1.

1 Hyjre në teknikat kryesore të pikturës

Teknika me Tempera
Termi "tempera" rrjedh nga "tempera", e cila është përdorur në ngjitjet që japin ngjyra.
Këto teknologji, veçanërisht ato në rajonin e Medioevo, janë zbatuar për të mbështetur një
trashëgimi të varfërisë në Sud Evropë ose në quercia e Veriut. Të gjitha llambat e tavolinës
retro janë thyer me chiodi dhe përfundimet metalike fshihen me shirita teli diagonale.
Themelet e përgatitjes së një manekin dhe jakë përpiqen të jenë të suksesshëm në gesso dhe
colla che venivano lisciati uniformement quando la superficie era perfettamente essiccata.
Kërkimet e dyfishta, të improvizuara, e lanë tryezën të prirur për kujtime të kostos së kolos
"legatik" të kolos, rosso d'uovo. Vischiosità della materia pittorica veniva diplomata
agiungendo aau distillata o comunque bollita per mantenere inalterata la qualità del colore.

Teknika me vaj

Tempera e vezëve thahet shpejt dhe mund të punohet duke mbivendosur, nuk zbardh me
kalimin e kohës dhe bëhet e fortë dhe e qëndrueshme.
Para ndërhyrjes me ngjyrën, në tavolinën rreth figurave u aplikua një petë e hollë prej ari, e
fiksuar me një brumë argjile dhe të bardhë me lëng dëbore. Në këtë lloj pikturash, të quajtur
"sfond ari", vendosja e peizazhit zakonisht mungonte për të theksuar ndjenjën e shpirtërore të
sugjeruar nga skenat e shenjta dhe të shprehura nga shkëlqimi i paprekshëm i arit.
Kjo teknikë është përdorur në disa mënyra. Veçanërisht interesante është trajtimi i
temperaturës së diplomimit të ngjyrave të përshkruar nga Cennino Cennini në Librin e
Arteve.
Teknika me akrilik

Teknika e pikturës akrilike është e ngjashme me atë të temperës, por përdor ngjyrat e
prodhuara me një teknologji më moderne, e cila përdor rrëshirat plastike (akrilike) si lidhës.
Ashtu si tempera, përzierja mund të hollohet me ujë, por mban rezistencë më të madhe ndaj
agjentëve atmosferikë. Për këtë arsye, pikturat akrilike u përdorën për herë të parë në vitet
1920 për të pikturuar "murale" të mëdha (pikturuar në muret e jashtme) në Amerikën Latine.
Akrilik thahet me avullimin e ujit, kështu që piktori mund të bëjë xham të mëvonshëm (një
teknikë që daton nga pikturimi i vajit i '400) ose te mbivendose ngjyrën e mbulimit.
Sipërfaqja piktoreske merr një pamje prej kadifeje nëse përzierja hollohet me ujë ose
ndricohet nëse hollohet me substanca vajore.
Afresket

Eshtë një teknikë shumë e lashtë e pikturimit në mur, në të cilën tokat me ngjyra (pigmentet)
treten në ujë dhe aplikohen me furçë në rërën e freskët dhe suvanë e gëlqeres që vepron si
ngjitës. Gëlqerja e suvasë, duke u tharë, bëhet karbonat kalciumi, duke gjeneruar një
sipërfaqe kompakte dhe rezistente që përfshin ngjyrën.
Afresket e para të vërteta gjenden në Kretë dhe datojnë nga qytetërimi Minoan (mijëvjeçari 2
para Krishtit). Shumë piktura të varrit Etruskan janë të afreskuara, ndërsa piktura pompeiane
është bërë në murin e pikturuar më parë.
Me Mesjetën, afresku, gjithashtu për shkak të kostove të zvogëluara në krahasim me
dekorimet e tjera, pësoi një shpërndarje të vazhdueshme.
1.2 Analizinimi i një pikturë në tre lëvizje
Një metodë komplekse dhe e thelluar e analizës e cila, e cila do të thjeshtohej duke
propozuar tre fjalë kyçe: teknikë , lëndë dhe poetikë . Le të shohim se çfarë
kuptohet nga secili prej këtyre tre elementeve.
TEKNIKA - Krijimi i shikimit të vepra arti. Ka të tregoni me aspektin më parë
"mekanik" dhe fizik të krijimit.
Mbetja në fushën e arteve vizuale dy-dimensionale (edhe nëse arti gjithashtu
përfshin skulpturë, arkitekturë, letërsi, teatër, valle, muzikë etj etj) teknikat më të
zakonshme janë tempera në panel , afresk , vaj në kanavacë  dhe bojë në letër ,
vetëm për të përmendur ato që gjenden më shpesh në librin e historisë së artit.
Eshtë e rëndësishme të theksohet, sidoqoftë, se brenda të njëjtës teknikë, ekzistojnë dallime
të thella stilistike që ju lejojnë të identifikoni me lehtësi autorin ose, në çdo rast, lëvizjen
përkatëse.
Për shembull, janë disa detaje të pikturave të vajit në kanavacë si lloji i të pikturuarit ,
dendësia e penelit  dhe format,  të cilat identifikojnë pa mëdyshje autorët e saj.
Nëse në dy rastet e para (Bronzino dhe Hayez) të gjitha teknikat janë të ngjashme por
ndryshojnë tematikën dhe poetikën, në shembujt e mëposhtëm (Monet dhe Van Gogh)
aplikimi i ngjyrës zbulon urgjencën për të kapur një përshtypje të dritës ose të një gjendjeje të
caktuar.
Pra, megjithëse e paraqita teknikën si një aspekt "teknik" të veprës së artit, konstatojmë se
zgjedhja ose përshtatja e saj tashmë është pjesë e kuptimit të veprës.
Në raste ekstreme, është e mundur të arrihen vepra, lënda dhe kuptimi i të cilave banojnë
saktësisht dhe vetëm në teknikë (piktura e veprimit të Pollock është shembulli tipik).
TEMA - eshtë ajo që përshkruhet në një pikturë. Subjekti përgjithësisht identifikohet
fillimisht përmes të ashtuquajturës zhanër piktural.
Sigurisht, secila prej këtyre subjekteve merr kuptime të ndryshme me kalimin e kohës, ndërsa
të tjerët janë specifikë vetëm për periudha të caktuara. Natyra, për shembull, një zhanër
pothuajse që mungon deri në fund të shekullit të XVI, merr konotacione dhe kuptime shumë
të ndryshme ndër shekuj.
Kështu, nëse në shekullin e shtatëmbëdhjetë natyra aludon në kalueshmërinë e gjërave
tokësore, në disa autorë ka tendencë të bëhet ushtrim i pastër i virtytit.
Zhduket me Neoklasicizmin dhe Romantizmin (por disa piktura të Goya tregojnë se akoma
jeta nuk kishte vdekur fare!) për tu rishfaqur në gjysmën e dytë të shekullit XIX, herë pas
here, sipas vizionit impresionist, atë të Cézanne, etj. nga Van Gogh dhe më pas, në shekullin
XX, në një version kubist, pop, hiper-realist etj. Etj
POETIKA - është një koncept i kombinuar shpesh instinktivisht me letërsinë, dhe në veçanti
me poezinë (një pyetje e asonancës ...), por në realitet poezia ka të bëjë me të gjitha
modalitetet artistike dhe i referohet qëllimeve shprehëse të autorit ose të një lëvizjeje. Në
praktikë, është përgjigjja e pyetjes: cili është kuptimi i kësaj pune? cfarë transmeton? cfare
doni te kapni
Eshtë një aspekt që, së bashku me teknikën dhe temën plotëson të kuptuarit e veprës, atë
çfarë ajo komunikon.
Poetika, sidoqoftë, nuk është një kod sekret i fshehur brenda veprës. Thelbi i saj, në të
vërtetë, manifestohet përmes gjuhës (e bërë nga drita, ngjyrat, format dhe përbërja) me të
cilën trajtohet tema.
Duke u rikthyer, për shembull, në akoma veprat që janë parë më lart, është e njëjta temë e
aftë të komunikojë, megjithatë, "mesazhe" të ndryshme. Nëse feta e salmonit e Goya duket
se përhapet me një perceptim makabër dhe pasionant të botës, tasi i frutave i Lichtenstein
përkthehet në një karikaturë dy-dimensionale, një produkt vizual popullor dhe konsumator,
ajo që për shekuj kishte qenë një ekspozitë e realizmit ekstrem.
E njëjta poetikë është e dukshme në vetë-portretet përkatëse ...

Kuptimi i poetikës është një element thelbësor i leximit, mungesa e të cilit prodhon një
marrëdhënie shumë sipërfaqësore me veprën e artit. Të kuptosh vetëm aspektin formal(siç
ndodh me ikonat e shkëlqyera) na bën të humbasim çdo marrëdhënie autentike me pikturën.
E shikoj, e admiroj, por nuk e dëgjoj, nuk e kuptoj atë përtej asaj që shohin sytë.

Përkundrazi, arti kërkon një marrëdhënie të plotë: Një marrëdhënie që përfshin sytë, mendjen
dhe zemrën. Vizioni, mirëkuptimi dhe emocioni duhet të veprojnë njëkohësisht!
Por le të marrim disa shembuj konkret të leximit në tre lëvizje. Le të marrim një vepër nga
shekulli i XV, një nga XVII dhe një nga Shekulli XIX (thjesht për t'u marrë me periudha
shumë të ndryshme nga pikëpamja artistike) dhe le t'i analizojmë ato shkurtimisht së bashku.
ANTONELLO DA MESSINA, ANNUNCIATA, 1474-75

Piktura është një vaj në bord, një element jo sekondar pasi është një nga aplikimet e para të
pikturës së vajit në Itali, duke zbuluar kështu kontaktet që Antonello kishte me pikturën
flamaneze (ku ai e kishte përsosur këtë teknikë).
Eshtë një skenë e shenjtë, pak sui generis: më parë (por edhe më vonë), në fakt, virgjëresha e
shpallur është përshkruar gjithmonë së bashku me kryeengjëllin Gabriel që gjunjëzohet për të
raportuar amësinë e saj. Për më tepër, skena shpesh është vendosur në një dhomë (Maria's)
ose në një hyrje pranë një kopshti.

Në këtë rast sidoqoftë, edhe engjëlli, por edhe ambjenti (mungon) (vetëm një liber
mbetet në një tryezë si referenca e vetme hapësinore). Maria është e palëvizshme,
gjeometrike, me një dorë të parathënë të shtrirë në habi.

Dhe këtu futet në loje poezia e Antonellos. Kërkimi i tij për idealizim dhe kujdesi i
tij ekstrem për dritën, kanë tendencë ta shndërrojnë Shpalljen në një skulpturë të
përsosur, një simbol tre-dimensionale dhe racionalizon atë të rilindjeje qe tashmë
përhapet në të gjithë Evropën.
ARTEMISIA GENTILESCHI, GIUDITTA CHE DECAPITA OLOFERNE,
1620

Krijuar në vaj në kanavacë, piktura përshkruan një skenë tjetër biblike, që lidhet
me ekzekutimin brutal të gjeneralit asirian Holofernes nga Judithi i mprehtë.
Subjekti, i frymëzuar nga një vepër e ngjashme e Caravaggio, është përshkruar me
dhunë ekstreme: gjaku, i errët dhe i bollshëm, nxitet drejt gruas e cila, ndërsa
tërhiqet, vazhdon të fundosë shpatën me vendosmëri. Skena është vërtet tmerruese
dhe tregon shijen tipike barok për "emocionet e forta", për dinamizmin, për
kontrastet e mprehta.

Sidoqoftë, poetika na rezervon disa befasi që lidhen me historinë personale të Artemisia,

viktimë e përdhunimeve nga Agostino Tassi, piktor dhe bashkëpunëtor i babait të tij, një artist
gjithashtu. Gjyqi, i iniciuar nga babai, më në fund provoi piktorin ashtu si duhet, por kjo nuk
lehtësoi dhimbjen nga trauma e pësuar.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR, LA COLAZIONE DEI CANOTTIERI, 1881

Edhe kjo është një vaj në kanavacë. Por është një pikturë impresioniste, prandaj, për sa i
përket detajit të Monetit, piktura përdoret në një mënyrë tjetër nga mënyra se si, për
shembull, bëri Gentileschi ose Caravaggio.
Këtu penelata e dukshme me një efekt të ndotur paraqet mire idenë e gjallërisë, shkëlqimit, të
shpresës së një dite të ngrohtë në restorantin La Fournaise, afër Chatou.
Eshtë jeta e borgjezisë së Belle Epoque, e gjallë dhe joserioze.
Nga ana tjetër, piktura u bë thuajse tërësisht ne ajër, pra pikërisht përpara skenës, duke u
munduar të kapte atmosferën me menjëhershmërinë e një fotografie.
Subjekti në vetvete është i parëndësishëm: është skena tipike e zhanrit, një moment i jetës së
përditshme pa asnjë aludim simbolik, historik ose fetar. Por hijeshia e saj qëndron pikërisht
në rregullshmërinë e saj. Sepse në këtë skenë pothuajse duket se jemi në gjendje të dëgjojmë
rrëmujën e gotave, gumëzhitjet e klientëve së bashku me lojën e shikimeve nga një pikë në
tjetrën në tarracë. Ka shumë jetë në këtë mëngjes të pasur dhe me gaz dhe të çrregullt.
Dhe poetika? Ndoshta ju nuk e keni vënë re atë, por ajo tashmë është shfaqur së bashku me
teknikën dhe temën. Po, sepse edhe nëse përpiqemi të katalogojmë aspektet e ndryshme të një
vepre, është ende çështje e nënndarjeve të përshtatshme, për qëllime edukative.
Asnjë aspekt nuk është vërtet i ndashëm nga të gjithë të tjerët dhe besoj se kapja e këtij
koncepti është mësimi i vërtetë që leximi i një vepre arti mund të na japë!