BARROCO

LUCÍA BOUZAS NAYA, BARROCO, UV 2022
TEMA 1: INTRODUCCIÓN, EL ARTE Y LA CONTRARREFORMA. LA NUEVA

CIENCIA. MONARQUÍA Y PAPADO
1. EL CONCEPTO Y EL ESTUDIO DEL BARROCO

1.1. DEFINICIÓN DE BARROCO
RAE – Barrueco: perla irregular. No és una perla perfecta, sinó que té una sèrie d’irregularitats. La paraula
que ha arribat a nosaltres ve del portuguès barroco.
➔ Exemple: joia Canning amb perles barroques. La pedra ha servit per a denominar a tot un conjunt
artístic dins d’una mateixa cronologia.
La paraula en si apareix en diferents àmbits. Baroco / barocco descriu un tipus de sil·logisme aristotèlic,
és a dir, una combinació d’afirmacions, positives o negatives, per a fer una deducció. El
sil·logisme baroco té un sentit pejoratiu, perquè dona nom a les deduccions de tipus fantàstic o
enrevessades. En l’àmbit de la retòrica, un sil·logisme baroco era un tipus de deducció recarregada de
conceptes. D’ací que el Barroc s’entenga com un estil decoratiu recarregat.
➔ Sil·logisme baroco: tots els éssers humans són mortals > els alumnes són éssers humans > els
alumnes són mortals. Podria dir-se molt més fàcil però es diu enrevessat.
Un tercer sentit de la paraula es dona al segle XIII en la Toscana. La paraula baroco o baroccolo era un
tipus de préstec en el qual el que agafava els diners assumia uns interessos molt elevats. Moltes vegades este
préstec era un frau. Per tant, un préstec baroco era un engany.
-> Hi ha molt poques referències a aquest tipus d’engany, però en totes les tres definicions hi ha la
mateixa idea d’engany, de recarregament. Totes elles van a estar presents en la interpretació de la cultura
barroca al llarg de la història.
1.2. DEFINICIÓN CRONOLÓGICA DEL BARROCO

Barroc com a concepte d’època: segles XVII-XVIII, 1600-1750. Això implica que podem emprar la paraula
barroc com una paraula que defineix tots els esdeveniments que hi tenen lloc en aquests segles, o almenys al
XVII.
➔ Però si el barroc és un concepte cronològic, podríem emprar-lo per a parlar d’economia
barroca, política barroca, Xina barroca, Austràlia barroca, etc. I ací el problema: emprar les
paraules com a un concepte que pot definir tot un moment cronològic.
Barroc com a concepte d’estil: en realitat té una doble vessant, i és que en este sentit el barroc definiria
l’última època de qualsevol estil. Hi ha una part molt rellevant de la Història de l’Art que ha insistit en
mostrar la diferència entre els estils, una visió formalista[1]. Un dels historiadors que va treballar en la idea
del formalisme va ser Henri Focillon, qui va escriure La vida de las formas, dient que tots els estils naixen, es
desenvolupen i tenen una època de decadència.
➔ Segons ell, els estils tenen una fase experimental o de formació, una fase de maduresa o clàssica,
una fase de refinament i una fase barroca o de decadència. Així, la fase final qualsevol estil seria
“barroca”, recarregada en moltes ocasions.
Exemples: són barrocs?

➔ El Laocoont no seria barroc si l’emprem com a definidor d’una època, però sí si ens referim a les
característiques o el final d’un estil.
➔ Rapte de Proserpina, Bernini: també seria barroc. Comprovem com la paraula barroc és polisèmica:
en aquest cas com a concepte d’època i com a concepte d’estil.
➔ Portada El mal querer, Rosalía: podem comparar-la amb les Immaculades d’autors com Zurbaran o
Ribera. Podríem dir que té una temàtica barroca.
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➔ Beyoncé.
➔ Interior casa Trump: ús d’imatge per a transmetre la idea de poder, com fa el Barroc.
➔ Versalles.
➔ Kehinde Wiley: els seus quadres ens recorden a Velázquez.
Si emprem la paraula barroc com a concepte d’època, se sent molt el terme de “Segle d’Or”. Este
concepte significa que en eixos moments la cultura va arribar a grans quotes de qualitat que després mai
s’han pogut equiparar.
➔ Alguns llibres que ens parlem d’aquest fenomen són La edad de oro de la pintura en España, de
Jonathan Brown, i Painting in the Dutch Golden Age. El concepte de Segle d’Or ens dona una
imatge d’esplendor, un moment en què tot es feia bé i la qualitat de les obres artístiques era
immillorable.
➔ En el cas holandès, però, aquesta paraula ha començat a ser qüestionada. De fet, en els últims
anys, els museus holandesos han decidit que no van a emprar el terme Segle d’Or en l’explicació de la
cultura holandesa del segle XVII. Açò es deu a que no tots participen d’eixe concepte:
- Retrat de Johan de la Faille, 1674: trobem un esclau, i amb açò comprovem que si hi ha una persona
que ha viscut un Segle d’Or és perquè hi ha una altra que no. Si Holanda va fer-se immensament rica en
el segle XVII va ser perquè hi havia part de la població que estava esclavitzada. Per tant, eliminar el
concepte del Segle d’Or en Holanda és per incloure les minories.
- Juan Pareja, Velázquez, 1650: esclau de Velázquez.
- Black but Human, Carmen Fracchia.
➔ El barroc, tant en l’àmbit hispà com en l’holandès, és un moment que s’ha associat com a
identitari, precisament pel moment d’esplendor. Les imatges són més que imatges: és una qüestió
identitària. Un exemple és La ronda de nit, pintura identitària d’Holanda. Açò es veu clarament en el
vídeo següent: https://www.youtube.com/watch?v=a6W2ZMpsxhg. En ell veiem com d’identitària
pot ser una imatge.
El culpable del sentit pejoratiu que durant molts anys ha tingut el Barroc és el neoclassicisme. Així ho
veiem en aquest fragment del Dizionario delle belle arte del disegno, de Francesco Milizia: “Barocco è il
superlativa del bizarro, l’eccesso del ridicolo”.
➔ Si el Barroc va ser qüestionat, criticat, etc., és per la mentalitat il·lustrada, que considerava que
era excessiu. L’excés caracteritzaria el Barroc, que era tipificat com ridícul. De fet, a poc a poc
començarà a tindre xicotets interessos al segle XIX per recuperar una època que havia sigut
condemnada com ridícula per culpa de la Il·lustració.
El romanticisme, que començarà com un camí oposat a la idea de la raó, veurà en el Barroc alguns
aspectes que li interessaran, però fins al moment ningú s’interessava pel Barroc. És curiós com Schlegel fa
un estudi sobre Calderón de la Barca, un dels autors propis de la cultura barroca. El nom “classicisme” dona
una idea molt clara del que havia passat fins ara: recuperar el passat clàssic; i la resta no importava.
Així, la rehabilitació del Barroc passa pel romanticisme i per Nietzsche, qui deia que no calia rebutjar-
lo. El responsable de la reivindicació que el barroc pot ser estudiat d’una manera aïllada, sense supeditar-lo a
l’estil clàssic, va ser l’historiador alemany Heinrich Wölfflin amb Renaixement i Barroc. El que ell
comença a treballar és la idea que el Barroc és un estil autònom, que té les seues característiques i que mereix
un estudi independent que no s’ha de supeditar al món clàssic.
Winckelmann, La història de l’art dels antics: en ell diu que l’ideal de bellesa és la del món clàssic. De fet,
parlant de l’Apol·lo de Belvedere, diu que és “el més alt ideal de l’art entre les obres antigues que s’han
conservat fins els nostres dies”.
➔ Esta idea s’ha mantingut durant segles. Així, sempre s’ha posat l’ull sobre moviments de
reinterpretació del món clàssic, com Warburg amb el Renaixement.
-> D’aquesta manera, el Barroc comença a tindre identitat pròpia gràcies a Wölfflin. Per a reivindicar la
seua importància l’oposa amb el Renaixement. Va definir cinc conceptes que s’aplicaran a cada estil (parells
de conceptes/conceptes fonamentals de Wölfflin):
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- Renaixement: lineal (Naixement de Venus), superfície, forma tancada, pluralitat, clar.

- Barroc: pictòric (Velázquez), profunditat, forma oberta, unitat, indistint. Conceptes que poden servir per a
no comparar-lo amb el món clàssic.
1.3. REFLEXIONES SOBRE EL BARROCO EN EL TIEMPO DE ENTREGUERRAS

Són fonamentals els llibres de Werner Weisbach (essencial en la Història de l’Art i sobretot quant al
Barroc) i de Walter Benjamin. Barroc com art de la contrareforma.
També en este període són importants alguns anglesos com Sacheverell Sitwell, que publica Art Barroc del
Sud i era historiador de l’art. Ell, en particular, es dedica a viatjar al sud i gaudir de l’art barroc, fent en el seu
llibre una interpretació subjectiva del que a ell li provoca l’estil.
➔ En general tots els germans Sitwell, rics, es dedicaven a gaudir de la vida. Per aquest motiu
s’interessen en el Barroc, perquè troben analogies amb la seua pròpia vida, amb el poder, l’excés,
etc. Si el Barroc l’associem a l’excés és pels Sitwell, doncs ells comencen a fer esta associació.
De fet, en estos moments comença a recuperar-se la moda barroca, la del segle XVII. Un exemple de
com s’associa al luxe és la pel·lícula Fashions of 1934. El personatge associat a la moda s’anomena Oscar
Baroque.
L’any 1925 es fa la primera exposició dedicada a pintors italians del XVII a Anglaterra. Ací el barroc
comença a tindre entitat pròpia. No obstant això, moltes de les obres exposades estaven ahí perquè els grans
aristòcrates les havien comprades com a expressió del seu poder econòmic.
Generació del 27: els autors veuen similituds entre el Barroc i el seu període.
➔ Revalorització de Gòngora: Gòngora empra una retòrica molt recarregada, i els de la Generació
del 27 comencen a recuperar-la.
➔ Recuperació autors sacramentals de Calderón de la Barca: Lorca, en la Barraca, recupera l’obra
de Calderón de la Barca.
➔ San Juan de la Cruz era un surrealista avançat al seu temps.
Al mateix temps, el Barroc continua sent tractat en un sentit pejoratiu. Benedetto Croce diu: “El barroc
és una varietat d’allò lleig”. Sempre té esta mala connotació perquè es compara molt amb altres períodes.
Als anys 30 hi ha una mena de reunió de diversos intel·lectuals en França amb motiu d’estudiar i
interpretar el Barroc. Una vegada passat l’encontre, Eugenio d’Ors publica el llibre Du Baroque, en què
dona unes idees rellevants per comprendre el sentit del barroc.
➔ “El barroc pot evolucionar però mai serà aniquilat. És immortal, com el classicisme”: el barroc és
etern, mai va a desaparèixer. En la història de la cultura podem trobar una diferència entre el
classicisme i el barroc, i el barroc sempre va a estar present. Ja no s’entén com un concepte d’època,
perquè el podem trobar en diferents moments de la història (exemple: l’interès de la Generació 27).
-> “Tot el que no és tradició, és plagi”: ens hem de basar en el passat, d’ací la idea de Barroc que retorna en
diferents moments de la història.
1.4. AMÉRICA LATINA Y EL BARROCO: LA CONTRACONQUISTA

El concepte ha estat interpretat des de diferents visions contemporànies. En cas de l’Amèrica Llatina, ha
estat interpretat com un element identitari. Alejo Carpentier, Severo Sarduy, tots comencen a veure que
l’essència de l’Amèrica Llatina és ser barroca, que era barroca abans de ser barroca: sempre han sigut
barrocs.
➔ Tot i que al XVIII formava part de l’Imperi Hispà i haurien de ser barrocs per aquest motiu, els
intel·lectuals del segle XX donen la volta al concepte: diuen que, encara que Espanya va
conquistar Amèrica Llatina i va dur el Barroc, ells abans ja eren barrocs. A més, quan
s’independitzen de la monarquia hispana continuen sent barrocs. Venen a dir que després ells
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conquisten Espanya amb el seu Barroc. En definitiva, està sent interpretat el Barroc en diferents
moments de la història.
➔ Severo Salduy ens diu que la manera d’interpretar el Barroc en Amèrica Llatina empra la
paraula rebombé (?), com quan plou i no hi ha núvols al cel. És a dir, hi ha barroc sense tindre l’origen
del barroc.
1.5. NEOBARROCO
Actualització del Barroc en moments posteriors. Per exemple, l’Òpera del Barroc podríem etiquetar-la
estilísticament com neobarroca. Però el concepte neobarroc va més enllà d’allò estilista. L’estudi del barroc
històric ha sigut emprat per reinterpretar moltes manifestacions artístiques contemporànies.
Angela Ndalianis: en el seu llibre parla d’entreteniment: hi ha una sèrie de fenòmens culturals
contemporanis que tenen una forma d’expressar idees pròpia del Barroc. Per exemple, la realitat virtual.
Monika Kaup: en la literatura, les arts visuals, etc. del XXI es poden trobar unes característiques barroques
que es qualificaran com a neobarroques.
09/02
1.2. REFORMA Y CONTRARREFORMA: LA

PERSUASIÓN DE LAS IMÁGENES
La crisis que comienza con Lutero tiene su origen en las prácticas
fraudulentas de la Iglesia, sobre todo el Papa. Uno de los principales
motivos es la venta de indulgencias, promovida por el papa León
X a principios del s. XVI. En 1515 taxa camarae… esta venta estaba
destinada para financiar las obras de la basílica de San Pedro del
Vaticano. Ejemplo visual de la venta de indulgencias: jorg Breu el
Vell….
La figura de Lutero lo que supone es plantear una serie de criticas al funcionamiento
de la iglesia cristiana. Propone unas tesis que Él considera que la iglesia debe
reformar. Comentamos 5 puntos, que afectan a el arte y que posteriormente la Iglesia
cuestionara:
- Justificación por la fe: para la salvación del alma cristiana es suficiente con su
fe. No es necesario un intermediario como la Iglesia Católica.
- Críticas a la liturgia, de excesiva teatralidad. Propone una más íntima y
sencilla.
- Iconoclasia: Lutero critica unas prácticas alrededor de la superstición de las
imágenes. Religiosidad donde las imágenes no sean tan necesarias. Provoca un
movimiento iconoclasta en el norte de Europa. Negar la imagen.
- Critica a las reliquias: supersticiosos, objetos mágicos, tráfico ilegal de
reliquias, reliquias que no son reales, etc. Critica el exceso de reliquias.
- Propone volver a un cristianismo primitivo más sencillo donde prima la
espiritualidad y no la materialidad. Relación personal con Dios. Parte del arte
barroco será la respuesta de la Iglesia a estos puntos.
Estas ideas unidas por el peligro de la idolatría, que critica Lutero. En una reliquia ¿se
adora el objeto o la idea? problemática tras el papel de las imágenes en la cristiandad.
Gravado de 1520, Michael Ostendorfer, Peregrinación a la imagen de la
Virgen de Rogenburg.
Lutero no provoca la iconoclastia pero a principios del s. XVI se desencadena
la tormenta de imágenes (beeldenstorm): los protestantes entran en las
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iglesias y se llevan las imágenes, en algunos casos de manera violenta. Ejemplo Duk Van Denle, destrucción
de imágenes.
→ CONCEPTO DE PRESENCIA EN LA IMAGEN

Los protestantes trataban de seguir los preceptos de la Iglesia sobre las imágenes, en el
libro del éxodo: “no harás para ti cosa esculpida ni semejante a lo que está arriba en el
cielo ni bajo en las aguas y ninguna de estas cosas adorarás ni honrarás”. Los
protestantes intentarán seguir esto y sobre todo los musulmanes, con sus
representaciones anicónicas. La Iglesia, en contra. Otra explicación de la práctica
iconoclasta, atacan lo que representa la piedra, presencia en algo material, que es lo que
se ataca. Ese ataque a ese concepto solo se puede hacer a lo material, como el vudú.
La crítica de Lutero va mas allá, se hacen imágenes satíricas sobre la corrupción de los
papas. Estas imágenes coinciden en un momento fundamental, papel importante en la
difusión de estas ideas de la imprenta. Ejemplo: sátira contra el papa león X y las indulgencias, 1521.
Otro elemento fundamental diferenciador es cómo se entiende la eucaristía. El momento en el que se
consagra el pan y el vino según el catolicismo, ahí se encuentra la presencia real de Cristo. Para un
protestante es una metáfora.
→ CONCILIO DE TRENTO
Guerras de religión s. XVI, la Iglesia Católica da una respuesta: Concilio de Trento, reuniones de la Iglesia
para definir su posición y dogmas tras la crisis provocada por Lutero. Lo que hace la Iglesia Católica es dar
una respuesta contraria a Lutero, en ningún momento acepta las ideas o negociación. Posición firme. Serie
de reuniones en diversos años. Desde 1545 hasta 1563, reuniones periódicas. Idea de que el arte barroco es
la idea de la contrarreforma: consecuencia de las propuestas de la contrarreforma. Idea cuestionable, porque
en 18 años sólo dedicaron una sesión a hablar de imágenes, la sesión XXV, decreto de las imágenes e el aula
virtual. Este texto dice:
- Las ideas se deben basar en la tradición, historia de la iglesia católica y apostólica. Manera de
reforzar el papel de las obras de arte para la contrarreforma. Realmente son como respuestas a los 5
puntos
- Cuestiona la justificación por la fe de los protestantes. Los intermediarios son los santos.
- Las reliquias son necesarias “deben venerar los santos cuerpos de los santos mártires”
- Se deben tener y conservar las imágenes de cristo, la virgen y otros santos, y su
correspondiente veneración y adoración
- , porque el honor se refiere a los representados. Las prácticas supersticiosas la iglesia se refiere al
concepto y no a la materialidad. “adoremos a cristo por medio de las imágenes”.
- Critica protestantes a muchas leyendas. La iglesia católica comienza un proceso de limpieza y
revisión demostrando que no existieron. Que no se coloquen imágenes de falsos dogmas.
- Destiérrese absolutamente toda superstición en la invocación de los santos,
veneración de reliquias y el uso sagrado de las imágenes
- Que no se pinten ni adornen las imágenes con hermosura escandalosa (no
provocar erotismo).
Después habrá una serie de escritos que reforzarán estas ideas. Escritos de
obispos, etc. Donde habrá instrucciones de como deben ser las iglesias, las
pinturas, etc. Lo que no dice Trento, en una política de textos que
reforzaran estas ideas. Ejemplos: Palleotti: el discurso alrededor de las
imágenes sagrada y profanas. Borromeo: instructionum fabricae. Todo
supeditado al altar.
16/02
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Rigor:
- Revisión hagiografías
- Eliminación leyendas y santos inv
- Jwdbkje
- Revisar hagiografías medievales (es decir, vidas de los santos). Fuente textual para las imágenes.
Problema en la época que había demasiadas. Cuales inventadas y cuales basadas. Se eliminan algunas
y se mantienen las de la vida de san francisco de Asís y las de las revelaciones de santa Brígida.
- A partir del s. XVII nuevas vidas de santos contemporáneos o de rigor histórico del pasado. Estas
serán las fuentes textuales de muchas imágenes del barroco. Muy conocida Flos Santorum de Alonso
de Villegas. Convenio de vidas de santos con rigor histórico, revisadas por la contrarreforma.
- Se eliminan leyendas y santos que no existieron: el nacimiento de la virgen (evangelios apócrifos
= que no se consideran verdad canónica) y la representación de la virgen en la crucifixión caída o
desmayándose, se considera que se mantiene recta de pie en la cruz -> stábat mater (estaba enferma)
leyenda que se revisa y ya no aparece en el barroco.
- Santos inventados o de adaptaciones mitológicas: san Jorge = cristianización del mito de Perseo.
Se mantiene la tradición.
- Eliminación de tipos iconográficos insólitos que eran motivo de burla de los protestantes:
trinidades triándicas = 3 caras unidas en un mismo rostro (tricéfala). Trinidad como un monstruo de
3 cabezas -> se elimina.
En resumen, se hace un control de las imágenes y se trabaja con un sentido riguroso -> eclosión del
sentido político de las imágenes.
“que no se pinten ni adornen las imágenes con hermosura escandalosa” imágenes que podía ser provocadoras
-> censura. Deben ser honestas y tener decencia. Intervención en el juicio final miguel ángel: figuras con
sexo tapado es posterior, por Danielle da Volterra (“il braghettone”). Otros ejemplos es la imagen de la
Virgen de la Leche: mostrar el pecho era hermosura escandalosa. También figuras como la Magdalena
penitente, desnuda, se comienza a representar evitando cualquier tipo de “provocación”, sobre todo los
pechos.
También se trabajó la relación de la cristiandad con la mitología clásica. Con la recuperación de la
antigüedad clásica, la iglesia recupera temáticas vinculadas al mundo pagano -> problema. Se desarrolla la
idea de la concordancia = el pasado pagano necesario para llega al cristianismo, fase previa de ignorancia
antes de la realidad católica que salva a la humanidad de esos errores.
Resumen
1.3. LAS IMÁGENES AL SERVICIO DEL PODER: PAPADO MONARQUÍA Y NOBLEZA

- PAPADO
Actores principales que emplean las imágenes para expresar poder: papado, monarquías y nobleza. Cuando
hablamos del papado en el barroco, en la segunda mitad del s. XVI Italia está estructurado en el estato de la
ciesa, es casi un estado. (Nápoles y Sicilia reino España). En ese espacio Roma es la protagonista, centro de
cristiandad, ciudad triunfal, roma triunfans, es un escenario.
La ciudad de Roma se transforma y Sixto V promueve reformas urbanísticas para convertir Roma en la
capital de la cristiandad. Ciudad medieval -> moderna. Creación de grandes avenidas en la ciudad,
conectan iglesias importantes de la ciudad, para que sea más fácil hacer peregrinaje entre las iglesias con
reliquias, hacer más fácil moverse entre reliquias. Se ve más claro en la obertura del tridente (Piazza del
Popolo). Está en la puerta del Popolo, entrada a la ciudad. Política que consiste en disponer de obeliscos
egipcios en partes de la ciudad como San Pedro para situarse, contacto visual. 1590 obelisco de San Pedro,
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participaron unas 800 personas, 150 caballos… anivelando las montañas y valles. Santa María Maggiore, san
Giovanni Laterano, San Pietro y Santa Trinità dei Monti.
- MONARQUÍA
Concepto el rey es solamente verdaderamente rey en imágenes. No es representación, es una presencia
real. Cualquier imagen del rey quiere decir que el rey está presente.
- NOBLEZA
También pero como promoción. A exhibir su concepto de coleccionismo, como distinción social, que sigue
siendo símbolo de poder. Por ejemplo: colección pinturas archiduque Leopoldo Guillermo. Como hacer publicidad
del poder económico e intelectual.
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1.4. LA CIENCIA Y EL BARROCO. LA ÓPTICA Y LA CULTURA VISUAL DEL BARROCO:

MICROSCOPIOS, TELESCOPIOS Y CAMERA OBSCURA
Comienza a coger fuerza la revolución científica: pasos que dan lugar a ciencia moderna, experimentación,
deducción, investigación… comprender el mundo a partir de principios científicos.
Imágenes que hablan de una concepción del mundo: vida eterna tras la muerte, pensamiento religiosos de
que el fiel tiene que preparar su alma para el más allá. Moldea la vida de las personas. El concepto de
revolución científica va cambiando esta idea. Encaminada a comprender la figura de Dios. Aunque son
científicos son religiosos, siempre se piensa que detrás de todo está la figura de Dios. Cuanto más
comprendemos el mundo más cerca de Dios estamos. A veces se contradicen las verdades de la Biblia.
Cambios en la forma de mirar -> microscopios, telescopios y cámara oscura. Instrumentos para ver. No
son elementos científicos o auxiliares de los pintores sino que permiten ver diferentes cosas. Con el barroco
coge más fuerza: luna, planetas… etc. Cambia la forma de ver la realidad. Cultura visual: para conformar
nuestra mirada, que depende de muchas cuestiones como sociales, etc. Mirada fisiológica no cambia desde la
antigüedad hasta el día de hoy. Lo que cambia es la construcción cultural de la mirada, que en casos pueden
depender de tecnologías como las nombradas.
El microscopio y telescopio son una ampliación de lo que se podía ver. Uno de los personajes
fundamentales de la ciencia en el barroco es Anton Van Leeuwenhoek (1632-1723). Padre de la
microbiología. Era comerciante de telas pero utilizaba pequeñas lupas para ver con más detalle cómo los
hilos formaban la tela. Comienza a observar bacterias, microbios… arcana naturae: secretos de la naturaleza.
Es el primer ser humano que comienza a observar espermatozoides, también comienza a cuestionar algunos
principios de la naturaleza. Por ejemplo cómo se reproduce un animal. Robert Hooke, inglés, utiliza un
microscopio más parecido al nuestro. En 1665 publica descripciones fisiológicas de pequeños cuerpos.
Primera vez que se ve por ejemplo pulga. Siempre piensan los 2 que detrás de estos cuerpos está la figura de
Dios. Experimentaciones basadas en unas ideas del método científico. Hasta en ese momento la ciencia se
basaba en el método deductivo y el pensamiento filosófico (razonamientos filosóficos). Ahora pruebas,
evidencias.
Revolución científica a partir del telescopio -> astronomía -> gran revolución
copernicana. Con las investigaciones de Copérnico cambia la concepción del universo:
que está estructurado con el Sol como centro, que cuestiona toda la tradición previa de
geocentrismo, era filosofía. La Iglesia nunca lo aceptará y algunos libros fueron
prohibidos. Idea de que la Tierra ya no es el centro del universo -> crisis del
humanismo renacentista (antropocentrismo). Sistema heliocéntrico = cambio de
paradigma. Imagen del universo diferente. Segundo gran protagonista astronomía es
Johannes Kepler, que estudia el movimiento de los planetas alrededor del sol. Según
tradición aristotélica = circulo (forma perfecta). Llega a la conclusión de que los planetas realizan un
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movimiento elíptico. Choca con lo anterior porque la elipsis no es perfecta como el círculo, que era Dios.
Cuestiona la perfección de Dios. Él llega a las conclusiones pero es cristiano. Bernini, San Andrés del
Quirinal, 1658, bóveda elíptica. Asunción de la Virgen, Ludovico cardi. Imagen de la Inmaculada, media luna.
Galileo y la Luna: estudia y publica sidereus muncius (mensajero de las estrellas). Observación de la Luna,
imperfecta, cráteres. Primera vez que la Luna realista aparece en un cuadro y
encima con la virgen. Estas observaciones llegan al ámbito del arte y se observa
como los artistas se interesan por la ciencia. Estudio del cuerpo humano:
sangre, como sale, diferencia entre Caravaggio y Artemisia. Habla de los
conocimientos científicos, las relaciones con la ciencia y como pueden llegar esas
observaciones al arte.
Se cuestiona una tradición milenaria, que la Biblia no tiene la respuesta a todas
las cosas y prevale la observación directa -> listado de libros prohibidos que la iglesia considera heréticos.
Mayoría científicos, que se mantienen incluso hasta el s. XIX. (índice de libros prohibidos, 1564).
Cambia la imagen del cielo y el universo. Dios comienza a desaparecer en las explicaciones. Gran crisis que
comienza la elipsis, porque los planetas no se mueven de manera perfecta. Poco a poco se estructura más
claro el estudio de la realidad por parte de la ciencia. Descartes: pautas más claras del método científico.
Como llegar a conclusiones a través de pruebas y evidencias. Como llegar a verdades que no se pueden
refutar. Pascal: compendio de su pensamiento hace descripción de como él siente que se encuentra en un
universo nunca se acaba, infinito = crisis existencial. “yo no sé quién me ha puesto en este mundo”. “qué es
el mundo”. ¿Cuál es nuestra posición en el universo?.
Otro instrumento utilizado sobre todo por los artistas es la camera obscura:
principio óptico, en una caja cerrada, si en uno de los lados se hace una
pequeña obertura, la luz hace que la figura se represente de manera óptica en
la pared. Aristóteles y árabes hablan de ella. Objeto utilizado por los pintores,
les proporciona una reduplicación de la realidad. En algunos casos no hay
prueba documental de que la utilizasen, aunque es probable que todos algún
instrumento óptico. Tratado perspectiva de Daniello Barbaro -> como se utiliza.
Existencia cámaras oscuras portátiles. Cuadro de la vista de Delft de Vermeer.
Canaletto, posterior, pero son dibujos de una iglesia hechos con cámara oscura.
Utilización maquinas el prestigio de que el artista es intelectual puede estar en
peligro. Charles van Loo, la familia del artista.
1.5. COLECCIONISMO Y GABINETES DE CURIOSIDADES

Concepto de conocimiento totalmente diferente. Concepto de cámara de maravillas -> estancias que los
monarcas/intelectuales tenían para coleccionar objetos curiosos y fantásticos. Wunderkammer. Como se
hace esta colección? -> idea de la curiosidad. Objetos que al creador le han interesado. Principio de
curiosidad.
Objetos:
- Las naturalia: objetos especiales y de los más demandados eran las composiciones de corales. Cruz de
coral, protector contra el mal de ojo. Del mundo animal, copa de cuerno de
rinoceronte. Sexual, vigorosidad del animal se pasa por la copa. Cuerno de
unicornio.
- Bezoar: piedra que se forma en el estómago de las vacas o cabras. Objeto
mineral y animal. Tráfico ilegal y falso en el s. XVII documentado.
- Artificialia: mecanismo interior, se le da cuerda, con cajita de música.
- Scientifica:
- Exótica: las categorías pueden ser mezcladas.
Después, con la ilustración, todo esto desaparece, son supersticiones.
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1.6. VISUALIZANDO LOS AFECTOS: PASIONES Y EMOCIONES.

Lo que una persona siente se puede representar con expresiones del rostro,
formulas corporales… = fisionomía. La forma de mi cara puede decir mi
carácter. Idea comienza con Gianbattista della Porta. Interior del ser humano se puede
estudiar a partir de las características exteriores.
Pasiones: estado de ánimo o emoción temporal. Tratados en los que hay convención de
cómo representar las pasiones del alma: admiración, deseo, veneración…. Caravaggio
rostros expresión muy definida. Santa Teresa de Bernini, alma condenada al infierno,
Zumbo.
23/02/2022
TEMA 2: ITALIA
2.1. LA CULTURA VISUAL EN LA PENÍNSULA ITALIANA DEL SIGLO XVII

Hacia finales s. XVI, Roma será la ciudad en la que tendrá lugar una renovación artística, de representar en
la pintura, protagonizada por Caravaggio y los Carracci. Incorporan novedades a la pintura y abren el
camino que después será continuado, imitan su manera. Novedades en Roma pero ni Caravaggio ni Carracci
son romanos. Caravaggio del norte de Italia y los Carracci de Bolonia.
En el s. XVI Italia era un compendio de estados independientes. La Iglesia, no estaba solo en Roma, sino que
ocupaba los estados de la Iglesia, que llegaban hasta el norte de Italia. Se mueven por los territorios en
función de los encargos.
¿Cómo es la forma de pintar previa a esa renovación artística? La segunda mitad s. XVI se dice que es
manierista, características muy intelectuales, no es sensorial, El Greco por ejemplo. Finales del s, XVI entra
en crisis por las nuevas directrices tras el Concilio de Trento. Bronzino, Parrigianino (virgen del cuello
largo), Pontormo, Primaticcio … manierismo estilo que no puede dar respuesta a las exigencias del Concilio
de Trento porque es artificial, alejada del naturalismo. Con esta crisis, la pintura barroca propondrá unos
caminos diferentes basados en el realismo.
Tenemos las directrices del Concilio de Trento y los escritos de los eclesiásticos, fundamentales para
entender como es la pintura barroca. Palleoti: comparando una pintura con un sermón. Una pintura barroca
debe ser como un teólogo. Mediante el realismo. A partir de Caravaggio identificaciones populares para
expresar dogmas e ideas cristianas. Pensamiento de que a través del realismo las ideas llegaran mejor. Que
las imágenes sean tan verosímiles que parezcan la realidad. Cuestiona los límites entre la realidad y la
ficción. Cesare Baronio: la pintura de tema sagrado debe ser accesible a todos. Deben poder interpretarlo. El
manierismo no es accesible a todos.
→ CARAVAGGIO
Figura fundamental tránsito s. XVI al XVII. Aportación basada en las ideas del naturalismo/realismo, que
los textos pedían a los pintores + la iluminación contrastada. Trabajaba muchas veces en una bodega, la
luz venía desde arriba que permitía este gran contraste, gran trabajo de la profundidad. No es tenebrismo.
Giovanne Baglione dice que era un hombre satírico y orgulloso, que a veces hablaba mal de otros pintores
porque él era mejor.
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Llega a Roma y sus primeras obras son muy características porque se cree que son
autorretratos en representaciones mitológicas o bodegones. Pinturas allo spechio:
reflejar su imagen bajo la imagen de Baco por ejemplo. Representaciones
de frutas posible sentido erótico.
Niño mordido por lagarto: anecdótica?, Caravaggio se trataba de medir con otros pintores, no
es típico, pero documentada la pintura de Sofonisva Amisola, un niño mordido por un
cangrejo. Probablemente él conocía el dibujo, manera de afrontar un problema: cómo
representar las emociones. Se dice que hay significado erótico. Peleas de erótico, alusión a
morder un dedo, alusión a la castración. Casi sin ropa…
En estos momentos Caravaggio está construyendo su lugar como pintor.
Temáticas vinculadas con cualquier suceso de Roma, las buenaventuras, en
el mismo año: figura gitana leyendo la mano a alguien de la calle. Leyendo la
mano, caballero bien vestido, se están mirando con seducción, él está halagado.
En realidad le está robando un anillo. Ambiente que Caravaggio conocerá bien.
Él vivirá en algunos palacios de los cardenales pero a la vez se mueve en la
vida cotidiana de Roma. Encontraremos en su pintura la incorporación de la
Roma del s. VII en pinturas religiosas. Esta pintura consiguió mucha fama.
Los intelectuales cuando se reunían en esos palacios observaban las obras y
las comentaban.
Otro cuadro: jugadores de cartas, engaño. Chico de buena posición. Gracias a la
gestualidad que dispone Caravaggio en la pintura vemos que le está
engañando. Se comunican con señas. Guantes desgastados: para hacer un
agujero y con el tacto saber que carta tiene la otra figura o están cogiendo
ellos mismos.
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Protección del cardenal Francesco María del Monte. Era habitual que protegiesen /contratasen a pintores,
que vivían en sus palacios y les hacían encargos. Especies de asalariados. También le posibilitará recibir
otros encargos. Manutención en el palacio, contracto donde se estipula qué debe hacer el pintor y qué le
ofrece el cardenal. Gracias a esa protección, están rodeados de un ambiente cultural: discusiones filosóficas,
teológicas… permite al pintor dialogar en las tertulias intelectuales.
Una de las primeras obras que le encargó es la del:
- Descanso en la huida a Egipto, 1597.
Plantea una novedad frente a esta tradición pictórica porque representa
un elemento que no aparece mencionado en la tradición bíblica = el ángel.
Se le aparece a San José en un sueño pero aquí aparece cuando están
descansando, en medio de la pintura, de espaldas, tocando = representa
una aparición que no se cuenta en ningún momento, para reconfortarles.
Licencia que se coge. Partitura real de una pieza del s. XV de Bauldewin.
Barroco momento cultural que se desarrolla el concepto de arte total,
posibilidades sensoriales. Escuchar la pintura. Cultura barroca transmitir
sus ideas de una forma multisensorial. Magnificar como sentimos las
cosas. La figura de la Virgen es muy parecida a la figura femenina que
representa a María Magdalena (muy recuperada a partir del Concilio de Trento por abandonamiento de una
vida pecaminosa anterior, arrepentimiento). Además no va vestida contemporánea de Cristo, sino del s.
XVII. Temática bíblica que tiene sentido en el s. XVII para defender la fe católica. Collares que hacen
alusión a la vida que abandona María Magdalena. Esta representación fue criticada por sus contemporáneos.
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- CABEZA DE MEDUSA
Regalo del cardenal al gran duque Fernando I Medici, duque de la
Toscana, Florencia. Juega con la historia mitológica de Medusa.
Es un escudo. Serpientes son víboras típicas de Italia, cerca del
Tíber, propia tradición local para representada. Relación con la
posición política de los Medici en esos momentos. Sentido
alegórico. Otra figura de medusa, de Cellini, escultura
interpretada con la tensión de los Medici del s. XVI. Los Medici
son como Perseo y sus enemigos son Medusa. Ponerlo en el
espacio público demuestra el triunfo de los Medici. Esta misma
idea se traslada en el regalo al duque. El duque cuando cogiese el
escudo de convertirse en Perseo. Estas interpretaciones son del tipo que se
discuten en las tertulias.
Representación de figuras de martirio como santa Caterina o de jwnekfwkn
como Judith decapitando a Holofernes. En las dos Caravaggio misma
estrategia de episodios del pasado en la Roma del XVII. Encajan bien
propuesta contrareformista. Mujer partirizada, destacadas figuras tras
concilio. Judith = ejemplo de defensa de la feejemplo de cómo se debe defender
la fe católica en el contexto.
→ CAPILLA CONTARELLI
Gracias a la protección del cardenal, es cada vez más reconocido y recibe el
encargo de las pinturas de la capilla Contarelli en San Luigi dei Francesi. Ahora
encargo público, no como antes. Ahora todos pueden ver su obra. Iglesias
nacionales = las comunidades de otros territorios tienen un lugar que actúa como
un espacio de congregación. San Luigi dei Francesi = especie de embajada
francesa. San Antonio de los Portugueses y Santa María in Monserrato de los
españoles. La capilla Contarelli para el entierro de un cardenal francés. Los más
relevantes son La Vocación de San Mateo y el Martirio de San Mateo. Los 2
episodios fundamentales de la vida de San Mateo. En el centro San Mateo con el
ángel.
- Vocación
Evangelistas son los que hacen la conexión entre la vida terrenal y la celestial, los que ponen por escrito la
palabra de Dios, normalmente representados en las pechinas. Atributo = ángel. Pintó uno que no les gustó.
El ángel le coge la mano y escribe como concepto de inspiración, el ángel estaba al lado, en el nuevo está
arriba. El texto que pinta Caravaggio está escrito en hebreo, discusión entre protestantes y católicos. La
Iglesia católica defiende que los originales eran en hebreo. Evangelio
de San Mateo comienza con la genealogía de Cristo. Contrato de
Contarelli que le dice lo que tiene que pintar en el de La Vocación.
San Mateo recaudador de impuestos y Cristo se dirige a él y le
encarga seguirle, él deja su vida como recaudador del Imperio
Romano. Luz = inspiración Mateo para seguir a Cristo. Cristo y
San Pedro de época pero el resto de siglo XVII. Sentido
propagandístico contemporáneo, seguir a la Iglesia cristiana.
También se piensa que es como vestirían los que viven en el palacio.
Función pedagógica, San Mateo deja su vida para seguir a Cristo,
vocación seguir a la Iglesia, que se traslada a la cultura barroca.
Salvación en Cristo, Iglesia mediadora, Cristo está construyendo su
Iglesia.
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Pictura poesis: pintura debe utilizar recursos para reforzar su mensaje y que llegue a los fieles. Hablar sin
palabras, gestualidad, manos. Fórmulas, disposición manos y cuerpos + representación emociones. Mano
igual que creación de Adán, lo quiere superar, al revés.
- El martirio
Soldados moda contemporánea que matan a San Mateo. Centro una figura con una espada. Tema por
excelencia. En principio pintó más figuras. Lo que está representando en función de la vida de San Mateo ->
después de convertirse en seguidor de Cristo se dedica en convertir
a infieles a la muerte cristiana. Muerte mientras bautiza a gente.
Antes era por inmersión. Están en la pila bautismal. Los que van
desnudos son los que van a bautizarse. Muere defendiendo la fe
cristiana. En las recomendaciones de cómo hacer iglesias,
Borromeo escribe que deben tener la pila. En el norte de Italia sí
que era habitual, recomendada por los obispos. En Roma no hay
ninguna piscina bautismal. Comparación de la piscina con un
sepulcro, porque se muere una vida para nacer a otra. Forma
octogonal idea de renovación cíclica, creación del mundo en 7 días,
vida comienza en el 8º. Ángel baja del cielo para darle kefnekjr.
Figura del propio Caravaggio, especie de firma. Figura que iba a
bautizarse que le quita la espada y está intentando ayudar a San
Mateo.
Cardenal que se dedica finanzas del Vaticano. Episodio de vocación hace referencia a la conversión del
cristianismo del rey de Francia, Enrique IV, 1593, París me vale una misa???. La Francia protestante tiene
un rey que se convierte al catolicismo LOL.
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→ CAPILLA CERASI
En el 1600 encargo de hacer las pinturas de la Capilla Cerasi: capilla privada para el entierro de un miembro
de la iglesia y que le encarga las pinturas para adornar, que está en la Iglesia de Santa María del Popolo. Los
peregrinos que entran por la puerta de Roma en la Piazza del Popolo la tienen muy próxima. Caravaggio
pinta las laterales. Central es de los Carracci. El propietario es Tiberio Cerasi y hace el encargo poco antes
de morir. Temática diversa a la Contarelli con San Mateo. Temáticas vinculadas con la defensa de la
contrareforma de los ideales católicos. Busto observando su capilla. Conversión de San Pablo y Martirio de
San Pedro. Tienen que ver con la defensa de la iglesia católica.
San Pablo: dejar paganismo convertirse y morir defendiendo la
fe. Elección acordada por el propietario, se elige a San Pedro y
San Pablo, permite a Caravaggio dialogar con otros maestros
de la tradición. La representación conjunta de estos 2 episodios
no es habitual. En Roma las temáticas fueron representadas en
la Capilla Paolina en San Pedro del Vaticano, por Miguel Ángel:
mismas temáticas pero diferente, por ejemplo -> San Pedro
crucificado al revés, San Pablo en el momento de la conversión,
Cristo en el cielo lanzando una luz y se cae del caballo.
- Conversión san pablo
Hizo uno que no le gustó y se sustituyó por otro. Comparten la luz cegadora etc.
Nuevo todo organizado sobre la luz que es la que provoca la conversión. En los hechos
de los apóstoles, capitulo 9. San Pablo lo que hacía era perseguir cristianos. (antes
simón). Contraste muy fuerte luz y sombra encaja muy bien en la propuesta pictórica.
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- Martirio de San Pedro

Mismo martirio que Cristo pero como él considera que no es lo mismo lo
crucifican al revés. Son 2 principales apóstoles de la Iglesia católica, las más
relevantes, por eso las elige para su capilla. Piedra: relevancia de estos apóstoles en
la difusión de la fe cristiana, lo que Cristo le dice a San Pedro antes de su muerte, le
dice que sobre esa piedra edificará la Iglesia. Pedro es la piedra de la iglesia porque
es el primero. Pedrus = piedra. Según la tradición San Pedro es martirizado en el
Circo de Nerón, donde ahora está el Vaticano. Otra tradición dice que fue
martirizado en otra colina, san Pietro in Montorio, mausoleo, embajada de España
en Roma.
Otras pinturas de Caravaggio:
- CENA EMAÚS
Cristo ya ha muerto y ha resucitado, 2 de los apóstoles del
Evangelio de San Lucas se encuentran con esta figura y se
quedan con él. Entran a cenar en una taberna y cuando se puso
en la mesa cogió el pan, dijo la bendición lo partió y se lo dio.
Reconocen que es Cristo y en ese momento desaparece.
Momento eucarístico. Justo el momento en el que se dan cuenta
de que es él. Que había muerto hace 3 días. Posición corporal
para representar el momento en el que se dan cuenta. Brazos
abiertos de sorpresa y alude a crucifixión + tabernero
sospechando, etc. Defensa de la eucaristía. Pequeños detalles de
tradición cristiana: sombra de la cesta de fruta, parece un pez = enigma visual. ver más allá de las
apariencias, se dan cuenta de que es Cristo. Pez reservado a aquellos que pueden ver más allá de la imagen.
Mundo paleocristiano, cristianismo perseguido, símbolos que utilizaban para reconocerse. Uno de ellos era el
pez. Pez en griego = igzus. Acrónimo de Jesucristo hijo de Dios el salvador. Referencia a Miguel Ángel por
los brazos, sobre todo el izquierdo igual del Cristo.
- DUDA DE SANTO TOMÁS
Defensa eucaristía, experiencia sensorial. Barroco multisensorial.
Interpretación erótica?.
- AMOR VICTORIOSO
Vicenzo Giustiniani, representa figura Cupido sonriente y vencedor
sobre unos objetos que son los placeres, la música, el conocimiento, las
armas, el poder. “en el acto de menospreciar el mundo”, cosas terrenales.
Descripción de un viajero de cómo se exhibía el cuadro, personaje holandés:
con otros 120, público, cubierto con una cortina de seda verde oscura,
oculto, porque es un fresco (fresco de que va un poco ligerito de ropa).
Pintura apreciada como la mejor de la colección. Alas negras.
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En una sala en la que este personaje colecciona otras obras y esta estaba
oculta. Desde el punto de vista formal, diálogo pictórico con Miguel Ángel
(ignudi), postura de las piernas. Relación mucho más personal con el
comitente. Elementos que reproducen la v. imagen de tipo emblemático.
Personalidad presente en diversos elementos. En la partitura, comienza
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con una v. no solo está presente de esta forma sino que las alas negras de la figura del amor inspiradas en el
escudo de Vicenzo, águila con alas negras. No es tanto una representación de la figura de cupido sino de
Vicenzo a través del amor, sobre la música, el poder, etc. Amor es victorioso sobre todas las cosas. Titulo
referencia Omnia Victi amor: el amor todo lo vence. Tópico que se encuentra en otras pinturas
contemporáneas como la medalla de Leonello d’Este, s. XV. Se sucumben al amor. Cara = cara + cruz = algo
que representa la filosofía de vida. Figura del amor que enseña cantar a un león (Leonello). Otros ejemplos
del amor intentando dominar al león. A mediados del s. XVI un inglés (Richard Symons) encuentra la
imagen y la describe: representa a Francesco Boneri, Checo di Caravaggio, amigo suyo, “que se acostaba con
él”. Su relación con la parte más “bohemia” de la ciudad.
- ENTIERRO DE CRISTO
Otros encargos que intensifican un detalle… imagen del Entierro de Cristo,
criticada por la proximidad de los pies. Los pies salen mucho y salen sucios.
También en la Madonna del Loreto. En los sermones contemporáneos había una
asociación entre los pies y los pobres. Caravaggio conecta con la gente. No es una
pintura sólo para la élite. Los pobres son la parte última de la Iglesia como los pies
son del cuerpo.
- MUERTE DE LA VIRGEN
Santa Aria de la escalera en Roma. Fue polémica. El cuadro representa… según la
tradición cristiana se duerme, no muere. Se combina el ámbito terrenal con el
celestial. Él representa una muerte verdadera. Polémica porque el modelo femenino
para esta Virgen fue el cuerpo de una mujer ahogada que apareció en el Tíber: un poco
inflado, pálido, etc. La retiraron de la Iglesia. Encargaron otra dormición de la Virgen a
Carlo Saraceni.
2.2. LOS HERMANOS CARRACCI Y LA PINTURA ILUSIONISTA

Pintura ilusionista, muy utilizada en la Roma barroca. Apuesta entre los límites de la realidad y la ficción
quedan muy diluidos. Fusión y confusión de realidad y ficción. 3 hermanos pintores que vienen de Bolonia.
Después llegan a Roma. Finales s. XVI principios del S: XVII + Caravaggio = renovación de la pintura.
Annibale Carracci es el que más fama tuvo, el cabecilla de los hermanos. Comienzan la academia dei
desiderosi / degli incaminanti, donde quieren enseñar su pintura, primera academia de bellas artes. Deseo de
las personas por aprender, encaminados a aprender. Predomina la combinación del clasicismo ideal con
naturalismo (realismo).
→ DECORACIÓN PALACIO FARNESE (1598-1601, contemporáneo capillas Caravaggio)

Annibale solo. Se encarga de decorar el Camerino Farnese en la bóveda. La temática que elige es las historias
de Hércules y Ulises, temática mitológica. Temáticas cristianizadas, ejemplos de héroes que destacan por
su virtud. Figuras grandiosas, gestualidad dramática, inspiración en la antigüedad y en figuras del
renacimiento como Rafael y Miguel Ángel.
- Hércules entre la virtud y el vicio.
Momento de su juventud en el que se ve en un cruce de caminos: la virtud o el
vicio, elección moral. El camino del vicio, mujer desnuda, placeres, el suelo con
flores es atractivo pero después acaba mal (mascaras del engaño). El de la
virtud al principio difícil (hay que subir) al final está el éxito. palacio de la
familia de los Farnese, Hércules Farnese porque la compraron ellos, interés en
la figura de Hércules. El episodio está en Jenofonte, Hércules Prodicus/ en el
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cruce / la elección. Vicio: ropa que deja ver el cuerpo, ojos abiertos de par en par, apariencia de más blanca…
comparación con Niccolo Soggi, 1550. Se cristianiza, lectura moral de la elección. Lactancio. Y griega, 2
caminos, moralización del alfabeto, Y pitagórica. San Isidoro de Sevilla sobre la y griega: trazo inferior es
la primera edad y luego se bifurca. Esa idea conecta también con la tabla de cedes, antigua alegoría que
habla que la vida es como un caminar. Cuando entramos en la vida nos dan a beber un líquido que nos
engaña, que hace que no sepamos que camino coger, hemos de saber elegir correctamente. La oca está
inspirada en la tabla de cebes. Juego de la oca s. XVI.
- DEI AMORI
Otra decoración es la galería Farnese. Representa los amores
de los dioses. Temáticas vinculadas con las escenas de
amores de los dioses. Quienes pensaron en la temática,
cardenal Odoacro Farnese y humanistas como Agucci o
Fulvio Orsini. Temática inspirada en 2 textos de Ovidio: “el
arte de amar” (con episodios mitológicos) y “metamorfosis”.
Se escoge este tema porque se quería celebrar un enlace
matrimonial, teoría humanista de las artes, concepto de
decorum. Encargo a Annibale. No tiene experiencia de toda
una decoración. En Bolonia había hecho en interior de
palacios pero eran solo frisos, no todo el techo. Modelo
Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Imagen central representa
el amor de Baco y Ariadna. Representa el primer encuentro entre Baco y
Ariadna según la tradición mitológica. Ariadna estaba en el laberinto del
minotauro y Perseo se la lleva. La deja en la isla de nachos y se va, la deja
abandonada. Representa el momento en el que Baco aparece con todo su
sequito y se enamoran. La primera mirada de Ariadna a Baco, aún dolida.
En el momento en el que se juntan, Baco le regala la corona. Cuando ella
muere la corona la pone en el cielo y será la constelación de la corona
borealis, la otra tradición dice que la lanza al conocerla. Catasterismo ->
mitología en astronomía. Carracci se inspiran en sarcófagos clásicos,
representación del triunfo romano.
2.3. LA PINTURA ILUSIONISTA

Aquí pintura ilusionista, crear la ilusión de encontrar una cosa en
lugar de otra. Primer ejemplo, quadratura = pintura ilusionista,
Villa Farnesina, Peruggi. Trampantojo.
El siguiente ejemplo es en la Sala Clementina del vaticano.
Arquitectura ilusionista de que está abierto al cielo. Combina la
quadratura con quadri riportati = dar sensación en una bóveda que
has colgado un cuadro. Pintar una arquitectura que de la
sensación que kejfnesjk. Que no sepas lo que es pintura y lo que
no.
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- AURORA, GUIDO RENI
Pintura ilusionista. Poco después de las pinturas de los Carracci, otros ejemplos de quadri riportati en techo.
Cuestión ilusionista trabajada en la temática, la de abrir una ventana en el techo para ver la aurora cada
mañana. Aurora: figura alegórica que precede a la luz del Sol. Antes esta hay un niño con alas que trae a luz
(phosphorus en la tradición clásica). Phoros = que lleva algo. Los de detrás bailando, el tiempo en movimiento,
el día comienza cuando llega Apolo. Temática clásica y representación con un lenguaje clásico. Misma
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temática en roma otra obra -> Palacio Ludovisi, “Il Guercino”: idea quadrattura por Agostino Tassi (ósea es
el que pinta la arquitectura). También un poco el quadri riportati pero ya no hay marco. Representación más
ilusionista, continuidad arquitectónica, la arquitectura se abre al cielo. Igual pero sin el carro de Apolo.
→ PALACIO BARBERINI
Ejemplos más paradigmáticos y relevantes de la pintura ilusionista del barroco: PALACIO BARBERINI.
Familia muy importante barroco, Maffeo Barberini -> Urbano VIII. Promotores artes pero se hace una
actitud ante las antigüedades a partir del expolio. Desaparecieron muchas cosas. “lo que no hicieron los
bárbaros, lo hacen los Barberini” derribar, robar, etc.
- TRIUNFO PIETRO DA CORTONA
En la sala principal, Pietro da Cortona, triunfo de la divina providencia. Reflexión
límites entre realidad y ficción. Concepto quadrattura. Sugerir obertura al cielo.
Alegoría complicada inspirada por el poeta Francesco Braciolini, exaltación a los
Barberini. No se conserva los documentos pero hablaron con el poeta. La familia
representada con el escudo familiar, las 3 abejas con corona de laurel, alegoría de
exaltación centrada en Maffeo Barberini, pero glorificación de toda la familia. La
figura de la divina providencia. Debajo saturno, cronos, el tiempo. Tiempo
cíclico, devorando a sus hijos. Guadaña por los campesinos pero no es la muerte.
Las moires, la vida, hilo que las 3 mujeres están hilando. Cuando lo cortan nos
morimos. Concepto de tiempo, eternidad, representación de tronos y la vida por
las parcas. La providencia por encima de las figuras triunfa sobre el tiempo. La
divina providencia, dorada, está pidiendo una intercesión a la inmortalidad,
pidiéndola para los Barberini. Triunfar sobre el tiempo, no morir nunca. Las llaves
de San Pedro -> papa + laurel como vinculación al triunfo. Se trata de
representar las glorias poéticas del Papa Urbano, coronar al papa, como poeta
triunfador. Se corona a los Barberini de dos formas, con la inmortalidad y la de los
poetas, parte superior, niño con corona de laurel.
- IL GESÚ, GAULI
Jesuitas fundamentales defensa dogma católico. 2º mitad s. XVII recibe decoración
bóveda central, Giovani Battista Gauli. Bóveda no está completamente pintada.
Elementos arquitectónicos son arquitectura real, lo que es abierto es pintura. El
triunfo del nombre de Jesús. Exaltación jesuitas. Representado con la forma
luminosa, especie de ostia consagrada, cuerpo de cristo, se ve que pone la ihs y la
cruz.
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- SAN IGNACIO, ANDREA POZZO

Iglesia de san Ignacio, Roma. Andrea Pozzo. Figura muy interesada sobre las matemáticas, escribe un
tratado de perspectiva. Pintores con mucha formación. Intervención en la iglesia en 2 partes: primero la
cúpula y después la nave central. Pinturas ilusionistas las 2. La cúpula no existe, es pintura. Alegoría de la
acción misionera de los jesuitas, encargados de difundir la palabra y jrefne el mundo de la iglesia católica. en
el centro esta la figura de san Ignacio que recibe de Jesús el rayo de luz que llega a su cuerpo y se difunde en
4 puntos, representación de la difusión de la palabra de dios, que ha de hacerse a nivel mundial. Se representa
con alegorías de los cuatro continentes. Cada continente con sus atributos y animales. Europa: con el caballo.
América: con el indio. Asia: dromedario. África: cocodrilo. Como estudio de perspectiva en el tratado de pozo,
dibujo que explica los cálculos matemáticos para pintar esa bóveda. Trabajan con cuadricula.
2.4. ARTEMISIA GENTILESCHI (1593-1653)

Hija de Orazio Gentileschi, pintor. Artemisia asociada al caravagismo. No tuvo alumnos ni instrucciones
para pintar, concepto aplicado con posterioridad, como otros pintores imitan sus características. Orazio
conoce a Caravaggio y continuó en su línea. Artemisia tiene también esa forma caravagesca de representar la
luz.
- AUTORRETRATO COMO ALEGORÍA DE LA PINTURA
Alegoría de la pintura, autorretrato. Características propias de la alegoría de la
pintura de Cesare Ripa “Mujer hermosa, con el cabello suelto, largo y negro,
ensortijado de muy diversas formas y maneras, y cejas enarcadas (está concentrada),
mostrándose con ello sus fantásticos pensamientos y meditaciones”. Inscripción
imitatio (pintor imita). Ripa: defensa intelectualidad de la pintura, no manual.
Pintura disciplina noble -> se representa con una mujer bella. Como están siempre
pensando, los pintores son melancólicos. Cadena: idea aprendizaje, continuidad,
relación de una cosa con otra, de oro porque la pintura es noble.
Personaje peli, melancólico por su mujer, cuatro humores + oposición corte y
campo.
- SUSANA Y LOS VIEJOS
Susana y los viejos. Tradición cristiana. Episodio apócrifo, éxito en la tradición cultural, para hacer
alegorías. Susana un día va a bañarse y dos ancianos la quieren violar, se niega y se acusa al adulterio. El
profeta Daniel intercede y no es condenada por adulterio. Susana era una imagen de la Iglesia, atacada por
los judíos y los paganos. En el cuadro, concepto de placer esópico, placer de mirar a alguien, choque con el
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placer escópico (mirar), de los ancianos y el nuestro. Otras veces como

oportunidad de hacer una figura desnuda y destacar su sexualidad. Por
ejemplo Tintoretto, susana observándose y los viejos intentando verla. En
la tradición no se representa incomodidad. En artemisia sí. Agostino Tassi
viola a Artemisia Gentileschi, fue juzgado por ello. A partir de esa violación,
comienza a pintar temáticas que reflejan una posición de mujer atacada o
escoge mujeres con papel preponderante. Foco en la mujer. Radiografía del
cuadro de una primera pintura diferente. El padre quería que se casara con
ella, ella no quería, se la acuso de adulterio. Manera de sublimar el episodio
traumático de una persona. Posición de las piernas, Venus clásica en el
baño. Los brazos de Miguel Ángel en la expulsión del paraíso. Figura de
Susana desnuda porque va a bañarse. Antes asociada al erotismo. El
concepto de una figura desnuda no va asociada al concepto de erotismo
aquí sino al de verdad. Artemisia está explicando su verdad a partir de este
cuadro. Bernini y Ripa. Desnuda porque no necesita nada para brillar (luz
sobre la mentira). Pinturas posteriores, debilidad de la figura femenina, ya no
es cristianizada. Mismo tipo iconográfico pero trasladado a su biografía.
- JUDITH DECAPITANDO A HOLOFERNES
Otras temáticas mujer protagonista, ya no figura atacada, sino mujeres
fuertes de la Biblia, decididas, protagonistas. Como Judith decapitando a
Holofernes. Aquí más claro concepto de caravagismo. Seguidores que
imitan la manera de Caravaggio, pero no fueron sus alumnos. En el caso de
la Judith de Artemisia más verosímil como es decapitar a alguien, en
Caravaggio Judit solo con una mano, muy fácil. Determinación y fuerza de
las mujeres son lo que decapita a Holofernes, en Caravaggio es un
tratamiento más idealista. En el barroco idea de la copia muy presente,
éxito de unas tipologías que se compran y encargan. Susana Judith, María
Magdalena… las repite.
Linda nocli? Grandes mujeres artistas
Reflexión concepto realidad: recomendaciones contrarreforma, pinturas deben ser claras y pedagógicas vs
manierismo excesivamente intelectual. Lenguaje realista pintores del XVII encaja perfectamente.
Caravaggio, interés por realidad, temáticas antiguas según moda s. XVII, historias del pasado en la Roma
contemporánea. Ejemplo virgen pintada a partir de un cadáver real. Imitatio, representación realidad.
Tampoco hay que juzgar la habilidad de un artista solo por su habilidad por imitar la realidad. Mimesis no es
voluntad de hiperrealismo, sino contar historias.
La rosa purpura de el Cairo, Woody Allen. Mecanismos para romper la barrera entre la realidad y la ficción. Por ejemplo las figuras
que miran en el cuadro. Barroco es una anticipación de los tiempos modernos. Lo que cambia es la tecnología -> fresco – realidad
virtual.
09/03/2022
SESIÓN DIVERSIDAD SEXUAL: RIBERA Y LA HISTORIA CULTURAL DE LAS MUJERES BARBUDAS
José de Ribera, 1631, pinta el cuadro la mujer barbuda: mujer italiana que estaba casada, con hijos, momento
en el que da de mamar a uno de ellos, hombre detrás suya. Después de su maternidad le crece la barba.
Pilosidad. Elementos masculinos y femeninos en la misma figura. MAGNU NATURA MIRACULUM (tema
cámaras de maravillas, curiosidad, naturaleza, milagro). Cuadro encargado por el virrey de Nápoles,
Fernando afán de ribera. Fue utilizada en la corte como una figura sorprendente que se mostraba como
curiosidad para los viajeros etc. Otras mujeres representadas con un “exceso pelo”.
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Santas peludas como maría magdalena. Estancia en el desierto = mujer salvaje = cuerpo de pelo, animal.
Este tipo iconográfico la contrarreforma lo evita, fue criticado por los protestantes. Primer ejemplo de una
mujer peluda. En algunos evangelios apócrifos maría magdalena cambia de sexo. En el apócrifo de tomas:
Simón de pedro = san pedro se queja d que entre los apóstoles no puede haber mujeres, quiere convertirla en
un macho. Dualidad de género. Cristo la convierte en un hombre.
Santa wilgefortis / santa librada: mujer crucificada. Su padre quiere casarla con un hombre y ella no quiere.
Le pide a dios que le desfigure la cara -> dios hace que le crezca la barba. Martirizada por negarse a casarse
con un hombre pagano. Dona barbuda de tradición cristiana. En Portugal hay mucha tradición.
Barbudas en la corte: formaban parte del entretenimiento de la corte. Mujeres famosas como Brígida del Rio,
barbuda de peñaranda. Invitadas a la corte para ser exhibidas, figuras con deformaciones. Elemento de
entretenimiento.
Otras referencias, un retrato de niña peluda, mujer barbuda con un macaco a los pies. Elena Antonia, mujer
del ámbito del centro de Europa pero con buena posición social, participan de discusiones tertulias etc. Goya
hace un dibujo inspirado en magdalena jefbjk.
También entran en el concepto de la monstruosidad. En los libros que hablan de curiosidades y maravillas de
la naturaleza, se hablaba de deformaciones del cuerpo, problemas de nacimiento… formaba parte de libros de
monstruos. Por ejemplo, el de Ulisse Aldrovandi, MONSTRUORUM HISTORIA -> puella pilosa.
Caracterizada la niña como un monstruo. Gentes de placer = entretener al monarca.
A lo largo de la historia, esos cuerpos que provienen de los márgenes se traen al frente categorizándolo como
monstruoso y para la diversión.
Qué significa una mujer barbuda?
Refranero, mujeres barbudas deben estar lejos de nosotros. Saludarla de lejos, figura peligrosa. La barba, qué
significa? En un hombre connotaciones positivas. Asociaciones de virilidad y honra. Es peligrosa porque se le
asociarán connotaciones de la lujuria, es varonil. A camino entre mujer y hombre. En un libro que habla de
condiciones interiores: que se deja llevar por sus placeres sexuales, complexión caliente. Otro libro: lo
mismo. Fuerte natura y varonil condición. Sin barba, tímida, vergonzosa, flaca, mansa y obediente. Barba
señal de poca honestidad. Artes diabólicas. Siempre características peyorativas.
“caliente complexión” -> teoría de los 4 humores = antigüedad clásica entiende que ña salud de nuestro
cuerpo depende de 4 humores de nuestro interior. Si hay equilibrio = salud. Si no = enfermos. Definen 4
complexiones: melancólico, kjdnfre el colérico y el jhbkfr. Se mantiene hasta comienzos s. XVIII. La
tradición médica. En función de la predominancia de uno de estos humores, seremos de una manera. Uno de
esos humores que en el hombre provoca la barba, en las mujeres provoca la regla. En otro libro de filosofía y
medicina: por qué los asexuales y mujeres no tienen barba? Hombres de complexión seca -> barba. Mujeres
complexión húmeda -> no tiene barba. Se asocia a las 4 puntos cardinales, 4 elementos, etc. Otro libro,
Alonso López de Corella: la naturaleza es sabia y da a los hombres la barba. De seca complexión, no tienen
regla y le crece barba. La mujer tiene barba -> deja de ser mujer y se convierte en un hombre. Hombres
barbudas, humor cálido, lujuria, condición masculina.
Hermafroditismo, otra posibilidad. Dualidad sexual. En la pintura de Magdalena kjfnkew hay un caracol. Las
mujeres barbudas en otros ejemplos, hermafroditismo. Ejemplo del “doble rostro”. Libros de emblemas:
explicaciones de imágenes, sentido alegórico de una imagen explicado -> mujer barbuda, Brígida del Río en
un libro español -> soy varón, soy mujer, soy tercero. Soy terrero: complexión seca, tierra, hombre.
Peligroso, “malagüero”, mal de ojo.
Mujeres barbudas también se asociaron al demonio. En la celestina, ella era barbuda, hechicera, astuta,
provoca lujuria. Cervantes: barbuda, vieja, hechicera. Donde puede ir una mujer barbuda, bosque rostro.
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Metamorfosis sexual, cambios de sexo sorprendentes. Plinio: cambio de sexo inesperado en una persona,
posibilidad, mujeres mudarse en hombres habitual. Nieremberg: mujer que casada y con hijos mejoró de
sexo. Habitual que fuesen las monjas. Cambio de sexo viene por cambio de humor.
Peludas maravillosas -> síndrome de ambras. Representación de manera curiosa, otra tipología de mujer
peluda. Hipertricosis congénita. Estos tuvieron buena posición social por su condición. Hijas de Petrus
gonsalvus. Maravillas.
Uno de los Carracci, arrigo el peludo, duda de si son animales o seres humanos. Barbara urselin, tocaba el
piano, hablaba en latín…
La continuidad de la mujer barbuda. Deja de ser una figura de exhibición en la corte y pasa a serlo en el
circo. Asociada a la monstruosidad de forma mas clara, y no monstruosidad curiosa. Película freaks, de Tod
Brownings. Eslabón perdido: figura que se exhibe en el circo, Darwin publica su teoría, a camino entre
animal y persona, etc.
Julia Pastrana, la mujer mas fea del mundo, concepto de exhibición diferentes. Deformaciones cuerpo y cara
con pelo. Cuando murió, al poco de nacer su hijo también con mucho pelo, los 2 mueren y el marido los
embalsama, exhibidos, se sigue aprovechando. Luego se vuelve a casar con una mujer barbuda.
Actual: Jennifer Miller, circo. Barba como elemento identitario y de orgullo. Conchita Wurst, ahora Thomas
Neuwirth. Januhairy. Amaia. Anuncios que juegan con las imágenes de mujeres con pelo en las axilas.
11/03
2.2. ARQUITECTURA EN LA PENÍNSULA ITALIANA EN EL SIGLO XVII
→ CARLO MADERNO
Fachada Basílica San Pedro del Vaticano. No se hace una demolición total de la basílica, comienza por el
ábside. Los pies se mantienen. Cuando Maderno recibe el encargo todavía se conservan los pies de la basílica
de Constantino. Entonces es cuando se derriba toda la parte previa. Planteamiento de planta centralizada
para rememorar la tumba de San Pedro. Por Bramante. Rafael vuelve a cruz latina. Miguel ángel vuelve a la
de cruz griega, a partir de ahí pensar como acabar el edificio. Hay elementos que no encajan muy bien en el
diseño. Alusión a la planta de cruz latina de la antigua basílica. Moderno plantea que la fachada tenga
relación con la plaza. Con la planta de cruz latina ya no hace referencia a el martirio, importancia que se le
da a la plaza, para las charlas del Papa. La fachada con Maderno se mantiene la tradición clásica. Este
diseño trata de que el edificio tenga una proyección hacia la plaza, para que al salir el Papa en la ventana del
centro para hacer las bendiciones. No se piensa como un lugar de acceso. Problema de la fachada: la cúpula
no se ve bien. Desde el punto de vista estilístico referencia a Miguel Ángel. La parte del ábside era de
Miguel Ángel y el resto de las partes añadidas que se están realizando deben tener cohesión -> orden
gigante de la fachada + orden menor (de otros, Campidoglio, disposición del orden menor en la entrada). El
proyecto incluía 2 torres a los lados, lo retoma Bernini, para enmarcar mejor la cúpula, integrar la nueva
planta.
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→ GIAN LORENZO BERNINI

Recibe el encargo de reconstruir la urbanización de la plaza en frente de la basílica, 1656-57. El sentido
de la plaza es proporcionar a los espectadores un punto de vista adecuado en el que la iglesia corrigiese los
errores de la transformación de la planta. Sentido de recibir a los fieles pero sentido escenográfico una
solución arquitectónica. Columnatas = brazos maternales de la iglesia, acogiendo a los fieles que mantienen
la fe católica + solución alargar el edificio por los pies.
Via Mussolini para llegar que se acaba en los años 50.
Se planteaba que todo debía tener un efecto de
sorpresa. Proyecto de Bernini teniendo en cuenta esas
calles, de calles estrechas a gran plaza. Sentido
escenográfico, Roma como un gran teatro.
En los años 40 plantea continuar con las torres que
planificó moderno. Problemas con los cimientos y se
cae. Se abandona el proyecto. Cuadros sobre los
grabados de los arquitectos pero nunca estuvieron.
- BALDAQUINO SAN PEDRO
Busca dar más importancia al altar porque con la
conversión del edificio, la gran cúpula hace que el altar
se reduzca. Estructura inspirada en los baldaquinos de
las procesiones, elemento temporal se convierte en
permanente en el edificio. Bronce. Basa columnas, el
bronce y mármol base estructura: expoliadas del
panteón (Barberini). Columnas salomónicas, antiguo
templo de Salomón utilizaba estas columnas
helicoidales, fue arrasado. Basílica constantiniana se
conservaban algunas columnas del templo originario
de salomon, por eso Bernini las utiliza. Se diseña en
función de la cátedra de san pedro. Todo pensado
desde el punto de vista escenográfico.
- CATEDRAL DE SAN PEDRO
Es una reliquia (objeto que utiliza un santo). Idea de reforzar la tradición, es el principio de la Iglesia. Todo
pensado como una obra total.
Pilares también intervención de Bernini con sentido de idead de contrarreforma. Los había hecho miguel
ángel pero se intervienen para mostrar reliquias en la parte superior de los pilares . 4 pilares mostración
publica reliquias mas relevantes de la catedral. Una de las cuatro esculturas es de Bernini. Se supone que en
uno de eso están las columnas salomónicas originales. Reliquias: cabeza san Andrés, lanza de Longinos, cruz
de santa elena (trae muchas reliquias que dice que cristo tuvo contacto con ellos), velo de Verónica. 3 tienen
que ver con cristo menos una, que debía ser la corona de espinas que esta en la Saint Chapelle. Trento
considera que las reliquias son los pilares de la iglesia.
Diseño tumbas papas: urbano VIII (Barberini). Tumbas encargadas en vida. concepto de tumba diferente pro
la teatralidad y el cromatismo. Siempre trata de reflejar un concepto en sus obras. Opone aquí la vida y la
muerte. Diferencia los materiales y los mas oscuros para la muerte y los de la vida en mármol blanco. Papa y
muerte unidas cromáticamente y las virtudes también. Trabaja como un pintor en las esculturas. Modelo
miguel ángel. Alegorías: caridad y justicia, que hablan de la vida del papa. Se basan en la tradición cultural.
Caridad = mujer que da de mamar y justicia= espada. En el centro del sepulcro: la muerte. Desde el punto de
vista narrativo papa parte superior (bendiciendo), buena vida y en el momento mas inesperado aparece la
muerte, alegoria de la muerte, como esta vivo escribe su nombre. Especie de advertencia, memento mori.
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Otra tumba: Alejandro VII. Modelo anterior se mantiene pero con unas diferencias. Alegorías y virtudes y el
papa en el centro superior rezando. Caridad, prudencia y sabiduría, representación de la verdad, triunfando
sobre el mundo y con el sol. La muerte, aparece de la puerta del sepulcro, levantando el cortinaje (idea del
teatro del mundo), lleva en la mano un reloj de arena.
Todos los caminos son un camino que no vuelve porque no podemos volver atrás en el tiempo y la
proximidad de la muerte, dirigirla a aprovechar la vida. El cristianismo lo dirige a las virtudes, lo que hemos
hecho bien en la vida. Carpe diem.
- CAPILLA CORNARO, ÉXTASIS SANTA TERESA

Capilla privada en Santa María de la Victoria, encargo después de
canonización de Santa Teresa de Ávila en 1622. Bernini responsable de toda la
capilla. Bernini plantea todo el espacio desde el punto de vista cromático,
combina arquitectura, escultura y pintura (mármoles y luz).
Momento muy específico de la vida de Santa Teresa de Ávila ->
transverberación: un ángel atraviesa el corazón de Santa Teresa con una
flecha. Sensaciones que tiene Santa Teresa cuando el ángel baja del cielo y le
atraviesa con la flecha, lecturas eróticas. Contacto del mundo terrenal con
la divinidad, atravesada por una flecha de amor divino. “Muero porque no
muero”. A los lados, miembros de la familia Cornaro, en el palco de un
teatro asistiendo a la transverberación. El gran teatro del mundo. Estructura
iluminación natural de la única ventana que hay, que se crearon con ese
propósito.
- GALLERÍA BORGHESE, APOLO Y DAFNE

Esculturas pensadas para el espacio en el que están. Son 4 esculturas: David
lanzando la piedra, el rapto de Proserpina y eneas y Anquises. Pensada desde
un único punto de vista. En el pedestal: inscripción de Maffeo Barberini, para
saber cómo era interpretado. El placer es efímero y se queda como hojas en la
mano.
22
- SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL

Pequeña iglesia que hacia los años 70, ya mayor, hacer esta pequeña iglesia. Problemática: poco espacio pero
debe dar la sensación de que es más amplio. Opta por una planta elíptica. Movimiento elíptico de los
planetas, descubrimiento de Kepler. Elipsis: cambio de paradigma epistemológico. Para hacer una elipsis hay
que hacer 2 circunferencias, 2 centros.
Humanismo -> hombre centro todas las cosas,
mundo desde mi punto de vista. Ahora no hay un
centro para ver las cosas, 2 puntos de vista,
Descartes, Pascal, dudas sobre el sentido de la
vida. Resaltar el sentido longitudinal. Barroco
nos propone una cosa pero nos dice otra.
Sensación de que el altar esta más lejos de lo que
esta. Cúpula inspirada en el Panteón, casetones
octogonales.
06/04
Inspiración planta ovalada precedida de un pórtico de
entrada en la antigüedad clásica, el panteón. Pórtico
semicírculo para sugerir movimiento. Opta por una
solución ovalada en la que la parte más amplia está
dispuesta de forma horizontal, mediante las soluciones
arquitectónicas del interior y los colores del mármol,
sugerir profundidad y linealidad entre el pórtico y el altar.
Para reducir los laterales pone pilastras y columnas
rodeando el altar. El espacio de la cúpula estará más
iluminado, mientras que en el altar y las capillas combina
partes más iluminadas con otras que menos. También
alternancia de capillas rectangulares y otras ovaladas, a
las que da más luz, lo que forma una cruz de luz, que ayuda
a la linealidad. También reforzado por el frontón partido
de la capilla dedicada a San Andrés, con su figura subiendo
hacia el cielo. Desde el punto de vista contrarreformista,
mártires de morir por la fe cristiana, ese sentido
ascensional reforzado por la capilla. Parte más oscura con
alternancia de colores y contrariamente, cúpula más
iluminada con dorado y blanco. Figuras en la cúpula con
jwbfje de martirio. También visible en la cúpula la inspiración en el panteón, con casetones, que están
reduciendo su tamaño a medida que van acercándose al óculo (linterna), truco visual para que parezca que es
más elevada. Recursos arquitectónicos y lumínicos.
→ FRANCESCO BORROMINI
Da soluciones muy ingeniosas para edificios del barroco italiano. Contraposición figura Bernini y
Borromini, figuras antagónicas por la historiografía. Bernini más cosmopolita, recibe encargos papas.
Borromini es una figura más arraigada al mundo romano. Bernini persona culta y sociable, Borromini más
melancólico, hipocondriaco, se suicida con una espada. Del norte de Italia, catedral de Milán es donde se
forma y trabajada como cantero, domina arte de tallar la piedra y se traslada a roma. Bajo las órdenes de
Maderno y cuando muere Bernini sigue aunque Borromini …. reciben diferentes tipos de encargos, y da
soluciones originales y diversas siempre basándose en la tradición.
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- SAN CARLO ALLE QUATRE FONTANE

Dedicada a San Carlos Borromeo, obispo de Milán y en el contexto
de la contrareforma escribe un tratado de cómo deben ser las iglesias
de la contrareforma. Después será canonizado. En un espacio con 4
esquinas con 4 fuentes. Espacio muy reducido en el que Borromini
tiene que jugar con formas geométricas. Es en realidad un espacio
conventual y la orden que vive ahí son los trinitarios (importante por
como soluciona la disposición del espacio). Orden vinculada con la
trinidad. Diversas estancias, todas de Borromini. Planta de forma un
poco ovalada pero dispuesta de forma longitudinal.
Borromini trabaja con una fórmula tradicional de la arquitectura
medieval: por módulos. Habitual, sistema de proporciones que se va
repitiendo, pero Borromini utiliza el módulo formado por un
triángulo, lo duplica para hacer la forma de la iglesia. Se queda en
una planta romboidal. El triángulo tiene dos sentidos, el
arquitectónico pero también el simbólico o metafórico. En la
tradición cristiana hay diversas maneras de representar la divinidad:
fórmula en la que se representa con un triángulo.
Espacio reducido, pero utiliza recursos para dar otra sensación, engaño del barroco, sugerir cosas que no
están. Planta romboidal le da sensación de movimiento con los nichos con forma curva. Dispone una cúpula
ovalada sobre pechinas que se encaja con 4 nichos. Transición a las pechinas viene de los nichos. Queda un
espacio rectangular en la que dispone una cúpula ovalada. Diferenciación lumínica. También recursos
visuales para elevar la cúpula, casetones en los nichos y la cúpula que van reduciendo en tamaño. Los de la
cúpula combinan forma octogonal con forma de cruz. Recursos escenográficos. También inspiración en el
Panteón.
En Borromini, su conocimiento de la tradición se puede observar en otros edificios de época romana.
Posible edificio de inspiración el palacio del emperador Adriano en Tíboli, Villa romana en la Plaza de Oro.
En el s. II los arquitectos romanos optan por una combinación de formas cóncavas y convexas.
Recuperación y transformación de la tradición. Provoca y sugiere dinamismo en el espectador. Cuestión de
sorpresa y engaño muy presente en el barroco. La portada de la Catedral de Valencia está inspirada en esta
iglesia.
- SANT’IVO ALLA SAPIENZA
Jhwbfkwjb de la universidad de Roma, della Sapienza, sabiduría
divina. Le mandan construir la iglesia dedicada a San Ivo en un
espacio reducido y formas ya construidas?. Apuesta por fórmulas
geométricas que den sensación de que hay más espacio. Patio previo
que ya existe, de Jacobo della Porta. Trabaja otra vez con la forma
del triángulo, módulo aunque no se duplica, los combina para hacer
una planta estrellada (hexagonal).
Espacio exterior, Bernini juega con contraposición de formas. En
la imagen vemos la iglesia desde el patio, primero vemos la fachada de la iglesia y la cúpula, Borromini
contrasta formas geométricas (fachada hundida, cóncava contrapuesta con la cúpula convexa).
Solución original en la cúpula, elementos de distintas tradiciones. Roma es una ciudad formada por
diversas colinas, si la observamos desde una de esas colinas tenemos un “skyline” de cupulas. La más original
la de Borromini, diferente. Elementos que provienen de la catedral de Milán, respecto a sus nervaduras
exteriores de forma curva, también renovación de la tradición medieval. También el Panteón, fórmula
escalonada del exterior de la cúpula. La linterna: combinación de fórmulas cóncavas y rectilíneas inspirado en
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la antigüedad, Templo de Venus en Baalbek. Inspirado en Mezquita de Samarra. De inspiración en la

Torre de Babel. Dominio de la tradición.
- GALERIA SPADA (no va para examen)
Espacio reducido, muestra su conocimiento matemático para mostrar un espacio que no existe. Juega con la
profundidad. Dentro del palacio Spada. Trabaja con la perspectiva, el punto de fuga, disminución tamaño
columnas. Escultura del fondo no es de tamaño natural. Con 8 metros de galería pero parecen 37. Edificio
muy original que habla de una tradición científica, dominio de las matemáticas, relacionado con la pintura
ilusionista de la iglesia de Il Gesú.
23/03
CLASES SERGI
EL CONFLICTO EN TORNO A LA IMAGEN EN EL BARROCO
De la reforma protestante y los ataques iconoclastas a la iconodulia del catolicismo
Lenguaje universal pero singularidades en los diferentes territorios. Imprenta permite unificar los criterios y
aspectos dirigidos por el poder civil y religioso pero otro aspecto fundamental es el conflicto alrededor de la
imagen y las diversas resoluciones a las que se llegan las 2 realidades teopolíticas: la reforma protestante y la
respuesta católica con el concilio de Trento.
LA REFORMA PROTESTANTE
En Alemania
Lugar clave de la reforma. Existieron una serie de movimientos desde época medieval. La reforma
protestante es la eclosión de un conflicto que se menciona ya desde el s. XII. Las denuncias que se hacen en
los diversos movimientos de reforma son:
- Un uso contradictorio de las imágenes: cristianismo es religión anicónica (culto no debería
incorporar el uso de las imágenes). La biblia prohíbe la idolatría y por tanto el uso de las imágenes =
contradictorio.
- Excesos en las procesiones. Paraliturgia (muestras externas vinculadas a un ritual pero no están
cifradas y que no comprometen los ritos).
- Aparecen en todo el territorio reliquias.
- Critica a la iglesia romana y el poder papal. Bajo el obispo de roma se genera unos movimientos
económicos.
Erasmo de Rotterdam. No es protestante pero fue crítico con el abuso del uso de las imágenes, tanto
seculares como sagradas. También escenas provocativas y desnudos, uso de imágenes para ganar dinero
(reliquias). Defiende el uso de la imagen: se venera a la divinidad a través de la imagen, no a la imagen. Pone
de relieve un conflicto que viene desde el paleocristianismo, no había arte cristiano sino romano, adaptado a
la religión. Entonces el cristianismo se incorpora a la tradición clásica de la imagen. Tanto en la liturgia
como en la práctica. Erasmo lo critica: argumento de tradición clásica, Seneca criticaba que en época romana
la gente encendiese velas y rezara ante los dioses paganos. Incorpora un grabado que representa esto pero no
con una imagen pagana sino con una cristiana.
Otra figura clave es Lutero. De todos los reformistas él es el punto inflexivo. Papa león pacta formas de que
las iglesias de todo el mundo pagasen a roma para financiar san pedro del vaticano. Lo critica (indulgencias).
Branderburgo de mano del obispo de manuncia?. Johanes Teztel. Entonces en 1517, con las indulgencias
como detonante, publica las tesis y comienzan las guerras de religión. Lutero es el reformador más benévolo
en cuanto a las imágenes.
Calvino, posterior, responsable del éxito de la reforma en ginebra, suiza, Alemania, Holanda…. No solo
critica las imágenes sino también de la iconoclastia.
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Iconoclastia: teoría de la respuesta: iconología critica freedberg. Función de la imagen, algo que produce la
imagen. Iconoclasia e iconodulia con respuestas de la imagen.
ACTOS ICONOCLASTAS
Imágenes dispositivos al cerebro genera discursos por parte del poder generalmente. Nacen 2 de los grandes
discursos del barroco: iconoclastia y iconodulia. Iconoclastia por parte de los protestantes, tópico de un
discurso.
La tormenta de las estatuas: 1566, Holanda. Se traduce en imágenes (una de la catedral de Amberes).
Iconoclastia se convierte en tema del discurso barroco, representación de cómo eran los iconoclastas por
parte de la iglesia: personas bárbaras, el que ordena de espaldas (trabajan de forma oculta).
La respuesta de la iglesia -> Concilio de Trento 1545-63
Ultima reunión se habla de imágenes y reliquias. Gastan el argumento de san Gregorio Magno.
Iconodulia: Concilio promueve culto imágenes sagradas y determina la práctica y teoría artística en todo el
periodo barroco. Imágenes con sentido hierotopico (cuando el espacio sagrado se organiza en un sentido en
el que todo gira alrededor de la imagen sagrada, de promover la sacralidad con la confluencia de todos los
sentidos y manifestaciones artísticas).
25/03
Lo que el Concilio de Trento establece frente a las imágenes no se establece en el documento tal cual.
Definición de la teoría sobre la imagen barroca se define posteriormente al concilio por diversos caminos:
textos teológicos devocionales, que se constituyen como ejemplos, teoría artística. Principios que ordenan el
uso, costumbre y producción de las imágenes. El otro camino: las normativas marcadas por los concilios
provinciales. Dictaminan la practica artística. El Concilio de Trento además tenía recomendaciones de como
representar las cosas (pacheco?,palleoni?). inquisición responsable de que se cumpliese el decorum. Las
pinturas debían adaptarse a los principios dogmáticos del catolicismo. También textos que los propios
artistas o obispos escribieron para ser manuales para otros artistas. El arte de la pintura de pacheco (también
Ayala), como representar diversos temas. Molanos: como se tenían que pintar los temas, en latín. Luego lo
sigue pacheco y lo adapta al castellano. Por encima la idea que marca las directrices = el concepto de
tradición. Perspectiva en la que emos la reacción en la ciudad de la época. Adoración de las imágenes.
Iconoclasia y iconodulia como discurso dos partes que actúan de la misma manera. Iconoclasta actúa pero el
iconodulo incorpora el relato iconoclasta al discurso canónico de las imágenes.
La imagen sagrada. Carisma no es lo mismo que el estatuto de una imagen. Una copia de la imagen
milagrosa, con mayor estatuto, tiene carisma porque es igual. Blandea o reliquia de contacto. Virgen
Desamparados por ejemplo. Dentro de la configuración de una cartografía visual de las imágenes milagrosas
barrocas se reactiva la misma tradición de época bizantina:
- Acheiropoietas o non manufactas
- Hallazgos milagrosos
- Imágenes ultra
- Devociones y milagrería. Victimas ataques iconoclastas
No necesariamente son de época barroca pero los relatos sí. Reliquia de san Idelfonso de Toledo. María
jausiet: el velo kjefnwkjn.
Se reconoce el carisma y se genera un estatus. El arte al servicio de la promoción de este discurso.
Francesco Rizi. Narrando un hecho real de Madrid de ese año. Pillaron a una familia de judíos que se reunían
por las noches en casa de uno de ellos y pusieron boca a bajo una imagen de cristo y le hacían de todo. La
imagen sangraba y les hablo. Se les acuso, la inquisición los torturo porque un niño confeso que fue verdad.
Se construye una iglesia en desagravio de la imagen. Es decir, a partir de lo que se supone que es un acto
iconoclasta se convierte en un discurso para el iconodulo. Comparándolo con lo que vivió cristo en la
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tradición cristiana. Imágenes hechas por mano divina. Pinturas que reproducen los hechos divinos, san
francisco de paula y lucas valdes.
CASO SINGULAR: IMAGEN DE LA VIRGEN DE GUADALUPE
En Méjico se venera esta imagen de una virgen iconográficamente que sigue los perfiles de La inmaculada
(capítulo 12 del apocalipsis). Se defiende como una imagen acheiropoitas. Predicación hecha para conmover.
Configuración que conecta con hierotopia. La madre de Guadalupe. Después de la conquista había un indio,
juan diego, que pertenecía a la casta de cultura azteca. Se iba a catequesis a Santiago de ejnfjer convento
franciscano donde va la elite. Sube a una montaña: el cerro de tepellá se le aparece la madre de dios. el quiere
salir corriendo. Le manda que le construyan un templo para proteger a la gente. Va al obispo y no le interesa.
Él se lo dice y le manda insistir. El obispo le dice que necesita pruebas. Le dice a la madre de dios. su tío se
está muriendo y hay que llevarlo a los franciscanos. Ella lo cura y le dice que vaya a ver las rosas, milagro
porque no nacen en diciembre. Se va a hablar con el obispo y se baja la tela y se dibuja la virgen con las rosas.
Tipología de imágenes características de época barroca, retratos de las imágenes. Pintura que representa una
imagen de devoción como si estuviese en su altar original, cortinajes, flores, ángeles corriendo las cortinas…
engaños pero con sentido devocional. Como si estuviesen delante de las imágenes -> hierotopia. Uno de los
efectos es la confección de este género. Mediante la técnica del trampantojo. También en época bizantina.
Mas evidente en el barroco, ejemplo virgen desamparados. Teatralidad de la época barroca. Toda una serie
de replicas y copias. “fielmente copiada y tocada de la original” es una blandea. Estatuto visual superior a
otras replicas. Da igual el pintor. Mismo propósito. Una imagen cada vez que se exhibe es como una
actualización del milagro, del espacio donde tiene ligar. Replica de las rosas de hoy en día. El espacio de
devoción se convierte en un espacio mariofanico (aparición mariana).
EL CONCILIO DE TRENTO Y EL IMPULSO DE LA IMAGEN DEL MÁRTIR
Veneración de santos también. El barroco es un discurso universal que tiene una traducción local. Los
mártires son los que tienen una carisma.
Richard Verstegan
Ingles que huye por el ascenso del protestantismo a Francia y luego a países bajos. Saco obras en las que
condenaba el altar contra los católicos en Inglaterra y Francia y pb. Imágenes contar el clero católico,
comunes a otras producciones pero una inaugura la tradición de representación de los mártires con un
carácter ya barroco: theatrum crudelitatum. El mártir es el que sigue los pasos de Jesús. Esta obra muestra
episodios de martirio de cristianos católicos y de destrucciones de imágenes. Comparación destrucción de
imágenes con martirios. Los martirizados actitud serena. Aceptando el martirio. Mártir representan
esquemas compositivos que remiten a escenas de la pasión de cristo. Tema de encuadre. En el momento de la
eucaristía, revivir el momento del sacrificio, luego lo suben a la cruz y los fusilan, el mártir es otro cristo.
El ejemplo con más difusión, fuente de las obras de época barroca en todo el mundo: Antonio Gallonio y el
Trattato degli instrumenti di martirio. Modelos de martirio para difundir a los artistas. Con actas de los
mártires. Y estudia los instrumentos.
MÁRTIRES DEL PRIMER CRISTIANISMO
Martirio de Ribera. San Felipe está recibiendo el martirio. Imágenes se difunden y se convierten en un
modelo.
07/04
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TEMA 3: FRANCIA. EL REY ES REY EN IMAGEN -> LA IMAGEN SOLAR DE

LUIS XIV
3.1. LA PROMOCIÓN ARTÍSTICA

En el s. XVII Francia desarrolla un modelo de promoción de las artes original y posteriormente copiado
por Europa. S. XVII en Italia primeros ejemplos de concepto de promoción artística, mecenas que
promocionas las artes de forma “desinteresada” y que evoluciona en el XVI y XVII. Esa promoción artista lo
que busca es legitimar una estructura política, pequeñas ciudades estado que dominan un territorio. Italia
comienza a ensayar un modelo de promoción artística para limitar el poder de por ejemplo, los Medici. La
idea se mantiene hasta el s. XVII, en Italia utilización del arte para legitimar el poder de la iglesia católica.
Francia s. XVII perfeccionamiento de ese sistema, no lo inventa. Promoción artística basado en el control
absoluto del arte por parte del poder. Sistema de las academias, espacios en los que se enseña las
disciplinas artísticas. Gusto controlado por el poder. Modelo de dominio y control estatal de la actividad
artística que después será copiado por otros países europeos. Este modelo es contemporáneo con otro de
control total: el absolutismo. Francia poder absoluto, reyes en la gracia de Dios, desarrolla el ejercicio
absolutista del poder. Todas las disciplinas dirigidas hacia la exaltación del poder del rey. Francia primacía
política pero a finales del s. XVII, guerras de religión, periodo de paz que facilita un crecimiento económico
-> desarrollo absolutismo. Buena gestión de recursos económicos del país. Etapa esplendor.
→ ENRIQUE IV
Primer monarca del s. XVII, acaba con las guerras de
religión, se convierte al catolicismo y consigue poner paz a
las guerras civiles. 1598-1610 reformas urbanísticas que
transforma la estructura de París, transformación de la
ciudad por parte de los monarcas para glorificar su figura.
Construcción de un puente nuevo en la ciudad, 1599,
comunicación de dos partes separadas por el Siena. Isla (Notre
Dame, Saint Chapelle), parte norte (edificios admin) y sur (la
universidad) facilitar comunicación. El proyecto inicial
también buscaba reurbanizar parte de la isla, proyecto
grandilocuente, pintura del proyecto inicial con arcos de triunfo en la entrada y salida, estructuras de
obelisco. Se abandona y se plantea una solución más sencilla. Se plantea que en la punta de la isla se sitúe una
escultura del monarca, regalada por María de Medici, mujer de Enrique IV. Es importante porque no solo
se hace para comunicar, sino que la estructura triangular ya se piensa en un sentido urbanístico más claro,
sentido de plaza. Idea de que espacio público también espacio para que la monarquía muestre su poder:
fiestas, procesiones, actos de glorificación al monarca. Escultura no se conserva. No se conserva la estructura
de las casas, que seguían un modelo que se encuentran en otras estructuras contemporáneas de la ciudad.
La otra plaza que reforma Enrique IV es la Place Royale,
espacio rectangular que busca tener un lugar para la ciudadanía
y mostrar la figura del monarca. La ciudad es un teatro. Tipo de
vivienda típica finales s. XVI y XVII que combina tradición
local con aspectos clásicos. Dos lados pabellón rey y el de la
reina es un poco diferente. La piedra parte inferior y algunos
elementos sustentantes destacados piedra combinado con ladrillo
(rojo) tradición local del s. XVII. Arquerías, único espacio
vivienda de interés por la arquitectura clásica. Arcos separados
por pilastras. Arquerías destinadas inicialmente para negocios y
los primeros pisos para viviendas. También tradición local el
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tipo de cubierta, techo inclinado con mansardas, tipo de ventana característica especie de buhardilla.
Decisión de estas ventanas cuestión funcional. Ahí vivía el servicio. Manera de mantener mejor el calor de la
estancia. Plaza espacio de movimiento.
→ MECENAJE MARIA DE MEDICI

Minoría edad Luis XIII se encarga María de Medici. Momento cardenal ekjfjr el de los 3 mosqueteros.
Figura que también se dedica a la promoción artística, matronaje de obras que buscan su exaltación con
Enrique IV.
Regente 1610-17. Palacio de Luxemburgo, construcción
promoción por la reina y obra del arquitecto Salomon de Brosse.
Estructura de palacio diferente al anterior. Tipología italiana
palacio cerrado, estructura cuadrada de patio interior cuadrado,
vida interna cerrado al exterior. Los franceses tienen una tipología
arquitectónica en forma de U o H. espacio central de
representación y espacios laterales con el resto de las dependencias.
Espacio central: corps de logis, estancias más importantes, de
representación del poder del Rey. Laterales forman un patio central
de representación. María de Medici quiere un palacio parecido al tipo
de palacios que ella conoce de Italia, aunque es basada en la francesa, pide que se inspire en Florencia, el
Palacio Pitti. Lo que se traslada es el almohadillado.
Es importante porque en su interior María de Medici encarga decoración que
es único. El ala lateral pone galería de Rubens, destinada a un proyecto
pictórico, principios s. XVII Rubens es el pintor más importante y el más famoso.
Figura culta. Total de 42 pinturas para exaltar a los 2. El proyecto no se acabó.
Solo se hacen 22 de la vida de María de Medici. Sobre todo recurso alegórico
para explicar vida de María de Medici, exaltar el poder. “educación de María de
Medici, clásica con Minerva, Apolo, las 3 Gracias y Mercurio. Mercurio
mensajero de los dioses, Minerva de la sabiduría que educa de manera directa a
María, Apolo tocando un instrumento. También hay tema religioso detrás de
esto. Trasposición de la educación de la Virgen a la de María de Medici. Lenguaje
grandilocuente. Infancia de María de Medici.
Siguiente episodio: se presenta la imagen de María de Medici a Enrique IV para
el matrimonio. Entre las cortes se envían las pinturas. (Tinder). Presentación del
retrato al rey. Episodio verídico explicado a través de la mitología, mitos vinculados
con el amor. El retrato lo presenta Cupido e Himeneo (dios de los matrimonios) que
lleva una antorcha con fuego (llama del amor). Por encima, Zeus y Hera, pareja de
dioses principal y debajo futura pareja de reyes. Minerva representando a Francia y
Enrique observando el cuadro de María de Medici, maravillado y Minerva
hablándole que debe casarse con ella. Transformación visual de una idea, Francia
le pide que se case con ella.
La llegada a Marsella. Personajes mitología, tritones, sirenas, llevan el barco a
Francia. La fama con las trompetas. Minerva capa con flores de lis y fondo
azul, es Francia, que recibe a María de Medici.
No todos los episodios están representados en ese estilo tan grandilocuente.
Representación episodio real sin mitología. El matrimonio por poderes: no se
casa físicamente con maría, fue en Italia, en lugar de con Enrique IV un
representante. Rubens fue testimonio. Solo un elemento mitológico. Himeneo y
Dios arriba.
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Lenguaje grandilocuente. El consejo de los dioses

para los matrimonios españoles: matrimonios casa
real española y la francesa, converses…. Rubens las
representa ekjrfj María de Medici con todos los dioses.
Para decidir la decisión de quien se casa con quien, todo
un consejo de dioses. Divinidades inspiradas en
esculturas, relieves, del mundo clásico. Conocimiento
del arte clásico. Zeus de una joya, Apolo de Belvedere.
Todas las figuras paralelismo.
08/04
3.2. LOS PALACIOS
→ EL LOUVRE
Edificio que ya existía, pero mitad s. XVII, primer ministro Luis
XIV, Jean Baptiste Colbert, propone reforma del palacio para que
el monarca pudiese vivir ahí. Comienzan las reformas pero no se va
a vivir ahí y al final traslada la corte a Versalles. Nunca vivió un
rey ahí, después museo. Ya existía desde época medieval. Parte
norte de París, ampliaciones y reformas. Proyecto buscaba
acondicionar la estructura y una fachada en la parte kjkewfioe del
palacio. Después sigue transformándose. Reforma del palacio a
partir de un incendio. Se encarga a Bernini un proyecto de reforma,
decisión de Colbert y Luis XIV. Tratamiento de príncipe, piden
permiso al Papa. Críticas al proyecto y al final no se hace.
Primer proyecto 1664, tipo de palacio italiano, aún no había
viajado a Francia. No les gusta, les había encargado otra cosa.
Bernini propone formas cóncavas y convexas, orden gigante, remate
con balaustrada como San Pedro. Críticas encaminadas a que
Bernini no piensa en la funcionalidad del edificio, atractivo
visualmente pero no se tiene en cuenta la función. Bernini se
queja de los franceses pero acepta las críticas. Centro arquería,
pilastras orden gigante, arquería inspirada en el palacio arquerini,
espacio central de arquerías pero en Bernini convexo, más típico de
Borromini. Parte convexa central inspirada probablemente en modelos propios como San Andrés del
Quirinal o Santa María de la Pace, Pietro da Cortona. Modelos italianos.
En el 65 nuevo proyecto, cambia disposición formal del bloque central, ahora la parte central cóncava.
Elementos mismos, orden gigante, fachada balaustrada, continua tipología italiana. Fuente inspiración Pietro
da Cortona, fuente Piazza Colonna. Bernini abandona la ciudad y plantea otro proyecto en el mismo año.
Abandona las formas cóncavas y convexas y opta por una fachada más lineal, elementos salientes, 5 bloques,
orden gigante. Crea un retranqueo. Plantea basamento con formas rusticas que a Luis XIV le gustó pero
acepta que tuviese forma que intenta imitar que está en una roca natural. Común: orden gigante, espacio
central, balaustrada. Colbert y arquitectos dicen que no. Bernini vuelve a roma.
Se opta por una tipología clásica, modelo de fachada clasicista. Nuevo para la tradición francesa. Perrault
es el más responsable pero también Charles Le
Brun pintor y Louis le Vau, arquitecto. Academia
francesa, críticos de Bernini. Fachada oriental que
se hace en el Louvre, intervenida en el s. XIX.
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Solución parte central edificio: columnata basada en parejas de columnas. Modelo inspirado en el Palazzo
del Te, Mantua. Templo central + alas laterales. Columnata viene de Bramante, diseño casa Rafael.
Conocimiento tradición italiana adaptada al gusto francés. Uso clasicismo como recurso. Comienza 1667-
70. Continua reformas y ampliaciones esperando que la corte se quede en la capital pero Luis XIV miedo y se
traslada desde París a Versalles.
→ VERSALLES
Nada realza mejor la grandeza y el espíritu
de los príncipes que los edificios. En un
momento de paz, se aprovecha la
promoción artística para glorificar al
monarca.
- Vaux -le -Viconde. Palacio
construido por Nicolas Fouquet,
ministro. 61 fiesta inauguración y
el rey sintió tanta envidia que le
encarceló y los arquitectos y
pintores que habían participado se
los lleva a Versalles para replicar
ese edificio.
Versalles, imagen poder absoluto traducida en el palacio. En un periodo de paz, mostrar magnificencia a
través de las construcciones. Pequeño confrontamiento con Colbert porque quería que el rey y la corte
viviesen en parís. Luis XIV quiere trasladar a Versalles, una de las razones para ir con sus amantes. Él quería
irse de París porque desde pequeño revueltas como la de la fronta. 25.000 personas, la corte y los
trabajadores.
El ministro de financias, Nicolás Fouquet, se construye un palacio y fue el detonante de la construcción del
palacio de Versalles. Contrató a los mejores diseñadores y constructores, escritores, etc. Cultura contratada
por el para enaltecer su figura. En la fiesta de inauguración a la que va Luis XIV, el exceso de poder y
riqueza provocan envidia del rey, 17 agosto 1667. Al día siguiente acusado de malversación de dinero
público. Luis XIV contrata a todos sus artistas para llevárselos a Versalles.
Versalles ya existía como edificio, era un castillo que Luis XIII
construyó porque era una zona donde iban los reyes para cazar y
encarga un pequeño palacio que será el punto de partida de las
reformas posteriores, en diversas etapas, que coinciden con diversas
aventuras amorosas. Tipología típica de palacio francés. Núcleo
original 1623, 61 nuevas dependencias, planteamiento alas laterales y
luego hasta el s. XIX. Paradigma de ostentación y poder absoluto,
mostrar riqueza monarca. Pero era un palacio incómodo, lugar con
pantanos que se desecaron pero había mal olor. Higiene “distraída” en
la corte (no había baños públicos).
Tipología casa francesa con piedra y ladrillo, techo inclinado, modelo que se está proyectando con Enrique
IV. Primera vez que un espacio natural se transforma para recibir un palacio. Acondicionar el paisaje al
palacio. Domina también la naturaleza. Habitación rey y reina a los lados pero luego se convierte en la
galería de los espejos, mostrar suntuosidad, da a los jardines. Alas donde se traslada el ministerio, lugar de
trabajo. Habitación del rey luego se traslada al centro, desde su habitación ve como se pone el sol, metáfora
rey sol. Capilla real.
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La construcción condicionada por las aventuras amorosas del monarca. Se pueden documentar 2
momentos en que la construcción se intensifica: 1661-68 (periodo paz tratado Aquisgrán) y 1668-78.
Aceleran las reformas, lugar donde iba para encontrarse con sus amantes. Un momento que casi con 2 a la
vez: Enriqueta de Inglaterra pero intenta disimular públicamente dirigiéndose hacia otra, Louise de la
Vallière, realmente estaba con las 2. Madame de Montespan es al que determina la segunda etapa,
personalidad muy fuerte, tensiones en la corte. El ministro: “esta casa mucho concierne al placer y diversión
de su majestad que a su gloria”.
3.3. LA FABRICACIÓN DE LUIS XIV

Todas las diciplinas artísticas al servicio del rey, glorificación,
poder. Es el que más tiempo reinó en Europa. 72 años de reinado
(regencia), de 1643-1715, tiempo en el que construye su imagen
para transmitir ideología. Cuadro de Rigaud, muy copiado y
difundido porque el monarca le gustaba mucho. Rey aparece como
garante de la justicia, representada en la columna y una espada
medieval (práctica de la justicia). Retrato que enlaza con la
tradición de retrato de poder renacentista: la columna y la
cortina. Habitual que la imagen del poder tenga columnas y
cortinas. Vestido como si asistiera a su ceremonia de coronación
y lleva típicos atributos de imagen de poder: cetro, corona,
espada y la flor de lis como elemento heráldico. Imagen que
combina aspectos idealización del monarca con reales y aspectos
informales con formales. Es una imagen conceptual: idea del
poder. Idealizado porque en realidad no tenía mucho pelo, moda
de las pelucas. No tenía dientes, no hay cuadros de la época con
gente enseñando dientes. Orgullo de sus piernas. Informal la
forma en la que coge el cetro, que está al revés. Inspirado en el
cuadro de Carlos I de Inglaterra de Van Dyck.
Las imágenes son su presencia real, transposición de valor. “el rey solo es verdaderamente rey en imagen”.
Cualquier imagen del rey es su presencia. Tradición previa de época medieval, relacionada con la
monarquía francesa e inglesa: idea que considera que los reyes tienen dos cuerpos el político y el natural. En
el momento en el que muere un monarca automáticamente pasa el siguiente “el rey ha muerto viva el rey”.
Cuando no había otro monarca se hacía una imagen y debía ser tratada como rey. Relacionado con las
efigies funerarias de los monarcas que durante unos días tenían la misma consideración que un ser vivo
(presidian banquetes, etc.). idea política de la monarquía nunca está vacía. La efigie sustituye al cuerpo
natural. Ejemplo de Ludovicus Rex.
Glorificación a través de todo un sistema de academias dirigidas a glorificar al rey. Todas englobadas en la
academia real = control estatal de la imagen. Esta idea se traslada a otros países como España.
Luis XIV hijo que fue muy esperado, su padre tardó mucho en tener hijos, fue
como una bendición. Ana de Austria. Recibe el nombre del deudonat, dado
por dios: Louis Dieudonné du Borbón. 1643 proclamado rey sin coronación,
que es en el 64. Coronación es tradición que se haga en Reims. Se encargan
imágenes para difundir la coronación del rey. Ritual que combina aspectos
políticos y religiosos. Especie de monarquía sagrada. Tradición que considera
que los reyes tienen la capacidad de sanar a los enfermos tocándolos, lo que
hacía Cristo, reyes taumaturgos (monarquía francesa e inglesa, desde época
medieval). Podían curar la escrófula, el rey te toca pero Dios es el que te cura.
Cuadro de Luis XIV tocando a un enfermo. El día de su coronación tocó a
3.000.
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La construcción de la imagen se encarga en la academia. Lista de

cómo se habla de él, Luis el grande, Ludovicus Magnus, serie de
adjetivos. Luis hacia visitas habituales, que buscaba convertir al rey
en mecenas y protector de las artes. Promueve la construcción de
una fábrica específica para amueblar las residencias del monarca, la
fábrica de los Gobelinos. Están haciendo tapices. En esta época
los tapices mucho mas valorados que las pinturas, en las estancias
además tienen una función. Fabrica se transforma en cualquier tipo
de mueble y objeto. Cuadro de Charles le Brun. También protección
de las ciencias, visita a la academia de ciencias (Sebastián Leclerc)
Figura interesada en el ballet, gran bailarín, 1651-59 se escriben ballets

en el que el rey es el prota. Luis XIII también había estado interesado en
la danza. Asociación del rey con el Sol. Sistema heliocéntrico se
descubre más o menos por ahí. Metáfora que visualiza la idea del
absolutismo. Respuesta emotiva, se buscaba una respuesta de sorpresa,
“èclat”. Cardenal Mazarino, muere y a partir de esos momentos Luis
XIV decide intensificar el absolutismo. Plantea que el gobierno debe
desarrollarse solo a partir de sus decisiones. Esto se traslada
visualmente a la decoración de Versalles. Techo galería de los espejos:
Luis XIV gobierna por si mismo. “el rey se hace cargo de la dirección de
sus dominios y se consagra enteramente a los asuntos públicos”.
Atributos que ejemplifican la idea del gobierno por si mismo. Luis XIV
con minerva, las 3 gracias le coronan, pero lleva en la mano un timón.
Ejemplo hispano, libro de emblemas, imagen enigma visual acompañado
de texto. Barco con 2 anclas, consejo de los ministros para no naufragar.
Dificultades, viento que sopla de cara, cuando el rey muere el barco
desembarca, etc.
Idea expresada en medallas, perfil y representación de que pasa cuando el rey gobierna por si mismo: ordo et
felicitas (orden y felicidad). Idea de rey sol y de gobierno por si mismo van de la mano, sol centro de todo.
Libro de la arquitectura de Philibert de l’Orme ya había una tradición francesa de sol asociado al rey. Salón
de apolo dedicado al sol, fuente de apolo. Incluso la propia situación de Versalles, lugar donde se posa el sol,
en occidente. Tridente representación rayos del Sol.
Reforma 1701 la habitación pasa al centro (num 5) para ver el sol, cuando se levanta se ve a si mismo. Toda
la vida en Versalles estructurada por un protocolo y etiqueta muy regulado. En la habitación privada,
ceremonias para levantarse de la cama, etc.
Francia se convierte en una potencia europea y mundial. Muchas
de las campañas militares ampliación de los territorios de Francia,
muchas guerras en espacios que eran posesión de la casa española.
Una de las mas relevantes campañas militares, gloriicacion
monarca -> guerra de Holanda. Se decide incorporar una imagen
en versalles antes de que se diese la batalla. Pintura alegórica,
galería de los espejos. Luis XIV decidido a hacer la guerra,
recuperar esos territorios para Francia. Representa al monarca
con una tipología de hercules en el encreuament, si ha de hacer o
no la guerra. Asociación de el rey con el héroe, hercules. Virtudes
del rey asociadas a virtudes mitológicas. No solo glorificadas en pintura en versalles sino también en
espacios urbanos. En 1674, arco de triunfo, puerto de san martin, arco de triunfo permanente tras la victoria.
Es el primer arco de triunfo que no es efímero desde época romana. Luis XIV otra vez asociado a la figura de
hercules, victorioso, coronado por la fama y encima de los enemigos.
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Mismo esquema compositivo, a caballo por ciudades conquistadas por el ejercito francés.
Pintor Pierre mignard. También fama coronando al monarca. En la ultima decide asociarlo a
un emperador romano. Acudir a la antigüedad para asociar con ejemplos de virtudes.
Armadura, capa, modelo estatua emperador Constantino como ejemplo visual.
→ Geografías heroicas
Conforme los territorios franceses se amplían se fundan nuevas ciudades con el nombre de Luis:
Sarrelouis, ciudad de nueva planta que para glorificarle se le pone su nombre. En América:
louisiana, estaba bajo el dominio de Holanda como nueva york (nuevo Ámsterdam), virginia
(Inglaterra). Todo ese terriotrio hace eco de Luis.
Antoine Benoist, retrato de cera a partir de su cara, mimesis por contacto. Verosimil, todos los
defectos se trasladan a la imagen. Figuras de cera eran muy habituales, sobretodo en iglesias para
ofrecer ofrendas. sXVIII jerarquía de géneros y ya no se hace tanta cera.
Críticas a la figura del rey. Imágenes disidentes: la contranarrativa del poder. Grabado titulado Luis el
usurpador: como Luis XIV roba territorios a otros países, vestido de diversas piezas de ciudades de diversas
ciudades. Además se decía que los ejércitos franceses no eran tan potentes como se promocionaba. Relación
derrota militar con la derrota sexual (como versalles y los encuentros sexuales). Critica debilidad militar y
sexual del rey. Imagen alegórica de los ejércitos franceses, en la ropa emblemas donde han sido derrotados
los franceses. Debilidad sexual en retirada con su barem: grabado inscripción en latín que dice huyes de la
guerra para perseguir a mujeres bellas. Luis XVI en una pintura como un satiro, con madame de montespan,
representación de los placeres sexuales, intento de equilibrar la construcción alegórica de la imagen de Luis
XIV con los mismos temas que sirven para glorificar la imagen.
13/04
3.4. PINTORES EN LA FRANCIA DEL XVII
→ LOS PINTORES DEL HUMANISMO CLÁSICO: NICOLÁS POUSSIN (1594-1665)
Se caracteriza por la recuperación del mundo clásico y la inspiración en modelos clásicos. A veces se asocia
mas a Italia, pasa su vida allí.
Sus amistades en el mundo italiano relación poesía como marino y con cassiano del pozo (de ahí se acerca al
mundo clásico). Cassiano del pozo comienza un proyecto de enciclopedia visual, museo cartaceo, va
encargando dibujos a gente para tener un compendio de todo el conocimiento. También de la cultura ->
poussin. Esto se traslada a su obra.
La adoración del becerro de oro: moises en el sinai, israelitas hacen un becerro para adorar
a dios, lo que después prohíbe el cristianismo, adoración de imágenes. Moises volviendo y
se encuentra a los isarelitas adorando. Clasicismo: figuras danzando inspiradas en el
mundo clásico. También influencia pintores del XVI:
- Rafael: el mismo tema, casi la misma composición.
- Escuela veneciana: tiziano y giovani Bellini, combinación de diversas condiciones meteorológicas
característica de tiziano. También el tipo de cromatismo.
- Temáticas mundo clásico: los pastores de la arcadia (espacio
bucólico, de pastores, feliz). Pastores que viven felices
encuentran una tumba, alegoria de un rio. Et in arcadia, ego.
Referencia a que el amor también esta presente en la arcadia,
meditación sobre el amor, de la vida. A través de un tema
clásico meditación sobre la vida, aprovechar momentos de la
vida porque el amor siempre estará ahí. Figuras melancólicas
meditando. Clasicistas, inspiradas en relieves.
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→ PINTORES REALISTAS: GEORGES DE LA TOUR

Inspiración en la realidad. Realidad como modelo para representar temáticas. Descubierto principios s. XX.
Uno de los pintores franceses mas famosos. Tipo de pintura inspirada en Caravaggio (o viaja a Italia, o a
través de pintores que copian a Caravaggio). Carcavaggismo en el norte de Europa: caravaggistas de
Utrecht:
- Gerard van Honthorst (1592-1656)
- Hendrick Terbruggen (1588-1629)
Tenebrismo mas acusado, un elemento que alumbra la sala en penumbra.
San José, 1642. Estancia oscura con una vela que ilumina la estancia, juego muy
contrastado de sombra y luz. Inspiraion en la realidad. Las mas famosas son las de la
magdalena penitente (retirada al desierto para meditar). Pintura muy intimista,
relacionada con movimientos religiosos como el jansenismo. Contraste tan evidente
hace que algunas figuras se transformen en figuras geométricas.
27/04
TEMA 4: EL FLANDES CATÓLICO. EL ARTE EN LA CORTE DE LOS

ARCHIDUQUES
4.1.EL FLANDES CATÓLICO Y EL GOBIERNO DE LOS ARCHIDUQUES

Situación política: Flandes católico es la actual bélgica. Eran posesiones que desde el punto de vista dinastico
pertenecían a los Habsburgo. Se incorporan a la corona españols con Carlos V. heredados después por Felipe
II, pero siempre conllevan problemática. En el s. XVII hay unas guerras de religión que llevan inestabilidad
política,la cual provoca la división del territorio (forma mas concreta con la paz de Utrecht). Con la unión de
Utrecht (1579), las provincias del norte se independizan del resto del territorio (la actual Holanda/paisos
bajos). Se independizan de la corona española. Provincias protestantes. El sur se mantiene territorio
dinastico y católico, aunque con algún punto protestante. Enfrentamientos siguen después de la unión,
durante el s. XVII.
A partir de 1598 se plantea un gobierno del territorio con cierta independencia. Son posesiones de la
monarquía pero entre 1598-1648 gobierno con cierta independencia, la de los archiduques. Flandes católico,
o estado de los archiduques. Felipe II es heredero de esos territorios, cuando muere, pasan a su hija.
Gobierno independiente en el que Isabel Clara Eugenia gobierna. Marido es Alberto de Austria. Importante
promoción artística. Momento de paz con la tregua de los 12 años que permite esplendor artístico, aunque
las provincias siguen en constante enfrentamiento. En 1648 se firma la paz de Munster.
Los archiduques desarrollan un programa político y cultural. Arte de tipo cortesano, promueven el mecenaje,
contratan a los mejores artistas del norte de euroipa. Promueven un programa de reconstrucción de ciudades
arruinadas por la guerra para legitimar su poder. También momento de recuperación económica.
El movimiento luterano antes había provocado revueltas en el norte de Europa. La actual Holanda abraza la
fe protestante y fue un momento de constante enfrentamiento bélico. Tormewnta de imágenes. Comienza a
construirse la leyenda negra de los españoles. En ese contexro previo de destrucción, los archiduques
promueven lo contrario, la bonanza económica ayuda a esa promoción.
4.2. ARQUITECTURA DE LOS JESUITAS EN EL FLANDES CATÓLICO
Tipo de arquitectura religiosa que se desarrolla en el Flandes católico, particular. Espacio frontera con las
provincias del norte, independientes y protestantes. Núcleo de la problemática religiosa. Ideas de la
contrarreforma (papel de las imágenes, del arte… se aplican al Flandes católico). Baluart catolic en el punto
mas problemático de las guerras de religión. Problema constante de geografía de religión. Primera línea de
35
defensa del catolicismo. Difícil defender la fe católica en el centro del protestantismo. Los encargados de ello:
la orden de los jesuitas, se funda en el 17, Oyola. Misión defender y difundir la fe católica.
Tipología de iglesia que los jesuitas promueven en los edificios de nueva planta. Tipologías que dependen de
las romanas pero cierta originalidad en su planta.
- IGLESIA DE SAN IGNACIO DE LOYOLA
Santo fundador de los jesuitas. Cambia de nombre: san Carlos borromeo de Amberes. Los
dos santos importancia en la contrareforma. Borromeo obispo de Milan que hace las
instrucciones de los edificios. Pieter huyssens (concepción del edificio). Tipología de edificio
que depende de los que tenían los jesuitas en roma, se ve muy claro en la fachada: clasicista
pero inspirada En la iglesia madre de los jesuitas en roma -> IL GESÚ. Optan por una
solución que se convierte en un modelo para las fachadas de los jesuitas. Modelo que deriva
de los renacentistas. Primer cuerpo que ocupa todo el ancho, segundo piso con forma de
templo y volutas que unifican los dos pisos. Se traslada a san Carlos borromeo pero
trasnformado. Solución mas elevada, (infl gótico). Pantallas en el primer piso + atico +
volutas. Se multiplican los elementos de la fachada, mas recargado y movimiento de la
fachada mas destacado, mas juego de luz y sombra. La de il jesu es mas plana y
simplificada.
En el interior, s. XVIII hubo un incendio, el actual interior no es original. Representaciones que nos
permiten ver como era. Se opta por una planta diferente, de tipo basilical. Como si fuese paleocristiana, de 3
naves -> búsqueda de una espiritualidad más pura. Se busca ir a los primeros momentos de la cristiandad.
Contrareforma arte para la persuasión y reforzar el poder, pero jestuitas
búsqueda cristiandad primitiva (adaptando las primitivas basílicas), en
cierta manera es también lo que hacen los protestantes. Bóveda de cañon
con casetones. Laterales tradición gotica con las bóvedas de crucería,
combinadas con cubiertas con plafones con pinturas, tapando
la bóveda de crucería, con pinturas de Rubens que se han
perdido. Bóveda de cañon nave central ingfuencia original il
gesu.
- SAN MIGUEL DE LOVAINA (HESIUS)
MISMa solución que san Carlos borromeo. Edificios de nueva planta. La fachada modelo de il
gesu. Planta basilical pero sí que hay transepto rematad por dos ábsides. Nave central y
laterales bóveda de crucería.
4.3. LA PROMOCIÓN ARTÍSTICA DE LOS ARCHIDUQUES
Como utilizan el arte para diversas cuestiones. Gracias a la pintura: como visualizan aspectos de su gobierno,
como refuerzan su papel en la cohesión del territorio y como utilizan el arte para visualizar sus intereses
como figuras cultas -> coleccionismo.
Flandes católico depende del matrimonio de clara Eugenia (gobierno depende de ella, hereda de
Felipe II los territorios). El archiduque también papel fundamental pero bajo Eugenia. En los
primeros ejemplos de imágenes suyas, todavía dependen de la tradición retratística manierista.
Ya están casados, imágenes especulares, mismas poses, efecto espejo. Simplemente para
mostrar la posición social y política. Típico retrato cortesano finales XVI principios XVII.
Puede ser entera o mitad cuerpo, cortinaje del fondo y manos visualizando su posición social,
cogiendo joyas, cogiendo espada (control político y militar). Ella tiene un abanico, poco
habitual porque Europa no tiene abanicos (primera flamenca oleeee roneantaaa), vienen de Asia
a través de Portugal (parte de la monarquía hispánica en estos momentos, la España en la que
no se ponía el sol). Portugal conexiones comerciales Asia en las que llegan objetos de lujo,
exclusivos: abanico. Refuerza su posición social.
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Tipología que se repite en las imágenes de los archiduques. Poder cortesano por posición social o militar:
espada, cetro… en el caso de clara Eugenia presencia de enanos que también hablan de un circulo muy
reducido, figuras que solo forman parte de las cortes, era habitual regalárselos. Hombres de
acompañamiento.
Mas original cuando aparecen juntos, no era habitual. Porque los 2 tienen el poder pero la que es
responsable es ella por derechos dinásticos. No es una mujer supeditada al hombre. Casi siempre él
está a su derecha -> supedita la figura del archiduque a la suya. También en segundo plano.
Representación de los dos como pareja no solo en retratos
oficiales, también en representaciones de episodios, costumbristas.
Cuadro de Brueghel boda presidida por los archiduques. Presencia
de los archiduques aquí sentido porque están cohesionando el
territorio. Sociedad estamental y el orden social depende de que se
diferencien los estamentos. Ese orden se tiene que mantener. Pero
en esta imagen, sigue siendo propagandística. Imagen de tipo
folklorica. Fertilidad de la tierra, bonanza económica, gracias a los
archiduques.
04/05
No solo son responsables de eso sino también queda reflejado
relacionados con colecciones de pinturas. Representaciones
como promotiores de actividades artísticas, pinturas y
colecciones. Papel activo y pasivo, ellos representados en
estos espacios. En este caso, en un gabinete de pintura,
espacio coleccionista (willem van Haecht. Como seria la
habitación de un coleccionista. Imagen en cierta manera
propagandística. Se les ve comentando una pintura y el
coleccionista propietario explicando. Archiduques como
promotores del coleccionismo en el Flandes católico.
Promotores cde conocimiento, de la cuencia. Realista porque
es una habitación real pero también retorica. Las pinturas de
los muros son todos flamencos -> historia del arte flamenco, archiduques
ligándose a la pintura flamenca, continuadores de la tradición pictórica. Rubens
esta comentando con el archiduque la calidad de una pintura, representados al
mismo nivel. Van Dyck también. Pasado + presente pintura flamewnca.
Mayoría de pintores de la ciudad de Amberes. En cierta manera visibiliza el
coleccionismo y archiduques como defensores de las artes en un periodo de
prosperidad. Imagen deQuentin massys, archiduque interesado en comprársela
al coleccionista = interés de tener obra de la tradición pictórica, evidencia su
conocimiento de la pintura. El coleccionista, aunque el archiduque quiere
comprarla, la mantiene, distinta visión del arte entre clases. Niño con una
estatua enseñándosela a clara Eugenia. Imagen de cupido, apuntando con su
flecha al archiduque, alegoria del amor hacia la pintura de los archiduques.
Retorica visual.
Cámara de maravillas, jan Brueghel. Coleccionismo vinculado con la curiosidad.
Elementos ciuentificos, etc. Archiduques visitando una. Misma idea. Archiduques
presentes en un espacio de coleccionismo. Como la ciencia, archiduques promotores
del conocimiento. Cuadro importante dentro: animales antropomorfizados en acto
iconoclasta, rompiendo pinturas y elementos científicos. Referencia a ese pasado y
como los archiduques significan todo lo contrario, que promueven el desarrollo de
las artes. Animal = irracional, ignorante.
37
Pinturas alegóricas vinculadas con los sentidos. 2 grandes series dedicadas a los 5 sentidos. Les regalas a los
archiduques kenfwre. Se conservan 2 pinturas de jan
Brueghel que se cree que son copias casi exactas de las
que el ayuntamiento de Amberes regaló a los archiduques.
Estaban en la sala de audiencias, donde recibían a otros
miembros de las cortes europeas -> importancia política.
Promoción y glorificación de los archiduques (bonanza
económica, promo arte…). sentidos siempre como figuras
femeninas (alegorías) haciendo actividad vinculada con ese
sentido. En el del gusto oído y tacto: gusto tiene mas
objetos, bodegon, animales etc. -> prosperidad económica,
gracias al gobierno de los archiduques, además que son
propietarios del territorio (ventanas en las que se ve un
paisaje, castillos, etc.) manera de mostrar que ese
territorio es suyo. como los sentidos están al servicio de los archiduques. Pinturas que representan la
extracción de un dienre y las bodas de Canaán, sentido del tacto y el gusto.
Otra serie, colaboran Brueghel y Rubens. Cada imagen representa a un sentido. La vista: mirando un cuadro,
en un gabinete de pinturas, se ve el palacio al fondo (presencia efectiva de los arch en el territorio).
Glorificación vista porque observa pinturas. Retrato en pareja de los archiduques y heráldica en el eaguila de
la lampara. El gusto: momento bonanza económica etc. El tacto: algo diferente, venus dando un beso a
cupido. No son tantos elementos vinculados al tacto si no armadyuras de la colección de los Habsburgo.
Armaduras en contacto con el cuerpo, manera de mostrar a los archiduques a través de una imagen, no están
en imagen pero si como promotores. El olfato: . tratar de percibir un sentido a través de otro. Trasnimtir la
sensación que trasnmite tocar una armadura a través de la vista.
4.4. RUBENS (1577-1640)

Era el pintor que cobraba mas caro sus pinturas, todos querían entrar en su taller. También fue embajador,
viajo por países de Europa -> conocer tradiciones pictóricas para desarrollar su estilo. 1600 se traslada a
Italia, Mantua, con la familia de los Gonzaga. Viaja mucho y conoce la tradición italiana. Caravaggio en 1600
comienza a pintar las pinturas de las capillas. Conoce a Claudio monteverdi (primera opera de a i¡historia,
Orfeo de monteverdi). En esta estancia viaja a españa como diplomático en 1603 y conoce la tradición
pictórica de Felipe II, serie de pinturas del ámbito veneciano. Acaba en 1608 que vuelve a Amberes por
enfermedad de su madre, ya había muerto. Los archiduques le denominan pintor de la corte. Corte de los
archiduques estaba en Bruselas. Amberes mas relevante por la tradición pictórica. Rubens pide vivir en
Amberes, por su importancia. Consigue vivir fuera de la corte.
La ciudad de Amberes le encarga imagen de adoración de los magos, regalo después de la tregua de los 12
años. Muchas de las pinturas son de esta época (1609). Imagen que celebra la paz conseguida con los
archiduques. Tipo d epintura que aprende gracias a sus viajes a itlaia. Tenebrismo de Caravaggio en el fuerte
contraste, clara doiagonal. Figuras de los portadores inspirados en miguelangel, techo capilla sixtina, los
ignudi. Representa la sumisión del poder monarquico a la iglesia, pode rral reconoce el poder religioso. Las
monarquías lo son por la gracia de dios. Rubens se representa mirando.
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Rubens figura muy culta e interesado en la filosofía de su tiempo.

Involucrado en el neoestoicismo: coge elementos de la filosofía
estoica y los traslada y combina con el cristianismo. La figura mas
relevante del estoicismo antiguo es seneca. Nos debemos ocupar
de solo lo que esta en nuestras manos. Dejar de lado las pasiones
y pensar relmente lo que nos afecta. La muerte no depende de
nosotros, todos vamos a morir. Nos invita a vivir felices
preocupándonos solo de lo que depende de nosotros. Quevedo
poeta muy vinculado también. Pintura de los 4 filosofos, interés
de el y sus amidtades por ese movimiento. Único filosofo de
verdad es justo lipsio, el un humanista llamado jan van der
wouwere. Están hablando y comentado aspectos de esa filosofía.
Los del centro estaban muertos, pero el los pinta. No es una
conversación real, es de los intereses humanistas de la filosofía.
Libros y busto de seneca. 4 flores, tulipanes, alusión a los países
bajos. Alusión nacional del ámbito flamenco de interés por la
figura de seeca. Unos cerrados y unos abiertos, manera de
representar que 2 estan muertos.
06/05
Tríptico, tipología norte Europa. Imagen central descendimiento de la cruz. Rubens ve en Italia… manera en
la que representa los 3 epusodios relacionados con el santo protector del gremi de alcabusers. Capilla de san
cristofor, patro del gremio ese de la ciudad de Amberes. Cristofor, que lleva a cristo. Figura casi gigante y
que lleva a cristo a sus espaldas. Trasladar esa idea del cristoforo a estas 3 imágenes. Momentos en los que
cristo ha sido transportado por alguna figura. Izquierda:
Visitación de maría a Isabel. María es la que lleva a cristo,
en su interior. En la derecha es la presentación en el
templo. El sacedpte esta sosteniendo a cristo. Desde el
punto de vista formal, mas influencia italiana en la imagen
del centro, contraste de luces, luz dirigida al cuerpo de
cristo, en diagonal que representa la idea del
descendimiento. En las puertas del tríptico san cristoforo
llevando al niño, figura hermitano iluminando el camino.
Rubens coge una figura que ha estudiado en Italia para san
cristodor, el hercules Farnesio. Referencias italianas en su
viaje + modelos formulas etc de sus obras. Juego
intelectual de cristo llevadpo por alguien a través de diferentes temáticas.
Otro cargo importante: decoración iglesia de los jesuitas. Pinturas que no se han
conservado. Rubens y su taller decoración completa. Se conservan 2 pinturas en el altar
mayor que representan los milagros de 2 figuras fundamentales de los jesuitas: san
Ignacio de Oyola y san francisco Javier (función misionera en Asia). Resalta los milagros
y los santos como intermediarios entre divinidad y fieles. Misma postura con las manos.
San Ignacio haciendo curaciones dr endemoniados, mirada al cielo y una mano sobre el
altar. Bajan los ángeles, manera de visualizar la acción ducuna. Demonios suben, escapan.
En los de san francisco Javier, varios milagros en Asia: resurrección de un muerto (figura
piel vblanca), otras curaciones milagrosas y expulsión de los idolos paganos de los
templos. Postura indicando el cielo y la otra dirigiendo la acción a etc. Propaganda y
defensa de los ideales católicos.
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TEMA 5: LA REPÚBLICA DE LAS PROVINCIAS UNIDAS
5.1. LA REPUBLICA DE LAS PRIVINCIAS UNIDAS

1579, periodo de guerras de religión -> división. Queda territorio propiedad hispánica y católico las
provoncoias woknfklr. Las del norte independientes que luego serán los países bajos. Deseos independencia
de esas provincias encabezadas por Guillermo de Orange, aglutina ideas independentistas y defiende la
independencia. 7 provincias: Holanda, Zelanda, Utrecht, Gueldres, Overijssel, frisia, Groninga.
Estructuradas políticamente con cierta autonomía. Estatuter? Equivalente a un rey o presidente. Cada
provincia tiene una autonomía, reuniones para discutir problemas de las 7 provincias. Orange noble.
Independencia acompañada de prosperidad económica. Ámsterdam = puyerto mas importante de Europa,
por el comercio. 1502 se funda compañía holandesa de las indias orientales -> monopolizar el comercio con
Asia. Enclaves comerciales, modelo de colonialismo basado en controles comerciales. Nueva york, fundación
holandesa, era nueva Ámsterdam.
Territorio protestante, calvinismo, de raíz luterana. Situación diferente a Italia, Francia o incluso Flandes.
Estructura social diferente: no hay monarquía, la iglesia no tiene tanta fuerza. Los que encargan obras es la
burguesía -> otras temáticas.
5.2. LECCIONES VISUALES DE ANATOMIA: CIENCIA, ARTE Y VANITAS EN LOS PAÍSES
BAJOS
En el XVII comienza a desarrollarse la ciencia como la conocemos ahora (estudios de Kepler, copernico,
telescopios…). En las provincias unidas este interés por la ciencia se desarrolla mucho mas porque no hay un
poder religioso que lo cuestione. Creen en dios y todo esta encaminado a entender como dios a construido el
universo.
Lección anatomía dr. Tulp. Envcragada por el gremio de los cirurgianos?. Retrato
en grupo, una corporación. Momento de disección de un cadáver. Todos los que
forman parte de un retrato en grupo pagan, con jerarquías. Estaban colgados en la
sala principal de la sede del gremio. Imagen de autorepresentacion. Doctor hace
una explicación. Explicando un nervio, activando el movimiento de uno de los
dedos. Descubrimiento. Avances científicos del mundo. Rembrandt pinta otra
lección. Sufrió un incendio y esta recortada. Lección del doctor deijman. Esta
abriéndole la cabeza. La otra figura tiene en la mano la parte superior de la cabeza.
Lección de anatomía del doctor ruych. Es el que protagoniza muchas
lecciones. Explicando funcionamiento músculos pierna. Habían en total
7 cuadros. Otra, original, el famoso por estudios de niños. Jan van neck.
Se dedicaba a estudiar el cuerpo humano sobretodo el infantil. Aquí los
vasis sanguíneos conectados con la placenta. Figura un poco grande
para ser un recién nacido. Un niño que es su ayudante = su hijo. Luego
los huesos se conservaban para estudiar la anatomía. Muchos de los
esqueletos que obtuvo por abortos a través de comares, habitual. Su
hijo en ese momento 20 años pero repr mas joven por la idea de la
infancia.
Las lecciones y disecciones de cuerpos en Waag, sede del gremio de cirurgianos y
pintores (de disecciones). Manera estratégica de la sede. La plaza era de
ejecuciones. Puerta de acceso: palabras theatrum anatomicum, templo antiguo?.
No se conserva la sala de disecciones, pero hay grabados. Espacio que era como un
anfiteatro. Mesa en el centro y sillas alrededor. Habían disecciones públicas para
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todos. Cúpula con escudos y la del centro el escudo de armas de frederik ruysch.
Las disecciones, de manera regulada, desde 1555 se pueden diseccionar cadáveres masculinos. Femeninos
1650. No se podían diseccionar por la idea de la resurrección.
Qué cuerpos eran dieccionados^? Figuras de condenados. Se conocen algunos nombres, del dr. Tulip fue un
ladrom: aris kindt (era joven) por robar una chaqueta. Cuerpos que tenían rechazo social. La idea de la
resurrección no suponía un problema entonces. La de egberts, esqueleto de un pirata. Figuras que actúan
como lección moral. Deijman también un ladrón. No hay imágenes de autopsias femeninas. Habitualmente
prostitutas.
Cómo se estudia el cuerpo humano? Tradición clásica fundamental. Médicos antiguos: galeno e Hipócrates,
médicos que escriben libros que se mantienen como verdades durante muchos siglos. No se cuestiona hasta
el s. XVII. Lo que cambia ahora es que se estudiara a través de la observación directa. Probablemente estos 2
si que hicieron alguna disección o ver mutilados de guerra o heridas de gladiadores. Llegar a conclusiones a
través de analogías con animales.
Vesalio es el que comienza a cuestionar las ideas de Hipócrates y galeno haciendo
una disección.
A lo largo de la edad media alguna disección, constancia liuzzi descripción interior
cuerpo humano. Da vigevano, algunas ilustraciones. Representación de los
conocimientos y el saber. Hay 6 ilustraciones.
Muy importante vesalio, 1543 publica el de humani corporis fabrica, colaboración
principales grabadores. Comie3nza a contradecir las opiniones que perduraron en
la historia desde época clásica.
Estas imágenes conexión muy potente con la tradición de la historia del arte.
representación del esquerleto meditando sobre la muerte. Tradición vanitas, fugacidad
vida… imagen libros anatomía representación músculos, cuerpo humano sin piuel. San
Bartolomé, santo que despellejan. Conexiones entra arte y ciencia: juan Valverde de amusco
-> spellati. Inspirado en el san bartolome de la capilla sixtina, aunque este tiene piel.
Cuerpo disección anatómica de deijman, modelo en mantegna, cristo muerto. Recurso de la
historia del arte como modelo para las ilustraciones científicas.
Problema 2d y 3d. no hay idea clara de donde están los órganos por ejemplo, el cuerpo no es plano.
Solución -> figuras en 3d. ejemplo de mujer embarazada. Se podían desmontar. Bidimensional papel
vs 3d. aproximación sin tener que abrir un cuerpo. Siempre el cráneo, reflexión sobre la muerte,
alguna conexión con la tradición, la cultura.
Donde se estudia el cuerpo humano? Teatros anatómicos. Espacios reservados para disecciones. Antes en
otros sitios. Anfiteatro de Leiden. En Italia se hacen los primeros. En España, el primero es en salamanca,
entre 1552-4, uno de los primeros de Europa. Valencia, donde primero se reciben las ideas de vesalio,
médicos piden pemriso para hacer disecciones, los del hospital general. Antes de 1499, cuando se funda la
universidad. Lluis collado, disecciones en valencia. El de Leiden de los mas famosos. Objetos dis`piestos en el
teatro que son esqueletos o figuras que provienen de disecciones previas. Esqueletos que están portando
carteles con insripciones, un árbol, con adan y eva. Referencias a la tradición. Muerte es culpa de adan y eva
para los cristianos. Nacimiento de la muerte en el momento del pecado original. Otros en Padua, colonia,
bolonia. En España solo uno en Barcelona, del s. XVIII.
El de Leiden: se observa de manera empírica como es un cuerpo humano pero presente arte
en idea de vanitas con las nscripciones, muerte a caballo, inscripciones moralizantes sobre
la línea humana. Nascentes morimur: la vida es una cuenta atrás. Nosce te ipsum: puerta
oráculo Delfos, conócete a ti mismo, reflexión sobre la vida, pulvis et umbra sumus. Mors
sceptrs ligonibus aequat: muerte es igualitario, cetro – casmpesino.
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Conexión entre interés temático vanitas, con un anfiteatro anatomico. Ambiente cultural en el que ña
presencia del estudio de la muerte puede dirigirse a estudio cuerpo humano o reflexiones de la vida. Putto
con el cráneo y reloj de arena.
Ruysch cirurgiano de los mas famosos en su tiempo. Fama conocida en toda
Europa. Famoso por investigaciones del cuerpo humano pero también por su
cámara de maravillas. Relación científica-artistica. El inventa un sistema para
prolongar la conservación de los órganos del cuerpo humano. Las disecciones se
hacían en navidad, cuando mas frio hacia. Como conservar mejor el cuerpo? ->
inventa el producto secreto (cera con lavanda o algo así) lo inyectaba y se
conservaba. Todas esas partes que conservaba las mostraba en su cámara de
maravillas, espacio visitado `por médicos relevantes. Grabado cámara de
maravillas de ruysch.
Naturaleza muerta hecha con fetos de niños de 4 meses.
Se le refiere como artista. no se conservan. Se llaman konstwerken, no se denomina
embalsamar, sino obra de arte. acompañada de isncripciones, vinculados Al
pensamiento de la vanitas. Comparación con las plantas. Objeto que habla de los
avances científicos, del conocimiento humano. Otra como llorando manos a la
cabeza. Venas, arterias. Conexión filosofua, Rubens democrito y heraclito, uno se
dedica a reisre sobre las miserias de la vida humana y el otro a llorar. También de
deformaciones del cuerpo humano. Las enfermedades se conocen cuando se hacen
representaciones.
Otras representaciones s. XVII fetos pocos meses, manera de representación. Tradición filosófica y artística
como modelo. Tumba, la muerte, interés de que las composiciones científicas tengan una parte artística.
En el s. XVIII en Florencia se desarrolla la primera figura para el estdio de la anatomía tridiemnsional:
venus anatómica. Figura de cera que se puede desmontar. Hecha por escultores. Cogen diferentes partes del
cuerpo humano para tener uno entero. Cuerpo que se puede abrir. Conexión con la historia del arte. venere
dei Medici. Hiperrealista, cera para que parezca de verdad.. pelo natural. Collar de perlas, alusión nacimiento
venus, donde esta el mecanismo para abrirla. Referencia a las venus de referencia: la romana, la de boticelli y
la de Tiziano. Expresión de la cara, especie de orgasmo. Los órganos hechos con cera. Embarazada. Bolonia,
sala anatómica del palazzo Poggi. Esta la venerina, un poco mas pequeña. En urna de cristal, casi como la
bella durmiente, figuras femeninas durmiendo que esperan el contacto blablábla. Museo cirugía san Carlos
en España. Eva anatómica, en madera.
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5.3. EL RETRATO EN GRUPO
Característica y casi exclusiva del ámbito holandés/protestante. Documento que permite estudiar la política
y las relaciones sociales de la época. Tipo de retrato de las personas que forman parte de diversas
corporaciones. Cívicas, benéficas, literarias… asociaciones que encargan retratos en grupo de los miembros
de esa corporación, solo salen los que pagan. Cambios de tipo formal en estos retratos. Los militares y cívicos
comienzan a hacerse en el s. XVI. Pequeña evolución” desde unos retratos mas estáticos, mas manieristas,
menos individualización a el s. XVII transformándose en imágenes mas dinámicas y naturales. Lo que se
observa es que una imagen que se puede asociar a un concepto, deja de ser una imagen mas simbólica a ser de
tipo narrativo. Las lecciones de anatomía entrarían dentro de este tipo. En función de la cantidad que paguen
salen mas o menos, todo regulado.
Las primeras imágenes retrato en grupo ámbito protestante, s. XVI, de
tipo estático, ej: germanor jerusalem de Harlem. Muy estática y casi
repetitiva, en cierta manera individualizados en su rostro pero todos en la
misma posición, a la misma altura, no hay voluntad de naturalismo. Lo
importante es reconocer los miembros : escudos nobiliarios para
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identificarlos. Solucioines que los pintores adoptan de manera individual. Otro ejemplo: dirck jakobsz,
retrato de la milicia d’alcabucers, van scorel, guardia cívica de los kloveniers. Momento de guerras de
religión, sentido de estas corporaciones en general es la defensa de las ciudades. Retratis como este
habituales en momentos de guerra. Cuando hay periodo de paz, se hacen menos porque ya no tienen tanto
sentido.
2 tipos de acciones: miembros representados haciendo alguna
actividad relacionada con la corporación. Por ejemplo las
armas, haciendo disecciones… o en el momento de algún
banquete oficial, cuando se reúnen: cornelis anthoniscz,
corporación cívica, comiendo intento de que sea una imagen
mas naturalista, aunque sigue siendo un poco artificial.
Hacia finales del s. XVI, pintores plantean soluciones diversas, ya no solo
representar a los personajes sino la acción hacerla mas natural. Cornelis kettel,
retrato de la compañía del capitán rossecrans. Casmbio gradual pero conviven con
imágenes estáticas.
Otro banquete: cornelis cornelis<, retrato de los oficiales de la compañía de san
Jordi. Banderas, armas….
→ REMBRANDT LA RONDA DE LA NOCHE

Retrarto en grupo de una corporación militar. Nombre se
pone en el s. XIX: estaba muy oscura, se cree que es una
salida de noche para patrullar la ciudad -> lectura
errónea. Titulo real: la compañía militar del capitán
Frans… cambiar la tipología habitual. Antes retratos en
grupo muy repetitivos. Su aportación: plantea un retrato
en movimiento, representa cuando el capitán con la mano
da la orden de salir del cuartel. Los miembros de la
corporación cívica, imagen dinámica. En su momento no
fue considerada una gran obra. Emblema del estado
holandés, pintura nacional. La pintura fue recortada. Para
ponerla en nuevos emplazamientos. Se conserva una
copia de antes de ser recortada.
Van der Helst, pintor más famoso de
Holanda del s. XVII para realizar
retratos en grupo. La compañía del
capitán roelof wkjeiwebfiubrui.
Plantea un retrato en grupo mas
relacionado con esa tradiciones tatica,
aunque contempla cierta narración.
Derecha: cuartel de la corporación,
miembros con las armas, luego llega un miembro que lleva una nueva bandera de la corporación, observada
por otros miembros, también con las armas, esperando la batalla. Otros con copas, idea del banquete. Pero
supeditado a que todos los que han pagado deben estar en la imagen. Otra: el banquete de la guardia cívica
celebrando paz de munster, 1648. A partir de ese año, pinturas corporaciones militares no son habituales.
Banquete, intenta representar la propseridad econokmica y orgullo nacional de un territorio que se convierte
en una potencia mundial. Representación de un momento de orgullo ciudadano.
5.4. LA VIDA COTIDIANA
Relaismo, se aplica a la pintura holandesa, no es aplicación casual. Aquí es donde miran los pintores del s.
XIX del realismo. En el s. XVII no se le llama realismo, pero si que hay una representación de la realidad.
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Escenas de interiores, característica. Se plantean como hacer esas imágenes, una casa holandesa del s. XVII,
limpiando, haciendo una receta, tocando un instrumento… unos piensan que hay que pensarlas en clave
alegórica y otros que hay que hacer una lectura realista de la sociedad.
Cuestión de pinturas alegórica sporque pintura flamenca anterior, imágenes de tipo religioso en espacios de
interiores. Religioso en espacio contemporáneo, anacronico = imagen de tipo alegorico o lectura moralizante.
Por eso hay que tener en cuenta estos antecedentes. Imagen del cirujano, exytraccion de la piedra de la
locura, no es una imagen folklorica, van hermessen. Natura morta, pero al fondo cristo en casa de maría,
joachim beuckealer.
Diferenciación de genero: en grupo no hay mujeres, alguna sirviendo. En interior mas femeninas que
masculinas.
Pieter de hooch, mujer con balanza, típico
holandés, estancia, con una ventana, mujer
haciendo una actividad. Alegoria sobre la
avaricia, calculando los gastos, compensando la
economía familiar. Alegoria por la tradición, de
cuadros s. XVI de alegorías religiosas sobre la
avaricia: matsys, reymersvale.
En otros casos, como Vermeer, otra mujer con
balanza, pero a través de elementos de la
imagen pensamos que es una alegoria, en este
caso por el cuadro del fondo, que es un juicio
final, san miguel = psicostasis, pesar las almas.
Las dos lecturas pueden ser complementarias.
Pareja con un libro, Pieter de hooch. Escena d einterior, señor y
señora con una jaula con un loro. Instrumento, loro y escoba,
posibles lectura alegórica, de tipo sexual. La escoba en muchas
escenas de interior como en la carta de Vermeer o Gabriel metsu.
Símbolo sexual de sentido también de limpiar la casa de espíritus.
Tradición de los proverbios holandeses: s. XVI idea escoba con
encuentros sexuales fuera del matrimonio, cuadro de Brueghel,
advertencia del peligro de los encuentros sexuales fuera del
matrimonio. El loro, también sentido alegorico cultura holandesa
Vogel = pájaro = miembro sexual masculino.voglen = pajarear =
acto sexual. Vogelaar = cazador pájaros = amante. Gabriel matsu el
regalo del cazador, dándole un pájaro a la mujer y arriba esta
cupido. Grabado de gillis van breen, vendedor de aves, s. XVII. Es
una manera de galanteo, coloquial. Instrumentos de cuerda
asociados al amor, cupido con instrumento, armonía entre los
amantes. Si no hay armonía, instrumentos cuerdas rotas.
En algunas pinturas de Vermeer, esta cuadro con cupido, brazo alzado con una
carta, mujer con el virginal y en la lección de música interrumpida. Cupido esta
representando, libros de emblemas de la época holandeses, Oto Vaenius. Cupido
alzando una cartela y con la otra pisando la cartela: en la del grabado hay un
número, en la del suelo diversos números. El amor perfecto solo se puede dedicar a
una persona. Cupido lleva un 1 que es el único que le interesa. Poliamor.
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TEMA 6: INGLATERRA EN EL S. XVII

6.1. ARQUITECTURA: IÑIGO JONES Y CHRISTOPHER WREN
Iñigo jones mitad camino s. XVI y XVII. introduce el
clasicismo arquitectónico en inglaterra. Viaja a Italia, donde
conoce las obras de renacimiento italiano de Andrea palladio:
villas y casas del norte de Italia de Venecia, el veneto.
Estudiadas por iñigo y fuente de inspiración de
construcciones en Londres en el s. XVII. Ejemplo palladio
villa capra, villa rotonda. Aprende la utilización del clásico de
manera muy sencilla. Linias muy puras y sencillas y
elementos primoridales para hacer un edificio. Palladianismo:
influencia plladio. Iñigo jones + otros arquitectos siguen el
movimiento de palladio que en Italia tiene mucha repercusiones.
Villa al centro, costados otras estancias, 2 brazos conforman esta
tipología. Villa barbaro: lenguaje clásico puro y sencillo centro +
espacios laterales. Lo adapta a una residencia real. El primer
ejempio de iñigo jones era la queen house, Greenwich, primer
edificio completamente inspirado en clásico en Inglaterra. No es el
típico barroco recargado. Mucha sobriedad, figuras puras.
Algunos elementos decorativos. Desde el punto de vista de la
armonía y las proporciones.
Punto vista formal esta fachada no tiene elementos clásicos la otra si. Balaustrada que unifica todo el edificio.
En la otra pocos elementos clásicos: balconada hacia el jardín estructurada con columnas jonicas. Primer
edificio completamente pensado con el lenguaje clásico que se hace en Inglaterra inspirado en palladio.
Otras aportaciones de iñigo jones: banqueting house,
espacio para banquetes, formaba parte del complejo
residencial de los reyes ingleses en los s. XVI y XVII. La
residencia de los reyes era el whitehall pallace, solo queda
el banqueting hall. Banquetes y recepciones. Segundo
edificio pensado en ese lenguaje clásico. Elementos
puramente necesarios. Parte central un poco mas resaltada,
semicolumnas. Disposición similar a la Queens house.
Lugar de banquetes, promoción y distinción monárquica.
Decoración encargada a Rubens. Techo sala principal del
banqueting hall: apoteosis rey Jaume I Inglaterra,
encargada por Carlos I, glorifica a su padre. Defensa de que la monarquía es por la gracia de dios, orden
divino, defensa del poder absoluto. Figuras alegóricas como justicia fama que lo apropan a las figuras divinas.
Fueron recortadas con lios con las medidas.
→ CHRISTOPHER WREN
Es un arquitecto aficionado, el era stronomo, pero al final estudia a arquitectura. Viaja a parís cuando Bernini
es reclamado por Luis XIV. Carta de su experiencia en parís. Importante para entender arq del momento y
conformación de la iglesia de san pablo.
Big fire 1666, destruyte gran parte ciudad medieval. Calles estrechas, casas de
madera, en verano, etc. Se queman 87 iglesias. Acaba con los restos de la
primitiva catedral de san pablo. Recibe el encargo para renovarla y el plano
urbanistico?. Propone una ordenación urbana. Proyecto que busca la
reordenación plenamente barroco, serie de plazas a partir de las cuales salen
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unas grandes avenidas. Modelo tridente de roma, también jardines versalles. Este proyecto parecido, en
roma el protagonismo el poder religioso, versalles político, en Londres, el edificio de la bolsa, punto de
partida del urbanismo. El proyecto no se realiza, por falta de dinero. Se hacen solo algunas partes, se
concentran los esfuerzos en la catedral de san pablo.
- CATEDRAL SAN PABLO
Clásico, modelos san pedro vaticano. Inicialmente proyecta planta centralizada,
propuesta parecida a lo que pasa con san pedro, sentido porque es donde es
martirizado san pedro. Se rechaza. Todo supeditado a una gran cúpula. Proyecto
planta centralizada segunda rpropuesta, combinada con un portico, maqueta de
madera. Otra cúpula función de campanario. Tampoco gusta, planta cruz latina.
Exterior lenguaje clásico. Proyecti final la cúpula del portico se convierte en las
2 torres campanario, inspirado proyecto Bernini en san pedro. Columnas
pareadas = Louvre perrault. Wren conoce los dibujos y proyectos y además
habla con Bernini.en estados unidos columnas perrault/clasicismo. Solución de
perrault para su fachada de san pablo. Clasicismo muy sencillo. Sobriedad y
contención = arquitectura inglesa.
6.2. VAN DYCK Y EL RETRATO CORTESANO
Pintor flamenco, Amberes, conoce a Rubens. Ambiente cultural Flandes s. XVII.
Viaja a Italia.
Viaja a Inglaterra y tiene una serie de encargos y construye su fama como pintor
cortesano.
Retratos Carlos I (quien encarga a Rubens techo banqueting hall). Glorificación de
su figura como monarca absoluto. Típico esquema de retrato ecuestre. Con maestro
de equitación, atravesando arco de triunfo, imagen inicialmente pensada para White
hall, al fonal de un pasillo. Con armadura, como guerrero, bastón comandament…
Van Dyck construye imagen del retarto cortesano, elementos se repiten en retratos nobleza. Elementos
arquitectónicos y cortinas que ambientan. A partir de aquí, idea columna cortina en muchos retratos nobleza
inglesa. Escudo también. Retrato emblematico porque representa al monarca.
Van Dyck reinterpreta la tipología de retrato ecuestre que Rubens había apostado
pro un retatro ecuestre. Así forntal no es lo normal. Normalmente va de perfil.
Rubens es el que lo cambia. Duque de Lerma, Giancarlo doria, mas movimiento,
sensación de que se sale del cuadro. Es lo que hace van Dyck, juega con la
disposición. Modelo de Rubens reinterpretado. Elementos heráldicos que
construyen la imagen del monarca. Maestro lleva el casco, solución modelos
romanos. Pero también uno de perfil, mas hierático, pero también . en esta pintura
van Dyck pone en juego su conocimeinrto de la pintura venec iana. Los artistas
barrocos o bien van a Venecia o obras en su sitio.con ayudante con el casco,
Conocimiento tipología veneciana a teraves de Rubens en ese caso. Reinterpretando el modelo de tiziano
Carlos V.
Representación Carlos I de caza. Original, estas representaciones con elementos que aluden a
la caza, con el arma, animales de caza, etc = tipología habitual. Aquí no hay estos elementos,
representa en momento de descanso, como si se girara y nos mira. Momento relajado.
Interesante disposición del caballo, cabeza abajo, actitud naturalista = smensaje secundario,
posición sumisa del caballo, relación con otras temáticas como las adoraciones de los reyes
maghos, (tiziano). Representar la dignidad real De ese personaje.
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Carles I personalidad de carácter melancólico e interesado en la moda del

vestir y del cabello. Fashion victin, pendiente. Retrato triplke de van Dyck
para hacer un busto que tenia que hacer Bernini. Antecedentes: lorenzo lotto
de un platero y retrato del cardenal richeliu de de Champaigne. Lleva el
pelo de forma particular, asimetrico, mas largo del lado izquierdo. Era la
moda del momento. Lovelock, tipología en otros retratos y meimbtos de la
alta sociedad inglesa. Hijo Carlos II y su hermana elisabeth, un pendiente
con una trenza del pelo de su hermano. Mas argo de la parte izquierda
porque esta ahí el corazón, forma de resaltar el afecto que tienen por una
persona.
Encargos miembros corte: doble retrato con diplomático endymion porter. Pintor posición
secundario. Tipología de representación amistad, los dos manos sobre una piedra = fuerza de
su amistad.
6.3. PROMOCIÓN ARTÍSTICA COMO SIGNO VISIBLE DE DISTINCIÓN SOCIAL DE LA
NOBLEZA
Discutiendo de pintura y convieetiendose de conocedores de la pintura. Interés
noble por la pintura = distinción social. Conocimiento que le diferencia del resto de
la nobleza. Los propios pintores también se intenta acercar a la nobleza
defendiendo que su trabajo también es intelectual. -> liberalidad de la pintura,
pagar menos impuestos. El noble pintor.
Uno de los retratos mas originales cortesanos: wilkiam feldinf. Relaciones
diplomáticas mundo asiático. Vestido indumentaria oriental, donde el trabaja como
diplomático. Mezcla elementos oriente (casaca, pantalones = pyjamas llega por
Inglaterra y holanda) y occidentales (borguera, cuello blanco). Escena de casa,
paisaje inventado por van Dyck, no verosímiles, inventado. Niño con loro, no lleva
ropa indi s. XVII. Es un loro sudamericano. Palmera inventada. Retratar una figura
de poder, realzar su posición social como embajador mundo oriental.
Cultura visual Inglaterra XVII a partir de la decapitación. Acusado traidor de utilizar dinero y ejercito para
enriquecerse. Condenado a la decapiotacion. Privilegio de la nobleza. Un condenado por robo colgado.
Prerrogativa de la nobleza. En frente del banquetin hall. Grabado con el edificio de iñigo jones. Provoca
preocupación monarquías modernas, por su proipio parlamento, monarca actuando como un tirano y debe
morir. Pinturas de vanitas representación Carlos I, en vez de coronas normalmente. Ejemplo concreto. Se
crea toda una mitología alrededor de esto. Se conservan sus ultimas palabras: me voy de un mundo
corruptible para tener una corona incorruptible. Decapitación crea impacto, se ve en el grabado. Especie de
reliquias. Monarca pide llevar dos camisas porque no quería que le viesen temblar de frio, miedo de que
piensen que tenia frio y no se estaba portando con dignidad. Se vuelve a coser la cabeza al pueblo: monarquía
llorando por la muerte de Carlos I.
Ejemplo pregunta: La mitología en la pintura barroca.
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LUCÍA BOUZAS NAYA, BARROCO, UV 2022

TEMA 1: INTRODUCCIÓN, EL ARTE Y LA CONTRARREFORMA. LA NUEVA

1. EL CONCEPTO Y EL ESTUDIO DEL BARROCO

1.2. DEFINICIÓN CRONOLÓGICA DEL BARROCO

Exemples: són barrocs?

- Renaixement: lineal (Naixement de Venus), superfície, forma tancada, pluralitat, clar.

1.3. REFLEXIONES SOBRE EL BARROCO EN EL TIEMPO DE ENTREGUERRAS

1.4. AMÉRICA LATINA Y EL BARROCO: LA CONTRACONQUISTA

1.2. REFORMA Y CONTRARREFORMA: LA

→ CONCEPTO DE PRESENCIA EN LA IMAGEN

1.3. LAS IMÁGENES AL SERVICIO DEL PODER: PAPADO MONARQUÍA Y NOBLEZA

1.4. LA CIENCIA Y EL BARROCO. LA ÓPTICA Y LA CULTURA VISUAL DEL BARROCO:

1.5. COLECCIONISMO Y GABINETES DE CURIOSIDADES

1.6. VISUALIZANDO LOS AFECTOS: PASIONES Y EMOCIONES.

2.1. LA CULTURA VISUAL EN LA PENÍNSULA ITALIANA DEL SIGLO XVII

- Martirio de San Pedro

2.2. LOS HERMANOS CARRACCI Y LA PINTURA ILUSIONISTA

→ DECORACIÓN PALACIO FARNESE (1598-1601, contemporáneo capillas Caravaggio)

2.3. LA PINTURA ILUSIONISTA

- SAN IGNACIO, ANDREA POZZO

2.4. ARTEMISIA GENTILESCHI (1593-1653)

placer escópico (mirar), de los ancianos y el nuestro. Otras veces como

→ GIAN LORENZO BERNINI

- CAPILLA CORNARO, ÉXTASIS SANTA TERESA

- GALLERÍA BORGHESE, APOLO Y DAFNE

- SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL

- SAN CARLO ALLE QUATRE FONTANE

la antigüedad, Templo de Venus en Baalbek. Inspirado en Mezquita de Samarra. De inspiración en la

TEMA 3: FRANCIA. EL REY ES REY EN IMAGEN -> LA IMAGEN SOLAR DE

3.1. LA PROMOCIÓN ARTÍSTICA

→ MECENAJE MARIA DE MEDICI

Lenguaje grandilocuente. El consejo de los dioses

3.3. LA FABRICACIÓN DE LUIS XIV

La construcción de la imagen se encarga en la academia. Lista de

de las ciencias, visita a la academia de ciencias (Sebastián Leclerc)

Figura interesada en el ballet, gran bailarín, 1651-59 se escriben ballets

→ PINTORES REALISTAS: GEORGES DE LA TOUR

TEMA 4: EL FLANDES CATÓLICO. EL ARTE EN LA CORTE DE LOS

4.1.EL FLANDES CATÓLICO Y EL GOBIERNO DE LOS ARCHIDUQUES

4.4. RUBENS (1577-1640)

Rubens figura muy culta e interesado en la filosofía de su tiempo.

TEMA 5: LA REPÚBLICA DE LAS PROVINCIAS UNIDAS

5.1. LA REPUBLICA DE LAS PRIVINCIAS UNIDAS

→ REMBRANDT LA RONDA DE LA NOCHE

TEMA 6: INGLATERRA EN EL S. XVII

Carles I personalidad de carácter melancólico e interesado en la moda del

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