista Fotografas cortesa del artista y Fang Gallery (www.fanggallery.com)

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Las personas que viven en la naturaleza han mantenido una forma de vida ms pura y armnica con lo que los rodea. Mantienen una actitud tranquila y abierta hacia la vida, sus corazones son simples, generosos, piensa Xie Dongming sobre los paisajes y personajes que inspiran su trazo al leo. Naci en Beijing, se gradu de Pintura al leo del Department of Central Academy of Fine Arts de esa ciudad, y hoy es uno de los artistas chinos ms cotizados. Disfruto retratando esas escenas y a esas personas porque la brocha rescata la forma en que yo entiendo la vida, dice el pintor. Con esa inspiracin, Xie habla de la libertad y la existencia en una humanidad en constante progreso. Qu situaciones te interesa retratar? Cules llaman ms tu atencin? Una obra de arte debera ser la expresin visual del cultivo propio de un artista. Adems de transmitir las impresiones visuales directas de las personas y las escenas alrededor de l, el arte tambin expresa las aspiraciones humansticas y espirituales del artista, elevando una obra de arte realista a un nivel que trasciende el nivel puramente concreto de la autoexpresin. Yo disfruto representando a la gente normal en su cotidianeidad. Estas personas existen en el nivel fundamental de

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People who live surrounded by nature have maintained a purer and more harmonic way of life with everything that surrounds them. They keep an open and peaceful attitude towards life, their hearts are simple, generous, thinks Xie Dongming about the landscapes and characters that inspire his oil painting strokes. Born in Beijing, he graduated in Oil Painting at the Department of Central Academy of Fine Arts of that city; nowadays he is one of the most sought after artists in China. I enjoy portraying those scenes and those people because the brush rescues the form in which I understand life, says the painter. With such inspiration, Xie talks about liberty and the existence in humanity, which is in constant progress. What situations are you interested in portraying? Which ones catch your attention the most? A work of art should be the visual expression of an artists selfcultivation. Art transmits the direct visual impressions of people and of the scenes around them; it also expresses the humanistic and spiritual aspirations of the artist, elevating a realistic work of art to a level, which transcends the pure concrete level of self-expression. I enjoy representing normal people and their everydayness. These people exist in the fundamental level of the structure of society. Their lives are more

A girl in the mountain, 2011, leo sobre tela, 80 x 100 cm. "A Famer in the Mountain", 2011, leo sobre tela, 112x146 cm.

la estructura de la sociedad. Sus vidas son ms esenciales y puras. Me gusta representarlos ms en un estado de calma que de trabajo. Eso permite que mi pintura trascienda lo concreto y real y se torne elevada a un nivel de expresin espiritual. Lo que ms atrae mi atencin son sus rostros y sus tranquilas expresiones mientras lidian con la vida. Has manifestado tu decepcin hacia el progreso. Esto tiene que ver con tu partida de la metrpolis manteniendo tu hogar all y el haber enfocado tu trabajo en paisajes de la naturaleza? Qu trajo el progreso a China y qu se llev? Qu debera significar el progreso de la sociedad china? Primero, debemos ser claros acerca de qu se entiende por progreso. Lo que me deja insatisfecho es que en estos das, las personas destruyen el medio ambiente para saciar deseos materiales o para ganar en una competencia de intereses, llevndonos a una desaparicin extendida y a la puesta en peligro de otras formas de vida. La sociedad china est pasando por cambios sin precedente, especialmente en las ltimas dcadas. La profundidad del impacto ha ido ms all de mi imaginacin, y yo no s adnde nos llevarn en ltima instancia. Y ya ha habido muchos: cambios al entendimiento de la vida espiritual de las personas, cambios a sus aspiraciones, a su conocimiento de la tradicin y a su pasin por la creacin artstica. Lo que han ganado en este progreso incesante es la satisfaccin de las necesidades materiales, y lo que han perdido son las aspiraciones espirituales tradicionales y la salud del medio ambiente. Usualmente los personajes de tu trabajo sonren o parecen calmados. Representan ellos un manifiesto sobre la forma de vida en lugares an rodeados de naturaleza, como el Tbet, an fuera de la sociedad moderna? Me gusta ver y retratar los rostros sonrientes de las personas que viven lejos, ajenas a la civilizacin moderna. Esto es porque la gente en las ciudades est perdiendo la habilidad de sonrer desde el fondo de sus corazones. Tambin pinto sonrisas para mostrarle mi visin alegre de la existencia humana. Cul es el significado verdadero de la existencia? Qu necesitamos? Qu tenemos? stas son preguntas que todos tenemos, y cada persona encuentra una respuesta diferente. Yo uso mis obras de arte para revelar esas preguntas y responderlas. En la civilizacin moderna, las personas ya no se dan cuenta de la importancia de las antiguas formas de vida, de las artes y la cultura. stas son formas de vida definidas que se han desarrollados por miles de aos. Por qu querramos cambiarlas? De qu manera podemos encontrar las influencias locales y occidentales en tu pintura? El uso del leo tiene que ver con esta mixtura esttica? Yo pinto con leo, estudio sus mtodos formativos y su variadas tcnicas expresivas, as como su historia en desarrollo, para que mis obras puedan convertirse en pinturas al leo. sa ha sido la influencia de la pintura occidental. Por otra parte, las artes tradicionales de los pueblos de China, especialmente las folclricas, tambin han tenido una fuerte influencia en mis trabajos, especialmente en trminos de color. No quiero que esta influencia estilstica sea demasiado superficial o formal: quiero que tenga ms contenido, para que las personas puedan sentir el espritu de China en su interior. La bsqueda de distintos conceptos y estndares estticos ha permitido que mi estilo transmita mis emociones.

essential and pure. I like to depict them more in a state of calm rather than of work. That allows my painting to transcend what is concrete and real and become elevated to a spiritual level of expression. What catches my attention the most, are the faces and calm expression they have whilst dealing with life. You have expressed your disappointment towards progress. Does this have anything to do with your departure from the big city keeping your home there and having focused your work on natural landscapes? What did progress bring to China and what did it take away? What should progress mean for Chinese society? First, we must be clear on what we understand by progress. What leaves me unhappy is that today people destroy the environment in order to satisfy material needs or to win in a competition of interests, leading us to a widespread extinction or endangerment of other forms of life. Chinese society is currently undergoing unprecedented changes, especially during the last decades. The impact has been so profound that it has gone beyond my imagination, and I do not know where it will ultimately take us. And there have already been many changes: changes to peoples understanding of spiritual life, changes to their aspirations, to their knowledge of tradition and to their passion for artistic creation. What they have won with this endless progress is satisfying their material needs, and what they have lost are the traditional spiritual aspirations and the environments health. Usually the characters in your works are smiling or seem peaceful. Do they represent a manifest on the way of life in places that are still surrounded by nature, like Tibet, still far from modern society? I like to see and portray the smiling faces of people who live far, alienated from modern civilization. This is because people from the city are loosing the ability to smile from the bottom of their hearts. I also paint smiles to show my joyful outlook on human existence. What is the true meaning of existence? What do we need? What do we have? These are questions that we all have, and each person finds a different answer. I use my works of art to reveal these questions and answer them. In modern civilization people do not realize the importance of ancient forms of life, of arts and culture. These are defined forms of life that have developed throughout thousands of years. Why would we want to change them? How do we encounter the local and western influences in your painting? Does the use of oils have anything to do with this aesthetic mixture? I paint with oils, I study their formative methods and its varied expressive techniques, just as their developmental history, so that my works can become oil paintings. That has been the influence of western painting. On the other hand, traditional arts of Chinese people, especially the folklore, have also had a strong influence in my works, especially in terms of color. I do not wish for this stylistic influence to be too superficial or formal, I want it to have more content, so that people can feel the spirit of China in their interior. The quest of different concepts and aesthetic standards has allowed my artistic style to transmit my emotions.

"Sunshine", 2011, leo sobre tela, 112x146 cm

"Boys by the DuLong riverside", 2011, leo sobre tela, 112 x 146 cm.

Boys by the DuLong riverside, 2011, leo sobre tela, 112 x 146 cm.

"A Girl in the Mountain", 2011, leo sobre tela, 80x100 cm.

De qu manera la identidad china puede ser reconocida en tu trabajo? Lo que ms importa no es que sea un artista chino. Yo quiero que mis obras de arte expresen con verdad y perfeccin mis genuinas percepciones y mis emociones nicas. Podras explicarnos tu concepto de belleza? Creo que la belleza es el uso perfecto y exquisito de tcnicas artsticas para expresar sincera y precisamente la percepcin esencial de la vida. En esa alta tierra en la Tierra, me siento verdaderamente libre, has dicho. Uno de los fines comunes que ms persiguen los artistas chinos contemporneos es la libertad para crear. Buscas t tambin libertad artstica? Sientes que, por la situacin poltica china, es necesario escapar a las montaas para encontrar esta belleza? La libertad es relativa. No hay libertad artstica absoluta, sea que ests en occidente u oriente, en China o en otros pases. La cantidad de libertad que se puede disfrutar en diferentes sistemas polticos y sociales es relativa. Estas diferentes circunstancias pondrn los lmites de distintas maneras. Desde tiempos remotos, la creacin de los artistas se ha realizado dentro de rangos limitados. La pintura se ha convertido en un pilar de mi existencia, has expresado. Tambin: Esta era es tan progresista, tan clamorosa y energizada, pero muchas veces me siento tan solo por dentro. Tu pintura te aleja de este sentimiento? Sientes que te acerca a las races de tu cultura? Cuando estoy creando en mi estudio estudiando la naturaleza en vivo, el arte realmente me ayuda a escapar del entorno real de mi existencia, permitindome olvidar todas las formas de irritacin y las preocupaciones en mi vida. La soledad es, de hecho, algo bueno para mi trabajo, permite que me concentre en la profundidad de ste. Slo cuando el arte trasciende la realidad social puede expresar las aspiraciones espirituales del arista. Los ideales y la poesa pueden sobrevivir slo en una obra de arte. En la vida real, seran magullados y ensangrentados. Qu ideales has pensado plasmar en tu trabajo artstico y cmo ellos pueden trascender a la realidad? Finalmente, cul sera el rol del artista hoy en da? Mis ideales son la verdad, la bondad y la belleza. Por supuesto, s que esto slo puede ser descrito a travs del arte: en realidad, es un ideal. Por esto los artistas, a travs del tiempo, usan sus obras de arte para comprometerse en esa bsqueda. El arte y la realidad no pueden ser lo mismo, no pueden ser iguales. Quiz esa es la razn por la cual la humanidad necesita arte. El arte es una carrera para las aspiraciones espirituales y el deseo de belleza que el hombre no puede conseguir en su vida real. Este es el encantamiento del arte, y el conductor detrs de mi momento creativo. Qu tipo de rol debera jugar el artista? El artista debera jugar el rol del artista. Ellos usan la sinceridad para crear trabajos conmovedores y bellos de arte que proveen de regocijo visual y espiritual y de inspiracin a la gente.

How can the Chinese identity be recognized in your work? What matters most is not that I am a Chinese artist. I want my artworks to truly and perfectly express my true perceptions and unique emotions.

Could you explain your concept of beauty? I believe that beauty is the perfect and exquisite use of artistic techniques to express in a sincere and accurate way the essential perception of life. You once said, In this high earth on Earth, I feel truly free. One of the common, most sought after aims by Chinese contemporary artists is the freedom for creating. Do you also search artistic freedom? Do you feel, that because of the Chinese political situation, it is necessary to escape to mountains in order to find that beauty? Freedom is relative. There is no absolute artistic freedom, whether you are in the east or west, in China or other countries. The amount of freedom that one can enjoy in different political and social systems is relative. These different circumstances will mark the limits in different ways. From times long past, the creation of artists has been created within limits. Painting has become a pillar of my existence, you have said. Also: This era is so progressive, so clamorous and energized, but very often I feel alone inside. Does your painting take you away from that feeling? Do you feel that it brings you close to the roots of your culture? When I am creating in my studio doing life studies in nature, art really helps me to escape from the real environment of my existence, allowing me to forget the forms of vexations and worries in my own life. Loneliness is, in fact, something positive in my work; it allows me to focus in the deepness of it. When art transcends social reality it can express the spiritual aspirations of the artist. Ideals and poetry can only survive in a work of art. In real life, they would be hurt and stained with blood Which ideals have you thought of representing in your artistic work and how do they transcend reality? Finally, what would be the role of the artist today? My ideals are truth, kindness and beauty. I know, of course, that this can only be described through art: in reality, they are just ideals. This is why artists, through time, have used their works of art to commit to that search. Art and reality cannot be the same thing, they cannot be equal. Maybe this is the reason why humankind needs art. Art is the race towards spiritual aspirations and the desire of beauty that mankind cannot attain in real life. That is the charm of art, and the motivation behind my creative momentum. What kind of role should the artist play? The artist should play the role of an artist. They use sincerity to create moving and beautiful works of art that provide visual and spiritual enjoyment and inspiration to people.

Sunshine, 2011, leo sobre tela, 112 x 146 cm.

"Joy", 2011, leo sobre tela, 80x100 cm.

46 . 47
Estados Unidos | United States Artista multidisciplinario | Multidisciplinary artist

Davis Birks
El deber ser y la ineludible realidad | The ought to be and the unavoidable reality
Por su temtica y por los materiales que utiliza, enriquecido con un cautivador sentido de la esttica, este artista se cuestiona y nos cuestiona aquellas realidades que muchas veces buscamos ignorar.
Por Ma. Fernanda Reyes Retana Z. . escritora (Mxico) Fotografas cortesa de Davis Birks

Through his subjects and the materials he uses, enriched by a captivating sense of aesthetics, this artist questions himself and us about those realities which many times we try to ignore.

s comn que la manera en que un artista descubre su vocacin creadora, as como el momento en que decide dedicarse a ella, determinan la temtica de sus piezas y la forma de abordar sus cuestionamientos. Para Davis Birks (Estados Unidos, 1957) todo empez en la secundaria, mientras finga poner atencin a la clase y dibujaba al maestro. Sus trazos, producto de un don natural para la pintura, seguramente fueron precisos y contundentes, reflejando en el papel lo que la realidad mostraba. Poco a poco las figuras comenzaron a ir ms all de lo que observaba a simple vista y aparecieron los cuerpos desnudos de aqullos que quizs, en plena leccin de lgebra o remembrando un episodio de la historia nacional, no se percataban de que su alumno ms atento imaginaba sus carnes, calculaba sus miembros y los plasmaba en papeles que, despus, tuvieron mucho xito entre los compaeros. No es de extraarse que esa tambin fuera la primera ocasin en la que Davis vendi su trabajo. Los bocetos llegaron a manos del director de la escuela y despus de una severa reprimenda, en la que Birks prometi sabiendo que no lo cumplira no volverlo a hacer, y el mismo director le ofreci una montar una exposicin, eso s, sin presentar cuerpos desnudos. Davis hizo lo que se esperaba, pero, a escondidas, no dej de plasmar esas figuras ocultas y ahora prohibidas que estimulaban su imaginacin. Es en la distancia entre el deber ser y el ser inevitable, entre lo que se ve y lo que se esconde, donde parece moverse el trabajo de Davis Birks. Despus de ms de treinta aos de carrera, experiencia y exposicin mundial, no lo hace como un adolescente sino como un hombre que habita su tiempo y su cuerpo, como un individuo dentro de una sociedad y una familia. Aprovechando el enorme abanico que los artistas se han forjado para crear, Birks expande su trabajo creativo valindose de diversas formas de expresin. Nunca ha dejado la pintura, que fue la madre de su trabajo creativo. Sus lienzos, con un impresionante manejo de la profundidad y la luz, fueron su primera aproximacin a los temas que a l apasionan, por ejemplo,

t is quite common to find that the way an artist discovers his or her creative vocation as well as the moment he or she decides to follow that vocation, determine the thematic of their works and the way of approaching those questionings. For Davis Birks (USA, 1957) it all started in high school, whilst pretending to pay attention in class and making drawings of the teacher. His strokes, result of his natural gift for painting, where surely precise and emphatic, reflecting on the paper what reality showed him. Little by little the figures started to go beyond what he observed and nude bodies appeared from those that maybe, in the middle of algebra class or whilst remembering an episode of national history, never noticed that the most attentive student was imagining their flesh, calculating their limbs and capturing them on paper; works that later became very popular amongst his classmates. It is not a surprise that this was also the first time he sold his works. The sketches got to the hands of the school principal. After a severe punishment, where Birks promised knowing that he wouldnt keep it not to do it again, the principal himself offered him the chance to hold an exhibition, but without showing any naked bodies. Davis did what was expected, but, in secret, he still captured those hidden and now forbidden figures, which stimulated his imagination. It is in the space between the ought to be and the inevitable being, between what can be seen and what is hidden, where the work of Davis Birks seems to move. After a career, experience and worldwide exposure for over thirty years, he does not do this as a teenager, but as a man who inhabits his time and his body, as an individual inside a society and a family. Taking advantage of the enormous range that artists have themselves forged for creating, Birks expands his creative work by using different forms of expression. He has never abandoned painting, which was the mother of his creative work. His canvases, which contain an impressive handling of depth and light, were his first approach to subjects of which he is passionate about,

"174 Balazos", 2011, puerta de camin, 129 x 110 x 20 cm..

el poder, el tiempo o la conciencia. En ellos, continuamente se muestran personajes difusos, que se yuxtaponen en planos distintos al tema principal de la composicin. Son seres casi efmeros, como de otra dimensin, conciencias que miran y se entrometen juzgan?; son realidades alternas, que no se tocan pero se comparten. La escultura y la instalacin tambin han sido medios frtiles para que Davis exprese, con elocuencia, metforas, cuestionamientos y posturas respecto a distintos temas, como esa lucha entre el ser y el deber ser que parece inquietarlo tanto. Es el caso de la pieza What You Wish, formada por una pequea escalera blanca, pulcra y bien delineada, que llega a una puerta igual de pequea e inmaculada, pero sta, entreabierta, deja escapar una luz intensamente roja, como de infierno, prohibida? Deseada? Su casa/estudio en Puerto Vallarta, Mxico, est invadida de obras terminadas y en proceso. Entre los juguetes y los libros de escuela de sus hijos nos comenta sus inquietudes, como su aficin a recolectar desechos los industriales y hasta los caseros; aqullos que, temiendo la contaminacin del planeta, quisiramos olvidar, y sin embargo estn ah. Davis Birks transforma estos objetos en sus materiales y los presenta ante nuestros ojos con cuestionamientos que nuevamente tocan varias dimensiones. Como en la instalacin La red, donde utiliza cientos de figuras de plstico rojas; esos juguetes que apenas en el siglo pasado se les daban a los nios cargndolos de condicionamientos y expectativas y que hoy casi son reliquias en una poca de juguetes computarizados. Davis ensarta esos objetos con hilo de acero, uno sobre otro, apeuscando un entramado rojo de bebs que nunca tendrn una madre que juegue con ellos, de espadas que no protegern a mosquetero alguno en el recreo o de alcancas que no sern llenadas de monedas. Tambin lo hace en Dollar War Monunment. Con esta obra, Birks cuestiona lo pblico y lo escondido de su patria los verdaderos motivos de una guerra utilizando un billete de dlar como la arcilla para crear su pieza, delineando sobre ste las figuras de dos soldados que se desprenden del papel moneda y caen, como muertos. Con otro trabajo tambin cuestiona la realidad dolorosa y desgarradora del pas que lo ha acogido por aos, utilizando la puerta desmembrada de un auto, perforada por la accin de balazos que forman la silueta del Mxico abatido por la violencia y la impunidad. Una de las piezas que quiz ms elocuentemente refleja la angustia de esta dualidad entre el ser y el deber ser es la instalacin Autorretrato. Sobre trece marcos de acrlico pegados en un muro y equidistantes unos de los otros se presentan veintisis imgenes digitales que muestran dos retratos en descomposicin. De un lado se ve la cara de Jesucristo que, por la accin de pequeas perforaciones, se va desintegrando poco a poco y va revelando un rostro oculto: el de Hitler. Por el otro lado, la cara del creador del Tercer Reich se presenta completa, desarticulndose a travs de las trece imgenes, hasta revelar la de Jesucristo Quin es Davis Birks para l mismo? Un redentor o un farsante? Las dualidades pblicas y las privadas. Lo ideal y lo real. El artista se enfrenta a s mismo y a nosotros, y no teme revelar esas paradojas que, de alguna forma tambin contradictoria construyen lo que somos.

like for example, power, time or conscience. In them, he is constantly showing blurred characters that juxtapose with the composition on different levels to the main subject. They are almost ephemeral beings, like from another dimension, consciences that observe and intrude, and judge? ; they are alternate realities, which do not touch but share. Sculpture and installation have also been fertile medias for Davis to express himself with eloquence, metaphors, questionings and postures regarding different subjects, like that struggle between being and the ought to be which seems to trouble him so much. This happens in the piece What You Wish, formed by a small white ladder, neat and well outlined. It reaches a door, which is just as small and immaculate, but is ajar, letting through an intense red light, like hell. Is it forbidden? Desired? His home/studio in Puerto Vallarta, Mexico, is invaded by finished and unfinished works. Amongst the toys and schoolbooks of his children he tells us about his what he likes. For example his interest for collecting waste industrial and also domestic those that for concern of contaminating the planet, we would like to forget, however, they are there. Davis Birks transforms those objects into his materials and presents them in front of our eyes with questionings that once again touch several dimensions. Like in the installation The net where he uses hundreds of red plastic figures; the kind of toy that just in the last century were given to childrenloading them with conditionings and expectations, and that today are like relics in an era of computerized toys. Davis threads these objects with steel thread, one over the other, making frameworks of red babies that will never have a mother to play with them, of swords that will not protect any musketeer during a class recess or of piggybanks that will never have any coins in them. The same happens with Dollar War Monument. With this work, Birks questions what is public and hidden about his nation the true motives of a war, using a dollar bill as the clay to create his piece, outlining with it the figures of two soldiers falling out of the paper note, like if they had died. With another piece, he also questions the painful and heart-breaking reality of the country that has welcomed him for years, using a dismembered car door, perforated by gunshots forming the silhouette of a Mexico, which has been knocked down by violence and impunity. One of the pieces that probably best reflects the anxiety of this duality between being and ought to be, is the installation Autorretrato. On thirteen acrylic frames stuck on a wall at an equal distance one of the other he presents twenty-six digital images showing two portraits in decomposition. On one side we see the face of Jesus Christ that, by the action of small perforations, starts to disintegrate little by little, revealing a hidden face: the one of Hitler. On the other side, the face of the creator of the Third Reich is presented complete, and starts to come apart through the thirteen images, until Jesus Christ is revealed. Then, who is Davis Birks? A savoir or a phoney? The public and private dualities. The ideal and the real. The artist confronts himself and all of us, and he is not afraid to reveal these paradoxes, which in a certain way also contradictory, build what we are.

s comn que la manera en que un artista descubre su vocacin creadora, as como el momento en que decide dedicarse a ella, determinan la temtica de sus piezas y la forma de abordar sus cuestionamientos. Para Davis Birks (Estados Unidos) todo empez en la secundaria, mientras finga poner atencin a la clase y dibujaba al maestro. Sus trazos, producto de un don natural para la pintura, seguramente fueron precisos y contundentes, reflejando en el papel lo que la realidad mostraba. Poco a poco las figuras comenzaron a ir ms all de lo que observaba a simple vista y aparecieron los cuerpos desnudos de aqullos que quizs, en plena leccin de lgebra o remembrando un episodio de la historia nacional, no se percataban de que su alumno ms atento imaginaba sus carnes, calculaba sus miembros y los plasmaba en papeles que, despus, tuvieron mucho xito entre los compaeros. Nos es de extraarse que esa tambin fuera la primera ocasin en la que Davis vendi su trabajo. Los bocetos llegaron a manos del director de la escuela y despus de

Rembrandt, Arthur Bispo do Rosario o Louise Bourgeois, artistas de poesa visual y el vasto mundo que aparece en internet de caligrafas y tipografas contemporneas. Ellos, adems de grandes autores de la literatura como Jorge Luis Borges y Paul Auster y otros de la filosofa como Roland Barthes y Umberto Eco, son algunos de los pilares con los que Pablo Lehmann (Argentina, 1974) reconstruye y da nuevos sentidos a letras, palabras y, finalmente, al lenguaje artstico, creando calados, objetos, fotografas, relieves y otros trabajos. Se aprecia en tu trabajo, en su morfologa, un trnsito desde la trama/urdimbre hasta la relacin directa del material con el volumen, el gobierno del espacio. Cuntanos de esa evolucin. La relacin entre trama y espacio es constante en mi obra. Trabajo con los papeles, pero al calarlos stos convierten la obra en un volumen, ya que los intersticios pasan a ser parte de su configuracin e incluyen en ella al espacio que hay detrs. Lo que intento a nivel morfolgico es una tensin entre los elementos presentes y los ausentes, entre espacios

"The Persistence of Crime", 2011, juguetes plsticos formados con calor, 39 x 60 x 39 cm.

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Alemania | Germany Grabado | Engraving

Christiane Baumgartner
Artesana en la era de las pantallas | An Artisan in an era of screens
Un conjunto de rayas, con los matices de composiciones monocromticas, dejan al descubierto escenas principalmente urbanas, de grandes dimensiones. Tambin reflejan la lucha interna que Christiane Baumgartner, autora de estos grabados, tiene en torno al tiempo. A set of stripes, with the nuances of monochromatic compositions, reveal large dimension scenes, mostly situated in urban environments. They also reflect the internal struggle that Christiane Baumgartner, author of these engravings, has about time.
Por Juan Jos Santos . crtico de arte (Espaa) Fotografas cortesa de Christiane Baumgartner y Alan Cristea Gallery

Manhattan Transfer, 2010, grabado de madera en papel Kozo, papel: 141,0 x 179,5 cm., imagen: 119,5 x 160,0 cm., edicin de 6.

a pregunta que suele gravitar en la mente de los espectadores de una obra de Christiane Baumgartner (Alemania, 1967) es cmo lo ha hecho? Con esa cuestin nos quedamos en la superficie, en la madera. Nos damos cuenta de ello una vez hallamos la respuesta. Si hemos satisfecho nuestra inquietud, por qu queremos volver a ver la obra, por qu no cesa nuestro inters? La pregunta sobre el cmo, entonces, no era la adecuada. La incgnita es: por qu. Por qu esta artista alemana secuestra imgenes de la pantalla de una televisin, de documentales o de videos caseros que graba en autopistas. Por qu decide congelar un fotograma y no otro. Por qu decide transformar ese video still en un bajorrelieve sobre una enorme plancha de madera y sumergirse en una elaboracin artesanal tan terriblemente laboriosa. Baumgartner aumenta la imagen capturada y la pasa al carboncillo sobre papel. Ese papel es, a su vez, trasladado a una placa de madera. El trabajo ms arduo llega entonces. La artista talla la imagen sobre la madera en franjas horizontales, recreando cada detalle de forma minuciosa. Esas hendiduras cobran profundidad al ser impresas, normalmente, en blanco y negro: Cuando empec a hacer esos grabados en madera pens en la tradicin de los grabados alemanes, con Alberto Durero, pero tambin con los expresionistas, y eran fundamentalmente en blanco y negro, cuenta la artista. Este proceso puede llegar a demorar hasta un ao, pero para Christiane es secundario: No quiero que el espectador sepa demasiado sobre este trabajo artesanal. Odio si esto slo deriva en esa conversacin, simplemente sobre la tcnica. Quiero que el espectador encuentre un sentimiento sobre el espritu del trabajo y sobre el proceso de elaboracin. Vivimos en la era de las pantallas; espejos y espejismos. Enfoquemos la obra de Baumgartner con una ptica Baudrillard. Somos testigos a travs de la televisin de un irrealismo mgico, de algo que no existe. Cuando zappeas a travs de los canales de televisin obtienes tantas realidades que todo parece irreal. Tuve esa sensacin cuando estaba de vacaciones descansando sobre el sof viendo la tele. Haba un documental sobre la Segunda Guerra Mundial y, al mismo tiempo, en otro canal, una telenovela y en otro una noticia sobre una catstrofe que ocurra mientras vea las imgenes o casi a tiempo real. Cuando volv al documental de la Segunda Guerra Mundial me sent muy rara y de repente me pregunt acerca de la realidad y la ficcin. La pantalla de televisin pareca protegerme del mundo. De algn modo vi todo como un tipo de entretenimiento y tras un rato, agarr mi cmara de video y grab el documental de la guerra por ese sentimiento de extraeza, relata la artista. Christiane captura esa ilusin y la disfraza de video casero. Un helicptero, un avin militar o una autopista mutan en recuerdos domsticos. Luego convierte esa imagen en un enorme tallado en madera. Esa instantnea es ahora un icono, un ttem, cuyo contexto es el espacio artstico. Continuamos con el juego de espejismos. Vemos la obra acabada de cerca: una asinfona de rayas horizontales que conforman un dibujo abstracto. Nos alejamos y poco a poco nuestro cerebro va dando sentido a lo que vemos, la figuracin va apareciendo. Es una sensacin imposible de recrear en una fotografa de una revista de arte. Las obras de Baumgartner estn trabajadas para ser vistas en persona. Cuando se

he question that seems to linger in the mind of the spectators of a work by Christiane Baumgartner (Germany, 1967) is, how did she do it? That question keeps us at the surface, the wood. We only realize that once we discover the answer. If we have answered our doubt, then why do we want to see the piece again? Why doesnt our interest stop there? The question about the how, then, wasnt the right one. The mystery is: why? Why does this German artist lift images from a television screen, documentaries or home videos that she records on highways? Why does she decide to freeze a certain frame and not a different one? Why does she decide to transform that video still into a bas-relief on an enormous plank of wood and submerge into such a hardworking craftsmanship? Baumgartner enlarges the image that she captured and makes a charcoal drawing of it on paper. That paper is then transferred to a wooden plate. Then comes the hardest part of the process. The artist carves the image on wood in horizontal lines, meticulously recreating every detail. Those cracks become deeper when they are printed, normally, in black and white: When I started working with those wood engravings I thought of the tradition of German engravings, with Albert Durer, but also with the expressionists, that were fundamentally in black and white, says the artist. That process can take up to one year of work, but for Christiane that is secondary: I do not want the spectator to know too much about this craftsmanship. I would hate it if the conversation would only be about that, just about the technique. I want the spectator to find the feelings about the spirit of the work and about the process of elaboration. We live in an era of screens, mirrors and illusions. Lets look at the work of Baumgartner through a Baudrillard optic. Through television, we are witnesses of a magical unrealism, of something that does not exist. When you zap through the television channels you obtain so many realities that everything seems unreal. I had that feeling when I was on holidays resting on the sofa watching TV. There was a documentary about the Second World War and, at the same time, on another channel, a soap opera and on another one, news about a catastrophe occurring whilst the images were shown almost in real time. When I switched back to the documentary about World War II, I felt very strange and suddenly I questioned myself about reality and fiction. The television screen seemed to protect me from the world. In a certain way I saw everything as a kind of entertainment and after a while, I took my video camera and recorded the documentary about the war because of that strange feeling, explains the artist. Christiane captures that illusion and disguises it as a home video. A helicopter, a military plane or a highway mutate to home memories. She then makes that image into an enormous woodcarving. That snapshot is now an icon, a totem, whose context is the artistic space. We continue with the game of illusions. We see the finished work from close up: an asymphony of horizontal lines that make up the abstract drawing. We go back and little by little our brain starts to make sense of what we see, figuration starts to appear. It is a sensation impossible to recreate in an image on an art magazine. Baumgartners works are made to be seen live. When you print an enormous wood engraving on

Gelnde II-V, 2010, serie de cuatro grabados en madera sobre papel japons Misumi, papel: 53,0 x 66,0 cm. (cada uno), imagen: 36,5 x 50,0 cm. (cada uno), edicin de 12. Pgina anterior: Solaris I, 2008, serie de cuatro grabados en madera sobre papel Kozo, papel: 140,0 x 240,0 cm., imagen: 118,5 x 220,0 cm.. , edicin de 6.

"Kleines Seestck I", 2011, grabado en madera sobre papel japons Shiragiku, papel: 62 x 92 cm, imagen: 47 x 80 cm., edicin de 18.

imprime un enorme grabado de madera en pequea escala, ste pierde la lnea de informacin que es parte del trabajo: el patrn que estoy usando para obtener una escala de grises. Tienes que verlo en la realidad, dice. La artista reflexiona sobre la idea de la tecnologa. De manera ulterior, al representar medios de transporte e intentar captar la velocidad. Y de una manera personal, pues en sus inicios experimenta con el video arte. Pero su inters se traslada hacia mtodos tradicionales como el grabado en madera y al fin llega a un acuerdo entre lo digital y lo analgico. Sin duda para un artista del siglo XXI, o simplemente, para una persona del siglo XXI, acostumbrada a la instantaneidad del fast food, el fast media, o el fast art, dedicar casi un ao a una tarea manual es ms que un reto, una afronta. Aqu enlazamos con una segunda reflexin; porque la afronta es contra el tiempo. Baumgartner inmortaliza una imagen congelada destinada a morir en la retina a los pocos segundos. Convierte en arte un fotograma destinado al consumo fugaz. Si lees textos de Paul Virilio sobre el tiempo y la velocidad, donde dice que el cuerpo humano es muy lento para reaccionar a la informacin a la velocidad de la luz y que el sistema s es capaz, a uno le hace pensar sobre la falta de armona entre el ser humano y la tecnologa. A pesar de toda esta ayuda tecnolgica para comunicarnos, no ganamos ms tiempo, simplemente parecemos ms ocupados. Las cosas se han acelerado. Y echo de menos un poco el tiempo de reaccin y de dejar que algunas cosas crezcan. A veces uno realmente tiene que parar y descansar, reflexiona. Esto queda ms claro en obras en las que pasa cuatro fotogramas de un mismo video flickeante a grabado en madera. Un material que por cierto, tiene una fecha de caducidad, aunque en muchos aspectos se ha convertido, por sarcasmo histrico, en una materia prima ms duradera que la tecnologa.

a small scale, it loses the line of information which is part of the work: the pattern that I use to obtain the grey scale. You have to actually see it, she says. The artist reflects on the idea of technology. Subsequently, when representing means of transport and trying to capture speed. And personally, since in her beginnings she experiments with video art. But her interest shifts to traditional methods like wood engraving and in the end, she reaches an agreement between digital and analogue. Without a doubt for an artist of the 21st century, or simply, for a person of the 21st century, used to the instantaneity of fast food, fast media or fast art, dedicating a whole year to a hand crafted work is, more than a challenge, a confrontation. Here we link up with a second reflection; because the confrontation is against time. Baumgartner immortalizes a frozen image destined to die on our retina a few seconds after it happens. She transforms into art a frame that was destined to fleeting consumption. If you read, for example, texts of Paul Virilio about time and speed, where he says that the human body is too slow to react to the information of the speed of light and that the system is capable of that, one starts to wonder about the lack of harmony between the human being and technology. The thing is that in spite of all the technological help to communicate with each other, we do not save more time, we simply seem busier. Things have accelerated. And I miss a little the time of reaction and letting some thing grow. Sometimes one really must stop and rest, reflects Christiane. This is clearer in works where there are four frames of the same flickering video that have been transferred to a wood engraving. A material that as a matter of fact, has expiration, although in many aspects it has become, by historical sarcasm, a longer lasting raw material than technology.

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Necesitamos menos moda que incomoda | Romper con las estructuras, sacarse la ropa que te molesta, usar la moda pero con libertad, de manera espontnea, libre.

Necesitamos ms artistas que vivan su arte | Me remont a una obra de Roy Lichtenstein que es un artista que me gusta mucho. Aqu el cuerpo funciona como superficie, como tela para experimentar el arte. Es una imagen que me gusta mucho.

Andy Cherniavsky
Coca- cola light DE Vanguardia | COCA- COLA LIGHT Avant-garde
Comenz en la fotografa de manera autodidacta, pero rpidamente su trabajo adquiri renombre en Argentina, ligndose con el mundo de la moda y la publicidad con gran xito. Este 2012 un nuevo proyecto pone su nombre en la palestra: Andy Cherniavsky fue la encargada de crear seis diseos para las latas de edicin limitada que llenarn de colores, liviandad y frescura el verano chileno.
on lunares, rayas y estrellas, Karl Lagerfeld, el director creativo de Chanel, dise tres envases de Coca-Cola Light en 2011. Roberto Cavalli lo haba hecho antes en tres modelos que se vistieron de animal print por algn tiempo. Tambin otras personalidades destacadas de la moda han llenado de glamour los envases de la gaseosa a travs de ediciones limitadas que se han convertido en preciados objetos de coleccin en todo el mundo, entre ellos Gianfranco Ferr, Nathalie Rykiel y Moschino. Este 2012 Coca-Cola Light ha dado pasos similares en Latinoamrica, de la mano de la fotgrafa argentina Andy Cherniavsky. A travs de seis diseos, Andy interpret uno de los valores que propone la marca: Vivir + liviano. Con ms de veinte aos de talentosa carrera, Cherniavsky se ha vinculado con el arte, la moda y la publicidad, y se ha convertido en un cono de la mujer independiente. Adems, la fotgrafa comparte el estilo de vida relajado y que se toma la rutina con ms humor que proclama esta popular bebida nacida en

She began in photography in an autodidactic way, but she quickly made a name for her work in Argentina, linking the world of fashion and advertising with great success. In 2012 a new project puts her name in the spotlight: Andy Cherniavsky was commissioned to create six designs for limited edition cans which will fill the Chilean summer with colors, looseness and freshness.

ith dots, stripes and stars, Karl Lagerfeld, Chanel's creative director, designed three packages of Coca-Cola Light in 2011. Roberto Cavalli had done it before in three models dressed in animal print for some time. Other fashion personalities have also given glamour to these soda containers through limited editions that have become prized collectors' items around the world. Gianfranco Ferre, Nathalie Rykiel and Moschino are some of them. In 2012 Coca-Cola Light has taken similar steps in Latin America, hand-in hand with the Argentinean photographer Andy Cherniavsky. Through six designs, Andy interpreted one of the values proposed by the brand: Vivir + liviano (Living light). With over twenty years of talented career, Cherniavsky has been linked to art, fashion and advertising, and has become an icon for independent woman. In addition, the photographer shares this relaxed lifestyle which takes routine with more humor which is proclaimed by this popular drink

Necesitamos ms ideas con vuelo propio | Me remite a un mundo imaginario, estar en un universo inspirador. Toda la campaa trata de llevarte a un universo inspirador, a vivir ms liviano, a no inventarte problemas que no existen.

Necesitamos ms momentos inspiradores | Basta! Quiero ser libre, quiero estar fresco, quiero generar reglas propias, no seguir las impuestas por otros.

1982. Con la palabra necesitamos como leitmotiv, el resultado de la investigacin de Andy en torno a la frase vivir + liviano son diseos cargados de fantasa e imaginacin, que conjugan la belleza y la potencia de la fotografa. As, por ejemplo, un hombre con alas de plumas es un hroe/anti-hroe cuyos poderes son la diversin y las reglas propias. O con una mujer llena de mariposas rodeando su cabeza Andy pide por ms ideas con vuelo propio. Andy Cherniavsky: desde el rock a la publicidad Vestir los empaques de Coca Light es un privilegio artstico y eso me llen de orgullo porque otros grandes de la moda lo han hecho, dice Andy Cherniavsky acerca del proyecto de Coca-Cola Light. La participacin en esta campaa ha sido gracias a una carrera llena de aciertos que Andy comenz en los 80 en Argentina. Era fantica de la msica y la cultura de su pas pues, gracias al trabajo de su padre, estuvo ligada a ese mundo desde pequea. Cada vez que iba a recitales, senta la necesidad de tener, adems, una actividad. Fue gracias a una amiga, que la invit a hacer un curso corto de fotografa, que comenz a capturar con su cmara a sus cantantes y bandas favoritas. Pronto aquello que era un hobby se transform en su profesin y, desde que comenz a trabajar con el productor argentino Daniel Grinbank, su carrera ha ido en ascenso. La tapa del disco Pensar en nada de Len Gieco fue su primer paso. Despus vinieron muchsimas ms y cubr como 500 shows. Ya era la fotgrafa del rock de los 80!, cuenta Andy. Luego vendran la moda Wanama, Christian Lacroix, el mundo editorial Rolling Stone, D-Mode, la publicidad Nokia, LOral. En principio y por 18 aos junto al fotgrafo Gabriel Rocca y luego sola. Quines son tus referentes del mundo de la fotografa? Todos! Me fascina el trabajo de los grandes fotgrafos de todo el mundo y de miles de fotgrafos desconocidos tambin. Artsticamente

created in 1982. With the words we need as the leitmotiv, the results of Andys research around the phrase living light are designs loaded of fantasy and imagination, which combine the beauty and power of photography. For example, a man with feathered wings is a hero/antihero whose powers are fun and his own rules. Or with a woman full of butterflies surrounding her head, Andy asks for more creative and free ideas. Andy Cherniavsky: from rock to advertising "To dress Diet Coke packaging is an artistic privilege and that filled me with pride because other great fashion personalities have done it," says Andy Cherniavsky about the Coca-Cola Light project. Participating in this campaign has been thanks to a career full of hits that Andy began in the 80s in Argentina. She was fond of the music and the culture of her country: because of her fathers work, she was linked to that world since she was a child. Every time she went to concerts, she felt the need to develop another activity as well. It was thanks to a friend, who invited her to take a short course in photography, where she began to capture her favorite singers and bands with her camera. Soon after, what was a hobby became her profession and since she began working with Argentinean producer Daniel Grinbank, her career has been on the rise. Leon Giecos album cover, Pensar en nada, was her first step. Then came much more covers and I covered about 500 shows. Suddenly, I was photographer of the rock of the '80s! says Andy. After that came fashion Wanama, Christian Lacroix, editorial Rolling Stone, D-Mode, advertising Nokia, L'Oral. In the beginning and for 18 years, along with photographer Gabriel Rocca, and then by herself. Who are your influences in the world of photography? Everybody! I love the work of great photographers around the world and of thousands of unknown photographers as well. Artistically I love

Necesitamos soltarnos ms | Soltar las ataduras, disfrutar del aire, de lo liviano, me transporta, me hace sentir el vuelo, vivir ms liviano.

Necesitamos ms hroes urbanos | Me imagin un anti-sper hroe, sin poderes extras, una persona que para vivir ms liviano, transmite personalidad, diversin y desarrolla reglas propias.

me encantan Martin Parr, David Lachapelle, Richard Avedon, Bruce Weber, Patrick Demarchelier, Helmut Newton y otros. Has trabajado en distintos tipos de fotografa. Cmo definiras cada uno y lo que han significado para ti? Msica: Me encant esa etapa de mi vida, fue de mucho vrtigo y adrenalina en los 80, que fueron aos increbles, de msicos impresionantes y muy talentosos. Un placer haberlo vivido. Publicidad: Un gran desafo. Me encanta tener un brief para desarrollar y pensar obsesivamente en cmo realizarlo, en el cliente y el equipo de trabajo, toda la previa! Editorial: Mostrar lo que uno hace es importante. Las revistas son un gran medio para mostrar fotografa aunque no haya presupuesto para el fotgrafo. Moda: Lo ms creativo y con ms recursos de produccin. Un placer desde lo esttico: el estilismo, el make up, el pelo, todo el vestuario y la modelo. Me hace muy feliz hacer moda. Retratos: Aqu nos ponemos ms serios. Los retratos son como el alma misma, la esencia de la persona. Me encanta porque admiro a los grandes retratistas. Todo me entusiasma. Me gusta la hoja de papel en blanco para cranear un proyecto de cualquier tipo, me gusta encontrar esa adrenalina de lo que va a venir, dice Andy ante la pregunta de cul es su estilo predilecto. Cherniavsky lleva esta pasin a cada una de las etapas que implica su trabajo, desde la pre-produccin hasta la post-produccin, pasando por todos los detalles que la toma misma implica. Incluso ha sido la directora de arte de muchos de sus proyectos porque siente que de esa forma el trabajo final es mejor. Mi mejor proyecto es ir para adelante, dice la fotgrafa. Y en Coca-Coca Light Chile piensan de igual forma y, luego de evaluar la respuesta a este primer proyecto, pretenden repetir la actividad con artistas chilenos o de otras disciplinas.

Martin Parr, David Lachapelle, Richard Avedon, Bruce Weber, Patrick Demarchelier, Helmut Newton among others. You have worked in different types of photography. How would you define each one and what they mean to you? Music: I loved that period of my life; it implied a lot of vertigo and adrenaline in the '80s, which were incredible years of amazing and talented musicians. A pleasure to have lived it. Advertisement: A big challenge. I love having a brief to develop and thinking in an obsessive way on how to do it, in the client and in the team; I love the previous part! Editorial: To show what you do is important. Magazines are a great way to show photographs even if there is no budget for the photographer. Fashion: The most creative type and with more productive resources. It is an aesthetic pleasure: the style, make up, hair, all the costumes and the model. I am very happy to do fashion. Portraits: Here we get more serious. The portraits are like the very soul, the essence of the person. I love it because I admire the great portrayers. Everything excites me. I like a blank sheet of paper to think of a project of any kind; I like to find the adrenaline of what is to come, Andy says when asked what is her preferred style. Cherniavsky brings this passion to each of the stages involved in her work, from pre-production to post-production, and through all of the details that the shot itself implies. She has even been the art director of many of her projects because she feels that way the final end product is better. "My best project is going forward," says the photographer. And Coca-Cola Light Chile thinks the same way: after evaluating the response to this first campaign, they intend to repeat the project involving Chilean artists or of other disciplines.

al pblico ms difcil de sorprender.

sorprendiendo

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Colombia | Colombia Pintura | Painting

Omar Chacn
Un viaje al color | A trip to color
Es pintor, pero no usa pinceles ni brocha sino que el acrlico se toma la tela directamente desde su fuente. La conformacin de estas verdaderas fiestas del color es una historia que conjuga una travesa desde el pasado, al presente y, por cierto, al futuro de Omar Chacn. He is a painter, but he does not use any paintbrushes: acrylic painting is taken directly from its source to the canvas. The formation of these real feasts of color is a story that combines a journey from the past, to the present and, certainly, to the future of Omar Chacon.
Por Lorna Toselli, periodista Fotografas cortesa de Omar Chacn, Margaret Thatcher Projects (Nueva York) y Magrorocca Galleria (Miln).

e entregaban en cuerpo y alma a grandes banquetes, danzas y excesos que impulsaban a los invitados a experimentar un placer y una alegra desbordantes; y el vino era el aliciente de quienes participaban en estas celebraciones orgisticas que honoraban al dios Baco. Ese mismo espritu de las bacanales est presente en la obra del pintor colombiano Omar Chacn (1979) y le da el ttulo a muchas de sus exposiciones. No slo por el carcter de esas fiestas sino porque el trmino tambin se relaciona con una jerga tpica de su patria. Bacano o bacanera remite a felicidad, a gozo, a algo que gusta mucho, cuenta el artista. A Omar le gusta el juego. Tambin le gusta la relacin entre el pasado y el presente, para crear algo nuevo en el futuro. Es esta misma conexin presente-pasado la que ha jugado rol un importante en su carrera. No son los grandes creadores de la historia del arte a quienes l primero nombra cuando se le pregunta por sus influencias, sino alguien que estuvo muy poco ligado a estas prcticas y que perteneca a su propia familia: su abuelo. Fue l quien hizo relevante

hey would give themselves in body and soul into great banquets, dances and excesses that pushed guests to experience pleasure and an overwhelming happiness; and wine was the incentive for the ones that participated of these orgiastic celebrations that honoured the god Bacchus. The spirit of these bacchanals is also present in our times in the work of the Colombian painter (1979), Omar Chacn, and it gives the title to many of his exhibitions. Not only because of the nature of these parties but because the term is also related to a typical jargon of his homeland. Bacano or Baccaneria refers to happiness, joy, something which is much enjoyed, says the artist. Omar loves game. He also likes the relationship between past and present, to create something new in the future. And it is precisely that past-present relationship which has played an important role in his career as an artist. He does not refer to great creators of the history of art in the first place, when asked about his influences in painting. Instead, he mentions someone who was very little linked to these practices and that belonged to his own family: his grandfather.

"Bacanal Costal", 2011, acrlico sobre tela, 58,42 x 78,74 cm. Pgina anterior: detalle de "Choachi CCXXXVI", 2010, Acrlico sobre tela, 50,8 x 60,96 cm.

en mi vida artstica la pintura abstracta, cuenta Omar. Pero l no era artista ni fue a la universidad, sino que se educ leyendo, escuchando msica clsica y, una que otra vez, pintando. En realidad no pint ms de diez cuadros en su vida, pero uno de ellos un pedazo de madera coloreado y de tan solo 7 x 11 pulgadas fue el que gatill en Omar Chacn esa inquietud creativa que no ha cesado. Era una pieza que consista en puntos pequeos esparcidos por toda la superficie. Vi ese cuadro y me intrig. Cuando uno es estudiante est influenciado por muchas cosas, sobre todo por artistas que uno no conoce pero que ve en revistas, libros y museos. Pero cuando vi algo con tanta posibilidad, con tanta sinceridad de espritu, que viene de mi

It was him who made abstract painting relevant in my artistic career, Chacon expresses. But he wasnt an artist nor he went to university; he grew up reading and listening to classical music and, once in a while, painting. In fact, he did no more than ten painting in his life, but one of them a colored piece of wood of only 7 x 11 inches was the one that triggered in Omar Chacn a creative interest that has never ceased. It was a painting of small dots all over the surface. I saw that painting and it intrigued me. When one is a student one is influenced by many things and, more than that, by artists that one does not know but one sees in magazines, books, and museums. But when I saw something that had so many possibilities, with such sincerity of spirit, and comes

"Bacanal Guero II", 2011, acrlico sobre tela, 58,42 x 78,74 cm. Pgina siguiente: detalle de "Turubaco CCXXI", 2011, acrlico sobre tela, 78,74 x 58,42 cm.

misma sangre, me apropi de la tcnica de mi abuelo y ha sido un viaje muy bonito para m, reflexiona Chacn. Don Mario Snchez, as, est a la misma altura que pintores como Fray Anglico, Cimabue o Duccio di Buoninsegna en el imaginario de Omar. El camino hacia la pintura y el color Ese viaje del cual habla Omar Chacn fue sin retorno, y lo llev a estudiar en el Ringling School of Arts & Design en Florida, Estados Unidos, y le permiti luego ser becado por el San Francisco Art Institute (EE. UU.), donde se especializ en pintura. Fue una etapa marcada por la persistencia, pues el camino que eligi no le fue fcil. Cuando uno est

from my own blood, I took my grandfathers technique over and it has been a beautiful journey for me, reveals the artist. That way, Mr Mario Snchez is at the same level of painters such as Fra Angelico, Cimabue and Duccio di Buoninsegna in Omars imagination. The path to painting and color That journey, which Omar Chacon refers to, is one of no return. It took him to study at the Ringling School of Arts & Design, Florida, United States, and allowed him to win a scholarship at the San Francisco Art Institute, San Francisco (USA), where he specialized in painting. It was a period marked by persistence, because the path he chose was not

estudiando, experimenta con muchos medios y temas, pero yo insist en la pintura. Lo difcil era que no saba pintar muy bien, pero tena una intuicin con el color que era lo que me mantena encantado con la tcnica, relata el artista. La paleta cromtica de la obra de Omar Chacn tambin tiene una historia. Cuenta que para sta empez descifrando y decodificando las banderas de Sudamrica. Despus me mov a las banderas de Europa y frica, hasta que hice todo el mundo. De ah los colores tomaron su propio camino, tomando algo que ya era y recrendolo para hacer algo nuevo. Las banderas fueron un modo de trabajar esta idea: usar los colores que representan tanto para uno y reconfigurndolos para crear algo nuevo, cuenta el pintor. Son obras que resaltan rpidamente a la vista por la intensidad de los colores que rebasan la tela. Literalmente. Omar Chacn aplica capas y capas de pintura acrlica, unas sobre otras, hasta formar composiciones voluminosas y sobrepobladas de crculos o lneas, pero sobre todo, de crculos. Chacn asegura que cada uno de ellos es individual. Aunque haga puntos uniformes no hay ninguno exactamente igual a otro. Veo los puntos como mis brochadas porque yo no pinto con pinceles ni brochas. Exprimo la pintura en superficies planas, la dejo secar, y despus hay una migracin de dicha superficie al lienzo, cuenta Omar. Son manchas imperfectas, como la humanidad; con momentos de belleza y, a veces, con momentos de claridad y orden, resalta. Pero sus trabajos son humanos sobre todo porque, como l dice, est hecho con amor: Creo que uno trabaja con amor porque est creando algo visual que crea pensamientos e ideas para el mundo. Es una forma de vida absoluta y de eso no te puedes retirar. Claro que hay momentos estticos, especialmente en la pintura. Es un medio tan antiguo que a veces uno piensa que no puede superarlo. Pero la forma de hacerlo es trabajando y cuando das un corto paso hacia adelante, eso te anima para impulsarte a dar el prximo en tu trabajo. Omar Chacn llev sus bacanales de paseo en 2011 y tambin lo har el prximo ao. Expondr en Margaret Thatcher Projects (Nueva York) y en Fouladi Projects (San Francisco), adems de participar de varias ferias en Houston y Miami. Es la intuicin la que gua a este artista en todo orden de cosas: cuando tiene una vaga idea que luego se transforma en una obra de arte y tambin en las paradas que el camino le tiene preparadas. Yo soy el conductor, guiado por la intuicin en una carretera no conocida, muy larga y con muchas sorpresas, concluye.

easy for him. When you are studying, one experiments with many mediums and subjects, but I insisted in painting. What was difficult was that I wasnt very good at painting, but I had an intuition with the color that kept me enchanted with the technique, says the artist. His color palette has a history too. He says that for it, he started to decipher and decode the flags of South America. Then I turned to the flags of Europe and Africa and continued until I did it with the whole world. From then on, colors took their own path; taking something that was already there and recreating it to make something new. The flags were a way of working with this idea. Using the colors of the flags, which mean so much to one, and reconfiguring them to create something new, says the artist. These works quickly highlight from view because of the intensity of the colors that go beyond the canvas. Literally. Omar Chacn applies layers of acrylic paint, one over the other one, to form bulky and crowded compositions of circles and lines, but above all, of circles. Chacn assures that each is individual. Even if I make uniform dots, none of them are exactly the same as another one. I see the dots as my brushstroke. I do not paint with brushes, I squeeze the paint onto flat surfaces, I let them dry and then there is a migration of that surface to the canvas, explains Omar. They are imperfect spots, as humanity; with moments of beauty and, sometimes, with moments of clarity and order, he emphasizes. But his works are humanistic mainly because, as he says, they are made with love: I think that one works with love because one is creating something visual that creates thoughts and ideas for the world. It is an absolute way of life, something you cannot retire from. Of course there are static moments, especially in painting. It is such an ancient medium that sometimes one thinks that it is impossible to go beyond it. One way to do this is by working and when you take a small step forward, that encourages you to take the next step in your work. Omar Chacon took Bacchanalia for a stroll in 2011 and so will next year. He will exhibit at Margaret Thatcher Projects (New York) and at Fouladi Projects (San Francisco), besides participating in several fairs in Houston and Miami. It is intuition what guides the artist in all kinds of things: when he has a vague idea that then he transforms into a work of art and also in all the stops the way has prepared for him. I am the driver, guided by intuition in an unknown and very long road, that is full of surprises," he concludes.

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Espaa | Spain Instalacin | Installation

Antoni Muntadas
Creer en el arte | Believing in art
Los medios de comunicacin son su principal materia prima. No slo porque sus historias lo inspiran o porque algo de ellos se ve en sus obras, sino porque a travs de su trabajo Muntadas los critica. Cuestiona tambin los fenmenos sociales, transformndose l mismo en un agente comunicador de percepciones y conocimiento. Mass media are his main raw material. Not only because their stories inspire him or because some of them are seen in his works, but because through his work Muntadas criticizes them. He also questions social phenomena, transforming himself into an agent that communicates perceptions and knowledge.
Por Cecilia Bay Botti . crtica de arte (Bolivia) Fotografas cortesa de Antoni Muntadas y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa

os espacios pblicos un museo, centro comercial o estacin de metro; los lugares abiertos plazas, avenidas, campos deportivos; o las esferas pblico-virtuales como las redes sociales o telfonos mviles, se han convertido en lugares idneos para el arte contemporneo. Producir arte como accin comunicativa, interviniendo crticamente en los espacios comunes, se ha convertido en algo frecuente en nuestra poca y en cualquier ciudad del mundo. Las nuevas tecnologas no slo nos ofrecen informacin, tambin nos permiten participar de la reflexin y opinar ampliamente en el debate que abre el arte a travs de estos medios de amplio espectro. De esta manera, tambin se beneficia el artista al encontrar retroalimentacin sin reparos sobre su trabajo expuesto. Antoni Muntadas es ineludible cuando se habla de arte pblico y tecnologa. Naci en Barcelona en 1942, estudi ingeniera y desde 1971 vive en Nueva York. Inici su trabajo con la pintura, pero luego de su mudanza a Estados Unidos la sustituy por el uso de nuevos medios, que le abrieron una plataforma ilimitada para difundir ideas. El artista, asociado al media art y al arte conceptual, recibi el premio Nacional de Artes Plsticas 2005 y el premio Velzquez del 2009 en Espaa. Ha participado en las bienales de Venecia y So Paulo, obtuvo becas de la Fundacin Guggenheim y el New York State Council of the Arts Award, entre otros, y dedica un tiempo importante a la docencia. Muntadas es un analista crtico que dialoga con los acontecimientos en distintas partes del mundo. Sus proyectos incluyen problemas comunes de la vida contempornea que pueden presentarse tanto en Rusia, Bar-

ublic spaces a museum, shopping centre or a subway station; open spaces playgrounds, avenues, sports fields; or publicvirtual circles like social networks on computers or mobile phones, have become ideal places for contemporary art. The production of art as an action of communication, critically intervened in the common spaces, has become something frequent in our times in any city of the world. New technologies do not just offer us information, they also allow us to participate in the reflection and give open opinions in the debate that art opens through these broad range media. This way, also the artist benefits by encountering a feedback without reservations about his/her exhibited work. We cannot avoid Antoni Muntadas when we talk about public art and technology. He was born in Barcelona in 1942, studied engineering, and since 1971 he lives in New York. He started with painting, but after he moved to the United States, he switched to new media, which opened up for him an unlimited platform for expressing his ideas. This artist, who is associated with media art and conceptual art, received the 2005 Arts National prize and the 2009 Velazquez prize in Spain, has participated in the biennales of Venice and So Paulo, received the Guggenheim Foundation grant and the New York State Council of Arts Award, amongst others, and he dedicates an part of his time to teaching. Muntadas is a critical analyst who dialogues with events of different parts of the world. His projects include problems that are common to contemporary life that could arise in Russia, Barcelona or New York

Mirar Ver Percibir, 2009, Fotografa de Joaqun Corts/Romn Lores

celona, Nueva York, Mxico o Buenos Aires y, a veces, en cinco lugares al mismo tiempo. As, revela en sus imgenes la transformacin de la sociedad, la deshumanizacin de las ciudades, sealando situaciones que revelan quines son los responsables de la cultura urbana. Esto incluye a gobernantes por el poder en la toma de decisiones y a arquitectos que con sus diseos definen de gran manera nuestro comportamiento. Dentro de esto, uno de sus temas de preferencia es la relacin existente entre el arte y los medios de comunicacin; el qu miramos, quin construy la imagen, qu representa, cmo la percibe el espectador. En este momento, importantes obras de Muntadas se encuentran en el circuito internacional del arte. El Museo Reina Sofa en Madrid alberga Entre/Between, que incluye una revisin de su trabajo desde los aos 60 hasta la actualidad. Evitando la cronologa en su presentacin, la exposicin est estructurada en nueve constelaciones que abordan el campo investigativo del artista durante los ltimos cuarenta aos, todo ubicado en el antiguo edificio, mientras que en la ampliacin del museo el edificio Nouvel acoge un proyecto realizado expresamente para esta ocasin, que explora el fenmeno actual de las ampliaciones de los museos y sus implicaciones en el futuro. En la muestra seala temas sobre el hiperconsumismo en relacin a las nuevas tecnologas, la relacin entre lo pblico y lo privado, las dinmicas de la arquitectura oficial, las jerarquas y el negocio en el mundo del arte, los flujos de informacin, y el cmo las diferencias culturales y polticas pueden llevar a la dominacin y manipulacin e incluso a actos terroristas. Lleg a estas conclusiones luego de anali-

as well as in Mexico or Buenos Aires, and sometimes in all five places at once. Thus, in his images he reveals the transformation of society, the dehumanization of the cities, pointing out situations that reveal who those responsible for urban culture are. This includes governors because of their decision making power and architects who with their designs define in a great way our behaviour. Within this, one of his subjects of choice is the relationship between art and communication media; what we look at, who built the image, what it represents, how does the spectator see it. At this moment, we can find important works of Muntadas in the international art circuit. The Museo Reina Sofia in Madrid holds Entre/Between, that includes a revision of his work since the 1960s through today. Avoiding chronology in his presentation, the exhibition is structured into nine constellations that approach the investigation field of the artist during the last forty years. All this is housed in the old building, whilst the Museums new extension the Nouvel building addresses a project that was made specifically for this occasion, which explores the current phenomena of extensions in museums and their implications for the future. In the exhibition he points out issues about hyper consumerism in relation to the new technologies, the relationship between what is public and what is private, the dynamics of official architecture, hierarchies and the business of the world of art, the flows of information, and how cultural and political differences can develop to domination and manipulation and even to terrorist acts. He arrived to these conclusions

Monumento genrico, Fotografa Joaqun Corts/ Romn Lores.

Experiencia 1B, Encuentro. Provocacin de reunin a travs de diferentes materiales y reconocimiento por sentido del olfato, 1971., Vilanova de la Roca, Barcelona

zar la vida en regiones fronterizas en las que se evidencian desigualdades econmicas entre los medios. Con Information-Space-Control, el Museo del Bronx en Nueva York, tambin hizo una revisin de obras anteriores e incorpor una nueva: analiza las relaciones entre la sociedad y los mass media, observando a la prensa escrita y audiovisual en cuanto a la forma en que se crea la opinin pblica y se genera el consenso, establecindose de esta manera el sentido comn. En otra importante obra analiza el fenmeno de las urbanizaciones cerradas que surgen en las grandes ciudades debido al miedo, la inseguridad y la necesidad exclusividad. Adems, en el Centro de Arte Contemporneo de Mosc se presenta Warning: Perception requires involvement. Con fotografas en blanco y negro, que se relacionan con la carencia y fueron sacadas durante el rgimen sovitico, muestra a las personas haciendo colas, colas para obtener algo para alimentarse o vestirse. Paralelamente, en fotografas a color, presenta la nueva cara del Mosc contemporneo, y a la gente haciendo colas, ahora para consumir Mc Donalds, entradas para un concierto, para comprar cualquier cosa, o personas que visitan la Plaza Roja. Todo ello con el trasfondo de monumentos histricos que se mezclan con la nueva arquitectura. As, con su trabajo Antoni Muntadas transita entre los espacios de arte, en sitios patrimoniales a los que llama espacios protegidos, promoviendo la responsabilidad tica en la construccin de la cultura. La obra del espaol es investigativa y metodolgica, y est vinculada a la sociologa y la an-

after analysing life in bordering regions where economical differences are evident between the environments. With Information-Space-Control, at the Bronx Museum in New York, he also made a revision of previous works and incorporated a new one: he analyses the relationship between society and mass media, observing written and audio-visual press in terms of the way a public opinion is created and consensus is generated, establishing common sense as a result. In another important work, he analyses the phenomenon of gated communities that arise in big cities due to fear, insecurity and the need for exclusivity. At the Contemporary Art Center in Moscow the work Warning: Perception requires involvement is exhibited. Showing black and white photographs, which are related to shortage and that were taken during the soviet regime, he shows people queuing up, queues to obtain something to be fed o dressed. In parallel, in colour photographs, he presents the new face of contemporary Moscow, and people queuing up, but now to have a Mc Donalds, buy concert tickets, to shop for anything, or people visiting the Red Square. All this with historical monuments that mix with the new architecture at the background. This way, with his work, Antoni Muntadas moves around the spaces of art, in heritage areas that he calls protected spaces, promoting ethical responsibility in the construction of culture. The work of this Spaniard is investigational and methodical, and it is linked to psy-

Between the Frames: The Forum: 1983-83, Stadium VIII, Institut Valencia d' Art Modern, IVAM, Valencia, 1992

tropologa. Lejos de realizar un discurso esttico o un arte de auto referencialidad, Muntadas est comprometido con un debate poltico que tambin toca lo social, lo econmico y lo cultural. En sus obras los medios son agentes de construccin de otra realidad; sus trabajos son propiciadores de reflexiones de la vida cotidiana expuestas en diferentes soportes a los que llega por demanda de la misma obra, predominando el video, la fotografa o el internet. Explora nuevas posibilidades tecnolgicas para difundir sus reflexiones sobre la vida urbana contempornea, para mantener siempre una posicin frente a los agentes de poder, que tambin utilizan los medios masivos para imponer ideas y transformar a la sociedad. Se caracteriza tambin por una constante transformacin, pues con cada pieza vive un proceso de recoleccin de ideas y conceptos que luego deja decantar, para ofrecer la esencia en sus innumerables exposiciones. Muntadas piensa que hoy los museos deberan coleccionar ideas ms que objetos, deberan permitir que el artista pueda recrear o reconceptualizar la obra cuando sea necesario. l lo hace y evita tambin la pesada y onerosa labor de trasportar la obra. La democratizacin del arte es uno de los principales valores que el artista desarrolla, motivando a la participacin del receptor al reconocerse en la obra, al sentirse identificado con la realidad o problemtica que el artista le plantea a travs de las imgenes con las que confronta cada trabajo. Antoni Muntadas piensa que el arte es un arma de transmisin de percepciones y de conocimiento, por eso es importante creer en l.

chology and anthropology. Far from making an ethical discourse or self-referential art, Muntadas is committed to a political debate that also touches social, economic and cultural aspects. In his works the media are agents of construction of a different reality; his works are promoters of reflection of daily life, and they are exposed on different supports which the work itself chooses, predominantly video, photography or internet. He explores new technological possibilities to spread his reflections about contemporary urban life, in order to always maintain a position in front of agents of power, which also use mass media to impose their ideas and transform society. Muntadas also characterizes for a constant transformation, since with each piece lives a process of recollection of ideas and concepts that he later lets decant, in order to offer the essence in his numerous exhibitions. He thinks that today museums should collect ideas rather than objects, they should allow the artist to recreate or reconceptualise the work when necessary. He does this and also avoids as well the heavy and onerous task of transporting the piece. Finally, democratization of art is one of the main values that the artist develops, motivating the participation of the receptor when he recognizes himself in the work, when he feels identified with the reality or problematic that he proposes in images which he uses to confront each piece. Antoni Muntadas thinks that art is a weapon of transmission of perceptions and knowledge, which is why it is important to believe in him.

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Estados Unidos | United States Performance, video | Performance, video

Allora & Calzadilla

"Body in flight (Delta)", vista de la instalacin Gloria, 2011, Performance de la gimnasta Sadie Wilhelmi en el Pabelln Americano, 54 Exhibicin Internacional de Arte, la Bienal di Venezia, presentada por el Museo de Indianpolis.

Los enfants terrible del arte contemporneo | The enfants terribles of contemporary art
Con la obra que representaron a Estados Unidos en la Bienal de Venecia 2011, el do Allora & Calzadilla consagr un trabajo que se ha valido del sarcasmo para presentar peliagudas crticas, que han apuntado principalmente contra las contradicciones sociopolticas del imperio norteamericano.
TEXTO Simona Spinola . escritora (Italia) FOTOGRAFAS cortesa de Allora & Calzadilla y Andrew Bordwin

With the pieces that represented the United States at the Venice Biennale 2011, the duo Allora & Calzadilla consecrated a work that has used sarcasm to present a tricky criticism, which they have targeted mainly against the social and political contradictions of the North American empire.

"Body in flight (American)", vista de la instalacin Gloria, 2011, Performance del gimnasta David Durante en el Pabelln Americano, 54 Exhibicin Internacional de Arte, la Bienal di Venezia, presentada por el Museo de Indianpolis. presentada por el Museo de Indianpolis.

La edicin de la Bienal de Venecia del ao pasado ser recordada por su temtica la luz, el homenaje al maestro Tintoretto y por la presencia rcord de 89 pases con entradas histricas como Arabia Saudita, Bangladesh y Hait. Tambin por las provocaciones del do Allora & Calzadilla, que dieron nuevo aire a este evento imperdible, pero poco variado en los ltimos aos. Lo que proponemos es una profanacin completa, anticip Jennifer Allora (Estados Unidos, 1974) a la revista mexicana Tomo, tiempo despus de ser seleccionados como representantes de Estados Unidos. Va a ser muy diferente a cualquier cosa que se haya hecho en la historia de esa exhibicin. En trminos de poltica, de humor, sociales y del tiempo (...) Nunca Estados Unidos ha hecho un pabelln como el de nosotros, reafirm su compaero de trabajo, Guillermo Calzadilla (Cuba, 1971).

Last years edition of the Venice Biennale will be remembered for its subject light, the homage to the maestro Tintoretto, and the new record of 89 attending countries with historical new entries like Saudi Arabia, Bangladesh and Haiti. Also for the provocations of the duo Allora & Calzadilla who gave a breath of fresh air to this not-to-be-missed event which, in the last few years, has lacked variety. What we propose is a complete desecration, anticipated Jennifer Allora (United States., 1974) to the Mexican magazine Tomo, time after being selected as representatives of the United States. It will be very different from anything ever done in the history of the exhibition. In terms of politics, humor, social and time (...) The United States has never made a pavilion like ours, Guillermo Calzadilla (Cuba, 1971) reaffirmed.

La sobria arquitectura del Pabelln Americano titulado Gloria fue atropellada por un enorme tanque derrotado que gener numerosas polmicas. En lugar de los clsicos actores que se usan para las performances, a su alrededor, una invasin de atletas en carne y hueso se entrenaron en un entorno inusual, corriendo encima de los cinturones del tanque. Allora y Calzadilla hacen piruetas en la lnea entre la poltica y el entretenimiento. Los corredores van a ninguna parte, y el tanque boca abajo se ve impotente y vulnerable, a pesar de que hace mucho ruido un exceso de rugir, expuso Adrian Searle del diario The Guardian en junio de 2011. El ttulo de la obra era Track and Field y fue interpretada como una visin de prdida y tambin como una metfora de la oposicin del ser humano contra la sociedad. Sin duda puso bajo la mirada de todos, la magnitud militar, econmica, deportiva, religiosa y cultural de Estados Unidos, con irona y desencanto. ste fue uno de los seis trabajos con el que Allora & Calzadilla ofrecieron su personal interpretacin del concepto de identidad nacional: el binomio de deporte y guerra lanz a la crtica y al pblico un mensaje polmico sobre la libertad y la democracia, sobre el capitalismo y la militarizacin. Tambin, los enfants terrible del arte contemporneo plantearon una reflexin desencantada sobre el rol del dinero en el siglo actual, a travs de la anttesis entre lo sagrado y lo profano, colocando en medio del pabelln un cajero-rgano interactivo donde miles personas intentaron sacar dinero, para recibir a cambio slo melodas clsicas compuestas por Jonathan Bailey para la ocasin. El do confirm a travs de las obras expuestas en este importante encuentro internacional un mtodo de trabajo que recoge la heredad de Nauman y la vena surrealista e irnica tpica del arte contemporneo, para investigar la actualidad a travs la fusin de las artes visuales y plsticas. El uso cruzado de fotografa, video, escultura, pintura y performance es funcional a una investigacin directa del mundo que nos rodea. Las varias formas visuales exploradas estn, adems, intrnsecamente conectadas con la palabra. Allora & Calzadilla han subrayado, en varias ocasiones, la fuerza de la poesa definindola como glue (pegamento), que junta los mbitos semnticos y contextos distintos. El lenguaje es una herramienta que nace y crece con la obra. Aunque ella naci en Filadelfia y l en La Habana, ha sido Puerto Rico el que ha influenciado su bsqueda: el pas que todos imaginan como un paraso perdido est en realidad lleno de contradicciones, con una industrializacin feroz y los problemas que ella implica. La investigacin de los artistas se mueve en el terreno de lo ambiguo, en las relaciones complejas y problemticas. Dentro de sus obras, emblemtico es el video Internal

The sober architecture of the American Pavillion titled Gloria was invaded by an enormous defeated tank that generated numerous controversies. Instead of the classic actors that are usually used for performances, all around there was an invasion of athletes in the flesh training in an unusual environment, jogging on the tanks tracks. Allora and Calzadilla pirouette on the line between politics and entertainment. The runners go nowhere, and the upside-down tank looks impotent and vulnerable, though it makes a lot of noise a roaring excess, Adrian Searle exposed in The Guardian in June 2011. The title of the work was Track and Field and was interpreted as a vision of loss and as a metaphor of the human beings opposition to society. Without a doubt, it puts under everybodys view the military, economic, sports, religious and cultural magnitude of the US with irony and disenchantment. This was one of the six pieces with which Allora & Calzadilla offered their personal interpretation of the concept of national identity: the combination of sports and war has sent to the audience and the critic alike, a controversial message about liberty and democracy, about capitalism and militarization. Also, the enfants terribles of contemporary art showed a disenchanted refection towards the role of money in the current century, through the antithesis of sacred and profane, placing in the middle of the pavilion an interactive organ-ATM machine where thousands of people tried to take money out, to only receive in return classic melodies composed by Jonathan Bailey just for the occasion. The North American duo confirmed through the works of art exhibited in this important international occasion, a method that reflects the inheritance of Nauman and the surrealist and ironic vain that is typical of contemporary art for investigating current times through the fusion of visual and plastic arts. The crossed use of photography, video, sculpture, painting and performance is functional in a direct investigation of the world that sorrounds us. The various visual forms explored are, in reality, deeply connected with words. Allora & Calzadilla on many occasions have underlined the strength of poetry defining it as glue in order to join both semantics with different contexts. Language is a tool that is born and grows with the work of art. Although she was born in Philadelphia and he was born in Havana, Puerto Rico has been the one that has influenced their search: the country that everyone imagines as a lost paradise is in reality full of contradictions, with its enormous industrialization and the subsequent problems. The artists investigation moves around ambiguous grounds, in complex and problematic relationships. A landmark amongst their works is the video

"Body in flight (Delta)", vista de la instalacin Gloria, 2011, Performance de la gimnasta Sadie Wilhelmi en el Pabelln Americano, 54 Exhibicin Internacional de Arte, la Bienal di Venezia, presentada por el Museo de Indianpolis.

Combustion (Eye of The Needle) (2007) donde, jugando con referencias bblicas, reflexionan sobre la imposibilidad de solucionar, ahora y entonces, esta situacin incontrolable. As, los artistas se enfrentan a la sociedad actual e investigan los problemas sociales, polticos y ambientales que la aquejan. El video A Man Screaming Is Not a Dancing Bear (2008) est ambientado en New Orleans despus del paso de Katrina, donde el cambio continuo entre externo e interno provoca una transformacin del entramado de la tradicin jazz de la ciudad. Deadline (2007), rodado en San Juan luego del huracn George, reflexiona sobre el futuro a travs de un trozo machacado de naturaleza, mientras que el protagonista de There Is More Than One Way to Skin a Sheep (2007) es un antiguo instrumento musical, smbolo y contraste de una civilizacin masificada. Tanto sus obras plsticas como los videos son esculturas performativas que transforman sus propios lmites en mensaje, a travs de la sublimacin del kitsch y el objeto cotidiano. Despus de Duchamp, todo y nada es arte, se ha declarado. Allora & Calzadilla insertan en la obra el cuerpo humano: recientemente a travs del team de atletas estadounidenses de Gloria, y unos meses antes en la performance Stop, Repair, Prepare: Variations on Ode to Joy for a Prepared Piano (2008), donde se ubic a un pianista dentro del agujero gigante de un piano incompleto con el objetivo de generar una situacin incmoda y un resultado inesperado. As, Allora & Calzadilla recogen la enseanza de la tradicin artstica de los 60 para derrocar con irona las convenciones y la ficcin de los smbolos del poder, desactivndolos a travs de un lenguaje interdisciplinar que ridiculiza los juegos de tensiones entre la identidad nacional y la competencia econmica y poltica. La pareja se ha mantenido activa desde 1995 y ha expuesto en el MoMA de Nueva York, en la Kunsthalle de Zurich y en el Stedelijk Museum de msterdam, entre otros. Venecia fue su consagracin definitiva con una obra trgicamente actual en el contexto de un ao lleno de conflictos y tensiones. Luego del xito de su irnica puesta en escena, Allora & Calzadilla presentan Vieques Videos 2003-2011 en Lisson Gallery (Londres), una exhibicin tambin crtica que rene registros de performance y videos hechos durante una dcada en torno a la historia de la isla puertorriquea Vieques, que por ms de 60 aos hasta 2003 fue usada por Estados Unidos para probar bombas. El Indianapolis Museum of Art traer de vuelta parte de lo que presentaron en la 54 Bienal de Venecia, y en la primavera de 2012 tendr Body in Flight en uno de sus salones, con varios atletas haciendo gimnasia sobre antiguos asientos de avin.

Internal Combustion (Eye of The Needle) (2007), where whilst playing with biblical references, they reflect on the impossibility of finding a solution, now and back then, to a non-controllable situation. Thereby, the artists confront todays society, to investigate its social, political and environmental issues. The video A man screaming is not a dancing bear (2008) is set in New Orleans after Katrina hit the city, and it show how the continuous changes between internal and external provoked transformations in the jazz traditions framework. Deadline (2007), filmed in San Juan after the disaster provoked by hurricane George, is a reflection about the future, shown through a beaten piece of nature, whilst the main character in There is more than one way to skin a sheep (2007) is an old musical instrument, a symbol and contrast of a massified civilization. Both their plastic works and videos are performance sculptures that transform their own limits into a message, through the sublimation of kitsch and of everyday objects. After Duchamp everything and nothing is art, it has been declared. Allora & Calzadilla insert the human body in the work: recently through the team of American athletes of Glory, and a few months before in the performance Stop, Repair, Prepare: Variations on Ode to Joy for a Prepared Piano (2008), where a pianist was located inside the giant hole of an incomplete piano, in order to create an uncomfortable situation and an unexpected result. Thus, Allora & Calzadilla gather the teachings of the artistic tradition from the 60s in order to overthrow with irony the conventions and fiction of the symbols of power, deactivating them with an interdisciplinary artistic language that ridicules the game of tensions between national identity and the political and economic rivalry. The couple has been active since 1995 and they have exhibited at MoMA of New York, the Kunsthalle of Zurich and the Stedelijk Museum of Amsterdam, among others. Venice was their definitive consecration with a tragically updated work placed in the context of a year full of conflicts and tensions. After the success of their ironic staging, Until mid January, Allora & Calzadilla present Vieques Videos 2003-2011 at Lisson Gallery (London), an exhibition that is also critical and that brings together performance records and videos made during one decade regarding the history of the Puerto Rican island Vieques, which for over 60 years until 2003 was used by the U.S. to test bombs. The Indianapolis Museum of Art will bring back some of what the artists presented at the 54th Venice Biennale, and in the spring of 2012 will have Body in Flight in one of its rooms, with several athletes doing gymnastics on old plane seats.

"Body in flight (American)", vista de la instalacin Gloria, 2011, Performance del gimnasta David Durante en el Pabelln Americano, 54 Exhibicin Internacional de Arte, la Bienal di Venezia, presentada por el Museo de Indianpolis. presentada por el Museo de Indianpolis.

5 - 8 April
Art Monaco is the international art fair that brings together art collectors, galleries and art lovers from all over the world. We facilitate interaction, networking, and generate sales opportunities and new partnerships.
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Gastn Ugalde

Sin ttulo, 2007, C-Print en Diasec, 120 x 160 cm.

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82 . 83

Canad | Canada Fotografa | Photography

Jill Greenberg
Gnero lisiado | Disabled Gender
Es mundialmente conocida por sus retratos de animales monos, osos y caballos y por aqullos a nios que, a travs de sus lgrimas, claman por el cuidado de la tierra en la que crecern. En una aventura diferente, Jill Greenberg volvi a los inicios de su carrera y explora el papel de la mujer en la sociedad a travs de la fotografa. She is worldwide known for her animals portraits monkeys, bears and horses, and for those of children who, through their tears, claim for the care of the land where they will grow up. In a different adventure, Jill Greenberg returned to the beginning of her career and explores womens role in society with photography.
Por Anna Astor-Blanco . master en artes (Puerto Rico) Fotografas de Jill Greenberg, cortesa de O'Born Contemporary, Toronto, Canad.

urante aos se autodenomin como The Manipulator o La Manipuladora. Un espectador podra preguntarse, ante esto, si con ello se refiere a un manejo del pblico a travs de su trabajo o de las imgenes mismas. La respuesta tiene que ver con esto ltimo. Jill Greenberg (Canad, 1967) comenz con la fotografa a temprana edad, y desde mediados de los 80 las ha retocado. En un principio manualmente y desde 1990, digitalmente. El ttulo apareci a mediados de los 90, cuando pocos fotgrafos utilizaban softwares como medio artstico. Su obra colinda entre lo comercial y lo artstico. Ha sido la fotgrafa, entre otras cosas, de campaas publicitarias de Bacardi, LensCrafters y Epson, ha retratado estrellas de cine entre los que destacan Ashton Kutcher, Will Smith y John Leguizamo. Por otra parte, ha hecho trabajos

or years she called herself The Manipulator. Spectators would wonder, from this, if she refers to manipulating the public with her work or manipulating the images themselves. The answer has to do with the latter. Jill Greenberg (Canada, 1967) took up photography from an early age and since the mid 80s she retouches them. At the beginning by hand and since 1990, digitally. The title came up during the mid 90s, when very few photographers used software as an artistic media. Her work borders between commercial and artistic photography. She has, among other things, been the photographer for different advertising campaigns such as Bacardi, LensCrafters and Epson, and she has been the portraitist of movie stars like Ashton Kutcher, Will Smith and

Untitled GC1 1017, serie Glass Ceiling, 2008, fotografa, 156,21 cm. x 104,14 cm.

para revistas como Time y Entertainment Weekly. Pero Jill Greenberg tambin tiene una veta artstica, con un trabajo que desarrolla su forma de pensar respecto de distintos temas. Conocida es su serie End Times, un conjunto de retratos que reflejan distintos sentimientos a travs del llanto de nios. Con el fin de explorar temas polticos y religiosos, la artista canadiense gener gran controversia ya que muchos primeros planos mostraban una impactante angustia de los pequeos. Otro tema que ha sido importante para Greenberg ha sido la mujer. En su ltima serie Glass Ceiling (2011), sta fue el eje central. La artista, que nuevamente manipula con estas fotografas que combinan armoniosamente imgenes placenteras con temas femeninos, parte de dos proyectos distintos para lograr la serie: un photoshoot debajo del agua que hizo para una revista de modas y su video-tesis universitario, The Female Object (1989), que se basa en la cita de Sandra Lee Bartky que dice as: El proyecto disciplinario de la feminidad es falso, requiere medidas tan radicales y extensas para la transformacin corporal, que una mujer est destinada en alguna medida al fracaso. La intencin del video es hacer que el espectador se sienta observado y siga las reglas establecidas por la sociedad. Comienza con la imagen de un ojo, que luego aparece bombardeado con distintas imgenes como anuncios publicitarios de dietas, aparatos de ejercicios, maquillaje y revistas publicitarias. Las voces van dictando las rutinas diarias y las actividades de preparacin que son comunes a la mayora de las mujeres. Las instrucciones e imgenes causan desasosiego, a la manera de una pesadilla, en la que el espectador sufre las consecuencias de ser parte del gnero femenino. Las mujeres son constantemente sometidas a un ojo vigilante no slo masculino, sino de ambos sexos. Tal vez por esto ellas se sienten obsesionadas con la apariencia fsica, convirtindola en algo que intentan controlar. La voz femenina que acompaa el video dice en determinado momento: "Si logro ms que un hombre soy capaz de hacer lo que quiero". Este discurso crtico est tambin presente en Glass Ceiling. La condicin de ser mujer dificulta la consecucin de ciertos logros; la frustracin del sexo femenino es no ser hombre. Esto ltimo no se refiere a la supuesta envidia del pene, como propone la teora del siquiatra austraco Sigmund Freud, sino de los obstculos que todava existen para la mujer en el siglo XXI, especialmente en el campo laboral. Hoy por hoy, la mujer debe ser estelar en su trabajo si aspira a echar hacia delante, y Jill Greenberg indaga en Glass Ceiling esta cuestin con sus armas favoritas: el lente fotogrfico y los programas de manipulacin digital. De ah la declaracin de la artista: La realidad fsica de ser mujer todava informa lo que hago. No son palabras de una persona que se siente derrotada, sino de la voz de las experiencias aprendidas entre que hizo The Female Object y Glass Ceiling. Pero entre ambas obras hay contrastes: las fotografas son gratamente de ensueo, a diferencia de la agresividad afilada que contiene el video. As, ms que retratos, lo que

John Leguizamo. On the other hand, she has worked for magazines like Time and Entertainment Weekly. But Jill Greenberg also has an artistic streak, with work that develops her way of thinking regarding different subjects. Her series End Times, which consists of a group of portraits reflecting different feelings through the image of crying children, is well known. In order to explore political and religious issues, the Canadian artist generated much controversy as many close-ups showed a striking anxiety in children. Women have also been an important subject for her, like in Glass Ceiling (2011), one of her latest series. The artist that again manipulates with these photographs, harmoniously combines pleasant pictures with feminine subjects, starting from two different projects to achieve the series: a photo-shoot under water that she did for a fashion magazine and her university video-thesis, The Female Object (1989), based on a quote of Sandra Lee Bartky which says: The disciplinary project of femininity is a setup; it requires such radical and extensive measures of bodily transformation that a woman is destined in some degree to fail. The intension of the video is to make the spectator feel observed and follow the rules established by society. It begins with the image of an eye, that then appears bombarded by different images such as advertising for diets, exercise machines, make up and advertising magazines. The voices deliver daily routines and preparation activities that are common to most women. The instructions and images cause unease, like a nightmare, where the spectator suffers the consequences of being part of the feminine gender. Women are under the constant vigilant eye, not just of the male gender, but also of both sexes. Maybe that is why they feel obsessed with physical appearance, making it into something they try to control. At a determined moment, the feminine voice on the video says: If I achieve more than a man I am capable of doing what I want. This critical discourse is also present in Glass Ceiling. The condition of being a woman makes achieving certain objectives harder; the frustration of the female gender is not being a man. This sentence is not about a supposed penis envy, like the theory of the Austrian psychiatrist, Sigmund Freud, proposes, but about the obstacles that still exist for women in the 21st Century, especially in the working field. Today, women must be prominent in their jobs if they want to succeed, and in Glass Ceiling, Jill Greenberg investigates this question with her weapons of choice: a photographic lens and digital manipulation software. Hence the artists declaration: I like it or not the physical reality of being a woman still informs everything I do. These are not the words of a person who feels defeated, but the voice of experiences gathered between making The Female Object and Glass Ceiling. But there are contrasts between both works: the photographs are pleasantly dreamy, in contrast with the sharp aggressiveness of the video. Thus, more than portraits, what Green-

Untitled GC2 650, serie Glass Ceiling, 2010, fotografa, 142,24 cm. x 104,14 cm.

Untitled GC2 462, serie Glass Ceiling, 2010, fotografa, 142,24 cm. x 104,14 cm.

Greenberg busca con el lente fotogrfico es la psicologa del sujeto, sea animal o humano. Glass Ceiling se relaciona con el dicho anglo-sajn breaking the glass ceiling o romper el techo de cristal. Esta expresin, muy conocida, se utiliza cuando se llega al smmum del xito o al nivel ms alto que se puede alcanzar. En las fotografas de la serie se observan unas figuras femeninas desde lo ms profundo de una piscina. Parecen flotar en el espacio, algunas se agarran mutuamente y otras van por la libre. Hacen maromas entorpecidas por las propiedades del agua, pero tambin por los tacones que llevan puestos. El sol se refleja desde la superficie, pasando entre las piernas de algunas y creando un halo que emana de sus cuerpos. Como caro, intentan tocar el sol y, aunque no tienen alas que se puedan derretir, sabemos que hay algo que les impide rozar la irradiacin y que no pueden sobresalir de la fina superficie del lquido. Las figuras decapitadas de la mujer tampoco son coincidencia, sino ms bien indicativas de un corte intelectual del ser humano. La mayor parte de las fotografas de Greenberg son bustos o de cuerpo entero, ya sea un animal o un humano. De hecho, algunas de sus series de retratos ms conocidas, Monkey y Horse, presentan a los animales de tal forma que pueden reflejar emociones de la misma forma que lo hace un humano. De alguna manera los antropomorfiza y los pone al mismo nivel de un nio, una mujer o un artista conocido. Para Jill es ms comn cortar la parte inferior del cuerpo que la cabeza curiosamente un sustantivo femenino en el idioma castellano, donde se concentra la vida, el espritu y la emocin del retratado. En contraste a las series anteriormente nombradas, las obras de Glass Ceiling retratan los cuerpos desde un ngulo opuesto y sugerente: desde las profundidades se ven cuerpos femeninos vestidos de oficina y con las piernas colgando; representa una carcasa que sufre de prejuicios pues la apariencia fsica es la fachada del ser humano que nos lleva a juzgar a la persona antes de conocerla. Esta incongruencia sugiere quizs el despojo de la inteligencia y la capacidad del sexo femenino, ya que la ideologa machista considera a las fminas como un objeto o, peor an, una posesin. Las imgenes son tambin un reflejo de la vergenza que algunas mujeres sienten al mostrar su cuerpo, sea por una cuestin moral o por inseguridad. Las mujeres que flotan parecen ridculas con sus stilettos puestos; claro, es ms fcil romper un cristal con algo punzante, como sera un par de tacones. Jill Greenberg ha expuesto en el Miami Art Museum y en otras ciudades norteamericanas como Los ngeles y Nueva York; tambin ha estado presente en Roma, Pars y msterdam. Actualmente su trabajo es parte de las colecciones del Kemper Museum de Kansas, en la National Academy of Sciences de Washington, en el Southeast Museum of Photography de Daytona Beach, entre otros. Desde 1997 la artista canadiense ha ganado varios premios; el ms reciente fue el segundo lugar en la categora Bellas Artes del American Photographic Artists Award 2011.

berg searches with the photographic lens is the psychology of the subject, whether it is an animal or a human. Glass Ceiling relates to the Anglo-Saxon saying, breaking the glass ceiling. This well known expression is used when one reaches the summit of success or the highest level that one can reach. In the photographs of this series we can observe female figures from the deepest end of a pool, they seem to float in space, some are holding on to each other and others are free. They are doing summersaults hindered by the properties of water, but also because of the high heels they are wearing. The sun reflects from the surface, going through the legs of some and creating a halo from their bodies. Just like Icarus, they try to touch the sun and, even though they do not have wings that could melt, we know that there is something that prevents them from touching the irradiation and that cannot get past the surface of the liquid. The decapitated figures of women are not a coincidence either, but are rather indicators of an intellectual cut in the human being. Most of Jill Greenbergs photographs are chests or whole bodies, either animal or human. In fact, some of her most popular portrait series, Monkey and Horse, present the animals so they can reflect emotions in the same way as a human beings. Somehow she anthropomorphizes them and puts them in the same level of a child, a woman or a renowned artist. In general, it is more common to cut off the lower part of the body than cutting the head off because that's where life, the spirit and the emotions of the portrayed concentrate. In contrast, the works in Glass Ceiling portray women from an opposing and suggestive angle: from the bottom of the pool one can see female bodies dressed for work and with their legs hanging; which represents a structure that suffers prejudice for physical appearance. It is a shell of the human body which leads us to judge someone people before even knowing them. This inconsistency maybe suggests the removal of the intelligence and of the ability of the female sex, since chauvinistic ideology also considers women as an object, or even worse, as a possession. Greenberg's images are also a reflection of the embarrassment that women feel when they show their bodies, whether it is for a moral matter or for insecurity. The women floating seem ridiculous with their stilettos on: but, surely, it is easier to break the glass with something sharp, like a pair of high heels. Jill Greenberg has exhibited at the Miami Art Museum and in other U.S. cities like Los Angeles and New York, and they have also been present in Rome, Paris and Amsterdam. Currently his work is part of the collections of the Kemper Museum in Kansas, the National Academy of Sciences in Washington, the Southeast Museum of Photography in Daytona Beach, among others. Since 1997 the Canadian artist has won several awards; the most recent one was the second place in the Fine Arts cathegory of the American Photographic Artists Award 2011.

Untitled GC2 687, serie Glass Ceiling, 2010, fotografa, 142,24 cm. x 104,14 cm.

90 . 91

Brasil | Brazil Arte conceptual | Conceptual art

Cildo Meireles
El rapto del instante | The kidnapping of the moment
Botellas de Coca-Cola, billetes, muebles rojos, pelotas, relojes, huinchas, radios. Cildo Meireles ha convertido todo ello en arte, en la medida que le han permitido dar cuenta de sus percepciones de la realidad. Porque si en algn momento el arte conceptual no le acomodaba, luego se convirti en su vehculo para dar saltos a otras realidades, aunque fuera por un segundo. Coca-Cola bottles, money bills, red furniture, balls, watches, tapes, radios. Cildo Meireles has transformed all that into art, as they have allowed him to report his perceptions of reality. Because if at one moment conceptual art did not suit him, it would later become his vehicle to jump to other realities, even if it was for just a second.
Por Elisa Montesinos . periodista (Nueva York) Fotografas cortesa de Cildo Meireles, imgenes Tate, Londres 2008 y Galerie Lelong, Nueva York

Fontes [Fountains/Sources], 1992/2008, 6.000 reglas de alfombra; 1.000 relojes; 500.000 numeros en vinilo, soundtrack; dimensiones variables

ue a raz de una gran casualidad que el brasileo Cildo Meireles dej de despreciar el arte conceptual y comenz a verlo como una forma democrtica y til para los fines que la poca le impona: la resistencia potica y poltica. Su compadre estaba en prisin, y se distraa viendo caer por la ventana objetos sin importancia: colillas de cigarros, palos de fsforo, papel celofn. A la luz cobraban una apariencia inusitada. Se preguntaba qu haran Cildo y sus colegas con eso. Un gran desafo que el artista tom y ha sabido responder construyendo pequeos objetos o grandes espacios en los que tiempo, espacio y sistemas son cuestionados. Nacido en Ro de Janeiro en 1948, Meireles comenz trabajando en torno al espacio y las dimensiones en unas series de dibujos geomtricos y matemticos Espacios virtuales, Volmenes virtuales y Ocupaciones, que desembocaron en Rincones, unos dibujos tridimensionales que imitan los espacios de cualquier esquina. Los aos 60 llegaban a su fin y los hechos lo empujaron a ms lejos; en su pas se viva una dictadura militar y el arte no escapaba a la censura. En el 69 fui uno de los cinco artistas escogidos por votacin de crticos y de otros artistas para presentar piezas en el Museo de Arte Moderno. La exhibicin fue cercada por la polica poltica y un coronel dio tres horas para desmontarla antes de que abriera. Hubo un gran boicot internacional, relata en portuol el artista al telfono desde Ro de Janeiro, donde tiene su taller. Era la primera vez que las obras de Espacios y Volmenes seran exhibidas. Pero hubo que descolgarlas. Los artistas de vanguardia de ese entonces Helio Oiticica, Lygia Clark y Lydia Pape haban desarrollado un arte que necesitaba del pblico para tomar forma y cobrar existencia. Meireles, buscaba algo ms tajante. Poco a poco comenz a idear una mezcla entre actuacin, accin de arte y performance con la serie Arte fsico, acciones relacionadas con el espacio geogrfico que, en gran parte, no se realizaron. En aquellos momentos, como ciudadano yo participaba en las manifestaciones callejeras, pero sent la necesidad de hablar de eso en mi trabajo, relata Cildo. Por fin en los 70 pudo tomar la realidad por asalto. Escribi en billetes la frase Quin mat a Herzog?, en clara alusin al asesinato poltico de un periodista, y los puso nuevamente en circulacin. Lo mismo hizo con cientos de botellas de Coca-Cola usadas que, tras recoger e imprimirles la leyenda Yankees go home, fueron devueltas a la embotelladora para llenarlas nuevamente de gaseosa y que fueron consumidas por cientos de personas, quienes a la vez consumieron arte. Ambas acciones fueron parte de Inserciones en circuitos ideolgicos (1970-1976), y podran definirse como una anti publicidad o interferencia al sistema, al devolver al emisor un mensaje poltico que, por la forma presentacin, se volva potico. El arte conceptual me aburra. Haba muchas palabras, mucha retrica, bamos a una exposicin a leer textos de artistas que muchas veces no

It was thanks to an incredible chance that the Brazilian Cildo Meireles stopped despising conceptual art and started to see it as a democratic and useful way for the purposes that the period imposed: poetic and political resistance. A good friend of his was in prison and passed his time looking at meaningless things falling out the window: cigarette butts, matchsticks, cellophane wrappers, which under the light would take on an unusual appearance. He wondered what would Cildo and his colleagues do with that. A great challenge that the artist took and has known how to answer by building little or big spaces in which time, space and systems are questioned. Born in Rio de Janeiro in 1948, Meireles started to work around space and dimensions in a series of geometrical and mathematical drawings Espacios Virtuales, Volumenes Virtuales and Ocupaciones, which led to Rincones, three-dimensional drawings which mimic the spaces of any given corner. The 60s were almost over and facts pushed him to go further; his country was under a military dictatorship and art didnt escape censorship. In 1969 I was one of the five artists chosen by critics and other artists to present pieces at the Museo de Arte Moderno. The exhibition was surrounded by police and a Coronel gave us three hours to take it down before it opened. There was a great international boycott, he says in portugnol on the phone from Rio de Janeiro, where he has his workshop. It was the first time that the works Espacios and Volumenes would be exhibited. But they had to be taken down. Artists at the vanguard of that moment Helio Oiticica, Lygia Clark and Lydia Pape had developed a style of art that needed the audience in order to take form and become existent. Meireles, was looking for something more drastic. Little by little, with the series Arte Fisico, he started to think of a mix between acting, action of art and performance, actions which were related with geographical space that, in a great way, were not carried out. At the time, as a citizen I was part of street protests, but I felt the need to talk about that in my work, says Cildo. Finally, during the 70s he took reality by the scruff of the neck. He wrote on money notes the phrase Who killed Herzog?, alluding to the political murder of a journalist, and then he put them back into circulation. He did the same with thousands of used Coca-Cola bottles that, after printing on them Yankees go home, they were returned to the bottling plant where they where refilled with the drink so that they could be consumed again by hundreds of people, who consumed art at the same time. Both actions were part of Inserciones en circuitos Ideologicos (1970-1976) and could be defined as anti publicity or as an interference to the system, as they returned a political message to the issuer that, for its presentation, became poetic. Conceptual art used to bore me. It had too many words, too much rhetoric, we would visit an exhibition to read the texts of the artists which in

Fontes [Fountains/Sources], 1992/2008, 6.000 reglas de alfombra; 1.000 relojes; 500.000 nmeros en vinilo, soundtrack; dimensiones variables

eran los mejores. La seduccin es un aspecto interesante del arte; el secuestro del instante, del espacio. Cuando un trabajo te secuestra por una fraccin de segundo, te lleva a otro tiempo. Creo que el arte conceptual no haba considerarado eso, quedaba sin seduccin. Ms tarde me reconcili con el arte conceptual a partir de la historia de mi amigo encarcelado. Me di cuenta de que, de todos lo movimientos que haba estudiado, ste era el nico que prescinda de la industria ligada al arte: tintas, pinceles, lienzos. Se poda hacer a partir de cualquier cosa. Daba libertad total. Es la forma ms democrtica que se ha presentado para producir. Eso es un mrito, reflexiona el artista. Por un lado, logr incidir en gran escala con objetos pequeos: a nivel industrial con las botellas e institucional con los billetes. Por otro, comenz a idear espacios ms ntimos por los que el espectador pudiera moverse. Eureka/Blindhotland (1970-1975) es una gran instalacin de pelotas de goma aparentemente iguales; el pblico es invitado a pesarlas, sorprendindose al comprobar que no pesan lo mismo. Como explica el artista, lo visual da lugar a una percepcin ciega de la realidad. Posteriormente seguira explorando en torno a las medidas y el tiempo en Fuentes (1992) y en torno la acumulacin, Babel (2001), una torre de 700 radios sintonizadas en emisoras distintas. Usted invita al espectador a interactuar con sus piezas para que cobren existencia, cul es la metfora detrs de eso? Lo hago en varios momentos, pero no es una cosa sistemtica todo el tiempo. En muchas de las piezas slo acontece cuando se permite esa participacin, esa interaccin. Algunas veces es parte estructural de la pieza: ella slo existe cuando la gente est hacindola, como en el caso de Inserciones. Es evidentemente distinto a cuando se ve la botella en la exposicin; eso lo considero un ejemplo, pero no es el trabajo. El trabajo se funda en la accin. Seguramente estaba impresionado por las circunstancias del momento. Pero a m me gusta que las cosas pasen as, que la pieza tenga un grado de inmaterialidad; es un poco el concepto del no-objeto cuya materialidad est enteramente disuelta. Cul era el riesgo de escribir mensajes polticos en las botellas de Coca-Cola durante la dictadura? En principio haba mucho de eso, pero por otro lado poca gente lo entendi en ese momento. Y no eran los militares los que mejor lo iban a comprender. Hay textos que analizan el trabajo como arte pop. Se siente identificado con eso? No, evidentemente es un camuflaje. Ya que estoy trabajando sobre la circulacin y el control de la informacin, mucha gente lo consideraba parecido al pop art. Se quedaban presos del soporte, no de la significacin del soporte, de lo que tena de explosivo y de subversivo al circular. Era el primer artculo de la Constitucin: libertad de circulacin. Para m eso siempre fue un graffiti, en vez de ser en un muro, era en cosas que circulaban; un graffiti en movimiento. La botella era una metfora para los billetes, que eran ms problemticos. Porque las botellas de Coca-Cola son parte de una empresa privada capitalista, y el billete es una cosa institucional. Prcticamente era ms peligroso. Pero el trabajo tena un grado de discrecin que se confunda con la nada. En algunos momentos era solamente yo y las botellas. La cantidad de botellas era menor en nmero; los billetes fueron bastantes. Eran ms fciles de hacer y de distribuir. La pieza Desviacin al rojo era una respuesta a la censura tambin? Podra pensarse que hablaba sobre la muerte, la sangre, a la vez que sugera percepciones distintas mediante la monocroma. Es un proyecto del 67. Dos ideas pasaron por mi cabeza, pero lo dej y volv en el 82 cuando alguien de una galera en Texas quera hacer una exposicin de gran escala. Pens en articular una idea, una sala que por algn motivo empezara a tener todo rojo, eso era una cosa.

most cases, were not the best. The resource of seduction is an interesting aspect of art: the kidnapping of the moment, of space. When a work of art kidnaps you for a fraction of a second, it takes you to another time. Later, I reconciled with the idea of conceptual art when a friend of mine that was in prison told me that story. I realized that, of all the movements that I had studied, conceptual art was the only one that didnt use any of the things linked to art: inks, brushes, canvases. It could be made from anything. It gave complete freedom. It is the most democratic way to produce art that has come up. That is a something that deserves credit, the artist remembers and reflects. On one hand, he managed to create a big influence with small objects: at an industrial level with bottles and at an institutional one with money bills. On the other hand, he came up with more intimate spaces where the spectator could circulate. Eureka/Blinhotland (1970-1975) is a great installation of rubber balls, which at first sight, seem to be the same; the audience is invited to weigh them, and they become surprised to realize that they do not weigh the same. As the artist explains, the visual part makes way for a blind perception of reality. Subsequently he continued to explore around measures and time in Fuentes (1992) and around accumulation in Babel (2001), a tower of 700 radios tuned in on different stations. You invite the spectator to interact with your pieces so that they become existent, what is the metaphor behind that? It is something I have done several times, but its not a systematic thing all the time. In many of the pieces this only happens when this participation is allowed, that interaction. Sometimes it is a structural part of the piece: it only exists when people are making it, like in the case of Inserciones. This is evidently different to when one sees the bottle at the exhibition; that is something that I consider an example, but it is not the work. The work is based in the action. I was surely impressed by the circumstances of the moment. But I like it that things happen that way, that the piece has a degree of immateriality; in a small way it is the concept of the non-object whose materiality is completely dissolved. What was the risk of writing political messages on CocaCola bottles during the dictatorship? In the beginning there was a lot of that, but on the other hand not many people understood it. And it was not the military that would understand it the best. Some texts analyse that work as pop art. Does that identify you? No, obviously it is a camouflage. Because the work is about circulation and control of information, many people considered that it is similar to pop art. They were captured by the support, not by the meaning of the support, of what it had of explosive and subversive nature when it circulated. It was the first article of the Constitution: liberty of circulation. For me this was always a graffiti, instead of being on a wall, it was on things that circulated; a moving graffiti. The bottle was a metaphor for the notes, which were more problematic. Because Coca-Cola bottles are part of a private capitalist company, and the note is an institutional thing. Practically it was more dangerous. But the work had a degree of discretion that made it invisible. At times, it was just me and the bottles. The amount of bottles was smaller in numbers; the notes were many. They were easier to make and distribute. Was the piece Desviacion al rojo also a reaction to censorship? One could think that it was about death, blood, at the same time that it suggested different perceptions through the use of a monochromatic style. Its a project of the year 67. I had two ideas in my head, but I left it and took it up again in 82 when someone from a gallery in Texas wanted to do a great scale exhibition. I started to articulate an idea, a hall that for some reason everything would start to be red, that was one thing. But

Fontes [Fountains/Sources], 1992/2008, 6.000 reglas de alfombra; 1.000 relojes; 500.000 numeros en vinilo, soundtrack; dimensiones variables

Fontes [Fountains/Sources], 1992/2008, 6.000 reglas de alfombra; 1.000 relojes; 500.000 nmeros en vinilo, soundtrack; dimensiones variables

Pero haba otros dos proyectos del 78: un lavabo inclinado con agua saliendo, y el otro era una pequea botella de la que sala una gran cantidad de lquido. En el 82 empec a hacer esa maqueta colocando juntas esas tres cosas, haba algo que las conectaba. Todo era rojo, pero segn vi en una pgina en Internet el pjaro en la jaula era amarillo. El pjaro era rojo. La pieza est en exhibicin permanente en el Centro Caci de Belo Horizonte, es la segunda de tres versiones. Y hay un equipo de profesionales encargados de los pjaros, que se quedan dos horas en la jaula, y luego salen a un vivero, y son sustituidos por otros. Y son rojos. Pero hubo un momento en Pars en que alquilaron pjaros de una tienda y los pintaron. Es posible mantenerlos rojos con la alimentacin. Pero, Internet es un universo paralelo. De alguna manera los universos paralelos lo atraen y es lo que ha intentado ofrecer al pblico; laberintos por los que puedan transitar para acceder a otras percepciones, a otras realidades. Caminando, por ejemplo, sobre vidrio roto, como en A travs, en una escenario lleno de obstculos donde la vista puede ir ms lejos que el cuerpo. La instalacin tambin tiene su residencia permanente en el Centro Caci. En el 2009 hizo Pling Pling para la Bienal de Venecia, seis salas interconectadas de colores diferentes. Su ltimo trabajo Ro oa lo termin en agosto pasado, una pieza sonora en la que por un lado se oye un ro y por el otro risas. Le gusta darse el tiempo de trabajar con tranquilidad, pero puedo hacerlo incluso viajando. Muchas veces trabajo en el avin, en coche, en mnibus, caminando, comiendo. Se trabaja en cualquier lugar, dice mientras se lo oye masticar al otro lado de la lnea.

there was another couple of projects from 1978: a tilting sink with water running down, and the other one was a small bottle from which a great amount of water came out. In 1982, I started to come up with a model of these three elements together, there was something connecting them. Everything was red, but according to what I saw on an Internet page the bird on the cage was yellow. The bird was red. The piece is permanently exhibited at the Centro Caci of Bello Horizonte, it is the second of three versions. And there is a team of professionals in charge of the birds, who stay two hours in the cage and then go to a greenhouse and are switched for others. And they are red. But there was a moment in Paris when they rented birds from a store and they painted them. It is possible to keep them red with what they eat. But, Internet is a parallel universe. In a certain way he is attracted by parallel universes and it is what he has tried to offer to the public; mazes through which they can move around in order to have access to other perceptions, other realities. For example, walking on broken glass, like in A traves, in a stage full of obstacles where what you can see can go further than the body. The installation is also permanently exhibited at the Centro Caci. In 2009 he made Pling Pling for the Biennale of Venice, six exhibition halls interconnected by different colours. He finished his latest work Rio oa- last august, a piece with sound where on one side we can hear a river and on the other, laughter. He likes to take his time to work in peace, but he can do so even when traveling. Many times I work on the plane, in the car, on the bus, walking, eating. One can work in any place, he says whilst one can hear him eating at the other end.

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Espaa | Spain Instalacin | Installation

Fernando Navarro Vejo

Metforas visuales | Visual Metaphors
Con una obra oscura, que colinda con la tragedia y el apocalipsis, Fernando Navarro Vejo interpreta la condicin humana contempornea a travs de imgenes constituidas en claves poticas, con el fin de provocar conciencia tanto individual como social del estado de nuestro planeta. With an obscure work, bordering tragedy and the apocalypse, Fernando Navarro Vejo interprets the contemporary human condition through the use of images built in poetic keys aiming to provoke both individual and social consciousness about the state of our planet.
Por Anna Astor-Blanco . mster en artes (Puerto Rico) Fotografas cortesa de Fernando Navarro Vejo

esde un rincn, se abre una tremenda grieta negra que amenaza a los visitantes de la galera chilena Patricia Ready. sta es la que alberga los misteriosos entes concebidos por la mente de Fernando Navarro Vejo (Espaa, 1977). No hay claridad visible fuera de la rotura, slo se muestra lo que hay ms all del cuadrado expositivo: una oscuridad alarmante. Siguiendo la lnea dentada de la apertura, el espectador se topa con el rgano indispensable tanto fsica como emocionalmente de todo organismo biolgico: el corazn. Dicha pieza llamada Heart (2011) formada por el elaborado diseo de un ramal o conducto sanguneo, sugiere un sinfn de ideas. Fue tal fisura creada por el bombeo de Heart? Para eso habis nacido dicta el ttulo, a regaadientes, de esta muestra. Proviene de la plancha nmero 12 de la coleccin Los desastres de la guerra (1810-1820) del artista espaol Francisco de Goya y Lucientes. Tal serie, creada en intaglio o punta seca, representa el malestar y el horror desencadenados durante la guerra entre los espaoles y Napolen Bonaparte. El grabado en cuestin trata del descubrimiento de una fosa comn por un civil, quien se enferma ante tan grotesco encuentro. Se argumenta que, al crear esta estampa, Goya tena en mente que el hombre tiene el mismo destino: Para eso habis nacido, para morir. Con esa frase en mente, Navarro describe la cada del

rom a corner, we see an enormous black crack which threatens the visitors of the Chilean art gallery Patricia Ready. This is the space that holds the mysterious beings conceived by the mind of Fernando Navarro Vejo (Spain, 1977). There is no visual clarity outside the crack, one can only see what is beyond the expositive square: an alarming darkness. Following the serrated line of the opening, the spectator stumbles upon the essential organ physically as well as emotionally of every biological organism: the heart. This piece called Heart (2011) made up of the elaborate design of a blood branch or conduct, insinuates endless ideas. Was that break made by the pumping of the Heart? That is what you were born for reluctantly says the title of this exhibition. It comes from the plate number 12 of the collection The Disasters of War (1810-1820) of the Spanish artist Francisco Goya y Lucientes. That series which was created in intaglio or dry tip, represents the unease and horror that was unchained during the war between the Spanish and Napoleon Bonaparte. The engraving itself is about the discovery of a communal grave by a civilian, who feels sick after such discovery. There is debate about this image, Goya thought that mankind had the same destiny: That is what you were born for, to die. With that sentence in mind, Navarro describes the falling of mankind,

El gran oxmox, 2011, dibujo, impresin digital, 70 x 40 cm.

"Hope", Vista de la exposicin El amor necesita sangre (Galera Sicart, Barcelona), 2011, Dibujo a lpiz y quemaduras sobre la pared, 120 x 150 cm. aprox..

Hasta que la muerte nos separe, Vista de la exposicin El amor necesita sangre (Galera Sicart, Barcelona), 2011, Instalacin, cuerda y soporte de madera, Medidas variables.

hombre, reclamando la direccin que el ser humano ha tomado, en este caso, hacia los problemas socioeconmicos. Dentro de las grietas, por ejemplo, se hallan negras manos mancas que se extienden de manera desesperada llamando la atencin del espectador. Tal purgatorio o limbo, es lo que le espera al hombre actual? La obra de Navarro Vejo oscila entre instalaciones y obras bidimensionales que dominan el cubo de una habitacin. Tales piezas contienen temas figurativos compuestos de diseos que emulan ramas, dibujos, esculturas y otros objetos como calaveras, sogas, globos negros, sillas, rboles desenraizados. Siguiendo sus principios de diseador grfico, Navarro emplea colores slidos, creando as imgenes semejantes a un logotipo. Cada trabajo provoca una reflexin profunda sobre el estado del planeta, tanto en el aspecto social como en el medio ambiental y econmico. Existe una fina lnea entre la realidad y lo imaginario; en consecuencia, las alegoras empleadas por Fernando se podran leer como nuevas iconografas relativas a la contemporaneidad, pudindose interpretar en forma universal. Asimismo, el concepto ha cobrado vida literaria, pero en forma de imagen. Por consiguiente la lectura de estos conos es finalmente ms compleja y fuerte que la palabra escrita o pronunciada. Qu se avecina al futuro? Si se estudia de manera precisa, en las piezas de Navarro Vejo se encuentran varias conexiones con nuestro mundo real. Son mensajes que se dirigen al ser humano, en ocasiones, de manera clandestina. Algo de eso se puede ver en la serie S/T (2011) o Sin ttulo, donde plasma formas animales sobre una cortina de ventana. La fauna aparece como si estuviese recortada del mismo material y, colocada sobre este objeto mundano que crea privacidad, permite que el espectador observe el estado de lo que ocurre afuera. Tras la cortina que lleva la forma de un ave de caza, hay evidencia de un espacio sobrepoblado de cables elctricos frente a un cielo de color cido turquesa. El venado recortado muestra un paisaje que Fernando describe como "un ciervo agonizante como un derribo urbano". El repertorio de la obra de Navarro, entonces, est integrado por un tema comn que bien puede considerarse una pesadilla. As fue como bautiz su exposicin de dibujo La pesadilla de Gaia, en el 2009 en Santander, Espaa. Gaia es la diosa madre de todos. Es ella quien pone orden al caos, segn la Teogona la historia basada en la genealoga de las deidades griegas, escrita por Hesodo. Fernando describe, en forma pictrica, que el mundo estructurado por Gaia est desorganizado, llevndolo nuevamente al caos. Tras la creacin de hbridos y mquinas que aparentan ser aparatos de tortura, Navarro lleva al espectador a observar la realidad de manera simblica. Las imgenes nuevamente hablan con ms fuerza que las palabras y stas se transforman en smbolos violentos, que relaciona al ser humano con la destruccin total de lo "heredado" de la diosa madre. Si bien el artista no busca causar shock con la apariencia de sus trabajos, su oscuro mundo intenta crear conciencia del estatus mundial. Sus obras se dividen aparentemente en dos partes, el objeto y el smbolo, y podran considerarse como pensamientos materializados. En su muestra ms reciente El amor necesita sangre, celebrada en la galera barcelonesa Sicart, el artista parece aventurarse en cuestiones relacionadas al individuo. Una de las obras ah presentada, y que comparte su ttulo con el de la exposicin, viene acompaada con dos nudos corredizos para la ejecucin de un doble suicidio. Se siente un aire melanclico que flota; semejante conjunto de objetos lleva de inmediato a pensar en la contradiccin entre el amor y el desamor y nuevamente conduce al espectador en una vorgine figuraciones, metforas y sentimientos.

protesting about the direction that the human race being has taken, in this case, towards socio-economic problems. Inside the cracks, for example, there are black cut off hands extended, calling out desperately for the attention of the spectator. This purgatory or limbo, is this what awaits the man of today? The work of Navarro Vejo oscillates between installations and bi-dimensional works that dominate the cubic space of a room. These pieces contain figurative subjects composed of designs emulating branches, drawings, sculptures and other objects such as skulls, ropes, black balloons, chairs, uprooted trees. Following his graphic designer principles, Navarro uses solid colours, thus creating images similar to logos. Each work provokes a profound reflection about the state of the planet, on the social as well as on the environmental and economical aspects. There is a fine line between reality and imagination: therefore, the allegories used by Fernando could be read as new iconographies, which are related to what is contemporary and that can be universally interpreted. Additionally, the concept has gained a literary life, but in the form of an image. Therefore, the interpretation of these two icons is finally more complex and strong than the written or proclaimed word. What does the future hold? If carefully and thoroughly studied, Navarro Vejos pieces can be found in different connections with our real world. They are messages directed to the human being, occasionally in a concealed way. Some of that can be seen in the series S/T (2011) or Sin Ttulo (Untitled), where he captures animal shapes on a window curtain. The fauna seems as if it was cut out of the same material and, placed onto this mundane object that creates privacy, allows the spectator to observe the state of what is happening outside. Behind the curtain that has the shape of a bird of prey, there is evidence of a space overpopulated with electrical cables in front of an acid turquoise coloured sky. The cut-out deer shows a landscape that Fernando describes as a deer dying as an urban defeat. Then, a common subject that could be very well considered as a nightmare, integrates the repertoire of Navarros works. This is how he named his drawing exhibition; La pesadilla de Gaia (Gaias Nightmare), in 2009 in Santander, Spain. Gaia is the mother goddess of all of us. She is the one who puts order where there is chaos, according to Theoginia history is based on the genealogy of Greek gods, written by Hesidios. Fernando describes, in a pictorial way, that the world structured by Gaia is unorganized, returning it back to chaos. After the creation of hybrids and machines apparently for torture, Navarro takes the spectator to see reality in a symbolic way. Images are, again, talking with more strength than words, transforming them into violent symbols, which relate the human being with the total destruction of what has been inherited from the mother goddess. Although the artist does not seek to shock with the appearance of his works, his obscure pieces seek to create consciousness of the worlds status. His works are apparently divided into two parts, the object and the symbol, and could be considered as materialized thoughts. At his most recent exhibition El amor necesita sangre (Love needs blood), installed at the Barcelona gallery Sicart, the artist seems to adventure into matters related to the individual. One of the pieces presented there, and sharing the name of the exhibition, comes along with two nooses for carrying out a double suicide. One can feel a melancholic air around; such an ensemble of objects makes you immediately think of the contradiction between love and un-love and again carries the spectator into a whirlpool of figurations, metaphors and feelings.

Black hole, 2009, Tcnica mixta sobre panel de aluminio lacado, 47.5 x 77 x 1.5 cm. Suicide, 2011, Tinta y collage sobre papel, 108 x 74 cm.

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Holanda | Netherlands Fotografa | Photography

Alex ten Napel

Retratos al agua | Water portraits
Alex ten Napel es un retratista. Nios y ancianos de las ms diversas caractersticas han pasado delante de su lente intuitivo. Para probar algo diferente y porque el agua tiene un significado especial para l, el artista instal su estudio provisoriamente dentro de una piscina. Alex ten Napel is a portrait artist. Children and elderly of the most diverse characteristics have passed in front of his intuitive lens. To try something different and because water has a special meaning for him, the artist temporarily settled his studio in a swimming pool.
Por M. Anglica Navarro Ovalle . periodista Fotografas cortesa de Alex ten Napel y Eduard Planting Gallery, msterdam

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El agua juega un rol muy importante en nuestras vidas, dice Alex ten Napel (Holanda, 1958). Claro podra pensar uno, sin agua no podemos vivir. Y l mismo aporta los datos: alrededor de un 70% de la Tierra es agua, ms de un 50% del cuerpo humano es agua, el cuarto de los elementos es el agua. Pero para l el vnculo es ms profundo an: los holandeses le han quitado parte de su podero al mar y han conquistado/construido nuevas tierras, dejando una gran porcin del territorio del pas bajo el nivel del mar. As, el agua ha tenido un rol protagnico en la vida de ten Napel. Puedo escuchar al agua cantando en mis odos, la manera en que fluye por mi piel, puedo sentirla en mi boca, y cmo me hace cosquillas en la nariz, reflexiona. Por eso Alex ten Napel instal, para dos de sus series, su estudio en el agua. En una piscina, para se exactos. Ah coloc una sbana blanca como fondo, las luces y a sus modelos para los ms pequeos, una escalera que haca de pedestal, y ah se meti l mismo, cuidadosamente, con su cmara Hasselblad. El agua lava la mscara de la cara y refleja el yo ms profundo. La piel, el pelo, las pestaas y las cejas mojadas resaltan ms intensamente las expresiones faciales. Las emociones se vuelven ms visibles y vvidas. En trminos de agua: el alma sale a al superficie y flota en la cara, dice ten Napel, quien comenz su trabajo como fotgrafo de retratos a fines de los 80. Esta es, segn cuenta, su forma de entender la existencia humana, pues los rostros de las personas revelan las emocione que nos determinan. Personas con rasgos fsicos y raciales muy distintos estn presentes en casi todas tus series de retratos. Por qu has retratado esta variedad? Hay alguna intencin en reunirlos bajo un mismo nombre? La apariencia humana es diferente y variada y quiero mostrar todas sus manifestaciones. Quiero decir que, aunque somos distintos, seguimos siendo iguales: tenemos las mismas emociones y comprendemos lo que stas hacen. Nuestra vida externa puede ser diferente, pero en la interna los sentimientos de alegra y felicidad, desesper-

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Water plays an important role in our lives, says Alex ten Napel (Netherlands, 1958). Of course one could think, we cannot live without water. And he fills in the facts himself: around 70% of the Earth is water, more than 50% of the human body is made of water, the fourth of the elements is water. But for him the link is even deeper: the Dutch have taken away part of the power of the sea and have conquered/built new lands, leaving a great part of the countrys land below the level of the sea. Therefore, water has had a protagonist role in the life of ten Napel. I can hear the water singing in my ears, how it flows over my skin, I can feel it in my mouth and how it tickles my nose, he reflects. This is why Alex ten Napel set up, for two of his series, his studio on water. In a pool to be precise. There, he placed a white sheet as background, lights, and his models for the young ones, a ladder that worked as a pedestal and that is where he got in himself, carefully, with his Hasselblad camera. Water washes the mask from the face and it reflects the deepest self. It makes the skin, hair, eyelashes and eyebrows wet and this is of great help to underscore more intensively the facial expressions. Emotions become more visible and vivid. In terms of water: the soul comes to the surface and floats on the face, says ten Napel, who started to work as a portrait photographer towards the late 80s. He says that this is his way of understanding human existence, since faces reveal the emotions that determine who we are. People with very different physical and racial looks are present in almost all your series. Why have you portrayed this variety? How do you choose these characters? Is there any intention in "bringing them together under one name"? Human appearance is so different and diverse. I want to show all its manifestations. With that I claim that although we are so different, we are still the same: we have the same emotions and we understand what they do to us. Our external life can be different, but in our inner life feelings of joy and happiness, despair and pain, hope and trust are very

"Thomas and Thomas", impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

"Diura", impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

"Elroy", impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

acin y dolor, esperanza y confianza son emociones muy parecidas para todos. Eso es lo que nos conecta. Eso es lo que quiero aportar con mis retratos. Tus primeros Water Portraits son de nios. Por qu retratar a nios en el agua? Los nios se sienten libres en el agua. Es un ambiente que les sienta mejor; cuando juegan en el agua sale a flote toda su personalidad. Es difcil retratar nios porque es difcil para ellos concentrarse y enfocarse. El agua ayuda para sacar buenos retratos de ellos porque en ella se sienten cmodos. Adems, el estudio nutico fue de gran ayuda porque impresion bastante a los nios y porque tenan que ser prudentes por la electricidad. Se cre un ambiente de comodidad y concentracin y pudieron enfocarse fcilmente en la toma por diez minutos. Despus de eso, era la hora de jugar nuevamente. En los retratos los nios se ven tristes o serios. Por qu capturaste esa expresin? Las gente me pregunta eso a menudo. Algunos se ven bastante felices y orgullosos, pero creo que una serie de personas rindose no es tan interesante. Muchos piensan que un retrato debe mostrar a una persona rindose. Est en nuestros genes el sonrer o decir whiskey cuando nos apuntan con una cmara. Para m eso no es lo mismo que un retrato. Quiero lograr una foto que te deje entrar en el mundo de la persona. Eso te toca y te mueve. La fotografa de retratos se asocia con la sonrisa, pero pienso que ella debe tener significado y decirte algo de la persona. Yo busco el misterio de la vida, lo que no se puede decir con palabras. Quiero contactarme con el silencio dentro de nosotros. Eso hace que los retratos trasciendan. Busco inmortalizar la manera en que la vida se manifiesta en un instante fugaz, en una cara. Eso puede ser una risa, pero sta debe ser real y no como resultado de una orden. En retratos pintados uno no ve a muchas personas rindose porque hay que estar tranquilo y concentrarse. Es lo mismo que yo hago con la fotografa; quiero contar una historia. Una vez alguien me comet despus de una sesin: Realmente trabajaste conmigo. La mayora de los fotgrafos me piden que mire a la cmara, luego sacan un par de fotos y se van. Para poder sacar una sonrisa debes hacer cosas divertidas y eso te aleja de la concentracin y el enfoque. En mi opinin eso interrumpe el silencio necesario para crear un espacio entre el retratado y el fotgrafo. Luego hiciste Male Madonnas, tambin en el agua. La razn por la qu incluiste a los hombres fue que las mams no queran salir en traje de bao. Cmo fue ese proceso en que los agrupaste como male madonnas y con ello de alguna forma pusiste en el tapete la relacin padre/hijo? Podras contarnos tambin cmo naci este concepto? Cuando una madre se rehus a ser retratada con su beb, sugiri que apareciera el padre. Al ver el resultado, pens para m mismo: Esto es an mejor. Los retratos de los Male Madonnas son sobre la relacin de los padres con sus hijos. Como yo tambin soy pap, estoy consiente de ese vnculo. La piscina es un lugar y ambiente perfecto para representar eso y darle vida. Estn desnudos, mojados y muy juntos. A veces pareciera que se transformaran en una sola creatura humana. A veces se ve cmo los paps consuelan a sus nios como una madre. Los retratos en el agua de Alex ten Napel han tenido gran xito en Europa, y han sido expuestos en galeras de Holanda, Rusia e Irlanda, entre otros, adems de Nueva York. Actualmente trabaja en una serie de nios de 12 aos holandeses y de otros pases vecinos, que busca reflejar la etapa de transicin entre la infancia y la adolescencia. Tambin extender Alzheimer, fotografiando a jvenes y ancianos con enfermedades mentales. Eso s, todos estos nuevos retratos los har con los pies bien puestos en la tierra.

similar to all of us. That is what connects us. In my portraits I want to contribute to that.

Kids are the protagonists of your first Water Portraits. Why portray children in the water? Children feel themselves free in the water. It is an environment that suits them best, when they play in the water their whole personality comes out. Children are difficult to photograph because it is difficult for them to concentrate and focus. The water helps to get good portraits of them because they feel comfortable. Besides that, it was of great help because it impressed the kids pretty much and because they had to be prudent because of the electricity. Comfort and concentration was created by the setting of nautical studio and they could easily focus on the portrait for 10 minutes. And after that it was playtime again. The kids look kind of sad or serious in the portraits. Why did you capture this expression? People often ask me the same question. Some of them look quite happy and proud, but I consider the series of laughing people not so interesting. Most people think that a portrait photo must show a laughing person. It is in our genes to smile or say cheese when a camera is focused on us. To me that is not the same as a portrait. I want a photo of a person that gets you into his or her world. That touches and moves you. Portrait photography is associated with the smile, but I think that a smile must have a meaning and tell you something about the person. I go for the mystery of life, the things you can't tell in words. I want to contact the silence within ourselves. That is what connects the portraits and transcends them. Immortalizing life as it manifests itself in a fleeting instant; on a face is what I look for. That can be in a laugh, but it must be real and not a result of a command. In painted portraits you don't see many people laughing, you have to sit still and focus. This is the same thing I do with photography; I want to tell a story about the person portrayed. Someone once told me after a session: You really worked with me. Most of the photographers ask me to look at the camera, then they shoot a few times and are gone. In order to get a laugh you have to do funny things and that keeps you away from concentration. It disturbs the silence which is necessary to built up a span between the portrayed person and the photographer. Then you did the Male Madonnas, also in the water. The reason for including men with their children was because the mothers would not come out in a bathing suit. How was that process where you grouped them as male madonnas" and, in some way, question the father/child relationship? Can you also tell us also how this concept was born? When a mother refused to be portrayed with her baby she suggested that I should picture the father. Seeing the result I thought: This is even better. The portraits of Male Madonnas are about the special relationship between fathers and their children. Being a father myself I am aware of that bond. In the swimming pool you have a perfect place and environment to represent that and bring that to life. They are naked, wet and very close. Sometimes it looks as if they transform into one human creature. Sometimes you see them comfort their children like a mother. The Water Portraits by Alex ten Napel have been hugely successful in Europe, and have been exhibited in galleries in Holland, Russia and Ireland, amongst others, as well as in New York. He is currently working on a series of 12-year-old boys from The Netherlands and other European countries, looking to reflect the transition stage between childhood and adolescence. He will also extend Alzheimer, by photographing young and old people with mental illnesses. However, for all these new portraits, he will make them with his feet well set on firm land.

Tran and Lilian, impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

"Gerbert", impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

"Jamie#1", impresin digital en colores cromognicos, 100 cm x 100 cm (edicin de 5) o 60 cm x 60 cm (edicin de 9).

116 . 117
Per | Peru Artista multidisciplinaria | Multidisciplinary Artist

Valeria Ghezzi
Cosmopolita y raigal | Cosmopolitan and rooted
Por Manuel Munive Maco . crtico de arte (Per) Fotografas cortesa de Valeria Ghezzi

aleria Ghezzi (Lima, 1974) fue una de las primeras artistas peruanas cuya obra exiga, simultneamente, la contemplacin y la lectura: ya en sus cuadros tempranos hallbamos articulados vocablos junto a imgenes y signos. Haber permanecido atentos al desarrollo de las artes visuales en el Per de los '90 permiti distinguir su aporte dentro de la panoplia de propuestas que conformaban aquella renaciente escena limea. Por la filiacin grfica de los elementos que trasvasaba a su propuesta plstica y su erudito manejo de las citas, por la mencionada vocacin enunciativa que la llevara a una valoracin conceptual y potica de la palabra dentro del cuadro, as como por su peculiar modo de abordar la composicin, era evidente que su formacin como artista no haba sido convencional. En verdad, una mirada rpida a su periplo formativo puede darnos una idea acerca de la heterodoxia de sus recursos: la artista estudi orfebrera, diseo grfico, dibujo, pintura, corte y confeccin y poesa en instituciones del Per, Italia, Inglaterra y Sudfrica. En el caso de Valeria Ghezzi preferimos hablar de el cuadro antes que de la pintura pues ella es particularmente fiel a la indagacin conceptual del soporte bidimensional al que concibe como un territorio de operaciones visuales, en donde las imgenes se yuxtaponen o se superponen como en un palimpsesto; soporte sobre el que dibuja, pinta, escribe, transfiere, imprime, tie, adhiere, cala, borda, etc. Y aunque una seccin de su obra se ha emancipado de las paredes de la galera, derivando en experiencias como las ms recientes incursiones en la instalacin y la

aleria Ghezzi (Lima, 1974) was one of the first Peruvian artists whose work demanded, simultaneously, both contemplation and reading: already in her earlier paintings we could find words together with images and signs. Having followed the development of visual arts in Peru during the 90's, allowed us to distinguish her contribution within the whole array of panoply that made up that renewed Lima scene. Through the graphic filiation of elements that flowed to her plastic proposal and her knowledgeable use of quotations, thanks to the previously mentioned expressive vocation that would carry her to a conceptual and poetic value of the word within the painting, and because of her peculiar approach to composition, it was evident that her training as an artist had not been conventional. Actually, a quick look at her training journey can give us an idea of the heterodoxy of her resources: the artist studied metal smithing, graphic design, drawing, painting, tailoring and poetry in different institutions of Peru, Italy, England and South Africa. In the case of Valeria Ghezzi we would rather talk of the picture than the painting since she is particularly faithful to conceptual investigation of the bi-dimensional support, which she conceives as a visual operations territory, where images juxtapose or overlap like in a palimpsest; a support over which she draws, paints, writes, prints, dyes, sticks, cuts, embroiders, etc. and although an area of her work has emancipated from the walls of the gallery, resulting in experiences like the most recent incursion into installation and performance which

Detalle de Caracola, serie Cantutas, 2011, collage y cera de abejas sobre tela, 105 x 140 cm.

performance que mereceran un anlisis ms detallado sobre la expansin de su potica y una tica que la lleva ahora a compartir sus procesos, consideramos que incluso stas surgen de reflexiones para las que el trabajo sobre el cuadro fue punto de partida y retorno. Si algo permanece en la actitud de la artista a lo largo de estos trece aos de actividad es su adiccin al fragmento y a las lecturas ilimitadas que propicia ste en relacin con otros fragmentos. Valeria Ghezzi plantea en sus cuadros la resimbolizacin de una iconografa diversa e ilimitada que le provee de diseos y motivos, provenientes de repertorios de la historia del arte universal y de aqullos menos prestigiosos como el papel mural o la tela estampada, los que terminan uniformizados sintcticamente al formar parte de una misma urdimbre visual en la que una sutil erosin de su iconicidad los aleja de lo puramente decorativo. Result particularmente notable la incorporacin de los repertorios arqueolgicos peruanos a su lenguaje visual, no slo porque estableca una pugna con la cultura occidental, sino que al ser stos lingsticamente inaccesibles por la consabida carencia de una escritura alfabtica que nos permita acceder al pensamiento de la cultura que los forj, se han convertido en una suerte de formas-vocablo que denotan un contexto sin dejar de ser crpticos. Valeria Ghezzi fue una de las primera artistas jvenes que en el Per formul una obra artstica a partir de prstamos con los que despersonalizaba su impronta y ocultaba su identidad ms no su subjetividad.

deserve a more detailed analysis on the expansion of her poetry and an ethic that now takes her to share her processes, we consider even these arise from reflections for which the picture was just a starting and finishing point. If something has remained in the artists attitude throughout these thirteen years of activity it is her addiction to fragments and the endless readings that these inspire in relation to other fragments. In her pictures Valeria Ghezzi proposes the re-symbolization of a diverse and unlimited iconography that provides her the designs and motifs, inspired by the repertoire of the history of universal art and those less prestigious like wall paper or fabric prints, which end up syntactically uniform when they become part of the visual warp where a subtle erosion of their iconicity distances them from what is purely decorative. Her incorporation of Peruvian archaeological repertoire to her visual language was particularly remarkable, not only because they established a debate with western culture, but also because they are linguistically inaccessible for their known lack of an alphabetic writing that would allow us to access the thought of the culture that forged them, that way, her works have become a sort of word-shapes denoting a context without ceasing to be cryptic. As we have seen, Valeria Ghezzi was one of the first young artists in Peru to create a work of art borrowing subjects with whom she impersonalizes her imprint and hides her identity but not her subjectivity.

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Chile | Chile Artista multidisciplinaria | Multidisciplinary artist

Manuela Viera-Gallo
Artillera plstica | Artistic artillery
Tiene una opinin sobre cada acontecimiento relevante para la sociedad nacional o internacional; algunos de esos pensamientos los comunica a travs de videos, instalaciones o esculturas. Y apunta, a veces sin piedad, contra la violencia, la desigualdad y otros de los males que la aquejan a ella y al resto de los mortales. She has an opinion on every event relevant to national or international society; she communicates some of those thoughts through videos, installations and sculptures. And she aims, sometimes merciless, against violence, inequality and the other ills that afflict her and the rest of mortals.
Por M. Anglica Navarro Ovalle . periodista Fotografas cortesa de Manuela Viera-Gallo

ueve palomas descansan sobre el Pentgono. No es ese que est en Washington, propiamente tal. Es uno de madera, construido por Manuela Viera-Gallo (Chile, 1977), y que se parece a la sede de Departamento de Defensa de Estados Unidos. Las palomas tambin son de madera, talladas a mano, al modo que quizs lo hara un artesano. Algunas se miran entre s y otras el panorama desde el edificio donde estn varadas. Aunque, para ser precisos, no todas pueden mirar. Varias no tienen ojos: en lugar de cabezas, algunas tienen granadas y otras un paquete de dinamita, una cmara o un megfono. Hay tambin dos aves enmascaradas. Slo una tiene la vista descubierta. Pero tiene cuchillos en sus alas y una granada entre las patas. Esta cesta de palomas como la artista la llama o este gallinero como ms simplemente la han nombrado otros se titula Pentgono y, tal como se evidencia, es una burla a la poltica de defensa del gigante norteamericano. Las aves son personajes en confusin evidente, realizando operaciones militares, conferencias de prensa y control de daos ante una amenaza inminente, pero desconocida. Es un reflejo de la desconexin y perplejidad frente al caos de un sistema de defensa altamente complejo, pero deshonesto y en constante crisis. Son como aves ciegas defendiendo un nido condenado, describe la Manuela. Este discurso social y poltico nos es nuevo ni casual. Es un producto de la historia de la artista. Manuela Viera-Gallo naci en Roma producto del exilio poltico de sus padres luego del golpe militar de 1973, se cri en Chile y hoy vive en Nueva York. Ser una nmade cultural le ha con-

ine pigeons rest on the Pentagon. It is not the one in Washington. It is a wooden one built by Manuela Viera-Gallo (Chile, 1977), which is similar to the one of the Department of Defence of the United States. The pigeons are also made out of wood, hand crafted, the way that maybe an artisan would do so. Some are looking at each other and others at the panorama seen from this building. Although to be precise, not all of them can see. Because several do not have eyes: instead of heads they have grenades, and others, a pack of dynamite, a camera or a megaphone. There are also two masked birds. Only one has an uncovered face. But it has knives on her wings and a grenade between her feet. This basket of pigeons as the artist calls it or simply this chicken coup as other have named it is entitled Pentagon and, as it is shown, it is a mockery of the politics of defence of the North American giant. The birds are characters in evident confusion, realizing military operations, press conferences and damage control before an imminent, but unknown threat. It is a reflex of disconnection and perplexity before the chaos of a highly complex defence system, but which is dishonest and in a constant crisis. They are like blind birds defending a condemned nest, describes Manuela. This social and political discourse is neither new nor casual. It is a product of the artists history. Manuela Viera-Gallo was born in Rome due to her parents political exile after the military coup in 1973, she was raised in Chile and today she lives in New York. Her quality as cultural

Paloma Vocera de Pentgono, 2011, 9 aves de roble de 50 x 25 x 14 cm. aprox. cada una, pentgono de 122 cm. de dimetro aprox. (edicin de 3)

ferido un rol de observadora muy particular, que tiene una artillera que usa y no abusa del absurdo, la irona, la manipulacin, la descontextualizacin y la brutalidad. Me interesa crear mi propia gramtica del arte contemporneo, mi propio arsenal visual, pero accesible a todos. Me interesan las fronteras entre lo legal y lo ilegal; lo que se oculta y que no sea solamente poltico, pero que venga de cosas que estn muy adentro de uno y que al revisarlas descubres que te hacen parte de una sociedad en su tiempo, explica. Has citado una frase de Albert Camus que dice A work of art is a confesin. En qu consiste tu confesin a travs de tu trabajo? Yo hablo como mujer y mi trabajo est invadido de mi condicin, ya que es inevitable. El ser mujer chilena nacida en exilio y ahora latina inmigrante, claro que me marca y forma lo que soy ahora. Todos somos resultado de nuestra historia y nuestro contexto, del espacio y el ambiente en donde nos desarrollamos. Los artistas somos comunicadores y yo utilizo mi individualidad con la intencin de que sea reflejo de algo colectivo. Creo es en la honestidad, y dentro de eso la obra funciona. Todo discurso artstico, ya sea visual o literario, debe detonar algo, o al menos debe intentarlo. Presentar el contexto es un tema recurrente en la historia del arte desde el Renacimiento: el artista como reflejo de su entorno. Por ah va mi confesin. Tengo una actitud crtica y quizs por all se filtra el trmino poltico.

nomad has given her a particular role as observer that possesses an artillery that uses without abusing the absurd, irony, manipulation, decontextualization and brutality. I am interested in creating my own grammar of contemporary art, my own visual arsenal, but which is accessible to everyone. I am interested in the boundaries between what is legal and illegal; in what is hidden which is not just political, but that comes from things that are deep within ourselves and that when you revise them one discovers that they make you part of a society in its own time, she explains. You have quoted Albert Camus when saying, a work of art is a confession. What is your confession through your work? I speak as a woman and my work is invaded by my condition, since it is unavoidable. Being a Chilean woman, born in exile and now a Latin immigrant, without a doubt marks me and forms a part of what I am now. We are all a result of our history and our context, of space and the environment where we develop. As artists we are communicators and I use my individuality with the objective of reflecting something collective. I believe that its the honesty, and in the artwork it works. Every artistic discourse, be it literary or visual, must trigger something, or at least it must try to. Presenting the context is a recurring subject in the history of art since Renaissance: the artist as a reflection of his environment. That is where one finds my confession. I have a critical attitude and maybe that is where the political meaning can be seen.

Cogotero de Pentgono, 2011, 9 aves de roble de 50 x 25 x 14 cm. aprox. cada una, pentgono de 122 cm. de dimetro aprox. (edicin de 3)

Trabajo la visualidad como eje de comunicacin de un sntoma, dijiste en una entrevista. Me interesa esta instrumentalizacin del arte como medio de comunicacin. Por qu sientes esta necesidad de entregar un mensaje? Por qu a travs del arte? Mi obra en general es el resultado de una observacin espontnea de esos sntomas a veces ocultos, y los proyecto a travs de prismas que desvan la realidad hacia campos ms abiertos, para descubrir cmo la interpreta el espectador. Me interesa ver qu relacin inconsciente, personal o social ste establece con las imgenes mediticas que reconoce en el proceso. El arte est hecho de lo cotidiano y es en el cortocircuito entre lo imaginario y lo real donde operan mis imgenes. Nadie imagin el colapso de regmenes y utopas que generaciones atrs consideraban sagradas, ni el fracaso del sistema financiero o que el triunfo de la tecnologa individual sera parte primordial en la comunicacin humana. La gente no es consciente de estos cambios rpidos; los acepta y asume como realidad sin entenderlos del todo. Yo entiendo esta realidad como algo inverosmil , irreal: se caen aviones y edificios, la era espacial, el culto desproporcionado de lo famoso y la desigualdad enorme entre pocos ricos y muchos pobres. Es as como he llegado a ver la realidad como un opuesto, como una verdadera contradiccin. Me interesa estudiar el filo de ciertas situaciones que existen y hacerlas reales. Todas estas ideas toman forma de video, escultura o instalacin. Son me-

During an interview you said: In general, I use what is visual as the main way of communicating a symptom. I am interested in this instrumentalization of art as a communication media. Why do you feel the need to convey a message? Why through art? In general my work is rather the result of a spontaneous observation of these symptoms which are often hidden-, and I project them through certain prisms that divert reality to more open fields, in order to discover how the spectator interprets it. I am interested in seeing which subconscious, personal or social relationship is established with the mediatised images that are recognized in the process. Art is made of the everyday and is a short circuit between the imaginary and reality where my images work. Nobody imagined the fall of regimes and utopias that generations past considered sacred, or the collapse of the financial system or that the triumph of technology would be an essential part of human communication. People do not realize these rapid changes; they assume it and accept them as a reality without fully understanding them. I understand this reality not only as hard but also as something hard to believe, unreal: planes and buildings fall down, space age, the disproportionate cult to what is famous and the enormous disparity between few rich people and many poor ones. That is how I have come to see reality as an opposite, like a true contradiction. I am interested in studying the cutting edge of certain situations which exist and making them real. All these ideas take the shape of a video, sculpture or installation.

UN y Paloma Kamikaze de Pentgono, 2011, 9 aves de roble de 50 x 25 x 14 cm. aprox. cada una, pentgono de 122 cm. de dimetro aprox. (edicin de 3)

dios que, segn cada proyecto, se subordinan a la idea, dice Manuela. Los temas de Viera-Gallo son universales el colapso de los valores, ideologas o utopas tradicionales, la guerra, los desastres naturales, la migracin e intercambio cultural, la violencia intrafamiliar, y con esos motivos en estado de quebrantamiento es con lo que la artista busca llegar a su pblico. La interaccin es ms directa en una crisis, dice, pero el enganche lo hace a travs de las preocupaciones cotidianas, la ansiedad, el deseo a ser amado, las obsesiones, los sistemas, los temores, las cadas. As, el reconocimiento de situaciones es ms emocional e inmediato. En Pentgono hace una crtica a la poltica global con elementos aparentemente inofensivos. En Behind Closed Doors una serie de cuervos encapuchados habla de los protestantes de movimientos populares como el Occupy Wall Street, la primavera rabe o las revueltas estudiantiles a travs de un ave que culturalmente est cargada de significados poticos y mticos asociados al ocultismo. En Volverse cannibal una performance en que quebraba platos contra una pared, reflexiona acerca de las conductas civilizadoras que han reprimido el carcter y los reflejos naturales propios de nuestra parte ms honesta, pero atrofiada: la animal. Manuela Viera-Gallo siente que estamos al borde una nueva y an desconocida doctrina. Y como lo dice la gran curadora colombiana, Beatriz Lpez, la ma es una generacin que ha estado obstinada en desmentir los grandes discursos estticos e histricos y en el cuestionamiento de cualquier orden preestablecido.

They are medias that, depending on each project, surrender to the idea, says Manuela. The topics of Viera-Gallo are universal the collapse of values, ideologies or traditional utopias, war, natural disasters, migration and cultural exchange, domestic violence, and those motives in state of violation are the ones the artist uses to reach her audience. Interaction is more direct in a crisis, she says, but the connection is made through daily concerns, anxiety, the desire of being loved, obsession, systems, fears, and falls. Thus, the acknowledgment of situations is more emotional and immediate. In Pentagon she criticizes global politics with elements that from the simple view are inoffensive. In Behind Closed Doors a series of hooded crows she speaks about the protestors of popular movements like Occupy Wall Street, the Arab spring or student riots by using a bird that is culturally charged of poetical and mythical meanings associated to occultism. In Becoming Cannibal a performance where she breaks dishes against a wall, she reflects about civil conducts which have repressed the character and natural reflexes which belong to our most honest but most damaged part, the animal one. Manuela Viera-Gallo feels that we are at the border of a new yet unknown doctrine. And as the great Colombian curator Beatriz Lopez says, my generation is one that has been stubborn about denying the great aesthetic and historical discourse and about the questioning of any pre-established order.

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Proyecto Chilecultura Frente a la creciente necesidad de dotar a las Misiones de Chile de elementos grficos que puedan ilustrar diversos aspectos del quehacer cultural nacional, el Ministerio de Relaciones Exteriores, por intermedio de la Dirac, concibi el programa ChileCultura, el cual busca mediante el lanzamiento de series de diez Afiches-reproducciones de gran calidad grfica y de connotados artistas nacionales, difundir las artes visuales chilenas aprovechando la visibilidad que tienen los salones de residencias y cancilleras.

El proyecto en su etapa inicial incluye obras de la artista visual cintica Matilde Prez, y de los fotgrafos; lvaro Hoppe, Jorge Brantmayer y Paz Errzuriz. Los cuales donaron la reproduccin de sus obras. En esta primera entrega, se reproducen las obras en formato de 100 x 70 cmts. El tiraje por obra es de 300 ejemplares, en papel couch Zanders MegaMat de 350 grs. impresin offset.

DIRAC

Ministerio de Relaciones Exteriores

Gobierno de Chile

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