Art Nouveau,

uluslararası bir sanat, mimari ve uygulamalı sanat akımıdır, özellikle

dekoratif sanatlarda. Bu tarz, farklı dillerde farklı isimlerle bilinir:
Almanca'da Jugendstil, İtalyanca'da Stile Liberty, Katalanca'da
Modernisme ve İngilizce'de Modern Style olarak da bilinir. Art
Nouveau, 19. yüzyılın akademik sanatına, ekletisizme ve tarihçiliğe
bir tepki olarak 1890 ile 1910 yılları arasında, Belle Époque
döneminde popüler hale gelmiştir. Genellikle bitki ve çiçeklerin sinüs
eğrileri gibi doğal formlardan esinlenilmiştir. Art Nouveau'nun diğer
özellikleri arasında dinamizm ve hareket hissi, simetrisizlik veya
şaplak çizgiler aracılığıyla verilir ve demir, cam, seramik ve daha
sonra beton gibi modern malzemelerin kullanımıyla olağandışı
formlar ve daha geniş açık alanlar yaratılır.
Art Nouveau'nun ana hedeflerinden biri, güzel sanatlar (özellikle
resim ve heykel) ile uygulamalı sanatlar arasındaki geleneksel ayrımı
kırmaktı. Bu tarz en yaygın olarak iç tasarımda, grafik sanatlarda,
mobilyada, cam sanatında, tekstilde, seramikte, mücevher ve metal
işlerinde kullanılmıştır. Bu tarz, Fransız mimar Eugène-Emmanuel
Viollet-le-Duc (1814-1879) ve İngiliz sanat eleştirmeni John Ruskin
(1819-1900) gibi önde gelen 19. yüzyıl teorisyenlerine yanıt vermiştir.
İngiltere'de, William Morris ve Sanat ve El Sanatları hareketinden
etkilenmiştir. Alman mimarları ve tasarımcıları, iç mekanda mimari,
mobilya ve sanatı birleştiren, sakinleri yükselten ve ilham veren bir
bütün tarzı olan ruhani bir Gesamtkunstwerk ("tam anlamıyla bir
sanat eseri") arayışındaydılar.
İlk Art Nouveau evleri ve iç dekorasyonu, 1890'ların başında
Brüksel'de ortaya çıktı. Bu tarz, Paul Hankar, Henry van de Velde ve
özellikle Victor Horta tarafından tasarlanan evlerin mimarisi ve iç
mekan tasarımında görüldü. Horta'nın 1893 yılında tamamlanan
Hôtel Tassel'i özellikle dikkat çekicidir. Art Nouveau hızla Paris'e
taşındı ve orada Hector Guimard tarafından uyarlandı. Guimard,
Horta'nın Brüksel'deki çalışmalarını gördü ve stilini yeni Paris
Metrosu girişlerine uyguladı. Art Nouveau, 1900 Paris Uluslararası
Fuarı'nda Louis Tiffany gibi sanatçıların eserlerinin tanıtıldığı
zirvesine ulaştı. Alphonse Mucha'nın posterlerinde ve René Lalique ve
Émile Gallé'nin cam eşyalarında grafik sanatlarda da görüldü.
Belçika ve Fransa'dan Art Nouveau, Avrupa'nın geri kalanına yayıldı
ve her ülkede farklı isimler ve özelliklerle kendini gösterdi. Bu tarz
sadece başkentlerde değil, aynı zamanda sanatsal kimliklerini
oluşturmak isteyen hızla büyüyen şehirlerde (İtalya'da Torino ve
Palermo; İskoçya'da Glasgow; Almanya'da Münih ve Darmstadt) ve
bağımsızlık hareketlerinin merkezlerinde (Rus İmparatorluğu'nun
bir parçası olan Finlandiya'da Helsinki; İspanya'da Katalonya'da
Barselona) ortaya çıktı.
1914 yılında, Birinci Dünya Savaşı'nın başlamasıyla birlikte Art
Nouveau büyük ölçüde tükenmiş durumdaydı. 1920'lerde, Art
Nouveau tarzı, Art Deco ve daha sonra Modernizm tarafından baskın
bir mimari ve dekoratif sanat tarzı olarak değiştirildi. Art Nouveau
tarzı, 1960'ların sonlarında eleştirmenlerden daha olumlu bir dikkat
almaya başladı ve 1970 yılında Hector Guimard'ın eserlerinin
Modern Sanat Müzesi'ndeki büyük bir sergisiyle dikkat çekti.

İsimlendirme Art Nouveau terimi, ilk kez 1880'lerde Belçika dergisi

L'Art Moderne'de, sanat aracılığıyla reform arayan Les Vingt adlı
yirmi ressam ve heykeltıraşın çalışmalarını tanımlamak için
kullanıldı. Bu isim, Paris'te 1895 yılında Fransız-Alman sanat simsarı
Siegfried Bing tarafından açılan Maison de l'Art Nouveau ("Yeni
Sanat Evi") adlı bir sanat galerisi tarafından popülerleştirildi.
İngiltere'de, Fransız terimi Art Nouveau yaygın olarak kullanılırken,
Fransa'da genellikle Style moderne (İngilizce Modern Style ile
benzerlik gösteren bir terim) veya Style 1900 olarak adlandırılırdı.
Fransa'da bazen Style Jules Verne (yazar Jules Verne'in adından
esinlenerek), Style Métro (Hector Guimard'ın demir ve cam metro
girişlerinden sonra), Art Belle Époque veya Art fin de siècle olarak da
adlandırılmıştır.
Art Nouveau, Avrupa'da aynı dönemde ortaya çıkan tarzlara
benzerlik gösterse de, onlarla tam olarak aynı değildir. Her ülkede
yerel isimler, hareketi tanımlamak için kendi ülkelerinde sıklıkla
kullanılmıştır.
Belçika'da, bazen Style coup de fouet ("Kırbaç tarzı"), Paling Stijl
("Yılanbalığı tarzı") veya Style nouille ("Erişte tarzı") gibi isimlerle
eleştirilmiştir. İngiltere'de, Art Nouveau'nun yanı sıra Modern Style
veya Glasgow Okulu eserleri nedeniyle Glasgow tarzı olarak da
bilinir. Modern terimi ayrıca Azerbaycan, Kazakistan, Rusya ve
Ukrayna'da da kullanılırken, Litvanya'da Modernas olarak kullanılır.
Resim için Mir Iskusstva ("Sanat Dünyası") hareketi adı da
kullanılmıştır. Almanya ve İskandinavya'da, Reformstil ("Reform
tarzı") veya Jugendstil ("Gençlik tarzı") adı verilmiştir, popüler
Alman sanat dergisiyle aynı ismi taşırken, Wellenstil ("Dalga tarzı")
veya Lilienstil ("Zambak tarzı") gibi isimler de kullanılmıştır. Şu
anda Finlandiya, İsveç ve Norveç'te Jugend, Estonya'da Juugend ve
Letonya'da Jūgendstils olarak adlandırılır. Finlandiya'da ayrıca
Kalevala Stili olarak da adlandırılmıştır.
Danimarka'da Skønvirke ("Güzellik Eseri") olarak bilinir. Avusturya
ve Avusturya-Macaristan İmparatorluğu'nun o dönemdeki komşu
ülkelerinde Wiener Jugendstil veya Secessionsstil ("Secession tarzı")
olarak adlandırılır, Viyana Secession sanatçılarından dolayı (Macarca:
szecesszió, Çekçe: secese, Slovakça: secesia, Lehçe: secesja). İtalya'da,
Arthur Lasenby Liberty'nin, Londra'daki Liberty & Co'nun
kurucusunun tasarımı olan tekstil tasarımları popüler olduğu için
Liberty tarzı olarak adlandırılır. Bazen Stile floreale ("Çiçek tarzı")
veya Arte nuova ("Yeni Sanat") olarak da adlandırılır. Amerika
Birleşik Devletleri'nde, Louis Comfort Tiffany ile ilişkilendirildiği için
bazen "Tiffany tarzı" olarak adlandırılır. Hollanda'da Nieuwe Kunst
("Yeni Sanat") veya Nieuwe Stijl ("Yeni stil") olarak adlandırılır.
Portekiz'de Arte nova olarak adlandırılır. İspanya'da Modernismo,
Modernisme (Katalanca'da) ve Arte joven ("Genç Sanat") olarak
adlandırılır. İsviçre'de Style Sapin ("Ladin ağacı stili") olarak
adlandırılır. Japonya'da Shiro-Uma olarak bilinir. Romanya'da Arta
1900 ("1900 Sanatı"), Arta Nouă ("Yeni Sanat") veya Noul Stil ("Yeni
Stil") olarak adlandırılır.

Yeni sanat hareketi, köklerini İngiltere'de, William Morris'in çiçek

desenlerinde ve Morris'in öğrencileri tarafından kurulan Sanat ve El
Sanatları hareketinde buldu. Tarzın erken prototipleri, Morris
tarafından iç mekanları tasarlanan ve Philip Webb tarafından
mimarisi yapılan Red House (1859) ve James Abbott McNeill Whistler
tarafından hazırlanan gösterişli Peacock Room'dur. Yeni hareket, aynı
zamanda Dante Gabriel Rossetti ve Edward Burne-Jones gibi Ön-
Raffaello ressamlarından ve özellikle 1880'lerdeki İngiliz grafik
sanatçılarından, Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane,
Alfred Gilbert ve özellikle Aubrey Beardsley'den de güçlü bir şekilde
etkilenmiştir. Arthur Mackmurdo tarafından tasarlanan sandalye, Art
Nouveau tasarımının bir öncüsü olarak kabul edilmiştir.
Fransa'da, mimarlık teorisyeni ve tarihçi Eugène Viollet-le-Duc
tarafından etkilenmiştir. Viollet-le-Duc, tarihsel Beaux-Arts mimari
tarzının açık bir düşmanı olan ve rasyonalizm teorilerini Orta Çağ
sanatı çalışmalarından türeten biridir:
İşlev, formu belirlemelidir. Sanatların birliği ve büyük sanat (mimari)
ile küçük sanat (dekoratif sanatlar) arasındaki ayrımın kaldırılması.
Doğanın mantığı, mimari için kullanılması gereken modeldir. Mimari,
insanın çevresine ve ihtiyaçlarına uyarlanmalıdır. Modern
teknolojiler ve malzemelerin kullanımı.
Viollet-le-Duc, kendisi Art Nouveau'nun bir öncüsü olarak kabul
edilir: 1851'de Paris'teki Notre-Dame Katedrali'nde tarzın tipik
örnekleri olan bir dizi duvar resmi yaratmıştır.[21] Bu resimler, 1945
yılında akademik olmadığı gerekçesiyle kaldırılmıştır. Bordeaux
bölgesindeki Roquetaillade Şatosu'ndaki 1865 tarihli iç
dekorasyonları da Art Nouveau'yu önceden tahmin etmektedir. 1872
tarihli "Entretiens sur l'architecture" adlı kitabında, "Günümüzün
bize verdiği araçları ve bilgileri, bugün artık geçerli olmayan ara
geleneği ortadan kaldırmadan kullanalım ve bu şekilde yeni bir
mimari başlatabiliriz. Her işlevin kendine özgü malzemesi; her
malzemenin de kendine özgü formu ve süsü vardır." şeklinde
yazmıştır.[22] Bu kitap, Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard
ve Antoni Gaudí gibi bir nesil mimara etki etmiştir.[23]
Fransız ressamlar Maurice Denis, Pierre Bonnard ve Édouard
Vuillard, güzel sanatlar resmini dekorasyonla entegre etmede önemli
bir rol oynamıştır. Denis, 1891 yılında şunları yazmıştır: "Öncelikle
bir resmin dekoratif olması gerektiğine inanıyorum. Konu veya sahne
seçimi hiçbir şey ifade etmez. Ton değeri, renkli yüzey ve çizgilerin
uyumu aracılığıyla ruha ulaşabilir ve duyguları uyandırabilirim." Bu
ressamlar, geleneksel resmin yanı sıra ekranlarda, camda ve diğer
ortamlarda dekoratif resim çalışmaları da yapmışlardır.[25]
Yeni tarza önemli bir etki de Japonizm oldu. Bu, özellikle Hiroshige,
Hokusai ve Utagawa Kunisada'nın eserlerini içeren Japon ahşap
baskılarına duyulan bir coşku dalgasıydı ve 1870'lerden itibaren
Avrupa'ya ithal edilmeye başlandı. Girişken Siegfried Bing, 1888
yılında aylık bir dergi olan Le Japon artistique'yi kurdu ve 1891
yılında sona erene kadar otuz altı sayı yayınladı. Bu dergi, Gustav
Klimt dahil olmak üzere koleksiyoncuları ve sanatçıları etkiledi.
Japon baskılarının stilize özellikleri, Art Nouveau grafiklerinde,
porselenlerde, mücevherlerde ve mobilyalarda görüldü. 1860'ın
başından itibaren Uzak Doğu etkisi aniden ortaya çıktı. 1862'de
Londra veya Paris'teki sanatseverler, Japonya'nın ilk kez Londra'daki
Uluslararası Sergi'de sergici olarak yer aldığı için Japon sanat eserleri
satın alabiliyorlardı. Aynı zamanda 1862'de Paris'te, Rue de
Rivoli'deki La Porte Chinoise mağazası açıldı ve burada Japon ukiyo-
e ve Uzak Doğu'dan diğer objeler satılıyordu. 1867'de Owen Jones
tarafından Çin Süslemeleri Örnekleri yayınlandı ve 1870'te R. Alcock
tarafından Japonya'da Sanat ve Sanayi, iki yıl sonra ise O. H. Moser
ve T. W. Cutler tarafından Japon sanatı hakkında kitaplar yayınlandı.
Victor Horta gibi bazı Art Nouveau sanatçıları, özellikle Japon
sanatından oluşan bir koleksiyona sahipti.
Baskı ve yayıncılık alanındaki yeni teknolojiler, Art Nouveau'nun
hızla küresel bir kitleye ulaşmasını sağladı. Fotoğraflar ve renkli
litograflarla süslenmiş sanat dergileri, yeni tarzın popülerleşmesinde
önemli bir rol oynadı. İngiltere'de The Studio, Fransa'da Arts et idèes
ve Art et décoration, Almanya'da Jugend dergisi, tarzın Avrupa'nın
her köşesine hızla yayılmasına olanak tanıdı. Aubrey Beardsley
İngiltere'de, Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec ve Félix
Vallotton uluslararası düzeyde tanınmış illüstratörler olarak başarı
elde ettiler. 1893'te Jules Chéret'nin dansçı Loie Fuller için yaptığı
afişler ve 1895'te Alphonse Mucha'nın aktris Sarah Bernhardt için
yaptığı afişlerle, afiş sadece bir reklam değil, bir sanat formu haline
geldi. Sarah Bernhardt, koleksiyonculara satılmak üzere çok sayıda
afişini ayırdı.
İlk Art Nouveau şehir evleri, Paul Hankar'ın Hankar Evi (1893) ve
Victor Horta'nın Hôtel Tassel'i (1892-1893), neredeyse aynı dönemde
Brüksel'de inşa edildi.[4][5] İkisi de özgünlükleri açısından benzerdi,
ancak tasarım ve görünüm açısından çok farklıydılar.
Victor Horta, erken dönem Art Nouveau'nun en etkili mimarlarından
biriydi ve Brüksel'deki Hôtel Tassel (1892-1893), tarzın önemli
yapılarından biridir.[28][29] Horta'nın mimari eğitimi, Kral II.
Leopold'a hizmet eden mimar Alphonse Balat'ın asistanı olarak geçti
ve Laeken'deki muhteşem demir ve cam Kraliyet Seraları'nın
inşasında yer aldı.[30] Viollet-le-Duc'a büyük bir hayranlık duyan
Horta, onun fikirlerini tamamen benimsedi.[31][32] 1892-1893
yıllarında, bu deneyimini çok farklı bir şekilde kullandı. Belçikalı
ünlü bir kimyager olan Émile Tassel'in çok dar ve derin bir arsaya
sahip konutunu tasarladı. Evdeki merkezi unsuru, duvarlarla çevrili
olmayan, açık bir şekilde dekore edilmiş kıvrımlı demir korkuluklu
bir merdivendi ve yüksek bir çatı penceresi altına yerleştirildi.
Zeminler, ağaç gövdeleri gibi ince demir sütunlarla desteklendi.
Mozaiği olan zeminler ve duvarlar, çiçek ve bitki formlarında zarif
arabesklerle süslendi ve bu tarzın en popüler imzası haline geldi.[33]
[34] Horta kısa bir süre içinde üç tane daha açık iç mekana sahip
şehir evi inşa etti ve tüm iç mekanları maksimum iç ışık için çatı
pencereleriyle donattı: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde (Edmond van
Eetvelde için) ve Maison & Atelier Horta. Bu dört yapı, şu anda
UNESCO Dünya Mirası Listesi'nde yer almaktadır.
Paul Hankar da erken dönem Art Nouveau'nun bir yenilikçisiydi.
Hainaut'da Frameries'de doğan Hankar, taş ustası bir babanın
oğluydu ve süs heykelciliği ve dekorasyonu Brüksel Güzel Sanatlar
Kraliyet Akademisi'nde 1873-1884 yılları arasında çalışırken
öğrenmişti. 1879-1904 yılları arasında, çeşitli ve neoklasik mimarinin
usta bir temsilcisi olan Henri Beyaert'in stüdyosunda çalıştı. Beyaert
aracılığıyla Hankar, Viollet-le-Duc'a da hayranlık duymaya başladı.
[35] 1893 yılında Hankar, kendi ikametgahı olan Hankar Evi'ni
Brüksel'de tasarladı ve inşa etti. Güzel sanatlar ve dekoratif
sanatların sentezini oluşturmak amacıyla, heykeltraş René Janssens
ve ressam Albert Ciamberlani'yi iç ve dış mekanları sgraffito adı
verilen duvar resimleriyle süslemek için bir araya getirdi. Cephe ve
balkonlar, demir süslemeleri ve stilize çiçek motifleriyle kıvrılan
hatları içeriyordu ve bu, Art Nouveau'nun önemli bir özelliği haline
geldi. Bu modele dayanarak, sanatçı arkadaşları için birkaç ev inşa
etti. Brüksel'deki mağazalar, restoranlar ve galeriler için yenilikçi
cam vitrin serileri de tasarladı ve yerel bir eleştirmen tarafından
"gerçek bir orijinallik çılgınlığı" olarak nitelendirildi.[36] 1901'de,
hareket tanınmaya başladığı sırada öldü
Antwerp doğumlu Henry van de Velde, Art Nouveau'nun doğuşunda
başka bir kurucu figürdü. Van de Velde'nin tasarımları arasında
Brüksel'deki ikametgahı Bloemenwerf (1895) yer alıyordu.[38][39]
Evlerinin dış cephesi, Sanat ve El Sanatları hareketinin kurucusu
yazar ve teorisyen William Morris'in Red House'undan esinlenmişti.
Bir ressam olarak eğitim alan Van de Velde, daha sonra illüstrasyona,
ardından mobilya tasarımına ve nihayetinde mimariye yönelmiştir.
Bloemenwerf için, evin tarzına uygun tekstil, duvar kağıdı, gümüş
eşyalar, mücevher ve hatta giysi tasarlamıştır.[40] Van de Velde, tarza
adını veren Paris galerisiyle tanınan Alman-Fransız sanat tüccarı
Siegfried Bing için mobilya ve dekorasyon tasarladığı Paris'e gitmiştir.
Ayrıca erken dönem Art Nouveau teorisyenlerinden biriydi ve
dinamik, sık sık karşıt çizgilerin kullanılmasını talep etti. Van de Velde
şunları yazmıştır: "Bir çizgi, diğer tüm temel kuvvetler gibi bir
kuvvettir. Birbirine karşı konulan birkaç çizgi, birçok kuvvetin sahip
olduğu kadar güçlü bir varlığa sahiptir." 1906'da Belçika'dan
ayrılarak Weimar (Almanya)'a gitti ve Orta-Büyük Dükalık Sanat ve
El Sanatları Okulu'nu kurdu, burada tarihi tarzların öğretimi yasaktı.
Alman Werkbund'da önemli bir rol oynadıktan sonra Belçika'ya geri
döndü.[41]
Brüksel'de Art Nouveau mimarisiyle birlikte yeni tarzdaki Dekoratif
Sanat dalgası da görüldü. Önemli sanatçılar arasında Brüksel
cephelerinde barok etkiler yaratmak için kıvrımlı demiri kullanan
Gustave Strauven; son derece orijinal sandalyeleri ve hareketli metal
mobilyalarıyla tanınan mobilya tasarımcısı Gustave Serrurier-Bovy;
ve ejderha sinekleri, kelebekler, kuğular ve yılanlar şeklinde
mücevher yapma konusunda uzmanlaşan mücevher tasarımcısı
Philippe Wolfers yer aldı.[42]
1897'de düzenlenen Brüksel Uluslararası Sergi, tarza uluslararası
dikkat çekti; Horta, Hankar, Van de Velde, Serrurier-Bovy ve
diğerleri fuarın tasarımına katıldı ve Henri Privat-Livemont sergi
posterini tasarladı.
Paris - Maison de l'Art Nouveau (1895) ve Castel Beranger (1895-
1898...
Franco-Alman sanat tüccarı ve yayıncı Siegfried Bing, tarzı yaymak
konusunda önemli bir rol oynadı. 1891 yılında, Japon sanatına
adanmış bir dergi kurdu ve bu, Japonizm'i Avrupa'da tanıtmaya
yardımcı oldu. 1892 yılında Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard
Vuillard, Toulouse-Lautrec ve Eugène Grasset gibi yedi sanatçının yer
aldığı bir sergi düzenledi. Bu sergi, 1895 yılında Société nationale des
beaux-arts'ta sergilendi. Aynı yıl Bing, Paris'te 22 rue de Provence'da
yeni bir galeri olan Maison de l'Art Nouveau'yu açtı. Bu galeri, güzel
sanatlar ve dekoratif sanatlarda yeni eserlere adanmıştı. Galerinin iç
mekanı ve mobilyaları, Art Nouveau mimarisinin öncülerinden olan
Belçikalı mimar Henry van de Velde tarafından tasarlandı. Maison de
l'Art Nouveau, Georges Seurat, Paul Signac ve Toulouse-Lautrec
tarafından yapılan resimler, Louis Comfort Tiffany ve Émile Gallé
tarafından yapılan cam ürünler, René Lalique tarafından yapılan
mücevherler ve Aubrey Beardsley tarafından yapılan afişler gibi
eserleri sergiledi. Orada sergilenen eserler tarz açısından hiçbir
şekilde birbirine benzemiyordu. Bing, 1902 yılında şunları yazdı: "Art
Nouveau, yaratıldığı zaman, hiçbir şekilde genel bir terim olma
onurunu elde etmeyi amaçlamıyordu. Sadece, eğilimlerinin
modernliğini göstermek için sabırsızlanan tüm genç ve coşkulu
sanatçıların biraraya geldiği bir evin adıydı."[43]
Tarz hızla komşu Fransa'da fark edildi. Horta'nın Hôtel Tassel'ini
ziyaret ettikten sonra Hector Guimard, 1895 ile 1898 yılları arasında
yeni tarzda yapılan ilk Paris binalarından biri olan Castel Béranger'ı
inşa etti.[nb 1] Parisliler, Georges-Eugène Haussmann tarafından
Napolyon III döneminde inşa edilen bulvarların mimarisinin
monotonluğundan şikayetçiydi. Castel Béranger, Neo-Gotik ve Art
Nouveau'nun ilginç bir karışımıydı, kıvrımlı kırbaç çizgileri ve doğal
formları içeriyordu. Kendi çalışmaları için yetenekli bir tanıtımcı
olan Guimard, "Her şeyden kaçınılması gereken şey...paralellik ve
simetri. Doğa, en büyük yapımcıdır ve doğa, paralel olan hiçbir şey ve
simetrik olan hiçbir şey yapmaz." dedi.[45]
Parisliler, Guimard'ın orijinal ve resmedilesi tarzını memnuniyetle
karşıladılar; Castel Béranger, Paris'in en iyi yeni cephe örneklerinden
biri seçildi ve Guimard'ın kariyerini başlattı. Guimard, yeni Paris
Métro sisteminin girişlerini tasarlama görevini aldı ve bu, şehrin 1900
Exposition Universelle'ine gelen milyonlarca ziyaretçinin dikkatini
tarza çekti.[10]
Paris 1900 Exposition Universelle, Art Nouveau'nun doruk noktasını
temsil etti. Nisan ve Kasım 1900 arasında dünya genelinden neredeyse
elli milyon ziyaretçiyi çekti ve tarzın mimarisi, tasarımı, cam eşyaları,
mobilyaları ve dekoratif nesneleri sergilendi. Serginin mimarisi
genellikle Art Nouveau ve Beaux-Arts mimarisinin bir karışımıydı:
ana sergi salonu olan Grand Palais, iç mekandaki etkileyici Art
Nouveau merdiven ve sergi salonuyla tamamen ilgisiz bir Beaux-Arts
cepheye sahipti.
Fransız tasarımcılar Sergi için özel eserler yaptılar: Lalique kristal ve
mücevherler; Henri Vever ve Georges Fouquet'nin mücevherleri;
Daum camı; Manufacture nationale de Sèvres'in porselenleri;
Alexandre Bigot'nun seramikleri; Émile Gallé'nin heykel cam
lambaları ve vazoları; Édouard Colonna ve Louis Majorelle'nin
mobilyaları; ve birçok diğer önemli sanat ve el sanatları firması. 1900
Paris Exposition'da Siegfried Bing, Art Nouveau Bing adlı bir pavyon
sundu ve burada tamamen Stil'e uygun olarak dekore edilmiş altı
farklı iç mekan bulunuyordu.[46][47]
Sergi, Avrupa ve ötesinden Art Nouveau tasarımcıları ve sanatçıları
için ilk uluslararası vitrin oldu. Ödül kazananlar ve katılımcılar
arasında Bosna-Hersek pavyonu için freskler yapan ve restoranın
menüsünü tasarlayan Alphonse Mucha; Berlin'den dekoratörler ve
tasarımcılar Bruno Paul ve Bruno Möhring; Torino'dan Carlo
Bugatti; Bavyera'dan Bernhardt Pankok; Rus mimar-tasarımcı
Fyodor Schechtel ve Amerika Birleşik Devletleri'nden Louis Comfort
Tiffany and Company yer aldı.[48] Viyanalı mimar Otto Wagner
jüride yer aldı ve Viyana'daki kendi daire apartmanının Art Nouveau
banyosunun bir modelini sundu, içinde cam bir küvet bulunuyordu.
[49] Josef Hoffmann, Paris sergisinde Viyana Secession tasarımlarını
vurgulayan Viyana sergisini tasarladı.[50] Eliel Saarinen, Finlandiya
pavyonunun yaratıcı tasarımıyla uluslararası tanınırlık kazandı.[51]
Paris Sergisi açık ara en büyük olanıydı, ancak diğer sergiler tarzın
popülerleşmesine büyük katkıda bulundu. 1888 Barcelona Evrensel
Sergisi, İspanya'da Modernisme tarzının başlangıcını temsil etti ve
Lluís Domènech i Montaner'in bazı binalarını içeriyordu. 1902 Torino
Uluslararası Modern Dekoratif Sanat Sergisi, Victor Horta'dan
Belçika ve Joseph Maria Olbrich'ten Viyana gibi Avrupa'daki
tasarımcıları sergiledi ve aynı zamanda Carlo Bugatti, Galileo Chini
ve Eugenio Quarti gibi yerel sanatçılara da yer verdi.[52]
1900 Exposition'un ardından Art Nouveau'nun başkenti Paris oldu.
Tarzdaki en gösterişli konutlar, cepheye seramik heykelsi dekorasyon
uygulayan Jules Lavirotte tarafından inşa edildi. En çarpıcı
örneklerden biri, 29, avenue Rapp'ta bulunan Lavirotte Binası'dır
(1901). İş binaları ve büyük mağazalar, leke cam kubbeli ve seramik
süslemeli yüksek avlulara sahipti. Tarz özellikle restoranlar ve
kafelerde popülerdi, bunlar arasında 3, rue Royale'deki Maxim's ve
Gare de Lyon'daki Le Train Bleu (1900) yer alıyordu.[53]
Paris'ın statüsü yabancı sanatçıları şehre çekti. İsviçre doğumlu
sanatçı Eugène Grasset, Fransız Art Nouveau posterlerinin ilk
yaratıcılarından biriydi. 1885 yılında ünlü kabare Le Chat Noir'ı
dekore etmeye yardım etti, ilk posterlerini Fêtes de Paris için yaptı ve
1890 yılında Sarah Bernhardt'ın ünlü bir posterini tasarladı. Paris'te
Guérin sanat okulunda (École normale d'enseignement du dessin)
ders verdi, öğrencileri arasında Augusto Giacometti ve Paul Berthon
da bulunuyordu.[54][55] İsviçre doğumlu Théophile-Alexandre
Steinlen, 1896 yılında Paris kabaresi Le Chat Noir için ünlü bir poster
yaptı. Çek sanatçı Alphonse Mucha (1860–1939), 1888 yılında Paris'e
geldi ve 1895 yılında Victorien Sardou'nun Gismonda oyununda
Sarah Bernhardt için bir poster yaptı. Bu posterin başarısı,
Bernhardt için altı oyun daha için posterler yapması için bir sözleşme
almasına yol açtı.
Lorraine'deki Nancy şehri, yeni tarzın diğer Fransız başkenti haline
geldi. 1901 yılında, resim ve heykelin dekoratif sanatların üzerinde
yer aldığı hiyerarşiyi sarsmayı amaçlayan Alliance provinciale des
industries d'art veya École de Nancy adıyla bilinen bir dernek
kuruldu. Orada çalışan önemli sanatçılar arasında cam vazo ve lamba
yaratıcıları Émile Gallé, cam tasarımında Daum kardeşler ve
tasarımcı Louis Majorelle, zarif çiçek ve bitki formlarıyla mobilyalar
yaratan isimler bulunuyordu. Mimar Henri Sauvage, 1902 yılında
Villa Majorelle ile yeni mimari tarzı Nancy'ye getirdi.
Fransız tarzı, The Studio, Arts et Idées ve Art et Décoration gibi yeni
dergiler aracılığıyla geniş çapta yayıldı. Bu dergilerin fotoğrafları ve
renkli litografları, tarzı dünyanın dört bir yanındaki tasarımcılar ve
zengin müşterilere tanıttı.
Fransa'da tarz 1900 yılında zirveye ulaştı ve ardından hızla modası
geçti, neredeyse 1905 yılına gelindiğinde Fransa'da neredeyse
tamamen ortadan kayboldu. Art Nouveau, uzman ve yüksek ücretli
zanaatkârlar gerektiren bir lüks tarzdı ve kolay veya ucuz bir şekilde
seri üretilemezdi. Seri üretilebilen nadir Art Nouveau ürünlerinden
biri parfüm şişeleriydi ve bugün hala bu tarzda üretim yapılmaktadır.
Belçika'da Art Nouveau...
Belçika, Art Nouveau'nun erken merkezlerinden biriydi ve bunun
büyük bir kısmı Victor Horta'nın mimarisi sayesinde gerçekleşti.
Horta, 1893 yılında biri Art Nouveau'nun ilk evlerinden olan Hôtel
Tassel'i tasarladı ve aynı tarzın farklı varyasyonlarını kullandığı üç
diğer şehir evidi tasarladı. Bu evler şu anda UNESCO Dünya Mirası
alanlarındandır. Horta, genç Hector Guimard'ın da çalışmaları
üzerinde büyük bir etkisi oldu. Guimard, Hôtel Tassel'in inşaatını
görmek için gelmiş ve daha sonra Horta'nın Art Nouveau'nun
"icatçısı" olduğunu ilan etmiştir.[56] Horta'nın yeniliği cephe değil, iç
mekandaydı. Bol miktarda demir ve cam kullanarak mekanları
açmak ve odaları ışıkla doldurmak için iç mekanları dekore etti ve
kıvrımlı bitkisel formlarda demir sütunlar ve korkuluklarla süsledi.
Bu formlar zeminlerde, duvarlarda, aynı zamanda Horta'nın
tasarladığı mobilya ve halılarda da yankılandı.[57]
Paul Hankar, Brüksel'in Art Nouveau'da başka bir öncüsüydü. Evi
1893 yılında Horta'nın Hôtel Tassel'iyle aynı yıl tamamlandı ve
cephesinde sgrafitto duvar resimleri bulunuyordu. Hankar, hem
Viollet-le-Duc hem de İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketinin
fikirlerinden etkilendi. Kavramsal fikri, dekoratif ve güzel sanatları
tutarlı bir bütünde bir araya getirmekti. Heykeltıraş Alfred Crick ve
ressam Adolphe Crespin'i evlerinin cephelerini kendi eserleriyle
dekore etmeleri için görevlendirdi. En çarpıcı örnek, sanatçı Albert
Ciamberlani için Brüksel'deki 48, rue Defacqz/Defacqzstraat
adresinde inşa edilen ev ve stüdyo oldu. Bu evde, Quattrocento, yani
15. yüzyıl İtalya'sının dekoratif mimarisini yeniden yaratmak
amacıyla sgrafitto duvar resimleriyle süslenmiş bir cephede yoğun bir
şekilde boyanmış figürler ve süslemeler yer aldı.[30] Hankar,
çalışmaları henüz tanınmaya başladığı dönemde 1901 yılında vefat
etti.[58]

Gustave Strauven, kariyerine Horta ile çalışarak başladı ve 21 yaşında

kendi stüdyosunu açarak Brüksel'de en gösterişli Art Nouveau
binalardan bazılarını yapmaya başladı. En ünlü eseri, Ambiorix
Meydanı'ndaki 11 numaralı Saint-Cyr Evi'dir. Ev sadece 4 metre
genişliğinde olmasına rağmen, karmaşık mimari buluşlarıyla
olağanüstü bir yükseklik kazanır. Tamamen çok renkli tuğlalar ve
kıvrımlı bitkisel formlardan oluşan bir demir ağıyla kaplanmıştır ve
neredeyse Art Nouveau-Barok tarzındadır.[59]
Belçika'dan diğer önemli Art Nouveau sanatçıları arasında mimar ve
tasarımcı Henry van de Velde de bulunuyordu, ancak kariyerinin en
önemli kısmını Almanya'da geçirdi; Jugendstil dekorasyonunu güçlü
bir şekilde etkilemiştir. Diğerleri arasında dekoratör Gustave
Serrurier-Bovy ve grafik sanatçısı Fernand Khnopff yer alıyordu.[5]
[60][61] Belçika tasarımcıları, Belçika Kongo'dan ithal edilen bol
miktarda fildişi kaynağını değerlendirdi; Philippe Wolfers gibi
sanatçıların taş, metal ve fildişi kombinasyonunu içeren karma
heykelleri popülerdi.[62]
Hollanda'da Nieuwe Kunst (Yeni Sanat)....

Hollanda'da stil Nieuwe Stijl ("Yeni Stil") veya Nieuwe Kunst ("Yeni
Sanat") olarak biliniyordu ve Belçika'daki daha çiçeksi ve kıvrımlı
stilden farklı bir yöne doğru ilerledi. Alman Jugendstil ve Avusturya
Viyana Secession'un daha geometrik ve stilize formlarından etkilendi.
[62] Ayrıca, Endonezya, o zamanlar Hollanda Doğu Hint Adaları
olarak bilinen yerden getirilen sanat ve ithal edilen ahşaplardan
etkilendi, özellikle Java'dan gelen tekstil ve batik tasarımlarından.
Bu tarzda en önemli mimar ve mobilya tasarımcısı Hendrik Petrus
Berlage idi, o tarihsel stilleri kınadı ve sadece işlevsel bir mimariyi
savundu. "İllüzyon sanatına karşı savaşmak ve yalanı tanımak, özü
bulmak ve illüzyonu değil." diye yazdı.[63] Victor Horta ve Gaudí
gibi, o da Viollet-le-Duc'un mimari teorilerini hayranlıkla takip etti.
[63] Mobilyaları tamamen işlevseldi ve metalden yapılmış gibi
bükülme veya kıvrılma yerine doğal ahşap formlarına saygı
gösteriyordu. Mısır mobilyelerinin örneğine işaret etti ve düz açılı
sandalyeleri tercih etti. İlk ve en ünlü mimari eseri Beurs van Berlage
(1896-1903), Amsterdam Ticaret Borsası idi ve konstrüktivizm
prensiplerine göre inşa etti. Her şey işlevseldi, ana odanın duvarlarını
süsleyen perçin hatları dâhil. Binalarına genellikle çok yüksek kuleler
ekledi ve onları daha dikkat çekici hale getirmeyi amaçladı, bu
dönemin diğer Art Nouveau mimarları Joseph Maria Olbrich
(Viyana) ve Eliel Saarinen (Finlandiya) tarafından da kullanılan bir
uygulamaydı.[64]
Stildeki diğer binalar arasında Berlage tarafından yapılan Amerikan
Otel (1898-1900); Amsterdam'da Herman Hendrik Baanders ve
Gerrit van Arkel tarafından yapılan Astoria (1904-1905);
Haarlem'deki tren istasyonu (1906-1908) ve Rotterdam'daki Hollanda
Amerika Hatları'nın eski ofis binası (1917), şimdi Hotel New York
olarak kullanılan binalardır.
Stilde öne çıkan grafik sanatçılar ve illüstratörler arasında Jan
Toorop yer alıyordu, çalışmaları mistisizme ve sembolizme yönelikti,
hatta salata yağı için yaptığı posterlerde bile. Renklerinde ve
tasarımlarında bazen Java sanatının etkisi de görülebilirdi.[64]
Hollanda seramik ve porseleninde önemli isimler arasında Jurriaan
Kok ve Theo Colenbrander yer alıyordu. Renkli çiçek desenleri ve
daha geleneksel Art Nouveau motifleri kullandılar, farklı seramik
formları ve Java'nın batik süslemelerinden alınan koyu ve açık
renklerle kontrast oluşturdular.[65]
İngiltere'de Modern Style ve Glasgow Okulu...

Art Nouveau, kökenlerini İngiltere'de, 1860'larda başlayan ve

1880'lerde uluslararası tanınırlık kazanan Sanat ve Zanaat
hareketinde buldu. Bu hareket, dekoratif sanatlara daha iyi bir
muamele çağrısında bulunuyor ve Ortaçağ zanaatkarlığı ve tasarımı
ile doğadan ilham alıyordu.[68] Modern Tarzın dikkate değer erken
bir örneği, Arthur Mackmurdo'nun Sir Christopher Wren'in şehir
kiliseleri üzerine yazdığı denemenin kapağı için 1883'te tasarladığı
eseridir. Aynı yılki Maun ağacından sandalyesi de bu tarzın bir
örneğidir.[69]
İngiltere'deki diğer önemli yenilikçiler arasında grafik tasarımcı
Aubrey Beardsley yer alır, çizimleri stilin en tanınabilir özelliği olan
kıvrımlı çizgileri içeriyordu. 1880'lerden itibaren serbest akışkan
demir veya bazı düz çiçekli tekstil tasarımları da tarza örnek
gösterilebilir; bunların çoğu 19. yüzyıl tasarım desenlerine bir şekilde
atıfta bulunuyordu. Tarzda önemli bir yere sahip olan diğer İngiliz
grafik sanatçılar arasında Walter Crane ve Charles Ashbee de yer
alıyordu.[70]
Londra'daki Liberty alışveriş merkezi, tekstiller için renkli stilize
çiçek desenleri ve Manx (İskoç kökenli) Archibald Knox'ın gümüş,
kalay ve mücevher tasarımları aracılığıyla önemli bir rol oynadı.
Knox'ın malzeme ve form açısından mücevher tasarımları, mücevher
tasarımının tarihsel geleneklerinden tamamen kopmuştu.
İngiltere'de Art Nouveau mimarisi ve mobilya tasarımı için en önemli
merkez Glasgow'du ve Charles Rennie Mackintosh ve Glasgow
Okulu'nun yaratıcıları, İskoç baronial mimarisi ve Japon
tasarımından ilham alıyordu.[71] 1895 yılından itibaren Mackintosh,
Londra, Viyana ve Torino'daki uluslararası sergilere tasarımlarını
sergiledi; tasarımları özellikle Viyana'daki Secession Tarzı üzerinde
etkili oldu. Mimarî eserleri arasında Glasgow Herald Binası (1894) ve
Glasgow Sanat Okulu kütüphanesi (1897) bulunuyordu. Aynı
zamanda mobilya tasarımcısı ve dekoratör olarak da büyük bir ün
kazandı ve eşi Margaret Macdonald Mackintosh ile yakın çalışarak,
geometrik düz çizgileri nazik kıvrımlı çiçeksel süslemelerle birleştiren
dikkat çekici tasarımlar oluşturdular, özellikle ünlü stil sembolü olan
Glasgow Gülleri."[72]
Léon-Victor Solon, Mintons'ta sanat direktörü olarak Art Nouveau
seramiklere önemli bir katkı yaptı. Özellikle "secessionist ware"
olarak pazarlanan plakalar ve borulu vazolar üzerinde uzmanlaştı
(genellikle Viyana sanat hareketine atfen adlandırılır).[73]
Seramiklerin yanı sıra, Leek ipek endüstrisi için tekstil
tasarımları[74] ve bir kitap ciltçisine (Newcastle-under-Lyme'lı
G.T.Bagguley) doublures tasarladı ve 1895'te Sutherland cildini
patentledi.

George Skipper, İngiltere'de belki de en etkin Art Nouveau mimarıydı.

Edward Everard binası, 1900-01 yıllarında Edward Everard'ın basım
işlerine ev sahipliği yapmak üzere inşa edilen Bristol'da yer alır ve bir
Art Nouveau cepheye sahiptir. Betimlenen figürler, baskı alanında her
ikisi de önde gelen olan Johannes Gutenberg ve William Morris'tir.
Kanatlı bir figür "Işık Ruhu"nu simgelerken, bir lamba ve ayna tutan
bir figür ışığı ve gerçeği simgeler.
Jugendstil Almanya'da
Alman Art Nouveau'su genellikle Almanca adı olan Jugendstil veya
"Gençlik Tarzı" olarak bilinir. İsim, Münih'te yayımlanan sanat
dergisi Die Jugend veya Gençlik'ten alınmıştır. Dergi, 1896 yılında
Georg Hirth tarafından kurulmuş olup, ölümüne kadar editörlük
yapmıştır. Dergi 1940 yılına kadar varlığını sürdürmüştür. 20. yüzyılın
başlarında Jugendstil, yalnızca grafik sanatlara uygulanmaktaydı.
Özellikle Jugend, Pan ve Simplicissimus gibi Alman dergilerinde
bulunan tipografi ve grafik tasarım formlarına atıfta bulunuyordu.
Jugendstil daha sonra Almanya, Hollanda ve diğer Art Nouveau
versiyonlarında kullanılan bir terim haline geldi. Bu terim, Baltık
devletleri ve Kuzey Avrupa ülkelerinin birkaç diline Almanca'dan
geçmiştir.
1892 yılında Georg Hirth, Münih Görsel Sanatçılar Birliği için Münih
Secession ismini seçti. 1897 yılında kurulan Viyana Secession ve
Berlin Secession da isimlerini Münih grubundan almıştır.
Münih'te yayımlanan Jugend ve Simplicissimus dergileri ile Berlin'de
yayımlanan Pan dergileri, Jugendstil'in önemli savunucularıydı.
Jugendstil sanatı, kıvrımlı eğrileri ve daha geometrik çizgileri
birleştiriyor ve roman kapakları, reklamlar ve sergi afişleri için
kullanılıyordu. Tasarımcılar sıklıkla, Arnold Böcklin yazı tipi gibi
orijinal tarzlarda yazı tipleri oluşturuyorlardı.
Otto Eckmann, hem Die Jugend hem de Pan ile ilişkilendirilen en
tanınmış Alman sanatçılardan biriydi. En sevdiği hayvan kuğu olduğu
için bu denli büyük bir etkisi oldu ve kuğu, tüm akımın sembolü
olarak hizmet etmeye başladı. Stile damgasını vuran diğer bir
tasarımcı ise mobilyeler, seramikler ve diğer dekoratif nesneleri, Art
Deco'ya doğru işaret eden sade, geometrik bir tarzda üreten Richard
Riemerschmid'di. Münih'te yaşayan İsviçreli sanatçı Hermann
Obrist, döner çiçeğin sapından alınan hareketi çağrıştıran oldukça
stilize edilmiş çift eğri motifini çizmiştir.
Darmstadt Sanatçı Köyü, Hesse Büyük Dükü Ernst Ludwig
tarafından 1899 yılında kuruldu. Büyük Dük'ün evini inşa eden ve
koloninin en büyük yapısı olan Wedding Kulesi'ni kuran mimar
Joseph Maria Olbrich, Viyana Secession'un kurucularından biriydi.
Köyün diğer dikkate değer sanatçıları arasında Peter Behrens ve Hans
Christiansen bulunuyordu. Ernst Ludwig, aynı zamanda yüzyılın
başında Bad Nauheim'daki spa kompleksini yeniden inşa ettirmek için
de görevlendirildi. Wilhelm Jost'un yönetiminde 1905-1911 yılları
arasında tamamen yeni bir Sprudelhof kompleksi inşa edildi ve
Jugendstil'in ana hedeflerinden biri olan tüm sanatların sentezi
gerçekleştirildi. Hessen ve Ren Prensesi Elisabeth da Alman
İmparatorluğu'ndaki bir Art Nouveau yapının inşasını talep eden
hükümet üyelerindendi. Moskova'da 1908 yılında Marfo-Mariinsky
Manastırı'nı kurdu ve manastırın katholikonu bir Art Nouveau
başyapıtı olarak kabul edilir.
Alman İmparatorluğu'ndaki başka bir dikkate değer birliğe, 1907
yılında Münih'te Hermann Muthesius'un teşvikiyle kurulan
Deutscher Werkbund'a (Alman İş Birliği) rastlanır. Kurucular
arasında Darmstadt Köyü sanatçıları Joseph Maria Olbrich, Peter
Behrens; Viyana Secession'un diğer bir kurucusu Josef Hoffmann ve
Hoffmann tarafından kurulan Wiener Werkstätte; Richard
Riemerschmid, Bruno Paul ve diğer sanatçılar ve şirketler yer
alıyordu. Daha sonra Belçikalı Henry van de Velde de bu harekete
katıldı. Van de Velde tarafından Weimar'da kurulan Büyük-Dük
Sanat ve Zanaat Okulu, Modernist mimaride en etkili akımlardan
biri olan Bauhaus'un öncülerinden biriydi.
Berlin'de Jugendstil, birkaç tren istasyonunun inşası için seçildi. En
dikkate değer olanı Bruno Möhring tarafından yapılan Bülowstraße
(1900-1902) istasyonudur. Diğer örnekler arasında Mexikoplatz
(1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910),
Wittenbergplatz (1911-1913) ve Pankow (1912-1914) istasyonları
bulunmaktadır. Berlin'in başka bir dikkate değer yapısı ise
Hackesche Höfe (1906) olup, avlu cephesi için çok renkli sır kaplı
tuğla kullanılmıştır.
Strasbourg'da (o zamanlar Reichsland Elsaß-Lothringen'in başkenti
olarak Alman İmparatorluğu'na ait) Art Nouveau, Nancy ve
Brüksel'den etkilerle Darmstadt ve Viyana'dan gelen etkileri
birleştiren özgün bir tarzı temsil ediyordu ve şehrin Alman ve Fransız
krallıkları arasındaki tarihini yansıtıyordu.
Viyana, Art Nouveau'nun farklı bir türünün merkezi haline geldi ve
bu akım Viyana Secession olarak bilinmeye başladı. Hareket, 1892'de
kurulan Münih Secession'dan adını aldı. Viyana Secession, Gustav
Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max
Kurzweil, Ernst Stöhr ve diğer sanatçılar tarafından Nisan 1897'de
kuruldu. Ressam Klimt, grubun başkanı oldu. Sanatçılar, resmi
sanatçılar birliği olan Viyana Künstlerhaus'un tarihselci yönelimine
karşı çıktılar. Secession, eserlerini her türlü medyada tanıtmak için
Ver Sacrum adlı bir dergi kurdu. Mimar Joseph Olbrich, yeni tarzda
kubbeli Secession binasını tasarladı ve bu bina Gustav Klimt ve diğer
Secession sanatçılarının resimlerini sergileyen bir vitrine dönüştü.
Klimt, Secession ressamları arasında en tanınan isim oldu ve
genellikle güzel sanat resmi ile dekoratif resim arasındaki sınırları
silen bir tarzda çalıştı. Koloman Moser, tarzda son derece çok yönlü
bir sanatçıydı; eserleri arasında dergi illüstrasyonları, mimari, gümüş
eşyalar, seramik, porselen, tekstil, vitray pencereler ve mobilya yer
alıyordu.
Viyana Secession'ın en önemli mimarı Otto Wagner'dı.[86] Hareketin
başlamasından kısa bir süre sonra öğrencileri Hoffmann ve Olbrich'i
takip etmek için bu akıma katıldı. Önemli projeleri arasında şehir
demiryolu ağı (Stadtbahn) istasyonları, Linke Wienzeile Binaları
(Majolika Evi, Madalyonlar Evi ve Köstlergasse'deki ev)
bulunmaktadır. Karlsplatz İstasyonu şu anda Viyana Müzesi'nin bir
sergi salonu olarak kullanılmaktadır. Steinhof Psikiyatri Hastanesi'nin
Kirche am Steinhof'u (1904-1907), geleneksel kubbeli dış cephesiyle
birlikte modern altın ve beyaz renkteki iç mekanı ve bol miktarda
modern vitraylarıyla Secession dini mimarisinin benzersiz ve özenle
yapılmış bir örneğidir.
1899'da Joseph Maria Olbrich Darmstadt Sanatçı Kolonisi'ne taşındı,
1903'te Koloman Moser ve Josef Hoffmann Wiener Werkstätte'yi
kurdu, bu, mobilya, halı, tekstil ve dekoratif nesnelerin tasarımcıları
ve zanaatkârları için bir eğitim okulu ve atölyeydi.[87] 1905'te
Koloman Moser ve Gustav Klimt Viyana Secession'dan ayrıldı,
1907'de Koloman Moser de Wiener Werkstätte'den ayrıldı, ancak
diğer kurucusu Josef Hoffmann Deutscher Werkbund'a katıldı.[81]
Gustav Klimt ve Josef Hoffmann, işbirliklerine devam ettiler, 1908'de
Viyana'da Kunstschau Sergisi'ni düzenlediler ve Brüksel'deki Stoclet
Sarayı'nı (1905-1911) inşa ettiler, bu da modernist mimarinin gelişini
duyuran bir yapı oldu.[88][89] Haziran 2009'da UNESCO tarafından
Dünya Mirası olarak ilan edildi.[90]
Macar Szecesszió
Szecesszió'nun (Macarcada Secession) öncüsü ve önderi olan mimar
Ödön Lechner, Macar mimarisinde tarihçilikten modernizme geçişi
simgeleyen yapılar yarattı.[91] Macar mimari tarzı için kullandığı
fikirler arasında mimari seramiklerin ve doğu motiflerinin kullanımı
vardı. Eserlerinde 1886'da Zsolnay Porselen Fabrikası tarafından
üretilen pygorganite adlı malzemeyi kullandı.[91] Bu malzeme, diğer
tarzlarda da önemli Macar yapılarının inşasında kullanıldı, örneğin
Macar Parlamento Binası ve Mátyás Kilisesi.
Ödön Lechner'ın[92] eserleri arasında Uygulamalı Sanatlar Müzesi
(1893-1896) bulunur, benzer belirgin özelliklere sahip diğer yapılar
arasında Jeoloji Müzesi (1896-1899) ve Posta Tasarruf Bankası binası
(1899-1902) yer alır, hepsi Budapeşte'de bulunur. Ancak, Macar
mimari kurumunun Lechner'ın başarısına karşı çıkmasından dolayı,
daha önceki yapılarına benzer yeni projeler almakta zorlandı.[91]
Ancak Lechner, yeni tarzı popülerleştiren sonraki nesil mimarlara
ilham ve ustalık sağladı.[91] Macarlaştırma süreci içinde krallığın dış
bölgelerinde öğrencilerine birçok bina görevi verildi: Örneğin Marcell
Komor [hu] ve Dezső Jakab'a Szabadka'da (şu anda Sırbistan'daki
Subotica) Sinagog (1901-1903) ve Belediye Binası (1908-1910) inşa
etmeleri için görev verildi, Marosvásárhely'de (şu anda
Romanya'daki Târgu Mureș) İl Yönetimi (1905-1907) ve Kültür
Sarayı (1911-1913). Daha sonra Lechner kendisi 1909-1913 yılları
arasında Pozsony'da (günümüzde Slovakya'nın başkenti Bratislava)
Mavi Kilise'yi inşa etti.
Başka bir önemli mimar ise John Ruskin ve William Morris'in
takipçisi olan Károly Kós'tur. Kós, Finlandiya Ulusal Romantizmi
hareketini bir model olarak ve Transilvanya halk mimarisini ilham
kaynağı olarak aldı.[93] En dikkate değer yapıları arasında
Zebegény'deki Roma Katolik Kilisesi (1908-1909), Budapeşte Belediye
Hayvanat Bahçesi pavilyonları (1909-1912) ve Sepsiszentgyörgy'deki
(şu anda Romanya'nın Sfântu Gheorghe şehri) Székely Ulusal Müzesi
bulunur.
Szecesszió'nun sanatta desteklendiği hareket, Aladár Körösfői-
Kriesch tarafından kurulan Gödöllő Sanat Kolonisi'dir. Körösfői-
Kriesch, John Ruskin ve William Morris'in takipçisi olan birisi olup
1901 yılında Budapeşte'deki Kraliyet Uygulamalı Sanatlar Okulu'nda
profesördü.[94] Sanatçıları, Budapeşte'deki Franz Liszt Müzik
Akademisi dahil birçok projede yer aldı.[95]

Gödöllő Sanat Kolonisi'ne bağlı bir isim olan Miksa Róth, Gresham
Sarayı (cam boyama, 1906) ve Török Bankası (mozaik, 1906) gibi
Budapeşte'deki birçok Szecesszió projesinde yer aldı. Ayrıca,
Marosvásárhely'deki Kültür Sarayı (1911-1913) için mozaik ve cam
boyamalar da yaptı.
Önemli bir mobilya tasarımcısı olan Ödön Faragó, geleneksel halk
mimarisi, doğu mimarisi ve uluslararası Art Nouveau'yu son derece
resmedici bir tarzda birleştirdi. Diğer bir Macar tasarımcı olan Pál
Horti, daha sade ve işlevsel bir tarza sahipti ve meşe ağacından, eboni
ve pirinçle ince şekilleri olan tasarımlar yaptı.
Prag ve diğer yerlerdeki Secession türkçeye çevir
Szecesszió'nun, Prag ve diğer yerlerdeki Secession hareketiyle
benzerlik gösteren bir kolu vardı. Prag'da, Avusturya-Macaristan
İmparatorluğu'nun başkenti olan bu şehirde, Art Nouveau tarzı
büyük bir etki yarattı. Prag'da Secession hareketinin önde gelen
isimleri arasında Jan Kotěra, Antonín Balšánek, Osvald Polívka,
Josef Fanta ve Pavel Janák yer aldı.
Bu dönemde, Prag'da birçok Art Nouveau binası inşa edildi.
Özellikle, Prag'daki önemli Secession yapıları arasında Obecní dům
(Belediye Binası) ve Villa Müller yer almaktadır. Obecní dům, 1905-
1911 yılları arasında inşa edildi ve içerisinde bir konser salonu,
restoranlar ve dekoratif sanatlar galerisi gibi birçok farklı işlevi
barındırıyordu. Villa Müller ise Adolf Loos tarafından tasarlandı ve
1928-1930 yılları arasında inşa edildi. Minimalist bir tarza sahip olan
Villa Müller, modernist bir yaklaşımı yansıtıyordu.
Prag'daki Secession hareketi, mimariden mobilya tasarımına, iç
mekan dekorasyonundan grafik tasarıma kadar geniş bir alanda
etkisini gösterdi. Bu dönemdeki eserler, şehrin sokaklarında ve
meydanlarında hala görülebilir ve Prag'ın kültürel mirasının önemli
bir parçasını oluşturur.
Romanya'da Art Nouveau'nun etkisi, Romenya dilinde "Arhitectura
de la 1900" veya "Stilul Liberty" olarak bilinen bir akım olan
Romanya Art Nouveau'suyla kendini gösterdi. Bu akım, 19. yüzyılın
sonlarından 20. yüzyılın başlarına kadar Romanya'da büyük bir etki
yaratmıştır.
Romanya Art Nouveau'su, yerel geleneklerin ve ulusal kimliğin
unsurlarını taşımaktadır. Yapılarda geleneksel Romanya süslemeleri
ve motifleri, doğa ve mitolojiyle ilişkili semboller, yerel halk sanatı ve
el işçiliği kullanılmıştır. Bu tarzın önde gelen isimleri arasında Ion
Mincu, Ion Berindey, Grigore Cerchez ve Dimitrie Maimarolu yer
almaktadır.
Bükreş, Romanya'da Art Nouveau'nun önemli bir merkezi haline
gelmiştir. Şehirdeki Art Nouveau binaları, özellikle Calea Victoriei
(Victory Avenue) üzerinde yoğunlaşmıştır. Bükreş'teki önemli Art
Nouveau yapıları arasında Romanya Ulusal Bankası (Banca
Națională a României), Bükreş Belediye Binası (Palatul Primăriei),
Casa Capsa oteli ve Romanya Bilimler Akademisi binası yer
almaktadır.
Romanya'da Art Nouveau, mimariye ek olarak mobilya tasarımı, iç
mekan dekorasyonu, seramik ve el sanatları gibi farklı alanlarda da
etkisini göstermiştir. Bu döneme ait eserler, Romanya'nın kültürel
mirasının önemli bir parçasını oluşturur ve bu tarza ilgi duyanlar için
zengin bir kaynak oluşturur.
Art Nouveau, Batı Avrupa'da olduğu gibi Romanya'da da aynı
dönemlerde (erken 1890'lar - 1914 yılında I. Dünya Savaşı'nın
başlaması) ortaya çıkmıştır. Ancak burada bu tarzda pek çok bina
bulunmamaktadır ve Beaux Arts tarzı baskındır. En ünlü
örneklerinden biri Constanța Kıbrısı'dır. Romanya'da Art Nouveau
mimarisinin çoğu aslında Beaux Arts ve Art Nouveau tarzlarının bir
karışımıdır. Bunu, Bükreş'teki Romulus Porescu Evi veya Vasile
Lascăr Caddesi'ndeki 61 numaralı ev gibi örneklerde görmek
mümkündür. Bunun nedeni, bu tarzın o dönemde Avusturya-
Macaristan İmparatorluğu'nun bir parçası olan Transilvanya'da
popüler olması ve Romanya halkının baskı ve ayrımcılığa maruz
kalmasıdır, oysa nüfusun çoğunluğunu oluşturuyorlardı. Bu nedenle,
1900'lerin ve 1910'ların başında Art Nouveau tarzında bir ev isteyen
insanlar, tarzı anımsatan bazı ince süslemeler kullanabilmişlerdir,
ancak geri kalanı tamamen Beaux Arts veya nadir durumlarda
Romanya Rönesansı tarzında olmuştur. Bükreş'teki Fanny ve Isac
Popper Evi (Strada Sfinților no. 1), 1914 yılında Alfred Popper
tarafından yapılan bir örnektir. Bu ev, temel olarak Beaux Arts
akademik tarzında inşa edilmiş olsa da, iki pilasterin tabanlarında
dans eden ve enstrüman çalan kadınları tasvir eden bazı Art Nouveau
kabartmaları ve kemerli kapının üstünde çiçek motifleri
bulunmaktadır. Tarzı anımsatan yaygın bir özellik ise kıvrımlı ahşap
detaylara sahip olan kemerli pencerelerdir. Bununla birlikte, bu
pencere özelliği kesinlikle Art Nouveau olmayabilir, çünkü Beaux Arts
ve Rococo Rönesans mimarisi, özellikle 1890'lar, 1900'ler ve 1910'lar
döneminde kıvrımlı ve kıvrımlı çizgiler kullanma eğilimindedir.
Romanya'dan en dikkate değer Art Nouveau ressamlarından biri
Ștefan Luchian'dır. Kısa bir süre için, Art Nouveau'nun yenilikçi ve
dekoratif yönelimlerini hızla benimsedi. Bu dönem, 1897'de kurulan
Ileana Derneği'nin kuruluşuyla senkronize oldu. Luchian, bu derneğin
kurucu üyelerinden biriydi ve bir sergi düzenlediler (1898) - Bağımsız
Sanatçılar Sergisi adıyla Union Hotel'de ve bir dergi olan Ileana
Dergisi'ni yayınladılar.
Transilvanya, hem Art Nouveau hem de Romanya Rönesansı
binalarına sahiptir; önceki Avusturya-Macaristan döneminden
kalanlar Art Nouveau tarzındadır. Bunların çoğu Oradea'da
bulunabilir, bu şehir "Romanya'nın Art Nouveau başkenti" olarak
adlandırılır, ancak Timișoara, Târgu Mureș ve Sibiu gibi diğer
şehirlerde de bulunur.
İtalya'da Stile Liberty

İtalya'da Art Nouveau, arte nuova, stile floreale, stile moderno ve

özellikle stile Liberty olarak bilinirdi. Liberty tarzı adını Arthur
Lasenby Liberty'den ve 1874 yılında Londra'da kurduğu Liberty
mağazasından alır. Liberty mağazası, Japonya ve Uzak Doğu'dan süs
eşyaları, tekstiller ve sanat objeleri ithal etme konusunda
uzmanlaşmıştı ve renkli tekstilleri özellikle İtalya'da popülerdi. Tarzın
önemli İtalyan tasarımcıları arasında Galileo Chini yer alır. Çinicilik
desenlerinden sık sık ilham alan seramik çalışmalarıyla tanınır. Daha
sonra bir ressam ve tiyatro sahnesi tasarımcısı olarak da ün kazandı;
Puccini'nin iki ünlü operası Gianni Schicchi ve Turandot için
dekorları tasarladı.
Liberty tarzı mimaride büyük çeşitlilik gösterir ve genellikle tarihi
stilleri, özellikle Barok'u takip eder. Cepheler genellikle süslemelerle
ve heykellerle bezenmiştir. Liberty tarzının örnekleri arasında
Palermo'daki Villino Florio (1899-1902) Ernesto Basile tarafından;
Milan'daki Palazzo Castiglioni Giuseppe Sommaruga (1901-1903)
tarafından ve Milan'daki Casa Guazzoni (1904-05) Giovanni Battista
Bossi (1904-06) tarafından tasarlanmıştır.
Renkli freskler, boyanmış veya seramik olarak yapılanlar, iç ve dış
mekânda sıkça kullanılan Liberty tarzının popüler özelliklerindendir.
Klasik ve çiçeksel temalardan esinlenilmiştir, örneğin Acque della
Salute hamamlarında ve Milan'daki Casa Guazzoni'de.
Liberty tarzı tasarımda en önemli figür Carlo Bugatti'dir. Bir mimar
ve dekoratörün oğlu olan Carlo Bugatti, Liberty heykeltıraş
Rembrandt Bugatti ve ünlü otomobil tasarımcısı Ettore Bugatti'nin
babasıdır. Milano Brera Akademisi'nde ve daha sonra Paris'teki
Académie des Beaux-Arts'ta eğitim aldı. Eserleri egzotizm ve
tuhaflıkla öne çıkar, gümüş eşyalar, tekstiller, seramikler ve müzik
aletleri içerir, ancak en çok yenilikçi mobilya tasarımlarıyla
hatırlanır. Mobilyaları genellikle anahtar deliği tasarımıyla dikkat
çeker ve deri ve ipek gibi sıradışı kaplamalara ve kemik ve fildişi
kakmalara sahiptir. Ayrıca bazen salyangozlar ve kobralar gibi
şaşırtıcı organik şekiller de kullanır.
Sırbistan'da Art Nouveau ve Seçesiya
İspanya'da Art Nouveau, Modernismo ve Modernisme olarak bilinir.
Modernismo, Katalonya bölgesinde özellikle Barcelona'da gelişti ve
Katalan kültürü ve kimliğiyle bütünleşti. Modernisme terimi daha
geniş bir anlamda İspanya'nın diğer bölgelerinde de kullanıldı.
Modernismo'nun en ünlü isimlerinden biri Antoni Gaudí'dir.
Gaudí'nin eserleri, organik formlar, eğri çizgiler ve doğal motiflerin
kullanımıyla öne çıkar. En ünlü eseri Sagrada Familia Bazilikası'dır,
ancak Park Güell, Casa Batlló ve Casa Milà gibi diğer yapıları da
büyük beğeni toplar.
Modernismo'nun diğer önemli mimarları arasında Lluís Domènech i
Montaner ve Josep Puig i Cadafalch yer alır. Domènech i Montaner'in
en ünlü eseri Palau de la Música Catalana'dır, Cadafalch'ın ise Casa
Amatller ve Casa de les Punxes gibi yapıları dikkat çeker.
Modernisme, sadece mimaride değil, aynı zamanda iç tasarımda,
mobilyalarda, seramiklerde ve diğer dekoratif sanatlarda da etkili
oldu. Önde gelen Modernisme tasarımcıları arasında Antoni
Gaudí'nin işbirliği yaptığı mobilya tasarımcısı Gaspar Homar ve
seramikçi Josep Llimona yer alır.
Modernismo ve Modernisme hareketleri, İspanyol kültürünün ve
ulusal kimliğinin önemli bir parçası haline geldi ve günümüzde hâlâ
Katalan mimarisinin belirgin bir özelliğidir
Barselona, Katalonya'da, Belçika ve Fransa'da Art Nouveau tarzının
ortaya çıktığı dönemde oldukça özgün bir varyasyonu ortaya çıktı.
Katalanca'da Modernisme, İspanyolca'da ise Modernismo olarak
adlandırıldı. Bu tarzın en ünlü yaratıcısı Antoni Gaudí'ydi. Gaudí,
Palau Güell (1886-1890) eserinde çiçek ve organik formları çok yeni
bir şekilde kullandı. UNESCO'ya göre, "parkın mimarisi, Arts and
Crafts hareketi, Sembolizm, Ekspresyonizm ve Rasyonalizm
unsurlarını birleştirdi ve 20. yüzyıl Modernizmi'nin birçok biçimini ve
tekniğini önceden haber verdi ve etkiledi." [115] El işçiliğini
seramikler, vitray cam, demir işçiliği ve marangozluk gibi zanaatlarla
birleştirdi. Güell Pavilions (1884-1887) ve Parc Güell (1900-1914)
eserlerinde de trencadís adı verilen atık seramik parçalarını kullanan
yeni bir teknik kullandı. 1903 civarında tasarladığı Casa Batlló (1904-
1906) ve Casa Milà (1906-1912) eserleri, Art Nouveau tarzının stilistik
unsurlarına en yakın olanlardır. [118] Sagrada Família gibi daha
sonraki yapılar, Art Nouveau unsurlarını yeniden canlandıran Neo-
Gotikle birleştirmiştir. [118] Casa Batlló, Casa Milà, Güell Pavilions
ve Parc Güell, onun Josep Maria Jujol ile işbirliğinin sonucudur.
Jujol, Sant Joan Despí (1913-1926) ve Tarragona yakınlarındaki
birkaç kilise (1918 ve 1926) ile kıvrımlı Casa Planells (1924) gibi evler
yaratmıştır.
Gaudí'nin egemen olduğu yanında, Lluís Domènech i Montaner de
Barcelona'da Art Nouveau tarzını kullanmıştır. Bunun örnekleri
Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la
Música Catalana (1905) ve Hospital de Sant Pau (1901-1930)'dır. [118]
Son iki yapı UNESCO tarafından Dünya Kültür Mirası olarak
listelenmiştir. [119]
Başka bir önemli modernista Josep Puig i Cadafalch'dır. O, Casa
Martí ve Els Quatre Gats kafesi, Casimir Casaramona tekstil
fabrikası (şu anda CaixaFòrum sanat müzesi), Casa Macaya, Casa
Amatller, Palau del Baró de Quadras (Casa Àsia'ya 10 yıl boyunca ev
sahipliği yapmıştır) ve Casa de les Punxes ("Dikenli Ev") gibi yapıları
tasarlamıştır.
Valensiya Topluluğu'nda da belirgin bir Art Nouveau hareketi vardır.
Dikkate değer mimarlar arasında Demetrio Ribes Marco, Vicente
Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud ve José María Manuel
Cortina Pérez yer alır. Valensiya Art Nouveau'nun tanımlayıcı
özellikleri, cephe ve süslemelerde seramiklerin dikkate değer bir
şekilde kullanılması ve Valensiya bölgesel motiflerinin kullanılmasıdır.
Başka bir dikkat çekici varyasyon ise Madrid Art Nouveau veya
"Modernismo madrileño"dur. Longoria Sarayı, Casino de Madrid
veya Cementerio de la Almudena gibi dikkate değer yapılar
bulunmaktadır. Madrid'den tanınmış modernist mimarlar José López
Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti ve Francisco Andrés
Octavio'dur.
Modernisme hareketi, çizimler, resimler, heykeller, cam ve metal
işleri, mozaikler, seramikler ve mobilyalar gibi geniş bir sanat mirası
bıraktı. Bu mirasın bir kısmı Museu Nacional d'Art de Catalunya'da
bulunabilir.

Daha önce çalıştığı Le Chat Noir adlı Paris kafesinden ilham alan
Pere Romeu i Borràs, Barcelona'da Els Quatre Gats (Dört Kedi)
adında bir kafe açmaya karar verdi.[120] Kafe, Modernisme'nin
Barcelona'nın en önemli figürleri olan Pablo Picasso ve Ramon Casas
i Carbó gibi isimlerin merkezi buluşma noktası haline geldi. Casas i
Carbó, afişleri ve kartpostallarıyla hareketi teşvik etmeye yardımcı
oldu. Kafe için Ramon Casas ve Pere Romeu'yu Tandem Bisikletinde
adlı bir resim yaptı ve bu daha sonra 1901'de Ramon Casas ve Pere
Romeu'nun Otomobilinde adlı başka bir kompozisyonla değiştirildi,
yeni yüzyılı simgeliyor.
Antoni Gaudí, inşa ettiği evler için birçok mobilya tasarladı;
bunlardan bir örnek, Battle House için tasarlanan bir koltuktur. O,
başka bir önemli Katalan mobilya tasarımcısı olan Gaspar Homar
[ca] (1870-1953)'ı da etkiledi ve genellikle mobilyalarında kakma ve
mozaikleri bir araya getirdi.[121]
Portekiz'de Arte Nova türkçeye çevir
Modernisme hareketinin Portekiz'deki karşılığı Arte Nova'dır. Arte
Nova, 20. yüzyılın başlarında Portekiz'de yaygınlaşan ve Art
Nouveau tarzının izlerini taşıyan bir sanat ve tasarım akımıdır. Bu
akım, Fransız ve Belçika Art Nouveau'sundan etkilenmiştir, ancak
yerel özelliklerle zenginleştirilmiştir.
Arte Nova'nın en ünlü örnekleri Lizbon'da bulunmaktadır.
Başkentteki São Jorge Kalesi yakınlarında bulunan Avenida da
Liberdade caddesi, Arte Nova tarzında yapılmış dikkat çekici
binalarla doludur. Bu binaların cephe süslemelerinde organik
formlar, bitki motifleri, stilize figürler ve yaratıcı desenler
kullanılmıştır. Arte Nova tarzı, Lizbon şehir merkezindeki birçok ev
ve ticari binada da görülebilir.
Arte Nova'nın önde gelen mimarları arasında Raul Lino ve Miguel
Ventura Terra yer almaktadır. Lino, çeşitli konut ve kamu binaları
tasarlamıştır. Özellikle Lizbon'daki Amoreiras Caddesi'ndeki
evleriyle tanınır. Ventura Terra ise, Lizbon'daki Casa dos Patudos
gibi Art Nouveau unsurlarını taşıyan ikonik yapıları tasarlamıştır.
Arte Nova aynı zamanda iç tasarımda da etkili olmuştur.
Mobilyalarda organik formlar, eğri çizgiler, bitki motifleri ve
dekoratif detaylar ön plandadır. Art Nouveau'nun genel özelliklerini
yansıtan kakma, vitray ve seramik gibi el sanatları da Arte Nova'nın
vazgeçilmez unsurlarıdır.
Sonuç olarak, Arte Nova, Portekiz'de Art Nouveau'nun özgün bir
yorumunu temsil eden zengin bir sanat ve tasarım akımıdır.
Lizbon'da bulunan çeşitli yapılar ve iç mekanlar, Arte Nova'nın
benzersiz tarzını ve estetiğini gözler önüne sermektedir.
Jugendstil, Kuzey Avrupa ülkelerinde etkili olan bir sanat ve tasarım
akımıdır. Almanya'da doğmuş ve daha sonra İskandinav ülkelerine
yayılmıştır. Jugendstil, doğanın organik formlarını ve süslemelerini
kullanarak sanatta bir estetik yaratmayı amaçlamıştır.
Jugendstil'in en belirgin özelliği, karmaşık kıvrımlı hatlar, bitki
motifleri ve doğal elementlerle süslenmiş binaların kullanılmasıdır.
Bu akım, iç ve dış mekanlarda ayrıntılı süslemelerin yanı sıra cam,
seramik ve mobilya gibi farklı sanat dallarında da kendini
göstermiştir.
İskandinav ülkelerinde Jugendstil, özellikle mimaride ve iç tasarımda
etkili olmuştur. Bu dönemde birçok Jugendstil tarzı bina inşa
edilmiştir. Özellikle Helsinki, Stockholm ve Oslo gibi başkentlerde bu
tarza ait önemli örnekler bulunmaktadır.
Jugendstil, sanat ve tasarım dünyasında önemli bir yer tutan bir
akımdır ve özellikle Kuzey Avrupa'nın kültürel mirasında büyük bir
rol oynamıştır.
TARZ....
Erken Art Nouveau, özellikle Belçika ve Fransa'da, zambaklar,
asmalar, çiçek sapları ve diğer doğal formlardan ilham alan dalgalı,
kıvrımlı formlarla karakterize edilir. Bu özellikler özellikle Victor
Horta'nın iç mekanlarında ve Louis Majorelle ile Émile Gallé'nin
dekorasyonlarında kullanılmıştır. Ayrıca, o dönemde Avrupa'da
popüler olan Japon sanatından ödünç alınan kelebekler ve
yusufçukları temel alan desenlere de yer verilmiştir.
Erken Art Nouveau, ayrıca Hermann Obrist'in 1894 yılında
tasarladığı siklamen bitkisinde çizilen kamçı hareketini ifade eden
daha stilize edilmiş formlara da sıkça yer verir. Hermann Obrist'in
Cyclamen (1894) adlı duvar süsüne dair Pan dergisinde yayınlanan
bir tanım, onu "bir kamçının çıtırdama sesiyle oluşan ani şiddetli
kıvrımlarla" karşılaştırmıştır. "Kamçı" terimi, aslında tarzı alaya
almak için kullanılmış olsa da, Art Nouveau sanatçıları tarafından
kullanılan karakteristik kıvrımlara sıkça uygulanır. Bu dekoratif
dalgalanan ve akışkan hatlar, senkopeli bir ritim ve asimetrik şekilde
mimari, resim, heykel ve diğer Art Nouveau tasarım formlarında
sıkça görülür.
Diğer çiçek formları da popülerdi; zambaklar, salkımlı menekşeler ve
diğer çiçekler, özellikle Louis Comfort Tiffany'nin lambalarında ve
Nancy Okulu sanatçılarının ve Émile Gallé'nin cam objelerinde ilham
kaynağı oldu. Doğadan ödünç alınan diğer kıvrımlı ve dalgalı formlar
arasında kelebekler, tavus kuşları, kuğular ve nilüferler yer alır.
Birçok tasarımda kadın saçları, zambaklar, süsenler ve diğer çiçek
saplarıyla birlikte örülü olarak tasvir edildi. Stilize edilmiş çiçek
formları özellikle Victor Horta'nın halılarında, korkuluklarında,
pencerelerinde ve mobilyalarında kullanılmıştır. Hector Guimard,
korkuluklar için yoğun olarak kullanmıştır ve en ünlü olarak Paris
Metro girişlerindeki lambalar ve korkuluklarda görülür. Guimard
şöyle açıklar: "Sürekli olan her şeyde kaçınılması gereken şey, paralel
ve simetriktir. Doğa en büyük mimardır ve doğa paralel ve simetrik
hiçbir şey yapmaz."
Louis Majorelle ve Henry van de Velde gibi erken Art Nouveau
mobilyaları, nadir ve pahalı malzemelerin kullanılmasıyla karakterize
edilir. Bu malzemeler arasında değerli ahşaplarla yapılan ve
kenarlarındaki kıvrımlı formlarla dikkat çeken mükemmel bir
hafiflik hissi veren mobilyalar yer alır.
Art Nouveau'nun ikinci aşamasında, özellikle 1900'den sonra,
dekorasyon daha saf bir hale geldi ve çizgiler daha stilize edildi.
Dalgalanan hatlar ve formlar çokgenlere, daha sonra küplere ve diğer
geometrik formlara dönüştü. Bu geometrik formlar Joseph Maria
Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser ve Josef Hoffmann'ın
mimarlık ve mobilyalarında özellikle Brüksel'deki Stoclet Sarayı'nda
etkileyici bir şekilde kullanıldı; bu da Art Deco ve modernizmin
gelişinin habercisi oldu.
Art Nouveau mimarisinin başka bir özelliği ise ışığın kullanımıydı; iç
mekanların açılması, duvarların kaldırılması ve iç mekana
maksimum miktarda ışığın girmesi için bol miktarda cam kullanımı.
Victor Horta'nın ikametgah-stüdyosu ve onun tarafından inşa edilen
diğer evlerde geniş cam kullanılmıştır ve bu camlar kıvrımlı demir
çerçeveler üzerinde desteklenmiştir. Hotel Tassel'de geleneksel
merdiven duvarlarının kaldırılmasıyla merdivenler iç mekan
tasarımının merkezi bir unsuru haline gelmiştir.
Art Nouveau, çağdaş tarzlar ve akımlarla ilişkisiyle birlikte,
döneminin estetik ve kültürel bağlamında şekillenmiş bir sanat ve
tasarım hareketidir.
Art Nouveau, bir sanat tarzı olarak, Pre-Raphaelite ve Sembolist
tarzlarla benzerlikler taşır ve Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha,
Edward Burne-Jones, Gustav Klimt ve Jan Toorop gibi sanatçılar bu
tarzlardan birden fazlasına dahil edilebilir. Bununla birlikte,
Sembolist resimden farklı olarak, Art Nouveau'nun belirgin bir
görünümü vardır ve el işçiliğine dayalı Sanat ve El Sanatları
hareketinin aksine, Art Nouveau sanatçıları yeni malzemeleri,
makineyle işlenmiş yüzeyleri ve soyutlamayı saf tasarım hizmetinde
rahatlıkla kullanmıştır.
Art Nouveau, Sanat ve El Sanatları hareketinin aksine, makinelerin
kullanımını terketmemiştir. Heykel için kullanılan başlıca malzemeler
cam ve kovanlı demir olmuş, bu da mimaride bile heykelsel
niteliklerin ortaya çıkmasını sağlamıştır. Seramikler de Auguste
Rodin gibi sanatçıların heykellerinin baskılarının yapılmasında
kullanılmıştır, ancak Rodin'in heykeli Art Nouveau olarak kabul
edilmez.
Art Nouveau mimarisi, özellikle demirin açıkta kullanımı ve düzensiz
şekilli büyük cam parçalarının mimaride kullanımı gibi 19. yüzyılın
sonunda gerçekleşen birçok teknolojik yeniliği kullanmıştır.
Art Nouveau eğilimleri aynı zamanda yerel tarzlara da etki etmiştir.
Örneğin, Danimarka'da bu tarz Skønvirke ("estetik çalışma") olarak
adlandırılan bir yönüdür ve daha çok Sanat ve El Sanatları tarzıyla
ilişkilidir. Benzer şekilde, Polonya'da sanatçılar Art Nouveau'nun
çiçeksel ve organik motiflerini Młoda Polska ("Genç Polonya")
tarzına dahil etmişlerdir. Ancak Młoda Polska, diğer sanat tarzlarını
da içine alan daha geniş bir yaklaşımıyla sanat, edebiyat ve yaşam
tarzını kapsamaktadır.
Mimari açıdan, Art Nouveau, Walter Gropius ve Le Corbusier gibi
mimarlar tarafından kurulan modernist geleneğin dışında var olan
tarzlara benzerlikler taşır. Özellikle organik formlara olan tercihi
paylaşan İfadeci mimariyle yakından ilişkilidir, ancak İfadecilik, Art
Nouveau'nun süslemeye yaklaşımına yönelik entelektüel bir
hoşnutsuzluktan gelişmiştir. Art Nouveau'nun bitki ve bitkisel
motiflere odaklanmasına karşı olarak, İfadecilik mağaralar, dağlar,
şimşek, kristal ve kaya oluşumları gibi şeylerden ilham almaktadır.
Başka bir Art Nouveau tepkisi olarak ortaya çıkan bir tarz ise Art
Deco'dur; bu tarz, çağdaş sanatsal avangarddan türeyen düzlemsel
bir stile dayanarak organik yüzeyleri tamamen reddeder.
Türler Art Nouveau, resim ve heykelde temsil edilse de, özellikle
mimaride ve dekoratif sanatlarda ön plandadır. Grafik sanatlara,
özellikle afişe, iç mekan tasarımına, metal ve cam sanatına,
mücevherata, mobilya tasarımına, seramiğe ve tekstillere çok
uygundur.
Grafik sanatlar, Art Nouveau döneminde renkli litografinin de dahil
olduğu yeni baskı teknolojilerinin gelişmesiyle gelişti. Renkli afişlerin
seri üretimine imkan veren bu teknoloji, sanatın galeriler, müzeler ve
salonlarla sınırlı olmadığı bir dönemde Paris duvarlarında ve
Avrupa'nın ve Amerika Birleşik Devletleri'ne yayılan illüstrasyonlu
sanat dergilerinde bulunabiliyordu. Art Nouveau afişlerinin en
popüler teması kadınlardı; genellikle çiçeklerle çevrelenmiş, cazibe,
modernite ve güzelliği simgeleyen kadınlar.
İngiltere'de Art Nouveau tarzında önde gelen grafik sanatçı Aubrey
Beardsley (1872-1898) idi. Le Morte d'Arthur için oymalı kitap
illüstrasyonlarıyla başladı, ardından Oscar Wilde'ın Salome adlı eseri
için siyah beyaz illüstrasyonlar yaptı (1893) ve bu ona ün kazandırdı.
Aynı yıl, sanat dergisi The Studio için illüstrasyonlar ve afişler
yapmaya başladı ve bu da Fernand Khnopff gibi Avrupa sanatçılarını
İngiltere'de tanıtmasına yardımcı oldu. Kıvrımlı hatlar ve karmaşık
çiçek desenleri metin kadar dikkat çekti.
İsviçreli-Fransız sanatçı Eugène Grasset (1845-1917), Fransız Art
Nouveau afişlerinin ilk yaratıcılarından biriydi. 1885 yılında ünlü Le
Chat noir kabaresini dekore etmeye yardımcı oldu ve ilk afişlerini
Fêtes de Paris için yaptı. 1890 yılında ünlü oyuncu Sarah
Bernhardt'ın bir afişini yaptı ve çeşitli kitap illüstrasyonları da
hazırladı. Sanatçı-tasarımcılar Jules Chéret, Georges de Feure ve
ressam Henri de Toulouse-Lautrec, Paris tiyatroları, kafeler, dans
salonları ve kabareler için afişler yaptılar. Çek sanatçı Alphonse
Mucha (1860-1939) 1888 yılında Paris'e geldi ve 1895 yılında
Victorien Sardou'nun Gismonda adlı oyununda Sarah Bernhardt için
bir afiş yaptı. Bu afişin başarısı, Bernhardt için altı daha fazla oyunun
afişlerini üretme sözleşmesine yol açtı. Sonraki dört yıl boyunca,
sahne dekorları, kostümler ve hatta mücevherler gibi şeyler için de
tasarımlar yaptı. Tiyatro afişlerinin başarısı üzerine Mucha,
sigaradan sabuna, bisküviye kadar çeşitli ürünler için, kum saati
şeklinde idealize edilmiş bir kadın figürünü içeren afişler yaptı.
Kendine özgü tarzıyla, mücevherlerden bisküvi kutularına kadar
çeşitli ürünler tasarladı.
Viyana'da, grafik ve afiş tasarımlarının en verimli ismi Koloman
Moser (1868-1918) oldu. Gustav Klimt ve Josef Hoffmann ile birlikte
Secession hareketine aktif olarak katıldı ve hareketin dergisi Ver
Sacrum için illüstrasyonlar ve kapaklar, resimler, mobilya ve
dekorasyonlar yaptı.
Resim sanatı da Art Nouveau'nun bir alanıydı, ancak genellikle Art
Nouveau ile ilişkilendirilen ressamlar daha çok post-empresyonizm ve
sembolizm gibi diğer akımların üyeleri olarak tanımlanır. Alphonse
Mucha, Art Nouveau afişleriyle ünlüydü, ancak onu sinir ederdi. Oğlu
ve biyografi yazarı Jiří Mucha'ya göre, Art Nouveau hakkında pek
düşünmedi. "Art Nouveau nedir?" diye sordu. "...Sanat asla yeni
olamaz." En çok gurur duyduğu çalışmaları tarih ressamı olarak
yaptığı işlerdi. Bir Art Nouveau esinlenmesi olan tek resmi, Slav
kıyafetleri giymiş bir müşterisinin kızının portresi olan "Slava" adlı
eseriydi ve tiyatro afişlerine dayanarak tasarlanmıştı.
Art Nouveau ile en yakından ilişkilendirilen ressamlar, Les Nabis adı
verilen post-empresyonist sanatçılardı ve 1888'den 1900'e kadar
Paris'te faaliyet gösterdiler. Amaçları arasında güzel sanatlar ve
dekoratif sanatlar arasındaki engeli kırmak vardı. Sadece tuvaller
değil, aynı zamanda dekoratif perdeler ve paneller de boyadılar.
Eserlerinin birçoğu Japon baskılarının estetiğinden etkilendi. Üyeler
arasında Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard
Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton ve Paul Sérusier
bulunuyordu.
Belçika'da Fernand Khnopff, hem resim hem de grafik tasarım
alanında çalıştı. Gustav Klimt'in duvar resimleri, Josef Hoffmann'ın
Stoclet Sarayı'nın dekoratif şemasına entegre edildi (1905-1911).
Stoclet Sarayı'nın yemek odası için yapılan Klimt duvar resmi, Art
Nouveau'nun son döneminin başyapıtlarından biri olarak kabul
edilir.
Bir konu, geleneksel resimde ve Art Nouveau'da göründü; Amerikalı
dansçı Loie Fuller, Fransız ve Avusturyalı ressamlar ve afiş sanatçıları
tarafından tasvir edildi.
Özellikle Brüksel'de Art Nouveau döneminde popüler hale gelen bir
tarz, sgraffito adı verilen bir tekniğin kullanılmasıydı. Bu tekniği
Rönesans döneminde keşfedilmiş olup, evlerin cephelerine sırlı
sıvaların katmanlarını uygulayarak duvar resimleri yapma
tekniğiydi. Bu teknik, özellikle Belçikalı mimar Paul Hankar
tarafından iki sanatçı arkadaşı Paul Cauchie ve Albert Ciamberlani
için inşa ettiği evlerde kullanıldı.
Cam sanatı
Cam sanatı, Art Nouveau'nun yeni ve çeşitli ifade yolları bulduğu bir
ortamdı. Özellikle Fransa'da, şeffaflık ve opaklık efektlerini bulmak
için yoğun bir deney yapılıyordu: kazıma, kama, çift katman ve asit
kazıma gibi tekniklerle seri üretimi mümkün kılan teknikler. Nancy
şehri, Fransız cam endüstrisi için önemli bir merkez haline geldi ve
Émile Gallé'nin atölyeleri ile Auguste ve Antonin Daum tarafından
yönetilen Daum stüdyosu burada bulunuyordu. Ernest Bussière,
Henri Bergé (illustrateur) ve Amalric Walter gibi birçok ünlü
tasarımcıyla çalıştılar. Bitmemiş parçaya farklı renkli cam parçalarını
basarak camın içine gömme yeni bir yöntem geliştirdiler. Sıklıkla
mobilya tasarımcısı Louis Majorelle ile işbirliği yaptılar; Majorelle'in
evi ve atölyesi de Nancy'deydi. Art Nouveau'nun bir diğer özelliği ise,
özellikle Nancy'deki Art Nouveau evlerinde, salonlarda çiçek temalı
bu tarzda vitray pencerelerin kullanılmasıydı. Birçoğu Jacques
Grüber tarafından yapılan bu pencereler, Villa Majorelle ve diğer
evler için yapıldı.
Belçika'da, önde gelen firma Val Saint Lambert cam fabrikasıydı ve
organik ve çiçeksel formlarda vazolar ürettiler; bunların birçoğu
Philippe Wolfers tarafından tasarlandı. Wolfers, genellikle metal
süslemelerle birleştirilmiş sembolist cam eserler yaratmasıyla dikkat
çekti. Avustro-Macaristan İmparatorluğu'nun bir bölgesi olan
Bohemya'da, kristal üretimiyle ünlü olan J. & L. Lobmeyr ve Joh.
Loetz Witwe şirketleri de yeni renklendirme teknikleriyle deneyler
yaptılar ve daha canlı ve zengin renkler elde ettiler. Almanya'da ise
deneyimler Karl Köpping tarafından yönlendirildi ve üflemeli cam
kullanarak çiçek formunda son derece hassas bardaklar yaratıldı; o
kadar hassastı ki günümüze pek az örneği kalmıştır.
Viyana'da, Secession hareketinin cam tasarımları Fransa veya
Belçika'dakilere göre daha geometrik bir yapıya sahipti; Otto
Prutscher, hareketin en titiz cam tasarımcısıydı. İngiltere'de,
Margaret Macdonald Mackintosh tarafından "The House of an Art
Lover" adlı mimari sergisi için bir dizi çiçeksel vitray tasarlandı.
Amerika Birleşik Devletleri'nde, Louis Comfort Tiffany ve
tasarımcıları, cam gölgeleriyle ünlü oldu; bu gölgeler yaygın olarak
kullanılan çiçek temalarını karmaşık bir şekilde bir araya getirdi.
Tiffany lambaları, 1893'teki Chicago Dünya Kolumbiya Sergisi'nde,
Tiffany'nin lambalarını Bizans tarzı bir şapelde sergilemesinden
sonra popülerlik kazandı. Tiffany, camı renklendirmenin süreçlerini
yoğun bir şekilde deneyerek, 1894 yılında Favrile cam adı verilen bir
süreç patentledi; bu süreçte metalik oksitler kullanarak erimiş camın
içini renklendirerek, yarı saydam bir etki verildi. Atölyeleri, farklı
çiçek tasarımlarında çeşitli Tiffany lamba serileri, vitray pencereler,
ekranlar, vazolar ve çeşitli dekoratif objeler üretti. Eserleri önce
Almanya'ya, ardından Siegfried Bing aracılığıyla Fransa'ya ithal
edildi ve 1900 Sergisi'nin dekoratif heyecanlarından biri haline geldi.
Tiffany'ye Amerika'da bir rakip olan Steuben Glass, 1903 yılında
Frederick Carder tarafından Corning, New York'ta kuruldu. Tiffany
gibi, Carder da Fevrile sürecini kullanarak yüzeylere yarı saydam
renkler vermek için bu süreci kullandı. Başka bir dikkate değer
Amerikan cam sanatçısı ise John La Farge'dı; hem dini hem de
tamamen dekoratif temalarda karmaşık ve renkli vitray pencereler
yarattı.
Kilise camlarının örneklerine Art Nouveau dini yapılar makalesinde
rastlanabilir.