Римско позориште

Детаљније: Позориште у Античком Риму

Римско позориште у Беневенту, Италија.

Западно позориште се развијало и знатно проширило код Римљана . Римски историчар, Тит
Ливије написао је да су Римљани први пут доживјели позориште у 4. вијеку прије нове ере,
представом етрушчанских глумаца.[36] Бахам тврди да су Римљани већ неко вријеме били
упознати са "пред-позоришним праксама" прије него што су забиљежили контакт.[36] Позориште
у античком Риму била је напредна и разноврсна умјетничка форма, почев од фестивалских наступа
уличног театра, голог плеса и акробација, преко извођења широко привлачних ситуација комедија
Плаута, до вербалних извођења трагедија Сенеке. Иако је Рим имао изворну традицију
перформанси, хеленизација римске културе у 3. вијеку прије нове ере, имала је дубок и
подстицајан утицај на римско позориште, као и на развој Римске књижевности на највећи
квалитет.

Након ширења Римске Републике (509–27 п. н. е.) на неколико грчких територија између 270–240.
п. н. е. Рим се сусрео са грчком драмом.[37] Од каснијих година републике и Римског царства (27
п. н. е. —476), позориште се проширило западно по Европи, око Медитерана и стигло до Енглеске;
Римско позориште било је разноврсније, опсјежније и софистицираније од било које културе прије
њега.[38] Док је грчка драма наставила да се изводи током читавог римског периода, година 240.
прије нове ере означава почетак редовне римске драме.[37] Од почетка царства, међутим,
интересовање за цјеловечерњу драму опадало је у корист широког спектра позоришних забавних
садржаја.[39]

Прва важна дјела римске књижевности биле су трагедије и комедије које је Ливије Андроник
написао 240. године прије нове ере.[40] Пет година касније, Гнеј Невије је такође почео да пише
драме.[40] Ниједна драма ниједног од њих двојице није преживјела. Док су оба драматичара
компоновала у оба жанра, Андроник је био највише цијењен због својих трагедија, а Невије због
својих комедија; њихови насљедници су тежили да се специјализују за једну или другу област, што
је довело до одвајања и накнадног развоја обје врсте драме.[40] До почетка II вијека прије нове
ере, драма је чврсто успостављена у Риму и формирано је удружење писаца (collegium poetarum).
[41]

Позориште Маркус Клаудијус Маркелус у Античком Риму.

Преживјеле су све римске комедије fabula palliata (комедије засноване на грчким темама) и
потичу од два драматичара: Тита Мацијуса Плаута и Публијеа Теренција Афера.[42]
Преправљајући грчке оригинале, римски стриповски драматичари укинули су улогу хора у подјелу
драме на епизоде и увели су музичку пратњу у њен дијалог (између једне трећине дијалога у
комедијама Плаута и двије трећине код Теренција).[43] Радња свих сцена постављена је на
спољашњој локацији улице и њене компликације често слиједе од прислушкивања.[43] Плаут,
популарнији од њих двојице, писао је између 205 и 184 године прије нове ере, а двадесет његових
комедија је преживјело, од којих су најбоље познате његове фарсе; дивили су му се због смисла за
хумор у дијалозима и употребе различитих пјесничких метара.[44] Свих шест комедија које је
Теренције написао у периоду између 166 и 160 године прије нове ере, преживјело је. Сложеност
његових завјера, у којима је често комбиновао неколико грчких оригинала, понекад су биле
оспораване, али његове двоструке завјере омогућавале су софистициран приказ контрастног
људског понашања.[44]

Није преживјела ниједна римска трагедија из раног периода, мада је у то вријеме била веома
цијењена; историчари знају за три рана трагичара — Квинта Енијеа, Марка Пакувијеа и Луција
Ацијеа.[43] Из времена царства опстала су дјела двојице трагичара, један је непознати аутор, а
други је стоички филозоф — Сенека.[45] Преживјело је девет трагедија Сенеке, а све су фабула
крепидата (трагедије прилагођена је грчким изворницима); његова представа Федра, на примјер,
био је заснован на Еурипидовој представи Хиполит.[46] Историчари не знају ко је написао једини
постојећи примјер фабуле праетекте (трагедије засноване на римским темама), Октавија, али у
некадашњим временима је погрешно приписивана Сенеци, због његовог појављивања као лика у
трагедији.[45]

За разлику од старогрчког позоришта, позориште у Античком Риму је дозвољавало женске

извођаче. Док их је већина запослена за плес и пјевање, за мали дио глумица познато је да су
извршавале гласовне улоге, а било је и глумица које су постигли богатство, славу и признање за
своју умјетност, као што су Еухарис, Дионисија, Галерија Копиола и Фабиа Арете. Глумице су
такође формирале сопствено глумачко удружење — Sociae Mimae, које је очигледно било
прилично богато.[47]

Транзиција и рано средњовјековно позориште: 500—1050

Како је Западно римско царство пропало током 4. и 5. вијека, сједиште римске моћи прешло је у
Цариград и Источно римско царство, које се звало Византија. Иако су преживјели докази о
византијском позоришту незнатни, постојећи записи показују да су миме, пантомима, сцене или
рецитације из трагедија и комедија, плесова и других забава биле веома популарне. Цариград је
имао два позоришта која су била у употреби већ у 5. вијеку.[48] Међутим, истински значај Бизанта
у историји позоришта је њихово очување многих класичних грчких текстова и састављање огромне
енциклопедије зване Суда, из које су изведене велике количине савремених информација о
грчком позоришту.
Од 5. вијека, Западна Европа је утонула у период општег нереда који је трајао (са кратким
периодом стабилности у оквиру Каролиншког царства у 9. вијеку) до 10. вијека. Као таква, већина
организованих позоришних активности нестала је у западној Европи. Иако се чини да су мали
номадски бендови путовали широм Европе током читавог периода, наступајући гдје год су могли
да пронађу публику, не постоје докази да су створили било шта осим грубих сцена. Ове извођаче
је Црква демантовала током Мрачног доба, јер су били сматрани опасним и паганским.[49]

Хросвита од Гандерсхајма први драматург пост класичног периода.

До раног средњег вијека, цркве у Европи почеле су да постављају драматизоване верзије

појединих библијских догађаја одређеним данима у години. Ове драматизације су укључене у
сврху оживљавања годишњих прослава.[50] Симболични предмети и радње — одежде, олтари,
кадионице и пантомима које су вршили свештеници, подсјећали су на догађаје којима се славе
хришћански ритуали. То су били опсежни сетови визуелних знакова који се могу користити за
комуникацију са углавном неписменом публиком. Те представе развиле су се у литургијске драме,
од којих је најранија Кога тражите (Quem-Quaeritis), од Ускршње трупа, из 925. године.[50]
Реакције у литургијским драмама пјевале су двије групе и нису укључивале глумце који имитирају
ликове. Међутим, негдје између 965. и 975. године, Етлволд од Винчестера, компоновао је
Regularis Concordia (Монашки споразум) који садржи глумце заједно са упутствима за наступ.[51]

Хросвита (935—973), канона у сјеверној Њемачкој, написала је шест представа по узору на

Теренцијеве комедије, али користећи религиозне теме. Ових шест представа: „Аврам“,
„Калимакус“, „Дулцитијус“, „Галиканус“, „Папнутијус“ и „Сапијента“, прве су познате представе
које је написала женска драматичарка и прва препознатљива западњачка драмска дјела
посткласичног периода.[51] Објављене су први пут 1501. године и имале су знатан утицај на
вјерске и дидактичке представе 16. вијека. Хросвиту је пратила Хилдегард из Бингена (умрла
1179), бенедиктинска опатица, која је написала латино музичку драму под називом „Ордо
Виртутум“ (Ordo Virtutum) 1155. године.

Високо и касно средњовјековно позориште: 1050–1500

Детаљније: Средњовјековно позориште

Сценски цртеж из Вернакуларне моралне представе из 15. вијека, Замак упорности (The Castle of
Perseverance), како је пронађено у рукопису.

Како су средином 11. вијека престале инвазије Викинга, литургијска драма проширила се из Русије
у Скандинавију у Италију. Само на Иберијском полуострву окупираном муслиманима, литургијске
драме уопште нису извођене. Упркос великом броју литургијских драма које су преживјеле у том
периоду, многе цркве би изводиле само једну или двије годишње, а већи број никада уопште није
ни изведен.[52]

Фестивал Празник лудака је посебно важан у развоју комедије. Преокренуо је статус мањег клера
и омогућио им да исмијавају надређене и рутину црквеног живота. Понекад су представе
инсцениране као дио прилике и одређена количина бурлеске и комедије провирила је у ове
представе. Иако су комичне епизоде морале истински да чекају до одвајања драме од литургије,
Празник будала је дубоко утицао на развој комедије у религијским и секуларним представама.[53]

Извођење религиозних представа изван цркве почело је негдје у 12. вијеку, традиционално
прихваћеним процесом спајања краћих литургијских драма у дуже представе које су потом лаици
превели на народне и изводили их. Представа Мистерија Адама (1150), даје теорију овој теорији,
јер дедетаљни сценски правац наговјештава да је она постављена напољу. Извјестан број других
представа из тог периода је преживјело, укључујући Свето васкрсење (норманска), Игра Маги
Кингс (шпанска), и Спонсус (француска).

Значај високог средњег вијека за развој позоришта биле су економске и политичке промјене које
су довеле до формирања удружења и раста градова. То би довело до значајних промјена у касном
средњем вијеку. На Британским острвима, представе су настајале у око 127 различитих градова
током средњег вијека. Те драме народне мистерије написане су у циклусима великог броја
представа: Јорк (48 представа), Честер (24), Вакефилд (32) и Непознато (42). Већи број представа
преживјело је из Француске и Њемачка у овом периоду и неке врсте вјерских драма издвојене су у
готово свим европским земљама у касном средњем вијеку. Многе од ових представа садржавале
су комедије, ђаволе, зликовце и кловнове.[54]

Већина глумаца у овим представама потицала је локално становништво. На примјер, у Валансјену,

1547. године, више од 100 улога додијељено је 72 глумаца.[55] Представе су постављене на
позорницама теретних вагона, које су биле платформе монтиране на точкове коришћене за
помјерање сценографије. Аматерски извођачи у Енглеској, често обезбјеђујући сопствене костиме,
били су искључиво мушкарци, али су друге земље имале женске извођаче. Сцена на платформи,
која је била неидентификовани простор, а не специфичан локалитет, омогућила је нагле промјене
локације.

Средњовјековно позориште Мојен Еж.

Моралне представе настале су као изразити драматични облик око 1400. године и цвјетале су до
1550. године. Најзанимљивија представа о моралу је Дворац упорности који приказује напредак
човјечанства од рођења до смрти. Међутим, најпознатија представа о моралности и можда
најпознатија средњовјековна драма је Евримен (сваки човјек). Свако прима позиве смрти, бори се
да побјегне и коначно се предаје потреби. Путем га напуштају родбина, материјална добра и
заједништво, а само добра дјела иду са њим у гроб.

Ту је неколико секуларних представа које су изведене у средњем вијеку, од којих је најстарија

представа Гринвуд, од Адама де ла Ала 1276. Садржи сатиричне сцене и фолк материјал као што
су виле и друге натприродне појаве. Фарсе су такође драматично порасле у популарности након
13. вијека. Већина ових представа долази из Француске и Њемачке и сличног су тона и форме,
наглашавајући пол и тјелесне излучевине.[56] Најпознатији драматичар фарсе је Ханс Закс (1494–
1576) који је написао 198 драмских дјела. У Енглеској, Друга игра пастира, из циклуса Вакефилд,
најпознатија је рана фарса. Међутим, фарса се у Енглеској није појавила независно до 16. вијека,
захваљујући раду Џона Хејвуда (1497–1580).

Значајна претеча развоја елизабетанске драме били су Домови реторике у Ниским земљама.[57]
Та друштва су се бавила поезијом, музиком и драмом и одржавала су такмичења како би видјели
које друштво може саставити најбољу драму у односу на задато питање.

Крајем касног средњег вијека, професионални глумци су почели да се појављују у Енглеској и

Европи. Ричард III и Хенри VII одржавали су мало друштво професионалних глумаца. Њихове
представе су извођене у Великој дворани племићке резиденције, често с подигнутом платформом
на једном крају за публику и "екраном" на другом крају за глумце. Такође су биле важне
Мамерове представе, извођене током божићне сезоне, и дворских маски. Ове маске су биле
нарочито популарне за вријеме владавине [Хенри VIII Тјудор|[Хенрија VIII]], који је имао
изграђену Кућу ревела и канцеларију за забаве, изграђену 1545. године.[58]

До краја средњовјековне драме дошло је због низа фактора, укључујући слабљење моћи
Католичке цркве, протестантске реформације и забране вјерских представа у многим земљама.
Елизабета I забранила је све религиозне представе 1558. године, а велике циклусне представе
ућуткане су 1580-их. Слично томе, религиозне представе биле су забрањене и у Холандији 1539,
Папској држави 1547. и Паризу 1548. Напуштање ових представа уништило је међународно
позориште које је тамо постојало и приморало је сваку земљу да развије свој властити облик
драме. Драматичарима је такође омогућено да се окрену секуларним темама и оживљавајућем
интересу за грчки језик и римско позориште пружило им је савршену прилику.[58]

Комедија дел арте и ренесанса

Детаљније: Комедија дел арте

Похлепни лик панталона, у комедији дел арте.

Трупе комедије дел арте вјековима су изводиле живахне импровизацијске представе широм
Европе. Настала је у Италији 1560-их. Комедија дел арте је била усмјерено на глумца и захтијевала
је мало сценографије и врло мало реквизита. Представа није настала из писане драме, већ из
сценарија названог лази, који је био лабава окосница, која је пружала ситуације, компликације и
исход радње, око којих би глумци импровизовали. У представама су се користили типске ликови
који су били подијељени у три групе: љубавници, мајстори и слуге. Љубавници су имали различита
имена и карактеристике у већини представа и често су била дјеца господара. Улога господара
обично се заснивала на једном од три стереотипа: лакрдијаш (pantalone) — старији венецијански
трговац, доктор (Il dottore) — лакрдијашев пријатељ или ривал, педантни доктор или адвокат који
се понашао далеко интелигентније него што је заиста био и цјепидлака (capitano), који је некада
био лик љубавника, али еволуирао је у хвалисавца који се хвалио својим подвизима у љубави и
рату, али често је био ужасно неквалификован у оба. Обично је носио мач и носио огртач и
пернати покривач. Карактер слуге (зван зани) имао је само једну понављајућу улогу: Харлекин
(arlecchino). Био је и лукав и незналица, али врстан плесач и акробата. Обично је носио дрвени
штап са разрезом у средини, тако да је стварао гласан шум кад је нешто ударио. Ово „оружје“ нам
је дало израз „урнебесна комедија“.[59]

Трупа се обично састојала од 13 до 14 чланова. Већина глумаца је плаћена узимањем удјела у

добити од представе, отприлике једнакој величини њихове улоге. Стил позоришта био је на свом
врхунцу од 1575. до 1650. године, али чак су и након тога написани и изведени нови сценарији.
Венецијански драматичар — Карло Голдони, написао је неколико сценарија почевши од 1734.
године, али пошто је жанр сматрао превише вулгарним, прецизирао је теме својих сопствених
дјела како би биле софистицираније. Написао је и неколико представа заснованих на стварним
догађајима, у које је укључио и ликове комедије.[59]

Комедија дел арте дозвољавала је професионалним женама да наступају од раног периода:

Лукресија ди Сијена, чије је име на уговору глумаца од 10. октобра 1564, означена је као прва
италијанска глумица која је позната по имену, док су Винченца Армани и Барбара Фламинија биле
прве примадоне и прве добро документоване глумице у Италији и Европи.[59]

Енглеско Елизабетанско позориште

Детаљније: Енглеско ренесансно позориште

Скица наступа у току, у позоришту Сван, 1596. године, која приказује типично елизабетански стил
отвореног крова позоришта.

Ренесансно позориште проистекло је из неколико средњовјековних позоришних традиција, попут

мистериозних представа које су чиниле дио вјерских фестивала у Енглеској и другим дјеловима
Европе током средњег вијека. Други извори укључују „моралне представе“ и „Универзитетску
драму“, које су покушале да поново створе атинску трагедију. Италијанска традиција комедије дел
арте, као и сложене маске које су често презентоване на суду, такође су допринијеле обликовању
јавног позоришта.[60]

Од прије владавине Елизабете I, компаније извођача су биле прикључене на домаћинства водећих

аристократа и сезонски су наступале на разним локацијама. Они су постали темељ
професионалним извођачима, који су наступили на Елизабетанској позорници. Турнеје ових
извођача постепено су замијениле представе мистерија и моралности, које су играли локални
извођачи, а закон из 1572. елиминисао је преостале компаније којима је недостајало формално
покровитељство означавајући их вагандовима.[60]

Власти града Лондона углавном су биле непријатељски расположене према јавним наступима, али
њихово непријатељство надмашено је од стране краљичиног укуса за представе и подршку
Државног савјета. Позоришта су се појавила у предграђима, посебно у слободи Соутварка, која је
градским становницима доступна преко Темзе, али изван контроле власти. Компаније су се
претварале да су њихови јавни наступи били обична проба за честе наступе пред краљицом, али
док је последња додјељивала престиж, први су били прави извор зараде професионалним
извођачима.[60]

Упоредо са економиком професије, карактер драме се мијењао крајем периода. Под Елизабетом
је драма била јединствен израз што се тиче друштвене класе: Суд је гледао исте представе које су
обични људи видјели у јавним играоницама. Развојем приватних позоришта, драма је постајала
више оријентисана према укусима и вриједностима публике више класе. У периоду при крају
владавине Карла I, писало се неколико нових представа за јавна позоришта, која су одржала
нагомилана дјела претходних деценија.[60]

Пуританско противљење позорници (информисано аргументима раних црквених отаца који су

писали плочице против декадентних и насилних забава Римљана) тврдили су не само да је
позорница уопште била паганска, већ да је свака представа која представља религиозну фигуру
била својствено идолопоклонство. Године 1642, након избијања Енглеског грађанског рата,
пуританске власти су забраниле извођење свих представа унутар градских граница Лондона.
Велики напад на наводне неморалности позоришта срушио је све што је остало у Енглеској од
драматичне традиције.[60]

Шпанско златно доба позоришта

Калдерон де ла Барка, кључна фигура позоришта у Шпанском златном добу.

Током шпанског Златног вијека, отприлике од 1590. до 1681. године,[61] Шпанија је доживјела
монументално повећање продукције позоришта уживо као и важности позоришта у шпанском
друштву. Била је то доступна умјетничка форма за све учеснике ренесансне Шпаније, а
спонзорисана је и од аристократске класе и од стране нижих класа.[62] Обим и разноликост
шпанских представа током златног доба била су без преседана у историји свјетског позоришта,
надмашивши, на примјер, драматичну продукцију енглеске ренесансе за најмање четири фактора.
[61][62][63] Иако је постојао велики број и критика колико и похвала шпанском позоришту током
Златног доба, због наглашавања количине прије квалитета,[64] велики број представа, од 10.000,
[62] до 30.000[64] још увијек се сматрају ремек-дјелима.[65][66]

Главни умјетници тог раздобља укључују Лопеа де Вегу, Шекспиовог савременика, који често и
савремено користи његову паралелу за шпанску сцену[67] и Педра Калдерона де ла Барку,
проналазача зарзуела — шпански обкик за музикчку комедију.[68] и Лопеовог насљедника као
врхунског шпанског драматичара.[69] Жил Висенте, Лопе де Руеда и Хуан дел Енсина помогли су
да се поставе темељи шпанског позоришта средином шеснаестог вијека,[70][71][72] док су
Франсиско де Рохас Зорила и Тирсо де Молина дали значајне доприносе у каснијој половини
златног доба.[73][74] Важни извођачи су Лопе де Руеда (претходно помињани међу
драматичарима) и касније Хуан Рана.[75][76]

Извори утицаја за настајуће позориште у Шпанији били су толико различити колико и позориште
које је основано. Традиције приповиједања потичу из италијанске комедије дел арте[77] и
јединственог шпанског израза путујуће забаве из западне Европе,[78][79] што је допринијело
популистичком утицају на наратив и музику раног шпанског позоришта. С друге стране,
неоаристотелска критика и литургијске драме допринјеле су књижевној и моралистичкој
перспективи.[80][81].Заузврат, шпанско позориште златног доба драматично је утицало на
позориште каснијих генерација у Европи и широм свијета. Шпанска драма имала је непосредан и
значајан утицај на савремена дешавања у енглеском ренесансном позоришту.[65] Такође је имала
трајан утицај на позориште у цијелом шпанском говорном подручју.[82] Поред тога, преводи се
све већи број дјела, повећавајући досег шпанског позоришта златног доба и јачајући његов углед
међу критичарима и покровитељима позоришта.[83]