A Position Paper 

On 

The Future of Philippine Art 

Garcia, Anilyn Nicole C. May 16, 2016 

2015­08851        Sir Clod Marlan Krister Yambao 
        

For us to conclude with what will happen to the future of Philippine art, we must first look back 

to its past, and critic its present. 

Philippine Art in the Past.​
 During the 1500’s, when trade was just beginning in the Philippines, 

art was found in the form of pottery, tattoos, textiles and tools.  It is difficult to simplify modern 

Philippine art into just one theme. According to Lyn Yusi’s article on The Development of Art 

Galleries in the Philippines (2015), art could be used for practicing religion, for establishing their 

social status, for telling stories, or for expressing their achievements. Since art was part of their 

daily lives, it was hard to identify and distinguish artists in that time.  

 
Each tribal warrior from the Kalinga tribe is tattooed differently. It can tell the story of the 

person’s experience in hunting, or shows their social status. Each combinations of tattooes in a 

person’s skin is unique. 

  

There are traditional weavers from different kinds of indigenous groups in the Philippines. 

Shown above is an elder woman wearing 

more than one colorful necklace from her 

tribe. Jewelries uphold the tribal person’s 

social status, and shows everyone her title. 

 
  

An exhibition at the Museum of the Filipino People shows the different clothing textiles used in 

the past by different indigenous tribes. Each clothing attire has different patterns and color 

combinations, and each one shows a lot of history about its tribe. 
During the Spanish era, art transitioned into decorations in churches and sculptures of saints.  

During this era, there was the Real Ordean and the Comision de Permanente “​
which required that 

all artistic productions passed through strict friar supervision” (Yusi, 2015).  

During the American occupation, art become more active, and more diverse. Art museums and 

art galleries were established, and art organizations were founded. In this era, Fernando 

Amorsolo emerged as the first internationally­acclaimed artist of the Philippines. At around this 

time, discussions and debates on art trends in the Philippines started emerging, but it was 

exclusive ­  only the bourgeoisie could participate to them.  

 
During the Japanese era, scarcity, inflation, pollution, and disease became more important than 

aesthetics. All signs of artistic development stopped as people tried to recover from war. Perhaps 

as a sign to uplift the people’s pitiful state, the government encouraged people to contribute to art 

competitions with attractive prizes. The theme of the competition was “New Philippines”. 

Philippine Art in the Present​
. ​
We can see just how vastly people’s perception of art has 

changed through the years. Back in the 1500’s, it was clear that art was part of our daily lives. 

Anyone could design their tools in any way they wanted. Now, art is only for the privileged, for 

the rich. 

Art has also transitioned in meaning. Before, it was done to tell a story. Fictional stories like 

myths and fables can be found in pots and caves, while stories of people’s lives like their own 

achievements and downfalls can be found as tattoos in their skin. Now, it was to express 

socio­political issues. One common theme is the effect of technology on our generation. 

One example of this is Sandra Dans’ Iconolatria. ​
It played around with the concept of how 

society’s self­documentation in social media has transformed into a form of self devotion and 

narcissism. Each painting has a halo around the subject, and is captioned with typical 

descriptions of posts online. The work below is simply captioned “#coffee”. 

 
  

 The exhibit explores the misplaced reverence of divine images wherein most see them as 

something holy instead of using them to instill devotion. The same could be said of social media 

in which self­documentation purpose of being present and making a mark in digital spaces 

constructs tendencies of narcissism and self­absorption. Complementing the exhibit are different 

materials from the Vargas Museum collection, specifically stampitas and prayer cards of Marina 

Vargas, and photographs of Jorge B. Vargas. 

“I  Am”  is  a  series  of  self­portraits  that  dwells  on  the  sanctifying  practice  of  self­representation 

and  the  issues  surrounding  it.  What  or  who  can  be  glorified?  If  the  validating  agent  is 

himself/herself, is the glorification well­founded? 
“Mga  Santong  Kanto”  is  a  series  of  photographs  depicting  Filipino  men.  Here,  the  notion  of 

masculinity  in the Philippine context is reexamined in reference to the idea of holiness, a concept 

mostly associated with the feminine. 

“Stampitas”  is  a  series   of  images  supplemented  by  Catholic  prayer  cards  reminiscent   of  the 

process  of  microblogging.  Emphasis  is  given  to  memory as divine;  stampitas are both keepsakes 

and tools for carrying out faith. 

As more and more malls started developing around the Philippines, art galleries started growing 

inside these convenient buildings. Art became more commercialized. This, however, encouraged 

more Filipinos to become full­pledged artists. Being a professional full­pledged artist in our 

generation usually meant being financially unstable.  

According to this article, “At a recent gathering to announce the 10th year of Art in the Park—a 

one­day affordable art fair held annually, scheduled on April 3 at the Salcedo Market in Makati 

City—a random group of artists, art gallery directors, art event organizers and aficionados agreed 

that the country is in the midst of an art boom, with no signs of slowing down.” Art has 

transitioned once again to being a part of everyday life. Art has become more personal.  

Artists use their talents to express big turning points in their lives. For example, Alfredo and 

Isabel Aquilizan had an installation back in 2006 called “Project Be­Longing: In Transit”. They 

used the concept of Balikbayan boxes by organizing sentimental materials into a neatly­boxed 

shape. The Balikbayan box is traditionally used by Filipinos who work abroad to deliver their 
sentiments to their families back home. The artists used their own personal belongings for the 

installation. 

Another installation by Alfredo and Isabel Aquilizan is the “Dream Blanket Project”. The 

premise was that a hundred of blankets under which people dreamed were gathered from local 

communities and stacked neatly in open cabinets. A hidden sound system broadcasts the dreams 

of the people who donated their blankets for the project. 

 
  

However, instead of telling stories like before, art is also used as a propaganda. It is used to 

express opinions on socio­political issues. Rodel Tapaya’s painting called “Mountain Fantasies” 

(2012) talks about mining and preservation of nature. It has elements of Filipino mythologies, 

and its moral is that man’s urgency to progress will result to the destruction of nature. 

 
 

Another example is Mark Justiniani’s “Reverb” installation, which talks about illusion and 

precision. 

In the work above, only the first layer was sculpted, and the rest of it is an illusion of mirrors. 

According to Mark Justiniani, his method of creating the artwork was inspired from the way the 

universe was first created. Only 10% of what can be seen is real. The rest of the 90% is just an 

illusion. Similarly, a scientific theory claims that atoms are 99.99% empty space. As the artist 

showed this concept, he also showed social issues. In the particular artwork above, a line of 

blank­faced workers have their hands on keyboards, sitting in what looks like the interior of a 

military helicopter. This shows how the “soldiers” of our generation are the people focused on 
technology, and they did not earn the title of ‘soldier’ out of valiantly protecting the country, but 

because both soldiers and the people today have the similar attribute of being stoic, emotionless, 

and a plain copy of each other. 

Art is also used to gain profit. Art is used to advertise. But on the other hand, art is now also 

more diverse, because it is now more accessible to people. Anyone with internet can do a simple 

graphic design, and share it to hundreds in their social media accounts. A famous platform is 

DeviantArt, wherein anyone around the world can publicize their works and receive comments 

about their works. 

It can be argued that even the simplest act of filtering pictures can be considered art. This is not 

to generalize that this generation’s art cannot reach the same caliber as the renaissance era’s 

Leonardo da Vinci. This only implies that it is now easier to get involved in the art community. 

Forums and discussion threads online about learning a certain form of art, to socializing with 

artists,  all the way to debating about the position of art are all available to people no matter what 

status now. We can say that this generation has accumulated the pre­hispanic people’s view of 

art as part of everyday life, and the American occupation people’s critical thinking of art as a 

way of cultural positioning. 

“The Philippine art scene is very vibrant, and I think it will become even more vibrant in the next 

few years,” says Dawn Atienza, director of Tin­aw Art Gallery. “Compared to a decade ago, 

there are a lot of opportunities for Filipino artists.” 
 

Philippine Art in the Future. ​
Now that we are able to retrace where Philippine art originated, 

and how it has transformed through the years, we may able to distinguish what track it will 

progress into in the future. We have discussed in class that art is seen as a representation of 

society. We can see that the semiotics of Philippine art has changed drastically, depending on the 

era. We have always classified history according to its colonizers and their eras. During our 

generation wherein no world war is currently existing, it is difficult to pinpoint the classification 

between our present and future. 

However, if we are to guess the path that art will be taking, we will have to identify planned 

events in the future that may have a huge impact on the world of art as a whole, and focus on 

what the Philippines can contribute to it. 

Most of our art exhibitions are mainly focused on technology. Interactive art museums have only 

just begun popping out. In Singapore, they have opened up a new permanent exhibit in their 

ArtScience Museum entitled “Future World: Where Art Meets Science” this March 12, 2016. It 

is one of the largest interactive digital playgrounds, created by artists, CG animators, architects, 

engineers, artists, and more.  

 
  

This 170,000­LED light exhibit called “Crystal Universe” gives the illusion of being in space. 

The exhibit can show the big bang, and other planets and stars with you being in the center of it 

all, by simply using an application in your smart device. 

 
  

The “Sketch Town” lets children explore their creativity by coloring their own vehicles. After 

being colored and decorated, these two­dimensional vehicles are turned into three­dimensional 

figures, and placed in a virtual town. The children can now see their vehicles interact with other 

children’s vehicles. The objects in the town can move in different speeds and directions, 

depending on the way children touch them. Sometimes, monsters arrive to destroy the town. 

Children can interact with these monsters and by helping each other, they will be able to fight the 

monsters.  

 
  

This exhibit is entitled “​
A Whole Year per Year” has three different virtual environments that 

blossom where you stand. 

 
  

The “Light Ball Orchestra” is a multi colored light and sound park that changes color and makes 

a sound when you touch the plastic beach balls. Combined with a few other people who touch 

these balls, the whole room symphonies and glows harmoniously. No two symphony is ever the 

same. 

Similarly, a new interactive social history museum has opened in the Quezon City Memorial 

Circle, Philippines called “The QCX Museum”. It shows each stage that Quezon City has 

undergone as a city ­ starting as a plot of land, to all the changes it had to go through during the 

wars, to how it looks like now. It shows all the aspects each Filipino lives with in Quezon City ­ 

from its infrastructures and monuments, to its jeepneys, its villages, and its media.  

 
  

However, despite this constant progressive remarks, we must take into consideration the power 

of the government as they can affect the future of Philippine art. Out of the five presidents, none 

of them have any platforms that support or continue the progress of Philippine art. Binay’s 

platform is mainly focused on economic dynamism, Duterte’s platform focused on protection 

against crime and corruption, Poe focused on international trade, Roxas focused on the economy, 

and Santiago focused on enforcing laws and implementing renewable energy policies. This can 

affect the future of Philippine art drastically.  

With regards to the world of Philippine theatre, we have lost a surmountable amount of records 

due to the fire incident at the Faculty Center of UP Diliman this April 1, 2016. The Teatro 

Hermogenes Ylagan is the one of the few existing black box theatres in the Philippines. 
Alexander Cortez, former founder of the Dulaang Unibersidad ng Pilipinas, collected all the 

video tapes of all the theatre productions of Dulaang UP, since its birth during the 1960s. All the 

theses of former Theatre Arts graduates were also stored in the building, as well as unique 

theatre handbooks that have been kept by the professors since their times as students in the 

university. 

Although the future of art looks bright in a global perspective, this may not be so in a national 

perspective. We were taught in class that art is a representation of society. When it comes to 

discussing the future of Philippine art, the burning of the Faculty Center means there will be no 

history to go back to. This is a huge loss not just to the department of theatre, but also to the 

department of Art Studies. All the theses that each  Art Studies graduate have done have burnt 

down. Many cultural paintings were kept in the College of Arts and Letters’ office.  

But when we no longer have a history book to tell the future generation what is wrong or right, 

they are now challenged to do things on their own, and discover for themselves what should and 

shouldn’t be. This means that the future generation will have a clean slate, with no manual 

created by the generation before them to guide them. Learning the history of art is important. It 

keeps us from doing the same mistake. However, now that we have little to no documentation of 

the mistakes and successes that we have done in the past, the future of Philippine art is now 

uncertain, for this will all depend on the people in the future ­ on what they feel should be voiced 

out, on how they want to voice it, and on why it should be voiced in the first place. 

 
An example of this is the film by Jerrold Tarrog called “Heneral Luna”. It showed just how 

region­centered the Philippines was before, and it spoke up about the disloyalty of Filipinos 

towards their own countrymen during the World War I, and how years have passed by and still, 

the same issue is still happening. The fact that the film had to be closed down immediately just to 

make way for western films made the showing of the film a living example of its own story plot ­ 

in which the moral of the lesson is that Filipinos still value western material more than local 

ones. 

The film went viral, and a majority of Filipinos encouraged future filmmakers to do more of the 

historical, socio­political films like “Heneral Luna”, and less of the typical, romantic comedy or 

slapstick films like “She’s Dating the Gangster”.  

Art will definitely progress a lot faster in the future. It will be shared a lot faster into a larger 

group of audience and therefore, change will happen a lot faster. The attitude of society is 

represented through art, and the society reacts to the art its people have created. We can expect 

more educational, socio­political art works to be done in the future. Art will not just be a form of 

commercialization. Art will not just be a hobby that cannot guarantee a salary every day. Art will 

be a way to educate people about its society. Art will be our moral compass in this constantly 

fast­paced technology­driven era. 

 
Bibliography 

● Yusi, Lyn. "The Development of Art Galleries in the Philippines." ​
National Commission 

for Culture and the Arts​
. N.p., 16 Apr. 2015. Web. 20 Apr. 2016 from 

http://ncca.gov.ph/subcommissions/subcommission­on­cultural­heritagesch/art­galleries/t

he­development­of­art­galleries­in­the­philippines/ 

Inquirer.net​
● "Millennials Are Driving the Current Boom in Philippine Art." ​ . N.p., 20 

Mar. 2016. Web. 20 Apr. 2016 from 

http://lifestyle.inquirer.net/225337/millennials­are­driving­the­current­boom­in­philippin

e­art#ixzz479bzcHRa  

BBC​
● Lowe, Aya. "Reviving the Art of Filipino Tribal Tattoos." ​ . N.p., 27 May 2014. 

Web. 20 Apr. 2016 from ​
http://www.bbc.com/news/world­asia­27539510 

● Ardia, C.A. Xuan Mai. "Top 10 Filipino Contemporary Artists & Where to Find Them." 

The Culture Trip​
. N.p., n.d. Web. 20 Apr. 2016 from 

http://theculturetrip.com/asia/philippines/articles/top­10­filipino­contemporary­artists­wh

ere­to­find­them/ 

● Fabian, Galwin. "Museum of the Filipino People: Home to the Anthropology and 

Intrepid Wanderer​
Archaeology Divisions of the National Museum of the Philippines."​ . 

N.p., 6 Oct. 2013. Web. 20 Apr. 2016 from 

http://intrepidwanderer.com/2013/10/museum­of­the­filipino­people­home­to­the­anthro

pology­and­archaeology­divisions­of­the­national­museum­of­the­philippines/  

Marina Bay Sands Singapore​
● "Future World: Where Art Meets Science." ​ . N.p., n.d. Web. 

20 Apr. 2016 from ​
http://www.marinabaysands.com/museum/future­world.html