Libro Programacion Temporada 2023 2024 Web PDF

Temporada 2023/2024
PATROCINADORES
GENERALES
COLABORACIÓN
PROGRAMA SOCIAL
COLABORADORES
SALA MANUEL GARCÍA

Temporada 2023/2024 1
VUELVE
A MIRAR
“Si vuelves a mirar con detenimiento, como un lector lee sosegadamente las
páginas de un libro, tú mismo te convertirás en narrador”, nos dice el filósofo
Jacques Rancière. Acomodados plácidamente, viendo lo que queremos ver,
en la oscuridad de la sala de un teatro, los espectadores, pertenecemos a una
“comunidad de visión”, parafraseando a Jacques Derrida. Somos narradores
visuales, participantes activos del hecho artístico. Nuestro ejercicio y nuestra
responsabilidad es saber elegir qué mirar. Y saber cómo mirarlo. Cuando lo
hacemos, y puesto que la mirada trabaja, producimos muchas cosas…
sabiduría y gozo, también.
Sobran imágenes, es cierto. Vivimos aturdidos en una borrachera visual. Pero si

volvemos a mirar bajo nuestra elección, descubriremos que en la base de la mirada
está el deseo: nuestro deseo. Llegamos al Teatro de la Maestranza impulsados,
guiados por un deseo. El deseo de oír, sí. Pero el deseo de mirar, también. Mirar,
en un teatro, es permitir la revelación de una experiencia de placer, conmoción
y misterio. También el deseo del reencuentro con lo que creíamos ya visto y oído
porque, en nuestro interior, sabemos que, en el reencuentro con lo visto, el pasado
vibra de otro modo, se nos aparece distinto, adquiere nuevas resonancias.
2 Teatro de la Maestranza Temporada 2023/2024 3

Les proponemos volver a mirar. ¿Lo ya visto? No, exactamente. Nunca se mira dos
veces lo mismo del mismo modo. Volver a mirar es renacer. A lo que les invitamos
es a cambiar el punto de vista y a sentirse espectadores libres y activos que han
decidido mirar porque les impulsa el irreprimible deseo de descubrir, conocer y gozar.
Piérdanse en Tristán e Isolda de R. Wagner, esa paradójica “ópera para ciegos”

porque, aunque les gustará su puesta en escena, su transcendencia metafísica
nos penetra el alma y habita más allá de lo vislumbrable. En Tristán vemos
el interior, lo no visto. Vuelvan a Norma de V. Bellini: les resultará conocida
y, sin embargo, en cada montaje renace continuamente nueva, diferente y
siempre, siempre, nos acaba arrastrando en el ensueño de su Casta Diva y sus
evanescentes e inolvidables melodías. Con el placer de volver a mirar, disfruten
también el gozo de la repetición, la confortabilidad de regresar a un lugar, una
ópera es un lugar, donde fuimos felices para volver a serlo otra vez. Vuelvan a
mirar a Javier Camarena, estrella absoluta del firmamento lírico. Descubran
un nuevo Nabucco de G. Verdi, bajo la propuesta estética de Christiane Jatahy,
en su primera incursión operística. Y la Alcina de G. F. Händel, por primera
vez en el escenario del Maestranza y bajo la dirección de escena de otra mujer,
la reconocida internacionalmente Lotte de Beer. La Bella Susona de Alberto
Carretero, en estreno absoluto que será una forma de volver a mirar Sevilla. Y
Los gavilanes de Jacinto Guerrero, si es que alguna vez antes posaron sus ojos en
ellos. Todas ellas vienen cargadas de imágenes. Nuevas. Pero descubrirán que la
belleza y las resonancias de sus arias, sonoramente, les aflorarán imágenes que, en
realidad, ya vivían dentro de nosotros. Porque, como dice el videoartista Bill Viola,
“nosotros somos bases vivientes de imágenes”. Somos coleccionistas de imágenes.
También para eso venimos al Teatro, para continuar engarzando perlas en nuestro
bonito collar de imágenes que solo pudimos mirar y retener contemplando el gran
escenario del Teatro de la Maestranza. Allí donde las imágenes, desde la oscuridad,
como los sonidos brotando del silencio, nacen, resplandecen y se desvanecen.
Cuando salimos del Teatro, ya nutren nuestra memoria.
El Maestranza, que no solo es un teatro que exhibe, sino que también es un centro
de creación, un teatro que inventa, ha vuelto a mirar sobre esos títulos.
Para recrearlos con nuevas miradas, en solitario, como en Tristán, esa ópera
que, en realidad, “no sucede, o no deja de suceder...”, y en compañía de otros
teatros, como en La Bella Susona junto al Auditorio de Tenerife y Nabucco,
en coproducción con el Grand Théâtre de Genève, los Théâtres de la Ville
de Luxemburgo y la Opera Ballet Vlaanderen. También afianza su colaboración

con instituciones locales, como el Teatro Lope de Vega, con el que se aliará para la
puesta en escena de Lazarillo de Teatro Xtremo o el Festival de Música Antigua
de Sevilla, colaborando un año más en dos conciertos de su próxima edición. Las
“comunidades de visión” no alcanzan solo a los espectadores. La creatividad de
los teatros y su eficiencia económica también forman parte del mirar colectivo.
La danza vuelve cinética la mirada. Le imprime ritmo, vértigo, la obliga a fijarse,

a encuadrar, a elegir fragmentos porque no puede abarcarlo todo, a dejar fuera del
marco, a concentrar en tal bailarín un potente primer plano… Todo eso es editar.
Los espectadores autoeditamos en directo el espectáculo que contemplamos. Y la
danza nos sacude, agita nuestra mirada y la pone a prueba. Pónganse a prueba de
María Pagés o de la Martha Graham Dance Company, que revisa sus fantásticas
coreografías, del Ballet Nacional de España, que baila las imágenes de un
fotógrafo, Ruvén Afanador, lo que significará mirar a otra mirada, de la Compañía
Nacional de Danza, del Ballet Preljocaj y su ecológico Lago de los cisnes, de Eva
Yerbabuena… Verán cómo, al contemplar esos sugestivos espectáculos, su mirada
de espectadores se convulsiona, se estira y se contrae, vuelve hacia atrás y hacia
adelante, cree que recuerda y sin embargo, descubre. Descubre, pero también
recuerda. Porque Martha Graham lo dejó todo prácticamente dicho. Es decir,
visto. ¿Sí? Sí y no. Sobre la mirada de la Graham, los coreógrafos y bailarines que
hoy danzan bajo su nombre hacen eso: vuelven a mirarla. Y con esa mirada nueva
la actualizan y nos la traen, viva, hasta el presente.
El lema de la temporada se quiebra y brilla de repente con un nuevo fulgor cuando

reaparecen las grandes orquestas. Habíamos dejado de verlas. Pero aquí están
de nuevo. Llegan en tropel, descubriéndonos nuevas luces de sonidos ya oídos,
quizá, pero no como vamos a verlos ahora, si el sonido fuera una sinestesia. Las
hay para todos los gustos y aficiones. La Mahler Chamber Orchestra, sueño
de un visionario Claudio Abbado, con el brillante Daniele Gatti en el podio. La
de la Fundación Barenboim Said con ese portento que es Vasily Petrenko. La
Barroca de Sevilla, que es otra imagen que no nos cansamos de ver. musicAeterna
de Teodor Currentzis que, más que una orquesta, es una congregación de
devotos seguidores de un genio que nos está devolviendo el fulgor, el rojo fuego
crepitante, de los grandes visionarios musicales de antaño. Cuando la veamos,
creeremos haberla visto. Porque llevamos años soñando con que la vimos. Al fin.
El Collegium 1704, un tesoro checo del mejor barroco, con El Mesías, que es esa
típica obra, como Las cuatro estaciones que ofrece la Barroca de Sevilla, a la que
la mirada regresa sin dudarlo igual que busca esos rincones amigables que ella

siempre reconoce confortables y cálidos. En esos conciertos, la mirada se deja llevar
por el júbilo de los sonidos, pliega los párpados y descansa. La Orquesta Joven de
Andalucía, la Orchestra Barocca Zefiro, con los Conciertos de Brandenburgo de
J. S. Bach. Este año la temporada trae un irresistible hit parade barroco. Y
atención, plano congelado, fotograma fijo… la Filarmónica de Viena, con Lorenzo
Viotti, que dejará en la retina una imagen a la que, inmediatamente después
de salir del Teatro, ya querremos volver, como mirones golosos, una y otra vez.
Mundo aparte es Grigory Sokolov, el titán ruso, que avanza en la oscuridad del
escenario, se sumerge en el teclado y solo vuelve de la bruma para volverse a
marchar dejando atrás no una, sino una larga estela de iridiscentes imágenes.
El repertorio visual del Maestranza es híbrido, ecléctico, contiene doradas

imágenes clásicas y, de repente, se abre a otras más juguetonas y diversas.
La mirada es traviesa. Busca no aburrirse. Israel Fernández, Stacey Kent,
Grease. El musical, Manuel Lombo, Tomatito y la gran Mayte Martín,
cantándonos las imágenes de nuestra sentimentalidad generacional, refrescan
nuestra mirada, la llevan a otros paisajes y horizontes que nosotros, curiosos,
disfrutamos.
A las mujeres creadoras que la historia olvidó en su relato oficial, escrito por
hombres, las llamamos “borradas” porque no se las ve. Rasgando el Silencio,
que por tercer año programa su trabajo como quien convoca a un fantasma,
nos obliga a eso, a mirarlas. Tal y como los programas Alternativas de Cámara
-ojos detectivescos para identificar a los solistas del mañana-, o para las Jóvenes
Audiencias, con sus propuestas divertidas para aprender a entrenar la mirada,
completan el surtido de imágenes de la nueva temporada.
Apaguen los móviles, bloqueen el bombardeo de imágenes que no queremos

ver, cierren los párpados, relajen la tensión ocular y, cuando estén sentados en
sus butacas y el espectáculo esté a punto de arrancar, ábranlos de golpe y, ahora sí,
entréguense plenamente a su mirada. Verán que, en el escenario, un mundo nuevo
ha surgido para ustedes. Déjense llevar por el deseo que les arrastró hasta el teatro
y contemplen otra vez. Entréguense al placer. Descubran el gozo de volver a mirar.
Javier Menéndez Álvarez

Director general
8 Teatro de la Maestranza Agenda 9

Agenda
*SALA MANUEL GARCÍA 23 y 24
• TEATRO LOPE DE VEGA Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
˚FUNCIONES ESCOLARES
26 GRAN SELECCIÓN
2023/2024
Mahler Chamber Orchestra PÁG.75
12/23
1y2 DANZA
Ballet Nacional de España PÁG.56
5 RASGANDO EL SILENCIO - SMG*

El piano español del siglo XIX: PÁG.108
compositoras de la época isabelina
7y8
09/23
27 y 30 LÍRICA Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Tristán e Isolda PÁG.16
13, 14, 15, 16 y 17 CITA EN MAESTRANZA
Grease. El musical PÁG.96
21 y 22
10/23
NAVIDAD
3 LÍRICA
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Tristán e Isolda PÁG.16
26 CITA EN MAESTRANZA
Manuel Lombo PÁG.101
Israel Fernández PÁG.93
27 y 28 JÓVENES AUDIENCIAS
7 DANZA
El barbero de Sevilla PÁG.117
María Pagés Compañía PÁG.48
29 GRAN SELECCIÓN
Orquesta Fundación Barenboim-Said PÁG.77
El legado de Europa PÁG.108
12 y 13
01/24
3 AÑO NUEVO
15 DANZA Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Martha Graham Dance Company PÁG.52
11, 12 y 13 DANZA
18 y 19 Compañía Nacional de Danza PÁG.60
28 JÓVENES AUDIENCIAS
02/24
Concierto para Zapata y Orquesta PÁG.115 3 LÍRICA
Javier Camarena PÁG.27
6˚, 7˚ y 8˚ JÓVENES AUDIENCIAS
11/23
12, 15, 17 y 18 LÍRICA El barbero de Sevilla PÁG.117
Norma PÁG.20
6, 8 y 10 LÍRICA
13 CITA EN MAESTRANZA Alcina PÁG.28
Stacey Kent PÁG.95
9 GRAN SELECCIÓN
16 LÍRICA Las cuatro Estaciones. PÁG.79
XIX Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla PÁG.25 Orquesta Barroca de Sevilla

13 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG* 7 DANZA
Antón & Maite Piano Dúo PÁG.110 Eva Yerbabuena PÁG.68
14 RASGANDO EL SILENCIO - SMG* 10 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*

Nothin’ But Love PÁG.108 Pablo Heredia y Cía. PÁG.110
15 y 16 11 y 12
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Tomatito PÁG.103
05/24
4 GRAN SELECCIÓN
Conciertos de Brandenburgo. PÁG.87
Grigory Sokolov PÁG.105
Orchestra Barocca Zefiro
20 y 21
9 y 11 LÍRICA
Los gavilanes PÁG.36
24 y 25 DANZA
El lago de los cisnes. Ballet Preljocaj PÁG.64
Vientos de cambio PÁG.108
14 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*
03/24
Dúo Brazo y Fernández PÁG.110
Mel Bonis: cuartetos con piano PÁG.108 16 y 17
7˚, 8˚y 9 JÓVENES AUDIENCIAS
Claroscuro PÁG.119 25 LÍRICA - TLV•
Lazarillo PÁG.41
12 GRAN SELECCIÓN
Réquiem. musicAeterna PÁG.81
06/24
13 y 15 LÍRICA
13, 16, 18, 19, 21 y 22 LÍRICA
La Bella Susona PÁG.32
Nabucco PÁG.42
24 GRAN SELECCIÓN
Mayte Martín PÁG.107
Orquesta Filarmónica de Viena PÁG.89
18 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*
27 y 28
Globo Ensemble PÁG.110
21 y 22
07/24
24 GRAN SELECCIÓN 3 y 4
El Mesías. Collegium 1704 PÁG.83 Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
04/24
1 GRAN SELECCIÓN
La Consagración de la Juventud. PÁG.85
Orquesta Joven de Andalucía
4y5

Tristán e Isolda
Richard Wagner
27 y 30 de septiembre 19h.
3 de octubre 19h.
Ópera
Sonia Espigares
16 Teatro de la Maestranza Danza 17
El amor y la muerte,
en una ópera metafísica
ÓPERA Inspirada en una leyenda medieval de origen celta, Tristán e Isolda no solo
TRISTÁN E ISOLDA
abanderó la vanguardia musical de su tiempo, llevando la tonalidad hacia
un punto de no retorno, sino que, con su cromatismo, su inestabilidad
Libreto de Richard
Wagner. Estreno en
armónica, su exacerbada voluptuosidad y su angustia orquestal -“música
el Teatro Nacional de enferma”, la llamó el crítico Eduard Hanslick- constituye un símbolo de
Múnich el 10 de junio
de 1865.
la victoria del sentimiento sobre la razón, arrastrándonos hacia el profundo
misterio de la noche insondable, de un amor imposible que trasciende
Fechas
27 y 30 de septiembre,
la vida y solo es realizable más allá de la muerte.
19h.
3 de octubre, 19h.
Cumbre del drama musical wagneriano, en el que la música, el texto
Actividad paralela y la acción escénica se funden en una continua unidad común, constituye
Conferencia En torno
a Tristán e Isolda
una cima del romanticismo alemán sobre la que ronda la metafísica y
26 de septiembre,19h. gravita el descubrimiento de la filosofía de Arthur Schopenhauer, con su
Entrada gratuita hasta
completar aforo.
impacto sobre un Richard Wagner arrastrado por su pasión hacia Mathilde
Wesendonck, inspiradora de esta obra y esposa de uno de sus mecenas.
El Teatro de la Maestranza estrena una nueva producción propia con

dirección de escena del hispano-brasileño Allex Aguilera -quien ya puso
en escena el Tristán con dirección musical de Zubin Mehta- con la ROSS
en el foso dirigida por el húngaro Henrik Nánási. Stuart Skelton, Elisabet
Strid y Agnieszka Rehlis lideran un apabullante reparto con el que este
título esencial sobre el deseo, la sexualidad, el amor imposible y la muerte,
retorna al escenario del Teatro de la Maestranza tras 14 años de ausencia.
Una de las más bellas y perturbadoras experiencias líricas que se pueden

vivir en un teatro de ópera.
Dirección musical Henrik Nánási Tristán Stuart Skelton

Dirección de escena Allex Aguilera Isolda Elisabet Strid
y escenografía
Bragania Agnieszka Rehlis
Diseño de vestuario Jesús Ruiz
Kurwenal Markus Eiche
Diseño de iluminación Luis Perdiguero
Rey Marke Albert Pesendorfer
Pastor / Joven marinero Jorge Rodríguez-Norton
Nueva producción del Teatro de la Maestranza
Melot Fernando Campero
Sonia Espigares
Coro Teatro de la Maestranza Timonel Juan Antonio Sanabria
Lírica 19
Norma
Vincenzo Bellini 12 de noviembre 19h.
15, 17 y 18 de noviembre 20h.
Ópera
Roberto Ricci
Pasión, belicismo y bel canto
ÓPERA En el contexto de una guerra continua, ante los escombros de una sociedad
NORMA
derrotada y conquistada, mostrando el conflicto entre vencedores
y vencidos, se manifiestan los delirios amorosos y los celos de Norma,
Libreto de Felice
Romani. Estreno en
seguramente la heroína más grande surgida de la pluma de Bellini.
el Teatro alla Scala Norma es una ópera mítica, pues además de contener una de las arias
de Milán el 26 de
diciembre de 1831.
más conmovedoras y populares -Casta Diva- hecha suya por algunas
de las grandes cantantes de la historia, como Maria Callas, a quien
Fechas
12 de noviembre, 19h.
homenajeamos con la programación de una de las obras que la hizo más
15, 17* y 18 de famosa, en el centenario de su nacimiento, Joan Sutherland o Montserrat
noviembre, 20h.
Caballé, que la enarbolaron como un ejemplo de complejidad y rotundidad
Actividad paralela femeninas, aúna valores de devoción, maternidad y rivalidad vengativa que
a Norma 11 de noviembre
la convierten en una transgresora heroína del melodrama belcantista.
19h.
completar aforo.
Desde su estreno en la Scala de Milán en 1831, la dramática historia
de la suma sacerdotisa y el procónsul romano Pollione, ha encendido
los auditorios con su explosión de deslumbrantes exigencias vocales
y belleza melódica.
Con un magnífico doble reparto donde destacan, bajo la dirección del

maestro Yves Abel y el director de escena Nicola Berloffa, Yolanda Auyanet,
Francesco Demuro, Raffaella Lupinacci y Rubén Amoretti, el Teatro de
la Maestranza presenta un título que, como Tristán e Isolda -por cierto,
Wagner admiraba Norma- pivota sobre grandes conceptos opuestos y
que, en un entorno de ardientes pasiones, belicismo y fanatismo religioso,
nos atrapa en la tela de araña melódica y vocalmente exquisita que,
admirablemente, fue compuesta por Bellini en menos de tres meses.
Dirección musical Yves Abel / Norma Yolanda Auyanet /

Pedro Bartolomé* Berna Perles*
Dirección de escena Nicola Berloffa Adalgisa Raffaella Lupinacci /
Andrea Niño*
Diseño de escenografía Andrea Belli
Pollione Francesco Demuro /
Diseño de vestuario Valeria Donata Bettella
Carlos Cosías*
Diseño de iluminación Marco Giusti en
Oroveso Rubén Amoretti /
colaboración con
Luis López Navarro*
Giorgio Valerio
Clotilde Mireia Pintó
Flavio Néstor Galván
Producción del Teatro Regio de Parma en
coproducción con el Teatro Municipale de Piacenza
y el Teatro Comunale de Módena
Coro Teatro de la Maestranza
Roberto Ricci
Lírica 23
La lírica se renueva
Fecha En colaboración con la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera

(ASAO), el gran escenario del Teatro de la Maestranza acoge la gala final
Entrada gratuita hasta del Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla, una iniciativa de la ASAO
completar aforo
que busca promocionar nuevos valores de la lírica. Esta convocatoria se
ha convertido ya en una cita clave en el calendario anual de la ópera en
España; no en vano, ha supuesto un trampolín en la carrera de rostros
emergentes de este género con carreras consolidadas, como Leonor
Bonilla, Berna Perles, Damián del Castillo o Natalia Labourdette.
El Teatro de la Maestranza, que en la elaboración de sus repartos tiene

muy en cuenta la presencia de voces españolas acreditadas por su
Certamen lírico
excelencia, se siente muy orgulloso de apoyar un concurso que contribuye
decisivamente a renovar nuestra escena lírica y que supone establecer
modos de relación activos y participativos con la afición lírica sevillana
aglutinada en torno a una Asociación cuya trayectoria, pues nació en
1990, discurre paralela a la del propio Teatro, cuyas obras de construcción
también comenzaron entonces.
El Certamen cuenta con el patrocinio de instituciones como la Consejería

de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta de Andalucía, el Festival
de Música Española de Cádiz, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla,
el Ayuntamiento de Sevilla. El Real Círculo de Labradores de Sevilla y la
colaboración de prestigiosas entidades internacionales como el Festival
della Valle D’Itria de Martina Franca o la Fundación Victoria de los Ángeles,
con las que se desarrollan actividades conjuntas para la promoción de los
jóvenes cantantes líricos.
XIX Certamen
Nuevas Voces
Ciudad de Sevilla Organizado por la Asociacion Sevillana
Guillermo Mendo
de Amigos de la Opera (ASAO) en colaboración

con el Teatro de la Maestranza
24 Lírica 25
El júbilo deslumbrante
Recital lírico
de un tenor popular
Fecha Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa
3 de febrero, 20h.
y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica
internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los
grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores
que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut
en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera
belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al
público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su
naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores
latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de
ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46 años, su óptimo momento
vocal, con un programa que girará entorno a la obra de Francesco Paolo
Tosti, (1846 - 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran
Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey
Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un
éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di
Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena,
enamorado de esas canciones, también lo hace.
El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para
Javier Camarena
la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico
ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para
el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas
de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña,
de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la
exquisitez de la ópera francesa.
He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de

premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el
único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes
del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine,
la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma
popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia
de una emoción inolvidable.
Tenor Javier Camarena Piano Ángel Rodríguez
26 Lírica 27
6, 8 y 10 de febrero 20h.
Ópera
Alcina
Jochen Quast
Georg Friedrich Händel
Una historia mágica sobre
el poder y la redención
ÓPERA Este cuento de hadas que nos embruja con el uso de la magia para
ALCINA
seducir a los amantes, es una de las más bellas óperas de G. F. Händel,
quizá porque el compositor confía toda la potencia lírica a la capacidad
Libreto de Antonio
Marchi, basado en
arrolladora de una historia de amor atravesada por ribetes fantásticos
L’isola d’Alcina de y a una escritura musical que embelesa por la alta potencia expresiva
Riccardo Broschi a
partir de los cantos
de su belleza melódica.
VI y VII del poema
épico Orlando furioso
(1516) de Ludovico
En una isla encantada, Alcina es una poderosa hechicera que emplea sus
Ariosto. Estreno en poderes mágicos para enamorar a los hombres a los que luego, cansada
la Royal Opera House
de Londres el 16 de
de ellos, convertirá en animales salvajes. Sin embargo, su inesperada
abril de 1735. entrega a un amor no correspondido, en medio de un confuso enredo
Fechas
sentimental lleno de episodios de celos, confusión y caos, la arrastrará
6, 8 y 10 de febrero, a una deriva emocional que nos lleva a reflexionar sobre el uso del poder,
20h.
sobre la redención y sobre la posibilidad de abrazar la empatía y el amor.
Actividad paralela Alcina es hoy una de las óperas de Händel más celebradas y programadas
a Alcina 5 de febrero,
y ha sido cantada por voces como Renée Fleming, Natalie Dessay
19h. o Magdalena Kozená.
completar aforo.
La soprano Jone Martínez, la mezzo Maite Beaumont, junto a Lucía Martín-
Cartón, Daniela Mack, Ruth González, Juan Sancho y Gabriel Bermúdez,
comparten un espléndido reparto de voces para el retorno de la ópera
barroca escenificada al Maestranza, en una producción de la reconocida
Lotte de Beer, contando en el foso con la siempre excelente Orquesta
Barroca de Sevilla dirigida por un brillante especialista, Andrea Marcon.
Dirección musical Andrea Marcon Alcina Jone Martínez

Dirección de escena Lotte de Beer Morgana Lucía Martín-Cartón
Diseño de escenografía Christof Hetzer Oberto Ruth González
Diseño de vestuario Jorine van Beek Ruggiero Maite Beaumont
Diseño de iluminación Alex Brok Bradamante Daniela Mack
Video fettFilm Oronte Juan Sancho
Melisso Gabriel Bermúdez
Producción de la Deutsche Oper am Rhein
Orquesta Barroca de Sevilla
(Orquesta residente del Espacio Turina)
Jochen Quast
Lírica 31
La Bella
Susona
Alberto Carretero
13 y 15 de marzo 20h.
Ópera
32 Teatro de la Maestranza Lírica 33

Amor y traición en una Sevilla
de leyenda
ÓPERA En la judería sevillana, en las entrañas del barrio de Santa Cruz, cerca
LA BELLA SUSONA
de la Plaza de Doña Elvira, en una época marcada por la exclusión de
la comunidad hebrea por parte de la comunidad cristiana, se fraguó un
Estreno absoluto
complot judío en 1481 para hacerse con el poder de la ciudad e intentar,
Libreto de Rafael con el apoyo musulmán, echar a los cristianos de Sevilla. La Bella Susona
Puerto.
narra la historia y leyenda de la bella judía sevillana del siglo XV Susana
Fechas Ben Susón, que traicionó a su padre, Diego Susón, desvelándole a su
13 y 15 de marzo, 20h.
amado, un caballero cristiano de gran linaje, la existencia de aquel complot
Actividad paralela del que el padre era cabecilla. Los componentes del grupo conspirador
a La Bella Susona
fueron arrestados y ejecutados. Susona, repudiada por su gente se
11 de marzo, 18.30h. convirtió al cristianismo, pero también estos, al igual que su amado,
completar aforo.
la despreciaron. Abatida por las consecuencias, la Susona se retiró a
un convento y ordenó que, a su muerte, su cabeza fuera colgada sobre
la puerta de su casa. “La suya es una historia de amor, traición y redención.
Su marcado carácter operístico aparece reflejado en el contexto de la
época, con los mundos judío y musulmán. Un homenaje a Sevilla como
ciudad de ópera”, en palabras de su autor Alberto Carretero.
Carretero es compositor y catedrático de composición del conservatorio

superior de música Manuel Castillo de Sevilla, musicólogo, ingeniero
informático, periodista y doctor en artes. Ha ganado los premios INJUVE
y la Beca Leonardo (Música y Ópera) de la fundación BBVA, entre otros,
y ha estrenado piezas en el Carnegie Hall de Nueva York y el IRCAM-Centro
Pompidou de París. Con dirección musical de Nacho de Paz -al frente
de la ROSS- y dramaturgia de Carlos Wagner, en una colaboración
del Maestranza con el Auditorio de Tenerife y Daisy Press, Luis Cansino
o José Luis Sola encabezando el reparto. La Bella Susona supone el primer
estreno mundial de una ópera compuesta por un sevillano en el Teatro
de la Maestranza.
Dirección musical Nacho de Paz Susona Daisy Press

Dramaturgia Carlos Wagner y Aben Susón Luis Cansino
Alejandro Andújar (Diego Susón)
Diseño de iluminación Albert Faura Guzmán José Luis Sola
Ingeniero de Sonido Sylvain Cadars Pulgar Federico Fiorio
Sor Gregoria Marina Pardo
Obra encargo de composición de la Real Orquesta Diego de Merlo Andrés Merino
Sinfónica de Sevilla
J. L. Muñoz (jlmunoz.com)
En colaboración con el Auditorio de Tenerife

34 Lírica 35
Los gavilanes
Zarzuela
Jacinto Guerrero
9 y 11 de mayo 20h.
Elena del Real

La fábula del indiano
ZARZUELA Por primera vez en el Teatro de la Maestranza, esta fábula social sobre
LOS GAVILANES
el poder del dinero, las hipocresías sociales, las mentiras escondidas y el
deseo irracional, cumple un siglo en 2023, pues se estrenó en 1923 en
Libreto de José Ramos
Martín. Estreno
el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En una aldea sin nombre de la Provenza
en el Teatro de la francesa, en 1845, una serie de personajes reviven las ilusiones del pasado
Zarzuela de Madrid el
7 de diciembre de 1923.
cuando uno de sus miembros, Juan, un indiano que ha retornado desde
el Perú y al que en la aldea consideraban muerto, regresa a su origen
Fechas
9 y 11 de mayo, 20h.
enriquecido y poderoso. Cuando vuelve, con el municipio proyectando
sobre él la esperanza interesada de que sufrague el arreglo de los
Actividad paralela
problemas del pueblo, su antiguo amor de juventud, Adriana, ya es viuda
a Los gavilanes y tiene una hija, Rosaura, a la que Juan, que ha pagado todas las deudas
8 de mayo, 19h.
de su familia para obligarla a deberle algo, perseguirá en matrimonio,
completar aforo. como un gavilán rondando a una paloma, en un ambiente de gran
escándalo y trastorno.
El libreto lo escribió José Ramos Martín y la música, que convirtió al título

en uno de los más populares y apreciados de los aficionados a la zarzuela,
es de Jacinto Guerrero, un compositor toledano que gozó de gran éxito
internacional. Los gavilanes, una obra fresca y sencilla de contagiosa
inspiración melódica. Una zarzuela regionalista, pero también cosmopolita
y moderna, que despliega las mezquindades sociales sobre un brillante
tapiz musical.
Con puesta en escena de Mario Gas, un apasionado de la zarzuela, y diseño

de escenografía y vestuario de los oscarizados Ezio Frigerio y Franca
Squarciapino, el Maestranza nos presenta una aplaudida producción del
Teatro de la Zarzuela con Óliver Díaz en la dirección musical y Javier Franco,
María Rodríguez y Celso Albelo encabezando el reparto.
Dirección musical Óliver Díaz Juan Javier Franco

Dirección de escena Mario Gas Adriana María Rodríguez
Diseño de escenografía Ezio Frigerio Gustavo Celso Albelo
Diseño de vestuario Franca Squarciapino Rosaura Sofía Esparza
Diseño de iluminación Vinicio Cheli Clariván Lander Iglesias
Triquet Esteve Ferrer
Producción del Teatro de la Zarzuela de Madrid Renata María José Suárez
Javier del Real
Lírica 39
El Lazarillo, más allá de la aridez
Ópera de cámara
y los siglos
Libreto de Martín En una España árida, azotada por un sol sofocante, las pocas lluvias son
Llade. Estreno el 16
de junio de 2023 en el
torrenciales y desbordan los cauces de los ríos provocando inundaciones.
Festival Iberoamericano La ignorancia, el fanatismo y la miseria son explotadas por seres que luchan
del Siglo de Oro de la
Comunidad de Madrid.
por un bocado mientras tratan de mantener intacta su falsa honra. En este
panorama, nacer en un río, hijo de un ladrón y de la concubina de un negro,
Lugar de la
representación
no es un buen comienzo. Lazarillo, el niño, vaga entre pueblos ruinosos,
Teatro Lope de Vega llenos de esqueletos de edificaciones que alguna vez fueron sueños de
Fecha
progreso. Pasa de mano en mano, sirviendo a amos y señores, aprendiendo
25 de mayo, 20h. de ellos duras lecciones de cómo sobrevivir.
Pero, ¿en qué año estamos?, ¿Es el 1550 ó el 2050?, ¿todo esto es antes
o después del desastre climático? “Mirar a Lazarillo es acariciar el pasado
con el alivio de haberlo superado y palidecer ante la advertencia del futuro
que nos desvela”.
Estas reflexiones del director de escena Ricardo Campelo nos sitúan

-y, por su distopía o acronía, nos inquietan y nos atraen- ante una versión
sorprendente del clásico Lazarillo de Tormes, convertido por la veterana
y aplaudida compañía Teatro Xtremo en una atractiva ópera de cámara con
música de David del Puerto (Premio Nacional de Música 2005) y texto de
Martín Llade (Premio Ondas por Sinfonía de la mañana, en Radio Clásica)
que mantiene el grueso de las expresiones originales -“Cómelo, que el
ratón cosa limpia es”…- para un cuarteto de cantantes y seis instrumentos
de tímbrica rica y variada que nos cuentan un viejo / nuevo Lazarillo
retransmitido en directo con cámara de vídeo y multitud de efectos sonoros
que vivifican a un clásico de la literatura española. Porque, sí, es cierto:
vendrá el 2050 y Lazarillo seguirá estando vivo. Seguro.
Dirección musical Lara Diloy Soprano Ruth González

Dirección de escena Ricardo Campelo Mezzosoprano Silvia Zorita
Barítono Enrique Sánchez-Ramos
Lazarillo
Tenor Antoni Comas
Flauta Gala Kossakowski

Programación conjunta del Teatro de la Maestranza
y el Teatro Lope de Vega Oboe Lucas Martínez
Proyecto de Teatro Xtremo con la colaboración del Fagot Andrea Pérez
Festival Iberoamericano del Siglo de Oro de la Violín Zabdiel Hernández
Comunidad de Madrid, el Teatro Leal de La Laguna,
Proyecto Verdi y Euroscena Cello Isabel Anaya
Producción de Ruth González y Salvador Collado Guitarra Laura Verdugo
David del Puerto

40 Lírica 41
Nabucco
Giuseppe Verdi
Ópera
13, 18, 19, 21 y 22 de junio 20h.

16 de junio 19h.
Emilio Morenatti
Bel canto, hielo que quema
ÓPERA Poder, opresión, traición, exilio, amor imposible, conflicto religioso y

NABUCCO
lucha de civilizaciones. He aquí uno de esos frecuentes episodios líricos
en los que una historia actual en el momento de su estreno, nos es
Libreto de Temistocle
Solera. Estreno en el
contada metafóricamente mediante el velo de una trasposición histórica.
Teatro alla Scala de En Jerusalem y Babilonia, en el siglo VI a.C. y en las asociaciones que
Milán el 9 de marzo
de 1842.
estableció el público entre el calvario del pueblo judío y las reivindicaciones
nacionalistas de la Italia de 1842, encontraron los italianos la ópera que,
Fechas
13, 18*, 19, 21*
en ese momento, necesitaban para clamar contra la opresión extranjera
y 22 de junio, 20h. en la que vivían.
16 de junio, 19h.
Actividad paralela Esa ópera fue Nabucco, un encargo accidental y recibido a regañadientes
a Nabucco 12 de junio,
que se convirtió en un gozne fundamental para el devenir de G. Verdi,
19h. porque reactivó su ánimo compositivo -Verdi había perdido a su esposa
completar aforo.
y dos hijos- e iniciar con ella los llamados “años de galera”, ese periodo
de éxitos encadenados y trabajo compulsivo que le llevó a cumplir el
hito de escribir 17 óperas en 12 años. El ascenso de Verdi arranca, pues,
en Nabucco, un dramma lirico en cuatro partes que brota en la obertura
con una fuerza desconocida para la época y se despliega hasta el final
con deslumbrantes desarrollos melódicos, un arrebatador crescendo
dramático, una avanzada definición psicológica de los personajes y un coro
esculpido como un elemento más de la acción. Una ópera impactante llena
de momentos inolvidables.
En seis funciones con doble reparto marcadamente latino en los que

sobresalen el barítono Juan Jesús Rodríguez y la soprano María José Siri,
además de Simón Orfila, el Maestranza presenta una nueva producción
propia con teatros internacionales con dirección escénica de Christiane
Jatahy y musical de Francesco Ivan Ciampa al frente de la ROSS y el Coro
Teatro de la Maestranza.
Dirección musical Francesco Ivan Ciampa / Nabucco Juan Jesús Rodríguez /

Gaetano Lo Coco* Damiano Salerno*
Dirección de escena Christiane Jatahy Abigaille María José Siri /
Maribel Ortega*
Diseño de escenografía Thomas Walgrave
e iluminación Zaccaria Simón Orfila /
Darío Ruso*
Diseño de vestuario An D’Huys
Fenena Alessandra Volpe /
Mónica Redondo*
Nueva producción del Teatro de la Maestranza
Ismaele Antonio Corianò /
en coproducción con el Grand Théâtre de Genève,
Santiago Vidal*
los Théâtres de la Ville de Luxemburgo y la Opera
Ballet Vlaanderen. Sumo sacerdote Luis López Navarro
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Anna Carmen Buendía
Emilio Morenatti
Coro Teatro de la Maestranza Abdallo Andrés Merino
Lírica 45
7 de octubre 20h.
Danza
De Sheherazade
María Pagés
Compañía
María Alperi
María Pagés y El Arbi El Harti
Una mujer, todas las mujeres
DANZA María Pagés, reciente Premio Princesa de Asturias de las Artes, vuelve al
MARÍA PAGÉS COMPAÑÍA
Teatro de la Maestranza, donde tantas noches memorables nos ha dejado,
para bailar la intrahistoria sentimental de las mujeres.
Estreno en el Gran
Teatre del Liceu
de Barcelona el Sin subterfugios. Sin miedos. Sin tópicos. La sevillana María Pagés, en
27 de mayo de 2022.
un momento de esplendor y madurez, pasa revista a los maravillosos
Fecha personajes femeninos que han marcado la cultura universal -Carmen,
7 de octubre, 20h.
Medea, Yerma…- para establecer un relato en 12 coreografías en el que
las mujeres abren su sabiduría al mundo “como si se tratara de un abanico
tejido a fuerza de años, inteligencia y emoción”.
En un espectáculo concebido junto al escritor e intelectual marroquí

El Arbi El Harti, con música de Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David
Moñiz y la propia María Pagés, dos cantaoras mujeres y el cuerpo de baile
femenino de la compañía de María Pagés, bailando con ella al frente,
De Sheherazade comienza por el final del célebre cuento, explorando
el repertorio musical popular y de tradición clásica con incursiones en la
música marroquí para presentar un espectáculo integral que abraza el arte
de forma orgánica y propaga una visión empática y de máxima sororidad
en su reivindicación del variado mundo de las mujeres.
Dirección, coreografía, María Pagés Bailaoras María Pagés,

diseño de vestuario Júlia Gimeno,
y dirección musical Almudena Roca,
Ariana López,
Dirección, dramaturgia, El Arbi El Harti
Meritxell Rodríguez,
textos y letras
Sofía Suárez,
Composición musical Rubén Levaniegos, Yardén Amir,
Sergio Menem, David Raquel Guillén,
Moñiz, María Pagés Marina González Madiedo
Diseño de escenografía María Pagés y El Arbi Cantaoras Ana Ramón Muñoz,
El Harti Cristina Pedrosa
Diseño de iluminación Olga García Guitarras Rubén Levaniegos,
Isaac Muñoz
Realización de vestuario María Calderón
y Sandra Calderón Violín David Moñiz
Chelo Sergio Menem
Producción del Centro Coreográfico Maria Pagés Percusión Txema Uriarte
en coproducción con el Gran Teatre del Liceu
de Barcelona / ADMAF y el apoyo del Ayuntamiento
de Fuenlabrada, INAEM y la Comunidad de Madrid
María Alperi
Danza 51
Errand into the Maze
Canticle for Innocent Comedians
CAVE
15 de octubre 19h.
Danza
Dance Company
Martha Graham
Janet Eilber
Luis Luque
La asombrosa modernidad
de Martha Graham
DANZA A la llamada “bailarina del siglo”, se la suele situar entre los grandes
MARTHA GRAHAM DANCE
genios, junto a Picasso o Stravinski, y su legado -181 ballets- sigue siendo
COMPANY tras su muerte en 1991 el ejemplo de la extraordinaria audacia con la que
ERRAND INTO THE MAZE
revolucionó la danza contemporánea. El patrimonio de esa herencia
Estreno en el Ziegfeld es preservado y actualizado por la Martha Graham Dance Company.
Theatre de New York el
28 de febrero de 1947.
Errand into the Maze es una pieza de 1947, con música de Menotti, en la
CANTICLE FOR INNOCENT
COMEDIANS
que Martha Graham cambia el punto de vista de la historia de Teseo, que
Inspirada en la obra viaja al laberinto para enfrentarse al Minotauro, para narrarla desde los ojos
de 1952 de Martha Graham
de Ariadne, que viaja al laberinto para conquistar al mitad hombre, mitad
Concepción de la nueva bestia. Esa reorientación del relato desplaza el protagonismo a la mujer,
producción Janet Eilber
vencedora de enfrentarse al miedo y dominar a la bestia, bailando un viaje
Estreno en el Soraya mitológico como la metáfora de otro viaje interior.
Center Northridge
University de California
el 19 de marzo de 2022. Canticle for Innocent Comedians es una reelaboración del original de 1952,
CAVE
que se perdió. En 2022 volvió con una coreografía nueva, de Sonya Tayeh,
Estreno en el New York ganadora de los premios Emmy y Tony, basada en el estilo de Graham,
City Center el 6 de
abril de 2022.
que pone en danza a una suerte de coro griego que se ensambla tratando
de completar, como pide el poema en que se basa, las dos mitades que
Fecha
15 de octubre, 19h.
conforman el todo de cualquier cosa. La música es del jazzista Jason Moran.
En CAVE, y a iniciativa del bailarín Daniil Simkin , el coreógrafo israelí

Hofesh Shechter vuelve a desplegar una de sus impactantes descargas
coreográficas que le han consagrado internacionalmente. Investigando
la mezcla de la danza de los clubs techno con la de las reuniones rave,
con su poderosa energía cinética, CAVE resulta sencillamente arrolladora.
ERRAND INTO THE MAZE Música Jason Moran

Coreografía Martha Graham Diseño de vestuario Karen Young
Concepto y dirección Luca Veggetti Diseño de iluminación Yi-Chung Chen
Música Gian Carlo Menotti Asistente de Jenn Freeman
coreografía
Diseño de vestuario Luca Veggetti
Diseño de iluminación Philip Trevino Producción Martha Graham Dance Company
Producción Martha Graham Dance Company

CAVE
Coreografía Hofesh Shechter
Productor creativo Daniil Simkin
CANTICLE FOR INNOCENT COMEDIANS
Música Âme y Hofesh Shechter
Coreógrafa principal Sonya Tayeh
Diseño de vestuario Caleb Krieg
Coreógrafos Kristina y Sadé
Diseño de iluminación Yi-Chung Chen
de los cuadros Alleyne, Sir Robert
Cohan, Jenn Freeman, Asistente de Kim Kohlmann
Martha Graham, Juliano coreografía
Nunes, Micaela Taylor
y Yin Yue Producción Martha Graham Dance Company
Luis Luque
Danza 55
Afanador Danza
Ballet Nacional
de España
Rubén Olmo
1 y 2 de diciembre 20h.
Ruvén Afanador
El BNE baila la mirada flamenca
de Ruvén Afanador
DANZA Poner en movimiento una mirada. Conciliar, en un solo espectáculo,
BALLET NACIONAL
fotografía, flamenco y danza. La mirada de Ruvén Afanador, un cotizado
DE ESPAÑA fotógrafo de moda colombiano muy conocido también por sus retratos
Estreno absoluto
a celebridades del mundo del cine o la música y que mantiene desde hace
años una estrecha vinculación con el flamenco, es el origen del nuevo
Fechas
1 y 2 de diciembre,
espectáculo que el Ballet Nacional de España (BNE) presenta, en estreno
20h. absoluto, en el Teatro de la Maestranza.
Saltando por encima de las rígidas fronteras que a veces separan las
disciplinas artísticas, el coreógrafo Marcos Morau, director de la compañía
La Veronal y Premio Nacional de Danza 2013, parte de la capacidad del
fotógrafo “para crear personajes a partir de moldear a personas reales”
y de su creatividad para generar mundos “que surgen de la belleza
de la luz y de las sombras”, para elaborar un espectáculo que se nutre de
su aproximación fotográfica al flamenco -Afanador le ha dedicado dos
libros, Ángel gitano y Mil besos y en 2008 firmó el cartel de la Bienal de
Flamenco- y sobre cómo un creador exterior al flamenco se enamora
de él y se deja embaucar por su lenguaje “directo y punzante como una
navaja afilada”, explica Morau.
Hibridar dos lenguajes, fotografía y danza, en busca de “un universo nuevo”,

construir nuevos imaginarios creando a partir de la mirada de otro creador
en un ejercicio de respeto y fascinación.
El Ballet Nacional de España, dirigido por el sevillano Rubén Olmo, baila

ese flamenco visual de Ruvén Afanador que, según Morau, constituye
“una belleza radical y oscura que no podemos dejar de mirar”.
Idea y dirección Marcos Morau Diseño de escenografía Max Glaenzel

artística
Diseño de vestuario Silvia Delagneau
Coreografía Marcos Morau
Composición musical Cristóbal Saavedra
& La Veronal /
Lorena Nogal, Shay Diseño de iluminación Bernat Jansà
Partush y Jon López
Diseño de audiovisual Marc Salicrú
Dramaturgia Roberto Fratini
Fotografía Ruvén Afanador
Ruvén Afanador
Nueva producción del Ballet Nacional de España
Danza 59
11, 12 y 13 de enero 20h.
Danza
La Sylphide
Compañía
Nacional
de Danza
Bailarines: Elisabetta Formento/Mario Galindo

Joaquín De Luz
Alba Muriel
Bailando la pureza y el amor
contra las brujas
DANZA Con una amarga historia, propia del Romanticismo, sobre el eterno
COMPAÑÍA NACIONAL
enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal, la persecución de la
DE DANZA pureza y la imposibilidad del amor más puro y bello, la Compañía Nacional
Estreno absoluto por el
de Danza (CND), fundada en 1979 como Ballet Clásico Nacional y que
Royal Danish Ballet en actualmente dirige Joaquín de Luz, vuelve al Teatro de la Maestranza con
el Royal Danish Theater
de Copenhague el 28
el doble aliciente de poner en escena una pieza estrenada apenas semanas
de noviembre de 1836. antes de su paso por Sevilla y de contar, en el foso, con la Real Orquesta
Estreno por la Compañía
Sinfónica de Sevilla dirigida por Daniel Capps.
Nacional de Danza en
el Teatro de la Zarzuela
de Madrid el 7 de
Capps es un brillante director de orquesta que, a sus éxitos en el repertorio
diciembre de 2023. sinfónico al frente de multitud de grandes conjuntos europeos y como
Fechas
director asistente de Sir John Eliot Gardiner, también es un especialista
11, 12 y 13 de enero, acreditado en el repertorio de danza, pues ha trabajado con Wayne
20h.
McGregor, ha realizado giras con el Royal Ballet o ha colaborado con
el Ballet de Nueva York.
Esta vez, la CND regresa al mundo fantástico y alegórico de La Sylphide,

en la coreografía de 1836 del danés August Bournonville, uno de los ballets
más antiguos del mundo y cima del ballet romántico, sobre la partitura
de Herman Severin Løvensklod. El relato nos cuenta la historia trágica
de la etérea sílfide -el espíritu del bosque o el símbolo del amor puro
e inalcanzable- que desata el amor eterno con el granjero James hasta
que la bruja Madge, despechada porque previamente había sido rechazada
por James, los persigue proyectando una maldad horrible sobre una pareja
que era la inocente encarnación del amor y la belleza.
Bailarines: Cristina Casa/Yanier Gómez Noda
Coreografía August Bournonville Dirección musical Daniel Capps

Música Herman Severin
Løvensklod Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Libreto Adolphe Nourrit
Diseño de escenografía Elisa Sanz
Diseño de vestuario Tania Bakunova
Puesta en escena Petrusjka Broholm
Alba Muriel
Danza 63
El lago de
los cisnes
Danza
Ballet Preljocaj
Angelin Preljocaj
24 de febrero 20h.
Jean-Claude Carbonne
25 de febrero 19h.
La crisis del medio ambiente
amenaza a los cisnes
DANZA ¿Es posible dar un nuevo punto de vista sobre El lago de los cisnes?
BALLET PRELJOCAJ
Es posible. El coreógrafo y director francés Angelin Preljocaj funde la
preocupación por el medio ambiente y el cambio climático con la música
Estreno en la Comédie
de Clermont-Ferrand el
de Chaikovski -introduciendo breves fragmentos ajenos a la partitura
7 de octubre de 2020. original, también abreviada- en una versión de El lago de los cisnes que
Fechas
transcurre entre depósitos de combustibles fósiles, futuras plataformas
24 de febrero, 20h. de perforación y un amor que abandera la reivindicación medioambiental
25 de febrero, 19h.
a lomos de su pasión.
Angelin Preljocaj, que antes de danza contemporánea empezó a formarse

en el ballet clásico, luego trabajó con Merce Cunningham y Zena Rommett
en Nueva York hasta que en 1984 formó su propia compañía con la que
ha lanzado coreografías de gran éxito que han sido incorporadas por los
grandes ballets del mundo, trae la leyenda a nuestros días para especular
con que el lago -¿metáfora del propio ballet clásico?- se haya en peligro de
extinción y debe ser rescatado adaptándose al nuevo reto medioambiental.
Después de haber abordado Blancanieves y Romeo y Julieta, Angelin

Preljocaj asume el riesgo de someter un gran clásico a una osada revisión
profunda convirtiendo a la princesa Odette en una aguerrida ecologista.
El resultado, según ha valorado la crítica especializada, es un espectáculo
bello y brillante que sucediendo en la actualidad nunca pierde la esencia
del clasicismo de El Lago de los cisnes, en la que el cuerpo de baile
del Ballet Preljocaj y sus protagonistas estelares vuelven a demostrar
por qué es una de las compañías más deseadas, aplaudidas y excitantes
del circuito internacional.
Coreografía Angelin Preljocaj Producción del Ballet Preljocaj en coproducción

con Chaillot - Théâtre National de la Danse,
Música Piotr Ilitch Chaikovski
Biennale de la Danse de Lyon 2021 / Maison
Música adicional 79D de la Danse, La Comédie de Clermont-Ferrand,
Festspielhaus St Pölten (Austria), Les Théâtres -
Diseño de vestuario Igor Chapurin
Jean-Claude Carbonne
Grand Théâtre de Provence, Théâtres de Compiègne

Diseño de iluminación Éric Soyer Sede Grand Théâtre de Provence
Diseño de vídeo Boris Labbé
Danza 67
Danza 7 de abril 19h.
Al igual que tú
Eva
Yerbabuena
Javier Fergo
Al igual que Eva
DANZA Eva Yerbabuena no se está quieta. Su tensión creativa, siempre sustentada

EVA YERBABUENA
sobre la base del flamenco, la lleva ahora hasta el solar vacío donde estuvo
su casa, ese espacio en el que la memoria “se mezcla con sueños, ilusiones
Estreno en el Teatro
Villamarta de Jerez
y espejismos” que, como escribe el dramaturgo Alfonso Zurro, nos obliga
el 6 de mayo de 2021. a preguntarnos qué fue de todo aquello, qué fue real o solo un artificio.
Fecha
7 de abril, 19h. Eva Yerbabuena (Nacida en Francfort, aunque criada desde niña en
Granada) baila donde solo lo esencial permanece. Y lo sigue haciendo con
osadía y riesgo. En Al igual que tú, la bailaora -Premio Nacional de Danza,
Giraldillo a la Mejor Bailaora, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes…-
que tanto ha contribuido a la moderna reformulación del flamenco que
impregnó con capas de contemporaneidad aprendidas directamente de
Pina Bausch, quien la invitaba a sus sesiones en Wuppertal, nos propone
un espectáculo en el que afloran elementos muy diversos. El flamenco,
por supuesto. Pero también la danza contemporánea del bailarín Fernando
Suels, las músicas latinoamericanas - La llorona, Construcción, de Chico
Buarque- o arias como Casta Diva de Bellini alternadas con seguiriyas
o bulerías por soleás, pues como siempre, la dirección musical es del
guitarrista Paco Jarana con Luis Moneo y Sandra Carrasco al cante.
Eva Yerbabuena en plenitud de curiosidad y formas. Siempre indagando

respuestas para una pregunta esencial que le inculcó Pina Bausch: la
cuestión no es cómo bailamos; la cuestión es qué nos impulsa a hacerlo.
La pregunta permanece. Cada respuesta de Eva es un nuevo espectáculo.
Idea original Eva Yerbabuena Diseño de escenografía Curt Allen Wilmer

y coreografía y Leticia Gañán -
estudiodeDos
Creación y dirección Paco Jarana
musical Diseño de iluminación Fernando Martín
Guion y dramaturgia Alfonso Zurro Diseño y confección López de Santos,
de vestuario Alejandro Postigo
Dirección de escena Alfonso Zurro
y Elio Berhanyer
y Eva Yerbabuena
Interpretación musical Paco Jarana
Bailaora Eva Yerbabuena
Guitarra
Artista invitado Fernando Suels Mendoza
Artistas invitados Luis Moneo (cantaor)
(bailarín y coreógrafo)
y Sandra Carrasco
Colaboración como Mercedes de Córdoba (cantaora)
coreógrafa en la (bailaora)
Colaboración especial Ella Garry
Bulería por soleá
Cantaores Miguel Ortega
Bailaor-bailarín Christian Lozano
y Alfredo Tejada
Actriz Maica Barroso
Percusiones Daniel Suárez
y Rafael Heredia
Producción de Manuela Franco -
Compañía Eva Yerbabuena S.L.
70 Danza 71
Gran Selección Un retorno al Clasicismo
Fecha La Mahler Chamber Orchestra es una brillante formación fundada en 1997

por el legendario director italiano Claudio Abbado junto a miembros de la
Orquesta Juvenil Gustav Mahler que, frustrados por tener que abandonar
esa formación por llegar a la edad límite para permanecer en ella,
decidieron crear otra orquesta para continuar tocando juntos. Formada,
básicamente, por unos 50 músicos, la orquesta mantiene colaboraciones
con músicos de alto nivel, como Minkowski o Jonas Kaufmann.
A Sevilla acude dirigida por una de las grandes batutas europeas, el italiano
Daniele Gatti (1961), quien ha sido titular de la Ópera de Zurich,
la Nacional de Francia y la Concertgebouw.
En atriles, un programa sabiamente combinado que gira alrededor de la

herencia y el retorno al clasicismo que, en la Europa de los años 20 y 30,
desplegó el movimiento neoclásico. Para empezar, la chispeante, ligera
y danzante Sinfonía Clásica, que Serguéi Prokófiev estrenó en 1918, una
de sus piezas más populares. En cierto modo, Prokófiev nos propone el
juego de imaginar cómo sonaría, con algunas variaciones, una sinfonía
de Haydn compuesta en pleno siglo XX. El resultado es jubiloso.
La Sinfonía Concertante Hob 1/105 de Joseph Haydn, obra de 1792,

pertenece ya a la primera estancia del compositor en Londres. Concebida
para el lucimiento de sus cuatro solistas -violín, chelo, oboe y fagot-,
es una obra sencilla, pero muy divertida, que alterna acentos dramáticos
con burlescos.
Por último, la Sinfonía en do mayor de Ígor Stravinski, acabada en

California en 1940, es una pieza radicalmente antimodernista concebida,
paradójicamente, por el compositor más innovador y rupturista de los
inicios del siglo XX. Finísimo ejercicio formal, alternativamente brusca
como radiante de gracia, sobre el modelo de Haydn y Beethoven, se
convierte no en una extensión del modelo clásico sino en su transformación.
Mahler Chamber Programa

Serguéi Prokófiev
Orchestra
Sinfonía n.º 1 en re mayor, Op. 25 “Clásica”
Joseph Haydn
Sinfonía Concertante en si bemol mayor, Hob. I/105
Ígor Stravinski
Sinfonía en do mayor
Director musical Daniele Gatti Mahler Chamber Orchestra
Daniele Gatti
Bjørn Woll
74 Gran Selección 75
Petrenko dirige la fantasiosa
Orquesta Fundación
y sensual música rusa
Fecha Debuta en el Teatro de la Maestranza uno de los directores más excitantes
29 de diciembre, 20h.
y deseados de la escena: el ruso Vasily Petrenko al frente de una formación
Barenboim-Said
conocida por los aficionados del Teatro donde siempre ha brillado en
veladas sobresalientes: la Orquesta Fundación Barenboim Said que aúna
la excelencia musical con su firme apuesta por la formación del talento
joven en Andalucía. En la Filarmónica de Liverpool y la Filarmónica de Oslo,
de las que ha sido titular, Petrenko, tras ganar, con 26 años, el Concurso
de Dirección de Cadaqués en 2002, ha desarrollado un sonido opulento,
transparente y suntuoso atento a todos los detalles que ha encandilado
a la crítica internacional, que celebra sus múltiples grabaciones. Hoy es
el nuevo titular de la Royal Philarmonic Orchestra.
A Sevilla acude con un suculento, sensual y fantasioso programa de música

rusa. La suite sinfónica Scheherezade, Op. 35, de Nikolái Rimski-Kórsakov,
estrenada en 1888 y basada, como es sabido, en Los cuentos de las mil
y una noches, con su mundo de sultanes, princesas y aventuras, lleva al
extremo la habitual tentación de los compositores rusos por proponer
orquestaciones deslumbrantes que, en este caso, eluden cualquier
Vasily Petrenko
voluntad narrativa para perseguir puras y cambiantes escenas musicales
sostenidas por preciosos motivos que se presentan, se van y vuelven.
Por su parte, las suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Serguéi Prokófiev,

de las que se ofrecen una selección de fragmentos, fue un brillante intento
de Prokófiev por recuperar el espíritu de los grandes ballets que en la Rusia
de los años 30 - 40 había disminuido mucho bajo el régimen comunista.
El proceso de composición entre 1935 y su estreno en 1938 estuvo
sometido a la presión gubernamental que acusaba a compositores como
Shostakóvich de “desviacionismo” formal y Prokófiev debió abandonar
su idea inicial de darle a la historia de Shakespeare un final feliz. Hoy es
uno de los ballets más programados por las grandes compañías de danza.
Programa
Nikolái Rimski-Kórsakov
Scheherezade, suite sinfónica Op. 35 Las mil y una noches
Serguéi Prokófiev
Romeo y Julieta
Selección de las suites n.º 1 y n.º 2
Gran Selección
Director musical Vasily Petrenko Orquesta Fundación Barenboim-Said
Tarlova
Deslumbramientos estacionales
Orquesta Barroca
de Sevilla Fecha
9 de febrero, 20h.
Fresca o melancólica. Triste o chispeante. Pero siempre deslumbrante,
impetuosa y cargada con un virtuosismo diabólico. Desde el arranque
Andrea Marcon arrollador y saltarín de La primavera, Las cuatro estaciones es, seguro,
la obra más popular del repertorio barroco. Y de las más populares de la
música de todos los tiempos. Está constituida por cuatro conciertos que,
de forma programática, pues van acompañados de sonetos narrativos
y descriptivos -atribuidos al propio Vivaldi- que enmarcan con imágenes
el desarrollo musical como una suerte de danzas que atribuyen motivos
musicales al espíritu emocional de cada época del año, exaltan el ciclo
de las cuatro estaciones del año y su ejecución en público desata siempre
una enorme expectación ante la endiablada dificultad técnica que debe
desplegar el violín solista.
La Orquesta Barroca de Sevilla, Premio Nacional de Música y una

de las formaciones más prestigiosas de Europa en su género, abordan
Las cuatro estaciones de Vivaldi, dirigida por un especialista,
Andrea Marcon, habitual colaborador de la OBS, y con la impactante
violinista Chouchane Siranossian como solista.
Compuesta hacia 1721, Las cuatro estaciones, son otros tantos conciertos
para violín y orquesta integrados, junto a otros 8 más, en Il cimento
dell´armonia e dell´inventione, Op. 8, una colección en la que Vivaldi,
según los gustos de la época, abandona el modo de los concerti grossi para
presentar otro modelo de concierto virtuoso y solista que, sencillamente,
3 siglos después, sigue encandilando al público.
Las Cuatro Estaciones y más:

La poesía musical del Prete Rosso
Programa
Antonio Vivaldi
Concierto para cuerdas en do mayor, RV 114
Las cuatro
Concierto para dos violonchelos en sol menor, RV 531
Concierto para cuatro violines en si menor, RV 580
Concierto para violín en re mayor, ‘Grosso Mogul’, RV 208
Le quattro stagioni (Il cimento dell’armonia e dell’inventione, Op. 8)
Estaciones Gran Selección Director musical Andrea Marcon Orquesta Barroca de Sevilla
(Orquesta residente del Espacio Turina)
Violín solista Chouchane Siranossian
Antonio Vivaldi
Luis Ollero
Gran Selección 79
Un genio iconoclasta para Mozart
Réquiem
Fecha Considerado una especie de “gurú” líder de una comuna de músicos
12 de marzo, 20h.
que le siguen como iniciados en su visión radical de la música, el director
Wolfgang Amadeus Mozart greco-ruso Teodor Currentzis (Atenas, 1972) es uno de esos excepcionales
casos de músico visionario que suelen dividir a la afición entre
sus enfebrecidos partidarios y sus detractores furibundos.
Gran Selección Sea como sea, Currentzis, que imprime a sus músicos una sobrehumana
exigencia técnica y los conduce por una obsesiva reconsideración en la
búsqueda interpretativa de las obras, se ha convertido en un auténtico
faro musical que, desde la heterodoxia, la gestualidad teatralmente
sobrecargada y sus novedosas versiones del repertorio llenas de vitalidad,
pasión, carácter y entrega artística, lo han situado ya como un icono
carismático de la dirección de orquesta internacional donde brilla
con una identidad única, excepcional. Aunque algunos críticos tilden
sus lecturas de caprichosas y discutibles.
musicAeterna Orchestra, formación de instrumentos antiguos diseñada

a su imagen y semejanza capaz de viajar de Rameau a Mahler, fue fundada
por él en la ciudad rusa de Novosibirsk pero, en 2011, cuando Currentzis
asumió la dirección del Teatro y Ballet de Perm, en los Urales, la orquesta
le siguió hasta integrarse en la compañía. La respuesta técnica de
la orquesta -en la que tocan varios músicos españoles- es fastuosa
y ha sido reconocida con múltiples premios.
El Réquiem de W. A. Mozart, que Currentzis grabó para el sello Alpha en 2011

en una lectura bellísima y novedosamente insólita y que ahora interpreta en
Sevilla con los conjuntos de su musicAeterna -orquesta y coro, al completo-,
es otra de esas piezas que, conmovedoramente, atraviesan la Historia de la
Música desde que Mozart la dejara inconclusa -fue completada, siguiendo
sus indicaciones, por Süssmayr- a su muerte en 1791.
En uno de los conciertos más atractivos de la temporada, una obra

imperecedera, el Réquiem de Mozart, vista y oída a la nueva luz
de un genio iconoclasta. No se lo pierdan.
musicAeterna
Programa
Wolfgang Amadeus Mozart
Misa de Réquiem en re menor, K. 626
Alexandra Muravyeva
Director musical Teodor Currentzis En colaboración con el Festival

de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS)
musicAeterna Orquesta y Coro
Teodor Currentzis
Elegancia y emoción checas
Collegium 1704 para un Mesías
Fecha El Mesías, que G. F. Händel compuso en 1741, tan vinculado
24 de marzo, 11h.
tradicionalmente a las festividades navideñas, es uno de esos oratorios
Gran Selección
Václav Luks
que no nos cansamos de oír, especialmente cuando llegan servidos por
formaciones especializadas como el Collegium 1704, una formación checa
-unida al coro Collegium Vocale 1704- fundados en Praga en 2005 por el
clavecinista Václav Luks. Desde entonces, y por su alta calidad, el combo
se ha convertido en una de las orquestas barrocas europeas más
solicitadas en festivales y programaciones -como el Festival de Salzburgo
o el Centro de Música Barroca de Versalles.
El oratorio, sobre libreto de Charles Jennens, un devoto anglicano, y cuya

primera acogida en su estreno en Dublín el 13 de abril de 1742 fue tibia, se
desmarca de la influencia italiana en su obra anterior y ancla sus referencias
en las pasiones alemanas. Compuesto en unas 3 semanas -Stefan Zweig
dejó narradas las peripecias de su escritura identificando a El Mesías como
la forma curativa con la que Händel resolvió sus dolencias por una apoplejía
sufrida años antes- con unas prisas que dejaron sus huellas en los borrones
de la partitura autógrafa de 259 páginas, Händel concibió El Mesías para
unos efectivos modestos, pero a finales del siglo XVIII se impuso la moda
de interpretarlo con formaciones gigantescas de hasta un coro de 2.000
cantantes y una orquesta de 500 músicos. Eso dio fama y solemnidad a
la obra, pero también la enterró en un pesado gigantismo musical del que
fue rescatada por el movimiento historicista que reivindicó la transparencia
y suavidad de sus 53 números, algunos tan populares como And the glory
of the Lord…, O thou that tellet Good Tidings to Zion o For unto Us a Child
is Born, entre muchos, más el celebérrimo Aleluya que, según la leyenda,
el rey Jorge II escuchó de pie en el Covent Garden de Londres en 1743
obligando a todo el teatro, por orden de protocolo, a ponerse igualmente
de pie. Hoy, ese gesto es una metáfora de reconocimiento a la genialidad
de un compositor que llevó la coralidad hasta un extremo deslumbrante.
Programa
George Frideric Händel
El Mesías HWV 56
El Mesías Director musical Václav Luks En colaboración con el Festival de Música Antigua
de Sevilla (FeMÀS)
Collegium 1704
Collegium Vocale 1704
Petra Hajská
82
George Frideric Händel Gran Selección 83
La OJA se consagra
Gran Selección
Fecha En 1994, la Orquesta Joven de Andalucía ofrecía su primera interpretación

1 de abril, 20h.
pública en el patio del Hospital de Santiago de Úbeda. Treinta años después,
el Programa Andaluz para Jóvenes Intérpretes es ya una sólida realidad que
ha impulsado las trayectorias artísticas de varias generaciones de músicos
andaluces que, hoy en día, son referentes internacionales en las diferentes
especialidades de interpretación musical.
Alejandro Posada se pone al frente de la OJA para dirigir un programa doble

suculento, ambicioso, brillante e impactante que constituye en sí mismo
un concierto pleno: el Concierto para violín de Ludwig van Beethoven
y La consagración de la primavera, la pieza orquestal para ballet con
la que Ígor Stravinski revolucionó la música del siglo XX.
En el primero, el violinista Javier Comesaña (Alcalá de Guadaira, Sevilla,

1999) colabora por primera vez con la Orquesta Joven de Andalucía para
realizar su prémier del concierto, lo que supone un doble aliciente.
Stravinski ideó una obra que, celebrando argumentalmente los antiguos

rituales primitivos de exaltación de la primavera que incluían la presencia
de víctimas sacrificiales, irrumpió en la música de su tiempo con un vendaval
de novedades y experimentos en la tonalidad, métrica, ritmo, acentuación
y disonancias. Percusiva y violenta, restando presencia a los instrumentos
de cuerda, invocando un mundo salvaje disonante, salvaje y primitivo,
acumulando tal superposición de líneas melódicas que la armonía se aleja
Orquesta Joven
de la tonalidad clásica y penetrada por una rítmica, a menudo, de brutalidad
y desorden, la obra manifestó una decidida intención de ruptura que marcó
musicalmente al siglo XX. La OJA, formación joven que siempre impacta en
de Andalucía
concierto por la precocidad de su calidad, se enfrenta a paginas tan intensas
como esta con ambición, seguridad y descaro. La energía y la elegancia
suelen ser las características de sus intensas lecturas musicales.
Alejandro Posada Programa

Ludwig van Beethoven
La Consagración
Concierto para violín en re mayor, Op. 61
Ígor Stravinski
La consagración de la primavera
de la Juventud
Director musical Alejandro Posada Concierto para la celebración del 30 Aniversario
de la Orquesta Joven de Andalucia
Violín solista Javier Comesaña
Programa Andaluz de Jóvenes Intérpretes.
Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.
María Marí-Pérez
Orquesta Joven de Andalucía Consejería de Turismo, Cultura y Deporte
Fiesta y moral en Brandenburgo
Orchestra Barocca
Zefiro Fecha
4 de mayo, 20h.
Los deliciosos seis Conciertos de Brandenburgo BWV 1046-1051 que
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) presentó a Christian Luis, margrave de
Brandenburgo-Schwedt y hermano del rey Federico I de Prusia, en marzo
Alfredo Bernardini de 1721 -aunque, por su magnitud, se estima que fueron escritos durante los
3 años anteriores siendo Bach maestro de capilla en Köthen- constituyen
hoy uno de los corpus musicales más célebres del repertorio barroco.
Compuestos para diversos instrumentos, como indica la dedicatoria que

Bach escribió en la colección, explotando el máximo potencial del espectro
instrumental de las orquestas de su tiempo, Bach nos propuso en ellos
conquistar nuevos y audaces horizontes musicales. El amplio contingente
de la colección requiere un grado virtuoso de ejecución.
Interesantes lecturas de las obras, como las del músico Philip Pickett,
especulan con que, bajo el evidente gesto de homenaje que Bach rinde
al noble mecenas de la colección, laten signos simbólicos y alegóricos
que pondrían en escena una cierta mora de las obras vistas como un
gran retablo, a la manera de un vanitas pictórico, ya sea de alabanza del
margrave, retratado como un héroe clásico con grandes destrezas como
guerrero y cazador, pero al que Bach también le habría recordado que la
gloria es efímera, que los asuntos mundanos tienen un valor muy prosaico
y que la vida está condenada a la caducidad.
La Orchestra Barocca Zefiro, dirigida por el oboísta Alfredo Bernardini,

es una excelente formación especializada en ese repertorio que Bernardini
y Paolo y Alberto Grazzi, intérpretes destacados de la escena historicista
Gran Selección de los años 80, fundaron en 1989 con un fuerte sentido de adaptabilidad
y polivalencia. Brillando singularmente en el repertorio para viento,
la Orchestra Barocca Zefiro ha grabado numeroso repertorio en registros
cuya calidad acumula premios internacionales. Bernardini (Roma, 1961)
es un destacadísimo oboísta barroco presente en los grandes festivales
del género como director de formaciones como, por ejemplo, la Orquesta
Conciertos de
Barroca de Sevilla, con la que ha colaborado.
Programa
Brandenburgo
Johann Sebastian Bach
Conciertos de Brandenburgo, BWV 1046-1051
Director musical Alfredo Bernardini Orchestra Barocca Zefiro

Vito Magnanini
Johann Sebastian Bach

Iridiscencias de una orquesta
Orquesta
Filarmónica Fecha
24 de junio, 20h.
La historia de la música clásica, además de la de sus compositores,
también es la historia de sus intérpretes. Pues sin ellos, solo hay partituras
impresas. Silencio. Hay solistas, y por supuesto formaciones sinfónicas
de Viena
o barrocas, que han marcado el curso del sonido hasta alcanzar tal grado
de perfección, emoción y de excelencia, que cualquier actuación suya
tiene un plus de atractivo en sí misma, independientemente de las obras
que aborden.
La Filarmónica de Viena es una de esas orquestas. Con una historia que

se remonta a 1842, cuando Otto Nicolai formó lo que llamó una “Academia
Lorenzo Viotti Filarmónica”, la formación ha sido pulida por titanes como Hans Richter,
Gustav Mahler, Weingartner, Furtwängler, Clemens Krauss, por citar
a algunos titulares.
Gran Selección
“Es una de las más destacadas del mundo”, dijo ya de ella Richard Wagner.
Y Richard Strauss atinó aún más: “Todo elogio de ella se convierte en un
eufemismo”. De carácter privado, está vinculada a la Orquesta de la Ópera
Estatal de Viena en una simbiosis que garantiza la independencia de los
músicos y, por lo tanto, su alto nivel artístico.
Tan musculosa como sedosa, tan mórbida como dulce, escuchar a

la Filarmónica de Viena, entrar en su fascinante y rico universo sonoro,
constituye una experiencia en sí misma. En Sevilla, dirigida por Lorenzo
Viotti, director de la Filarmónica de los Países Bajos y una de las jóvenes
batutas que están triunfando en el mundo, la Filarmónica de Viena, en un
programa ruso y eslavo, aborda La isla de los muertos, perturbador poema
sinfónico de Serguéi Rachmaninov, de 1908, que retrata la personalidad
angustiada del autor, el Capricho español de Rimski-Kórsakov, de 1887,
inspirado por las melodías españolas que escuchó a lo largo de sus viajes
como oficial de la Marina rusa y la Séptima Sinfonía de Antonin Dvořák,
de 1885, una de sus obras más maduras y profundas.
Programa
Serguéi Rajmáninov
La isla de los muertos, poema sinfónico, Op. 29
Nikolái Rimski-Kórsakov
Capricho español, Op. 34
Antonín Dvořák
Sinfonía n.º 7 en re menor, Op. 70
Concierto Extraordinario
Lois Lammerhuber
Director musical Lorenzo Viotti Orquesta Filarmónica de Viena
Un cantaor de verdad
Cita en Maestranza
Fecha Pura sangre, fluido natural, auténtica expresión, verdad pura.

5 de octubre, 20h.
Israel Fernández, flamenco de cuna criado en una familia gitana de
Toledo, es un pura sangre del cante desde que con 11 años empezó
a ganar concursos televisivos.
Ahora, con cuatro discos en el mercado, ya es una figura del género

que anuncia un enorme futuro, pues su flamenco, posterior a la gran
transformación del género, ya no tiene que debatir entre tradición y
modernidad: él mismo es el fruto de ese debate tan creativamente resuelto.
Aliado de El Guincho, del guitarrista Diego del Morao, con el que acude
al Teatro de la Maestranza o de Pional, referencia actual de la música
electrónica, Israel Fernández seduce a las grandes audiencias igual que
a la industria, que por su disco Amor, Premio Odeón, también lo nominó
al mejor álbum flamenco en los Grammy Latinos.
La explosión de todo eso la ha encajado Israel Fernández viviendo en su

pueblo de siempre, atento a sus cosas, procurando que su música continúe
brotando del corazón, que es como a él le gusta cantar, anteponiendo su
experiencia y su verdad y luego dejándose llevar por la espontaneidad del
directo. “Soy humildemente impredecible”, dice Israel Fernández, formado
como cantaor con el chispazo variable de las fiestas y el cante en familia.
Pura sangre, presentado en el Teatro Real, es su nuevo disco. Vengan

a oírlo en la verdad suprema del concierto en vivo. Su autenticidad y
su emoción les impactará como ya ha impactado a C. Tangana, Rosalía
o Miguel Poveda.
Israel Fernández
Cante Israel Fernández Percusión y teclados Ané Carrasco
Guitarra Diego del Morao Palmas Marcos Carpio y Pirulo
Pura sangre
92 Cita en Maestranza 93
La poética voz que arrulla
y reconforta
Fecha La voz elegante, cálida y aterciopelada de Stacey Kent, esa que le ha
granjeado multitud de premios y reconocimientos y que ha enamorado
a expertos catadores del jazz vocal como el cineasta Clint Eastwood, quien
invitó a Kent a cantar en la fiesta de su 70 cumpleaños, llega al Teatro de
la Maestranza acompañada de un cuarteto de saxo y flauta, piano, bajo
y batería, para presentar en vivo Songs for other places, su último disco
concebido junto al pianista Art Hirara, un “partner” extremadamente sutil
para envolver sus íntimas y reconfortantes canciones.
Aunque siempre disfrutó escuchando a Benny Carter o Django Reinhardt,

Stacey Kent (New Jersey, 1968) no especulaba con dedicarse a la música
cuando llegó a Inglaterra a estudiar Literatura Comparada, donde conoció
al filósofo y saxofonista Jim Tomlison. Estudió música, apareció en algún
filme, hizo un programa sobre jazz en una emisora de la BBC, firmó un
contrato con Candid Records y, en 1997, comenzó a publicar álbumes
premiados con discos de oro y platino.
Songs for other places, su trabajo con Art Hirara, es una ecléctica y
cautivadora colección de canciones -alguno, escrito para ella por el Premio
Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro, que colabora con Kent hace años-
mezclados con standars como Blackbird y temas compuestos por Paul
Simon, Jobim o Steve Nicks. Todos, con ese aliento poético tan literario que
caracteriza la música de Stancey Kent, comparten la visión del viaje como
una posibilidad de transformación y reflexionan sobre los lugares y
el sentido de pertenencia. Lo hacen oscilando entre el tono nostálgico
y la radiante alegría de una cantante que ha sabido sintonizar con el gran
público, como prueban sus 325 millones de reproducciones en Spotify.
Stacey Kent
Acomódate y disfruta de una voz de seda que, adaptando el dúo de piano
de su álbum a una formación de quinteto en vivo, arrullará y reconfortará
tu noche. Verás tu corazón reflejado en su eco.
Songs from other places

Cita en Maestranza Voz Stacey Kent Bajo Jeremy Brown
Saxofón y flauta Jim Tomlinson Batería Josh Morrison
Sara Pettinella
Piano Graham Harvey
13 y 14 de diciembre 20h.
15 y 16 de diciembre 17.30h. y 21h.
17 de diciembre 12.30h. y 17h.
Cita en Mestranza
Grease.
El Musical
96 Teatro de la Maestranza Cita en Maestranza 97
Un icono de la cultura popular
contemporánea
CITA EN MAESTRANZA Danny Zuko y Sandy Olsson. Un romance al final del verano. Los T-Birds
GREASE. EL MUSICAL
y las Pink Ladies. Las chaquetas de cuero claveteadas. El pelo abrillantado
por la gomina. El fast food. Las carreras de coches. El autocine. Las
Fechas
13 y 14 de diciembre,
animadoras. Los conflictos de la adolescencia, la amistad y el amor.
20h. Frenchy y Rizzo…
15 y 16 de diciembre,
17.30h. y 21h.
17 de diciembre, A los 50 años -en 2021- de su estreno teatral en Chicago y a los 45 años de
12.30h. y 17h.
su versión cinematográfica en 1978, Grease, con su algodón de azúcar, su
contagioso vitalismo y sus caderas siempre eléctricas y agitadas, ha dejado
un rastro de buenas y pegadizas canciones, de coreografías inolvidables
y de glorificación de una cierta juventud americana que ha ingresado con
todo derecho en la gran enciclopedia de la cultura popular contemporánea.
Grease. El Musical nos devuelve al último esplendor del instituto Rydell

High en los estertores de la América de finales de los 50 previa a la
gran sacudida hippie de los 60. Y lo hace con un espectáculo arrollador
y rotundo facturado por SOM Produce, la mayor compañía española
productora de musicales, con el mismo equipo que triunfó en su adaptación
de Billy Elliot. Un musical impactante lleno de coreografías acrobáticas
que le devolverán el sabor de la película. Derrochando dinamismo
y encanto. Con energía e inteligencia. Con una puesta en escena
que solo le invitará a bailar.
Entre el 13 y el 17 de diciembre, con 8 funciones, en un atractivo programa

familiar capaz de reunir a los jóvenes espectadores que en el 78 la
admiraron en la pantalla de los cines con los adolescentes de hoy que se
enfrentan y disfrutan de las mismas cuestiones atemporales que entonces
-el amor, la amistad…-, vuelve Grease, si es que alguna vez se fue.
Adaptación y dirección David Serrano Diseño de escenografía Ricardo Sánchez Cuerda

Director asociado Juan Carlos Fisher Diseño de iluminación Juanjo Llorens
Director musical Joan Miquel Pérez Diseño de sonido Gaston Briski
Coreografías Toni Espinosa Diseño de caracterización Chema Noci
Dirección casting Carmen Márquez Traducción y adaptación Alejandro Serrano
de las canciones y David Serrano
Dirección técnica Guillermo Cuenca
Producción SOM Produce
Diseño de vestuario Ana Llena (AAPEE)
La emoción colectiva
Cita en Maestranza
del villancico
Fecha Remontado por los especialistas tanto a la tradición castellana de la Edad
Media como, en paralelo, a la del mundo arábigo-español, el villancico
flamenco es una de las formas musicales populares -especialmente, el
derivado de las bulerías- más bellas y participativas, pues preside y alienta
las tradicionales zambombas y otras reuniones familiares que celebran
el nacimiento de Jesús de la cultura andaluza, donde el villancico engrosó
la estética flamenca aportándole gran altura literaria desde que los poetas
cultos, a partir del siglo XVIII, empezaron a escribir villancicos en un
lenguaje accesible para el pueblo.
Hoy, y más aún en la voz sensible de Manuel Lombo, es una forma musical
maravillosa que derrocha una gran emoción colectiva. El sevillano Manuel
Lombo, que ha dedicado al género discos como Cante, incienso y mirra,
lleva desde 2010 girando espectáculos centrados en el villancico, tanto
tradicionales como compuestos por él mismo, por iglesias, catedrales
y teatros con un enorme éxito.
La clave quizá esté en la mezcla irresistible de su talento y sensibilidad.

Ese don ubicuo que le permite desplazarse desde el flamenco ortodoxo
-que aprendió en la Fundación Cristina Heeren de José de la Tomasa
y Naranjito de Triana- hasta transformarse, homenajeándolo, en la memoria
del revolucionario Bambino o compartir escenario con la soprano Ainhoa
Arteta, mezclando el cancionero de la Navidad popular con el de la
tradición culta.
Empático y seductor, figura de gran carisma en escena, Manuel Lombo,
Manuel
escoltado por más de una decena de músicos sobre el escenario, regresa al
Maestranza para celebrar toda una fiesta navideña que incluye En el portal
de Belén o Campanilleros. Para que vayan entonando la fiesta en casa.
Lombo
Cantes de diciembre

Tomatito, fulgor y calma
Cita en Maestranza
Fecha Habiéndose criado en un caldo familiar de sonantas -su padre, tocaba;

17 de febrero, 20h.
su abuelo, tocaba y su tío fue el gran Niño Miguel, una leyenda de la
guitarra flamenca- a José Fernández Torres (Almería, 1958), “Tomatito”,
seguramente no le quedó más remedio que continuar expandiendo una
saga familiar que desde el barrio de Pescadería transcendía las fronteras
de Almería. Para cuando, por generación, le tocó hacerlo, una figura
sideral ya había trastocado el orden de la guitarra y del flamenco entero
aportándole una innovación que ya no tendría marcha atrás. A la estela
del toque nuevo de esa figura se sumó Tomatito.
Es bien conocida la admiración y la influencia que Paco de Lucía ejerció

sobre el guitarrista almeriense. No en balde, Tomatito fue durante 18 años
el acompañante cómplice de Camarón de la Isla, con el que Paco había
formado una pareja mítica. Luego, fluyendo con el mismo espíritu de
revolución, a esa plaza de fraternal matrimonio artístico llegó Tomatito.
La alianza de los tres quedó sellada en 1989. Pero diez años antes,
Tomatito ya había hecho historia de la música española como uno de los
dos guitarristas flamencos -el otro era Raimundo Amador- de un disco
que partió en dos al flamenco: La leyenda del tiempo. Desde entonces,
José Fernández Torres ha madurado, ha hecho suyas todas las influencias
hasta cicatrizarlas como una identidad propia, ha buceado dentro de sí
mismo, ha germinado su propio y brillante toque y se ha convertido en un
músico global capaz de compartir escenario con Frank Sinatra, Elton John,
Julio Iglesias o su “compadre” del piano, Michel Camilo, con el que se ha
adentrado en maravillosas aventuras de latinidad flamenca.
Con seis Grammy y firmando bandas sonoras, Tomatito dejó de ser, hace
mucho tiempo, el “acompañante” de Camarón de la Isla y hoy es un músico
de amplio espectro que le ha hincado el diente al Concierto de Aranjuez.
Y que ahora nos llega, completamente libre y comprometido con seguir

avanzando en la música, con la autenticidad de un tipo que, cuando
no está de gira, cultiva frutales y cría ovejas y gansos en un cortijo
de Almería. Como siempre, discreto y honesto. Haciendo, a su modo
de artista tranquilo, la revolución silenciosa de una guitarra -la guitarra
Tomatito
de Tomatito- pletórica de mundos y acentos diversos, de complejidades
y transparencias, de reflexiones y de súbitos borbotones de pellizco.
Pasión, fulgor y calma, Tomatito.
Guitarra Tomatito Cante Morenito de Íllora,

Kiki Cortiñas
Segunda Guitarra José del Tomate
Percusión Israel Suárez “Piraña”
Olga Holguín

Cita en Maestranza La experiencia Sokolov
Fecha Hay prodigiosos virtuosos del piano. Hay concertistas emocionantes.

18 de febrero, 19h.
Y luego está… Sokolov: carismático, colosal, magnético. Crecido frente
a un teclado, el ruso Grigory Sokolov asombró al jurado del Concurso
Internacional Chaikovski de 1966 ganando el primer premio. Tenía 16 años
y su primer partidario, como presidente de aquel jurado, fue nada más
y nada menos que otra leyenda del pianismo ruso: Emil Gilels.
Sokolov solo interpreta la música que ama, siempre en vivo y rara vez en
estudio. No suele anticiparla con demasiada antelación a los teatros y
auditorios que lo contratan, de modo que sus espectadores suelen adquirir
los tickets de sus conciertos como quien se aventura a una cita a ciegas,
lo que convierte a sus recitales en un encuentro tan entregado y expectante
que roza, musicalmente, la mística. A partir de su portentosa precisión
técnica, Sokolov extrae una dimensión espiritual y sonora inédita en
recitales a los que se entrega con una devoción sorprendente alargándolos
con la generosidad de regalarnos media docena de propinas. Su teclado,
más que sobriamente perfecto, vibra de una forma sorprendentemente
orgánica, celular, y nunca tan robusta como para que no percibamos
el fluir de las notas y los intersticios de silencio que se ocultan tras ellas.
Su “sacerdotal” entrega a la música, su negativa a entrar en estudios
de grabación, su rechazo a conceder entrevistas -hasta el punto de
que en un documental sobre su figura, elocuentemente titulado Sokolov,
una entrevista imaginaria, el protagonista del filme no realiza declaración
alguna- lo han convertido en una figura particular.
El pianista más codiciado de la escena vuelve a Sevilla. Aunque ya lo hayan

visto, ustedes saben que un concierto de Grigory Sokolov nunca se parece
a otro, aunque solo sea porque la tanda de generosas propinas que suele
regalar constituyen una especie de imprevisible concierto extra. Pocos
músicos comparten en escena semejante amor y pasión por la música.
Déjese invadir por ella.
Grigory
Mary Slepkova- Deutsche Grammophon
Sokolov Piano Grigory Sokolov
104 Teatro de la Maestranza Cita en Maestranza 105

La tinta musical que la memoria
Mayte no olvidará nunca
Martín Fecha
14 de marzo, 20h.
Hay músicas que llevamos tatuadas en el alma. Canciones que nos
penetraron y grabaron nuestra piel y nuestra memoria. Temas a los
que volvemos una y otra vez porque son guías musicales en las que
reconocemos los episodios, felices o tristes, de nuestras trayectorias vitales.
Tatuajes Mayte Martín (Barcelona, 1965), una de las cantaoras más flamencas
y veraces de la escena, es también una viajera musical sin prejuicios que,
quizá por su sabiduría flamenca o simplemente, porque se deja llevar por
el oído ardiente de su corazón, siempre ha conectado con el pálpito de esas
canciones populares cuya intensidad emocional transcienden el tiempo,
las fronteras y las lenguas. En 1996, junto al gran Tete Montoliu, ya les rindió
homenaje en un disco prodigioso dedicado solo a los boleros.
En esa clave, y en un delicado y sutil cuarteto de piano, contrabajo y batería,

la ecléctica Mayte Martín recorre su memoria emocional -y la nuestra-
reuniendo un cancionero de afinidades electivas que reúne himnos como
Gracias a la vida, Te recuerdo Amanda, Procuro olvidarte, Eu sei que vou
te amar o Alfonsina y el mar, tejiendo un tapiz musical que no solo invoca
canciones capaces de resumir una gran historia en tres minutos, sino que
también homenajea a los trovadores y trovadoras -Violeta Parra, Víctor Jara,
Vinicius de Moraes, Mercedes Sosa, Jacques Brel…- que, como expertos
tatuadores, nos las dejaron ahí dentro, bajo su bajorrelieve en la piel, donde
la memoria no olvida y de una forma tan honda que su tinta no la podrá
borrar nadie nunca.
Cita en Maestranza
Voz y dirección musical Mayte Martín Contrabajo Guillermo Prats
Piano y arreglos Nelsa Baró Batería Vicens Soler
Cita en Maestranza 107

Rasgando
El legado de Europa Mel Bonis: cuartetos con piano
Concierto de apertura Concierto del Día de la Mujer
el silencio
11 de octubre, 20h. 4 de marzo, 20h.
Compositoras Amy Beach, Mel Bonis, Compositora Mel Bonis

Henriëtte Bosmans,
Violín Alejandro Bustamante
Nadia Boulanger,
Mujeres compositoras Rebecca Clarke, Fanny

Hensel, Luisa Adolpha
Le Beau, Rita Strohl
Viola
Violonchelo
Francesco Tosco
Israel Fausto
Directores artísticos: Carmen Martínez-Pierret Violonchelo

Piano
Israel Fausto
Carmen Martínez-Pierret
Piano Patricia Arauzo
e Israel Fausto
El piano español del siglo XIX: Vientos de cambio
compositoras de la época Concierto de Primavera
Vientos de cambio isabelina 10 de mayo, 20h.
Concierto del Día
Sala Manuel García La tercera temporada del ciclo Rasgando el Silencio devuelve al lugar que de la Constitución Compositoras Por definir
nunca debieron dejar de ostentar a un número de compositoras borradas Intérpretes Alumnado del
por la historia “oficial” de la música a través de 5 conciertos en formatos Conservatorio Superior
de Música “Manuel
camerísticos muy diversos. Castillo”
Compositoras Soledad de Bengoechea,
Coordinador Israel Fausto
Josefa Fernanda de
Borbón, Lluïsa Casagemas,
María Luisa Chevallier,
Eloísa D’Herbil, Eloísa
de la Parra, María Isabel
Prota
Piano Carmen Martínez-Pierret
Nothin’ But Love

Concierto de San Valentín
14 de febrero, 20h.
Compositoras Lili & Nadia Boulanger,

Cécile Chaminade,
Madeleine Dring,
Fanny Hensel, Carrie
Jacobs-Bond, Johanna
Kinkel, Dana Suesse
Soprano Delphine Mégret
Tenor Bastien Rimondi
Piano Carmen Martínez-Pierret
108 Teatro de la Maestranza Rasgando el silencio 109

Alternativas
Antón & Maite Piano Dúo
El día y la muerte
de cámara
13 de febrero, 20h.
Dos Pianos Antón Dolgov

y Maite León
Piezas de I. Stravinsky,
Ciclo en colaboración con Juventudes

C. Debussy y F. Remacha
Musicales de Sevilla Globo Ensemble

De lo sacro y lo profano
Sala Manuel García El ciclo con el que el Maestranza, en colaboración con Juventudes Musicales 18 de marzo, 20h.
de Sevilla, apuesta por las jóvenes promesas musicales andaluzas

y españolas, ofrece este año cuatro conciertos en la Sala Manuel García. Flauta Gala Kossakowski
Oboe Inmaculada Veses
Antón & Maite Piano Dúo es una multipremiada pareja de pianistas clásicos. Trompa Jessica María Rueda
En El Día y la Muerte, con repertorio en forma de dos pianos Fagot Andrea Rosario Pérez
y piano a cuatro manos, el dúo usa el nombre de una obra del compositor Clarinete Natacha Correa
navarro Fernando Remacha para contar las grandes tragedias de inicios del Piezas de W. A. Mozart, H. Tomasi,
J. Turina, C. Nielsen
siglo XX, vistas por tres compositores: el propio F. Remacha con esa pieza,
I. Stravinski y Claude Debussy.
Globo Ensemble es un quinteto de viento -flauta, oboe, trompa, fagot Pablo Heredia y Cía.
y clarinete- integrado por cinco mujeres que remonta su origen a la
Tripasarí
Escuela Superior de Música Reina Sofía. La fina línea que separa la
expresión musical de lo sacro a lo profano marca el programa con obras de 10 de abril, 20h.
W. A. Mozart y H. Schellenberger, H. Tomasi, Joaquín Turina y Carl Nielsen.
Guitarra flamenca Pablo Heredia

En caló, “tripasarí” significa “admiración”. Y esa es la palabra que usa
el guitarrista flamenco Pablo Heredia, formado en el Conservatorio
Manuel de Falla de Cádiz y en el Superior Rafael Orozco de Córdoba,
para rendir su homenaje a los grandes maestros de la guitarra flamenca
en un espectáculo con baile, cante y percusión.
El dúo del saxofonista Manu Brazo y el pianista Pepe Fernández, fiel

Dúo Brazo y Fernández
a su carácter experimentador, nos propone un interesante programa De inspiración barroca
en el que piezas de inspiración barroca sonarán completamente nuevas
14 de mayo, 20h.
interpretadas por un saxofón y un piano moderno. Händel, Rameau, Bach
o Vivaldi, reactualizados por dos músicos andaluces que están redefiniendo
el concepto de músico clásico y están expandiendo el gran repertorio entre Saxofón Manu Brazo
las nuevas audiencias. Piano Pepe Fernández
Piezas de J. Clarke, G. F. Händel,
A. Vivaldi, F. Kreisler,
H. Purcell, T. Vitali,
J. P. Rameau, J. S. Bach
110 Teatro de la Maestranza Alternativas de cámara 111

Que sea clásica no significa
Jóvenes Audiencias
que sea triste
Fecha Disparatado y, a su manera, surrealista, Danny Kaye (1911 - 1987) fue un
28 de octubre, 18h.
célebre actor, cantante, humorista y bailarín americano que protagonizó
infinidad de películas, shows y piezas teatrales en las que con sus muecas
y payasadas provocaba la carcajada, llevando al público -el inglés, por
ejemplo, que le adoraba- hasta el delirio a base de números como recitar
una catarata interminable de nombres a tal velocidad que parecía ahogarse
en el intento.
Zapata -el tenor granadino José Manuel Zapata-, un cantante

desacomplejado y showman con un gran carisma en escena, lo homenajea
rescatando una de las facetas de Kaye menos conocidas, su condición de
aficionado a la música que solía ponerse al frente de importantes orquestas
americanas “reemplazando” a directores de la talla de Eugene Ormandy
o Zubin Mehta. a los que parodiaba dirigiendo a las orquestas -como la
Filarmónica de Nueva York- en eventos retransmitidos por televisión a todo
el país. Por uno en concreto, en 1981, fue nominado a los Emmy.
Con puesta en escena y guion compartido con Paco Mir (Tricicle), Zapata
nos sumerge en una gamberrada musical que desmonta los serios y graves
clichés del género con unos gags disparatados con los que el público
no solo se divierte, y mucho, sino que además, escucha una selección
de variados fragmentos musicales que, como el polifacético Danny Kaye,
Real Orquesta viajan desde Brahms a AC/DC, o de Beethoven a Johann Strauss. Y como
el humor es muy serio, también para Zapata, los gags son elaborados,
Sinfónica de Sevilla finos, sutiles y proyectan ironías sobre el mundo de la música clásica, sí,
pero siempre, como en todo lo que hace Zapata, desde el más profundo
amor hacia ella Ya es hora de relajarse y de mirarnos a nosotros mismos,
espectadores de lo culto y lo grave, con el relativismo y la chanza con la
que se vieron a sí mismos compositores tan risueños como Rossini y tantos
Concierto
otros. ¿Podemos reírnos con la música clásica? Por supuesto que podemos.
Que sea clásica no significa que sea triste. ¡Música Zapata, vamos a reírnos!
para Zapata
Obras de
G. Rossini, J. Strauss II, G. Verdi, J. F. Padilla, P. I. Tchaikovsky,
J. Strauss, J. M. Zapata, R. Schumann, J. Brahms, J. S. Bach,
L. V. Beethoven
y Orquesta Director, cantante

y showman
Puesta en escena
Guion
José Manuel Zapata
Paco Mir
Zapata, Paco Mir
Proyecto en colaboración Teatro de la Maestranza
y Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
E. Moreno Esquibel
Arreglos musicales Juan Francisco Padilla

y dirección musical
El tenor coge la batuta

114 Teatro de la Maestranza Jóvenes Audiencias 115
Jugando con el tetris
El barbero de Rossini
de Sevilla Sesiones para familias

y 19h.
Las intrigas, embrollos, trapisondas y divertidos enredos de El barbero
de Sevilla que G. Rossini puso en canto y música a partir del texto del genial
Beaumarchais, siguen desplegando un potencial portentoso para llevar la
pasión de la ópera al corazón de las audiencias más jóvenes. Todo el mundo
Sesiones para escolares
6, 7 y 8 de febrero, entiende y accede al mundo dinámico y disparatado de El barbero de
Gioachino Rossini 10h. y 12h.
Edad recomendada
Sevilla, ya sea a sus capas de lectura más aparentes y superficiales o a los
muchos dobles sentidos y metáforas que se esconden bajo el primer plano
a partir de 8 años.
de su historia jocosísima.
Y seguramente eso ocurre así porque las tensiones entre las dos
generaciones enfrentadas en El barbero de Sevilla, con sus diferentes
deseos, ambiciones y maneras de ver el mundo, son analizadas por
Rossini con un filtro de ironía que las desnuda y las vuelve más tiernas
y vulnerables.
El Real Teatro de Retiro de Madrid, en un espectáculo coproducido con

el Teatro de la Maestranza con dirección musical de Rubén Sánchez Vieco
y escénica y dramatúrgica de Rita Cosentino, vuelve a apelar al humor
y a la comicidad para contarnos, otra vez, un nuevo Barbero, que es esa
clase de personaje operístico que atraviesa los siglos con una capacidad
de modernidad y adaptabilidad a los cambios históricos y sociales
realmente sobresaliente.
Con la participación de jóvenes cantantes del programa CRESCENDO de

la Fundación Amigos del Teatro Real, y en un espectáculo concebido para
todos los públicos a partir de 8 años, el Maestranza nos invita a disfrutar
como niños desmontando ese tetris de inagotables aristas y posibilidades
llamado El barbero de Sevilla.
Dirección musical Rubén Sánchez Vieco Coproducción del Teatro de la Maestranza

y el Real Teatro de Retiro
Dirección de escena Rita Cosentino
y dramaturgia Participación de jóvenes cantantes del programa
Jóvenes Audiencias Diseño de escenografía

Diseño de vestuario
David Pizarro
Gabriela Hilario
CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real
Diseño de iluminación Eduardo Bartrina

Las lecciones de Noa
Claroscuro
SALA MANUEL GARCÍA Títeres, máscaras y música en directo para contarnos la historia de Noa,
Sesiones para escolares
una niña judía en el Toledo de 1492, de sus amigos Fátima y Pedro
7 y 8 marzo, 10h. y de un gato callejero. Al fondo de su historia, la de la expulsión de España
El cielo de Sefarad y 12h.
Sesión para familias

del pueblo sefardí, pero contada para las jóvenes audiencias, con humor,
magia y ternura.
9 de marzo, 12h.
Edad recomendada La Compañía Claroscuro, fundada en 2010 por la canadiense Julie

a partir de 6 años.
Vachon y el experto musical Francisco de Paula Sánchez, ya triunfó con
su espectáculo Yo soy la locura y luego con La increíble historia de Juan
Latino y ahora, guiada por su amor a la marioneta y a la música española de
los siglos XV a XVIII, cierra una trilogía sobre la España en el exilio que no se
edificó sobre el rencor sino sobre el amor a la memoria vivida. Pero además
de la historia de una niña apartada de sus amigos por el simple hecho de
ser judía, también es la historia de su madre y abuela que le transmitieron
su lengua, música, cocina y costumbres. Y la de su abuelo, médico y
astrónomo, que le enseñó a no odiar. O la de un gato maltratado que solo
habla con ella. Y la de Pedro, el niño católico que solo al comprender la
herida de la ausencia de Noa será consciente de la pérdida irreparable de
haberla perdido y se arrepentirá de haberla traicionado. Es la historia de
todos los niños de la humanidad que un día, sin entender por qué, tuvieron
que huir de sus casas y abandonarlo todo.
El cielo de Sefarad avanza sobre las dulces y melancólicas canciones

sefardíes en un espectáculo en el que la música tiene un poder decisivo.
Claroscuro profundiza en historias inéditas destinadas a un público de
todas las edades, donde el títere se convierte en materia viva para plantear
a los espectadores las preguntas que provienen del fondo de los tiempos.
Actriz, titiritera Julie Vachon Coproducción del Teatro de la Zarzuela

y canto y Claroscuro Teatro, con la colaboración
de la Asociación Bislumbres, el Ayuntamiento
Actor, titiritero Francisco de Paula
de La Rinconada y el Festival de Música Antigua
y canto Sánchez
de Sevilla (FeMÀS).
Soprano, percusión María José Pire
Jóvenes Audiencias
y flauta
Cítola, laúd, viola Enrique Pastor
románica y canto
Narradora en off Carmen Blanco
José Albornoz

Información Abonos
Horarios de las Todas las actividades comenzarán a las 20h., excepto aquellas que tengan lugar los La venta de nuevos abonos de Ópera, Ópera Fin de Semana, Danza y Gran Selección comienza el 24 de mayo.
actividades domingos que comenzarán a las 19h., así como las siguientes: La renovación de los abonos actuales se realizará automáticamente y será comunicada personalmente mediante correo
- Tristán e Isolda, 27 y 30 de septiembre y 3 de octubre a las 19h. electrónico a los abonados.
- Grease. El Musical, 15 y 16 de diciembre a las 17.30h. y 21h. y 17 de diciembre a las 12.30h.

y 17h. Ventajas y - Los abonados pueden fraccionar el importe de sus abonos en dos plazos, sin ningún
- Concierto para Zapata y Orquesta, sesión para familias 28 de octubre a las 18h. condiciones coste adicional, mediante domiciliación bancaria de los pagos.
- El barbero de Sevilla, sesión para familias 27 de diciembre a las 19h. y 28 de diciembre - El Teatro se reserva el derecho de anular o denegar el abono por causas organizativas
a las 17h. y 19h. Sesiones para escolares 6, 7 y 8 febrero a las 10h. y 12h. o por falta de pago de uno de los plazos.
- Collegium 1704, El Mesías, Domingo 24 de marzo a las 11h.

- Claroscuro, sesiones para escolares 7 y 8 marzo a las 10h. y 12h. Sesión para familias
9 marzo a las 12h. Abono de Ópera Este abono incluye los cuatro títulos de la temporada con un descuento especial y puede
- Tour Música y Ópera tras el Telón. Consultar la web del Teatro complementarse con el resto de los espectáculos del apartado Lírica (Zarzuela, recital
de Javier Camarena y La Bella Susona) aprovechando el 20 % de descuento en estos tres
- En torno a… ciclos de conferencias complementarios a algunos espectáculos líricos, programas. Además, ofrece a los titulares del mismo un 15% de descuento en el precio de
a las 19h., excepto La Bella Susona a las 18.30h. localidades sueltas para todos los espectáculos de la programación propia que organiza
el Teatro en la Temporada 2023-2024 siguiendo el calendario de venta de entradas
Canales de venta Las localidades y abonos se pondrán adquirir a través de los siguientes canales de venta: fijado. No se aplicará ningún tipo de descuento en Grease. El Musical y en el Concierto
Extraordinario de la Filarmónica de Viena.
TAQUILLA
Paseo de Cristóbal Colón, 22.
41001 Sevilla Tristán e Isolda Norma Alcina Nabucco
De lunes a sábado, de 10 a 14h. y de 17 a 20h. Cerrado domingos y festivos, excepto Miércoles Domingo Martes Jueves
1º día de abono
los días de función hasta el comienzo de la misma. Pagos en efectivo y con tarjeta 27 de septiembre 12 de noviembre 6 de febrero 13 de junio
de crédito o débito. No se admiten tarjetas virtuales.
Sábado Miércoles Jueves Domingo
Contacto: 954 22 65 73 | taquilla@teatrodelamaestranza.es 2º día de abono
30 de septiembre 15 de noviembre 8 de febrero 16 de junio
VENTA TELEFÓNICA
Martes Sábado Sábado Miércoles
3º día de abono
El servicio de venta telefónica está disponible en horario de taquilla en el 954 22 65 73. 3 de octubre 18 de noviembre 10 de febrero 19 de junio
Se aplicará un recargo de 1,50€ por entrada en concepto de gastos de gestión.
Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso
INTERNET
Importe 468,00€ 450,00€ 406,80€ 364,50€ 325,80€ 302,40€ 259,20€ 216,00€
www.teatrodelamaestranza.es.
Es imprescindible la impresión de las entradas compradas por Internet o la descarga
en el dispositivo móvil para acceder al recinto. Se incrementará el precio con el recargo
que establezca la plataforma de venta de entradas.
Abono de Ópera Para quienes, por razones laborales o geográficas, solo pueden acudir al Teatro
Fin de Semana en fin de semana. Disfruta de este abono con un 5% de descuento.
Nuestras zonas Patio
1º Balcón
Tristán e Isolda Norma Alcina Nabucco
2º Balcón
Sábado Sábado Sábado Sábado
1ª Terraza 30 de septiembre 18 de noviembre 10 de febrero 22 de junio
2ª Terraza Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso
Importe 532,00€ 513,00€ 469,30€ 423,70€ 377,15€ 342,00€ 304,00€ 261,25€

1º Paraíso
2º Paraíso
3º Paraíso ESCENARIO
120 Teatro de la Maestranza Abonos y localidades 121

Paquetes temáticos
Abono de Danza La danza es parte fundamental de la programación de nuestro Teatro. Para los más fieles
a este género, programamos seis espectáculos sobresalientes incentivados con un 10%
de descuento en el precio.
Compañías Fechas El Teatro de la Maestranza ha diseñado paquetes de entradas de espectáculos afines a los que se aplicará
un 10% de descuento. Se podrán adquirir a partir del 1 de junio.
María Pagés Compañía, De Sheherazade Sábado 7 de octubre
Martha Graham Dance Company, Errand into the Maze - Paquete Flamenco
Domingo 15 de octubre
Canticle for Innocent Comedians - CAVE
Israel Fernández, Pura sangre Jueves 5 de octubre CITA EN MAESTRANZA
Ballet Nacional de España, Afanador Viernes 1 de diciembre
María Pagés Compañía, De Sheherazade Sábado 7 de octubre DANZA
Compañía Nacional de Danza, La Sylphide Jueves 11 de enero
Tomatito Sábado 17 de febrero CITA EN MAESTRANZA
Ballet Preljocaj, El lago de los cisnes Sábado 24 de febrero
Mayte Martín, Tatuajes Jueves 14 de marzo CITA EN MAESTRANZA
Eva Yerbabuena, Al igual que tú Domingo 7 de abril
Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso Eva Yerbabuena, Al igual que tú Domingo 7 de abril DANZA
Importe 288,00€ 274,50€ 258,30€ 242,10€ 225,90€ 209,70€ 188,10€ 173,70€ Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso
Importe 207,00€ 193,50€ 180,90€ 167,40€ 153,90€ 144,00€ 134,10€ 124,20€
Abono Gran Selección Este abono incluye ocho conciertos con un 10% de descuento en el precio de las entradas
y además, ofrece a los titulares del mismo un 15% de descuento en la compra Paquete Barroco
de localidades para el recital del pianista Grigory Sokolov.
Martes 6, jueves 8,
Alcina, Georg Friedrich Händel LÍRICA
sábado 10 de febrero
Orquesta Fechas
Orquesta Barroca de Sevilla, Las cuatro estaciones Viernes 9 de febrero GRAN SELECCIÓN
Mahler Chamber Orchestra Domingo 26 de noviembre
Collegium 1704, El Mesías Domingo 24 de marzo GRAN SELECCIÓN
Orquesta Fundación Barenboim-Said Viernes 29 de diciembre
Orchestra Barocca Zefiro, Conciertos de Brandenburgo Sábado 4 de mayo GRAN SELECCIÓN
Orquesta Barroca de Sevilla, Las cuatro estaciones Viernes 9 de febrero
musicAeterna, Réquiem Martes 12 de marzo Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso
Collegium 1704, El Mesías Domingo 24 de marzo Tarifa A 279,00€ 266,40€ 247,50€ 227,70€ 207,00€ 192,60€ 174,60€ 157,50€
Orquesta Joven de Andalucía Lunes 1 de abril Tarifa B 270,00€ 257,40€ 240,30€ 221,40€ 200,70€ 187,20€ 167,40€ 148,50€
Orchestra Barocca Zefiro, Conciertos de Brandenburgo Sábado 4 de mayo

TARIFA A: Alcina, sábado 10 de febrero TARIFA B: Alcina, martes 6 y jueves 8 de febrero
Orquesta Filarmónica de Viena Lunes 24 de junio
Paquete mixto
Zona Patio 1º Balcón 2º Balcón 1º Terraza 2º Terraza 1º Paraíso 2º Paraíso 3º Paraíso
Importe 549,00€ 527,40€ 503,10€ 462,60€ 419,40€ 378,90 € 330,30€ 282,60€
Configura tu abono de la temporada según tus gustos y preferencias con un 10% de descuento. Podrás incluir,
con un mínimo de 4, todos los espectáculos que desees de los ciclos Lírica, Gran Selección, Cita en Maestranza y Danza.
En este paquete no se permite elegir más de 2 títulos de ópera.
El espectáculo Grease. El Musical y el Concierto Extraordinario de la Orquesta Filarmónica de Viena están fuera
de este Paquete. A la venta a partir del 1 de junio.

Localidades Localidades Danza
Compañía Nacional
María Pagés Compañía
Eva Yerbabuena Ballet Nacional
Ballet Preljocaj
de Danza Martha Graham Dance de España
Company
La venta de localidades sueltas para los diferentes espectáculos se realizará de forma escalonada durante la temporada:
Tarifa A Tarifa B Tarifa A Tarifa B
- 1 de junio: espectáculos programados para los meses de octubre, noviembre, diciembre y enero.
- 3 de octubre: espectáculos programados para los meses de febrero y marzo. Patio 70 € 65 € 45 € 60 € 60 € 55 €
- 7 de noviembre: espectáculos programados para los meses de abril, mayo y junio.
1º Balcón 67 € 63 € 42 € 58 € 58 € 52 €
2º Balcón 63 € 60 € 39 € 55 € 55 € 49 €
Localidades Lírica
Tristán e Isolda Norma Alcina Javier Camarena 1º Terraza 59 € 57 € 36 € 52 € 52 € 46 €
2º Terraza 55 € 54 € 33 € 49 € 49 € 41 €
Tarifa A Tarifa B Tarifa A Tarifa B Tarifa C Tarifa A Tarifa B
1º Paraíso 52 € 50 € 31 € 45 € 45 € 38 €
Patio 140€ 130 € 140€ 130 € 80 € 130 € 120 € 40 €
2º Paraíso 48 € 45 € 28 € 40 € 40 € 36 €
1º Balcón 135 € 125 € 135 € 125 € 77 € 125 € 115 € 38 €
3º Paraíso 45 € 40 € 27 € 36 € 36 € 34 €
2º Balcón 124 € 112 € 124 € 112 € 73 € 112 € 104 € 36 €
1º Terraza 112 € 100 € 112 € 100 € 69 € 100 € 93 € 34 € TARIFA A: viernes y sábados TARIFA B: resto de días
2º Terraza 100 € 91 € 100 € 91 € 65 € 87 € 80 € 32 €
1º Paraíso 90 € 86 € 90 € 86 € 62 € 80 € 74 € 30 €
Localidades Cita
2º Paraíso 80 € 73 € 80 € 73 € 58 € 70 € 62 € 28 € Israel Fernández
en Maestranza Grease. Grigory
Mayte Martín Tomatito Stacey Kent
3º Paraíso 70 € 60 € 70 € 60 € 55 € 60 € 50 € 26 € El Musical* Sokolov
Manuel Lombo
Los gavilanes Nabucco La Bella Susona
Patio 45 € 50 € 55 € 69 € 40 €
Tarifa A Tarifa B Tarifa A Tarifa B Tarifa D Tarifa E Tarifa A Tarifa B
1º Balcón 42 € 47 € 52 € 64 € 38 €
Patio 80 € 75 € 150 € 140 € 75 € 80 € 75 € 70 €
2º Balcón 39 € 45 € 49 € 60 € 36 €
1º Balcón 77 € 73 € 145 € 135 € 73 € 77 € 73 € 67 €
1º Terraza 36 € 42 € 46 € 54 € 34 €
2º Balcón 73 € 70 € 134 € 124 € 70 € 73 € 70 € 63 €
2º Terraza 33 € 39 € 43 € 50 € 32 €
1º Terraza 69 € 67 € 122 € 112 € 67 € 69 € 67 € 59 €
1º Paraíso 31 € 36 € 40 € 49 € 30 €
2º Terraza 65 € 64 € 110 € 100 € 64 € 65 € 64 € 55 €
2º Paraíso 29 € 33 € 37 € 45 € 28 €
1º Paraíso 62 € 60 € 100 € 90 € 60 € 62 € 60 € 50 €
3º Paraíso 27 € 30 € 35 € 39 € 26 €
2º Paraíso 58 € 55 € 90 € 80 € 55 € 58 € 55 € 45 €
3º Paraíso 55 € 50 € 75 € 70 € 50 € 55 € 50 € 40 €
Sala Manuel García
TARIFA A: viernes, sábados y domingos (vísperas de festivo) TARIFA C: Norma función 2º reparto viernes 17 de noviembre Claroscuro** Rasgando el Silencio Alternativas de cámara
TARIFA B: lunes, martes, miércoles, jueves y domingos TARIFA D: Nabucco función 2º reparto martes 18 de junio
(no vísperas de festivo) Precios únicos 10€ 15€ 15€
TARIFA E: Nabucco función 2º reparto viernes 21 de junio
Las entradas para la ópera Lazarillo, programada en el Teatro Lope de Vega para el 25 de mayo podrán adquirirse, según
sus condiciones de venta y formas de pago, en la web www.teatrolopedevega.org o en la taquilla del Lope de Vega. * Ninguno de los descuentos del Teatro de la Maestranza son aplicables a Grease. El Musical
** Las entradas para los centros educativos para Claroscuro tienen un precio único de 7€.

Localidades
Gran Selección
Mahler Chamber
Orchestra
Orquesta Fundación
Barenboim-Said
Orquesta Barroca de Sevilla
Orchestra Barocca Zefiro
Descuento menores de 30 años
Patio 75 € 30 € 50 €
1º Balcón 70 € 27€ 47 € El Teatro de la Maestranza ofrecerá un descuento del 80% sobre el precio de las entradas
a los menores de 30 años desde el día antes del espectáculo, según disponibilidad y cupo
2º Balcón 65 € 25€ 45 € limitado. Este descuento se aplicará a las funciones de Lírica, Gran Selección, Danza
y del pianista Grigory Sokolov. Se pueden adquirir directamente en la taquilla del Teatro
1º Terraza 60 € 23 € 42 € y a través de la página web. Se solicitará D.N.I en el acceso a la sala.
2º Terraza 55 € 21 € 39 €
1º Paraíso 50 € 19 € 36 €
2º Paraíso 42 € 17 € 33 €
3º Paraíso 34 €
musicAeterna
15 €
Collegium 1704
Orquesta Joven
30 €
Orquesta Filarmónica
Actividades centros educativos
de Andalucía de Viena*
Patio 120 € 80 € 25 € 180 € Los espectáculos destinados a los centros educativos, El barbero de Sevilla y Claroscuro,
se podrán solicitar a partir de las 10h. del 25 de septiembre por Internet, rellenando
1º Balcón 115 € 77 € 23 € 180 € el formulario que encontrarán en nuestra web www.teatrodelamaestranza.es.
Precio único, 7 euros.
2º Balcón 104 € 73 € 22 € 180 €
1º Terraza 93 € 69 € 20 € 165 €
2º Terraza 80 € 65 € 17 € 150 €
1º Paraíso 74 € 62 € 14 € 130 €
2º Paraíso 62 € 58 € 12 € 110 € Tarjeta regalo Maestranza

3º Paraíso 50 € 55 € 10 € 90 €
* Este concierto Extraordinario está fuera del Paquete mixto y de otros descuentos, solo tiene descuento La tarjeta se puede adquirir online (en formato pdf) o físicamente en taquilla y su saldo se
en la compra del Abono Gran Selección. puede canjear por cualquiera de los espectáculos de la programación propia del Teatro de
la Maestranza que aparecen en esta publicación durante la Temporada 23-24 (saldo inicial
a partir de 30€).
Localidades Jóvenes
El mejor regalo, una gran experiencia en el Maestranza.
Audiencias Concierto para Zapata y Orquesta El barbero de Sevilla*
Patio 20 € 15 €
1º Balcón 17 € 14 €
Visita el Teatro
2º Balcón 16 € 13 €
1º Terraza 15 € 12 €
2º Terraza 13 € 11 €
Música y Ópera tras el Telón ofrece a los apasionados de la cultura, de la música y de
1º Paraíso 12 € 10 € Sevilla la oportunidad de descubrir el interior del Maestranza mediante un tour guiado.
El visitante tendrá el privilegio de disfrutar del fascinante mundo de este Teatro de Ópera
2º Paraíso 11 € 9€
y conocer todos sus rincones y secretos.
3º Paraíso 10 € 8€ Las entradas pueden adquirirse presencialmente en la taquilla del Teatro o a través
de la web; consultar disponibilidad y horarios a través de www.teatrodelamaestranza.es
* Las entradas para los centros educativos El barbero de Sevilla tienen un precio único de 7€.

Normas generales
Reembolso El Teatro de la Maestranza no se responsabiliza de las entradas compradas fuera de los

de localidades puntos oficiales de venta. Al adquirir su entrada compruebe los datos contenidos en ella.
Una vez retiradas las localidades no se admitirán cambios ni devoluciones.
El Teatro de la Maestranza y Salas del Arenal S.A., por causas ajenas a su voluntad y si
Cambios de las circunstancias lo exigieran, podrá alterar las fechas, los horarios, los programas y los
programación intérpretes anunciados.
o localidades En caso de exigirlo la producción, el Teatro de la Maestranza se reserva la posibilidad de
hacer uso de algunas localidades de abono, en cuyo caso serían reemplazadas por otras
equivalentes, según disponibilidad.
Aquellos abonados de ópera y danza, que deseen cambiar su localidad de abono por una
de otra función del mismo título deben contactar con taquillas para ver la disponibilidad
de fechas y precios (Tfno.: 954 22 65 73).
Puntualidad y En atención a los artistas y al público en general, se ruega la máxima puntualidad. No

admisión de sala se permitirá el acceso a la sala una vez comenzada la representación o el concierto hasta
la primera pausa, si la hubiere.
Menores de 14 años Los menores de 14 años deben acudir al Teatro acompañados de un adulto.
Los espectáculos del Maestranza no están recomendados para menores de 6 años,
excepto los especialmente destinados para una edad inferior.
Grabaciones No se permite fotografiar, filmar ni grabar ningún espectáculo.

y fotografías
Utilización del móvil Una vez que comience el espectáculo o concierto no se podrá hacer uso del móvil
en ninguna de sus funciones. Disfrute, de un tiempo sin tecnología.
Alimentos y bebidas Está prohibido entrar en la sala con bebidas o comida.
Derecho de admisión El Teatro de la Maestranza se reserva el derecho de admisión.
INSTITUCIONES
Información válida para la temporada 2023-2024 salvo error tipográfico, en cuyo caso prevalecerá la comunicada a través COLABORADORAS
de la web oficial del Teatro de la Maestranza. Para más información sobre la programación del Teatro de la Maestranza,
síganos en redes sociales o suscríbase a nuestra newsletter en www.teatrodelamaestranza.es
Agradecimientos
Emilio Morenatti, por la cesión de sus fotografías para ilustrar la ópera Nabucco.
Itsaso Arana, por la locución del vídeo promocional Temporada 23-24.

Libro Programacion Temporada 2023 2024 Web PDF

Uploaded by

Document Information

Original Title

Copyright

Available Formats

Share this document

Share or Embed Document

Sharing Options

Did you find this document useful?

Is this content inappropriate?

Copyright:

Available Formats

Libro Programacion Temporada 2023 2024 Web PDF

Uploaded by

Copyright:

Available Formats

Temporada 2023/2024

SALA MANUEL GARCÍA

Sobran imágenes, es cierto. Vivimos aturdidos en una borrachera visual. Pero si

2 Teatro de la Maestranza Temporada 2023/2024 3

Piérdanse en Tristán e Isolda de R. Wagner, esa paradójica “ópera para ciegos”

4 Teatro de la Maestranza Temporada 2023/2024 5

La danza vuelve cinética la mirada. Le imprime ritmo, vértigo, la obliga a fijarse,

El lema de la temporada se quiebra y brilla de repente con un nuevo fulgor cuando

6 Teatro de la Maestranza Temporada 2023/2024 7

El repertorio visual del Maestranza es híbrido, ecléctico, contiene doradas

Apaguen los móviles, bloqueen el bombardeo de imágenes que no queremos

Javier Menéndez Álvarez

8 Teatro de la Maestranza Agenda 9

5 RASGANDO EL SILENCIO - SMG*

6˚, 7˚ y 8˚ JÓVENES AUDIENCIAS

10 Teatro de la Maestranza Agenda 11

14 RASGANDO EL SILENCIO - SMG* 10 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*

17 CITA EN MAESTRANZA

14 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*

12 Teatro de la Maestranza Agenda 13

El Teatro de la Maestranza estrena una nueva producción propia con

Una de las más bellas y perturbadoras experiencias líricas que se pueden

Dirección musical Henrik Nánási Tristán Stuart Skelton

Coro Teatro de la Maestranza Timonel Juan Antonio Sanabria

Con un magnífico doble reparto donde destacan, bajo la dirección del

Dirección musical Yves Abel / Norma Yolanda Auyanet /

Fecha En colaboración con la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera

El Teatro de la Maestranza, que en la elaboración de sus repartos tiene

El Certamen cuenta con el patrocinio de instituciones como la Consejería

de Amigos de la Opera (ASAO) en colaboración

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de

Tenor Javier Camarena Piano Ángel Rodríguez

Dirección musical Andrea Marcon Alcina Jone Martínez

32 Teatro de la Maestranza Lírica 33

Carretero es compositor y catedrático de composición del conservatorio

Dirección musical Nacho de Paz Susona Daisy Press

En colaboración con el Auditorio de Tenerife

Elena del Real

El libreto lo escribió José Ramos Martín y la música, que convirtió al título

Con puesta en escena de Mario Gas, un apasionado de la zarzuela, y diseño

Dirección musical Óliver Díaz Juan Javier Franco

Coro Teatro de la Maestranza

Estas reflexiones del director de escena Ricardo Campelo nos sitúan

Dirección musical Lara Diloy Soprano Ruth González

Flauta Gala Kossakowski

David del Puerto

13, 18, 19, 21 y 22 de junio 20h.

ÓPERA Poder, opresión, traición, exilio, amor imposible, conflicto religioso y

En seis funciones con doble reparto marcadamente latino en los que

Dirección musical Francesco Ivan Ciampa / Nabucco Juan Jesús Rodríguez /

Coro Teatro de la Maestranza Abdallo Andrés Merino

En un espectáculo concebido junto al escritor e intelectual marroquí

Dirección, coreografía, María Pagés Bailaoras María Pagés,

En CAVE, y a iniciativa del bailarín Daniil Simkin , el coreógrafo israelí

ERRAND INTO THE MAZE Música Jason Moran

Producción Martha Graham Dance Company

Hibridar dos lenguajes, fotografía y danza, en busca de “un universo nuevo”,

El Ballet Nacional de España, dirigido por el sevillano Rubén Olmo, baila

Idea y dirección Marcos Morau Diseño de escenografía Max Glaenzel

Nueva producción del Ballet Nacional de España

Bailarines: Elisabetta Formento/Mario Galindo

Esta vez, la CND regresa al mundo fantástico y alegórico de La Sylphide,

5 RASGANDO EL SILENCIO - SMG*

6˚, 7˚ y 8˚ JÓVENES AUDIENCIAS

14 RASGANDO EL SILENCIO - SMG* 10 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*

17 CITA EN MAESTRANZA

14 ALTERNATIVAS DE CÁMARA - SMG*

13, 18, 19, 21 y 22 de junio 20h.