1. Barok (tal. barocco, španj. i port. barroco/berrucco, engl., franc. baroque, njem.

Barock)
razdoblje je u glazbi, književnosti i likovnoj umjetnosti koje se nastavlja na renesansu, razvija
u rokoko i traje do pojave klasicizma u drugoj polovici 18. stoljeća. U katoličkim zemljama to
je pokret katoličke obnove (protureformacija). Ime potječe od portugalske riječi barocco koja
označava golem biser nepravilna oblika, tvorevinu bolesne školjke. Glavne su značajke
u likovnoj umjetnosti razigranost masa, monumentalnost prostornih koncepcija,
naglašeni iluzionizam i povezivanje arhitekture, skulpture i slikarstva. Barok se javio u Italiji i
vezan je za grad Rim (G. L. Bernini, F. Borromini, Vignola, C. Maderno, G. della Porta, D.
Fontana); u Francuskoj (J. Hardouin-Mansart, A. Le Nôtre), u Engleskoj (Ch. Wren);
u Njemačkoj i Austriji (J. B. Fisher von Erlach, D. Pöppelmann, B. Neumann, Y. Prandtauer),
te u Španjolskoj (J. Churriguera). Barok nastaje u Rimu koji je bio središte sakralnog
slikarstva i arhitekture, ali ubrzo postaje opći umjetnički pokret u svim europskim zemljama,
utemeljen u različitim sustavima društva, od apsolutističke
monarhije (jačanje protureformacije) do protestantskih građanskih društava. Pod pojmom
barokne glazbe podrazumijevamo djela nastala u razdoblju baroka, dakle u 17. i u prvoj
polovici 18. st. To se glazbeno razdoblje ne može točno omeđiti kao određen vrjemenski
period, jer je barok nastao nastavljajući se na renesansu, a nestao
pojavom rokokoa i klasicizma u drugoj polovici 18. st. kad se javila snažna potreba za novim
glazbenim stilom. Barokni stil se često ispreplitao s gore navedenim, pa zato njegovo
razdoblje možemo samo približno odrediti vremenskim granicama. U europskoj glazbi
razdoblje polifone (instrumentalne i vokalne) glazbe obilježene kićenošću, uresima i
kontrastima te razvojem harmonijskog sloga. Može se govoriti o sjevernom (germanskom) i
južnom (mediteranskom) glazbenom baroku. U sjevernom je težište bilo na instrumentalnim
(preludij, tokata, fuga, šakona, suita) i vokalno-instrumentalnim vrstama (motet, kantata,
misa, pasija, oratorij), a u južnom na vokalno-instrumentalnima (opera) i koncertantnima
(koncerti, sonate). Zajednička obilježja su im motoričnost ritamsko-metričke strukture,
generalbas (continuo), nagli dinamički prijelazi (terasasta dinamika), imitacijsko načelo
oblikovanja, koncertantni i varijacijski postupak tematske obrade, pretežna monotematičnost,
a posebna obilježja prevlast kromatskog sloga u sjevernom, nasuprot dijatonskom uz znatno
ornamentiranje melodije u južnom krilu.Od glazbenih instrumenata na prvom su
mjestu violina, čembalo i orgulje, upotrebljavane solistički ili u komornim i orkestralnim
sastavima. Od glazbenih vrsta posebno ga obilježavaju opere, oratoriji, pasije i kantate na
vokalno-instrumentalnom području, a solistički i orkestralni koncerti (concerto grosso), trio-
sonate i solo sonate, suite, preludiji i tokate na instrumentalnom području, te osobito fuga, po
kojoj se, zbog izrazite prevlasti njezina oblika, barok u glazbi katkad naziva i epohom fuge.
Najistaknutiji stvaraoci glazbe u eri baroka bili su Claudio Monteverdi, Alessandro
Scarlatti, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau i Henry Purcell (opera), zatim Heinrich
Schütz, Giacomo Carissimi, Georg Friedrich Händel i Johann Sebastian Bach (oratorij i
pasija), pa Arcangelo Corelli, Girolamo Frescobaldi, Antonio Vivaldi, Giuseppe
Tartini, Domenico Scarlatti, François Couperin, Georg Philipp Telemann i Johann Sebastian
Bach (instrumentalne vrste). U ranom baroku preovladava snažna subjektivna interpretacija
teksta, na bazi recitativa u slobodnom ritmu uz sklonost ka upotrebi disonance. Harmonija je
pretonalna, dominira vokalna muzika. U srednjem baroku, razvija se stil tzv. „bel canto“ u
operi i kantati, s podvojenošću između arije i recitativa. Stari načini ustupaju mjesto duru i
molu. Vokalna i instrumentalna muzika su podjednako značajne. U kasnom baroku tonalitet
dur i mol su učvršćeni, razrađuje se koncertantni stil, a s njim i isticanje barokne motoričnosti.
Instrumentalna muzika vlada nad vokalnom. Od kraja XVI stoljeća menzuralna notacija se
znatno pojednostavljuje i postepeno se stvaraju oblici današnjeg notnog pisma.
2. Umjetnička prošlost Italije učinila je ovu zemlju predodređenom za muzičko vođstvo,
italijanska muzika je sada osvojila cijeli svijet. Njen trijumf je bio tako potpun do početka 18.
vijeka da čak i u našem vremenu, nakon vijeka i po njemačkih, francuskih i ruskih uspjeha na
ovom polju, naš muzički riječnik je još uvijek u velikoj mjeri italijanski. Sva inventivnost i
duhovitost njihove genijalnosti, tokom proteklih vijekova slave na svim poljima umjetnosti
sklonili su se u novoj umjetnosti opere. Tu su korišteni mnogi izvori koji su značajno obogatili
naše muzičke ideje i oblike: prelijepe venecijanske narodne pjesme, upotreba "frottola"
literature iz vremena renesanse, barkarole i sicilijane. Važna ličnost iz ove operske škole je bio
Giovanni Legrenzi (1645-1690). Bio je jednako dobar u muzičkoj drami, oratoriju, motetu i
instrumentalnoj muzici. Izvrsno je vladao kontrapuntalnom tehnikom najavljujući dalji
muzički razvoj u tom pravcu. Bio je veoma priznat u cijeloj Evropi, a Bach i Händel mu
ukazuju poštovanje koristeći njegove brojne melodije u svojim vlastitim djelima. Opera nije za
dugo ostala ograničena samo na dvorsku publiku. Godine 1637. u Veneciji se
pojavljuje karnevalska "sezona" sa javnim prisustvovanjem operama uz prodaju ulaznica u
Veneciji. Monteverdi se preselio u Veneciju iz Mantove i komponuje svoje zadnje opere, “Il
ritorno d'Ulisse in Patria” i “L'incoronazione di Poppea”, za mletačko pozorište 1640.
Njegov najznačajniji sljedbenik Francesco Cavalli pomogao je u širenju opere širom Italije. U
tim ranim baroknim operama, široka komedija je pomiješana sa tragičnim elementima u
mješavinu koja je uzburkala neke obrazovane senzibilitete, što izaziva prvu od mnogih
reformskih pokreta u operi. Pod pokroviteljstvom Venecijanske "Arkadian akademije" koja je
došla u vezu sa pjesnikom Metastasiom, čija libreta pomažu kristalizirati žanr opere seria, koja
postaje vodeći oblik italijanske opere do kraja 18. vijeka. Nakon što je “metastasijski” ideal
čvrsto uspostavljen, komedija u operi iz baroknog doba bila je rezervisana za ono što će se
kasnije zvati opera buffa. Opera seria je uzdignuta u tonu i visoko stilizirana u obliku, obično
se sastoji od "suhog (secco) recitativa" prošaranog dugim da capo arijama. Ovim je pružena
velika prilika za virtuozno pjevanje i za vrijeme zlatnog doba “opere seria” pjevač stvarno
postaje zvijezda. Uloga heroja je obično napisana za “kastrati” glas. Kastrati
poput Farinellija i Senesinoa, kao i ženski soprani poput Faustine Bordoni, postaju veoma
tražene u cijeloj Evropi kako je opera seria vladala pozornicama u svakoj zemlji,
osim Francuske. Italijanska opera postavlja standard baroka. Italijanski libreti su norma, čak i
kada je njemački kompozitor kao Händel pisao za londonsku publiku. Italijanski libreti ostaju
glavni u klasičnom periodu, kao na primjer u operama Mozarta, koji je pisao u Beču u drugoj
polovini 18. vijeka. U vodeće italijanske kompozitore opere seria spadaju: Alessandro
Scarlatti, Vivaldi i Porpora. U rivalstvu sa uvoznim italijanskim operskim produkcijama,
razvija se posebna francuska tradicija koju su osnovali Italijan Jean-Baptiste Lully na dvoru
kralja Luja XIV. Uprkos njegovom stranom porijeklu, Lully osniva “Kraljevsku muzičku
akademiju” (Académie Royale de Musique), i započinje monopol francuske opere od 1672.
Počevši sa "Kadmo i Hermiona" (Cadmus et Hermione), Lully i njegov libretist Philippe
Quinault stvaraju “tragédie en musique”, oblik u kojem su pisana plesna i horska muzika bili
posebno istaknuti. Lullyjeve opere također pokazuju pažnju na izražajne recitative koji
odgovaraju konturama francuskog jezika. U 18. vijeku, najvažniji nasljednik Lullyja je bio
Jean-Philippe Rameau, koji je komponovao pet muzičkih tragedija kao i brojna djela u drugim
žanrovima, kao što su opera-balet, sve značajne zbog svoje bogate orkestracije i odvažne
harmonije. Nakon smrti Rameaua, Nijemac Christoph Willibald Gluck je bio pridobijen da
komponuje šest opera za parišku pozornicu 1770-ih. Oni pokazuju utjecaj Jean-Philippe
Rameaua, ali pojednostavljene i sa većom usredsređenošću na dramu. U isto vrijeme,
sredinom 18. vijeka drugi žanr dobija na popularnosti u Francuskoj: “Komična opera”(Opéra
comique). Ovo je bio odgovor njemačkom “singspielu”, gdje se arije izmjenjuju sa govornim
dijalogom. Istaknuti primjeri u tom stilu su proizvedene od strane Monsignyja, Philidora i,
iznad svega, Gretryja. Za vrijeme francuske revolucije, kompozitori kao što su Mehul i Luigi
Cherubini, koji su bili sljedbenici Glucka, donose novu ozbiljnost u žanru, koji nikada nije ni
bio u potpunosti "komičan". Prva Njemačka opera je bila Dafne komponovana od
strane Heinricha Schütza 1627. godine (muzika nije sačuvana). Italijanska opera je
zadržala veliki uticaj nad zemljama njemačkog govornog područja sve do kraja 18. vijeka.
Ipak, razvijaju se i domaći operni oblici. Godine 1644. Sigmund Staden komponuje prvi
singspiel, popularni oblik opere na njemačkom jeziku u kojima se pjevanje smjenjuje sa
govornim dijalogom. Krajem 18. i početkom 19. vijeka, “Theater am Gänsemarkt”
u Hamburgu predstavlja njemačke opere od Keisera, Telemanna i Händela. Ipak, mnogi
od glavnih njemačkih kompozitora tog vremena, uključujući samog Händela, kao i
Grauna, Hassea i kasnije Glucka koji većinu svojih opera pišu na stranim jezicima,
posebno italijanskom. Mozartov singspiel, Otmica iz Saraja (Die Entführung aus dem
Serail) 1782. i Čarobna frula (Die Zauberflöte) 1791. bili su važan iskorak u postizanju
međunarodnog priznanja za njemačke opere. Tradicija je razvijena u 19. vijeku
sa Beethovenom i njegovom operom Fidelio, inspirisan atmosferom Francuske
revolucije. Carl Maria von Weber osniva Njemačku romantičnu operu u suprotnosti sa
dominirajućim italijanskim Bel cantom. Njegova opera Čarobni strelac iz 1821. pokazuje
svoj genij za stvaranje atmosfere natprirodnog. Ostali operski kompozitori tog vremena
su: Marschner, Schubert, Schumann i Lortzing, ali najvažnija figura bio je bez sumnje
Richard Wagner. Wagner je bio jedan od najpoznatijih i najkontroverznijih revolucionarnih
kompozitora u muzičkoj historiji. U početku je bio pod uticajem Webera i Meyerbeera, ali
je postepeno razvio novi koncept opere kao “Gesamtkunstwerk” ("potpuno umjetničko
djelo"), koji predstavlja mješavinu muzike, poezije i slikarstva. U svojim zrelim muzičkim
dramama, Tristan i Izolda, Majstori pjevači iz Nürnberga (Die Meistersinger von
Nürnberg), Prsten Nibelunga (Der Ring des Nibelungen) i Parsifal, Wagner je ukinuo
razliku između arija i recitacije u korist toka naizgled "beskrajne melodije." On je uvelike
povećao ulogu i moć orkestra, stvarajući rezultate sa složenom mrežom “lajtmotiva”, gdje
se teme ponavljaju često povezane sa likovima i konceptom drame, i bio je spreman da
krši prihvaćene muzičke konvencije, kao što su tonalitet, u svojoj potrazi za većom
izražajnošču. Wagner također donosi novu filozofsku dimenziju u operi sa svojim
radovima, koji su obično zasnovani na pričama iz germanskog paganizma ili Arthurovih
legendi. Na kraju, Wagner je izgradio svoju operu u Bayreuthu, isključivo posvećenu
izvođenju njegovih djela u stilu koji on želi. Opera nikada neće biti ista nakon Wagnera i
za mnoge kompozitore njegova zaostavština pokazala se kao težak teret. S druge
strane, Richard Strauss prihvatio je vagnerovske ideje, ali na potpuno nove načine. On je
prvi osvojio slavu sa skandaloznom operom Salome i mračnom tragičnom
operom Elektra, u kojem je tonalitet gurnut do krajnje granice. Zatim Strauss mijenja
muzički pravac sa svojim najvećim uspjehom, Der Rosenkavalier, gdje Mozart i bečki
valceri postaju važan uticaj kao i Wagner. Strauss je nastavio komponovati veoma
raznolika operska djela, često sa libretima od strane pjesnika Hugo von Hofmannsthal,
sve do opere Capriccio iz 1942. godine. Ostali kompozitori koji su pojedinačno doprinosili
njemačkoj operi u ranom 20. vijeku su: Zemlinsky, Hindemith, Kurt Weill i rođeni
italijan Ferruccio Busoni. Operske inovacije Arnolda Schönberga i njegovih nasljednika su
objašnjeni u dijelu o modernizmu. John Blow je bio prvi značajni kompozitor
u Engleskoj koji je komponovao u operskim oblicima. On je komponovao operu Venera i
Adonis, koje se smatraju prvim pravim operama na engleskom jeziku. Neposredni
nasljednik Blowa bio je daleko poznatiji Henry Purcell. Uprkos uspjehu svog remek
djela Dido i Eneja, u kojima se akcija usavršava korištenjem recitativa u italijanskom stilu,
najveći dio najboljeg dijela stvaralaštva ovog kompozitora nije bio sastavljanje tipičnih
opera. Umjesto toga on je obično radio unutar ograničenja poluoperskog oblika, gdje su
izolovane scene i maske sadržane u strukturi govornog dijela opere. Glavni likovi u operi
obično nisu bili uključeni u muzičke scene, što znači da je Purcell rijetko bio u stanju da
razvije svoje likove kroz pjesmu. Uprkos ovim preprekama, njegov cilj (i cilj njegovog
saradnika Johna Drydena) je bio da se napravi ozbiljnu operu u Engleskoj, ali su ove
nade ugašene preranom smrću Purcella u njegovoj 36-oj godini. Nakon Purcella, dugi niz
godina Velika Britanija je u suštini bila predstraža italijanskim operama. Händelove opere
serije su dominirale u Londonu operskim binama decenijama, pa čak i domaći
kompozitori kao što su Thomas Arne pisali su koristeći italijanske uzore. Ova situacija se
nastavila kroz 18. i 19. vijek, uključujući Michaela Balfea, osim operskih balada, kao što je
“Prosjačka opera” od Johna Gaya, koja je ismijavala operske konvencije, i lagane opere
iz kasne viktorijanske ere, posebno “Savoy opera” od W.S. Gilberta i Arthura Sullivana.
 Francuske operete su se također često mogle čuti u Londonu kroz 1870-e. Međutim,
u 20. vijeku, engleska opera se počela više osamostaljivati s radovima Ralph Vaughn
Williamsa, a posebno Benjamina Brittena, koji je komponovao seriju kvalitetnih radova
koji ostaju u standardnom repertoaru do danas. On je imao odličan osjećaj za
dramatičnost i vrhunsku muzikalnost. Danas kompozitori kao što su Thomas Ades
nastavljaju izvoziti englesku operu u inostranstvo. U 20. vijeku, američki kompozitori kao
što su Gershwin, Gian Carlo Menotti, i Carlisle Floyd počinju da doprinose operama na
engleskom jeziku protkanim dodirima popularnih muzičkih stilova. Za njima
slijede modernisti poput Philipa Glassa, Marka Adamoa, Johna Adamsa Coolidgea,
i Jakea Heggiea.
3. Duhovna muzika se izvodi i komponuje u religijske svrhe. Duhovna muzika u Engleskoj i
Francuskoj nije se tako snažno manifestovala u pravcu nastanka oratorija, nego
njegovanja moteta (tzv. veliki motet za hor, soliste i orkestar, posebno u Francuskoj) i
psalme, koji se načinom izvođenja približuju kantati (prvenstveno u Engleskoj).
4. Instrumentalna muzika je općeniti naziv za svaku vrstu muzike stvorene, odnosno
skladane za izvođenje na nekom instrumentu. U širem smislu, u nju spadaju i skladbe s
tzv. vokalizama, odnosno pratećim pjevačkim melodijama bez teksta. Suprotnost
instrumentalnoj muzici predstavlja vokalna muziks, odnosno skladbe namijenjene
pojedinim pjevačkim glasovima ili zborovima a cappella (tal. = kao kapela; bez
instrumentalne pratnje). Suita – znači redoslijed, niz karakterističnih stavaka, izrazito
ritmičkog karaktera, pri čemu je svaki stavak zapravo jedan određeni ples. Postojale su
orkestarske suite za veće instrumentalne sastave, ili za pojedine instrumente. Sonata –
pisana je pretežno za gudačke instrumente uz pratnju continua i to za 2 violine i continuo.
Koncert - najmlađa barokna instrumentalna forma koristi monodiju i izdvajanje vodećeg
glasa u vokalnoj muzici i analogno njoj donosi izdvajanje jednog instrumenta, prepuštajući
većem instrumentalnom ansamblu ulogu pratnje. Fuga je najsloženiji oblik barokne
muzike polifonog karaktera, građena na principu imitacije, a pisana za dva ili više
glasova. Najznačajnije ime na područje instrumentalne muzike je Arcangelo Corelli, a
među značajnije predstavnike instrumentalne muzike spadaju Vivaldi, Händel, Bach.
5. Georg Friedrich Händel rođen je 23. veljače 1685. u mjestu Halle na Saali kao sin Georga
i Dorothee Händel (prije Taust). Iste te godine rođeni su i Johann Sebastian
Bach i Domenico Scarlatti. Händel je talent za glazbu pokazao vrlo rano, te je već sa
sedam godina svirao na čembalu i orguljama, a s devet godina je počeo i skladati. No,
njegov otac, ugledni liječnik u Halleu koji je služio na dvorovima
po Saskoj i Brandenburgu, nije želio da mu se sin bavi glazbom već je želio da studira
pravo. No, u suprotnosti s ocem, Händelova majka Dorothea poticala je njegov glazbeni
talent. No unatoč svemu, mladi Händel je imao dozvolu za učenje sviranja i kompozicije
kod Friedricha Wilhelma Zachaua, orguljaša u Crkvi Liebfrauen u Halleu. Njegova teta,
Anna, sala mu je spinet za sedmi rođendan, a Händel ga je stavio na tavan tako da ga je
mogao svirati kad kod njegovog oca ne bi bilo u blizini. Godine 1702., Händel je ispunio
očevu želju i upisao je pravo na Sveučilištu u Halleu, no nakon smrti njegovog oca 1703.,
Händel je napustio studij i počeo se baviti glazbom postavši orguljaš u jednoj
protestantskoj crkvi. Tijekom njegovog boravka u Halleu, njegov suvremenik Johann
Sebastian Bach je propješačio 25 milja kako bi se susreo s Händelom, a kada je stigao
saznao je da je Händel napustio Halle kočijom nekoliko sati prije Bachova
dolaska. Sljedeće godine seli se u Hamburg gdje postaje violinist i čembalist u jednoj
opernoj kući. Tu se upoznao s Johannom Matthesonom, Christophom
Graupnerom i Reinhardom Keiserom. Postoji jedna zanimljiva anegdota vezana uz
Händela i Matthesona. Tijekom Händelova posjeta Hamburgu izvodila se Matthesonova
opera Kleopatra, a Mattheson, koji je pjevao u operi, zamolio je Händela da svira čembalo
u orkestru, no kada se Mattheson vratio s pozornice i završio svoj pjevači dio želio je sam
svirati čembalo, ali mu Händel nije želio dati. Dvojica skladatelja su se sukobila u prostoru
za orkestar, no prekinuli su i izašli na ulicu. Tu su se odlučili na dvoboj kojeg su gledali
znatiželjni prolaznici. Dvoboj bi možda završio kobno da nije bilo Händelove odjeće. Kada
je Mattheson krenuo mačem na Händela uboo ga je u metalno dugme na odijelu i tako je
razbio svoj vlastiti mač te je dvoboj završio bez posljedica. Njih dvojica su se nakon tog
 događaja pomirili i postali bolji prijatelji nego što su bili. Tu je napisao i svoje prve dvije
opere, Almira i Neron, koje su izvedene 1705. godine. Ubrzo je napisao još dvije
opere, Dafne i Florindo, koje su izvedene 1708. godine. Među Händelov opus spadaju
42 opere, 29 oratorija, preko 120 kantata, tria i dueta, mnogobrojne arije, komorna
glazba, velik broj ekumenskih djela, ode i serenate, te 16 koncerata za orgulje. Njegovo
najpoznatije djelo, oratorij Mesija, zajedno sa zborom Aleluja, danas predstavlja jedno od
najpopularnijih vokalno-instrumentalnih djela i jedno od najizvođenijih djela
tijekom Božića. Još neka popularna djela su mu concerti grossi opus 3 i opus 6,
skladba "Kukavica i slavuj", te 16 suita za instrumente s tipkama od kojih je
najpopularnija "Harmonični kovač". Händel je u svoja djela počeo uvoditi instrumente koji
tada nisu bili česti: viola d'amore i violetta marina ("Orlando"), lutnja ("Oda danu svete
Cecilije"), trombon ("Šaul"), klarinet i kornet ("Tamerlan"), tiorba, francuski rog ("Glazba
na vodi"), kontrafagot, viola da gamba, zvona, orgulje i harfa ("Julije
Cezar", "Aleksandrova gozba"). Händelova djela su kategorizirana i mogu se zapisati i
kraticama HWV. Recimo, Mesija je zna i kao HWV 56.

Johann Sebastian Bach rođen je u tirinškom gradu Eisenachu, u današnjoj Njemačkoj.

Bio je najmlađe dijete Johanna Ambrosiusa Bacha, orguljaša crkve sv. Jurja i direktora
gradskog orkestra, i Marije Elisabethe Lämmerhirt Bach, kćeri uglednoga gradskog
krznara. U rodnom gradu pohađa gimnaziju. Prvu poduku iz sviranja violine i čembala
vjerojatno je primio od oca, a u skladanje ga je možda uputio stric Johann Christoph.
Majka mu umire 1694. godine, a otac 1695. godine., samo devet mjeseci poslije. Ostavši
bez roditelja u desetoj godini života, preselio se k starijem bratu, Johannu Christophu
Bachu (1671.-1721.), orguljašu u obližnjem Ohrdrufu. Tamo je prepisivao, proučavao i
izvodio bratova i druga glazbena djela i nesumnjivo od brata dobivao korisnu poduku u
sviranju čembala i orgulja. Ujedno pohađa i šestogodišnji licej, gdje mu je, kao pjevaču u
studentskom zboru, osiguran besplatan smještaj (bratov dom bio je pretijesan). Česti
popravci orgulja u Ohrdrufu pružili su mladom glazbeniku jedinstveno iskustvo u
poznavanju tog instrumenta, a često je odlazio i na duža putovanja kako bi mogao čuti
znamenite njemačke orguljaše. Godine 1700. odlazi u Lüneburg, gdje pjeva u crkvenom
zboru samostana sv. Mihaela. U sklopu samostana djeluje licej koji Bachu pruža velike
obrazovne mogućnosti. Samostan posjeduje i veliku glazbenu biblioteku, a Bach, pored
izučavanja bogatoga notnog materijala, često putuje u Hamburg kako bi usavršio svoju
orguljsku tehniku. Najpoznatija djela: Toccata i fuga u d-molu, Brandenburški koncerti,
Herz und Mund und Tat und Leben, Božićni oratorij, Goldberg varijacije. Bach je 1707.
godine oženio svoju drugu rođakinju, Mariju Barbaru Bach, s kojom je imao 7 djece, od
čega je 4 doživjelo odraslu dob. Marija Barbara je umrla iznenada, 1720. godine. Za
boravka u Cöthenu (1721.) Bach se vjenčao s mladom sopranisticom Annom
Magdalenom Wilcke. Unatoč dobnoj razlici (Anna je bila mlađa od njega 17 godina), imali
su sretan brak, s 13 djece. Tijekom života je imao ukupno 20 djece.Sva Bachova djeca
bila su glazbeno nadarena, a neki su postali i istaknuti glazbenici, od kojih su najpoznatiji
Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach te Wilhelm Friedemann Bach. Tijekom
boravka u Leipzigu, Bach je imao dobre odnose s profesorima tamošnjeg sveučilišta, koji
su pisali tekstove za kantate ili bili kumovi njegovoj djeci. Također je bio u kontaktu s
mnogim glazbenicima iz cijele Njemačke. Često ga je posjećivao Georg Philipp
Telemann, koji je bio kum C. P. E. Bacha, i vjerojatno su se i često dopisivali. Međutim,
Bach i Georg Friedrich Händel, koji su rođeni iste godine, nikada se nisu sreli.

6. Dostignuća muzičkog baroka našla su odjek u južnoslavenskim zemljama najprije u

Dalmaciji, Hrvatskoj i Sloveniji, koje su bile u bližem kontakstu s evropskim centrima u
kojima se on razvija. U Dalmaciji su djelovali kompozitori: Ivan Lukačić i Vinko Jelić. U
sjevernoj Hrvatskoj je nastala zbirka crkvenih pjesama podijeljena u 8 dijelova –
nepoznatog autora pod nazivom Kitara oktokorda. Tu se nalaze napjevi na latinskom i
originalne narodne melodije sa crkvenim tekstom. Djelo je štampano koralnom notacijom
u tri izdanja – u Beču prvo, a zatim dva u Zagrebu, (polovinom XVIII stoljeća). Slovenski
kompozitori i u ovom periodu djeluju pretežno u inostranstvu jer su tako imali bolje
materijalne uvjete i veće mogućnosti za stvaralački rad. Najpoznatiji je Janez Krstnik
Dolar, koji je pisao balete, sonate, djela instrumentalne muzike. U Ljubljani je osnovana
Akademija filharmoničara 1701. godine, koja unapređuje muzički život u Sloveniji gdje je
hor i orkestar izvodio oratorije i orkestarska djela. Akademija nije bila dugog vijeka i ubrzo
je zatvorena.

Razvoj umjetničke muzike u BiH u doba osmanske uprave, posebno muzika Bošnjaka,
najmanje je istražena. Kako je veći dio literature tog perioda na turskom, arapskom i
perzijskom, pa većini nije bila dostupna, mislilo se da muzike nije ni bilo jer je bila
„zabranjena“. Derviški redovi su od početka djelovanja iskazivali slobodniji odnos prema
muzici. Novija istraživanja pokazuju da postoje brojni dokumenti, koji potvrđuju da je od
XV,XVI, XVII, I XVIII stoljeća pa naovamo, postojala i duhovna i svjetovna muzika.
Duhovna muzika se izvodila za vjerske praznike i njihovo proslavljanje i postojala je kod
predstavnika svih vjeroispovijesti. Svjetovna muzika se razvijala na dvorovima i u kućama
bogatijeg svijeta, gdje je muzika igrala veću ulogu. Rukopis na arapskom jeziku pod
naslovom „Adwar“ koji je pronađen u Sarajevu u Orijentalnom institutu svjedoči da je vrlo
rano postojalo interesovanje za muziku. To je teorija muzike od nepoznatog autora.