ΜΑΡΙΑ ΠΑΝΑΓΙΩΤΟΠΟΥΛΟΥ

ΑΜ: 1334

ΑΓΓΛΙΚΑ ΙΙ: ΔΙΔΑΣΚΩΝ ΚΑΘΗΓΗΤΗΣ: ΓΙΩΡΓΟΣ ΔΑΜΑΣΚΗΝΙΔΗΣ

TRANSLATION ENGLISH TO GREEK

YOUTUBE: BAROQUE OVERVIEW GOODBYE ART ACADEMY

TIME: 7:12

https://www.youtube.com/watch?v=CUOMENNS0EI

Η περίοδος του Μπαρόκ έχει ένα σχετικά συναρπαστικό ξεκίνημα. Κατά τα μέσα του 1500 καθότι η
Καθολική Εκκλησία αισθάνθηκε απειλή από την αυξανόμενη μεταστροφή του πληθυσμού προς τον
Λουθηρανισμό, η εκκλησία συγκάλεσε το συμβούλιο του Τρέντο όπου έλαβε χώρα από το 1545
μέχρι το 1563. Στο συμβούλιο του Τρέντο, θρησκευτικές μεταρρυθμίσεις αμφισβητήθηκαν,
προτάθηκαν και αναθεωρήθηκαν. Η έντονη κριτική του Μάρτιν Λούθερ για την εκκλησία βρήκε
υποστηρικτές παντού. Σε απάντηση, η εκκλησία λανσάρισε μια διαφημιστική προσπάθεια για να
δηλώσει και να επιβεβαιώσει τις θεμελιώδης διδασκαλίες ώστε πολεμήσει την κριτική που δεχόταν
από τους Προτεστάντες οι οποίοι έστρεφαν το κοινό από την Καθολική Εκκλησία.

Αφού κατάφεραν να κερδίσουν τους λίγους μορφωμένους διανοούμενους που μπορούσαν να

διαβάζουν εκείνη την εποχή, αν και δεν θα έκανε την διαφορά στην διατήρηση της εξουσίας στην
Καθολική Εκκλησία. Οι ανεκπαίδευτες μάζες στοχοποιήθηκαν ,αφού την πλειοψηφία των ανθρώπων
δεν μπορούσαν να την προσεγγίσουν μέσω του γραπτού λόγου ώστε να τους εμπνεύσουν για να
παραμείνουν πιστοί. Η Καθολική Εκκλησία και οι διδαχές της απαιτούσαν το μέσο της εκπαίδευσης
οπότε έπρεπε να προτιμηθεί κάποιο μέσο εκτός από αυτό.

Η απάντηση ήταν ξεκάθαρη, η εκκλησία ξεκίνησε μια θρησκευτική διαφημιστική καμπάνια

χρησιμοποιώντας την τέχνη. Αυτό σηματοδότησε την αρχή της Μπαρόκ.

Κατά το 1600, η τεχνοτροπία του Μπαρόκ επικράτησε στους καλλιτέχνες στην Ρώμη και στην Ιταλία
και Μπαρόκ έργα γεμάτα με θρησκευτική μεγαλοπρέπεια εξαπλώθηκαν και σε άλλα σημεία της
Ευρώπης ως και το 1750. Οι καλλιτέχνες είχαν ενεργή ενθάρρυνση να εκφράσουν την πίστη τους
δημιουργώντας μεγαλοπρεπή και πανέμορφα έργα. Η τέχνη του Μπαρόκ ανακήρυσσε προσωπικά
οράματα μεταστροφής, θρησκευτικά οράματα θανάτου και μαρτυρίων. Οι εικόνες που
δημιουργούσαν οι καλλιτέχνες του Μπαρόκ ήταν ρεαλιστικές, έντονες και υπερβολικά πολυδάπανες.
Η χρήση έντονων χρωμάτων άρχισε να επιφέρει δραματικά χαρακτηριστικά, τα διαφορετικά στοιχεία
και οι φιγούρες της σύνθεσης επικαλύπτονται αντί να απομονώνονται στο κέντρο του έργου. Στην
αρχή του Μπαρόκ, ο όρος ήταν στην πραγματικότητα υποτιμητικός. Για να αποκαλέσεις κάτι ως
Μπαρόκ σημαίνει ότι ήταν υπερβολικά μεγαλοποιημένο με μη κολακευτικές λεπτομέρειες όπως
εξογκώματα και ρυτίδες, αυτό πρόσβαλλε τους θεατές και τους κριτικούς που ήταν συνηθισμένοι
στον ενδελεχή ρεαλισμό της τέχνης της Αναγέννησης.
Τα Μπαρόκ έργα δείχνουν μια ευρεία γκάμα τεχνοτροπίας και καλλιτεχνικές επιρροές, είναι
δραματικά προσφέροντας πλούσιες λεπτομέρειες, όμορφες βαθιές αποχρώσεις και ειλικρινή
ρεαλισμό. Οι καλλιτέχνες του Μπαρόκ συνήθως ζωγράφιζαν εικόνες που αιχμαλώτιζαν υπέρτατες
δραματικές στιγμές που ξεδιπλώνονται σε πραγματικό χρόνο. Δεν έμενες πια στο πλαίσιο της
φαντασίας στο τι συνέβη στην διάρκεια μιας μάχης. Αυτές οι σκηνές απεικονίζονταν με αβάσταχτες
ρεαλιστικές λεπτομέρειες. Στην πραγματικότητα, μπορείς να σκεφτείς ότι πολλά έργα Μπαρόκ ως
θεατρικά στιγμιότυπα που προβάλλονται από την οπτική κάθε καλλιτέχνη. Αρκετοί καλλιτέχνες
κατάφεραν να καθιερώσουν την φήμη τους στην εποχή του Μπαρόκ. Ανάμεσα τους βρίσκονται
διάσημα ονόματα όπως ο Ρέμπραντ ( Rembrandt), ο Ρούμπενς (Rubens), ο Πούσονγκ (Pusong), ο
Καραβάτσιο (Caravaggio), ο Βεμίρ (Vemeer) και ο Βελάσκεζ (Velazquez).

Ο Ρέμπραντ (Rembrandt) ήταν μια αληθινή αυθεντία στην τεχνική της Μπαρόκ. Μπορείς να
παρατηρήσεις την εξαιρετική χρήση φως και σκιών στο Διαλογισμό του Φιλόσοφου ή στη
Αποκαθήλωση από τον σταυρό. Σήμερα, οι εξαιρετικές πινελιές μπορούν να παρατηρηθούν στα
αριστουργήματα που δημιούργησε κατά τον 17 ο αιώνα.

Οι θρησκευτικοί πίνακες του Πούσιν είχαν διδακτική φύση, προορίζονταν να μεταδώσουν ηθικά
διδάγματα στους μαθητές και να τους πείσουν για βιβλικά και μυθολογικά γεγονότα. Η λατρεία των
Μάγων (Magi), απεικονίζει τρεις βασιλιάδες να προσφέρουν δώρα στο νεογέννητο Ιησού και η
λατρεία του χρυσού μόσχου απεικονίζει τον εορτασμό των πιστών που χορεύουν γύρω από ένα
είδωλο, είναι τα δύο πιο γνωστά βιβλικά έργα του Pisan που είχαν ως σκοπό δώσουν μαθήματα
χριστιανικής ηθικής και την αμαρτία. Χαρακτηρίζονται από το φωτεινό φόντο που
συμπεριλαμβάνουν φυσικά τοπία και αρχιτεκτονική με μαθηματική ακρίβεια. Σε αυτόν αποδίδεται η
θεωρία Modes όπου συμβουλεύει τους καλλιτέχνες στην χρήση φορμών και συγκεκριμένη
μεθοδολογία.

Η Σταύρωση του Caravaggio του Άγιου Πέτρου είναι ένα κλασικό παράδειγμα το πώς οι καλλιτέχνες
του Μπαρόκ χρησιμοποιούν το μέσο της τέχνης με επιδέξιο τρόπο για να πουν την ιστορία τους,
επιφέρουν μια πνευματική απάντηση και επαναφέρουν την πίστη με ορμή χωρίς να είναι
απροκάλυπτο. Το έργο απεικονίζει το σημείο όπου ο Άγιος Πέτρος καρφώνεται στον Σταυρό και
ανασηκώνεται από τρείς Ρωμαίους έπειτα από την απαίτηση του να τοποθετηθεί ανάποδα. Η
εύγλωττη γλώσσα του σώματος απεικονίζεται στην κάθε φιγούρα του αριστουργήματος και
αποκαλύπτει την δεξιότητα του καλλιτέχνη. Η ένταση των τριών αντρών στην ανύψωση του Άγιου
Πέτρου είναι ιδιαίτερα εμφανής στη στάση τους το μέγεθος του εγκλήματος, τους τραβάει προς τα
κάτω. Το πρόσωπο του Άγιου Πέτρου είναι λουσμένο στο θεϊκό φως εκθειάζοντας τον χωρίς να
επηρεάζει το δράμα και το συναίσθημα της σκηνής.

Ένα πράγμα είναι ξεκάθαρο βλέποντας τα έργα που δημιουργήθηκαν από αυτές τις αυθεντίες του
Μπαρόκ, σκοπός ήταν να εγείρουν την εσωτερική πνευματικότητα και να ενθαρρύνει τον θεατή να
συνδεθεί με την σκηνή που απεικονίζεται και να ενισχύσει την πίστη στην συμπόνια του θεού για την
ανθρωπότητα. Ήθελαν να δημιουργήσουν μια σκηνή που ξεπερνάει το μέγεθος της πνευματικής
ζωής ικανή να προκαλέσει δέος.

Όλα γίνονταν με ένα στόχο να επικοινωνήσουν με ένα μεγαλειώδη, λαμπρό τρόπο, ένα δυνατό
θρησκευτικό μήνυμα προς τις μάζες.

Το Rococo κίνημα γνωστό και ως το μετά Μπαρόκ σταδιακά απέκτησε δυναμική και κατά το 1700
αντικατέστησε την περίοδο του Μπαρόκ. Η τέχνη του Rococo διατήρησε πολλές απόψεις της
τεχνικής του Μπαρόκ άλλα επιδιώκοντας λιγότερες πολιτικές θεματολογίες, πιο μαλακά και φωτεινά
χρώματα με πιο ανάλαφρο τόνο.
Αν και το αποκορύφωμα της τέχνης του Μπαρόκ είναι τώρα αποδεκτό στις σελίδες της ιστορίας,
είναι σημαντικό να θυμόμαστε ότι αυτές οι ιδέες και οι τεχνικές συνεχίζουν να ασκούν δύναμη και
επιρροή στην τέχνη του σύγχρονου κόσμου μας.

TRANSCRIPT

The Baroque period has a rather fascinating beginning. During the mid 1500s the Catholic Church was
feeling threatened by the increasing conversion of the population to Lutheranism. The church
convened the Council of Trent which took place from 1545 to 1563. At the Council of Trent religious
reforms were being questioned, proposed and reconsidered. Martin Luther’s scathing criticism of the
church found supporters everywhere. As a response the church launched an advertising blitz
reiterating and reaffirming its fundamental teachings to combat the Protestant’s criticisms that were
turning the public away from the Catholic Church. Since winning over the few educated intellectuals
who were able to read at the time would not make a big difference in maintaining the power of the
Catholic Church. The uneducated masses were targeted since the majority of people could not be
reached via the written word to inspire them to stay loyal to the Catholic Church and its teachings
would require a medium that did not require literacy. The answer to this was clear, the Church
embarked on a systematic religious advertising campaign using art. This marked the beginning of the
Baroque era.

In the 1600s the Baroque style became prevalent among artists in Rome and Italy and Baroque works
filled with religious grandeur spread to other parts of Europe until the 1750s. Artists were now being
actively encouraged to express their faith through grand and beautiful artworks. Baroque art
celebrated intense personal visions, conversions, religious visions, death and even martyrdom. The
images Baroque artists created were realistic, intense and extravagant. Vivid use of color was
becoming a more dramatic feature and the different elements and figures of a composition could be
overlapped instead of being isolated in the center of the work. In its early years the term Baroque was
actually derogatory. To call something Baroque meant that it was considered overly exaggerated and
filled with unflattering details like warts and wrinkles, this offended viewers and critics who were used
to the painstaking realism of the Renaissance. Baroque paintings show a wide range of styles and
artistic influences, they are dramatic and offer rich details, beautiful deep shades of color and honest
realism.

Baroque artists typically painted pictures that capture the ultimate dramatic moments that showed
unfolding events taking place in real time. You were no longer left to imagine what took place during a
battle. These scenes were being depicted in excruciatingly realistic detail. In fact you might even think
of many Baroque paintings as theatrical snapshots that were shown from the perception of each
individual artist. A number of artists were able to establish their reputations during the Baroque years
among these are famous names such as Rembrandt, Rubens, Pusong, Caravaggio, Vermeer and
Velazquez. Rembrandt was a true master of Baroque art techniques, you can observe his exceptional
use of light and shadows in the Philosopher’s meditation or the descent from the cross. Today his
brilliant brushstrokes can be seen when looking at any of the masterpieces he created during the 17 th
century. Poussin’s religious paintings were didactic in nature, they were meant to teach moral lessons
to students and persuade them of the importance of biblical and classic mythological events. The
adoration of the Magi depicting the three kings bearing gifts to the baby Messiah and the adoration of
the golden calf illustrating a celebration of worshipers dancing around a false idol were two of Pisan’s
best-known biblical paintings meant to help viewers contemplate lessons of Christian righteousness
and sin. Poussin’s work is noted its vivid backgrounds which include both natural landscapes and
mathematically precise architecture, he is also credited with developing the theory of modes which
advises artists to use forms and methodology specific to the work at hand. Caravaggio’s crucifixion of
St. Peter is a classic example of how Baroque artists use the medium of art to skillfully tell an entire
story. They evoked a spiritual response and reinstated in one fell swoop without making this overtly
evident. The piece depicts the scene where St. Peter impaled on the crucifix is being lifted by three
Romans after his request to be positioned upside-down, the eloquent body language depicted in each
of the figures in this masterpiece speaks volumes about the artist’s skill, the strain of lifting Peter is
very evident in the stance of the three men showing that the sheer magnitude of their crime is
weighing them down, St Peter’s face is bathed in divine light glorifying him without impinging on the
drama and emotion of the scene.

One thing is very clear when you look at the artwork created by these Baroque masters, their
objective was to evoke the spirituality within to encourage the viewer to connect with the scene that
was depicted and to cement belief in God’s compassion for mankind, they sought to create a scene
that was larger than life, spiritual and capable of evoking a sense of awe and all of it was done with
one goal to communicate in a grandiose glorious manner, a strong religious message to the masses.

The Rococo movement also known as late Baroque gradually gained momentum and in the 1700s this
movement replaced the Baroque period. Rococo art preserved many aspects of Baroque technique
but opted for less political themes, softer and brighter colors and a more light-hearted tone. Although
the apex of the Baroque art period is now reconciled to the pages of history books it is important to
remember that these ideas and techniques continue to exert power and influence in the art of our
modern world.