Vincent de Van Gogh KKK

Vincent de van Gogh
DATOS DEL ARTISTA
Nombre de
Vincent Willem van Gogh.
nacimiento:
Nombre artístico: Vincent van Gogh.
Nacionalidad: Países Bajos.
Año de nacimiento: 1853, Países Bajos.
Año de muerte: 1890, Francia.
Estilo: Postimpresionismo.
Siendo uno de los pintores mas influyentes de la historia, en vida vendió solo una obra.
Obras de Van Gogh
Los cuadros de Van Gogh se consideran postimpresionistas, su estilo fue tomado como ejemplo en el desarrollo posterior
del abstracto, fauvista y expresionista.
Las pinceladas puntillistas y líneas ondulantes de sus cuadros son consideradas sublimes por los expertos, el pintor no
sólo dominaba una técnica innovadora para su tiempo, sino que logró construir una propuesta estética sólida, en la que
conviven trazos impresionistas, contrastes surrealistas y formas con gran fuerza expresiva.
© diCrox.
Disponibles en la tienda: Cuadros de Van Gogh al óleo
"La noche estrellada"

Autor: Vincent van Gogh
Título original: La Nuit étoilée
Título (inglés): The Starry Night
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo MoMA, New York
Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas por sus formas sinuosas y azules profundos.
Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que tenía Van Gogh desde su habitación en el sanatorio mental de
Saint-Remy, donde pasó los últimos años de su vida.
En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos contrasta con la enérgica composición del cielo, donde
sus voluptuosas texturas y trazos en espiral transmiten vivacidad y dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que
la obra está centrada en el cielo y no en la tierra.
"Terraza de café por la noche"

Título original: Terrasse du café le soir
Título (inglés): Cafe Terrace at Night
También conocido como: Cafe Terrace
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Kröller-Müller, Países Bajos
Se yergue como uno de los trabajos más destacados del pintor. Es también sin duda uno de los más famosos producidos
en la breve pero prolífica carrera del artista.
"Campo de trigo con cipreses"

Título original: Champ de blé avec cyprès
Título (inglés): Wheat Field with Cypresses
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo MET, New York
"Marina Les Saintes Maries de la Mer"

Título (inglés): Seascape near Les Saintes-Maries-de-la-Mer
Género: Marina
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Van Gogh, Ámsterdam
El artista pintó este vibrante paisaje marino, al aire libre, en 1888. Intentó capturar el color del mar. Lo describió como
"de un color cambiante".
"Los girasoles"
Título original: Vase avec quinze tournesols
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: The National Gallery, Londres
Corresponde a la cuarta versión de la serie de girasoles.
"Almond Blossom"
También conocido como: Almendro en flor
Título original: Amandier en fleurs
Título (inglés): Almond Blossoms
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
"Girasoles" (1888-89)
Título original: Tournesols
Título (inglés): Sunflowers
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo de Arte de Filadelfia, EE. UU.
El gusto por estas flores fue casi una obsesión para Vincent, no solo las pintó con todo tipo de iluminación y disposición,
sino que cada composición la realizaba varias veces. Por ejemplo en esta otra versión de los Girasoles, se muestran los
mismos elementos con ligeros cambios: 12 flores en un jarrón ovalado, sobre una mesa.
"Muelle con hombres descargando barcazas de arena"

Título (inglés): Quay with Men Unloading Sand Barges
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888 en Arles, Francia
Se encuentra en: Museo Folkwang, Alemania
Muestra a unos trabajadores descargando sacos de arena de unas barcazas junto a sus amarres.
" La iglesia de Auvers"

Título original: L’Église d’Auvers-sur-Oise
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
Se encuentra en: Museo de Orsay, París
"Casa en campo de trigo"

Título original: Ferme dans un champ de blé
Título (neerlandés): Boerderij in het koren
Título (inglés): Farmhouse in a Wheat Field
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Cuando el artista llegó a Arles, al sur de París quedó impresionado inmediatamente por las vistas, e hizo un bosquejo de
este paisaje en una carta a su hermano Theo.
"Habitación de Vincent en Arles"

Título original: La Chambre à coucher
Título (inglés): Bedroom in Arles
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Tela
Año: 1888
Es una de las obras más reconocidas del artista. Los colores vibrantes, la inusual perspectiva, el carácter familiar y casero
conforman un trabajo que no sólo está entre sus cuadros más populares, sino que además es uno de sus favoritos.
"La cosecha"
Título original: La moisson
Título (inglés): The Harvest
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
La pintura está inundada de los tonos dorados y azules cálidos percibidos por Vincent en el valle de La Crau, a las afueras
de Arles. La composición está formada por pinceladas en todas direcciones para plasmar las figuras, las cuales se
sobreponen a un cielo liso en color y textura.
Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de Van Gogh, en Ámsterdam.
"Irises"
Título original: Iris
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo J. Paul Getty, en Los Ángeles, EE. UU.
Este cuadro titulado Irises fue pintado por Van Gogh en 1889, un año antes de su muerte. Para pintar estas flores se
inspiró en las que habían en el propio jardín del asilo mental donde se encontraba.
Es una obra llena de aire y vida, cada uno de los "Irises" que pintó el artista es único. Van Gogh estudiaba
cuidadosamente el movimiento y las formas de la planta para crear una variedad de siluetas entre líneas onduladas,
dobladas y rizadas. El cuadro se encuentra actualmente en el museo J. Paul Getty, Estados Unidos.
"La noche estrellada sobre el Ródano"

Título original: Nuit étoilée sur le Rhône
Título (inglés): Starry Night Over the Rhone
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Paisaje nocturno con estrellas brillantes reflejadas en el agua.
"Olivos con cielo amarillo y sol"

Título (inglés): Olive Trees with Yellow Sky and
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Instituto de Artes de Minneapolis
"Pequeño peral en flor"
Título (inglés): Small pear tree in blossom
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
En esos meses pintó 15 obras de árboles floreciendo. En una carta a su hemano Theo, Vincent se refirió a esta obra
diciendo: "Ahora también tengo un pequeño peral, vertical, con otros dos lienzos horizontales en ambos lados."
"La siesta"
Título original: La méridienne ou la sieste
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889-1890
El cuadro La siesta fue pintado por Vincent Van Gogh mientras se encontraba internado en un asilo para enfermos
mentales, en Saint Remy de Provence, Francia. La composición está inspirada en un dibujo de Millet, según Vincent
comenta a su primo en una carta.
Aunque copiada la idea, los expertos aseguran que en esta obra se aprecia el estilo personal de Van Gogh con toda su
fuerza, caracterizado en este cuadro por la construcción cromática basada en contrastes de colores complementarios:
azul/violeta y amarillo/naranja.
"Jarrón de gladiolos y aster"
Título original: Vaas met tuingladiolen en Chinese asters
Título (inglés): Vase with Gladioli and Chinese Asters
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1886
El artista le escribe a un amigo contándole que el motivo es que no tenía dinero para pagar a modelos. Este tipo de
cuadros le daba la posibilidad de experimentar con colores brillantes. En este cuadro el artista ha aplicado la pintura
densa, lo que aporta textura y relieve a la imagen.
"Jardín de Montmartre"
Título (inglés): Garden with courting couples: square Saint-Pierre
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1887
Esta obra utiliza la técnica puntillista, aunque más que con puntos pinceló el cuadro con pequeñas rayas de pintura,
aportando así texturas con su estilo particular.
"Un cangrejo de espaldas"

Título (inglés): A crab on its back
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1887
El artista evitaba salir a la intemperie cuando el clima era muy frío y lluvioso, uno de esos días, Vincent concibió esta
obra. Movido por las ganas de imitar figuras que había visto en litografías de arte japonés (influencia artística que en
occidente se denominó "Japonismo"). Fue más allá, él quería mostrar cómo se reflejaba la luz en el caparazón, el
resultado es una obra con muchos detalles del animal.
"Huerto de olivos"
Título original: Olivenhain
Título (inglés): Olive Orchard
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889 (Junio)
Se encuentra en: Museo Nelson-Atkins, Misuri
Pintado durante su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde el genio pasaría los últimos días de su
vida.
En una de sus cartas a Theo se refiere al cuadro con estas palabras: "Sus sombras violeta yacen sobre la arena soleada."
"Bodegón con membrillos"

Título original: Nature morte aux coings
Título (inglés): Still Life with Quince Pears
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888-89
Se encuentra en: Galería Nuevos Maestros, Colecciones estatales de arte de Dresde, Alemania
Se trata de una temática escasa en la obra del pintor, la obra presenta 14 membrillos dispuestos sobre una tela azul y
fondo de pared marrón. Los detalles de brillo, cromática y sobre todo las pinceladas hacen que la autoría de Vincent sea
inmediatamente reconocible.
"El melocotonero"
Título original: Pêcher en fleur
Título (inglés): Peach Tree in Blossom
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Rijksmuseum, Ámsterdam
Esta pintura de melocotoneros rosados florecidos al principio fue pensada como la parte de un cuadro tríptico.
"El jardín del poeta"

Título original: Jardin du poète III
Título (inglés): The Poet's Garden III
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
"El huerto blanco"

Título original: De witte boomgaard
Título (inglés): The White Orchard
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
El artista estaba especialmente satisfecho con esta obra y junto con "El melocotonero rosa" (The pink peach tree) y "El
huerto rosa" (The pink orchard), formó un tríptico.
"Campo con flores"

Título original: Veld met irissen bij Arles
Título (inglés): Field with Irises near Arles
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
El pintor escribió a su hermano Theo sobre este paisaje en Arles: "Realmente es un sueño".
"Álamos en Nuenen"
Título original: De populierenlaan bij Nuenen
Título (inglés): Poplars near Nuenen
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1885
Se encuentra en: Museo Boijmans Van Beuningen, Holanda
"Les Vessenots, Auvers"
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
Se encuentra en: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
El artista pintó este cuadro en 1890, además de un gran número de paisajes en las semanas antes de su muerte, siempre al
aire libre. Esta magnífica obra le hacía sentir especialmente libre, al mismo tiempo demuestra sus sensaciones de
melancolía y soledad, aquellas que pronto lo llevarían al suicidio.
"Paseo a lo largo del Sena"

Título original: Langs de Seine
Título (inglés): Walk Along the Banks of the Seine
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1885
Muestra las vistas del río Sena en París. El autor de la obra no completó este trabajo, las líneas de lápiz con las que
bosquejó la composición antes de que comenzara a pintar, son todavía visibles en el borde de la orilla opuesta del río.
"Salón de baile en Arles"

Título original: La salle de danse à Arles
Título (inglés): The Dance Hall in Arles
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Muestra el interior de un salón de baile lleno de gente en la ciudad de Arles, Francia.
VINCENT VAN GOGH BIOGRAFIA CORTA- CURIOSIDADES DE SU VIDA Y FRASES

Vincent Van Gogh Biografia
Vincent van Gogh es considerado el mejor pintor holandés después de Rembrandt, aunque
permaneció pobre y virtualmente desconocido durante toda su vida.
¿Quién fue Vincent Van Gogh?
Vincent Willem van Gogh (30 de marzo de 1853 a 29 de julio de 1890) fue un pintor
pintor holandés, generalmente considerado el más grande después de la furgoneta Rembrandt
Rijn , y uno de los mejores postimpresionistas
.
El color llamativo, la pincelada enfática y las formas contorneadas de su obra influyeron
poderosamente en la corriente del expresionismoen el arte moderno.
El arte de Van Gogh se hizo asombrosamente popular después de su muerte, especialmente a
fines del siglo XX.
Cuando su obra se vendió por sumas récord en subastas en todo el mundo y apareció en
exhibiciones itinerantes de gran éxito.
En parte debido a sus extensas cartas publicadas, Vincent también ha sido mitificado en la
imaginación popular como el artista torturado por excelencia.
postimpresionista cuya obra, notable por su belleza, emoción y color, influenció mucho el arte
del siglo XX.
Luchó contra la enfermedad mental y permaneció pobre y prácticamente desconocido durante
toda su vida. Vincent murió en Francia a los 37 años de una herida de bala autoinfligida.
Pinturas y obras de Van Gogh
Vincent van Gogh completó más de 2.100 obras, que constan de 860 pinturas al óleo y más de
1.300 acuarelas, dibujos y bocetos.
Varios de sus cuadros ahora se encuentran entre los más caros del mundo; “Iris” se vendió por
un récord de $ 53.9 millones.
El “Retrato del Dr. Gachet” se vendió por $ 82.5 millones. Algunas de las obras de arte más
conocidas de van Gogh incluyen:
‘La noche estrellada’
Van Gogh pintó “La noche estrellada” en el manicomio donde se hospedaba en Saint-Rémy,
Francia, en 1889, un año antes de su muerte.
“Esta mañana vi el campo desde mi ventana mucho antes del amanecer, con nada más que la
estrella de la mañana, que parecía muy grande”, le escribió a su hermano Theo.
Una combinación de imaginación, memoria, emoción y observación. La pintura al óleo sobre
lienzo representa un expresivo cielo nocturno arremolinado y un pueblo dormido.
Con un gran ciprés parecido a una llama, pensado para representar el puente entre la vida y la
muerte, que se perfila en primer plano.
La pintura se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva
York.
El libro de Tobias: Especial Vincent Van Gogh
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‘Girasoles’
Vincent pintó dos series de girasoles en Arles, Francia: cuatro entre agosto y septiembre de
1888 y uno en enero de 1889.
Las versiones y réplicas se debaten entre los historiadores del arte. Las pinturas al óleo sobre
lienzo, que representan girasoles amarillos marchitos en un jarrón, ahora se exhiben en museos
de Londres, Amsterdam, Tokio, Munich y Filadelfia.
‘Autorretratos’
En el transcurso de 10 años, Vincent creó más de 43 autorretratos como pinturas y dibujos.
“Estoy buscando una semejanza más profunda que la obtenida por un fotógrafo”, le escribió a
su hermana.
“La gente dice, y estoy dispuesta a creerlo, que es difícil conocerte a ti mismo. Pero tampoco
es fácil pintarte a ti mismo.
Los retratos pintados por Rembrandt son más que una visión de la naturaleza, son más como
una revelación “, Le escribió más tarde a su hermano.
Las obras ahora se exhiben en museos de todo el mundo, incluso en Washington, DC,
París, Nueva York y Ámsterdam.
¿Cómo murió Van Gogh?
El 27 de julio de 1890, Vincent van Gogh salió a pintar por la mañana con una pistola cargada
y se disparó en el pecho, pero la bala no lo mató.
Lo encontraron sangrando en su habitación. Vincent estaba angustiado por su futuro porque,
en mayo de ese año, su hermano Theo lo había visitado y le había hablado sobre la necesidad
de ser más estricto con sus finanzas. Entendió que Theo ya no estaba interesado en vender su
arte.
Vincent fue llevado a un hospital cercano y sus médicos enviaron a buscar a Theo, quien llegó
para encontrar a su hermano sentado en la cama y fumando una pipa.
Pasaron el siguiente par de días hablando juntos, y luego Vincent le pidió a Theo que lo llevara
a casa.
El 29 de julio de 1890, Vincent van Gogh murió en los brazos de su hermano. Tenía 37 años.
¿Cuándo y dónde nació Van Gogh?
Vincent van Gogh nació Vincent Willem van Gogh el 30 de marzo de 1853, en Groot-Zundert,
Países Bajos.
Familia
El padre de Vincent van Gogh, Theodorus van Gogh, era un ministro austero del país, y su
madre, Anna Cornelia Carbentus, era una artista malhumorada cuyo amor por la naturaleza, el
dibujo y las acuarelas se transfirió a su hijo.
Van Gogh nació exactamente un año después de que el primer hijo de sus padres, también
llamado Vincent, naciera muerto.
A una edad temprana, su nombre y fecha de nacimiento ya grabados en la lápida de su
hermano muerto, van Gogh era melancólico.
El mayor de seis hijos vivos, Van Gogh tenía dos hermanos menores (Theo, que trabajaba
como marchante de arte y apoyaba el arte de su hermano mayor, y Cor) y tres hermanas
menores (Anna, Elizabeth y Willemien).
Temprana edad y educación
A la edad de 15 años, la familia de Van Gogh tenía problemas financieros y se vio obligado a
abandonar la escuela e ir a trabajar.
Obtuvo un trabajo en el concesionario de arte de su tío Cornelio, Goupil & Cie., Una firma de
comerciantes de arte en La Haya.
En este momento, van Gogh hablaba francés, alemán e inglés con fluidez, además de su nativo
holandés.
En junio de 1873, Van Gogh fue transferido a la Galería Groupil en Londres. Allí, se enamoró
de la cultura inglesa.
Visitó galerías de arte en su tiempo libre, y también se hizo fanático de los escritos de Charles
Dickens y George Eliot.
También se enamoró de la hija de su patrona, Eugenie Loyer. Cuando ella rechazó su
propuesta de matrimonio, van Gogh sufrió un colapso.
Tiró todos sus libros a excepción de la Biblia, y dedicó su vida a Dios. Se enojó con la gente
en el trabajo, diciéndole a los clientes que no compraran el “arte sin valor”, y finalmente fue
despedido.
El maestro
Van Gogh luego enseñó en una escuela metodista para niños, y también predicó a la
congregación.
Aunque se crio en una familia religiosa, no fue hasta este momento que comenzó a considerar
seriamente dedicar su vida a la iglesia.
Con la esperanza de convertirse en ministro, se preparó para tomar el examen de ingreso a la
Escuela de Teología en Amsterdam.
Después de un año de estudiar diligentemente, se rehusó a tomar los exámenes de latín,
llamando al latín “lengua muerta” de la gente pobre, y posteriormente se le negó la entrada.
Lo mismo sucedió en la Iglesia de Bélgica: en el invierno de 1878, Van Gogh se ofreció
voluntario para mudarse a una mina de carbón empobrecida en el sur de Bélgica, un lugar
donde los predicadores solían ser enviados como castigo.
Predicaba y ministraba a los enfermos, y también hacía dibujos de los mineros y sus familias,
que lo llamaban “Cristo de las minas de carbón”.
Los comités evangélicos no estaban tan contentos. No estaban de acuerdo con el estilo de vida
de van Gogh, que había comenzado a tomar un tono de martirio.
Se negaron a renovar el contrato de Van Gogh, y se vio obligado a buscar otra ocupación.
La vida amorosa de Van Gogh
Van Gogh tuvo una vida amorosa catastrófica. Se sintió atraído por las mujeres en problemas,
pensando que podía ayudarlas.
Cuando se enamoró de su primo que había enviudado recientemente, Kate, fue rechazada y
huyó a su casa en Amsterdam.
Van Gogh luego se mudó a La Haya y se enamoró de Clasina Maria Hoornik, una prostituta
alcohólica. Ella se convirtió en su compañera, amante y modelo.
Cuando Hoornik volvió a la prostitución, Van Gogh se deprimió por completo. En 1882, su
familia amenazó con cortarle el dinero a menos que dejara Hoornik y La Haya.
Van Gogh se fue a mediados de septiembre de ese año para viajar a Drenthe, un distrito algo
desolado en los Países Bajos.
Durante las siguientes seis semanas, vivió una vida nómada, moviéndose por toda la región
mientras dibujaba y pintaba el paisaje y su gente.
Van Gogh el artista
En el otoño de 1880, Van Gogh decidió mudarse a Bruselas y convertirse en artista. Aunque
no tenía formación artística formal, su hermano Theo se ofreció a apoyar financieramente a
van Gogh.
Comenzó a tomar lecciones por su cuenta, estudiando libros como Travaux des champs de
Jean-François Millet y Cours de dessin de Charles Bargue.
El arte de Van Gogh lo ayudó a mantenerse emocionalmente equilibrado. En 1885, comenzó a
trabajar en lo que se considera su primera obra maestra, “comedores de patatas”.
Su hermano, Theo, que por entonces vivía en París, creía que la pintura no sería bien recibida
en la capital francesa, donde el impresionismo se había convertido en la tendencia.
Sin embargo, van Gogh decidió mudarse a París y se presentó en la casa de Theo sin haber
sido invitado. En marzo de 1886, Theo dio la bienvenida a su hermano en su pequeño
departamento.
En París, Van Gogh vio por primera vez el arte impresionista y se inspiró en el color y la luz.
Comenzó a estudiar con Henri de Toulouse-Lautrec, Camille Pissarro y otros.
Para ahorrar dinero, él y sus amigos posaron el uno para el otro en lugar de contratar modelos.
Era apasionado, y discutió con otros pintores sobre sus obras, alienando a aquellos que se
cansaron de sus disputas.
Van Gogh en Arles
Van Gogh se vio influenciado por el arte japonés y comenzó a estudiar filosofía oriental para
mejorar su arte y vida.
Soñaba con viajar allí, pero Toulouse-Lautrec le dijo que la luz en el pueblo de Arles era como
la luz en Japón.
En febrero de 1888, van Gogh abordó un tren al sur de Francia. Se mudó a la “casa amarilla” y
gastó su dinero en pintura en lugar de comida.
¿Por qué Van Gogh se cortó la oreja?
En diciembre de 1888, Van Gogh vivía de café, pan y absenta en Arles, Francia, y se sintió
enfermo y extraño.
En poco tiempo, se hizo evidente que, además de sufrir enfermedades físicas, su salud
psicológica estaba disminuyendo. Alrededor de este tiempo, se sabe que bebió trementina y
comió pintura.
Su hermano Theo estaba preocupado, y le ofreció dinero a Paul Gauguin para vigilar a Vincent
en Arles. En un mes, van Gogh y Gauguin discutían constantemente, y una noche, Gauguin se
fue.
Van Gogh lo siguió, y cuando Gauguin se dio la vuelta, vio a Van Gogh con una navaja en la
mano. Horas más tarde, van Gogh fue al burdel local y pagó por una prostituta llamada
Rachel.
Con la sangre manando de su mano, le ofreció su oreja y le pidió que “guardara este objeto
con cuidado”.
La policía encontró a Vincent en su habitación a la mañana siguiente y lo admitió en
el hospital Hôtel-Dieu.
Theo llegó el día de Navidad para ver a Van Gogh, que estaba débil por la pérdida de sangre y
por las convulsiones violentas.
Los médicos le aseguraron a Theo que su hermano viviría y que se lo cuidaría bien, y el 7 de
enero de 1889, Van Gogh fue dado de alta del hospital.
Estaba solo y deprimido. Para la esperanza, recurrió a la pintura y la naturaleza, pero no pudo
encontrar la paz y fue hospitalizado nuevamente.
Pintaría en la casa amarilla durante el día y regresaría al hospital por la noche.
Asilo y fin de la vida
Van Gogh decidió mudarse al asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-
Provence después de que la gente de Arles firmara una petición que decía que era peligroso.
El 8 de mayo de 1889, comenzó a pintar en los jardines del hospital. En noviembre de 1889,
fue invitado a exhibir sus pinturas en Bruselas. Él envió seis pinturas, incluyendo
“Irises” y “Starry Night”.
El 31 de enero de 1890, Theo y su esposa, Johanna, dieron a luz a un niño y lo llamaron por
Van Gogh. Alrededor de este tiempo, Theo vendió la pintura de “The Red Vineyards” de
Vincent por 400 francos.
También en esta época, el Dr. Paul Gachet, que vivía en Auvers, a unas 20 millas al norte de
París, acordó tomar a Vincent como su paciente.
Vincent se mudó a Auvers y alquiló una habitación. En julio de ese año, Vincent van Gogh se
suicidó.
Theo, que sufría de sífilis y se había debilitado por la muerte de su hermano, murió seis meses
después de que su hermano ingresó en un asilo holandés.
Fue enterrado en Utrecht, pero en 1914, la esposa de Theo, Johanna, que apoyaba
enérgicamente las obras de Vincent, hizo que el cuerpo de Theo se enterrara nuevamente en
el cementerio de Auvers, al lado de Vincent.
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Legado
La esposa de Theo, Johanna, recolectó tantas pinturas de Vincent como pudo, pero descubrió
que muchas habían sido destruidas o perdidas, la propia madre de Van Gogh había tirado cajas
llenas de su arte.
El 17 de marzo de 1901, 71 de las pinturas de Van Gogh se exhibieron en un espectáculo en
París, y su fama posteriormente creció enormemente.
Su madre vivió lo suficiente como para ver a su hijo aclamado como un artista y un genio.
Hoy en día, Vincent van Gogh es considerado el mejor pintor holandés después de Rembrandt.
Museo Van Gogh
En 1973, el Museo Van Gogh abrió sus puertas en Amsterdam para que las obras de Vincent
van Gogh sean accesibles al público.
El museo alberga más de 200 pinturas de Vincent, 500 dibujos y 750 documentos escritos que
incluyen cartas al hermano de Vincent, Theo. Cuenta con autorretratos, “The Potato Eaters”,
“The Bedroom” y “Sunflowers”.
En septiembre de 2013, el museo descubrió y develó una pintura de Vincent de un paisaje
titulado “Atardecer en Montmajour”.
Antes de entrar en posesión del Museo Van Gogh, un industrial noruego era dueño de la
pintura y la guardó en su ático, después de haber pensado que no era auténtico.
Se cree que la pintura fue creada por Vincent en 1888, casi al mismo tiempo que su obra
“Girasoles”, justo dos años antes de su muerte.
Curiosidades sobre Leonardo da Vinci que quizá no conocías
En 2019 se cumplen 500 años de la muerte del genio florentino del Renacimiento
italiano.
Arquitecto, escultor, ingeniero, inventor y pintor... Leonardo da Vinci nació fuera del matrimonio en Vinci,
Italia (a las afueras de Florencia). Esta posición ilegítima de Leonardo le impidió recibir una buena educación y
lo excluyó de las ocupaciones más lucrativas. Sin embargo, tales limitaciones nunca obstaculizaron (y es
posible que incluso alimentaran) el deseo de conocimiento y gran ambición de da Vinci.
A los 15 años, da Vinci se convirtió en aprendiz del pintor Andrea de Verrochio en Florencia (Italia), donde
sus habilidades como artista se desarrollaron, florecieron e incluso intimidaron a su mentor. Si bien siempre
estuvo interesado en los inventos, fue un cambio de escenario en 1482 el motivo principal que 'desató' al
inventor que llevaba dentro Leonardo da Vinci.
En busca de un ámbito de trabajo más amplio, da Vinci se mudó de Florencia, considerada la capital cultural de
Italia, a Milán, una ciudad mucho más política y militarista. Allí, da Vinci se vendió a sí mismo al duque
Ludovico Sforza (un líder militar exitoso llamado "el oscuro") como ingeniero militar. En la ciudad que "vivió
y murió por la espada", da Vinci comenzó a desarrollar muchos de sus famosos inventos de guerra.
Pasó 17 años en Milán trabajando para el duque, inventando, pintando, esculpiendo, estudiando ciencias y
concibiendo un sinfín de ideas innovadoras y atrevidas. Sin lugar a dudas, los 17 años que pasó en Milán
fueron el período más productivo de da Vinci. Pero, por supuesto, todas las cosas tienen un final.
En 1499, los franceses invadieron Milán y el duque Sforza fue expulsado de la ciudad. Leonardo pasó los años
restantes de su vida viajando a ciudades como Venecia y Roma para trabajar en diferentes proyectos, con una
mayor concentración en su arte (comenzando por su pieza más famosa, la Mona Lisa, en 1503) y estudios en
anatomía (no podemos olvidar que da Vinci llevó a cabo más de 30 autopsias en su vida).
Después de visualizar cientos de inventos, dar vida a obras de arte legendarias y hacer avances en una amplia
gama de campos (que van desde la astronomía hasta la arquitectura), da Vinci murió en 1519 a la edad de 67
años.

VER 21 FOTOS
Sarah Romero
Fue un hijo "ilegítimo"

Da Vinci nació en 1452 cerca de Vinci, en lo que hoy es la región italiana de Toscana. Su padre era el notario
Messer Piero Fruosino di Antonio da Vinci. Su madre, Caterina, se cree que era una campesina. Sin embargo,
algunos expertos creen que Caterina era en realidad una esclava propiedad de Messer Piero. Los padres de da
Vinci nunca se casaron. Y cuando su madre le tuvo, el joven da Vinci vivió con ella hasta los 5 años y luego se
mudó a la casa de su padre, quien se había casado con otra mujer.

Relación distante
Los diarios del artista muestran que mantuvo una relación algo distante con su madre a lo largo de su vida
adulta, intercambiando cartas con ella solo de vez en cuando. Eso sí; sus escritos sugieren una conexión mucho
más estrecha con su padre, cuya muerte lamentó el genio florentino profundamente.

No estaba escolarizado
A diferencia de otros conocidos artistas del Renacimiento, da Vinci nunca recibió ningún tipo de educación
formal. Sin embargo, recibió instrucción en el hogar sobre temas como lectura, escritura y matemáticas.

Maravillosa naturaleza
Al crecer en la Toscana rural, da Vinci pasó gran parte de su tiempo al aire libre, donde quedó absolutamente
maravillado con el mundo natural. Sus diarios indican que tenía un interés especialmente increíble en las
propiedades del agua, así como en los movimientos de las aves de presa. De hecho, el artista registró que su
primer recuerdo fue de un sueño en el que un ave aterrizó en su rostro y empujó las plumas de la cola entre sus
labios.

Etapa de aprendiz
No fue hasta la adolescencia cuando este artista en ciernes fue enviado a Florencia para servir de aprendiz de
Andrea del Verrocchio, un destacado pintor florentino. Y no pasó mucho tiempo para que el estudiante se
convirtiera en el maestro. Se rumorea que después de que da Vinci pintase uno de los ángeles en la obra de
Verrocchio "El bautismo de Cristo", el artista -con mucha más experiencia- se mostró tan humilde ante el
talento del joven da Vinci que prometió no volver a pintar nunca más, aunque este es un rumor que nunca se ha
demostrado.

Era disléxico
Al igual que Albert Einstein, Thomas Edison o Walt Disney, Leonardo da Vinci era disléxico. Se determinó a
partir de su peculiar estilo de escritura, de izquierda a derecha. También tenía ortografía errática y su hábito de
iniciar proyectos que nunca acababa ha sido relacionado como una tendencia del trastorno de atención (TDA).
Su hábito de escribir al revés tenía otro beneficio: el estilo hacía que su escritura fuera difícil de leer, por lo que
era prácticamente imposible que alguien escarbara en sus notas y robara sus ideas.

Muchas de sus obras quedan inconclusas
Una cosa estaba clara. Da Vinci era un pintor notoriamente lento, y muchas de sus obras nunca llegaron a
terminarse. Además de albergar a la famosa (y terminada) "Mona Lisa", el Museo Louvre de París es el hogar
de "La Virgen y el Niño con Santa Ana", una pintura inacabada que representa a la Virgen María, un niño
Jesús y la madre de María, Santa Ana. También en uno de los Museos del Vaticano está "San Jerónimo en el
desierto", otra pintura no finalizada de da Vinci, que representa a San Jerónimo y su compañero, un león
domado. Quizá el más intrigante de los trabajos inacabados de da Vinci es su pintura "La Adoración de los
Magos", que supuestamente presenta una representación del joven artista. La pintura, que quedó incompleta en
1481, se ha mantenido en la Galería Uffizi en Florencia, Italia, desde 1670.

Muchos inventos también incompletos

Además de estas pinturas inacabadas, da Vinci dejó muchos inventos inconclusos. De hecho, no hay evidencia
de que ninguna de las invenciones del artista fuesen construidas. Del mismo modo, ninguno de sus escritos
fueron publicados mientras estaba vivo.

¿Un procrastinador nato?

Ni mucho menos. El problema de da Vinci no era que no se pusiera a trabajar o que trabajara poco, sino que
estaba constantemente iniciando nuevos proyectos y descuidaba los que ya había comenzado, que raramente
acababa. Además, parece que Leonardo rara vez estaba contento con su trabajo, lo que tampoco ayudaba a que
estuvieran "completos". De nuevo tenemos que recordar su trastorno de atención, responsable de este
comportamiento.

Cuerpos perfectos
Hay una razón por la que Da Vinci pintaba el cuerpo humano de manera tan realista: el artista estudió
obsesivamente la anatomía del ser humano mediante la disección de cadáveres durante mucho tiempo. En una
época en que el conocimiento médico en Europa era rudimentario, da Vinci fue uno de los pioneros en el
campo de la documentación de la anatomía humana. De hecho, es considerado uno de los antepasados de
esta ciencia.

Un ejemplo espectacular
Podemos ver el vasto conocimiento de da Vinci acerca de la anatomía humana en su obra maestra inacabada,
'San Jerónimo en el desierto'. Colgada en los Museos Vaticanos, muestra a San Jerónimo arrodillado bajo un
crucifijo; se encuentra en un paisaje rocoso y el león domado del santo yace a sus pies. Pintado en 1480, el
increíble detalle del cuello de San Jerónimo con los tendones abultados y los músculos de sus hombros, revelan
la obsesión creciente de da Vinci por la anatomía y la atención cercana a la fisiología humana. Está claro que
su estudio del cuerpo humano a través de disecciones secretas ya hubiese comenzado.

Genial anatomista
Entre 1507 y 1513 da Vinci diseccionó más de 30 cadáveres, llenó cientos de páginas de sus cuadernos con
documentación, escribiendo más de 13.000 palabras sobre observaciones de órganos, vasos sanguíneos, huesos
y músculos y los dibujó -existen 240 dibujos- como nunca antes se habían representado. Está claro que si este
trabajo se hubiese publicado en vida, el desarrollo científico de la humanidad habría llevado un camino distinto
pues, como hemos comentado, la ilustración anatómica de la época se encontraba todavía en una fase bastante
elemental.

El hombre de Vitruvio
Durante su carrera, da Vinci llenó docenas de cuadernos con sus pensamientos, ecuaciones, ilustraciones,
experimentos y observaciones científicas / anatómicas. El más famoso de estos bocetos es el Hombre de
Vitruvio, un estudio en proporciones clásicas que nunca llegó a publicarse. Dibujado en uno de los cuadernos
privados del artista alrededor de 1490, el boceto era un método individual para reflexionar sobre las
proporciones humanas "ideales" propuestas por el antiguo arquitecto romano Vitruvio. El dibujo ha venido a
simbolizar la imagen del hombre del Renacimiento como un todo, una persona perfectamente en proporción
con el mundo que le rodea. El dibujo se conserva en la Galería de la Academia de Venecia, pero es demasiado
frágil para estar en exhibición permanente
La última cena, un fracaso técnico

Da Vinci empleó una nueva técnica para esta pintura mural. Se llamó secco o "seca", y aunque se veía bien y
era más adecuada para su ritmo lento de trabajo, no estaba hecha para durar. Ejecutada entre 1495 y 1498, esta
técnica de temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido, se deterioró casi de
inmediato. Comenzó a desprenderse de la pared produciendo un rápido deterioro de la obra que tuvo que ser
restaurada en múltiples ocasiones (la primera en 1500). Es una de las obras de arte más reproducidas del
mundo. Actualmente solo unas pocas pueden ver el fresco en intervalos de 15 minutos para evitar un mayor
deterioro.

Da Vinci fue perseguido

Cuando tenía 24 años, fue arrestado junto con varios compañeros hombres acusados de sodomía. Como ningún
testigo se presentó para testificar contra el artista y sus amigos, retiraron los cargos. Sin embargo, los diarios de
da Vinci sugieren que las acusaciones fueron algo devastadoras para un hombre al que le gustaba mantener en
el anonimato su vida privada.

Miedo
Es posible que da Vinci temiera por su vida, puesto que en la Florencia del siglo XV, la sodomía – el delito por
el que fue acusado- era un crimen punible con la muerte. Poco después de que se desestimara su caso, el artista
decidió no tentar la suerte y partió desde Florencia hacia Milán.

Empezando de 0 en Milán
Después de abandonar a sus clientes en Florencia para comenzar una nueva vida en Milán, da Vinci necesitaba
hacer nuevos negocios. Su estrategia se centró en congraciarse con Ludovico Sforza, el duque de Milán. Bajo
la protección de Sforza, a da Vinci se le encargó la creación de lo que habría sido el logro culminante de su
carrera artística: una gigantesca estatua de bronce de un caballo.
Época bélica
El proyecto fue abandonado cuando Francia invadió Italia a comienzos del siglo XV. Sin embargo, el
ofrecimiento a la Casa de Sforza, no versaba solo en una estatua. Expuso sus planes para construir numerosos
"dispositivos de guerra". Incluidos en los cuadernos de da Vinci, había planes para fabricar cañones, máquinas
de humo, puentes portátiles e incluso vehículos blindados. Sin embargo, al igual que su máquina voladora, no
hay evidencia de que alguna de estas máquinas de guerra fuese construida.
Pocas obras
Aunque a menudo pensamos que Da Vinci fue un artista de la pintura, en realidad solo produjo unas 20
pinturas en toda su vida, una de las razones por las que son tan famosas y tan valoradas. De hecho, da Vinci
parecía sentirse más a gusto en su papel de inventor e ingeniero que de artista.

Arte y ciencia, una misma cosa
Para da Vinci no había separación entre el arte y la ciencia, y sus amplias habilidades le permitieron crear
nuevas ideas mecánicas y luego dibujarlas lo suficientemente bien como para crear planos que fueron
utilizados por las generaciones venideras. Los modelos modernos de algunas de estas máquinas antiguas se
pueden encontrar en el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología Leonardo da Vinci, en Milán. El museo está
dedicado enteramente a Leonardo da Vinci como "símbolo de la continuidad entre la cultura científico-
tecnológica y la cultura artística".

500 años
Cuando da Vinci murió en 1519, dejó atrás más de 6.000 páginas de diario llenas de sus reflexiones personales,
listas y bromas. También detalló sus fuentes de inspiración, su deseo de fama duradera y sus angustias
profundamente sentidas.
Cuadro Mona Lisa o La Gioconda de Leonardo da Vinci
Revisado por Andrea Imaginario • Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia
La Mona Lisa, también conocida como La Gioconda, es una obra del Renacimiento pintada al óleo sobre
tabla entre los años 1503 y 1506 por el artista multifacético Leonardo da Vinci (Vinci, Italia, 1452-
Amboise, Francia, 1519). El cuadro se encuentra actualmente en el Museo del Louvre en París, Francia.
Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda. Óleo sobre tabla. Medidas: 77 x 53 cm. 1503-1506.

La Mona Lisa es considerada la pintura más famosa del mundo. Pocas obras han pasado por tanto
escrutinio y estudio. Algunas de las razones que la hacen tan famosa son:
El realismo extremo de Leonardo da Vinci al usar métodos matemáticos para medir las proporciones
humanas,
La técnica única del sfumato que también transmite un realismo muy avanzado para la época,
La revolución que generó en las dimensiones y en las formas de retratar, considerada la base de todos los
retratos occidentales,
La suma de los misterios de la pintura; desde la identidad de la modelo hasta el porqué Leonardo da Vinci
nunca entregó el encargo.
Análisis de la Mona Lisa
Descripción y características
Desde el punto de vista de la composición, la Mona Lisa es un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos,
sobre un paisaje que se divide en dos atmósferas, una más fría (la superior) y otra más cálida con colores
terrosos (la inferior).
La postura de la mujer deriva de la “pirámide” usada para representar a las madonnas sentadas, es decir,
que se trata de una geometrización triangular.
Sus manos cruzadas forman la base de la forma piramidal. La luz aplicada al pecho y al cuello es la misma
aplicada en las manos.
El centro del cuadro es el pecho de la mujer y está alineado con el ojo izquierdo y los dedos de la mano
derecha. Esto acentúa la presencia del personaje en la composición.
Su brazo izquierdo está cómodamente apoyado en el brazo del sillón y está cruzado por el brazo derecho.
La posición de los brazos junto con el del sillón transmiten una distancia entre ella y el espectador.
La cabeza está cubierta por un velo que simboliza la castidad, frecuente en los retratos de esposa. También
se atribuye el uso de este tipo de velo a las mujeres embarazadas o en período post-parto. No presenta
joyas ni signos particulares de ostentación económica o de poder.
La postura de la Mona Lisa indica serenidad y, junto con la mirada de soslayo, pero directa hacia el
espectador, muestra el dominio de los sentimientos, cosa que normalmente no se atribuía a una mujer en
aquel entonces.
El rostro no tiene cejas. La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua. Esto se debe a que
la mirada, el cuerpo y las manos están dirigidas a ángulos sutilmente diferentes, sumado a la ilusión que
crea la técnica del sfumato.
En el borde izquierdo de la pintura se ve la base de una columna insinuando que la mujer está sentada en
una galería.
El paisaje en segundo plano está pintado con una perspectiva aérea. El azul humoso y la perspectiva poco
clara y difusa da a la composición una mayor profundidad.
El paisaje de fondo muestra un cierto desequilibrio, ya que crea la ilusión de un paisaje que se divide en
dos. Sin embargo, no existe una continuidad entre ambos. Pareciera que no hubiera correspondencia en
términos de alturas y líneas.
Técnica
El cuadro La Gioconda está realizado en pintura al óleo sobre madera. Leonardo da Vinci aplicó en él la
técnica del sfumato. Este consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los
contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las
figuras se integran al resto de la composición.
Gracias al sfumato, Leonardo consiguió perfeccionar la percepción de tridimensionalidad. Leonardo usa la
técnica del sfumato para mostrar cómo la luz rebota de las superficies curvas, especialmente de la piel,
dejándola lisa, suave y natural.
La explicación sobre el misterio de la sonrisa y la mirada de la Mona Lisa deriva precisamente de la
técnica del sfumato y la naturaleza de la visión humana.
VER TAMBIÉN
Leonardo da Vinci: 11 obras fundamentales
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La última cena de Leonardo da Vinci
El hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci
En efecto, la visión directa del ser humano se enfoca en los detalles pero no en las sombras, en cambio, la
visión periférica distingue más las sombras que los detalles. Al mirar a la Mona Lisa desde diferentes
perspectivas, las capas finas y difuminadas de la técnica del sfumato hacen que de frente se vea una
sonrisa casi inadvertida en comparación con la misteriosa sonrisa que aparece cuando se la ve de lado.
Esto sucede porque de lado se proyecta más volumen a causa de las sombras creadas por las finas capas.
Significado de la Mona Lisa
La expresión "Mona Lisa" significa 'señora Lisa'. Mona es un diminutivo del italiano madonna, y Lisa
sería el nombre de la modelo identificada por Giorgio Vasari, pintor, arquitecto y escritor del renacimiento
que publicó el libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos, donde dio testimonio
del cuadro.
La identidad de la modelo
Existen varias discusiones sobre la identidad de la modelo. En efecto, la teoría más aceptada es la del
historiador Vasari del siglo XVI, quien dice que la mujer representada se trataría de Lisa Gherardini. ¿Y
quién era Lisa Gherardini? Era la esposa de un mercader de sedas llamado Francesco del Giocondo. De
hecho, el nombre alternativo La Gioconda, que significa "alegre" en español, hace referencia a su famosa
sonrisa y al nombre de su esposo.
Otra tesis plantean que la mujer retratada sería una "cierta dama florentina", según palabras de Leonardo, y
que la pieza habría sido encargada por Juliano de Medicis. En ese caso, podría tratarse de una dama de
renombre social. Sin embargo, de ser así, no se comprendería la duda sobre su identidad, ya que estaría
plenamente identificada.
La cosa se complica si tomamos en cuenta que los documentos contemporáneos que describen el cuadro
pudieron referirse a versiones diferentes de La Gioconda. Es justamente la existencia de tales versiones
uno de los factores que confiere a la pieza un contexto misterioso.
Las versiones de La Gioconda
Taller de Leonardo: Mona Lisa o Gioconda. 1503-1519. Óleo sobre tabla. 76,3 × 57 cm. Museo
del Prado, Madrid.
La teoría más aceptada, por ser recogida en la obra de Vasari, refiere que el cuadro de La Gioconda habría
sido encargado por el mercader Francesco del Giocondo. Leonardo lo habría comenzado a pintar hacia el
año 1503. Sin embargo, cuando Vasari describe la obra apunta dos datos importantísimos: refiere la
existencia de cejas e indica que el cuadro se encontraba inacabado.
De la época de Leonardo existen dos versiones más del cuadro, llamadas Mona Lisa de Ilseworth y Mona
Lisa del Museo del Prado. De esta última, se sabe que es una copia elaborada en el taller de Leonardo por
uno de sus discípulos, probablemente Andrea Salai. Fue elaborada entre 1503 y 1519 aplicando la misma
técnica y condiciones materiales: óleo sobre tabla de madera (de nogal), con unas medidas de 76,3 x 57
cm. Son visibles algunas diferencias de calidad, como la dificultad del sfumato.
En cuanto a la Mona Lisa de Ilseworth, por mucho tiempo se creyó que se trataba de una falsificación,
entre otras cosas porque está hecha sobre lienzo, a diferencia de la del Louvre y la del Prado. Sin embargo,
estudios científicos recientes revelan que los pigmentos y materiales son de la misma época. ¿Será una
versión del propio Leonardo? De hecho, ¿será la primera versión del cuadro?
Atribuido a Leonardo: Mona Lisa de Ilseworth. 1503-1516. Óleo sobre lienzo. 84,5 cm × 64,5 cm.
Colección privada, Suiza.
Las diferencias más evidentes con la clásica Gioconda son tres:
la mujer, cuyo rostro tiene cejas más definidas, luce más joven;
se encuentra claramente enmarcada entre dos columnas y
el paisaje de fondo está inconcluso.
En caso de que haya sido hecha por Leonardo, podría tener sentido que fuera una primera versión, si
consideramos la juventud de la modelo en comparación con la Gioconda del Louvre y en relación a los
años que le tomó a Leonardo desarrollar el cuadro. La modelo parece ser la misma.
Ante este último dato, surge la duda: ¿es posible que este cuadro haya sido una primera versión del
retrato? ¿Podrá Leonardo haber hecho ambos retratos al mismo tiempo? Ya que Vasari habla de una
Gioconda inconclusa con cejas, ¿habrá podido referirse a este o al que custodia el Louvre? Si Vasari se
refería al del Louvre, ¿será, acaso, que las cejas de la Gioconda original fueron borradas accidentalmente
durante algún proceso de mantenimiento o restauración?
Estas preguntas aún sin respuesta satisfactoria son parte de los misterios en torno a la obra que han
llamado la atención del mundo, pero... ¿son suficientes para explicar el extraordinario fenómeno de
difusión del cuadro?
También te puede interesar leer sobre el cuadro La última cena de Leonardo da Vinci.
Importancia de la Gioconda y su influencia en el arte
El género del retrato pictórico de personalidades, tal como lo conocemos, tuvo lugar en el temprano
Renacimiento, hacia el siglo XIV. Quiere decir que para el momento en que Leonardo pintó La
Gioconda ya existía una tradición retratista más o menos consolidada y adecuada a unas ciertas
convenciones. El modelo más común antes de la Mona Lisa centraba su atención en la representación del
personaje hasta la mitad del torso, de manera que el rostro, la cabeza y los hombros, abarcaran toda la
composición.
Sandro Botticelli: Retrato póstumo de Simonetta Vespucci. Óleo sobre tela. c. 1476-80.

El cuadro de la Mona Lisa pertenece al género del retrato renacentista, pero la forma en que Leonardo da
Vinci lo pintó difiere en algunos aspectos de la tradición en que eran pintados los retratos de mujeres en
esa época. La mujer mira directamente al espectador y le sonríe con seguridad, dos actitudes atribuidas a
los hombres aristocráticos más que de las mujeres.
En el retrato Mona Lisa no solo se muestra la cara, la cabeza y los hombros, sino también el torso hasta
debajo de la cintura, lo que deja al descubierto brazos y manos y, con ello, mayores posibilidades
expresivas. De esta manera, Leonardo revela mucho del personaje, cosa que no hubiera logrado de seguir
el modelo anterior.
Rafael: Estudio de la Mona Lisa de Leonardo. 1504.

Sin embargo, este no fue el único retrato elaborado por Leonardo y, además, si tomamos en cuenta el
hecho de que Leonardo lo conservó hasta el final de sus días, su influencia en aquellos días fue solo
limitada al pequeño círculo de personas que lograron verlo. De cualquier modo, no podemos negar que el
impacto en ese círculo fue importante, al punto de que dejaron testimonio escrito. Por ello, el pintor Rafael
la estudió y tomó como referencia para elaborar el retrato de Maddalena Doni.
Rafael: Retrato de Maddalena Doni o Maddalena Strozzi. 1506. Óleo sobre tabla. 65 × 45,8
cm. Palacio Pitti, Florencia.
En el retrato original de la Mona Lisa podemos ver los signos de perfección que Leonardo alcanzó en el
desarrollo de la técnica del sfumato, y de hecho, se cree que, al final, este cuadro fue trabajado por
Leonardo mientras pintaba el famoso cuadro de Juan Bautista, donde se revela como un verdadero
maestro del claroscuro. Esto significa que la técnica de Leonardo habría alcanzado su perfección en estas
dos obras. ¿Pero su importancia actual deriva solamente de su excelencia técnica?
Impacto del robo de La Gioconda
Parece que la popularidad de la Mona Lisa es de atribución relativamente reciente, y fue catapultada por el
robo que cometió el italiano Vincenzo Peruggia, antiguo empleado del Museo del Louvre, el 21 de agosto
de 1911. De hecho, el robo solo fue notado 24 horas después, lo cual quiere decir que la pieza no recibía
una atención especial de seguridad en aquel entonces.
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El jardín de las delicias de El Bosco
Película Matrix de las hermanas Wachowski
16 pinturas geniales de Vincent van Gogh
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El robo de la Mona Lisa fue verdaderamente escandaloso, tanto por lo sorpresivo del hurto como por el
tratamiento de la investigación, que puso bajo sospecha a dos grandes figuras públicas del momento: los
jóvenes Guillaume Apollinaire y Pablo Picasso. Apollinaire, de hecho, estuvo detenido una semana por
averiguaciones. Tras dos años de investigaciones, las autoridades dieron con el paradero de Peruggia,
quien había tratado de venderlo a Alfredo Geri, entonces director de la Galería Uffizi de Florencia.
Marcel Duchamp: L.H.O.O.Q. 1919. Ready made. 19.7 x 12.4 cm. Philadelphia Museum of

Art, Philadelphia, PA, EE.UU.
El robo de la Mona Lisa no solo puso a la pieza en la mira del mundo. También influyó en la valoración
de las otras versiones del retrato, elaboradas por Leonardo o en en el taller de Leonardo.
Nos referimos puntualmente a la ya mencionada Mona Lisa de Ilseworth, cuya existencia solo se
descubrió después del hurto. La tardía aparición de esta pieza en lienzo sembró sospechas sobre su
procedencia, ya que muchos pensaron que podía haber sido una falsificación realizada durante el tiempo
en que la obra del Louvre estuvo en manos de Peruggia.
Pocos años después del regreso de la pieza, ahora tomada en cuenta por el gran público como un tesoro, el
dadaísta Marcel Duchamp y el surrealista Salvador Dalí darían el golpe definitivo para consagrar su fama
al hacer cada uno de ellos una versión irreverente.
Así, la existencia de varias versiones del mismo motivo, la resistencia de Leonardo a entregar la obra, la
significativa inversión económica del rey Francisco I de Francia para adquirirla, el deseo de Napoleón por
verla en sus aposentos, el robo perpetrado por Peruggia y las irreverentes parodias de Duchamp y Dalí son
parte del contexto que ha influido en la extraordinaria difusión de la obra al nivel mundial.
Historia del cuadro de la Mona Lisa
La Gioconda fue elaborada por Leonardo entre 1503 y 1519. La tesis más aceptada sugiere que se trata de
un encargo del mercader de telas Francesco del Giocondo. Como era común en el pintor renacentista,
Leonardo nunca dio por concluido el cuadro, de manera que se negó a entregarlo y estuvo en su posesión
hasta el final de sus días.
Solo después de su muerte, o quizá poco antes de morir, el cuadro fue adquirido por el rey Francisco I de
Francia en pleno siglo XVI, quien llegó a pagar doce mil francos por ella. Tras la muerte de Francisco I, la
obra fue destinada a Fontainebleau, luego a París y, por último, a Versalles. Después de la Revolución
francesa, al considerarla parte del tesoro del Estado francés, fue entregada a la custodia del Museo del
Louvre en 1797.
Ha permanecido en el museo del Louvre hasta hoy, excepto por tres interrupciones: la primera, cuando
Napoleón, durante su gobierno, la llevó a su alcoba (desde el año 1800 hasta 1804); la segunda, cuando
fue robada del museo por Vicenzo Peruggia (desde 1911 hasta su devolución en 1914); y la tercera,
durante la Segunda Guerra Mundial, cuando se puso a resguardo en el castillo de Amboise y, luego, en la
abadía de Loc-Dieu.

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Vincent de van Gogh

"La noche estrellada"

"Terraza de café por la noche"

"Campo de trigo con cipreses"

"Marina Les Saintes Maries de la Mer"

Corresponde a la cuarta versión de la serie de girasoles.

"Muelle con hombres descargando barcazas de arena"

" La iglesia de Auvers"

"Casa en campo de trigo"

"Habitación de Vincent en Arles"

"La noche estrellada sobre el Ródano"

Paisaje nocturno con estrellas brillantes reflejadas en el agua.

"Olivos con cielo amarillo y sol"

"Un cangrejo de espaldas"

"Bodegón con membrillos"

"El jardín del poeta"

"El huerto blanco"

"Campo con flores"

El pintor escribió a su hermano Theo sobre este paisaje en Arles: "Realmente es un sueño".

"Paseo a lo largo del Sena"

"Salón de baile en Arles"

Muestra el interior de un salón de baile lleno de gente en la ciudad de Arles, Francia.

VINCENT VAN GOGH BIOGRAFIA CORTA- CURIOSIDADES DE SU VIDA Y FRASES

Fue un hijo "ilegítimo"

Muchos inventos también incompletos

¿Un procrastinador nato?

La última cena, un fracaso técnico

Da Vinci fue perseguido

Leonardo da Vinci: Mona Lisa o Gioconda. Óleo sobre tabla. Medidas: 77 x 53 cm. 1503-1506.

Sandro Botticelli: Retrato póstumo de Simonetta Vespucci. Óleo sobre tela. c. 1476-80.

Rafael: Estudio de la Mona Lisa de Leonardo. 1504.

Marcel Duchamp: L.H.O.O.Q. 1919. Ready made. 19.7 x 12.4 cm. Philadelphia Museum of

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